EL BARROCO

Una sociedad cambiante

• A lo largo del siglo XVII se produce en el sur de Europa un proceso de consolidación de las monarquías absolutas, con un poder creciente de la autoridad monárquica y el arte actúa como un sistema eficaz de propaganda de dicho poder absoluto.

• En el norte de Europa, se dará un espectacular desarrollo del Capitalismo, la ciudad y sus actividades serán centros de expresiones novedosas, entre ellas la Reforma Protestante con sensibilidades diferentes, por ejemplo, el rechazo a las representaciones religiosas.

Características sociales del Barroco

• URBANO: El nuevo grupo dominante era el de los burgueses, a medida que prosperaron sus negocios, diversificaron sus actividades y se destacaron como comerciantes, financistas, negociantes, funcionarios o profesionales. Las casas burguesas eran suntuosas, muchas de dos plantas, con habitaciones para las distintas actividades que se llevaban a cabo en una casa y amuebladas según el uso que se les diera en cada caso.

• En los sectores populares urbanos estaban constituidos por un grupo muy heterogéneo y cambiante. Entre ellos se encontraban los artesanos, oficiales y aprendices, que estaban afectados por el declive de la producción gremial. La vida de este sector transcurría generalmente en sus casas, ya que generalmente trabajaban ahí. La mayoría de los hogares tenían un solo ambiente, carecían de comodidades y equipamiento debido a esto los obligaba a realizar muchas actividades en las calles.

• Por otro lado se encontraba un número cada vez más grande de pobres, llegados a las ciudades como consecuencia de la crisis rural y de guerras.

• RURAL: Los campesinos formaban el grupo más numeroso y sostenían, prácticamente al resto de la sociedad y al Estado. Hasta mediados del siglo XIX la economía era principalmente agraria. Un grupo minoritario de campesinos podía vivir holgadamente porque eran pequeños propietarios, pero no tenían representación política y les resultaba muy difícil defender sus derechos. La mayoría de los campesinos poseía tierras y trabajaban para otros, pasaban grandes necesidades de hambre y, además, pagaban impuestos.

• Arquitectura

• El Barroco representa la máxima exaltación del poder político y religioso de una nueva Europa. Las monarquías absolutas encuentran en el arte un nuevo medio de propaganda por el que transmitir a sus súbditos el poder. También la Iglesia católica se sirve del arte para transmitir sus doctrinas en oposición a las doctrinas protestantes. Concilio de Trento.

• Italia sigue siendo el centro donde aparecen las principales innovaciones, desde allí se extiende la renovación urbanística.

• La arquitectura sin modificar los elementos del Renacimiento, busca el movimiento, la monumentalidad y los efectos escénicos.

• En los edificios la escultura y la pintura se subordinan a la arquitectura, que persigue como objetivo sintetizar todas las artes.

• Italia • Es un arte creado al servicio de los grandes poderes del

momento: la Iglesia católica -cuestionada por los protestantes- y las monarquías absolutas, que pretenden servirse de él para exaltar su autoridad, y asegurarse la obediencia de sus súbditos y fieles respectivamente.

• Como arte propagandístico, empleará a menudo recursos de gran teatralidad con el objetivo de atraer y deslumbrar al que lo contempla.

• Frente a la serenidad clásica racional del Renacimiento, el Barroco opta por el mundo en movimiento y agitado de los sentidos. Por lo tanto, la tendencia del Barroco es la exageración y la ostentación.

• Características

• Aparece un repertorio de infinitas curvas: elipses, parábolas, espirales... que sustituyen a la obra equilibrada y racional del Renacimiento; ahora las columnas salomónicas se retuercen, los frontones son curvos y mixtilíneos. Los muros se curvan a la búsqueda de efectos luminosos.

• Siguen utilizándose la planta basilical y central pero con predominio ahora de la línea curva: plantas elípticas, circulares y mixtas.

• Se siguen utilizando el arco de medio punto y las bóvedas de cañón, pero se experimenta también con bóvedas estrelladas y se multiplican las cúpulas exteriores.

