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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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Presentación
Después de unas merecidas vacaciones, Ecos de Asia retoma su actividad habitual, dando comienzo al curso escolar con energías renovadas. Septiembre es un mes cargado de ilusiones y buenos propósitos, y por ello os traemos un número repleto de sorpresas para que os acompañe durante vuestra particular rentrée.
Carolina Plou Anadón prosigue con su serie de artículos sobre la presencia de Asia en los dibujos animados, analizando este mes el caso de Phineas y Ferb; continuando también la serie sobre la Ruta de la Seda. Otra interesante serie que encuentra continuidad en septiembre, es la titulada El reflejo del otro, con la que María Gutiérrez nos trae ejemplos de muñecas occidentales de resabio oriental, analizando en esta ocasión el caso de Barbie en su versión nipona.
También del país del Sol Naciente y sus artes plásticas nos hablan nuestros colaboradores David Lacasta y Daniel Rodríguez, con sendos artículos sobre porcelanas y lacas japonesas. Precisamente en Japón se encuentran los orígenes de una disciplina tan interesante como es el karate, tal y como se encarga de contarnos José Ángel García González. María Gutiérrez, por su parte, habla sobre el peculiar caso del baile japonés yosakoi a través del anime, mientras que Pablo Begué da comienzo a una curiosa serie sobre dibujos del mundo sobrenatural del Japón.
El mundo audiovisual, siempre presente en nuestra revista, nos deja en este número algunos ejemplos especialmente importantes, como es el caso de A Girl Walks Home Alone, considerada la primera película de terror iraní, que Elisabet Bravo nos desgrana en su artículo. Por su parte, David Lacasta se ocupa de dos muestras recientes del cine chino y surcoreano, como Brotherhood of blades (2014) o Haemoo (2014). Y en otro orden de cosas, Marisa nos trae un análisis sobre la realidad política del Líbano a través de los cómics de Zeina Abirached.
Sin embargo, el artículo más destacado del mes es sin duda la entrevista realizada al grupo musical de origen catalán GAS, que se caracteriza por cantar sus canciones en chino mandarín. Un caso excepcionalmente peculiar que merece vuestra atención.
ÍNDICE DE CONTENIDOS
Historia y Pensamiento
La Ruta de la Seda II. Del siglo III al siglo VII d.C. Por Carolina Plou. 4
El karate y las islas Ryukyu: caminos paralelos. Por José Ángel García. 9
Arte
La laca japonesa urushi I: definición, elaboración y técnicas. Por Daniel Rodríguez. 13
Las primeras porcelanas japonesas: Imari, Kakiemon y Nabeshima. Por David Lacasta. 20
Cine y Televisión
Un paseo por Bad City: A girl walks home alone at night (Ana Lily Amirpour, 2014). Por Elísabet Bravo. 24
Aprendiendo Asia II: un largo día de verano. Por Carolina Plou. 28
Haemoo (Sea Fog, 2014). Por David Lacasta. 36
El yosakoi a través del anime: el caso de Hanayamata. Por María Gutiérrez. 39
Brotherhood of blades (2014). Por David Lacasta. 42
Tirano (2014-…): familia, poder, oriente y televisión II. Por Marisa Peiró. 45
Música y Escenarios
Entrevistamos a Gas: pop-rock occidental cantado en chino. Por Staff de Ecos de Asia. 56
Cultura Visual
De Sekien a Studio Ghibli: lo sobrenatural en la imagen dibujada del Japón (I) Espíritus y espiritualidades del Japón tradicional y moderno. Por Pablo Begué. 62
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A todo esto, debemos añadir las críticas y reseñas breves de algunos de nuestros colaboradores habituales, como Ana Asión, Carolina Plou Anadón, Laura Martínez o María Gutiérrez, que analizan tanto películas, como cómics o exposiciones. Mención especial merece el análisis de las Jornaícas del manga y el anime, celebradas en Zaragoza durante este mes.
Desde las artes del Japón más tradicional hasta la rabiosa actualidad del panorama cultural zaragozano, el número que ahora tenéis ante vuestros ojos os hará vibrar en un intenso recorrido por toda Asia.
Fdo. La Dirección.
ISSN 2341-0817
Ecos de Asia somos:
Dirección y coordinación: Marisa Peiró, Carolina Plou.
Tesorería: Marisa Peiró.
Secretaría: Carolina Plou.
Responsable edición web: Carolina Plou.
Responsable edición en pdf: Carolina Plou.
Comité de redacción: María Gutiérrez, David Lacasta, Laura Martínez, Marisa Peiró, Carolina Plou.
Comité científico: Ana Asión, Elísabet Bravo, María Galindo, María Gutiérrez, David Lacasta, Laura Martínez, Marisa Peiró, Carolina Plou, Claudia Sanjuán.
Colaboradores en materia web: Alberto Clavería y Fernando Sánchez.
ÍNDICE DE CONTENIDOS
Cultura Visual (cont.)
Ciudad, memoria y la Guerra Civil del Líbano en la obra de Zeina Abirached. Por Marisa Peiró. 66
Varia
El reflejo del otro II: el caso de Barbie y Japón. Por María Gutiérrez. 72
Crítica
Visitamos la exposición La ciudad en Viñetas, con protagonista japonés hasta el 6 de septiembre. Por Carolina Plou. 79
Crítica de las XIX Jornaícas del manga y el anime. Por María Gutiérrez. 82
Crítica: One by two (2014). Por Laura Martínez. 85
Crítica: Aprendiendo a conducir (2015). Por Ana Asión. 87
Crítica: Lost for words (2013). Por Laura Martínez. 89
Crítica: El bailarín del desierto (2015). Por Ana Asión. 92
Crítica: Amira & Sam (2014). Por Laura Martínez. 94
Crítica: Hanzô, el camino del asesino. Por María Gutiérrez. 96
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Tras un artículo dedicado a explicar
la trascendencia de la Ruta de la
Seda y otro desarrollando los
primeros siglos de esta vía,
proseguimos con esta panorámica
sobre uno de los ejes articuladores
del continente euroasiático durante
una buena parte de la Historia.
Nos habíamos quedado en el siglo
III d.C., cuando todavía se
mantenía un clima de estabilidad
política que permitía el
florecimiento de las
comunicaciones en la Ruta. No
obstante, el siglo IV supuso un
cambio en este panorama,
especialmente al final, a partir de la
división del Imperio Romano.1 Este
acontecimiento suponía una
constatación del debilitamiento del
Imperio, lo cual facilitó la llegada
de una nueva oleada de pueblos
germánicos, que contribuiría
notablemente al colapso del
Imperio Romano de Occidente
(acaecido en el año 476). Por su
parte, en la división oriental se consolidaba el
Imperio Bizantino, que vería su esplendor en
época de Justiniano (527 – 565).
No fue el extremo occidental de la ruta el
único que sufrió cambios notables en su
configuración política. En la zona central de
Asia, el Imperio Parto desapareció a favor de
1 A la muerte del emperador Teodosio, en el año 395, el Imperio Romano quedó dividido en dos partes, la occidental y la oriental, controladas respectivamente por sus hijos, Honorio y Arcadio.
la Persia Sasánida (227 – 637), mostrando
además una política muy expansiva que
alcanzó el antiguo Imperio Khusán.2
2 Éste, sin embargo, se encontraba también en plena decadencia: la dinastía Kusana había sido derrocada por un vasallo, llamado Kidara, creándose el reino kidarita, que aunque era más humilde que su predecesor, logró cierta prosperidad. A partir del siglo V, diversas oleadas de hunos blancos y posteriormente el Islam acabaron definitivamente con los vestigios de este pueblo.
La Ruta de la Seda II. Del siglo III al
siglo VII d.C. Por Carolina Plou
Mapas. Arriba, fragmentación del Imperio Romano a la muerte de Teodosio (fuente: wikipedia). Abajo, Imperio Bizantino durante el reinado de Justiniano I, incluyendo en
verde sus conquistas (fuente:wikipedia).
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En la India, por su parte, se había
consolidado la dinastía Gupta,3 fronteriza con
el Imperio Sasánida. En Asia Central seguía
manteniéndose como enclave de importancia
el pueblo sogdiano, en territorio de los
actuales Tayikistán y Uzbekistán.4
En el otro extremo de la Ruta de la Seda,
China no pasaba por una situación mejor.
Atravesaba un momento de fragmentación
política, que históricamente se ha dividido en
dos periodos, conocidos como la época de los
Tres Reinos y Seis Dinastías y los Dieciséis
Reinos.5
3 Esta dinastía trajo a las regiones septentrionales de India y a los actuales Pakistán y Bangladés un periodo de paz y prosperidad, como ocurrió en algunos de los nuevos reinos que estaban surgiendo en estos siglos, gracias al cual la cultura india recibió un gran impulso. Las bases del Imperio Gupta consistían en un sistema administrativo eficaz puesto al servicio de un poder central, que a su vez permitía la autonomía de las provincias en los tiempos de paz. En este sustrato, el hinduismo terminó de perfilarse y cobrar forma, fijándose las principales divinidades y prácticas religiosas, y a la vez articulando la sociedad en un rígido sistema de castas. La prosperidad que alcanzó el Imperio Gupta fomentó un gran comercio exterior, hasta tal punto que contribuyó de manera importante a la expansión de las ideas y formas artísticas y arquitectónicas hinduistas y budistas se expandieran por Borneo, Camboya, Indonesia y Tailandia. 4 Dentro del territorio del pueblo sogdiano se encontraban enclaves fundamentales para el desarrollo de la Ruta de la Seda, como eran las ciudades de Samarcanda y Bujará. Este pueblo había mantenido relaciones comerciales con China desde el siglo I a.C., aunque a menor nivel que otros pueblos contemporáneos. 5 El periodo de los Tres Reinos y Seis Dinastías (221 – 581) se caracterizó por su inestabilidad política: tras la caída de la dinastía Han, tres poderosos clanes enfrentados proclamaron en distintas regiones sus propios reinos: el de la dinastía Wei (proclamado por la familia Cao), el estado de Shu (con Liu Bei a la cabeza) y el reino de Wu (en el que, pocos años después, su gobernante Sun Quan se autoproclamó emperador). Mientras sucedía todo esto, la dinastía Jin trató de mantener China unificada. Durante un breve periodo, los Jin Occidentales lograron unificar los Tres Reinos, entre los años 265 y 316, sin embargo no lograron estabilizar la situación y pronto se produjo una fragmentación mayor. A partir del año 317, la dinastía
Con este mapa político, en el que los cambios
se concentran en una horquilla temporal pero
no suceden todos simultáneamente, dando
una gran inestabilidad a buena parte del
recorrido, sería fácil suponer que el periodo
comprendido entre los siglos IV y VII fue un
momento negro en el que el comercio y las
comunicaciones se detuvieron por completo.
Esto no fue exactamente así, y aunque es
cierto que el comercio se resintió (la ruta
terrestre topó con la barrera de la Persia
Sasánida, y la ruta marítima también tenía
problemas ocasionados por persas y etíopes),
no desapareció, ya que Occidente seguía
Jin Oriental continuó gobernando, únicamente, en sus territorios del sur. Los Dieciséis Reinos en los que quedó dividido el antiguo Imperio Han estaban formados por pueblos de etnia no china (entendiendo etnia china como Han), y esta situación de caos condujo al periodo de las Dinastías Meridionales y Septentrionales, en el cual los distintos reinos se agruparon y se produjo un primer estadio de unificación. Todo este proceso finalizaría con la llegada de la dinastía Sui (581 – 618), que lograría la unificación completa del territorio chino.
Detalle de una pintura en la que se muestra el proceso tradicional de elaboración de la seda.
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demandando los
productos orientales
(principalmente sedas,
pero también otros
productos de lujo), tanto
para las cortes como
para el alto clero ya
asentado. De esta
manera, además de los
tejidos, existía un
importante tráfico de
objetos de vidrio,
metales preciosos,
perfumería, especias y
opio, entre otros
productos.
En estos siglos, además,
se produjo otro
fenómeno de
importancia, y es que
por primera vez se va a
conocer en otras zonas
geográficas y culturales
el procedimiento de
realización de la seda. El
primero de los lugares
en los que se conoció la
técnica fue Jotán,6 en
torno al 420 – 440. El origen se encuentra en
una historia con un componente legendario,
recogida en el Tang su (Historia de la dinastía
Tang), por el cual la sericultura se implantó a
consecuencia del matrimonio de uno de los
soberanos de Jotán con una princesa china,
que para poder seguir vistiendo sus lujosos
ropajes de seda se ve obligada a sacar
clandestinamente de su país huevos de
gusano, escondidos en su cabellera.
6 Esta ciudad, que tienen su origen en un oasis del desierto de Taklamakán, fue una de las primeras fuentes de jade que tuvo China. Además de ello, su situación en el ramal sur de los que bordeaban dicho desierto, le confería una posición estratégica, facilitando su comercio directo con regiones meridionales.
El segundo lugar al que llegó la sericultura fue
al Imperio Bizantino, en época de Justiniano,
aproximadamente entre los años 550 y 555.
Según textos de Procopio de Cesárea y
Teófano de Bizancio relativos al Extremo
Oriente, dos monjes, presumiblemente
nestorianos, recorrieron la Ruta de la Seda,
por encargo del propio emperador Justiniano,
recorriendo la ruta del Cáucaso y evitando
Persia, para traer de allí los “granos” (huevos)
del gusano escondidos en sus bastones
huecos. Sin embargo, esta historia quedó en
un episodio aislado debido a varios factores:
en primer lugar, es posible que los gusanos
que llegasen fuesen de una especie no
demasiado preciada, y junto a ello, el afán de
Distintas fases del proceso de fabricación de la seda.
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Justiniano por crear un monopolio de
producción de seda vinculado a la corte
terminó ahogando la incipiente industria
bizantina de la seda.
En el recorrido de la Ruta de la Seda tuvo
además gran importancia, durante esta
etapa, un enclave sobre el que primaba el
valor religioso, un lugar de peregrinación,
las Cuevas de los Mil Budas.7 Este centro
de oración budista alcanzó tal relevancia
como para convertirse en un lugar de
referencia para la religión budista y una
puerta entre Occidente y China, a pesar
de su incómoda situación en mitad del
desierto del Gobi.
Además de estos contactos comerciales y
religiosos, también hubo relaciones
diplomáticas y de mutuo conocimiento,
aunque éstas fueron menores que en la
etapa anterior y evidencian que no existía
tampoco entonces un conocimiento
profundo del pueblo chino. El mayor
ejemplo lo encontramos en el historiador
romano Amiano Marcelino, en su Res
Gestarum Libri XXXI (comúnmente
conocido sencillamente como Historias),
que habla de los chinos (todavía
denominados “seres” o “seras”) con una serie
7 También conocidas como cuevas o grutas de Mogao o cuevas de Dunhuang, se trata de un conjunto de templos excavados en la roca de los acantilados, en los cuales se encuentran una gran cantidad de pinturas murales, muchas de las cuales fueron realizadas por viajeros, pero también una gran cantidad de esculturas, todo ello con los temas búdicos como principales protagonistas. Este enclave, que pervivió desde el siglo IV hasta el XIV, recibió y almacenó además gran cantidad de textos (no exclusivamente religiosos) en multitud de lenguas: sánscrito, sogdiano, hebreo, tibetano y chino, amén de muchas otras desconocidas. Tras su abandono, todo este conjunto cayó en el olvido, hasta que en el siglo XX fue descubierto por el arqueólogo británico de origen astrohúngaro Marc Aurel Stein (el Museo Victoria and Albert dedica una sección en su web a los descubrimientos de Stein en Asia Central).
de generalidades, entre las que se insiste en la
procedencia vegetal de la seda.
Los cambios acaecidos a partir del siglo VII
suponen una variación del panorama lo
suficientemente relevante como para que
podamos reservarlos para la siguiente entrega
de la serie.
Cuevas de Mogao. Arriba, exterior (fuente: wikipedia) y abajo, pintura que representa el Viaje al Oeste.
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Mapas. Arriba a la izquierda, Imperio Sogdiano (fuente: dandebat.dk). Arriba a la derecha, Imperio Persa Sasánida (fuente: revistacultural.ecosdeasia.com). Abajo, dinastía Gupta (fuente: wikipedia).
Mapas de la evolución china durante el periodo de los Dieciséis Reinos (fuente: chinatouristmaps.com).
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¡Ha nacido un arte marcial! ¿Se podría
afirmar con rotundidad que el karate tiene
su origen en estas islas japonesas? La mayor
parte de historiadores e investigadores de
esta disciplina, así como la mayoría de
libros dedicados a su difusión y estudio,
asumen la teoría más difundida y aceptada
por la comunidad debudokas (practicantes
de artes marciales) según la cual los
prolegómenos de este arte marcial se
encuentran en las islas Ryukyu. Para ello se
basan en la existencia de un sistema de
lucha primitivo (TE), practicado por los
habitantes de estas tierras, que con el paso
del tiempo se fusionó con técnicas de artes
marciales chinas y dio origen a finales del
siglo XIX y comienzos del XX a lo que
actualmente conocemos como karate. Ante
este planteamiento histórico se debería
responder a diversas cuestiones básicas que
aún hoy en día nadie ha resuelto, debido a
la falta de documentación y vestigios
históricos de un arte transmitido oralmente
a lo largo de generaciones, y que se
intentarán plantear y elaborar en este
artículo. ¿Desde cuándo existía el TE en
estas islas? ¿Cómo y por qué surge este
sistema de lucha primitivo? ¿Es originario del
archipiélago de las Ryukyu o pudo ser
introducido desde otros lugares?
Para poder responder a estas preguntas, así
como a interrogantes posteriores, hay que
señalar las tres vías por las que llegaron los
primeros pobladores a estas islas. La primera
desde el norte de Asia hacia las principales
islas japonesas, y de ahí al sur; la segunda
desde Mongolia y Manchuria, a través de la
península de Corea; y la tercera desde el
sureste asiático, atravesando Filipinas y
Formosa, llegando a las islas Ryukyu por el
sur del archipiélago.
La primera vía está justificada por la
existencia de restos encontrados de la cultura
neolítica Jomon (11.000?-300 A.C.) que
coinciden con otros de similares
características en el Este y Norte de Japón. La
segunda vía puede probarse de diversas
El karate y las islas Ryukyu:
caminos paralelos Por José Ángel García
Monumento al karateka Funakoshi Gichin.
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maneras, siendo una de las más importantes
la propagación del cultivo de arroz durante la
cultura Yayoi(300 A.C.-300). La tercera vía
es la que apenas se ha tenido en cuenta para
realizar estudios sobre los orígenes del karate,
y por tanto la que se desarrollará en este
texto.
Esa tercera vía de llegada, llamada “Corriente
Negra” por algunos autores y “Camino de
Altamar” por Sasaki Komei, se basa en
estudios realizados por Kunio Yanagita a
principios del siglo XX en su afán por
descubrir el origen del pueblo japonés. Estas
investigaciones fueron publicadas entre 1950
y 1953 y fueron muy criticadas por lingüistas
principalmente, ya que la lengua del
archipiélago de las Ryukyu se formó al
desarrollarse la lengua japonesa antigua
desde las principales islas de Japón hacia el
sur. Incluso existiendo pocas pruebas de la
existencia de esta corriente de sur a norte, son
fehacientes las evidencias de las que se
disponen: se han descubierto hallazgos de
personas enterradas en la ciudad de Iizuka en
Fukuoka con pulseras de caracol provenientes
de los mares del sur. Estos lugares llegan a
más de cuarenta y sobrepasan la cifra de
cuatrocientas las pulseras confeccionadas con
este caracol. En 1970, el profesor Nagai
Masafumi (doctor en medicina y antropólogo
que se dedicó a la investigación de los restos
humanos antiguos) confirmó que los
caracoles Tricornis y Conidae habían sido los
usados en la confección de estas pulseras.
Éstos habitan en las aguas marinas de
Filipinas, Nueva Guinea y las islas Fiji, siendo
por tanto viable la llegada de pobladores a
través de la “Corriente Negra”.
Otro investigador y autor, George H. Kerr, en
su obra Okinawa: the history of an island
people (“Okinawa: la historia de la gente de
una isla”) expone una afinidad cultural
importante entre las formas de agricultura y
pesca de Indonesia y Melanesia con la
cultura Yaeyama (islas pertenecientes a la
prefectura de Okinawa), así como admite la
llegada de un boxeo de manos y pies (karate)
procedente de Indochina. De Indochina
llegaron por mar pobladores que, entre otras
cosas, llevaron la faja que usan los luchadores
de sumo en Japón. Otras evidencias que
demuestran la validez de la “teoría de
Altamar” se basan en la similitud de la
arquitectura en las islas Tobago (300 kms. al
sur de las islas Ryukyu) y zonas rurales de
Okinawa. Estas viviendas consisten en
plataformas de madera elevadas con paneles
correderos en los lados y techos de paja.
También se constata una analogía total en la
forma de recogerse el pelo entre las mujeres
malayas y filipinas y las de las islas Ryukyu.
En estas últimas es llamado Katakashina y
consiste en una especie de nudo alto en el que
el pelo se reúne en forma de moño.
Hay que tener en cuenta que la India ya
disponía hace 2600 años del kalaripayat, un
sistema de lucha practicado en la región de
Kerala, considerado erróneamente por
muchos autores el arte marcial más antiguo
del mundo, pues una especie de boxeo se
practicaba en Etiopía y Mesopotamia hace
entre 5000 y 6000 años. También en el
antiguo Egipto, durante el Imperio Medio
(2050-1750 A.C.) existía otro sistema de
lucha que incluía el uso de palos en actos
religiosos y seculares. Por tanto ¿pudo llegar
un arte marcial a las islas Ryukyu procedente
de la India o de otros lugares, a través del
sudeste asiático? Efectivamente, durante el
período védico (1300-900 A.C.) se produjo la
entrada de los pueblos arios en la India,
procedentes, entre otras regiones, de
Mesopotamia. Pudieron haber llevado
consigo técnicas de lucha antiquísimas
originarias de las regiones de las que
procedían, mezclándose posteriormente con
las autóctonas de la India, como
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el kalaripayat, y en las migraciones sucesivas
alcanzar las islas Ryukyu desde el sudeste
asiático para instalarse en ellas. Analizando
todo lo anterior, sería viable dar como válida
la teoría de la introducción de técnicas de
lucha foráneas que pudieron ser asimiladas
por los primeros pobladores del archipiélago
de las Ryukyu.
Según transcurrían los siglos se hacía más
patente la influencia china en la vida diaria de
los habitantes de estas islas. Se debe recordar
que este archipiélago constituyó un reino
independiente desde su unificación por el rey
Sho Hashi (1371-1439) hasta la anexión a
Japón en 1879. La cultura china se había
convertido en la referencia que inspiraba a los
gobernantes y la población del archipiélago
de las Ryukyu. Ello propiciaba el envío de
personal diplomático, apertura de rutas
comerciales por ambas partes y toda una serie
de intercambios culturales recíprocos. Se
debe señalar el establecimiento en el año 1393
de Las 36 familias, procedentes de China, en
la zona de Kuninda (Naha) durante la
dinastía Satto (1350-1407) y la influencia
ejercida a partir de entonces en las técnicas
de lucha primitivas existentes en las islas
Ryukyu.
En el año 1507 el rey Shin Sho prohibió el uso
de armas en Okinawa, lo que propició que los
habitantes de las islas tuviesen que recurrir a
medios para defenderse a sí mismos y, por
tanto, seguir la práctica del TE
clandestinamente. Esto se reforzó en 1609
con otra prohibición similar dictada por el
clan Satsuma de Japón, ya que, aun siendo el
archipiélago de las Ryukyu un reino
independiente, siempre había sido voluntad
de los gobernantes japoneses ejercer el
control sobre estas islas sureñas. Es a partir
de este siglo cuando las técnicas de lucha
primitivas comenzaron a mezclarse con las
importadas de China, entre ellas las
originarias en el Monasterio Shaolin, que
llegaron a Okinawa a través de la región de
Fuzhou (China). Así perduraron hasta el siglo
XX, perteneciendo el archipiélago de las
Ryukyu a Japón, y convirtiéndose el karate en
1904 en una asignatura obligatoria en las
escuelas públicas de Okinawa. A partir de ahí
pasó a las principales islas japonesas, y al
igual que otras disciplinas orientales que se
introdujeron en el país del sol naciente, su
expansión por todo el mundo fue cuestión de
pocos años.
Esta mezcla de pueblos y culturas es
apreciable en la actualidad por numerosos
viajeros y autores, entre ellos Don Fernando
Sánchez Dragó, que en un viaje narrado
en Relato de dos viajes a las verdaderas islas
afortunadas,8 afirma: “lo polinésico se cruza
con lo chino diluyéndose y desvirtuándose en
esa mezcla lo genuinamente nipón”.
8 Relato no publicado, cedido gentilmente por Don Fernando Sánchez Dragó al autor de este texto, con el objetivo de contribuir a la investigación sobre la historia de estas islas japonesas.