• La cúpula, uno de los máximos logros del renacimiento, seguirá usándose en su apariencia externa, pero en su interior quedará oculta su superficie semiesférica pura, decoradas con cielos pintados plagados de figuras que parecen ascender al infinito.

• Las fachadas de las iglesias se van haciendo más movidas y ricas en claroscuro, fachadas cóncavas y convexas, que se relacionan con el espacio urbano; se llenan de esculturas; las columnas se desprenden del muro y el efecto en general es de mayor riqueza y movimiento.

• En los interiores la escultura y la pintura se aliarán con la arquitectura creando un todo, en el que la percepción visual no sabrá distinguir donde empieza lo uno y dónde termina lo otro: trampantojos.

• Principales arquitectos y obras significativas

• Cronológicamente el primer gran arquitecto del Barroco es Carlo Maderna (1556-1629). Su obra principal será la conclusión de la Basílica de San Pedro transformando la estructura de Bramante y de Miguel Ángel de planta central en esquema longitudinal.

• También construyó la fachada de notable desarrollo horizontal donde empleó el orden gigante, ventanas rectilíneas y curvilíneas y un frontón central que remata con un ático coronado por estatuas.

• Lorenzo Bernini (1598-1680) • Bernini es el genio del siglo XVII, practicó todas

las disciplinas artísticas aunque el siempre se consideró escultor.

• Su estilo arquitectónico y urbanista buscaba la grandeza, la clara distribución de masas y la rica ornamentación interior. Su arquitectura puede definirse como clasicista y de raíz renacentista lo que le valdrá para recibir los grandes encargos de los papas a la hora de construir una Roma triunfal que recupera su supremacía espiritual y política que le prefieren a su rival Borromini mucho más transgresor e innovador.

• Entre sus obras más importantes se encuentra el Baldaquino de San Pedro, situado en el crucero de la iglesia bajo la gran cúpula de Miguel Ángel, es un gran dosel de bronce sostenido por cuatro columnas salomónicas.

• Como constructor de iglesias prefiere la planta central, sea de cruz griega, circular u oval como en la iglesia del Quirinal. Esta iglesia, inspirada en el Panteón romano, posee una planta ovalada, marcada por un pórtico semicircular en la fachada.

• Su obra maestra es la Columnata de la Plaza de San Pedro. Se trata de una plaza de forma elíptica rodeada de una gran columnata de cuatro filas de columnas en cuya primera fila se levantan estatuas también realizadas por él.

• Francesco Borromini (1599-1667) • Arquitecto de gran ingenio e imaginación, en un

principio colaborador de Bernini para después pasar a ser su rival y adversario con una obra totalmente contrapuesta.

• Su estilo arquitectónico se basa en la fantasía, en lo dramático y en la expresión arquitectónica del movimiento. Inventa elementos nuevos y formas novedosas.

• Sus edificaciones, de plantas complejas y geométricas, son de pequeño tamaño y materiales modestos ya que están al servicio de órdenes religiosas con pocos recursos al contrario que Bernini.

• Otras obras que abría que destacar serían Sant´Ivo della Sapienza con una original planta en forma de estrella mixtilínea que alterna líneas rectas con formas cóncavas y convexas. Formas que también combina en la cúpula.

• El pontificado de Inocencio X supuso su momento de mayor esplendor y reconocimiento. Es en este momento cuando realiza la fachada de la Iglesia de Santa Inés en la Plaza Navona.

• En Francia se destaca el modelo palaciego, desde el siglo XVII, unido de forma admirable a la naturaleza organizada en jardines.

• Palacio de Versalles

• Versalles es el símbolo perfecto del poder del monarca Luis XIV. Es una ciudad palaciega donde habitan la corte, los ministros y un numero enorme de funcionarios y servicios que rodean al Rey. El edificio está rodeado de hermosos jardines, donde transcurre la vida de etiqueta con un código de conducta de rígido ceremonial.

• El edificio responde a un plan simétrico, en cuyo centro se encuentran las habitaciones personales del Rey. Un gran espacio representativo, la Galería de los Espejos, que sirve para ostentar el poder del Rey, además de una favorable vista hacia los jardines y la apertura de grandes ventanas que inundan de luz el interior.

• Los jardines: el diseñador fue Le Nôtre, programó unos jardines fastuosos, de acuerdo con una organización geométrica que es una prolongación vegetal del edificio. Más allá se extendían bosques utilizados para la caza (actividad exclusiva de los nobles).

• Arquitectura barroca en Quito.

• La iglesia y el convento San Ignacio de Loyola de La Compañía de Jesús de Quito.

• La portada de su templo mayor, labrada totalmente en piedra volcánica, está considerada como una de las más importantes expresiones de la arquitectura barroca en el continente americano y del mundo.

• En el año 1597 el hermano español Francisco Ayerdi se hace cargo de los trabajos de construcción del templo de la orden jesuita en Quito, contando para ello con la ayuda de José Iglesias y José Gutiérrez. Lamentablemente, y pese a la buena voluntad, Ayerdi no reunía los conocimientos necesarios para tan titánica empresa, por lo que se tomó la decisión de reemplazarlo en 1605.

• Entre 1605 y 1614 el sacerdote italiano Nicolás Durán Mastrilli recibe los planos de la iglesia, llegados desde Roma y aprobados por la Compañía; y comienza a ejecutarlos con la ayuda del arquitecto vasco Martín de Azpitarte, bajo la dirección de obra del también jesuita Gil de Madrigal. Para 1614, ya parte de la obra estaba abierta al culto.

• El hermano Marcos Guerra llega desde Italia en 1636 para hacerse cargo de la construcción, a la que le imprime los gustos y formas del Renacimiento, estilo en el que tenía vasta experiencia antes de convertirse en clérigo. Es él quien introduce las cúpulas y bóvedas de cañón, además de las capillas laterales ornamentadas con cupulines. A Guerra también se le atribuyen los mejores retablos, la decoración completamente de oro y el púlpito.

• Otros jesuitas que colaborarían en la obra a lo largo de los años serían el padre Sánchez, los hermanos Simón Schonherr y Bartolomé Ferrer. El hermano Jorge Vinterer fue el creador del retablo mayor.

• En 1722 el padre Leonardo Deubler inició la construcción del impresionante pórtico de piedra volcánica gris, que no pudo terminar porque la obra fue suspendida en 1725; finalmente, en 1760 el hermano Venancio Gandolfi reinició los trabajos en la fachada inconclusa, que fue terminada el 24 de julio de 1765.

• Hay que recalcar que todas las obras concebidas por estos artistas europeos fueron puestas en práctica por artistas indígenas y mestizos de Quito, que le imprimían su sello personal a través de representaciones de flora nativa y símbolos de los pueblos ancestrales de la Audiencia.

• Iglesia y Convento de San Francisco.

• La imponente estructura ostenta el privilegio de ser el conjunto arquitectónico de mayor dimensión dentro de los centros históricos de toda América, y por ello es conocido como "el Escorial del Nuevo Mundo".

• San Francisco es, además, una joya de la arquitectura continental por su amalgama de diferentes estilos armoniosamente combinados a lo largo de sus más de 150 años de construcción.

• San Francisco atesora entre sus paredes más de 3.500 obras de arte colonial, de múltiples manifestaciones artísticas y variadas técnicas, especialmente aquellas correspondientes a la famosa Escuela Quiteña de arte, que nació precisamente en este lugar. Completa esta riqueza cultural la magnífica biblioteca franciscana, descrita en el siglo XVII como la mejor del Virreinato del Perú.

• La construcción de la iglesia y convento de San Francisco inició alrededor del año 1537, apenas tres años después de la fundación española de la ciudad, con la terminación de un templo provisional que se mantuvo hasta 1550, cuando se inició la construcción del edificio actual y que fue culminado hacia 1680. Aunque el edificio fue oficialmente inaugurado en el año 1705.

Escultura barroca

• La estatuaria barroca cumplió un papel muy importante en la decoración arquitectónica tanto interna como externa.