Para saber más:
- Kômei, Sasaki. La estructura
múltiple de la cultura México
DF, Editorial El colegio de
México. Centro de estudios de
Asia y África, 2010.
- Kerr, George. The history of an
island people. Tokio, Editorial
Charles E. Tuttle Company,
1980.
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1. ¿Qué es la laca urushi? Definición y
elaboración:
El término “laca” se usa para designar a un
barniz que se aplica a diferentes objetos con
la función de protegerlos y de embellecerlos;
en el caso de la laca de Asia Oriental se utiliza
la resina extraída de la savia del
árbol Rhusvernicifera, también conocido
como Toxicodendron vernicifluum, en latín, o
simplemente como árbol urushi. Se trata de
un árbol que crece en las zonas costeras de
China, de Corea y de Japón, siendo estos tres
países aquellos que producen laca mediante
la savia extraída de este árbol (existen
diferentes tipos de laca, como por ejemplo la
laca india, para la cual no se utiliza la savia
del árbol urushi, sino que se utilizan
cochinillas para producirla). De entre ellos,
destaca la laca japonesa, conocida como
laca urushi, debido a la exquisitez y
minuciosidad que presenta.
La extracción de la savia se realiza
predominantemente en verano. Este árbol
brota entre abril y mayo y florece entre mayo
y junio, siendo este último mes el momento
en el que se empieza a sangrar el árbol para
obtener su sabia. El sangrado se realiza entre
junio y septiembre, siendo a partir de este
mes cuando la savia es de peor calidad, y sólo
en los árboles que hayan alcanzado, mínimo,
diez centímetros de grosor y tengan más de
diez años. Tras la extracción, la savia es
sometida a un proceso de purificación,
añadiéndosele agentes deshidratantes y
tintes; todo ello se realiza con sumo cuidado,
pues el líquido extraído es tóxico y puede
producir fuertes irritaciones en la piel.
Una vez completado este proceso, la laca,
mezclada normalmente con pigmentos rojos
(cinabrio) o negros (óxido de hierro), se
aplica sobre el objeto deseado. La razón por la
que se mezcla la laca con pigmentos es que el
color del urushi suele ser claro y
transparente. La aplicación de la laca al
objeto se realiza en diferentes capas, aunque
éstas no se pueden aplicar a la vez, sino que
tiene que pasar un período de tiempo (días)
para que se consolide cada capa. Esta
consolidación se realiza al introducir el objeto
lacado en una cámara de madera
humedecida, furo o muro, ya que las capas de
laca se endurecen mediante la oxidación.
Cuando una capa se ha consolidado, se pule
con carbón vegetal humedecido, y se aplica
otra, repitiendo el mismo proceso, una y otra
vez, hasta que se consigue el número de capas
deseado.9
Tras aplicar las capas, el objeto es decorado
con las técnicas que prefiera el lacador, dando
como resultado una obra de arte
extremadamente valiosa, exquisita, cuidada y
resistente, ya que la laca no solo es usada para
embellecer y decorar objetos, sino que puede
ser empleada como adhesivo y como sistema
de protección y de reparación de cerámicas y
de objetos de madera fracturados.
De todo este proceso, el resultado es un
producto que se ha convertido en uno de los 9 El máximo de capas empleado suele ser veinte.
La laca japonesa urushi I:
definición, elaboración y técnicas
Por Daniel Rodríguez
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principales representantes del arte japonés, y
que, a pesar de la influencia china, coreana y
europea, ha logrado ser única y diferente al
resto de las lacas, fructificando en obras de
alta exquisitez codiciadas en todo el mundo.
2. Técnicas:
Como se pudo leer en el anterior apartado,
una vez que el objeto es lacado, se emplean
diferentes técnicas para decorarlo, habiendo
una gran variedad de técnicas diferentes.
Laca en capas:
Este tipo de decoración es la más sencilla. Fue
aquella utilizada en China y Japón durante la
Prehistoria, y consiste en la aplicación de
capas, siendo las dos primeras negras,
normalmente de baja calidad, mientras que
las finales son de mejor calidad. Los acabados
suelen ser negras o rojas, pero también
pueden adquirir otras tonalidades como
castaño, rosa, amarillo o transparente, en el
caso de que la laca no se hubiese mezclado
con ningún pigmento, aunque estos acabados
son muy poco frecuentes.
Tras aplicar cada capa podía ocurrir que en
vez de pulirla, dejando un aspecto liso, se
dejase como estaba, dando como resultado
una superficie arrugada o con surcos.
Esta técnica siguió utilizándose durante todos
los períodos históricos de Japón, continuando
vigente también en la actualidad.
Laca tallada o chositsu:
La laca tallada es originaria de China, y llegó
a Japón a finales del siglo XIV debido a una
serie de regalos del Emperador Yung-lo. El
procedimiento empleado era similar al de la
laca de capas, pero tenía que haber un gran
número de capas para poder luego esculpir en
ellas (el grosor que tenía que tener el
conjunto de capas oscilaba entre 3 milímetros
y 1 centímetro). La diferencia que había entre
las lacas talladas chinas y las japonesas era el
momento en el que se esculpía: mientras que
en China se hacía cuando la laca no estaba del
todo endurecida, en el país nipón se esperaba
a que ésta estuviese dura.
Réplica de un plato de madera lacado con capas del Período Jômon (h. 8000-299 a.C.).
Caja ornamental de 1964 que presenta laca en capas, chositsu en el exterior y takamaki-e y togidashimaki-e en los laterales.
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La policromía de estas lacas solía ser, igual
que en el periodo anterior, negra, roja o
amarilla, en ocasiones también incluyendo
el guri, es decir, arabescos en las capas de
laca para mostrar los diferentes colores.
Laca sobre madera tallada o kamakura-bori:
La kamakura-bori deriva de las lacas
talladas, pero en este caso, es una técnica
originaria de Japón. Consistía en esculpir la
madera, lacarla con capas de color negro o
rojo, normalmente, y pulirla. Se trata de un
proceso barato debido a la poca cantidad de
capas de laca que se aplican, siendo ideal para
realizar objetos de gran tamaño como mesas
o bandejas.
Lacas incisas:
Las lacas incisas también son habituales de
China y de Japón. Consisten en la incisión de
un elemento punzante en la laca. Éstas se
pueden dividir en tres grupos: harigaki, sobre
un fondo de un solo color se realizan
incisiones con un objeto punzante, creando
trazos, líneas o contornos sutiles, pero
profundos; sokin o chinkin,10 se crean
incisiones, igual que en el caso anterior, pero
éstas se rellenan de oro o de plata (chingin);
10 Este tipo de incisiones derivan de la técnica china qiangjin.
y kimma,11 que consiste en retirar, vaciar, la
laca de una determinada zona y rellenarla con
una laca de otro color. Este último tipo fue
muy empleado en laChina de la Dinastía Ming
(1368-1644), siendo una técnica característica
de este país, a pesar de que también fue
utilizada en Japón y en Corea.
Lacas con taraceas:
Este tipo de laca nació en China, pasando
luego a Corea y a Japón.12 Consiste en aplicar
a la superficie lacada diferentes materiales,
siendo los más usados la madreperla (raden)
y los metales y sus aleaciones (heidatsu).
También se emplearon incrustaciones de
coral, porcelana, marfil y piedras preciosas y
semipreciosas. En Japón, además, fueron
muy empleadas las incrustaciones de concha
de tortuga.
11 Es originaria de Birmania y Siam, llegando a Japón en el Período Muromachi. 12 Llegó a Japón en el Período Nara (649-794).
Mesa del siglo XIII realizada mediante el kamakura-bori.
Gabinete de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Técnicas: laca tallada, hiramaki-e, takamaki-e, tsukegaki, harigaki, chinkin,
chingin y nashiji-e.
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Laca espolvoreada o maki-e:
Se trata de la técnica más desarrollada en
Japón. Consiste en lacar el objeto de un color
y, después, dibujar con un pincel motivos
decorativos que luego son cubiertos con polvo
de oro. El dibujo se realiza en un color que
contraste con el fondo; por ejemplo, si el
fondo es negro, se realizaría en rojo, mientras
que si el fondo es rojo, se dibujaría en negro,
cubriéndose ese dibujo al final con el polvo de
oro. Aunque el polvo de oro es el más
utilizado, también se puede espolvorear polvo
de plata, de cobre, de aluminio, de zinc y de
plomo.
Teniendo en cuenta que la laca aún no está
seca, mediante una canilla de bambú, un
pincel o con tampones de seda, se
espolvorean los polvos de oro sobre el urushi,
quedándose éstos pegados. Finalmente, el
objeto es lacado con urushi transparente, o de
otro color, para proteger al objeto, y se
abrillanta. De este modo, como bien dice
Yayoi Kawamura,13
cuando los polvos de
oro reciben luz,
ofrecen una
compleja refracción
y brillantez que un
simple pan de oro
adherido no podría
lograr.
Así, dependiendo de
la distribución del
oro, se podían crear
distintas texturas,
pudiendo éste estar
totalmente disperso
o aglomerado. En
caso de que el polvo
de oro estuviese
junto, al lacarse,
parecería que fuese
oro puro,14 siendo algo habitual en los regalos
de boda de los samurái de alta clase social
durante la Edad Moderna.
Dentro de esta técnica, se pueden distinguir
tres grandes grupos: el togidashi-maki-e, el
takamaki-e y el hiramaki-e. El primero,
togidashi-maki-e, es el proceso más antiguo
de los tres y consiste en espolvorear el polvo
por la superficie y luego cubrirla con una capa
del mismo color que el fondo. De este modo,
el polvo de oro queda tapado, pero tras un
largo proceso de pulimento, éste vuelve a
salir, siendo finalmente cubierto de laca
transparente y abrillantado. Es una técnica
que actualmente no se suele usar, pues desde
que se logró hacer un polvo de oro muy fino
13 Kawamura, Yayoi. “Laca japonesa en la época Namban: Sevilla abierta a Oriente a través del mar”, en Boletín de Bellas Artes, vol. XXXIX, Sevilla, Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría, 2011, p. 78. 14 Cuando el oro espolvoreado está junto, habiendo una cantidad que tapa el fondo, se denomina ikakeji, y cuando éste está muy disperso, cubriendo poca parte del fondo, se llama usumaki.
Tebako, caja de cosméticos, lacado del siglo XII con togidashimaki-e y con incrustaciones de raden.
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en el siglo XVI, éste se cubre
directamente con laca
transparente, sin tener que pasar
por el proceso de pulimento antes
mencionado.
El segundo, takamakie, fue
desarrollado en el siglo XII, y
consiste en moldear el diseño en
altorrelieve con un compuesto de
laca cruda y sabi, una pasta hecha
con una mezcla de laca y arcilla
fina, aunque este núcleo del
relieve también puede usar polvos
de carbón vegetal. Mediante este
proceso, las partes deseadas
quedan elevadas del fondo,
pudiendo ser esculpidas y
pulidas. Luego, se cubre la zona
deseada con polvos de oro, o de
otro metal, siendo ésta,
finalmente, recubierta con laca
transparente y abrillantada.
Dentro de este método de relieve
se distinguen tres
submétodos: chu-takamaki-e,
medio-relieve, sabiage-takami-e,
altorrelieve, y usunsiku,
bajorrelieve. Además, también
existe otra variante que fue
inventada por Shibata Zeshin en el siglo XIX,
la takamakie-ho, que consiste en realizar
elementos ornamentales con relieve y, luego,
adherirlos al objeto lacado.
La última subtécnica, hiramaki-e, consiste en
espolvorear el polvo, cubrirlo con una laca
transparente y abrillantarlo, dando como
resultado un fondo sin apenas relieve. Este
método se empezó a utilizar en el siglo XVII,
llegando a su esplendor con Shibata Zeshin
en el siglo XIX.
El espolvoreamiento de oro también es usado
en la técnica nashiji-e, que consiste en
salpicar el fondo con finos polvos,
normalmente de oro o de plata, dejándose ver
el fondo negro.
Laca pintada:
La laca pintada se subdivide en tres grupos,
teniendo todos ellos en común que la
decoración se realiza mediante un pincel,
aplicándose la laca directamente sobre el
objeto. El grupo más destacado es el de la
laca urushi-e, que consiste en realizar un
dibujo, con un pincel fino, y rellenarlo de un
color diferente al del fondo, es decir,
mezclando la laca con algún pigmento.
Escritorio de 1630-1650. Técnicas: hiramaki-e, takamaki-e, nashiji-e, raden, tsukegaki, urushi-e.
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El segundo grupo corresponde al de la laca a
la cola; consiste en dibujar, con varios
pinceles de diferente grosor, motivos
decorativos con una solución de cola
mezclada con polvo de oro y de plata (kingin-
e) o con algún pigmento (sai-e).
Por último, estaría el grupo de la laca al óleo.
Dentro de este grupo, se halla, por un lado, la
técnica mitsuda-e, que consiste en mezclar
aceite vegetal, óxido de plomo y colorantes; y
por otro lado, el yoshoku-e, igual que el
anterior, pero que no usa óxido de plomo,
sino que tan sólo mezcla el aceite con los
diferentes pigmentos. Ésta última técnica fue
abandonada en favor de la primera debido a
la poca resistencia que daba al objeto.
Laca seca o kanshitsu:
La laca seca fue una técnica practicada en
China desde el siglo III a.C., jiaqi, llegando a
Japón en el siglo VII. Fue muy empleada para
hacer estatuas: primero se realizaba una
estructura de madera, se revestía de arcilla y
se moldeaba con la forma deseada; luego se le
A la izquierda: Tiger Jâtaka, detalle del Santuario de Tamamushi, templo Hôryû -ji de Nara, Período Asuka (siglos VI-VII). Laca en capas y mitsuda-e. Es un episodio del Sutra de la Luz Dorada en el que un bodhisattva se quita sus prendas superiores, colgándolas de un árbol, y se
arroja desde un acantilado para alimentar a una tigresa y a sus cachorros hambrientos. A la derecha: Jikokuten del Período Nara (646-794) realizado con kanshitsu. Se trata de uno de los Cuatro Guerreros Celestiales del budismo.
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aplicaban estratos de tela que habían sido
mojados en laca. De este modo, al secarse la
escultura, se le retiraba la arcilla del interior,
quedando una figura hueca. Más tarde, se le
añadían las extremidades, realizadas de
madera, y se revestía a toda la estatua con un
compuesto de serrín, cánapa, arcilla, incienso
y laca.
Laca shunkei:
La laca shunkei consiste en aplicar laca clara
o transparente para así poder ver los rasgos
del soporte (de la materia), siendo algo muy
habitual en las obras de madera.
De todas estas técnicas, fue el maki-e, y sus
variantes, la que más destacó dentro de la
laca japonesa, siendo actualmente un símbolo
de identidad de la cultura nipona. Fue tal su
belleza que en el período en el que estuvieron
los europeos en Japón (1543-1641), conocido
como período namban, el maki-e fue de lo
más exportado a Occidente, e incluso tras la
expulsión de los europeos, excepto de los
holandeses, se siguió exportando laca a toda
Europa, principalmente a España, Reino
Unido y Holanda.15
En este artículo se ha podido comprobar
como el trabajo del lacador no es sencillo,
sino que existen un número muy amplio de
técnicas y de estilos. Éste tan solo ha sido el
principio de una serie acerca del urushi; en
próximas entregas se hará un repaso sobre la
evolución histórica de la laca japonesa, desde
sus comienzos en el Período Jômon hasta su
supervivencia en el mundo contemporáneo.
15 Para saber más acerca del período namban, se recomienda consultar el artículo Asia y Europa, dos continentes conectados mediante el comercio de obras artísticas. Laca japonesa y su atracción en Occidente.
Para saber más:
- Failla, Donatella.Lacche giapponesi nel
Museo Chiossone. Génova, Regione
Liguria, 1993.
- Kawamura, Yayoi. “Laca japonesa en la
época Namban: Sevilla abierta a Oriente
a través del mar”, Boletín de Bellas
Artes, vol. XXXIX. Sevilla, Real
Academia de Bellas Artes de Santa Isabel
de Hungría, 2011.
- Munstenberg, Hugo.Dictionary of
Chinese and Japanese art. Nueva York,
Hacker Art Books, 1981.
- Sierra de la Calle, Blas, “Las lacas”,
Sierra de la Calle, Blas, Japón. Arte Edo
y Meiji. Valladolid, Museo Oriental, Real
Colegio PP. Agustinos, 2002.
Panel de madera de principios del siglo XVIII. Técnicas: kamakura-bori, raden, shunkei.
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Como ocurrió en el caso de los grabados
xilográficos ukiyo-e, las porcelanas japonesas
comenzaron a apreciarse como piezas de arte
antes en Occidente que en el mismo Japón.
Esto hizo caer en la cuenta a los propios
japoneses del gran valor estético que
encerraban los objetos de porcelana que se
produjeron en el archipiélago a partir del
periodo Edo (1603-1868). El origen de la
porcelana, como el de otros descubrimientos
de la historia de la cerámica japonesa, fue
debido a la influencia coreana. Durante los
siglos XV y XVI Japón era en uno de los
principales importadores de piezas de
porcelana provenientes de China y Corea,
siendo estas muy valoradas por las clases
dirigentes y los maestros del té.
Posteriormente, a principios del siglo XVII, la
tradición señala al maestro coreano Ri
Sampei16 como el iniciador de la realización
de porcelana en suelo japonés, ya que fue el
descubridor de unos depósitos de tierra de
porcelana de muy buena calidad en las
cercanías de Arita, en la isla de Kyûshû. El
descubrimiento alentó a numerosos talleres a
orientar su actividad hacia la producción de
16 Las excavaciones emprendidas por Mikami Tsugio en Arita durante los años 1971-1973 vinieron a contradecir la leyenda sobre la cual se produjo un descubrimiento de tôseki en Izumiyama (noreste de Arita) y que habría permitido al coreano Ri Sampei, el introducir la porcelana en Japón en 1616. Según los descubrimientos de las excavaciones de Mikami, la primera porcelana se produjo en Arita hacia 1600, es decir, con anterioridad a la fecha comúnmente aceptada, estando la intervención de ceramistas coreanos totalmente aceptada, Klein, Adalbert. La céramique japonaise: le guide du connaisseur. Friburgo, Office du Livre, 1984, pp. 87-88.
porcelanas, ya que los japoneses eran
conscientes de los beneficios que generaba el
comercio de este tipo de piezas. Al principio
los ceramistas japoneses imitaron los
modelos coreanos de la dinastía Yi, así como a
las porcelanas chinas de las dinastías Ming y
Qing.
Como hemos señalado, Arita fue el principal
centro productor de porcelana en Japón,
donde sus talleres se fueron independizando
poco a poco de los modelos extranjeros,
alcanzando rasgos más acordes con la
tradición japonesa. La primera escuela con
características distintivas fue la de Imari,
Las primeras porcelanas japonesas:
Imari, Kakiemon y Nabeshima
Por David Lacasta
Botella de porcelana de Imari.
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cuyas obras llegaron a ser tan importantes
que se exportaron al resto del país y al
extranjero, llegando hasta el extremo de ser
imitadas por los ceramistas chinos, sabedores
del éxito de estas piezas en los mercados de
Europa y Oriente Medio. El nombre de Imari
proviene del puerto desde el cual se
exportaban estos productos. Las piezas de
porcelana Imari adquirieron una gran
variedad de formas y motivos, presentando en
ocasiones una calidad no tan sobresaliente
como la lograda por otros centros como
Kakiemon o Nabeshima, ya que en la
realización de este tipo de piezas se empleaba
una pasta poco tamizada.
Los objetos más conocidos de la escuela Imari
son los denominados Ko-Imari (Antiguo
Imari), que se caracterizan por presentar los
motivos decorativos en blanco y azul, aunque
con el paso del tiempo la paleta de colores se
fue ampliando. Los dibujos se realizaban
sobre el esmalte de la porcelana,
representando motivos decorativos acordes
con el gusto de la pujante clase delos
mercaderes, apareciendo en algunas piezas
escenas tomadas de los populares
grabados ukiyo-e. Con el paso del tiempo se
fue mejorando la calidad de las pastas
empleadas en la realización, así como los
motivos de la decoración se fueron
perfeccionando. Resulta tremendamente
llamativo un tipo de decoración de piezas
Imari en la que aparecen personajes y barcos
holandeses,17 los únicos europeos que tenían
permitido el comercio con el archipiélago
japonés durante los años de aislamiento del
periodo Edo, responsables que muchas de
estas porcelanas japonesas acabaran en
manos de nobles y coleccionistas europeos.
17 Más información acerca del destacado papel que desempeñó la Compañía Holandesa de las Indias Orientales (VOC pos sus siglas en holandés), en el comercio de porcelanas tanto chinas como japonesas en Europa, en el que la porcelana de Imari tiene especial relevancia, aquí.
Hacia finales del siglo XVIII la popularidad
de este tipo de piezas decayó, ocasionando
que las porcelanas y los motivos que las
adornaban fueran menos cuidados.
Junto a las porcelanas de Arita, la escuela
más famosa de las que produjeron piezas
ornadas con dibujos policromados es la de
Kakiemon, cuyo nombre proviene de la
familia productora de estas porcelanas desde
mediados del siglo XVII. Las porcelanas
Kakiemon presentan unas características que
les dotan de un especial atractivo;
presentando un cuerpo blanco muy fino sobre
el que se disponen los motivos en rojo
brillante, azul, verde, amarillo y negro. La
decoración más común de este tipo de piezas
suele ser la de flores y pájaros (kachôga). A
pesar de que los diseños de este tipo de piezas
se han puesto en relación con los que solían
adornar las porcelanas chinas durante el
reinado del emperador Kangxi (1661-1722) en
China, en estas los motivos solían ocupar la
totalidad de la superficie de la pieza, mientras
que en las porcelanas Kakiemon era habitual
dejar gran parte del objeto sin decoración.
Incensario de porcelana Kakiemon.
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La tercera escuela de porcelana que
mencionaremos, la de Nabeshima, también se
producía en el distrito de Arita. El nombre en
esta ocasión proviene de la casa de
Nabeshima, señores de Saga, para la que se
empezaron a realizar estos objetos. Durante el
periodo Edo las porcelanas de Nabeshima no
se comercializaron, estando reservadas
únicamente para el uso de la familia, así como
para ser regaladas a otras casas nobles o al
propio shogun, realizándose con el mayor de
los cuidados, por lo que técnicamente son las
porcelanas más perfectas de las realizadas en
Japón. Las más célebres de estas porcelanas
son las denominadas iro-Nabeshima, o
Nabeshima de color, las cuales presentan
unos diseños más abstractos que las
Kakiemon, de un gusto más acorde con la
tradición japonesa. Estas piezas se decoraron
con una serie de motivos realizados a base de
simples figuras y colores planos, en los que
podemos observar una influencia de los
textiles del periodo. Los dibujos de la
porcelana de Nabeshima se realizaban
muchas veces en azul, para ser
posteriormente completados con esmaltes de
colores, por lo que la perfección del dibujo
resulta encomiable. La sensibilidad artística
expresada por los motivos decorativos de las
porcelanas de Nabeshima, logrados con un
sentido muy desarrollado del diseño
abstracto, hace que esta sea la escuela más
netamente japonesa de las dedicadas a la
realización de porcelanas del periodo.
Si bien a lo largo de este texto hemos
comentado los primeros centros dedicados a
la porcelana que surgieron en Japón, Imari,
Kakiemon y Nabeshima no fueron las únicas
escuelas dedicadas a este arte. En un artículo
futuro nos ocuparemos de la cuarta de las
grandes tradiciones de porcelana japonesa,
Kutani, cuyas realizaciones adquirieron gran
popularidad entre los coleccionistas europeos
a mediados del siglo XIX y principios del XX.
Para saber más:
- Ayers, John. The Baur
Collection, Geneva: Japanese
ceramics. Ginebra, Baur
Collection, 1982.
- Klein, Adalbert. La céramique
japonaise: le guide du
connaisseur. Friburgo, Office
du Livre, 1984.
Plato de porcelana Nabeshima, en el que destaca la decoración de un paisaje de gusto netamente japonés.
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Con motivo del estreno en
España de A girl walks
home alone at night (Ana
Lily Amirpour, 2014),
desde Ecos de Asia hemos
querido dedicar unas
palabras a esta película de la
que se dice que podría ser el
primer film de terror iraní,
que además ha arrasado en
los festivales en los que se ha
presentado sin dejar a nadie
indiferente. Por destacar una
de estas ocasiones, la
película se estrenó el año
pasado en Sitges así que, sin
duda, los amantes del terror
habrán oído, al menos,
hablar de ella, porque el
número de críticas en blogs y
revistas del género se
disparó.
A girl walks home alone
at night, título muy
evocador, se presenta
como un western
vampírico, ambientado en
una ciudad ficticia
llamada Bad City. Allí,
nuestro protagonista,
Arash (Arash Marandi),
un atractivo James Dean
iraní, intenta sobrevivir
como puede en las calles
de la despiadada ciudad.
Quiere, por todos los
medios, salir de allí, pero
un narcotraficante, Saeed
(Dominic Rains),
empezará a acosarle
reclamándole el pago de
una deuda pendiente que
tiene con el padre
drogadicto de Arash. Es
Un paseo por Bad City: A girl walks
home alone at night (Ana Lily
Amirpour, 2014) Por Elísabet Bravo
Cartel de la película
Dos fotogramas que presentan, en momentos diferentes, a los personajes protagonistas. A la izquierda, el joven Arash, caracterizado como
un James Dean iraní y apunto de rescatar a su gato. A la derecha, la chica, bailando en su casa y preparándose para una noche de caza en
una hipnótica y bella secuencia.
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entonces cuando entra en escena la chica
(Sheila Vand), de la cual no sabremos su
nombre en toda la película, una mujer que
camina sola por las noches en una ciudad
hostil y despoblada para alimentarse y, al
mismo tiempo y aunque resulte paradójico,
hacer justicia. Una de esas noches, mientras
recorre en monopatín las calles de esa ciudad
silenciosa y deshabitada, se encuentra con
Arash.
Que la película sea en blanco y negro es todo
un acierto, aunque no una novedad, pero
sirve para acentuar las luces y las sombras de
una ciudad industrial y de los escasos
personajes que la habitan. La fotografía, de
Lyle Vincent, es, indudablemente, lo mejor
del film. A girl walks home alone at night se
disfruta desde el punto de vista formal, con,
por ejemplo, esos planos panorámicos en los
que se destacan los grandes edificios grises
frente a las personas, que parecen
insignificantes bajo ellos; unas imágenes que
evocan la soledad de la vida urbana y, sobre
todo, de Bad City. La luz artificial facilita
también el juego de claroscuros,
proporcionándonos unas secuencias de una
gran belleza estética. Pero, aparte de la
fotografía, destaca la banda sonora, música
que en ocasiones evoca al western americano
y en otras, nos sitúa en Irán, país en el que se
supone que nos encontramos.
Nada de esto es novedad, pero el resultado es
satisfactorio, así que quizá lo que sería
oportuno destacar de esta película es la
aportación de la directora Ana Lily Amirpour
a la iconografía clásica del vampiro, que ya no
viste una capa larga negra, sino un chador, y,
como harían sus antepasados, esta criatura de
la noche también se abalanza sobre sus
víctimas, abandonando todo rastro de belleza
en su rostro, envolviéndolos con su
capa/chador negro mientras se alimenta de
su sangre. La crítica se ha rendido a los pies
de esta directora por la belleza estética de esta
película, pero parece haber pasado
desapercibida en sus comentarios esta
evolución del vampiro clásico que resulta
evidente para un amante del cine de terror.
En este bellísimo fotograma podemos apreciar este aspecto que comentábamos sobre la fotografía y el contraste entre los grandes edificios grises y la soledad de las personas en Bad City. La chica protagonista es la joven que camina vestida con el chador
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Conviene destacar dos
secuencias de A girl…,
dejando de lado los
bellísimos planos en
los que los personajes,
especialmente, la
chica, caminan en la
noche. Una es la
secuencia en la que la vampira sigue e
intimida al niño, que consigue ser
escalofriante sólo mediante la amenaza de lo
que le hará si no es bueno y la promesa de
que le estará vigilando durante toda su vida,
en la que sí que destacaría la interpretación
de la actriz protagonista. El uso del sonido
tiene mucho que ver, tanto la dicción de la
amenaza en farsi de la vampira (“¿Eres un
niño bueno?”), como la distorsión de su voz
posteriormente. La otra, es el segundo
encuentro de la chica con Arash (el primero
había sido en casa de Saeed, aunque no se
hablaron) en las
calles de Bad City. Él
camina perdido y
drogado, disfrazado
de Drácula, y ella va
en el monopatín que
le ha robado al niño.
Resulta un
encuentro lleno de
humor negro: Arash
“confesándole” a la
vampira que él es
Drácula, pero que no tiene que preocuparse
porque no le hará ningún daño.
Sin embargo, no es oro todo lo que reluce.
Ante películas independientes con ecos de
Lynch parece que todo el mundo se deshace
en elogios y alabanzas, en especial, los
críticos. Aunque A girl… es estéticamente
impecable, no tiene un ritmo bien llevado, ya
que la desaparición prematura del villano
(Saeed), deja a la
película en
desequilibrio y con
gran parte del
argumento
desarrollado, así que
el resto de la
narración recae en el
extraño amor que
surge entre Arash y
la chica. Esto hace
que el ritmo sea
lento, muy lento en el caso del final, que se
prolonga innecesariamente.
El diálogo brilla por su ausencia a favor de la
Dos fotogramas que ilustran la transformación iconográfica del vampiro clásico en nuestra protagonista.
La chica se encuentra por segunda vez con Arash.
Fotograma del lento final.
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belleza formal de la película, pero esto acarrea
que nos encontremos con personajes planos
de los que no sabemos apenas nada y que no
tienen una evolución psicológica en absoluto.
Se ha señalado la gran labor actoral de los
protagonistas que encarnan a Arash y a la
chica, pero resulta una valoración que es
verdad a medias por las razones que hemos
explicado, ya que, por muy buenos intérpretes
que puedan ser (como demuestran algunas
secuencias), el guión y el argumento no
acompañan, así que es imposible evaluar su
trabajo, para bien o para mal. Si el diálogo, el
argumento y la interpretación pasan a un
segundo plano, tenemos una película que sólo
se sostiene por su belleza formal y que, por
tanto, no va a satisfacer a todo el mundo. Si
además tenemos en cuenta que, pese al gran
trabajo de Lyle Vincent, la fotografía no es
tampoco una novedad, podemos concluir
diciendo que A girl… es una película
sobrevalorada por la crítica y es también
pretenciosa, aunque no sea en absoluto
desdeñable.
Así pues, hay que ser
sinceros: ni es una
revelación que marca
un antes y un
después en el cine de
terror moderno, ni
estamos ante una
directora que es la
nueva David Lynch,
pero no por ello la
película es mala.
Tampoco es para
paladares exigentes,
ni es revolucionaria
si leemos entre
líneas, pero sí
pretende ser elitista.
A girl… es para
disfrutarla en su
aspecto formal y, si
somos amantes del
cine de terror pero buscamos algo más, es
probable que nos guste esta relectura que
comentábamos antes de la iconografía del
vampiro clásico. Por otro lado, si lo que
buscamos es una buena historia, nos va a
decepcionar el escaso argumento y el ritmo
irregular que la belleza de la fotografía en
blanco y negro parece eclipsar.
Para saber más:
- Tráiler en Youtube. Su visualización es
muy recomendable porque vale más una
imagen que mil palabras para apreciar
esta película. En él se aprecia la hermosa
fotografía en blanco y negro y los
aspectos que se han señalado sobre la
banda sonora.
- Ficha en Imdb.
- Ficha en Fimaffinity.
Se ha preferido dejar esta secuencia sin comentar en el cuerpo del texto porque merecía una imagen por su belleza arrebatadora. Corresponde al momento siguiente al que la chica encuentra a Arash disfrazado de Drácula y drogado por la calle, y lo lleva a su casa porque está perdido. Durante cuatro minutos, los personajes permanecen en silencio, y la fotografía en blanco y negro, la buena interpretación actoral y la excelente banda sonora se aúnan para crear esta hermosa secuencia que puede verse aquí y que dan ganas de reproducir una y otra vez.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 28
Tras el descanso
estival, retomamos la
serie Aprendiendo
Asia para hablar, de
nuevo, de una serie de
dibujos animados,
recientemente de
actualidad al llegar a
su fin después de ocho
años: Phineas y Ferb.
Como veremos, su
incursión asiática es
breve pero muy
singular, ya que
reinterpreta con
frescura la necesidad
de aludir a los motivos culturales fijados en el
imaginario colectivo, teniendo muy en cuenta
para ello a su target y la filosofía de la
producción.
El caso de esta serie, aunque temprano, puede
considerarse dentro de la corriente de
renovación de los dibujos animados que ha
tenido lugar en la última década. Estas
producciones, entre las que destacan Hora de
Aventuras, El
asombroso mundo
de Gumball,
Historias
Corrientes, Gravity
Falls o Steven
Universe, poseen un
fuerte contenido
referencial y una
conciencia de sí
mismas, así como
una actitud que
combina lo naif con
el tratamiento de su
público objetivo de
manera directa,
huyendo de la asunción de que el público
infantil demanda historias manidas, simples y
predecibles, incoherentes e insustanciales.
Aunque estas series poseen temáticas muy
diferentes entre sí y estéticas propias, todas
ellas comparten la huida de los clichés
asociados a lo infantil, y ahí radica el secreto
de su éxito.
Aprendiendo Asia II: un largo día de
verano Por Carolina Plou
Logotipo de la serie.
A la izquierda, el grupo protagonista. De izquierda a derecha: Ferb, Phineas, Isabella, Buford, Baljeet, Candace y, en primer plano, Perry el ornitorrinco. A la derecha el grupo adolescente: Jeremy, Candace y Stacy.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 29
Como anticipábamos, Phineas y
Ferb es una serie temprana de
esta corriente, ya que comenzó
sus emisiones en el año 2007
(frente a Hora de Aventuras,
que lo hizo en 2010), dentro de
la cadena Disney Channel. La
serie narra la historia de dos
hermanos, Phineas y Ferb, que
combaten el aburrimiento
estival gracias a elaborados
inventos que realizan con ayuda
de sus amigos: Isabella
(enamorada de Phineas) y sus
compañeras de las girl scouts,
Buford (el matón del barrio) y
Baljeet (un niño de ascendencia
india, que responde al perfil de
“empollón” y es constantemente
martirizado por Buford).
Completan el elenco Candace, su mejor amiga
Stacy (de ascendencia japonesa) y su amigo
Jeremy; los padres, el ornitorrinco mascota
Perry, el Mayor Monogram, el Doctor
Doofenshmirtz, y su hija Vanesa, además de
otros secundarios y personajes recurrentes de
gran carisma.
Los episodios se presentan por parejas (dos
por emisión), son autoconclusivos y
comparten una estructura similar: Phineas y
Ferb ponen en marcha un plan para
entretenerse durante ese día (que puede ir
desde construir una montaña rusa que
atraviesa toda la ciudad hasta convertirse en
un one-hit wonder), mientras su hermana
adolescente, Candace, trata de chivarse a sus
padres. Esta estructura de la historia
principal se acompaña de otras dos
subtramas: la protagonizada por Candace,
enamorada de Jeremy, que habitualmente
oscila entre los tópicos de series adolescentes
y el deseo de hacer que sus padres descubran
las travesuras de sus hermanos; y las
carismáticas aventuras del Agente P., un espía
supersecreto que vive camuflado bajo la
perfecta tapadera de ornitorrinco mascota de
los hermanos, y combate los malvados planes
del villano y científico loco Heinz
Doofenshmirtz, también con tramas
autoconclusivas.
Estas tres líneas argumentales suelen
entrelazarse a lo largo del episodio (recurso
habitual, por ejemplo, es que el fracaso de los
malignos inventos de Doofenshmirtz termine
conllevando que las creaciones de Phineas y
Ferb desaparezcan misteriosamente justo a
tiempo para evitar que sus padres les
descubran), con ciertos elementos
recurrentes, como el número musical,
las catchphrases “Eh, ¿dónde está Perry?” y
“Ah, ahí está” (en referencia a las misteriosas
desapariciones de la mascota), el tema
musical del Agente P. (para introducir las
tramas del agente secreto) o running
gags como la pregunta “¿No eres demasiado
Arriba Perry y su identidad secreta, el Agente P. Abajo, a la izquierda Vanesa y a la derecha,
el doctor Doofenshmirtz. que ha secuestrado al Mayor Monogram,
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 30
joven para esto?” cada vez que Phineas
encarga alguna cosa para sus proyectos.18
A lo largo de la serie (que ha prolongado sus
emisiones desde 2007 hasta 2015, con cuatro
temporadas19), lo habitual ha sido que los
episodios sucedan en Danville y el Área de los
Tres Estados, con pequeñas excursiones
18 Running gag es el término que define un concepto narrativo consistente en la repetición reiterada de un chiste, broma o momento hilarante a lo largo de una narración, generalmente de formato serializado (tanto en televisión como en otros medios, como el cómic, el webcómic, etc.). De este modo, además de la introducción del elemento humorístico, se crea una relación de complicidad con el espectador: el público habitual reconoce estos detalles y guiños recurrentes y se siente integrado en el desarrollo narrativo. 19 Puede consultarse un listado completo de episodios aquí.
(como al monte Rushmore). Sin embargo, el
éxito de la serie llevó a sus creadores a la
planificación de varios especiales (entre ellos,
un crossover con personajes de Marvel y otro
con Star Wars –ambas franquicias
pertenecientes a Walt Disney Pictures-). En el
tercero de estos especiales (tras un
recopilatorio musical y uno navideño),
titulado ¡El verano te pertenece!, Phineas y
Ferb deciden pasar el día del solsticio de
verano viajando alrededor del mundo a la
misma velocidad que la rotación de la tierra,
disfrutando así de cuarenta horas de sol en lo
que se convertirá en “el más grande, largo y
divertido día de verano de todos los tiempos”.
En su viaje realizan varias paradas por
diversos motivos. La primera de ellas es
Tokio, donde saludan a la familia de Stacy y
aprovechan para repostar combustible. Es
aquí donde se produce el primer número
musical de este episodio especial, un número
sorprendente en el que se recogen una buena
colección de iconos y motivos japoneses
contemporáneos, acompañados también de
algún elemento tradicional.
Detalle de la torre de Tokio y vista general de la ciudad.
Cabecera del episodio especial ¡El verano te pertenece!
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 31
El segmento en suelo japonés comienza
con el Doctor Doofenshmirtz y su hija,
Vanesa, en la Torre de Tokio, ofreciendo
algún dato de interés sobre la
construcción… y convirtiéndola en un
escenario para sus malvados planes:
arrojar un globo de agua gigante sobre la
Asamblea Anual Internacional de Hombres
Buenos, atribuyendo el golpe al Mayor
Monogram y destruyendo la OSAC
(Organización Sin Acrónimo Chulo).
Acto seguido, la aeronave de Phineas y
Ferb aterriza en Tokio, casualmente ante la
puerta de la casa de la abuela de Stacy.
Ferb sorprende a todos
hablando (se trata de
un personaje silencioso,
cuyas escasas líneas de
diálogo tienen también
la finalidad de
sorprender al
espectador por el hecho
de quien las pronuncia)
en un perfecto japonés,
preguntando por los
parientes de la amiga.
La anciana, que viste
con un kimono de
diario y un sombrero de
paja tradicional
(denominado kasa)
llama a sus familiares.
A continuación vemos a
un primo de Stacy,
vestido con kimono de
karate, haciendo sonar
un gong en el tejado de
una casa de
arquitectura tradicional
de alto rango, de la que
salen una multitud de
jóvenes.
Ferb, sorprendiendo a todos con su perfecto japonés.
La familia de Stacy y su hogar, en una casa tradicional con un jardín seco en la entrada.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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En ese momento, se ve
a tres de las chicas
vestidas con uno de
los uniformes
escolares, y comienza
el número musical,
con un ritmo
dance que evoca, de
manera indirecta, al
Caramelldansen.
Aunque esta canción
es de origen sueco,
hacia 2006 se
popularizó vinculada a
vídeos en los que
personajes de manga
y anime realizaban
una coreografía
repetitiva, moviendo
las caderas de un lado
a otro, con las manos
junto a la cabeza moviendo los dedos al
mismo compás. La combinación de esta
melodía con personajes de anime realizando
esta coreografía se volvió viral, pero, a
diferencia de muchos movimientos virales
actuales, no se extinguió, sino que ha
pervivido, de manera un tanto minoritaria, y
siguen saliendo nuevos vídeos
y gifs animados20 con esta secuencia de baile.
20 Imágenes en movimiento.
Además de la música, el escenario
desaparece, y se transforma en una serie de
efectos creados por ordenador, mientras que
los personajes (también el grupo
protagonista) adquieren los rasgos propios
del anime: cuerpos estilizados, ojos grandes,
rostros redondeados y suaves. Además, se
suceden una serie de caracterizaciones más o
menos relacionadas con el mundo
del anime que resultan llamativas por sus
Diversos planos de la secuencia musical, en los que pueden apreciarse los distintos uniformes (escolar, de enfermera, de maid) y a los hermanos protagonistas “al estilo manga”.
A la izquierda, dos ganguro en el barrio tokiota de Shibuya (fuente: Chalky Lives en flickr). A la derecha, la ganguro animada.
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connotaciones: enfermeras con cofia y
doncellas o maids (figuras ambas en torno a
las cuales se crea un cierto fetichismo, si bien
estas connotaciones no aparecen en el clip, es
llamativo que aparezcan estas imágenes en
una serie infantil) y una ganguro, con su
atrevida estética: un intenso bronceado, con
los ojos sombreados en blanco, colores y
estilismos de pelo muy llamativos, multitud
de adornos (pulseras, collares, horquillas…).21
Durante la frenética canción, los hermanos
preguntan si pueden conseguir aceite vegetal
como combustible para su vehículo. Están de
suerte puesto que la abuela, dentro de este
compendio de tópicos, arquetipos e imágenes
recurrentes, posee un restaurante de
tempura, y les presta algunas garrafas
mientras bailan. Isabella, por su parte, hace
una breve aparición agitando un puerro, en
referencia al grupo de música virtual Vocaloid
y a su cantante, Hatsune Miku, que en una
ocasión fue parodiada bailando con un
puerro, con tanto éxito que pronto se volvió
en una de las imágenes más reconocibles del
personaje.
21 Ganguro es la denominación de uno de los muchos estilos urbanos que coexisten en Tokio. Este look surgió en los años noventa de la imitación del bronceado californiano, acompañado de un pelo rubio con atrevidas mechas. Más información aquí.
Mención aparte merece la letra de la canción,
una combinación de datos aleatorios sobre
Tokio y sobre Japón: además de expresar el
agradecimiento por la visita, describen que se
trata de una zona de clima subtropical
(incluyendo una referencia a la media de
litros por m2 anuales que se recogen en la
ciudad, 140) y la afición por el béisbol, el
voleibol y la natación son las informaciones
que, sin venir a cuento, se mencionan durante
la canción.
“No tengo ni idea de lo que ha pasado”,
sentencia Candace, resumiendo
humorísticamente lo que puede significar la
experiencia de sumergirse en la bulliciosa
cultura urbana de Tokio.
Isabella, bailando con un puerro.
El misterioso klimpaloon, en primer plano, ante la nave estrellada de los protagonistas.
El grupo de niños en su encuentro con Sabu, el tío de Baljeet.
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Su aventura continúa en el Himalaya, donde
se estrellan, encuentran criaturas “míticas” en
la montaña (klimpaloon, el bañador mágico
antiguo que vive en la cordillera) y,
finalmente, visitan al tío de Baljeet. Como
cabría esperar, visto el precedente, en casa del
tío Sabu protagonizarán otro número musical
imbuido de la cultura local, no sin antes jugar
con el tópico del misticismo indio: Sabu les
recibe diciéndoles que les estaba esperando, y
cuando Baljeet le pregunta asombrado, Sabu
responde “no, es algo que decimos aquí para
sorprender a turistas”. Entonces, llegan a su
fábrica, donde introducen el número musical
con una metarreferencia. Todo el proceso
industrial de la fabricación de goma (en
bandas y pelotas) se explica con un
número bollywoodiense: multitud de
bailarines con coreografías prácticamente
imposibles cantan, con un fuerte acento
hindú, explicando las distintas zonas de la
fábrica, incluyendo la sala de descanso para
los bailarines y una nevera “de la que sale
curry”. De nuevo, nos encontramos con una
colección de elementos evocadores, en este
caso del constructo indio-
bollywoodiense (que supone un concepto con
identidad propia dentro de la percepción
occidental de la cultura india).
Gracias a las gomas de Sabu, consiguen
improvisar otro medio de transporte, y se
Algunos planos de la secuencia india. Arriba a la izquierda, el edificio industrial (una arquitectura a medio camino entre la imagen
estereotípica de las fábricas oscuras y la arquitectura india tradicional); a la derecha un momento de la coreografía.Abajo a la izquierda, el
momento metarreferencial con la sala de descanso de los bailarines y la nevera de curry; y a la derecha el gran final.
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inicia un tercer número musical (en este caso,
con música extradiegética) mientras los
amigos viajan saltando y rebotando por el
mundo: atraviesan las selvas del sudeste
asiático, interrumpiendo momentáneamente
la plácida vida de lémures, saltan sobre la
Ciudad Prohibida y las bulliciosas calles de
Pekín, rebotan ante un palacio árabe,
sorprendiendo a un hombre que guía un
camello, y pasan por la Gran Muralla y el Taj
Mahal antes de llegar a Europa.
Estos segmentos en los que se alude a la
modernidad más rabiosa de Japón y a
Bollywood van en consonancia con el espíritu
de la serie. Los guionistas son conscientes
del target doble de su serie, y dosifican
sensatamente la información que les ofrecen.
Por una parte, poseen un público mayoritario
infantil, pero no párvulo: niños ya crecidos,
incluso preadolescentes, que ya manejan las
nuevas tecnologías y están medianamente
familiarizados con los lenguajes y los
mecanismos de transmisión de información
en internet (memes, fenómenos virales, etc.).
Por otro lado, un sector de público,
minoritario pero relevante, que es el
juvenil/joven-adulto, al que se conquista
mediante referencialidad. Para ambos grupos
de audiencia, la combinación de elementos
arriba descrita constituye un atractivo, para
unos ejerciendo una educación visual y en la
que podríamos llamar “cultura de internet”,
para otros la alusión a contenidos que ya
conocen y que les resulta divertido y original
ver reseñados.
Así pues, a través de este episodio especial
podemos percibir cómo el acercamiento a las
culturas orientales (en este caso, japonesa e
india) a través de los dibujos animados puede
realizarse de muchas maneras, y que el
concepto de aproximación educativa no tiene
por qué referirse a la transmisión de datos
históricos o de la alta cultura, sino que
pueden dirigirse también a fenómenos
actuales, otorgando al joven espectador una
formación en cultura general contemporánea
de manera intuitiva.
Los distintos enclaves asiáticos en los que rebota la nave antes de alcanzar Europa: la Ciudad Prohibida, una bulliciosa ciudad china, la Gran Muralla y un oasis de Oriente Medio.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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La producción surcoreana Haemoo, dirigida
por Shim Sung-bo, se trata de una adaptación
de la obra teatral del año 2007 del mismo
nombre, la cual, a su vez, se basa en una
tragedia acaecida en 2001, en la que
perecieron veinticinco inmigrantes ilegales
chino-coreanos durante la travesía a Corea.
La película está ambientada en un momento
especialmente difícil para este país, que a
finales de los años
noventa se vio
gravemente afectado
por lacrisis financiera
asiática. Este episodio
histórico fue
especialmente duro en
Corea del Sur,
ocasionado en parte
por la rápida
expansión de sus
grandes
conglomerados industriales o chaebol que,
con el fin de competir a nivel mundial, se
endeudaron enormemente, ocasionando
quiebras, despidos y caídas de la bolsa.
En esta difícil coyuntura, la película narra la
historia de la tripulación de un pequeño
pesquero, el Jeonjinho. Su capitán, Cheol-joo,
interpretado por Kim Yoon-seok, es un
veterano marino acuciado por las deudas. La
pesca en Corea se ha ido volviendo una labor
más difícil, tarea para la que su viejo navío no
ofrece muchas garantías. Además, el
restaurante que regenta junto con su mujer va
de mal en peor. La tripulación pertenece a
una humilde comunidad pesquera de la costa
coreana: el tripulante más joven, Dong-sik
(Park Yoochun), vive junto a su abuela,
quien,pese a su edad, debe seguir trabajando
en el mercado para salir adelante; el
mecánico Wan-ho (interpretado por Moon
Sung-keun) se oculta en el barco para eludir a
sus acreedores, y el curtido contramaestre,
Ho-young (Kim Sang-ho), así como el resto
de la tripulación, dependen del cada vez más
difícil negocio pesquero para su sustento.
En un momento de desesperación, el capitán,
que antaño había realizado algún trabajo de
contrabando con productos provenientes de
China, ahogado por su situación económica,
decide probar suerte con el lucrativo negocio
del tráfico de inmigrantes. Para ello, deberá
acudir a unas coordenadas concretas al
encuentro con un barco chino, recoger a los
inmigrantes y trasladarlos hasta suelo
coreano. La tripulación que en principio se
muestra reticente, terminará por aceptar esta
tarea tras recibir la parte del pago que les
corresponde a cada uno. Así, seremos testigos
de cómo los marineros coreanos ayudarán a
los inmigrantes en el complicado trasvase
desde la cubierta del mercante hasta la
superficie del pequeño pesquero, en el que la
Haemoo (Sea Fog, 2014) Por David Lacasta
La tripulación del Jeonjinho procede de una zona gravemente afectada por la crisis.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 37
joven expatriada Hong-mae (Han Ye-ri) se
precipitará a las frías aguas del mar Amarillo,
debiendo ser rescatada por Dong-sik. A partir
de ese momento, surgirá una atracción entre
ambos, lo que llevará a Dong-sik a desvivirse
en cuidados hacia ella, haciendo que pernocte
en la sala de máquinas a resguardo de las
intemperies de cubierta.