• A diferencia de las equilibradas y axiales esculturas del renacimiento, parecen posarse vivas sobre la base de piedra, prestas a salir de ella en cualquier momento.

• Los rostros sufren, se esfuerzan, apretando los labios o abriéndolos para gemir, los músculos se encuentran en tensión y las venas parecen latir bajo la piel, incluso cabellos y barbas, despeinados, plasman un estado de ánimo.

• El movimiento se convierte en una auténtica obsesión de los escultores barrocos, captando siempre en plena acción, hacia afuera, mediante composiciones abiertas en las que ropajes y miembros se proyectan violentamente hacia el exterior, en las que desaparece la simetría, en las que predominan las líneas sesgadas y los escorzos, en las que se multiplican los pliegues, los contrastes lumínicos, los puntos de vista, etc.

• Aparecen ángeles y arcángeles, santos y vírgenes, dioses paganos y héroes míticos, agitándose en las aguas de las fuentes o asomándose de sus nichos en las fachadas, cuando no sostienen una viga o están en los altares.

• Uno de sus grandes representantes será Gian Lorenzo Bernini en Italia.

• Su arquitectura como su escultura son las obras más representativas de este estilo y las que inauguraron el ciclo fueron las de Bernini, arquitecto y escultor casi exclusivo del Vaticano, del papa Urbano VIII, siendo su influencia enorme a lo largo de los siglos XVII y XVIII.

• Sus obras escultóricas se caracterizan por un profundo naturalismo, por la búsqueda de calidades texturales, casi pictóricas, tanto en pieles como en vestidos u otros elementos, por emplear escenografías barrocas en sus composiciones, donde es protagonista el movimiento, los gestos son siempre exaltados y las actitudes teatrales y dramáticas.

• Éxtasis de Santa Teresa de Bernini (1647-1651)

• Muy efectista y teatral, el pesado cuerpo de la santa aparece sobre las nubes, algo insólito en escultura, destacando además los pliegues y ligereza de la túnica; Bernini nos ofrece de nuevo una imagen momentánea: el momento en que el ángel levanta el dardo para volverlo a clavar e insuflar de amor por Dios a Teresa, ; esta escena escultórica se integra en un gran marco arquitectónico también compuesto por Bernini.

Apolo y Dafne

Rapto de Proserpina

fuente de los cuatro ríos

Ludovica Albertoni

David

Luis XIV

• En España predominan las imágenes religiosas talladas en madera (imaginería) que posteriormente se policroman. Entre los trabajos más destacados están los retablos para altares de iglesias donde aparecen figuras exentas y en bajorrelieve. Los temas mitológicos y profanos están ausentes y sólo en el ámbito de la corte se da escultura monumental.

• Las características generales son: sentido de movimiento, energía, tensión, composición asimétrica con predominio de las diagonales y los escorzos, fuertes contrastes de luces y sombras que realzan los efectos escenográficos y el naturalismo.

• Las figuras no son simples estereotipos, sino que se presentan de forma individualizada, con personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones reflejadas en los rostros de los personajes.

• Podemos hablar de la existencia de dos grandes escuelas: la castellana y la andaluza.

• Escultura Barroca: la Escuela Castellana • Centrada en Valladolid y Madrid, presenta un

realismo exagerado, patético, lleno de dolor y sangre, con un profundo dinamismo y unos rostros de gran expresión, pero sin caer en vulgaridades.

• Gregorio Fernández (1576-1639) • De origen gallego, se instaló en Valladolid donde

creó un taller con numerosos seguidores. A través de la anatomía intenta revelar la vida interior de sus personajes. Las cabezas son enormemente expresivas. Los ropajes, de formas quebradas y ricas en claroscuro, intensifican su expresión.

• Escultura Barroca: la Escuela Andaluza • Se extiende por Sevilla, Granada y Málaga. Huye

del realismo exagerado buscando la belleza sin rehusar del contenido espiritual. El realismo se idealiza predominando la serenidad y las imágenes bellas y equilibradas con un modelado suave.

• Juan Martínez Montañés (1568-1694) • Es el creador de la escuela sevillana. Su

producción es casi toda religiosa. Su talla está bien modelada, sus ropajes voluminosos dan grandiosidad a la imagen y concede gran importancia a la anatomía.

• La obra que revela su verdadera personalidad es El Cristo de la Clemencia en la catedral de Sevilla. Sin excesivo dramatismo, con poca sangre y aún vivo, mira hacia abajo en actitud de conversar con el devoto. Responde al crucifijo con dos clavos en los pies, pero para evitar demasiada simetría, las piernas aparecen cruzadas.

Cristo de la Clemencia

• Juan de Mesa (1583-1627)

• Se formó como aprendiz en el taller de Montañés. Sus clientes fueron principalmente cofradías procesionales. El crucifijo es el tema más frecuente en su producción y en especial, las imágenes de Cristo antes de la muerte.

• La culminación de su dramatismo está en El Jesús del Gran Poder de la Iglesia de este nombre en Sevilla. Es una imagen procesional de vestir, es la imagen sufriente y envejecida por la cruenta pasión.

• Alonso Cano (1601-1667)

• Fue un artista completo, pintor, escultor y arquitecto. Su producción pasa por tres momentos, sevillano, madrileño y granadino.

• En Sevilla realiza el Retablo de la Iglesia de Nuestra Señora de Oliva de Lebrija. La Virgen de Oliva muestra su estilo idealizado, que aparece de forma solemne, casi hierática, recogiendo su manto en la parte superior.

• Para la catedral de Granada hace una Inmaculada. Con la cabeza inclinada, abstraída, parece sobreponerse al espacio y al tiempo. El manto la envuelve en amplias curvas. Se trata de pequeñas imágenes con las que crea tipos nuevos, con un equilibrio armónico entre el idealismo y el realismo.

Pintura barroca

• Al igual que en la arquitectura, la pintura y escultura también serán instrumentos al servicio del poder. Su finalidad es transmitir un mensaje fácil de comprender por el espectador, es decir un rol narrativo. Se expresan el triunfo y esplendor de la Iglesia como de las monarquías absolutas con el empleo de recursos teatrales y escenográficos.

• En pintura convivirán dos tenencias: naturalista que persigue el realismo a través de fuertes efectos lumínicos; y una tendencia clasicista que prolonga la tradición renacentista de búsqueda de la belleza. Aunque en líneas generales hay matices en el resto de Europa. Por ejemplo, en Holanda, con Rembrandt, la pintura seguirá un camino original y diferente al resto de Europa.

• Temáticas: Religiosa, tanto en Iglesia como en palacios. Se cuenta la vida de Cristo y se presentan modelo de conducta a seguir (por ejemplo, los santos).

• Mitológica, se la utiliza como decorativa junto con la ideas de transmitir valores morales.

• Retrato, tendrá mucho éxito como forma de exaltar poderosos y gobernantes; nace lo que se llama el retrato oficial donde la figura principal aparece en un rico escenario rodeado de telas y elementos simbólicos. También se destaca el retrato burgués de características más sencillas que el anterior.

• Pintura de género, muestra escenas de la vida cotidiana, también bodegones o naturalezas muertas, alegorías y vánitas.

• La pintura barroca del Siglo de Oro en España tiene una serie de características más o menos comunes:

• Predominan los temas religiosos porque es el momento de la Contrarreforma.

• Los pintores españoles reciben la influencia del tenebrismo de Caravaggio en el tratamiento de la luz, aunque luego lo abandonan.

• Existe una deliberada ausencia de sensualidad en la pintura como consecuencia del periodo histórico que se vive, muy influido por el miedo a la Inquisición.

• El principal cliente de los pintores es la poderosa Iglesia de la época. (Excepto en el caso de Diego Velázquez y otros pocos pintores de la Corte).

Caravaggio

• Salvo en sus principios, Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas religiosas.

• A menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes. Dos de los reproches habituales eran el realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano, así como la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición.