Una parte de la tripulación se volcará en la
atención y cuidados hacia los inmigrantes,
ofreciéndoles comida, agua y las pocas
comodidades de que disponen durante el
trayecto hasta la península coreana, viaje que
se verá repentinamente truncado por la
intervención de los guardacostas surcoreanos.
El pánico cundirá entre los marineros,
haciendo que escondan a los ilegales en el
compartimento destinado a las capturas del
pesquero. Tras la marcha e infructuoso
registro de los guardacostas, la tripulación se
quedará estupefacta al encontrar los cuerpos
sin vida de los inmigrantes, los cuales han
fallecido debido a una fuga de gas de la
maquinaria. Siguiendo las directrices del
capitán, los marineros tomarán la
desesperada medida de despedazar los
cuerpos y arrojarlos al mar en medio de un
denso banco de niebla con el fin de
deshacerse de cualquier prueba que los
incrimine en la tragedia. La única
superviviente será la joven Hong-mae, que
permanecía oculta en la bodega y que
contemplará con horror lo acaecido. La
macabra situación pasará factura a la
tripulación, entre la que empiezan a surgir
disensiones sobre lo sucedido y lo que
deberían hacer a continuación.
El realizador Shim Sung-bo, acompañado en
la producción y escritura del guión de Bong
Joon-ho, conocido en Occidente por The
Host (2006) y Snowpiercer (2013), debuta en
la realización con este drama de profundas
implicaciones morales y en el que se hace una
feroz crítica al negocio del transporte de seres
humanos, que le proporcionó unos
comentarios más que favorables en su país de
origen, así como una buena recaudación, pese
a estrenarse a los pocos meses del naufragio
del ferry Sewol.
La labor del director resulta más que correcta,
presentándonos un ambiente de melancolía y
tristeza en una zona desfavorecida por la
crisis y el pesimismo de la población. La
película se desarrolla en su mayoría sobre la
cubierta del Jeonjinho, que se convierte en un
personaje más, y en el que apreciamos la
soledad de los marineros y la dureza de su
modo de vida, así como las penurias y
El capitán, a consecuencia de sus graves problemas financieros, decidirá optar por el lucrativo negocio del transporte de inmigrantes.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 38
desesperación de los inmigrantes, igualmente
somos testigos en la escena en la que se
desarrolla un intento de motín, cuando el
capitán y parte de la tripulación no hacen sino
considerarlos como meras mercancías o
capturas, sin demostrar reparos al arrojar al
cabecilla por la borda. A la realización se le
podría exigir más en la caracterización de los
inmigrantes, ya que se nos presentan como
un grupo del que solamente llegamos a
conocer, de manera superficial, las
aspiraciones y trasfondo de tres de ellos.
Uno de los principales fuertes de la cinta lo
genera la evolución de ciertos personajes,
presentándonos a un buen capitán de barco,
preocupado por el bien de sus subordinados y
al que las deudas y la desesperación le llevan
a convertirse en una persona egoísta, capaz de
cometer atrocidades con tal de embolsarse el
dinero y no salir perjudicado, o parte de la
tripulación, que verán en el nuevo trabajo un
lucrativo negocio aun a costa de las desgracias
de otros. En la vertiente opuesta,
encontramos al joven Dong-sik, al que su
conciencia empujará a desmarcarse de sus
compañeros y a salvar a Hong-mae,
intentando huir del barco para evitar que la
tripulación acabe con la joven, único testigo
de lo sucedido. Otro de los personajes
destacables es el mecánico, Wan-ho, único
tripulante junto a Dong-sikal que vemos
sentir una verdadera empatía por los
inmigrantes y que se verá gravemente
afectado por lo sucedido.
Los sucesos ocurridos en la película están
basados en hechos reales, por desgracia, de
trágica actualidad. Nos acercan y muestran el
drama de la inmigración ilegal y la trata
indiscriminada de seres humanos en el mar
Amarillo, quienes no ven otra salida que
enfrentarse a un sinfín de hostilidades y al
rechazo de las sociedades de destino. El
largometraje nos acerca a uno de los
problemas más acuciantes de la sociedad
actual, reflejándonos el gravísimo problema
en un contexto oriental, como todos sabemos,
perfectamente extrapolable a Occidente.
Para saber más:
- Tráiler de la película aquí.
- Ficha en Filmaffinity.
La atención y cuidados que parte de la tripulación dispensará a los inmigrantes, contrasta con la dureza y crueldad del capitán.
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REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 39
Si algo podemos afirmar con
total seguridad es el hecho de
que el anime japonés acerca al
espectador toda una serie de
elementos pertenecientes a la
cultura nipona, tanto dentro de
un ámbito más tradicional22
como en otros aspectos
actuales y populares. En este
caso, vamos a referirnos a un
estilo de baile que aúna
características de los dos
ámbitos, el yosakoi, danza que
hemos podido conocer a través
de una reciente serie de
animación titulada
Hanayamata (2014).
Esta obra, originalmente un
manga creado por la autora Sô
Hamayumiba en el año 2011,
narra los pasos de un club de instituto
dedicado al yosakoi, y su camino para
participar en el festival más importante de la
ciudad. Los miembros fundadores de esta
agrupación son Hana, una joven extranjera
con una pasión desmedida por la cultura del
archipiélago nipón -y más concretamente el
estilo de baile al que nos referimos- y Naru,
de carácter mucho más tímido y vulnerable.
Si bien, no les va a resultar tan fácil el hecho
de formar un club, ya que necesitan mucho
más miembros para que sea oficialmente
22 Podemos enumerar multitud de series con una ambientación histórica, como puede ser el caso de Rurouni Kenshin, o bien protagonizados por importantes personajes de la historia nipona, como Uta Koi.
reconocido. Ahí es
donde entran en juego
el resto de personajes,
cada uno de ellos con
una personalidad
completamente
diferente al resto, de
modo, que el
espectador va a
encontrarse con un
grupo de bailarinas de
lo más dispar, lo que
traerá consigo riñas,
lágrimas, y sobre todo,
mucha ternura. La
fecha del festival se
acerca, por lo que han
de elaborar una
coreografía,
aprendérsela, diseñar
un vestuario apropiado
y elaborar la música, sin embargo, las chicas
se van a ver acompañadas de toda una serie
de dificultades que no les van a poner las
cosas fáciles, hasta tal punto que su actuación
penderá de un hilo.
Una vez introducido en la trama, el lector se
preguntará qué es el yosakoi y cómo es que
conlleva tanto trabajo. A grandes rasgos,
podemos definir este estilo de baile como una
reinterpretación actual de las danzas Awa
Odori, que se llevan a cabo durante los
festivales de Obon23 que tienen lugar en la
23 Se trata de una festividad que podemos considerar similar a nuestro Día de Todos los Santos, en el que se rinde homenaje a los espíritus de los ancestros.
El yosakoi a través del anime: el
caso de Hanayamata Por María Gutiérrez
Las protagonistas de Hanamayata con su indumentaria para practicar yosakoi y agitando los naruko.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 40
prefectura de Tokushima, acompañadas del
samisén, los tambores taiko y el tronar de las
campanas. De este modo, el yosakoi combina
pasos de baile de carácter tradicional además
de otros mucho más modernos, todo ello bajo
un marco de música moderna con toques de
los instrumentos que hemos mencionado
anteriormente. Normalmente, las
coreografías las realizan grupos bastante
abundantes con todos los miembros ataviados
con una misma indumentaria donde, al igual
que ocurre con el resto de elementos de este
baile, se mezcla lo moderno y lo tradicional.
Uno de los aspectos, o más bien objetos, que
caracterizan el yosakoi es un instrumento
llamado naruko, que consiste en una pala de
madera sobre la que se disponen tres tablillas
rectangulares, unidas en la parte inferior, de
modo que cuando los bailarines agitan las
manos, el naruko resuena. Este objeto fue
originalmente utilizado como una especie de
espantapájaros que ahuyentaba a las aves de
los campos de arroz mediante el sonido. En
algunos casos, como
se explica en la serie,
los grupos
de yosakoi pueden
complementarse con
otros objetos e
instrumentos, como
es el caso de
banderas, linternas,
sombrillas, abanicos
o tambores.
Desde sus orígenes
en 1954, el yosakoi
ha cobrado bastante
popularidad, siendo
un estilo practicado
tanto por jóvenes -
como puede ser el
caso presente
referente a un club de
instituto dedicado
a esta disciplina-
como por
adultos. A día de
hoy, como
nos muestra
Hanayamata,
existen diversos
festivales en los que
grupos de danzantes
compiten por erigirse y ser considerados
como el mejor de todo Japón. Este es el caso
del Yosakoi Matsuri, celebrado en la
prefectura de Kôchi durante el mes de agosto.
Arriba: grupo de yosakoi en plena actuación. Abajo, gran variedad de modelos de naruko que podemos ver en el anime, como denota la imagen, este instrumento a pesar de su origen eminentemente tradicional, se ha modernizados hasta acercarse a la estética kawaii.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 41
A lo largo de los doce capítulos que dura
este anime veremos todas y cada una de las
características que hemos mencionado
anteriormente, tanto a través del grupo de
nuestras protagonistas como mediante el
resto de danzantes que aparecen. Desde el
crear una coreografía divertida y original, la
elección de la música y del vestuario, el hecho
de que se ponga en duda la calidad de su
actuación al ser únicamente 4 participantes
(hemos de tener en cuenta que en el Yosakoi
Matsuri el número máximo de participantes
por grupo asciende a los 150 miembros, por lo
que la comparación resulta ridícula), la
existencia de tiendas centradas en esta
temática o la inclusión de sombrillas y
banderas en este caso.
Ante todo, hemos de tener en cuenta que se
trata de un anime de género escolar, donde se
narra la vida diaria de una serie de
estudiantes, así como los altibajos en su
relación, siendo la danza el nexo de unión
entre todas ellas. Sin embargo, el espectador
podrá ver toda una serie de escenas en las que
la coreografía se deja entrever, así como una
actuación final donde, por fin, podemos verla
al completo y con todos los elementos que se
habían mencionado. La estética de esta serie
no hace sino favorecer al género: se trata de
unos personajes con físicos diferentes, rasgos
muy dulces y delicados y un especial cuidado
en el color y el tratamiento de la luz-como se
puede ver en los trajes que emplean las
protagonistas para bailar, que destacan por su
detallismo-, sobre todo en las escenas de
baile.
Hanamayata es un anime fresco y divertido,
quizás un poco lento en el discurrir de la
trama, muchas veces focalizada en los
sentimientos del grupo de chicas
protagonista. Sin embargo, no podemos dejar
de destacar los toques de humor así como la
ya mencionada y cuidada estética que nos
vamos a encontrar a lo largo de los diferentes
episodios.
A modo de conclusión, no podemos sino
dejarnos llevar por las pegadizas melodías y
preciosos bailes pertenecientes al yosakoi,
que ha quedado eclipsado por otros estilos
musicales más contemporáneos, a pesar de su
evidente presencia en la sociedad japonesa.
Actuación de las protagonistas en la que podemos ver la inclusión de nuevos elementos como es el caso de las sombrillas de papel.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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El largometraje Brotherhood of Blades nos
traslada a un turbulento periodo de la historia
de China. Durante los primeros años del siglo
XVII, la dinastía Ming, que había gobernado
los destinos del Celeste Imperio durante más
de dos siglos, se encontraba en un delicado
momento, sumida en luchas internas entre
varios sectores de la corte, una corrupta
burocracia, y problemas en sus fronteras.
El emperador
Xizong (1620-
1627) sentía
interés por
elementos de lo
más peculiares,
caso la
carpintería,
afición que le
llevó a realizar
toda una serie
de bellos
muebles que él mismo lacaba, lo que, en
consecuencia ocasionó que desatendiera las
labores de gobierno, haciendo que las luchas
entre las distintas facciones de la corte se
volvieran despiadadas. En este contexto
histórico encontramos a Wei Zhongxian
(1568-1627), interpretando en la película por
Chin Shih-chieh, un eunuco24 tan competente
24 Los eunucos jugaron un papel destacado en la corte de la China imperial, siendo muchos los emperadores que depositaron su confianza en ellos, ya fuera como sirvientes, consejeros o ministros. Esto se debía a la creencia de que los eunucos, privados de toda relación familiar, profesaban una mayor lealtad hacia su soberano, además de resultar perfectos para velar por el correcto comportamiento de las concubinas de palacio. Varios eunucos alcanzaron gran fama y reconocimiento durante el gobierno de los Ming, caso
como carente de escrúpulos que adquirió
mucho poder debido a la influencia que
ejercía sobre el emperador, y que se fue
haciendo progresivamente con el gobierno
gracias a la purga de sus adversarios, muchos
de los cuales murieron en prisión tras ser
torturados.
Wei fue un personaje complejo, que no se
conformó con ostentar el poder, sino que
ansiaba sobremanera el reconocimiento
público, lo que hizo que se colmara de
honores a sí mismo, fomentara la
construcción de templos que albergasen su
imagen a lo largo de toda China, e incluso
llegó hasta el punto de hacer que un sobrino
suyo ocupase el lugar del emperador durante
la celebración de los sacrificios en el templo
imperial. Tal era su control en los asuntos de
estado, que siete de cada diez de los altos
funcionarios de la corte le eran leales.
de Wei Zhongxian o del almirante y explorador Zheng He (1373-1433).
Brotherhood of blades (2014)
Por David Lacasta
Wei Zhongxian (Chin Shih-chieh), el eunuco que ostentó el poder a finales de la dinas tía Ming.
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En este contexto arranca la película: el joven
emperador Chongzheng (1627-1644)
(interpretado por Ye Xiangming) acaba de
subir al trono e intenta introducir una serie
de reformas en la decadente estructura de
gobierno, siendo la principal el relevar a Wei
de todas sus funciones y exiliarlo al lejano
emplazamiento de Fengyang. El joven
emperador no se contentará con esto, ya que
los tentáculos de Wei se extienden todavía
entre el alto funcionariado de la corte, con lo
que encargará a su cuerpo de élite, los
Asesinos del Emperador, el arresto y
ejecución de Wei, así como el de todos sus
partidarios.
Esta delicada
labor le será
encargada a los
tres
protagonistas
del filme, Shen
Lian (Chang
Chen), Lu
Jianxing (Wang
Qianyuan) y
Yichuan (Ethan
Li), tres
afamados y
competentes asesinos. Nuestros tres
protagonistas, los cuales se profesan una
lealtad y amistad que va más allá de lo
profesional, se verán movidos por diferentes
intereses. Así comprobaremos como Shen
está enamorado de Zhou Miaotong (Liu
Shishi), una joven cortesana propiedad de un
burdel, de la que está decidido a comprar su
libertad pese a su más que exiguo salario. El
asesino veterano Lu, ansía conseguir una más
que merecida promoción, con la que poder
ayudar a su familia, encontrándose una y otra
vez con que su inmaculado expediente no
supone gran cosa a los corruptos
funcionarios, y que sin los correspondientes
sobornos resulta imposible conseguir el
ascenso. Por último, el joven Yichuan, se verá
constantemente acosado por un antiguo
compañero, el enigmático Ding Xiu (Zhou
Yiwei), un hábil espadachín, que le chantajea
amenazándole con revelar un terrible secreto
de su pasado.
Así, seremos testigos de cómo, tras
enfrentarse y derrotar a la guardia del
eunuco, Shen Lian está en disposición de
acabar con Wei, pero caerá en sus engaños,
perdonándole la vida a espaldas de sus
amigos a cambio de una sustanciosa cantidad
de dinero. Shen destinará esta fortuna a
ayudar a sus compañeros de armas, así
realizará los sobornos pertinentes con los que
comprar el ascenso de Lu; acabará con los
chantajes de Ding Xiu; e intentará comprar la
libertad de la cortesana Zhou Miaotong. La
falsa muerte del eunuco no pasará mucho
tiempo inadvertida, lo que generará que
nuestros tres protagonistas se vean atrapados
en medio de las conspiraciones y luchas de
poder de la corte, en la que altos funcionarios,
afines todavía al eunuco, intentarán por todos
los medios acabar con los protagonistas.
El director Lu Yang conduce esta
producción wuxia,25 en la que encontramos
25 El wuxia es un género distintivo de la literatura, televisión y cine China, en el cual se conjugan
Los asesinos protagonistas: Yichuan (Ethan Li), Lu Jianxing (Wang Qianyuan) y Shen Lian (Chang Chen).
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los elementos característicos del género,
como unas cuidadas acrobacias en las que no
se abusa del uso de cables, así como toda una
serie de masivos enfrentamientos en los que
nuestros protagonistas saldrán victoriosos
gracias a su maestría en el manejo de todo un
repertorio de armas blancas. La puesta en
escena resulta reseñable, ya que nos ayuda a
apreciar la contraposición entre los lujosos
ambientes de la corte con las moradas más
humildes, representantes de la China
tradicional. El final de la narración se
desarrolla en los bellos pero inhóspitos
parajes de Manchuria, donde conoceremos a
los manchúes, un belicoso pueblo nómada,
que regirá los destinos de China durante la
etapa posterior a la caída de los Ming.
La historia acusa algún que otro fallo
desconcertante, como la fácil aceptación por
parte de sus compañeros del soborno de
Shen, o los repentinos cambios de lealtad de
los personajes implicados, pero nos
transmite satisfactoriamente la sensación de
opresión y juego de intereses de la corte de los
Ming. La cámara se esfuerza por recoger con
todo detalle los duelos, así como por intentar
situar al espectador como uno más dentro de
las andanzas del grupo de asesinos. Los
efectos especiales son correctos, así como las
determinados aspectos de la filosofía de las artes marciales con la historia del país.
panorámicas en las
que contemplamos la
magnitud y
dimensiones del
Pekín de los Ming. El
desgarbado
espadachín Ding Xiu,
que jugará un papel
destacado en la
historia, se nos
muestra como una
lejana reminiscencia
del personaje de
Toshiro Mifune en Los siete samuráis (1954),
pero sin acercarse a la complejidad del
samurái de Kurosawa.
Desde Ecos de Asia hemos querido acercarles
esta producción, muestra de cómo una buena
cinta de acción puede encajar en un trasfondo
de conspiraciones e intrigas palaciegas,
acercándonos y haciendo partícipe al
espectador de un interesantísimo momento
de la historia de China, en la que el Celeste
Imperio se encontraba en un delicado
momento, teniendo que hacer frente a unos
endémicos problemas internos de gobierno,
así como a peligros de fuera de sus fronteras,
como es el caso de los ya mencionados
manchúes.
Para saber más:
- Tráiler de la película aquí.
- Ficha en Filmaffinity.
- Ficha en IMDb.
A lo largo de la narración se desarrollará toda una serie de espectaculares combates y demostraciones de artes marciales que pondrán a prueba a los tres protagonistas.
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Parece increíble que todavía no hayan
aparecido análisis profundos de la explosiva –
literalmente- segunda temporada de la
serie Tirano (2014-…), pues si bien en buena
parte de sus primeros episodios se abusó de
un planteamiento un tanto maniqueo,
durante los últimos capítulos se ha convertido
en la única ficción televisiva en novelar
asuntos tan relevantes como la emergencia
del Estado Islámico o la Guerra Civil Siria –de
la que, cada vez más, parece una
transposición directa–.
Por ese motivo, desde Ecos de Asia nos
gustaría resaltar algunos de los puntos
principales de una serie que, si todavía no
está causando estruendo, es porque para
mucha gente se trata únicamente de la
historia de dos hermanos que luchan por el
poder en una ficticia dictadura de Oriente
Próximo. Y es que en efecto, Tirano es –
como muchas otras producciones
audiovisuales- una historia de la lucha por el
poder, pero esta segunda temporada tiene el
sincero y loable honor de desdibujar el
maniqueísmo de su propuesta inicial –
deliciosamente destrozado gracias a los
acontecimientos que ponían fin a la primera
temporada-, para plantear una serie de
cuestiones que atañen a la familia, la religión,
la política y, por supuesto, la violencia. Y, no
menos importante, de ser una de las formas
más evidentes en las que el mundo del
espectáculo estadounidense –e israelí-se está
pronunciando públicamente sobre los últimos
acontecimientos de Oriente Medio, y sobre
unas posibles soluciones.
Tirano (2014-…): familia, poder,
oriente y televisión II Por Marisa Peiró
Tirano una historia de la lucha poder.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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Pero para poder comentar
los principales puntos de
la serie no podemos sino
revelar al lector
numerosos y constantes
spoilers, por lo que
advertimos que, a partir
de este momento, el
artículo desvelará los
principales
acontecimientos de la
primera y segunda
temporada de la serie.
Si bien la geopolítica del
ficticio Abuddin –país en el que se desarrolla
la trama–,26 en la primera temporada parecía
estar más ligada al ámbito de la Guerra de
Iraq, en esta segunda el conflicto presenta
numerosas similitudes con el de los últimos
años de la Guerra Civil Siria, salpicados por
las intervenciones y la lucha contra el Estado
Islámico. Aunque todavía desconocemos
mucho sobre la Historia reciente de Abuddin
26 En un artículo anterior, sintetizamos algunos de los datos conocidos sobre la nación, e intentamos encontrarle una hipotética localización. Así pues, suponíamos que Abuddin se trataba de una nación de Próximo Oriente (que nosotros situábamos en el golfo de Aqaba), lingüística y étnicamente –al menos de manera general- árabe, que al menos desde la década de los 70 estaba gobernada por la dinastía militar de los Al-Fayeed. El presidente Khaled Al-Fayeed se habría hecho con el poder tras derrocar al bando del jeque Rashid –contra el que combatía en una guerra civil- a partir de un ataque de gas a la ciudad de Ma’an. El gobierno de Al-Fayeed habría estado caracterizado por una política autoritaria, en la que Abuddin se definiría como un estado secular, aunque de tradición y mayoría musulmana. Poco sabemos del pasado de la nación, aunque sus ciudades principales parecen tener una larga historia. Si bien nuestra suposición geográfica queda invalidada por nuevas aportaciones (el país tiene frontera terrestre con Líbano y, definitivamente, una gran reserva petrolífera), estás son igualmente incoherentes (Bassam le dice a Ghani que eras tierras fueron Mesopotamia, cuando ningún territorio controlado por Saladino ha quedado entre el Tigris y el Éufrates), y sirven para profundizar en la idea de un país ficticio que, sin embargo, cada vez guarda mayor similitud con Siria.
como para poder trazar un hipotético ensayo
sobre democracia y gobierno en la región,
quedan claras las opiniones de los
realizadores y guionistas sobre las mismas.
Los primeros episodios de la primera
temporada fueron duramente criticados por
presentar una visión peyorativa de los árabes,
encarnados por la despótica figura de Jamal
frente al comedido, democrático –¡y educado
en América!– además de físicamente
caucásico Barry/Bassam. Sin embargo, las
posturas intervencionistas de los Estados
Unidos quedan más que claras cuando el
santificado Barry Al-Fayeed decide, con
cuestionable pesar, y con pleno apoyo de la
embajada, dar un golpe de Estado, siempre en
“aras de la democracia”, para el que no duda
en sacrificar las vidas de numerosos militares
y poner en juego las de muchos otros; en este
contexto, alentar la creciente insurgencia
popular manifestada en las calles de la
capital, en una suerte de “Primavera árabe”,
no parecía bastar. Pero retomaremos esta
idea del deber y del “mal necesario” más
adelante.
Las vidas de prácticamente todos los personajes correrán serio peligro esta temporada.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 47
Recordemos, en primer lugar,
las líneas generales de la
primera temporada. A
nuestro juicio, tal y como ya
expusimos, esta se centró en
la idea de la confrontación.
Por una parte, existía la
confrontación fraternal ente
los protagonistas Bassam y
Jamal Al-Fayeed, que
encarnaban dos formas de
asumir el control político (la
democracia frente a la tiranía,
e implícitamente, Occidente
frente al resto del planeta).
Por otra parte, se presentaba
la lucha dialéctica y física entre las dos
familias más importantes del ficticio
Abuddin, los Al-Fayeed (en el gobierno tras la
victoria en una guerra civil, erigidos ya en
dinastía) y los Rashid, en el momento
presente mucho más vinculados a posiciones
religiosas tradicionales. A lo largo de esta
segunda temporada, estas confrontaciones
democracia-dictadura, Occidente-Oriente, y
en definitiva, secularismo –sin,
acertadamente, asumir que este implicase
modernidad- contra religión, desaparecerán
casi definitivamente del panorama, viéndose
muchos de sus agentes principales
completamente redibujados.