• En lugar de buscar bellas figuras etéreas para representar los actos y personajes de la Biblia prefería escoger a sus modelos de entre el pueblo: prostitutas, chicos de la calle o mendigos posaron a menudo para los personajes de sus cuadros.

• La pintura de Caravaggio que causaría el mayor escándalo a los ojos de la Iglesia fue La muerte de la Virgen, por la representación tan realista del cuerpo de la Virgen María con el vientre hinchado -acompañado de sulfurosos rumores según los cuales el modelo habría sido el cadáver de una prostituta encinta ahogada en el Tíber.

• Caravaggio creó una nueva forma de naturalismo, en la que combinó figuras cerradas con la observación física, dramática y teatral de los objetos, a lo que sumó el aprovechamiento del claroscuro es decir, el uso de luces y sombras.

• José de Ribera

• José de Ribera es uno de los grandes artistas de la pintura barroca española. Se formó en Valencia, pero joven marcha a Italia y se empapa de las influencias del tenebrismo de Caravaggio.

• Ribera sintió predilección por pintar cuadros que mostraban las gentes sencillas de la época. Ribera destacó por su impecable y realista tratamiento de la piel y de las arrugas.

José de Ribera

• Cultivó un estilo naturalista que evolucionó del tenebrismo de Caravaggio hacia una estética más colorista y luminosa, influida por Van Dyck y otros maestros. Contribuyó a forjar la gran escuela napolitana (Giovanni Lanfranco, Massimo Stanzione, Luca Giordano...), que le reconoció como su maestro indiscutible; y sus obras, enviadas a España desde fecha muy temprana, influyeron en técnica y modelos iconográficos a los pintores locales, entre ellos Velázquez y Murillo.

• Pintura Barroca Española de la Escuela Andaluza (Sevilla)

• Zurbarán es el llamado "pintor de frailes", porque recurrió mucho a las representaciones de frailes y de temas religiosos. También realizó bodegones.

• Casi toda la obra de Zurbarán es tenebrista. En ella no importa la perspectiva y se aprecia una falta de habilidad en la composición. Zurbarán emplea una pincelada fina que hace acusar visualmente el volumen y el peso.

Zurbarán • Contemporáneo y amigo de Velázquez, Zurbarán

destacó en la pintura religiosa, en la que su arte revela una gran fuerza visual y un profundo misticismo.

• Fue un artista representativo de la Contrarreforma. Influido en sus comienzos por Caravaggio, su estilo fue evolucionando para aproximarse a los maestros manieristas italianos.

• Sus representaciones se alejan del realismo de Velázquez y sus composiciones se caracterizan por un modelado claroscuro con tonos más ácidos.

• Murillo

• Se centró también en la temática prácticamente religiosa. A diferencia de Leal, Murillo representa la cara dulce de la Contrarreforma. Fue muy popular y querido. Sus clientes fueron las órdenes religiosas y algunos párrocos.

• Se produce una evolución en sus trayectoria como pintor, ya que al principio se adhiere al tenebrismo y pinta escenas de cámara, cuyos protagonistas son los niños. Si embargo, en sus últimas años su pintura se hace más colorista.

• Valdés Leal fue un pintor que se recreó en reflejar la parte más cruda de la vida. Leal simboliza la visión dura de la contrarreforma. Son famosas sus "Alegorías de la muerte".

• En la obra El fin de la Gloria del mundo. (Finis gloriae mundi). Valdes Leal hace todo un alarde de crudo realismo, incluyendo la figura del esqueleto de un cadáver. En esta célebre pintura expresó que la muerte es igual para todos.

• De similar temática e intención es otra de sus obras más duras. In ictu oculi.

• Diego Velázquez

• Es el pintor barroco español más importante y una de las máximas figuras de la pintura universal porque aplica su genio con fortuna en todos los temas: religiosos, mitológicos, retratos, históricos, paisajes, bodegones, etc.

• Velázquez nace en 1599 en Sevilla y muere en Madrid en 1660, por tanto realiza sus obras en la primera mitad del siglo XVII, en la corte española que está regida todavía por los Austrias. Velázquez será el pintor de cámara de Felipe IV.