Si la primera temporada se
centró en la confrontación, en
esta segunda pasaremos
directamente a la idea de la
destrucción, que sacudirá,
física y moralmente, buena
parte de lo que se nos
presentó de Abuddin. Antes
de analizar estos hechos,
recapitulemos sobre los
intensos acontecimientos que
tienen lugar en esta temporada.
La segunda da comienzo poco después del
final de la primera, en el que el golpe de
estado de Bassam era frustrado, ejecutados
sus cómplices, y él mismo era enviado a
prisión en espera de su sentencia de muerte.
En el episodio 2×01, comenzamos a observar
ya a un Jamal más humano, sumamente
reticente de enviar a su hermano al patíbulo,
pero estas mismas dudas ponen en
cuestionamiento el poder real de su figura –
para la oposición, la figura de Bassam se está
convirtiendo en un mártir de la democracia-,
y su autoridad frente a los inversores chinos,
que gracias a un contrato para la explotación
El presidente Jamal Al-Fayeed y su esposa en la ejecución de Bassam.
Bassam será abandonado a su suerte en el desierto.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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de una planta petrolífera junto a la ciudad de
Ma’an situarán finalmente a Abuddin en el
panorama internacional, con sus
consecuentes beneficios económicos.
Finalmente se programa la ejecución pública,
pero Jamal no se atreve a ser el asesino de su
hermano, por lo que
sustituye su cuerpo
por otro y lo
abandona a su suerte
en el desierto,
augurándole una
muerte próxima.
Bassam tiene la
suerte de acabar en
un poblado beduino,
bajo la protección de
un buen hombre
llamado Ahmos,
quien le acoge debido
al sentimiento mutuo
de descontento con el
gobierno de Jamal
Al-Fayeed.
Paralelamente, la
muerte de Bassam
reaviva la insurgencia
por parte de Ihab
Rashid y sus
seguidores –entre
ellos, Samira, quien
decide no exiliarse en
los Países Bajos y
quedarse para lograr un cambio político-,
ahora concentrados en Ma’an, ciudad que es
gaseada por el ejército –aunque sin el
consentimiento– de Jamal, falleciendo no
solo los insurgentes sino una gran cantidad de
civiles inocentes. Esta y otras actuaciones
despóticas –como el nombrar a su
incompetente hijo Ahmed ministro-, junto a
la ejecución de Bassam, no hacen sino avivar
el ya imponente odio popular hacia el
Presidente.
Cansados de la persecución continua, Ihab y
–sobre todo- Samira, no vacilan demasiado
en aceptar la propuesta de su viejo conocido
Abu Omar (claro calco de Abu Omar Al-
Baghdadi), e intentar instaurar el Califato
Islámico de Abuddin. Su primer golpe de
efecto será junto a la aldea beduina de Tal
Giza –en la que justamente está escondido
Bassam, ahora renombrado Khalil-,
secuestrando y ejecutando a un convoy de la
embajada alemana que llevaba a Daliah, la
segunda esposa de Ahmos, a formarse como
ingeniera solar. Tras la toma de la aldea, el
secuestro de Daliah como concubina del líder
del Califato, y el reclutamiento obligatorio de
todos los hombres en edad de combatir,
Bassam-Khalil intenta huir del país hacia
Algunas escenas de Bassam-Khalil en Tal Jiza, junto a la familia beduina que le acoge.
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Líbano, pero
finalmente se queda
frontera adentro con la
intención de intentar
defender su tierra de
esta nueva amenaza.
Paralelamente, en
Asima –la capital de
Abuddin, de la que por
primera vez
conocemos el
nombre-, la irrupción
del Califato sorprende
a la Presidencia, y pone
en peligro no solo el
gobierno de Jamal, sino la inversión china, ya
que el ejército de Abu Omar e Ihab Rashid se
dirige imparable hacia Ma’an, principal
ciudad de la oposición, y sede del petróleo
abuddiniano. Varios océanos más allá, el
joven Sammy Al-Fayeed conoce que es el
único heredero del patrimonio paterno, pero
que para tomar posesión de él, tiene que
participar en un proceso judicial en Abuddin
y renegar de los actos de su padre. A pesar de
la oposición materna, la familia Al-Fayeed (y
su abogado, quien iniciará un oportuno
romance con la “viuda” Molly) viajará hasta
Abuddin en el momento más peligroso.
Bassam-Khalil se unirá a un grupo de
supervivientes combatientes en contra del
Estado Islámico, que acabará siendo conocido
como la Mano Roja, y que iniciará una
contraofensiva contra Abu Omar, tan hábil y
efectiva que comenzará a ser el último recurso
de supervivencia para el inefectivo ejército de
Jamal, dirigido por Tariq Al-Fayeed, que
parece ser el verdadero villano de la historia.
La defensa del régimen de Jamal frente al
Califato estará
organizada, a partir
de cierto momento,
por el General Rami
Said, un hijo
ilegítimo de Jamal
que aparece
oportunamente y que
cuenta con gran
experiencia en
asuntos militares por
su intervención en
diferentes conflictos
en África. Aunque
traerá consigo a un
ejército de Liderado por Abu Omar e Ihab Rashid, comenzarán las conquistas del Califato Islámico de Abuddin.
El ejército del Califato captura rápidamente buena parte del país.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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mercenarios, la paranoia y la culpa de un
Jamal cada vez más demenciado, le harán
intentar atentar contra su propio hijo –
mediante un atentado en el que acaba
matando a Amira Al-Fayeed, su madre-.
Encarcelado Rami Said –que parece sentir
cierto apego por la desgraciada y ahora
estéril, y casi repudiada, Nusrat-, los
mercenarios se niegan a trabajar para el
enloquecido Jamal, dejando Abuddin a su
suerte.
Paralelamente, Sammy Al-Fayeed, ya en
Abuddin, intenta
contactar con su
antiguo amante
Abdul, que junto a
muchos otros
homosexuales ha
sido ejecutado por el
Califato. Tras asistir a
una vigilia en una
discoteca gay de
Asima, comprende lo
que la victoria del
Estado Islámico
supondría para
buena parte de la
población de Abuddin –país que hasta aquel
momento no había sentido como suyo- y
decide invertir su herencia en ayudar a la
resistencia, aunque para ello pide
entrevistarse en persona con Khalil, el líder
de la Mano Roja, que por supuesto desconoce
que es su padre. La
única posibilidad de
victoria de Bassam-
Khalil, Jamal, y en el
fondo, de buena
parte de Abuddin,
parece ser el grupo
de mercenarios
africanos que se
niegan a combatir
fuera de las órdenes
del General Said.
En esos momentos,
Leila comienza a
percibir el peligro
creciente que representa su marido en el
poder –y de paso, a darse cuenta de los
monstruos en los que la pareja se han
convertido – e, incapaz de acabar físicamente
con Jamal, comienza a orquestar un nuevo
golpe de Estado para deponerle. Convencida
por Molly Al-Fayeed – que finalmente
conoce, gracias a Sammy, que Bassam está
En esta temporada contemplaremos el auge y caída de Rami Said.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 51
vivo pero en peligro de
muerte-, Leila liberará
al General Said, cuyos
mercenarios serán
pagados con la
herencia de Sammy, y
avisará a la Liga Árabe
de que Jamal ha
cometido varios
crímenes contra la
Humanidad –como el
ataque de gas a Ma’an-
. La ofensiva
combinada de los
ejércitos de Said y
Bassam lograrán hacer
que el Califato se dé por vencido –no sin
notables bajas–, y un Bassam aclamado la
multitud –que le pide que sea el nuevo
Presidente– llegará a Asima justo a tiempo
para ver la renuncia televisada de Jamal, a
quien la Liga Árabe obliga a dejar su puesto
con la promesa de obtener inmunidad
política. Pero cuando esta misma inmunidad
le es negada al Coronel Mahmoud Al-Ghazi,
la única persona fiel a Jamal hasta el último
momento, el Presidente sorprende a todos
acusando a –el ya fallecido– Tariq como
único responsable de la masacre de Ma’an y
se niega a dejar el puesto. Ante las cámaras
internacionales, una enfurecida Nusrat
dispara a matar a Jamal, dando fin a la
temporada y dejando en suspense a la
audiencia.
Este acto pone punto y seguido –estamos más
que seguros de que no será el punto final- a
una temporada de,
como ya hemos
dicho, destrucción
física y moral. La
destrucción física de
Abuddin es más que
palpable, en un país
devastado por los
combates y
ejecuciones masivas,
y hasta las
desapariciones son
más que destacables
en el elenco
principal, tanto de
viejos conocidos
como de nuevos
personajes. La Liga Árabe juzga a Jamal culpable del único crimen que no cometió.
Jamal enloquecerá cada vez más como consecuencia de sus poco acertadas decisiones.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 52
Sin embargo, la más importante de esta
temporada ha sido la destrucción moral, que
ha afectado severamente a casi todos los
personajes. En primer lugar, encontramos a
un Bassam renacido y, aparentemente,
carente de esos claroscuros que tan
interesante le habían hecho a finales de la
primera temporada; la piedad de Ahmos y un
fiero sentido del deber le harán actuar a
sangre fría, no dudando en asesinar a
miembros del Califato (incluso a la hija del
que fuera su mejor amigo), en aras del
siempre polémico bien común. Por otra parte,
la supuesta ejecución de Bassam por parte de
Jamal imprime en el Presidente una especie
de “marca de Caín”, de tal manera que el
sentimiento de culpa por la muerte de su
hermano atormenta a Jamal hasta el punto de
hacerle sentir responsable de todas las
desgracias que suceden tanto a la familia Al-
Fayeed como a la misma nación de Abuddin.
A partir del primer capítulo, que parecía
mostrar un Jamal más humano -adoptando la
prudencia de Bassam en elementos como la
oposición al gaseo de Ma’an-, veremos como
Jamal se refugia en la religión (islámica), y de
la paranoia de sus propias interpretaciones
surgen muchas otras desgracias, como la
muerte de su madre o el dejar al país a su
suerte tras el encarcelamiento de Said.
Por otra parte, personajes fuertes como Ihab
Rashid también sufren una completa
destrucción moral, consumido –literalmente–
por las acciones de Samira, por culpa de la
cual refuta sus principios religiosos anti-
violentos y se decide a unirse al Califato
Islámico; de la misma manera, la destrucción
moral de Samira queda plenamente explicada
en algunos de los diálogos más lúcidos de la
temporada.27 En el otro extremo, vemos como
27 No podemos evitar reproducir parte de la conversación que Samira mantiene con Bassam y Daliah en el séptimo episodio de la segunda temporada: “Tuve muchos años de escuela, casi veinte
personajes tradicionalmente presentados
como débiles adquieren importancia y poder.
Tal es el caso de Sammy o Ahmed –
excesivamente accesorios en la primera
temporada, pero que ahora adquieren
profundidad en una trama que cada vez se
demuestra más coral–, pero excesivamente de
Nusrat, para quien el constante acoso y
derribo sufrido a lo largo de las dos
temporadas28 culminará en el acto valiente
que cierra el último episodio. La destrucción
moral de otros personajes como Leila,
seguramente el más poderoso y confiado de
todos lo que se nos presentan, plantea
también muchas futuras e interesantes líneas
de desarrollo.
años de escuela. Para ser abogada. (…) Es algo muy optimista pasarse tantos años en la escuela, preparándose para el futuro. (,…) Cuando tenía doce años, nos eligieron a doce de nosotras, chicas, todas de Ma’an, para estar en una especie de equipo de debate. Nos lo enseñaron todo, nos llevaron a todas partes, incluso al Líbano. Ganábamos a todos. Mi amiga Karima y yo éramos las mejores. (…) Éramos invencibles…. hace diez años. Pregúntame dónde estamos todas ahora. Karima está muerta. Gaseada junto a toda su familia. Jadwah también, muerta. Dos más se han ido a algún lugar….a algún campo de refugiados, donde pueden ver a sus hijos y morirse de hambre. Y luego estoy yo. Así que ahí está, mi generación…” (…) “Mira, tú y yo somos de aquí. Pero tú ya no eres Bassam. Y yo no soy Samira. Esas personas están muertas. Y el país en el que vivíamos ha desaparecido .Y esto, esto es lo que ha quedado.” 28 Nusrat es uno de los primeros personajes en ser introducidos en la primera temporada, a la cual conocemos luego de ser violada por su suegro (bajo el pretexto de comprobar su pureza), justo antes de la boda con un patoso Ahmed, que ni siquiera llega a imaginar los motivos por el que su esposa le rechaza. Más adelante, Jamal asesinará al padre de Nusrat –un importante empresario- por su colaboración en el intento de golpe de estado de Bassam, quedando Nusrat por entero sometida e indefensa ante cualquier posible vía de escape. Más adelante conoceremos como, ya estando convertida en devota esposa de Ahmed, ese hijo que espera es el concebido en su violación. El aborto espontáneo que sufre y la consecuente histerectomía la dejan estéril y por tanto, incapaz de continuar con la saga familiar de los Al-Fayeed, por lo que Leila hace que Nusrat pida a Ahmed la anulación, con la promesa de pagarle un futuro en el destino de su elección.
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Decíamos en las primeras líneas
como Tirano parece ser una suerte de
interpretación norteamericana –y, por tanto,
con su consiguiente aportación de soluciones-
sobre la actualidad medio-oriental (inclusive
sobre la cómoda posición de la Liga Árabe). A
diferencia de la primera temporada, esta
segunda presenta un tono religioso mucho
más perceptible y, por lo general, mucho más
anti-islámico.29 No obstante, debemos
romper una lanza a favor de los guionistas de
la serie que, a través de una serie de
personajes (muy interesantemente, casi
29 Esto no solo se aprecia en el evidente y gráfico antagonismo del Califato Islámico de Abuddin, sino en la manera en la que se muestra a Jamal actuando como un loco como consecuencia de explicar sus desgracias mediante la fe –aunque nunca se culpa al imán de sus palabras-. Únicamente Bassam, imbuido de una repentina religiosidad, parece representar los elementos positivos de la Fe, aunque en gran medida parece dejarse ver que, al menos en un principio, Bassam la practica como una forma de integración y de respeto hacia sus salvadores.
exclusivamente femeninos) han sido capaces
de incluir y justificar diferentes posiciones
ideológicas en torno a la religión y los límites
de la misma. 30
30 En primer lugar, entre los partidarios del Califato encontramos a Samira, quien como ya hemos mencionado apoya el grupo de Abu Omar a pesar de su barbarie porque lo considera la única manera de llegar al poder y reclamar venganza; otras mujeres, como aquella musulmana norteamericana a la que Bassam ayuda a escapar, están por el contrario horrorizadas de sus acciones, lamentando haberse unido a ella –quizás, en busca de esa integración que tan negada les es a muchos musulmanes en la América post-11-S-. Por otra parte, vemos como, junto a Khalil (Bassam), los personajes más relevantes de la Mano Roja son mujeres: desde la documentalista que en el primer episodio arroja sangre a una paternalista Leila Al-Fayeed, al a guerrillera del hiyab que parece sentir una repentina atracción por Sammy Al-Fayeed. En última instancia, no podemos sino mencionar la ambigua relación de Leila con la cubrición religiosa, quien se coloca o quita el velo en función del carácter y visibilidad política de la ocasión.
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Igual que muchos espectadores señalaron, en
la primera temporada, las más que evidentes
similitudes entre el personaje de Jamal Al-
Fayeed y el errático y tiránico Uday Hussein,
otros tantos apuntaron los parecidos entre el
no menos polémico Bashar Al-Asad y el
aparentemente inmaculado Bassam. Y ahora
que ya conocemos los claroscuros de este
último, y que los del presidente sirio
adquieren un cada vez mayor conocimiento
popular, no podemos evitar recordar cómo
Al-Asad, también médico y de ojos azules, se
convirtió en el heredero de la dinastía
fundada por su padre luego de la muerte de
su hermano mayor. Visto el último episodio,
¿se convertirá Bassam en presidente? ¿Se
convertirá Bassam en Bashar? ¿Se convertirá
Abuddin en Siria? ¿Qué sucederá con Siria en
los próximos meses? Sobre ello, tanto en la
realidad como en la ficción, no podemos sino
meramente especular, pero tengan por seguro
que hacerlo viendo Tirano es, desde luego,
una forma polifónica y más que interesante.
Tal y como sucede en la primera temporada, y
en cierto modo, tal y como está sucediendo en
Siria, el gobierno de los Estados Unidos no
parece querer inmiscuirse de manera visible
en la política de la región, dejando en manos
de las facciones aparentemente locales un
conflicto que desde luego tiene mucho de
internacional.
Los Estados Unidos, las masas de Asima reclaman a Bassam. ¿Pero qué pasará en Abuddin?
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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China lleva unos
años irrumpiendo en
Occidente a un ritmo
vertiginoso, y el caso
de España no es una
excepción. A través
de la emigración y la
consolidación de
comunidades
diaspóricas (que en
otros países han
tenido una
trayectoria histórica,
pero que en España
constituyen un fenómeno relativamente
reciente) y del veloz crecimiento económico
que ha llevado a la nación oriental a
convertirse en uno de los pilares de la
macroeconomía mundial, China ha ido
calando y logrando un papel cada vez más
importante en nuestra vida diaria. Conforme
se ha ido asentando esta presencia, ha ido
desarrollándose una incipiente curiosidad por
el Gigante Asiático: proliferan los cursos y
escuelas de chino, se estimula una relación
bilateral en el campo del turismo, con
iniciativas de recepción como la Chinese
Friendly, y cada vez son más las exposiciones
y eventos culturales que atienden a la cultura
china, desde la tradicional hasta la más
contemporánea.
Dentro de este panorama, Barcelona, una de
las ciudades españolas con mayor presencia
china y mayor actividad cultural relacionada
con Asia, ha visto nacer a un grupo musical
que realiza una fusión que resulta
tremendamente llamativa: combinan un pop-
rock independiente con letras cantadas en
chino mandarín. Se trata del grupo Gas, y hoy
tenemos la oportunidad de charlar con ellos.
Ecos de Asia: Vayamos directos al grano. En
primer lugar, ¿por qué cantáis en mandarín?
Gas: La idea de hacer música en chino surgió
casi como una broma, un día vino un amigo
de la banda al local y lo propuso. Al principio
nos pareció una idea muy descabellada, pero
tradujimos una de las letras que teníamos en
español y la verdad es que nos gustó como
sonaba el chino con nuestra música y,
sobretodo, después de ver la buena acogida
que tuvo nuestro primer video en Youtube,
Entrevistamos a Gas: pop-
rock occidental cantado en
chino
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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decidimos seguir cantando en chino y ver que
nos depara el futuro.
EdA: Además del traductor, Jordi Riba, en
Gas os juntáis personas que provienen de
diferentes ámbitos profesionales
(economistas, sociólogos, ingenieros,
diseñadores gráficos…) ¿Cómo surgió el
grupo?
Gas: Somos todos amigos de la misma zona
de la ciudad y además somos músicos desde
muy jóvenes. Hemos ido coincidiendo
también por los locales de ensayo y
finalmente decidimos emprender juntos esta
aventura en mandarín.
EdA: Empezasteis a cantar en mandarín en
2012, con el juego de traducir una canción.
Ahora que han pasado tres años, y ya tenéis
más perspectiva, ¿cómo valoráis el trabajo
realizado? ¿Sigue siendo un divertimento
experimental, o se ha vuelto más serio con el
lanzamiento de Everlasting Freshman?
Gas: No ha sido fácil el proceso de decidir y
lanzar nuestro primer trabajo de estudio en
mandarín. En nuestra opinión el disco está
muy bien producido y mezclado por Valen
Nieto de Raydibaum e Yves Roussel. Lo difícil
es la promoción a tanta distancia de nuestro
público potencial y poder organizar
conciertos por aquí que puedan captar
público que hable mandarín.
EdA: Sois una banda con cierta trayectoria, de
la cual buena parte fue en castellano. ¿Cuáles
son las principales diferencias que habéis
notado en la recepción de vuestra música?
Gas: Cambia completamente porque la
novedad que representa un grupo occidental
cantando en chino ha hecho que nuestro
proyecto sea más original e interesante para
mucha más gente. En todo caso, seguimos
componiendo primero las canciones en
castellano y en los conciertos que hacemos
por aquí tocamos en castellano para los
amigos que siguen viniendo a vernos.
EdA: Cantar en mandarín, ¿os abre puertas,
por lo llamativo que resulta dentro del
panorama musical? ¿O dificulta más llegar al
público?
Gas: Abre puertas en
un sentido pero
cuesta más
promocionar el
directo que es lo que
realmente nos gusta
a los músicos.
EdA: Y al respecto,
¿cuál es
vuestro target? ¿Ha
evolucionado desde
vuestra primera
etapa en castellano?
¿Se mantienen los
primeros fans, o
habéis cambiado
radicalmente de público?
Gas: Los amigos están ahí desde siempre y
seguiremos intentando darles canciones que
les gusten. De todas formas, en este momento
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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estamos intentando organizar una gira por
Taiwán para la primavera de 2016.
EdA: ¿Tiene vuestra música tirón entre las
comunidades de chinos en España, y más
concretamente, en Barcelona y alrededores?
Gas: De momento poca. Hemos participado
en algunas fiestas de la comunidad China en
Barcelona y Madrid. Son comunidades de
entrada bastante
centradas en el tema
de sus negocios.
EdA: Y, ampliando
un poco más nuestros
horizontes, ¿cuál es
la recepción que
actualmente tenéis a
nivel internacional?
Con el lanzamiento
de Eterno debutante
cantada en chino
mandarín y el apoyo de las redes sociales,
alcanzasteis un cierto reconocimiento
internacional. ¿Se ha mantenido en el
tiempo? ¿Fue algo anecdótico, fruto de un
fenómeno viral, o ha tenido cierto calado?
Gas: Siguen llegando buenos comentarios
pero lo que realmente necesitamos para ese
reconocimiento es poder tocar en los países
que se habla en mandarín. Hemos recibido
muchas invitaciones de salas de estos países y
también de lugares con comunidades chinas
importantes como en Canadá y Estados
Unidos.
EdA: ¿Se os abren las puertas del gigante
asiático? ¿Habéis sufrido dificultades a la
hora de hacer llegar vuestra música a China?
¿Qué canales habéis utilizado para ello
[recordemos que las principales redes
sociales, FB, Youtube, etc. están bloqueadas
por la censura en China]? ¿Os ha afectado la
censura en algún momento?
Gas: Nos afecta porque no podemos hacer el
mismo tipo de promoción que en los demás
países. Nos han ayudado algunos periodistas,
principalmente occidentales que trabajan en
programas de Radio y televisión de China y
estamos buscando alguna forma de
distribución de nuestra música allí.
EdA: En este sentido, ¿creéis que China
puede reemplazar a Japón como target
potencial de grupos occidentales? ¿Puede el
ya tradicional fenómeno del Big in Japan31
transformarse en un Big in China? ¿Qué
opiniones tenéis de este fenómeno y como os
posicionáis al respecto?
Gas: De momento sólo conocemos algunos
artistas de música pop occidental que han ido
a China buscando el gran mercado cantando
en español o inglés. No conocemos a ningún
otro grupo de música que cante sus temas en
mandarín como nosotros. Sabemos que será
un proceso largo pero ahí estamos con todas
nuestras ganas.
31 Literalmente “Grande en Japón”, es una expresión que desde mediados de la década de los 70 se utiliza en lengua inglesa para referirse a artistas y grupos musicales que son pocos conocidos en sus países de origen, pero que adquieren un éxito inesperado en Japón.
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EdA: Hemos hablado ya largo y tendido de la
recepción, pero centrémonos ahora en la
música. ¿Cuál es el proceso creativo que
seguís a la hora de componer los temas en
mandarín?
Gas: Normalmente llevamos al local una
propuesta melódica o rítmica que nos
interesa y vamos evolucionando el tema.
Simultáneamente vamos escribiendo la letra
en castellano o catalán y seguidamente es
cuando la traducimos al mandarín y
adaptamos la canción a la letra definitiva para
que cuadre en métrica y estructura. El último
punto son los arreglos, teclados, detalles…
EdA: Desde vuestra perspectiva, ¿dónde
encajáis dentro del panorama musical
español, y, más concretamente, en el ámbito
catalán? ¿Cuáles son vuestros referentes
musicales?
Gas: Nuestra propuesta es diferente a lo que
viene escuchándose en el panorama musical
español o catalán. No podemos definirnos
demasiado en ese sentido. A nosotros nos
gustan muchos artistas tanto españoles como
internacionales. Nos gusta mucho la música y
sería difícil hablar de unos pocos referentes.
Si escucháis nuestro último trabajo podréis
oír música pop-rock pero de estilos diversos.
Podéis hacerlo en itunes o en Spotify.
EdA: Dentro de vuestro eclecticismo, ¿sois
aficionados a la música asiática, y en
particular, a la china? ¿Esto os viene de
antiguo, o es consecuencia de cantar en
chino?
Gas: Realmente somos bastante eclécticos. La
música asiática tradicional tiene
instrumentos muy curiosos que mezclados
con nuestra música también funcionan. Si
veis el vídeo de la canción “Cómo soy” podréis
ver al final un pequeño test con un
instrumento tradicional chino tocado por
Yangqin Zhao, una virtuosa del mismo, que
nos mandó las imágenes y el sonido desde
San Francisco USA:
EdA: Valoráis mucho las letras y el contenido
de vuestras canciones (algo que puede verse
con claridad en vuestra página
web, http://www.gasmusica.com/), sin
embargo cantáis en chino. ¿Os parece que
esto, algo que a priori parece una
contradicción, puede perjudicaros a la hora
de afianzaros ante nuevos seguidores en
España?
Gas: Tenemos un estilo de escribir las letras
bastante propio. A veces nos critican que no
sean muy claras en significado pero así es
como acaban siendo. En China, por lo que nos
han comentado, también gustan las letras
metafóricas y no muy directas. La traducción
es muy importante porque debe de intentar
mantener ese significado y eso es realmente
complicado.
EdA: ¿Creéis que vuestra música, a nivel
melódico, ha podido verse afectada por el
salto al mandarín? Si cada canción os supone
un gran reto a la hora de adaptarla al
mandarín, ¿este esfuerzo os limita a la hora
de explorar en mayor profundidad los
sonidos?
Gas: No nos ha afectado en ese sentido. Jordi
nos lo pone muy fácil. El sonido acaba siendo
el mismo. Como la métrica de la letra cambia,
el tema está en adaptar la forma de cantar en
función de cada idioma y cuadrarlo en los
compases y en el tempo. Con práctica no es
tan complicado como parece.
EdA: No podemos acabar esta entrevista sin
hacer mención a una de vuestras obras más
llamativas: la versión del himno del F.C.
Barcelona, adaptada a vuestro sonido pop
independiente y, por supuesto, cantado en
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mandarín. ¿Sois futboleros o fue este un
encargo institucional?
Gas: En realidad no somos muy futboleros. La
primera persona a la que se le ocurrió
encargarnos un himno en chino fue Julio
Tárrega, responsable de comunicación del
Valencia Fútbol Club y gran persona. Le
hicimos una versión muy chula del Amunt
Valencia en mandarín y de estilo pop-rock. Al
cabo de pocos días nos pidieron desde la Peña
Blaugrana de Beijing el himno
del Barça en mandarín para
cantarlo antes de los partidos.
También se lo enviamos y éste
es el que colgaron rápidamente
en Youtube con muchísimas
visitas en pocos días. Es algo
realmente anecdótico pero ha
sido divertido hacerlo.
EdA: En los últimos tiempos
parece que el corazón de China
se ha vuelto “merengue”. El
F.C.Barcelona no realiza gira
asiática desde 2013 y se ha visto
ha sustituido en estos lares por
el Real Madrid, que
últimamente procura estrechar
sus lazos con Asia.32 A pesar de
ello las gradas y el museo del
Camp Nou siguen recibiendo
una gran cantidad de público
oriental. ¿Cómo valoráis el
sentimiento blaugrana en
China? ¿Cómo ha sido acogida
vuestra versión del himno culé?
Gas: La verdad es que no
sabemos mucho de fútbol pero
lo que está claro es que es un
deporte que tiene muchos
32 Al respecto, no hay más que ver la equipación de la Champions League del Real Madrid para la temporada 2014-2015, con diseño del japonés Yohji Yamamoto.
aficionados en todo el planeta y seguro que
los equipos europeos tradicionales tienen
miles de fans en china. El Barça y el Madrid
deben de ser de los más seguidos por allí. Si
quieren que toquemos sus himnos en sus
giras que nos lo propongan. [risas]
EdA: Ha sido un auténtico placer poder
charlar con vosotros, desde Ecos de Asia os
deseamos el mejor de los éxitos y esperamos
poder repetir esta experiencia en el futuro.
Videoclip de la canción Como soy (click en la imagen para acceder al vídeo).
Imagen promocional de la versión del himno del F.C. Barcelona en chino (click en la imagen para acceder al vídeo).
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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Gran parte de la narrativa del folclore del
manga y el anime japonés contemporáneos
no hacen sino reimaginar cuentos para la
audiencia moderna, albergando así
referencias a ejemplos de criaturas
sobrenaturales conocidas bajo el nombre
de yôkai33 en su lengua materna. Estos seres
son una fuente muy rica de material para la
cultura popular contemporánea, sobre todo
para historias de ciencia ficción, fantasía,
acción o cualquier género de aventuras.
Muchas webs y libros de amantes no nipones
de la cultura japonesa realizan un compendio
de referencias a cuentos populares y yôkai en
ámbitos que abarcan incluso el manga y
el anime, ayudando así a hacer accesible y
comprensible este pequeño apartado de la
cultura asiática a las audiencias extranjeras.
Pero ¿cómo podemos hablar de ellos al
margen de explicar simplemente las
referencias a la cultura tradicional? ¿Cuál es
la conexión más profunda entre los yôkai y el
mundo del manga o entre los estilos
de anime y el discurso de los yôkai?
33 El término yôkai es de difícil traducción cuando se traslada a otros idiomas, principalmente los europeos, ya que se trata de un concepto (cuyos kanji serían los correspondientes a “embrujo” y “misterioso”) que acompaña a cualquier tipo de entidad capaz de cambiar de forma, bien animales, demonios, deidades menores, monstruos, espíritus, fantasmas o cualquier otro ser de características sobrenaturales.
El discurso popular tanto en el anime como
en los yôkai parece contar con cierta afinidad
para la creación de realidades comunes a
modo de grandes campos de conocimiento
que reutilizar en sus historias, haciendo que
cada elemento sea igual de relevante. En esta
serie de artículos trataremos de explorar la
tendencia hacia la creación de estas
realidades tanto en los yôkai tradicionales
como en el anime más contemporáneo,
haciendo que los primeros sean accesibles
para la narrativa moderna y promoviendo así
la interacción con los seguidores de ambas
tendencias. Un par de primeros ejemplos a
analizar serán dos de los más populares en el
manga y en el anime: Gegege no
Kitarô e Inuyasha. En ellos se representa de
manera profunda las bases del folclore,
permitiendo también hablar de las diferentes
formas de producción y consumo de estos
nuevos productos.
De Sekien a Studio Ghibli: lo
sobrenatural en la imagen dibujada
del Japón (I) Espíritus y
espiritualidades del Japón
tradicional y moderno Por Pablo Begué
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 63
En su obra Otaku: Japan’s
Database Animals34 Azuma
Hiroki35 declara que los
seguidores de la cultura del
manga y el anime no están ya
interesados en la gran narrativa
de sus ficciones favoritas, sino que
se centran y focalizan en registrar
los detalles de los personajes y su
universo para poder ubicarlos
dentro del contexto general de la
cultura japonesa. Como ejemplo
de todo esto encontraríamos Neon
Genesis Evangelion (1995), la cual
causó un gran impacto y ante la
que Azuma argumenta que su
relevancia no residía en los
complejos mundos de robots gigantes,
invasiones alienígenas o el misticismo de la
inspiración en la cábala, sino en el personaje
de Ayanami Rei. Su apariencia y personalidad
se desmenuzaron en pequeñas unidades de
elementos moe (afectividad) y fueron
copiados en el diseño de muchos otros
personajes de diversas franquicias de
videojuegos, manga, anime… ya no sólo como
un modelo común de personaje, sino como un
nuevo modelo de consumo, ya que cada vez
que emerge un personaje de la misma
popularidad que Rei, son sus atributos los
que se recombinan para crear nuevos
personajes. Así, Azuma llega a relacionar esta
idea con los otome games, juegos de citas
donde los jugadores construyen a o
interaccionan con su pareja basándose en
elementos de afectividad. Así, la superficie de
la cultura otaku está cubierta de simulaciones
de ideas derivadas, aunque, en una capa
menos visible, encontramos composiciones
de personajes y, de manera todavía más
34 Azuma, Hiroki, Otaku: Japan’s Database Animals, Minneapolis, University of Minnesota Press, 2009. 35 Según el empleo de la onomástica japonesa el apellido precederá, a partir de ahora, al nombre.
profunda, el campo común de los elementos
sentimentales.
Esta idea forma parte de una argumentación
mucho más extensa del propio Azuma en la
que los otaku son precursores de una
generación postmoderna de consumo, donde
la originalidad y la inmersión en mundos
ficticios complejos no son valorados a pesar
de la construcción y dominio de estos campos
comunes reutilizados en diferentes ámbitos.
Este modelo de “base de datos” enfocado
hacia lo sentimental y lo experimental parece
encontrarse en relación con los códigos
utilizados de manera histórica para expresar a
los yôkai. Éstos ya fueron catalogados por
Toriyama Sekien (1712 – 1788) en sus cuatro
libros sobre criaturas sobrenaturales, donde
recopilaba una vaga serie de tradiciones
populares y las hacía accesibles, sirviéndole
como punto de arranque para posteriores
escritos. Si bien Sekien no sería el primero en
plasmar una representación física de estos
seres, la unicidad y la influencia posterior de
su trabajo reside en la presentación en forma
de libro. Éstos se alejan de los rollos de
historias presentados hasta entonces con una
página de texto acompañada de una
ilustración destinada a cada una de las
En su obra, Azuma teoriza sobre la capacidad enciclopédica del seguidor contemporáneo de la cultura del manga y el anime.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 64
criaturas, aunque carece de todo enlace
narrativo para crear un conjunto unitario. Se
conciben así como enciclopedias más que
como antologías de relatos, y contienen
información que puede ser estudiada,
aprendida y aplicada a cualquier otro
contexto. Así, de manera inconsciente, el
autor generó una serie de metáforas
personificadas para ser utilizadas en
cualquier tipo de soporte.
Todo esto serviría a modo de método práctico
y discursivo con carácter enciclopédico,
recopilando y codificando algunas realidades
que ya recibían un nombre con anterioridad.
De esta manera se enfatiza la clasificación de
unos conocimientos temáticos y su
comprensión en unidades más o menos
cerradas. Como objeto de análisis, estos
conocimientos se reducen a unidades cada
vez más pequeñas con la intención de
convertirlas en entidades más fáciles de
procesar, ya que pueden separarse en
entidades individuales por aquellos que son
capaces de manejarlas con facilidad.
Azuma relaciona así este carácter
enciclopédico con algunos videojuegos y con
el acercamiento a ficciones digitales que
rompen con la narrativa tradicional y la
subdividen en diferentes niveles, fases o
personajes intercambiables, alegando que los
seguidores de estos nuevos medios se centran
más en los detalles de éstos que en la propia
narrativa. Sin embargo, esta fragmentación
modular del conocimiento presenta una
información que puede ser categorizada,
reordenada o utilizada para generar nuevos
personajes. En este punto cabe hablar
también de la autoría, hecho que se convierte
en algo relevante únicamente en un contexto
en el que la originalidad es evaluada, es decir,
aquél en el que los consumidores del
producto buscan una inmersión más
profunda en la ficción narrativa.
Sin embargo, este consumo y generación de
nuevas obras, entornos y personajes es algo
limitado, posiblemente por su falta de
especificidad en cuanto a espacio y tiempo a
la hora de consultar esta narrativa. Existen
ejemplos en la cultura popular de los años
noventa, como el de Ultraman o Super
Sentai. Ambas son series de televisión donde
el mayor disfrute reside, no en historias
individuales, sino en el conocimiento general
sobre armamentos, personajes, monstruos…
generando así un impulso clasificatorio en
estas nuevas mitologías contemporáneas.
Casos como el de Tezuka Osamu crearon este
mismo tipo de antología enciclopédica dentro
de su propia obra, y sus cuadernos de notas
nos revelan los nombres creados para cada
uno de los personajes, sus apariencias, sus
profesiones, sus salarios… información que
no aparecía reflejada directamente en los
mangas o en los animes, pero que quedaban
Sekien plantea una catalogación “reglada” para lo sobrenatural en el Japón tradicional.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 65
implícitas para aquellos lectores que desearan
descodificar esta información.
Así, los catálogos de yôkai creados en el
período Edo proporcionan una de las fuentes
de conocimiento más productivas para la
ficción japonesa en todos los ámbitos. Estas
contribuciones a la comprensión popular del
género facilitaron un amplio conocimiento de
la plasmación física de este tipo de creencias.
Este hecho dotaría a la mayoría de seres de
apariencia y características propias en este
tipo de códices, además de generar
imaginarios colectivos sobre invenciones
populares que hoy día forman parte de la
fantasmagoría japonesa más tradicional. Este
es un resultado muy extenso y versátil al que
hoy día pueden continuar añadiéndose
figuras más propias de la ideología moderna.
En el período Meiji la preservación del
folclore se relacionó con un ideal romántico
del nacionalismo, ante el cual algunos autores
argumentan y se lamentan de que algunos
yôkai, como el kappa o el oni, han sido
reutilizados con intereses comerciales,
extraídos de su contexto natural y reutilizados
como mascotas para la venta o el fomento del
turismo, haciendo así que pierdan parte de su
poder e influencia en detrimento de la
publicidad mediante el uso de su libertad de
derechos de autor y de su fuerza emocional
como personajes instantáneamente
reconocibles. Esta facilidad de asimilación de
los yôkai en la cultura moderna, junto a la
invención y popularización de la animación,
habla de las posibilidades de creación que
éstos permiten y del poder que, de una u otra
manera, continúan ejerciendo en la sociedad.
Para saber más:
- Azuma, Hiroki, Otaku: Japan’s
Database Animals, Minneapolis,
University of Minnesota Press,
2009.
- Requena Hidalgo, Cora, El mundo
fantástico en la literatura
japonesa, Gijón, Satori, 2009.
- Shamoon, Deborah, “The Yôkai in
the Database: Supernatural
Creatures and Folklore in Manga
and Anime”, Marvels & Tales,
nº2, Vol. 27, 2013, 276 – 289.
La serie televisiva Ultraman muestra elementos tradicionales bajo una lectura de ciencia ficción mucho más contemporánea.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 66
La historietista
libanesa Zeina
Abirached pasó
los primeros
diez años de
su vida sin
prácticamente
poder salir de su
edificio. Nacida
entre los
bombardeos de
la Guerra Civil
del Líbano36 y criada en el Beirut ocupado por
Israel, estudió en la Academia Libanesa de
Bellas Artes, continuando después sus
estudios en París. A día de hoy, es
considerada la principal representante de la
historieta libanesa, un género todavía no
demasiado asentado en la región.37
La narrativa autobiográfica de Abirached
cuenta, hasta el momento presente, con
cuatro títulos. Con el que ha alcanzado mayor
reconocimiento –y por el momento el único
36 Generalmente, se considera a la guerra que sacudió al Líbano entre 1975 y, aproximadamente, 1990, como una guerra civil entre decenas de fracciones (cristianas, musulmanas y seculares) que combatieron entre sí, pero en la que también jugaron una parte principal las milicias israelíes, palestinas y sirias, además de los intereses manifiestos de los Estados Unidos y la Unión Soviética; de hecho, algunos historiadores señalan cómo en la misma combatieron muy pocos libaneses. 37 Para una suerte de estado de la cuestión, véase Van Aertryck, Pierre-Nicholas, “État des lieux éditorial de la bande dessinée au Liban”, Trabajo Fin de Máster de la Université de París 4 y la Université Saint-Joseph de Beirut, 2011. Disponible online aquí.
traducido al inglés, lo que le otorga una
mayor difusión– es El Juego de las
Golondrinas (2007),38 al que siguió Me
acuerdo (2008):39 ambos presentan, de una
forma más convencional pero también más
refinada que en su obra inicial, diferentes
momentos y recuerdos de la infancia de la
autora.
38 El libro apareció en francés en 2007, y más tarde fue traducido al español (Abirached, Zeina. El Juego De Las Golondrinas. Madrid, Sinsentido, 2008), holandés, alemán, italiano e inglés. 39 El libro apareció en francés en 2008 y ha sido traducido al español (Abirached, Zeina.Me Acuerdo: Beirut. Madrid, Sinsentido, 2009), italiano, alemán e inglés.
Ciudad, memoria y la Guerra Civil
del Líbano en la obra de Zeina
Abirached Por Marisa Peiró
Zeina Abirached
Portada de la edición francesa de El juego de las golondrinas.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 67
En El Juego de las Golondrinas, Abirached
concentra la narración en un solo lugar –el
vestíbulo de su casa– y en un único momento:
una tarde de bombardeos en la que sus
padres tardaron más de lo habitual en volver
a casa. Entre 1975 y 1990, la ciudad de Beirut
fue dividida en dos mediante la llamada
“línea verde”, que dividía la ciudad en las
zonas musulmana y cristiana. La casa familiar
de los Abirached quedó en la zona cristiana,
pero muy cercana a la línea divisoria, y a
plena merced de los francotiradores que
asolaron la ciudad. Por ese motivo, la familia
acabó concentrando todas sus actividades
diarias posibles en el vestíbulo, el único lugar
de la casa que quedaba fuera de la línea de
fuego. Bajo un tapiz que representa la huida
de los hebreos de Egipto, al cual la propia
Zeina atribuía innegables capacidades
protectoras, los Abirached cocinaban,
comían, dormían y pasaban el rato. Debido a
que este lugar era también el punto más
seguro de todo el edificio –un señorial
inmueble de los años 40 del barrio de
Archafrieh–, en las tardes de bombardeo el
resto de vecinos bajaban a refugiarse a este
lugar, trayendo con ello tanto sus historias
como noticias del exterior para Zeina y su
hermano, que apenas pisaron las calles
durante sus primeros años de vida. A partir
de lo que sucede en la habitación, Abirached
presenta en realidad un microcosmos que
representa a, al menos una parte, de la
sociedad libanesa de la década de los 80.
Aunque la autora intenta realizar una obra de
carácter universal, ciertos aspectos revelan
que el ambiente vecinal de la escritora se
trataba, esencialmente, de uno cristiano y de
clase más bien alta. Junto a la familia
Abirached, cuya religión u ocupación
desconocemos, pero que debieron contar con
suficientes ahorros como para poder subsistir
tras varios años en guerra sin trabajar,
encontramos a otros personajes. El más
Los elementos dramáticos son representados de forma escueta pero concisa.
La vida de los Abirached y sus vecinos, como la obra, se concentró en esta pequeña habitación.
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querido parece ser Anhala, una anciana que
desde niña ha trabajado como servicio de una
acaudalada familia (a la que todavía adora a
pesar de que la han dejado atrás en vez de
sacarla del país), seguida de Chucri, el hijo del
difunto administrador del edificio, que se
ocupa de proporcionar agua y víveres a los
mismos, arriesgando a diario su vida, y de
Ernest, un profesor de francés cuya forma de
subversión es continuar vistiendo impecable a
pesar de las bélicas circunstancias.
Completan el elenco Linda y Khaled, un
acaudalado matrimonio venido a menos, y
Razmi y Farah, un matrimonio “bohemio”
siempre listo para partir, compuesto por un
fallido arquitecto y la niña de los ojos de
Anhala.
Tras unas esquemáticas primeras páginas, en
las que Abirached introduce al espectador en
la fragmentación de la ciudad como
consecuencia de la guerra, y en la que nos
presenta los cambios en el paisaje urbano
(“Francotiradores, bidones de arena, bidones
de gasolina, alambre de púas y sacos de arena
forjaron una nueva geografía”), la gente
comienza a llegar a la pequeña habitación de
los Abirached.
En esencia, se trata de una pequeña y corta
novela, en la que no llega a suceder nada,
pero en la que todo está sucediendo. A través
de las historias de los personajes nos
aproximamos a la cotidianeidad bélica,
aprendiendo sobre lo habitual de la muerte en
la ciudad sitiada, o lo complicado de poder
conseguir bienes de subsistencia como agua o
gasolina. En este contexto, vemos cómo la
familia Abirached protege a Zeina y a su
hermano de las crueldades de la guerra, que
juegan felices a ser sus personajes de anime
favorito o cantan en inglés mientras que caen
las bombas. Este recuerdo, tan
aparentemente ajeno a la realidad, será
matizado posteriormente en Me acuerdo, en
el que la autora presenta algunos recuerdos
Algunas de las viñetas finales de El juego de las golondrinas, en las que se observa tanto a los vecinos de Zeina como la mutada geografía de la ciudad.
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seleccionados de la época de la guerra,
muchos de los cuales –como los ruidos
fuertes de las tormentas, que le recuerdan a
los bombardeos–, todavía parecen asustarla.
El estilo gráfico de Abirached resulta
aparentemente próximo al de Marjane
Satrapi en Persépolis –el cual, a su vez, era
muy deudor del de David D.–, pero no lo es
en su estilo narrativo. Aunque la libanesa y la
iraní comparten no solo un ambiente próximo
al Islam, una filiación francesa y, lo que es
más importante, un carácter marcadamente
autobiográfico en sus obras,40 Abirached
separa en ellas diferentes momentos de sus
40 Aunque las obras más celebradas de ambas autoras son narrativas de su propia historia personal, ambas han incursionado asimismo en otros géneros: Satrapi ha realizado otras obras no autobiográficas como Pollo con ciruelas, El suspiro, Los monstruos tienen miedo de la luna y Adjar, así como las ilustraciones de Sagesse et malices de la Perse y de Ulysse au pays des fous. Por su parte, Abirached ha ilustrado, además de las obras previamente mencionadas, Mouton, Le Piano oriental, Agatha de Beyrouth y Le Papa-Maman. Asimismo, ambas han incursionado en el mundo del cine: Abrirached con el corto Mouton y Satrapi mediante la co-dirección de Persépolis, Pollo con ciruelas y la dirección de The Voices.
vivencias infantiles, en vez de proponernos
una narración cronológica como hacía
Satrapi. Asimismo, el tono de crítica social es
mucho más leve en Abirached, que lleva sus
vivencias bélicas a un
ambiente familiar y
nostálgico en medio
de la calma tensa que
percibían entre
bombardeo y
bombardeo. De
hecho, esta última
señala como su obra
ha sido bien recibida
entre los que
estuvieron en el otro
bando durante la
guerra, y que esto se
debe a lo
pretendidamente
apolítico de su
obra.41 Y, por
añadidura, aunque
ambas autoras comparten un grafismo
basado en el uso bidimensional del blanco y
negro con un carácter expresionista, su estilo
difiere bastante.
Mientras que las viñetas de Satrapi presentan
–salvo excepciones– un dibujo más naïf y
esquemático, en el que el texto mantiene una
importancia principal, las escenas de
Abirached están llenas de pequeños y
minuciosos detalles, que de hecho son los que
ofrecen la información más relevante en
escenas secuenciadas –para algunos,
demasiado repetitivas–, y que en momentos
dotan a la obra de cierto tono de storyboard.
El estilo hiperdecorativo de Abirached,
ejemplificado en los abundantes rizos con los
que se representa la protagonista, parece
remitir a las artes tradicionales del Próximo
41 “THE NEW YORK COMICS AND PICTURE-STORY SYMPOSIUM: ZEINA ABIRACHED”, The Rumpus, 20 de septiembre de 2013, disponible online aquí.
Algunas viñetas de Me acuerdo.
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Oriente, mientras que a algunos les recuerda
incluso al acusado trépano de las obras de
arte de civilizaciones que, como la fenicia y la
griega, coexistieron antes en la región.
En definitiva, El Juego de las Golondrinas –
cuyo título no llegamos a entender hasta el
final– se trata de una obra que rehúye la épica
de otras grandes novelas gráficas que tienen
por protagonista a la Guerra, y que mediante
un arriesgado estilo narrativo, presenta un
episodio concreto en el que la oscuridad de
ésta se camufla en una mutilada cotidianidad.
Y, aunque esto decepcione a quienes busquen
un nuevo Maus o Persépolis, proporcionará al
lector una visión no tan dramática de un
conflicto reciente aparentemente olvidado,
del que apenas comienza a haber literatura
reflexiva, y lo hará, sin duda, de una forma
visualmente deliciosa.
Para saber más:
- Abirached, Zeina. El Juego De
Las Golondrinas. Madrid,
Sinsentido, 2008.
- Abirached, Zeina. Me Acuerdo:
Beirut. Madrid, Sinsentido, 2009.
- Calargé, Carla y Gueydan-Turek,
Alexandra. “La guerre du Liban
à/et l’écran des souvenirs dans:
Le Jeu des hirondelles et Je me
souviens. Beyrouth de Zeina
AbiRached.”, French Cultural
Studies, 2014, v. 25, nº 2, pp.
202-220.
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En la primera entrega de esta serie de
artículos vamos a llevar a cabo una
introducción a la fascinación que, desde
Occidente, siempre han despertado países tan
lejanos como Japón, China o India; una
atención que incluso podemos encontrar
actualmente en objetos de muy diversa
índole, entre los que destacan las propias
muñecas: juguetes que han conquistado al
público de todas las edades y han supuesto -
incluso a día de hoy- una fuente de gran
interés para conocer la visión del otro por
parte de Occidente.
Queremos centrar esta primera entrega en la,
seguramente, muñeca más famosa de todo el
planeta, que a sus espaldas cuenta ya con más
de cincuenta años de historia. Nos referimos
a Barbie, la fashion doll (muñeca de vestir)
que ha dado la vuelta al mundo -real y
fantástico-, vistiendo adecuadamente en cada
ocasión. Pertenece a la firma Mattel, como
veremos posteriormente, y representa a una
joven entre los 16 y los 20 años que poco a
poco se verá acompañada por una legión de
nuevos personajes. Cuenta con una altura
total de 29 centímetros, y se caracteriza por
su rostro ovalado, sonrisa perenne y una
silueta curvilínea -actualmente muy
denostada, si bien, en este artículo no
queremos entrar en el debate en torno a las
medidas de la figura-. Como ya hemos
comentado, Barbie ha viajado prácticamente
por todo el mundo, luciendo en cada ocasión
un atuendo inspirado, o directamente basado,
en las tradiciones de su destino, modelos que
comentaremos a lo largo de esta entrega.
Barbie fue creada en el año 1959 por parte del
matrimonio compuesto por Ruth y Elliot
Handlers, fundadores de la casa Mattel. Esta
muñeca supuso toda una ruptura en el mundo
del juguete, donde, hasta el momento, este
tipo de figuras presentaban formas más
infantiles, adoptando un aspecto
prácticamente similar al de sus poseedoras.
Las pretensiones de este matrimonio
consistían en ofrecer a las niñas y jóvenes
americanas una muñeca diferente con la que
las mujeres y futuras adolescentes pudieran
identificarse. El lanzamiento de Barbie al
mercado tuvo lugar en la Feria Anual del
Juguete de Nueva York, y supuso un gran
éxito, hasta el punto de que las existencias no
podían cubrir la demanda del momento. La
creación de cada uno de los modelos de esta
muñeca no es baladí, sino que Mattel cuenta
con toda una serie de especialistas centrados
en la creación de cada Barbie, lo que ha
permitido una evolución favorable de la
muñeca, de modo que cada vez tiene con una
mayor movilidad, variedad de moldes y
conjuntos adaptados a la moda de cada
momento.
Podemos hablar de un procedimientos de
fabricación que aúna procesos industriales y
artesanales: el cuerpo se modela por
inyección de plástico en un molde, mientras
que la cabeza se pinta a mano con 6 ó 7 tintas
diferentes; el cabello se implanta a mano con
la ayuda de máquinas de coser, igual que los
atuendos, que también se cosen
manualmente.42
42 Barbie. Un poco de historia. Disponible aquí.
El reflejo del otro II: el caso de
Barbie y Japón Por María Gutiérrez
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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Le pese a quien le pese, podemos considerar a
la muñeca Barbie como un reflejo de la
evolución y los cambios que ha
experimentado la sociedad -y, más
concretamente, el papel de la mujer- a lo
largo de tanto tiempo. Por otro lado, esta
figura ha representado personajes de muy
distintas épocas, pasadas y futuras, así como
mujeres de cincuenta nacionalidades
distintas.
Considerando todo lo anterior, podemos
afirmar que esta muñeca se ha convertido en
todo un fenómeno, conquistando ya no sólo al
público infantil, sino también al adulto, de
modo que podemos encontrar toda una serie
de piezas de colección específicas para este
espectro de público: muñecas que destacan
por un mayor cuidado y preciosismo en la
presentación, así como por tener un precio
más elevado. La mayoría de los ejemplares
que comentaremos pertenecen a esta serie de
coleccionista.
En primer lugar, vamos a referirnos a
aquellas muñecas de inspiración oriental, es
decir, que parten de diferentes elementos,
como el corte de las prendas o los accesorios,
para elaborar una mezcla de influencias que
remita al exotismo y lejanía de Oriente. El
primer ejemplar lo podemos datar en 1981
bajo la denominación de Oriental Barbie, una
edición especial inspirada, principalmente, en
China y en Japón, como denota la elección de
colores -rojos y dorados- el corte de la falda y
la chaqueta que luce la muñeca, así como el
accesorio que la acompaña: un abanico.43
Igualmente, debemos señalar el rostro de la
muñeca, cuyos rasgos -ojos rasgados y
oscuros en consonancia con el cabello
castaño- nos remiten a Asia en general, sin
incidir en una nacionalidad clara.
43 Por otro lado, podemos mencionar el kebaya, un atuendo compuesto por dos piezas (blusa y falda) que se originó en Indonesia, para extenderse posteriormente por Malasia, Singapur, Tailandia y Filipinas, entre otras regiones.
En esta imagen podemos ver, de izquierda a derecha: Oriental Barbie (1981), Barbie Fnatasy Goddes of Asia (1998) y Barbie Oriental Obsession (2015). Tres ejemplos inspirados en Asia, resultado de la combinación de toda una serie de influencias.
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Por otro lado, no podemos dejar de
mencionar la original Barbie Fantasy
Goddess of Asia (1998), la primera muñeca
perteneciente a la serie Bob Mackie
International Beauty.44 En este caso nos
encontramos con algo muy parecido a la
anterior: elementos de China y Japón se
mezclan con otros menos definidos para dar
lugar a una muñeca que parece sacada de un
mundo de fantasía. Sin lugar a dudas,
podemos destacar que la pieza por excelencia
de esta figura es el abanico, como parte del
vestido y como accesorio
individual. Barbie viste un atrevido vestido
con escote pronunciado, que se ata al cuello
con un accesorio que nos puede recordar al
cuello de los qipao chinos, sin embargo, el
bajo nos remite a los quimonos japoneses -
incluso el diseñador se ha preocupado de
adelantar el lado izquierdo ante el derecho-.45
Destaca el gran abanico dorado que parte de
la espalda del vestido, adornado con un
temible dragón bordado, un diseño repleto de
brillo y color. Por último, al igual que ocurría
en el caso anterior, los rasgos de Barbie pasan
a ser ”mongoloides”, con ojos rasgados y
oscuros y cabello negro y lacio que se recoge
en lo alto de la cabeza mediante una larga
trenza.
Mucho más reciente, pero no menos original,
es la Barbie Oriental Obsession (2015),
basada en una ilustración del japonés
Hiroyuki Kikushi en colaboración con los
“customizadores” y artistas Magia 2000,
dando lugar a un total de diez ejemplares de
esta muñeca que fueron subastados en
beneficio de la lucha contra el cáncer de
44 Se trata de la colección, a manos del diseñador americano Bob Mackie, en la que se pretendía ensalzar la belleza de las diferentes culturas de todo el mundo. 45 Normalmente, a la hora de poner un quimono, se dispone el lado izquierdo sobre el derecho, esta disposición cambia cuando nos encontramos ante una persona fallecida, donde se coloca al revés, el lado derecho sobre el izquierdo.
mama. En este caso, al igual que los
anteriores, predomina el color dorado, si bien
esta vez se combina con el negro, dando lugar
a un conjunto más elegante. El recogido del
cabello nos remite a un ejemplar que veremos
posteriormente -Barbie princess of the
Korean court- con adornos que, en este caso,
se inspiran en las agujas que clavan las
geishas en sus moños llamadas kanzashi. El
corte del vestido es una modernización
del qipao, con un escote más pronunciado,
que se ciñe a la cintura con una faja negra que
puede recordar a los obi del quimono japonés.
Una novedad en este caso es que no se trata
de una muñeca caracterizada como asiática,
sino que luce un color de pelo rubio platino y
ojos azules. De nuevo, el accesorio principal
es el abanico.
A la hora de centrarnos en representaciones
de países concretos, vamos a elaborar un
recorrido que nos lleve desde Japón hasta la
India, mencionando algunos casos puntuales
pertenecientes, por ejemplo, a las islas del
Pacífico.
Si atendemos a las diferentes colecciones
de Barbie, podemos afirmar sin lugar a dudas,
que el País del Sol Naciente es uno de los
destinos preferidos de esta muñeca, de modo
que encontraremos toda una serie de modelos
ataviados con el quimono tradicional que van
ganando detalle y preciosismo con el paso de
los años, así como una mejor caracterización
del rostro y un especial cuidado en los
accesorios. El primer ejemplo podemos
fecharlo en 1985 bajo el nombre de Japanese
Barbie (denominación que se va a repetir en
muñecas posteriores). Como ocurre en la
mayor parte de los casos, Barbie adopta el
quimono como atuendo, de un vibrante color
rojo y estampado con lo que parecen flores de
cerezo de múltiples tonalidades; la prenda se
sujeta con un obi de color amarillo. A pesar de
la simplicidad de las prendas y la monotonía
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de las mismas en cuanto a estampados y
colores, no deja de ser un ejemplo que remite,
de manera muy evidente, a Japón. Uno de los
aspectos más deficientes de esta muñeca es el
peinado, no por el recogido, sino por la
abundancia del mismo, que complica el hacer
un moño delicado firme.
El siguiente ejemplo de Japanese Barbie data
el año 1996, y evidencia un cierto avance en la
caracterización y el quimono que viste la
muñeca. En este caso, se ha optado por tonos
más suaves y dulces. Se pone un mayor
cuidado en el estampado de la tela, más
completo y atractivo, al igual que en el
tratamiento del obi, que también presenta un
estampado, así como en el calzado, que
asoma por la parte inferior del quimono
dejando ver la representación de
unas geta simples con un cordón rojo. El
cabello, también abundante, se deja suelto y,
en este caso, se peina con un pequeño
flequillo rizado, algo que le aporta a este
modelo un aire contemporáneo al momento
de su creación.
En esta imagen podemos ver los dos primeros ejemplos de Barbie propiamente japoneses, ambos bajo la denominación de Japanese Barbie, la de la izquierda fechada en 1985 y la segunda en 1996.
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A principios del año 2000, Mattel va a crear
una nueva generación de muñecas a modo de
representación de princesas de todo el
mundo. En este caso, se trata de una serie
dirigida especialmente al público adulto y
coleccionista, por lo que se pone una especial
atención en el detalle del vestido y la
caracterización de la muñeca
correspondiente; de este modo, estamos ante
toda un serie de modificaciones en el molde
de Barbie con la finalidad de conseguir un
mejor apariencia física, dando lugar a un
conjunto armonioso que se conjuga con un
envoltorio sencillo. En este caso,
comentaremos la Barbie Princess of
Japan (2003), si bien, con posterioridad,
veremos el resto de princesas. Aquí
Barbie deja de lado su blanca sonrisa para
adoptar una expresión suave y dulce, así
como una tonalidad de la piel mucho más
clara. El cabello pasa a tratarse con un mayor
cuidado, dando lugar a un elegante moño que
se adorna con flores. Sin embargo, el
elemento más excepcional de esta muñeca es
el quimono, con toda su superficie repleta de
motivos estampados en tonalidades cálidas,
acompañado de un obi que se ata en la parte
trasera -podemos destacar la atención que se
ha puesto a la hora de atarlo, con un nudo
bonito y cuidado- y que también está
estampado. A partir de este momento, las
representaciones de Japón sólo irán a mejor.
Adentrándonos en el año 2000, podemos ver
nuevas muñecas japonesas, como Barbie
Maiko (2006) y una nueva Barbie
Japan (2008). En el caso de la primera, se
trata de una muñeca que, por segunda vez,
trata de adentrarse en el pasado y la tradición
del archipiélago nipón mediante la
representación de una aprendiz de geisha,
vestida con un espléndido quimono de color
claro, y un gran obi que se extiende sobre su
espalda, además de reproducir en miniatura
el peinado característico de las maiko. El
segundo ejemplo nos ofrece una imagen más
contemporánea, tanto en los rasgos del
rostro, el peinado o el atuendo y accesorios.
La última Barbie Japan nos ofrece una figura
cargada de sofisticación y elegancia, a la par
que nos remite a la tradición del hanetsuki,46
46 Este juego consiste en golpear un pequeño volante con unas palas de madera llamadas hagoita. Normalmente se juega entre dos personas, de modo
Barbie Princess of Japan (2003), Barbie Maiko (2006) y una nueva edición de Barbie Japan (2008), tres ejemplos que ponen de relieve la evolución a la hora de representar el atuendo japonés a manos de Mattel.
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un juego parecido al bádminton, al que se
juega con preciosas palas como la que
sostiene la muñeca en su mano, durante la
festividad de año nuevo.47
Por último, también existen ejemplos
vagamente inspirados en el Japón tradicional,
que se conjugan con prendas y cortes acordes
con la alta costura actual. Este es el caso de
los Barbie y Ken Japan (2011), que suponen
toda una ruptura con la tradición y los
modelos que hemos visto anteriormente. Sin
embargo, considerando las primeras Barbie
tachadas como orientales que hemos
comentado al principio, se deduce del gusto
por parte de Mattel de obtener modelos a
medio camino entre la tradición y la
modernidad, sutilmente inspirados en
motivos concretos.
Seguramente otros modelos hayan quedado
por el camino, ya que estos son solo unos
pocos modelos dentro del amplísimo catálogo
que Mattel nos ofrece de esta muñeca, y
considerando, además, que Japón es uno de
los países más representados entre los
modelos de figuras.
que aquella que deja caer la bola recibe un castigo y se le pinta una marca en la cara con tinta. 47 Esta muñeca salió en el mes de enero, por lo que no tenemos ninguna duda de que ataviarla de esta manera y acompañarla con la pala es una referencia clara al principio de un nuevo año.
Para saber más:
- The Barbie Collection.
Disponible aquí.
Barbie y Ken Japan (2011), una de las últimas incorporaciones a las representaciones de Japón dentro del catálogo de Barbie.
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El madrileño Centro Centro, ubicado en la
plaza de Cibeles (en un enclave privilegiado y
muy turístico de la capital), ofrece un
interesantísimo repertorio de exposiciones de
arte y cultura contemporánea, mediante una
cuidada selección de proyectos que buscan
convertir este espacio en uno de los más
punteros centros de arte contemporáneo de la
capital.
Dentro de su nutrida programación (entre la
que se anuncia, como plato fuerte de la
próxima temporada, una retrospectiva sobre
Kandinski que se prevé de visita obligada),
destaca un ciclo expositivo titulado La ciudad
en viñetas, en la que, con
periodicidad bimensual,
distintos artistas del
Noveno Arte exhiben sus
personales visiones sobre
la ciudad de Madrid,
empleando habitual y
preferentemente material
inédito realizado ex
profeso para la muestra.
Ya solo este hecho supone
una característica
diferencial y muy notable
a favor de la defensa del
cómic como arte, un
posicionamiento que en
pleno siglo XXI todavía
resulta arriesgado en la
mayoría de los círculos
artísticos. Lamentablemente, incluso ahora,
la tónica general cuando las viñetas toman los
museos o salas de exhibición se limitan a la
selección de bocetos y páginas originales de
las principales obras de los principales
autores. En La ciudad en viñetas, sin
embargo, encontramos una concepción
diametralmente opuesta: no recurren a lo
más selecto de las trayectorias de los artistas
invitados, sino que fomentan la nueva
creación, en torno al tema que sirve de eje
central. También cambia la nómina de
autores que compone el ciclo, ya que se trata,
en la mayoría de los casos, de nombres
Visitamos la exposición La ciudad
en viñetas, con protagonista
japonés hasta el 6 de septiembre
Por Carolina Plou
Panel que inicia la muestra de La ciudad en viñetas.
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relevantes de la vanguardia,
el underground y los círculos de
creación alternativos, huyendo de
los dibujantes más comerciales y
conocidos.
Siguiendo esta misma tendencia se
enmarca el mangaka que ha
protagonizado los últimos meses
del ciclo, Yuichi Yokoyama, cuya
personal interpretación de Madrid podrá
verse, todavía, hasta el próximo día 6 de
septiembre.
Yokoyama es relativamente poco conocido en
nuestro país (apenas se ha publicado una
obra suya,Viaje, en 2010), sin embargo,
además de numerosas publicaciones que han
traspasado fronteras, también tiene
experiencia en exposiciones comicológicas en
su país natal: ha participado, por ejemplo, en
la Trienal de Aichi de 2013, y en muestras en
el Museo Artístico de la Prefectura de Hyogo
(pueden verse ejemplos de ambas
participaciones aquí). Tanto en blanco y
negro como en color, logra construir con
expresividad mundos tan
personales como universales. Si
bien es cierto que su particular
estilo gráfico y narrativo puede
dificultar el primer contacto con
su obra, superadas las trabas
iniciales, el espectador se
sumerge en un universo a medio
camino entre lo realista, lo
onírico, lo fantástico y lo
distópico, en el que prima por
encima de todo una cotidianeidad
asfixiante.
En la muestra de La ciudad en viñetas,
Yokoyama presenta cuatro grandes láminas,
estructuradas como páginas, que si bien
presentan unas proporciones ligeramente
más cuadradas de las habituales en una
página (que, tanto en vertical como apaisado,
suele ser un rectángulo moderadamente
alargado), se articulan en viñetas concebidas
a la manera japonesa, es decir, dispuestas de
manera irregular, estableciendo divisiones
entre espacios dispares y, en ocasiones,
empleando líneas diagonales para otorgar al
conjunto un mayor dinamismo y hacer que la
estructura participe activamente de la
narración (en contraposición con la rigidez
Segundo panel dedicado a la obra de Yokoyama.
El espacio dedicado al cómic en Centro Centro.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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que puede verse más frecuentemente en el
cómic occidental, fruto de una división
basada en una cuadrícula que actúa de guía).
El espacio expositivo dedicado a La ciudad en
viñetas se completa con una mesa en la que
quedan, a disposición de los visitantes, una
serie de cómics, conformando una muestra
variada del mundo editorial español,
abarcando desde Blacksad, la obra de culto
del género negro guionizada por Juan Díaz
Canales y dibujada por Juanjo Guarnido;
hasta R.I.P., la edición en papel
del webcómic del todavía (por desgracia)
poco conocido Aitor I. Eraña. Alrededor de
este espacio, se recogen antiguas
participaciones de otros artistas, como Mauro
Entrialgo, Santiago Valenzuela o Puño.
Si bien se trata de una exposición humilde y
reducida, debe alabarse la iniciativa de la
introducción del cómic, arte popular y
producto para el consumo de masas, en los
espacios museísticos y expositivos, con una
propuesta dinámica, que invita al visitante a
la interacción a través de la lectura no sólo de
las viñetas expuestas, en el sentido
tradicional, colgadas de la pared; sino
también de los cómics que se ofrecen en la
mesa. Si a esto se le suma el espacio, tanto de
la planta 4 como del resto de pisos, donde las
distintas exposiciones se suceden sin
compartimentar en salas, sino diseminadas a
través del espacio diáfano e intercomunicado,
podemos decir que estamos, en conjunto,
ante una experiencia muy recomendable, a
disposición del lector en pleno centro de
Madrid, en la plaza de Cibeles, en el
denominado Palacio de Comunicaciones.
Otra de las paredes que recogen participaciones anteriores.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 82
Como ocurre cada año en la ciudad de
Zaragoza, con el fin del verano llega uno de
los eventos más esperados por los seguidores
de la cultura popular
japonesas, las Jornaícas
del manga y el anime, que
han tenido lugar los días
19 y 20 de septiembre.
Este año, uno de los
elementos más llamativos
de estas jornadas ha sido
el cartel, a manos de la
ilustradora Ruth Martínez,
donde aparecen
representados, a modo de
desfile por las calles del
Japón tradicional, un
compendio de las
criaturas, monstruos y
fantasmas más famosos
del imaginario japonés,
como puede ser el caso, en
primer plano, de
los tanuki.48 En relación
con este precioso cartel se
han llevado a cabo toda una serie de
actividades relacionadas con estos personajes,
tanto una charla por parte de Rafael
Rodríguez (Universidad de Zaragoza) acerca
del Japón sobrenatural como un conjunto de
representaciones teatrales de leyendas como
la de Oiwa49 o la fiesta del Tanabata.50
48 Se trata de un mamífero japonés, un perro mapache. 49 A grandes rasgos, se trata del fantasma de una mujer que busca vengarse de su cónyuge debido a que en vida intentó matarla suministrándole un veneno que le deformó la cara y le provocó la caída de su pelo. A lo
Al igual que el año pasado, las actividades de
Jornaicas se han complementado con una
pequeña muestra centrada en la serie
Digimon, que celebra su
quince aniversario. En
este caso nos hemos
podido encontrar con toda
una serie de ilustraciones
a modo de fanarts por
parte de diversos artistas
llegados desde todo el
mundo centradas en la
representación de los
personajes pertenecientes
a este anime.
Acompañando a las
imágenes, la exposición
contaba con un par de
vitrinas en las que se
disponían diferentes
objetos pertenecientes al
merchandising de la
serie: desde álbumes de
cromos correspondientes
a las primeras ediciones,
muñecos y figuras, peluches, cómics… hasta
otras piezas mucho más actuales, como es el
caso de las figuras y réplicas de los
dispositivos digitales que aparecen en la serie
y que han salido al mercado en relación con el
aniversario que ya hemos comentado. Esta es
una iniciativa bastante interesante y
agradable, ya atrae tanto a aquellos primeros
largo de la historia que protagoniza, Oiwa se aparece de diversas maneras y adoptando distintas formas. 50 Este festival tiene lugar el día 7 de julio, y celebra el encuentro entre Orihime y Hikoboshi, separados por la vía láctea.
Crítica de las XIX Jornaícas del
manga y el anime Por María Gutiérrez
Cartel de las XIX Jornaicas del manga y el anime.
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REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 83
espectadores que pudieron ver las primeras
temporadas de la serie a la salida del colegio
como a nuevos seguidores que han podido
conocer con posterioridad esta producción
japonesa.
No podemos dejar de destacar el hecho de
que este año Jornaicas ha traído invitados,
como es el caso de la idol y cantante Yami
Taby que a sus 16 años ha triunfado en el
archipiélago nipón,
además de Kuro
Nightfall,
representante de
España en el Haneda
International Anime
Music Festival.
Ambas, en compañía
de artistas locales,
protagonizaron tanto
un concierto como
una mesa redonda en
la que se abordaron
temas como es el
caso de la influencia
de la música popular
japonesa en España
así como la situación
de la industria.
Por otro lado, esta
edición también ha
contado con otras
actividades clásicas,
como es el caso de
los concursos
de cosplay, el
karaoke y las
exhibiciones de baile.
Se han incorporados
novedades como una
nueva edición de la
Harajuku Fashion
Walk organizada por
la asociación
Brovrashgka donde
se han mostrado -
con mayor o menor
acierto- algunas de
Algunas de las ilustraciones que formaban parte de la muestra.
Una de las vitrinas presentes en la exposición donde podemos ver algunos de os objetos pertenecientes al merchandising que ha salido al mercado en relación con el quince aniversario de la serie así como el póster promocional de la nueva temporada de fondo.
Algunas de las ilustraciones que formaban parte de la muestra.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 84
las modas presentes en el Japón actual
llevando a cabo una selección de diferentes
modelos y sus atuendos.
A modo de valoración, podemos desatacar un
evidente crecimiento en lo que se refiere a
este evento, como denotan la calidad de las
actividades, para las que se están invitando a
expertos y conocedores de la materia.
Igualmente, el espectro de público ha
aumentado, abarcando a personas de muy
distinta edad, lo que, en ocasiones, pone de
relieve un importante contraste en el
comportamiento o actitud de los asistentes,
con sus partes buenas y malas. Nos gustaría
destacar el apartado comercial, sobre todo
aquellos puestos de artesanía, con productos
que han llegado a eclipsar a las tiendas
oficiales por su calidad y variedad
(considerando además el hecho de que
muchas tiendas ofrecían, en algunos casos,
falsificaciones de objetos originales). En
resumidas cuentas, las Jornaícas de Zaragoza
están tomando un rumbo muy positivo en
cuanto a calidad y variedad de actividades.
Ambiente en el Centro de Historias.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 85
One by two51 o “Uno para dos”, como
podríamos traducir el título de este filme,52
no pasará a la Historia del Cine, ni mucho
menos, aunque tampoco aspira a ello.
Tenemos ante
nosotros una película
comercial de
producción india que,
casi con toda
seguridad, no llegará
a las pantallas
españolas. El gancho
principal de esta cinta
es su elenco,
puesto que está
protagonizada por
los “Brangelina”
indios: Abhay Deol y
Preeti Desai. El
morbo que despierta
ver a una pareja real
de actores
interpretando un
romance en la ficción
es atractivo suficiente para ver una película, y
esto ocurre tanto en Hollywood como en
Oriente. Tras llenar las portadas de las
revistas en la India, ambos actores se ven aquí
51 One by two (2014). País: India. Director: Devika Bhagat. Guion: Devika Bhagat. Música: Shankar Mahadevan. Fotografía: Sameer Arya. Reparto: Abhay Deol, Preeti Desai, Lillete Dubey, Rati Agnihotri, Jayant Kripalani, Darshan Jariwala, Anish Trivedi, Geetika Tyagi, Preetika Chawla. Productora: Cynozure Entertainment / Viacom18 Motion Pictures / i.e. Films. Idiomas: Hindi e inglés. 52 El título original de la película, One by two, viene dado por el de una canción que el protagonista masculino escribió estando aún en la universidad, y que se refiere a la manera en que se piden los platos de comida para compartir: uno para dos, como metáfora sobre la cotidianeidad de la vida en pareja y sus beneficios.
reunidos por primera vez para interpretar el
que seguramente no será el rol de sus vidas, o
al menos eso se deduce de las pobres críticas
recibidas por el filme en su propio país.
La acción de la película, ambientada en la
Bombay más moderna y cosmopolita, nos
presenta a dos personajes cuyas vidas son un
completo desastre, tanto en lo personal como
en lo profesional, provocándoles unos estados
de ánimo que rayan la histeria o el brote
psicótico. Por un lado, encontramos a Amit:
un hombre con aspiraciones musicales,
cantante frustrado, atrapado en un trabajo
que odia, y al que su novia abandona; por
otro lado, Samara es una joven que sueña con
convertirse en bailarina y que pulula de
casting en casting, arrastrando una situación
familiar caótica, con una madre alcohólica y
un padre ausente.
Crítica: One by two (2014) Por Laura Martínez
A la izquierda, el cartel de de la película; a la derecha, portada de una revista con los dos actores protagonistas.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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Estos dos
protagonistas,
aunque sean
unos totales
desconocidos
durante
prácticamente
todo el
metraje,
parecen
destinados a
estar juntos sin
llegar
realmente a
encontrarse.
Son en realidad dos personas con vidas
paralelas e igualmente insatisfactorias, cuyo
vínculo principal será el mundo de la música,
el cual cobra una importancia capital en el
filme, lleno de bailes y coreografías que rozan
casi el videoclip pop. Esa eterna búsqueda de
la “media langosta” (siguiendo la teoría de
Phoebe en Friends) es el centro argumental
de una película basada en el amor romántico
y que defiende el motivador lema que nos
anima a seguir luchando por nuestros sueños.
Entretenida sin ser desternillante, la película
cuenta con algunos momentos musicales de
cierta relevancia (inevitables, por otra parte,
en una producción de Bollywood), con
canciones pegadizas que nos harán mover las
caderas en el asiento, al ritmo de hits como
Kaboom. Lo más interesante del filme es, sin
embargo, el interesante planteamiento
elegido para mostrar las dos historias de sus
protagonistas, con el empleo de la pantalla
partida. Este recurso visual permite apreciar
los paralelismos entre ambos hilos
argumentales, con los encuentros y
desencuentros de Amit y Samara.
La película está indudablemente bien
realizada, siendo correcta en su fotografía y
dirección, aunque esperábamos algo más del
talento interpretativo de sus protagonistas: a
él, Abhay Deol, ya lo conocíamos
por blockbusters como la folclórica Sólo se
vive una vez (2011); mientras que ella, Preeti
Desai, con su título de Miss Great
Britain 2006 bajo el brazo, venía abalada por
su notable debut cinematográfico en Shor in
the City (2011).
Todo ello confluye en una predecible y
convencional comedia romántica, que
aburrirá a muchos y desesperará a otros
tantos, cuyo final abierto e inconcluso no
acaba de cumplir las expectativas del
espectador, más habituado al clásico happy
ending made in Hollywood, que no deja nada
a la imaginación.
Para saber más:
- Ficha de la película en IMDb.
- Mix de Youtube con las canciones
de la película.
- Tráiler oficial de la película.
Cartel publicitario de la película con una de las escenas más divertidas del filme.
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Una de las películas más atractivas que nos ha
servido la cartelera de este verano viene
precisamente ligada al mundo asiático, y más
concretamente a la India. El largometraje
estadounidense Aprendiendo a conducir
(Learning to drive) es todo un cántico a las,
en ocasiones tensas, relaciones entre el
mundo norteamericano y la inmigración
asentada en el mismo.
Dirigido por la española Isabel Coixet, la cual
ya había tratado en otro trabajo anterior el
mundo oriental (Mapa de los sonidos de
Tokio, 2009; en estrecha relación con la
cultura japonesa), el film fue presentado en la
sección oficial de largometrajes (fuera de
concurso) del Festival de Málaga 2015.
La película narra la historia de Wendy
(Patricia Clarkson), una crítica literaria de
Nueva York que, cuando se entera que su
marido le ha sido infiel y quiere acabar con su
matrimonio, decide que ha llegado el
momento de sacarse el carnet de conducir. Es
en esos instantes cuando contacta con
Darwan Singh Tur (Ben Kingsley), un
refugiado político hindú de la
casta sij (religión india desarrollada durante
el conflicto entre las doctrinas hinduistas e
islámicas acaecido en los siglos XVI y XVII)
que trabaja como instructor
en una autoescuela durante
el día y como taxista por las
noches.
Entre ambos comenzará a
forjarse una amistad muy
especial, en la que tanto
Wendy como Darwan
mostrarán sus sentimientos
y miedos más profundos.
Entre los mismos se
encuentran las dudas y
temores que el indio tiene
en relación con el
matrimonio concertado que
va a llevar a cabo con
Jasleen (Sarita Choudhury),
una joven compatriota
elegida por su hermana para casarse con él.
Aprendiendo a conducir se mueve dentro de
una línea en la que no faltan las luces y las
sombras. O lo que es lo mismo, mientras que
cierta parte del público puede tildarla de
largometraje demasiado “de encargo” o
comercial para un universo tan personal
como el de Coixet; hay espectadores que ven
en éste una reconciliación de la directora con
Crítica: Aprendiendo a conducir
(2015) Por Ana Asión
Imagen promocional de la película.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 88
sumodus operandi más particular. Lo que
está claro es que, pese a un guión algo
descafeinado y lento, consigue construir unos
personajes fuertes, con personalidad; cuya
evolución a lo largo de la película traza una
impecable visión de los problemas existentes
entre dos mundos aparentemente diferentes:
la cosmopolita Nueva York (Wendy) y la
tradicional India (Darwan).
Lo que el espectador tiene la oportunidad de
comprobar es que, entre ambos, la situación
no es tan distinta, ni tampoco difiere su
manera de abordarla; puesto que los dos
protagonistas deben de enfrentarse a una
realidad que no conoce fronteras, razas ni
idiomas: las relaciones matrimoniales. El film
emplea pues un recurso quizás demasiado
repetido en este tipo de comedias
melodramáticas: el choque entre dos culturas
que, finalmente, consigue encontrar algo que
les une.
Se trata por tanto de una película sencilla,
amable, que es posible que, tras su
visualización, sea fácil de olvidar. Los motivos
de ello no solo hay que buscarlos en un guión
pobre y algo insípido, sino también en la falta
que recursos técnicos reseñables. Ni la
fotografía o la música (con ciertos toques de
carácter hindú) son destacables, algo que, es
posible, tampoco fuera algo que persiguiera la
directora; ya que visto el argumento, tampoco
sería necesario cargar peso en los mismos.
Pese a todo ello, lo cierto es que Aprendiendo
a conducir es una película perfectamente
recomendable para la temporada estival,
puesto que ofrece una historia simpática,
refrescante; así
como unas
interpretaciones,
tanto por parte de
Patricia Clarkson
como de
Ben Kingsley,
admirables. Además,
no cabe duda de que
el mensaje optimista,
tolerante y de
búsqueda de la
libertad personal,
ocupa un lugar más
que reseñable en el
largometraje, y por
ello lo convierten en
un producto más que idóneo para cualquier
tipo de público.
Para saber más:
- Tráiler de la película.
- Ficha en IMDb.
- Ficha en Filmaffinity.
- Ficha en Sensacine.
Escena de Aprendiendo a conducir.
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REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 89
El drama romántico basado en el choque
cultural ha sido (y seguirá siendo) un campo
fructífero para el séptimo arte, máxime si le
añadimos un toque exótico de ambientación
oriental. Prueba de ello es la película de
producción americana Lost for words53
(2013), que aún podemos encontrar en la
cartelera francesa.
Si rastreamos los orígenes del éxito este
subgénero romántico que vincula a dos
protagonistas de culturas diferentes reunidos
en un país asiático, debemos remontarnos al
clásico operístico Madama Butterfly (1903)
de Giacomo Puccini. En la trágica historia del
53 Lost for Words (2013). País: Estados Unidos. Director: Stanley J. Orzel. Guión: Stanley J. Orzel, Joseph Bendy. Música: Andre Matthias. Fotografía: Jimmy Wong. Reparto: Sean Faris, Grace Huang, Candy Cheung, Joman Chiang, Terence Yin, Will Yun Lee, Jennifer Birmingham Lee, Candice Moore, Howard Paley, Breanne Racano, Geoffrey Wong. Productora: Coproducción Hong-Kong-USA; Studio Strada.
compositor italiano, encontramos a
Pinkerton, un teniente de la Marina de los
Estados Unidos, quien vivirá un romance
épico con una bella japonesa. Este argumento
ha sido retomado en el cine con
posterioridad, destacando ejemplos como la
película británica El mundo de Suzie
Wong (1960), que narra los amoríos entre un
pintor norteamericano y una prostituta china
en Hong Kong, y, más recientemente, en la
francesa Seda (2007), que ya analizamos
para Ecos de Asia.
Hacer honor a semejantes predecesores era
un reto complicado, pero debemos admitir
que la cinta de Stanley J. Orzel no está a la
altura. Un guión simplista que roza en
demasiadas ocasiones el aburrimiento y una
dirección abocada al telefilme, condenan Lost
for words de principio a fin.
Crítica: Lost for words (2013)
Por Laura Martínez
Carteles promocionales de la película.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 90
En esta ocasión, nuestro protagonista es
Michael (Sean Faris), un ex marine de los
Estados Unidos que luchó en dos ocasiones
en Afganistán y ahora llega a Hong Kong para
trabajar como programador en una
multinacional. Allí, encontrará a Anna (Grace
Huang), una bella bailarina de ballet
contemporáneo que, procedente de la China
continental, busca triunfar en la ciudad.
Ambos tienen dificultades para comunicarse y
deciden servirse mutuamente como
profesores particulares, fraguando así una
amistad que, inevitablemente, desembocará
en amor. El drama surge cuando la religión, la
política y el trabajo se imponen entre ambos:
Anna practica el catolicismo en una iglesia
clandestina de su
pueblecito natal, al
sur de China, donde
reside su abuelo, en
quién aún pueden
apreciarse las
secuelas de la Guerra
de Corea, en la que
se enfrentó al abuelo
de Michael; además,
una oferta del ballet
de Lyon hará
peligrar su estancia
en Hong Kong.
¿Conseguirá la joven
pareja superar las
dificultades y hacer
que triunfe el amor?
Aunque podría parecer apetecible sobre el
papel, lo cierto es que la película no funciona,
en parte por el tempo lento que domina casi
todo su metraje, concentrando el drama y la
acción en los veinte minutos finales. Pocas
son las escenas de tensión, ya sea física o
emocional, llenas de clichés románticos (la
lluvia torrencial, la música de cuerda) y
aderezadas por frases manidas de pretendida
profundidad intelectual. Sirva de ejemplo If
you love something, it’s not difficult, o lo que
es lo mismo “si amas algo, no es difícil”.
Los protagonistas, Michael y Anna, en un momento del filme.
A la izquierda, los protagonistas sobre el suelo de cristal del teleférico; a la derecha, vista de la estatua de Buda.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 91
Predecible en su argumento y vacía de
emoción, a pesar del fingido sentimentalismo,
lo que queda de la película acaba convertido
en un folleto turístico que muestra las
maravillas hongkonesas, ensalzadas por la
fotografía de Jimmy Wong. Por ejemplo,
encontramos la esplendorosa metrópolis,
moderna y comercial, que resulta imponente
de día y que hechiza al anochecer, cuando las
luces iluminan sus rascacielos.
De los muchos rincones de la ciudad que
nuestros protagonistas van recorriendo a lo
largo de la película, destacan algunos lugares
de belleza imponente, como el Buda gigante
de Tian Tan,54 en la isla de Lantau, y que la
pareja ve durante un viaje en teleférico que
nos deja algunas imágenes verdaderamente
bellas.
También la arquitectura tradicional tiene su
sitio en el filme, y nos es mostrada cuando
54 Se trata de una enorme estatua de bronce, de 26 metros de altura, que representa a Buda Sakiamuni, y fue terminada en 1993.
Michael y Anna visitan el jardín Lingnam, en
el Parque Lai Chi Kok, un pequeño oasis de
quietud en la trepidante ciudad de Hong
Kong.
Con todo, la belleza de algunas de sus
estampas no soluciona los graves problemas
de los que adolece este subproducto
cinematográfico, con más fallos que aciertos.
Para saber más:
- Trailer en Youtube.
- Página web oficial de la película.
- Ficha en IMDb.
- Ficha en Filmaffinity.
- Crítica en Variety.
Fotogramas de la película que muestran Hong Kong de día y de noche.
Fotogramas de la película que muestran los edificios del Parque Lai Chi Kok.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 92
Tras la estela de la aclamada
película de Darren
Aronofsky Cisne
negro (2010), el director
británico Richard Raymond
se atreve a tratar de nuevo
con El bailarín del
desierto el bello y, al mismo
tiempo, difícil mundo del
ballet profesional.
En este caso se ha elegido la
figura del bailarín
profesional Afshin
Ghaffarian para narrar, a
modo de largometraje
biográfico, no solo el
universo que rodea dicha
profesión, sino también el
contexto de la revolución iraní.
Nacido en Mashhad (Irán) en 1986, el
coreógrafo, director, bailarín y actor Afshin
Ghaffarian comenzó su carrera artística en el
Saba Art Center en 1999, graduándose
posteriormente en la Islamic Azad University
Central Tehran Branch.
Tras su transgresora actuación en el festival
cultural iraní en Mülheim an der Ruhr
(Alemania) a finales de 2009, donde lució una
pulsera verde (símbolo del movimiento verde
de su país natal) mientras gritaba “¿Dónde
está mi voto?”, no regresó a Irán y se quedó
en Francia como refugiado político. Renunció
a esta condición en 2014, cuando realizó un
viaje a dicho país islámico. Es el fundador,
además, de la compañía de danza
Reformances.
La película cuenta la vida, tanto personal
como profesional, de Afshin Ghaffarian, papel
interpretado por el actor británico Reece
Ritchie (10.000, 2008; Hércules, 2014).
Principalmente, se centra en el año 2009,
cuando el bailarín decide formar una
compañía de danza en Irán. En esos
instantes, debido a las inminentes elecciones
presidenciales, se están produciendo en dicho
país toda una serie de conflictos políticos;
algo que aviva aún más los odios hacia una
disciplina prohibida: el baile.
El bailarín del desierto es el primer
largometraje de su director, Richard
Raymond, quien anteriormente ya había
realizado los cortos The First Day (1998)
y The Bridge (2005), y producido la
película Heartless (2009). Pese a la fuerza de
la historia de Afshin Ghaffarian, lo cierto es
Crítica: El bailarín del desierto
(2015) Por Ana Asión
Imagen promocional de la película.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 93
que el británico decide alejarse bastante de la
misma, dotándole de un toque más
convencional, quizás más próximo al de las
grandes producciones hollywoodienses. Es
decir, en cierto modo se deja embriagar por la
emotividad de la trama, dotando a ésta de
una dosis extra de sensibilidad, drama. Estos
aspectos se aprecian principalmente en las
partes relativas a la historia de amor entre el
protagonista y la joven bailarina Elaheh
(Freida Pinto), así como en la línea
argumental que trata los conflictos políticos y
la revolución iraní.
En todo caso, lo que el espectador contempla
es una fascinante muestra de la lucha por la
libertad de expresión y los derechos
humanos, dentro de una sociedad reprimida y
retrógrada que penaliza una práctica tan
primaria como es el baile.
Aunque en algunos momentos puede resultar
edulcorada e incluso estereotipada en ciertos
aspectos (como la figura del hermano de uno
de los bailarines, policía del régimen, que se
presenta como el enemigo por antonomasia
de la trama), todo ello se compensa con la
fuerza con la que Raymond dota a las escenas
de baile. Su delicadeza y sensualidad no son
fruto del azar, sino que para las mismas se
contó con el
trabajo del
coreógrafo
Akram Khan
encargado, entre
otros, de la
coreografía
inicial de los
Juegos Olímpicos
de Londres 2012.
Si se tiene en
cuenta, además,
que todas estas
escenas cuentan
como telón de
fondo con la lucha que estos artistas llevan a
cabo por la libertad de expresión en su país,
Irán, el espectador encuentra en El bailarín
del desierto un hermoso y esperanzador
drama, lleno de mensajes positivos.
En definitiva, el largometraje muestra una
parcela más de la sociedad actual, quizás, en
ocasiones, ignorada por Occidente pero clave
en muchos países: la lucha por la libertad, la
igualdad y el respeto, principios que, por
desgracia, no tienen el mismo valor en todo el
mundo.
Para saber más:
- Tráiler de la película.
- Ficha en IMDb.
- Ficha en Filmaffinity.
- Ficha en Sensacine.
Escena de El bailarín del desierto.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 94
La comedia romántica es un género
sumamente prolífico para la
industria estadounidense,
pero hoy, desde Ecos de
Asia no os traemos una rom
com más, sino una muestra
de cine independiente
titulada Amira &
Sam (2014).55 Esta divertida
y refrescante película, supone
un auténtico soplo de aire
fresco para todos aquellos
espectadores que, saturados
del clásico “chico encuentra
chica”, buscan un momento
de risa sin complicaciones.
Eso, ni más ni menos, es lo
que ofrece la película del
guionista y director novel
Sean Mullin.
El protagonista del filme es Sam Seneca
(papel interpretado por Martin Starr, única
cara conocida del reparto), un ex militar que
regresa a Nueva York en 2008 después de
pasar casi una década luchando en Oriente
Medio. En la Gran Manzana se reencontrará
con Bassam, un iraquí que fue su compañero
e intérprete en el frente, y que ahora vive con
su sobrina Amira (a quien da vida Dina
Shihabi). Amira es una mujer musulmana y
moderna, que tiene problemas con la policía,
55 Amira & Sam (2014). País: Estados Unidos. Director: Sean Mullin. Guión: Sean Mullin. Música: Heather McIntosh. Fotografía: Daniel Vecchione. Reparto: Martin Starr, Dina Shihabi, Paul Wesley, Laith Nakli, David Rasche, Ross Marquand, Taylor Wilcox, Claire Byrne, Teddy Cañez, James Chen, Ben Cole, Bruce Davis. Productora: Five By Eight Productions / Hole in 1 Productions / Strongman.
se dedica a vender películas piratas en la calle
y odia a los soldados
americanos como Sam, a los
que responsabiliza de la
muerte de su hermano.
A pesar de sus discrepancias,
ambos protagonistas deberán
convivir cuando Amira huya de
la policía y Bassam le encargue
a Sam la tarea de protegerla.
Poco a poco, el amor irá
surgiendo entre ambos, hasta
que la posible deportación de
Amira de vuelta a Iraq
amenace con romper todo lo
que habían construido juntos.
Son muchas las películas
americanas que recientemente
profundizan en el tema del
soldado que regresa a la patria, pero
habitualmente se centran en el drama que
provoca la lucha contra las secuelas de la
guerra y la readaptación al mundo civil. En el
caso que nos ocupa, esto está visto desde una
perspectiva mucho más ligera, no solo por el
tono de comedia general, sino porque nuestro
soldado regresa sin secuelas, decidido a
convertir en realidad su sueño de hacerse
humorista y actuar en clubs nocturnos. Por su
puesto, el filme incluye también momentos
más reflexivos sobre el tema, con la pátina de
realidad que aporta la propia experiencia
personal de Sean Mullin en el ejército.
Crítica: Amira & Sam (2014)
Por Laura Martínez
Cartel promocional de la película.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
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La vuelta de tuerca
definitiva tiene lugar
cuando Sam se da
cuenta de que no es él el
que ha cambiado en la
guerra, sino que el país
al que ha regresado tras
esos años es
completamente
diferente, realizando así
una dura reflexión
sobre la crisis de los
valores en Estados
Unidos, aderezada con
una fuerte crítica al
devenir económico del
país, basado en la brutal especulación
bursátil, fundamentado en el riesgo
desmedido y el engaño como técnica de
negocios.
Otro tema controvertido que explora la
película, es el de la nueva mujer musulmana,
moderna e independiente, que vive su
religiosidad de una forma personal, y que a
veces entra en confrontación con su propio
entorno cultural. De esta forma, Amira vive
situaciones complejas tanto con americanos
como con sus correligionarios, motivadas en
ambos casos por el velo. Así, una mujer
musulmana le recrimina en plena calle que
vaya enseñando piel a pesar de llevar
un hiyab, y es que los preceptos islámicos
apuntan que la mujer debe cubrir todo su
cuerpo, a excepción de las manos, los pies y la
cara. En cambio, cuando Amira se mueve en
ambientes occidentales, su vestimenta es
motivo de curiosidad y rechazo, llegando a
decir que incomoda a los demás con su
atuendo, e incluso una señora le pregunta si
le obligan a llevar el velo, a lo que Amira, muy
resuelta, responde que no, que ella hace lo
que quiere.
Al margen de estos temas, lo mejor de la
película es la naturalidad con que trata el
romance entre sus protagonistas, el
progresivo desarrollo de una intimidad sin
pretensiones, en parte motivada por el
realismo de los diálogos. Amira y Sam charlan
sobre Facebook, ven Keeping Up with the
Kardashians en su televisor, y se enamoran
en cada rincón de Nueva York, como
cualquier otra pareja.
La habilidad de Sean Mullin para reflejar lo
cotidiano del amor, nos demuestra que es
posible hacer una comedia romántica
americana sin Katherine Heigl, y que el
objetivo primordial de este género
cinematográfico no es meramente el final
feliz, sino el complicado equilibrio entre la
risa y el romance.
Fotogramas que muestran a los protagonistas en distintos lugares de Nueva York.
Para saber más:
- Página oficial de la película.
- Ficha en IMDb:
- Tráiler en Youtube.
- Crítica en The Hollywood Reporter.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 96
Desde la editorial ECC se está llevando a cabo
la publicación de una extraordinaria serie de
mangas por los autores Kazuo Koike y Gôseki
Kojima,56 nos referimos a Hanzô. El camino
del asesino, que ya cuenta con un total de 6
volúmenes publicados.
Esta obra nos cuenta la
historia de Ieyasu, futuro
shôgun de Japón, y el ninja
Hanzô, considerado como
uno de los mejores del
archipiélago. Los primeros
volúmenes nos trasladan a la
juventud de ambos, momento
en los que van a compartir
más de una travesura así
como toda una serie de
experiencias que les van a
permitir madurar juntos. Con
el avance de los capítulos
pasan los años, y ambos
protagonistas crecen, siendo
conscientes de la situación de
Japón y de sus próximas
responsabilidades, sobre
todo, desde el punto de vista
del ninja, ya que esta
historieta se centra
principalmente en este
personaje. Asimismo, el lector podrá conocer
de primera mano las batallas y estrategias
propias de los señores del Japón más
tradicional, que van desde los matrimonios
56 Ambos autores destacan por su producción en cuanto a lo que se refiere a mangas e historias de ambientación histórica, como puede ser el caso de Lady Snowblood en el caso de Koike o El lobo solitario y su cachorro, por Kojima.
por conveniencia, espionaje, retos, y sobre
todo, enfrentamientos con las armas en ristre.
Si algo destaca en la producción de estos
autores es el refinamiento y especial cuidado
que se pone en el dibujo. Actualmente,
estamos bastante
acostumbrados (a pesar
de que a día de hoy
contamos con varias
editoriales, como la que
nos ocupa en esta
reseña, que están
haciendo llegar al
público español obras
de distintos géneros y
autores) a la estética
más clásica y
generalizada del manga,
entendida como
personajes de ojos
grandes y cuerpos
esbeltos, que dejan de
lado un tratamiento y
estética más realista. La
serie de Hanzô supone
todo lo contrario, y para
nosotros es uno de sus
múltiples atractivos.
Cada uno de los
personajes se caracteriza con unos rasgos
concretos y completamente diferentes al del
resto de personajes, de modo que al lector le
resultará mucho más fácil sumergirse entre
las páginas de este manga y reconocer a cada
uno de ellos. Por otro lado, un tema que
puede pasar desapercibido es el del
sombreado y la línea. Esta obra transmite una
Crítica: Hanzô, el camino del
asesino Por María Gutiérrez
Portada del primer tomo de la obra publicado por la editorial ECC.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 97
sensación mucho más artesanal, es decir, el
trazado tiene un papel importante a la hora
de mostrar aquello que pasa por la cabeza de
los personajes, los autores se sirven de este
recurso para dotar de una mayor
personalidad a cada uno de ellos, subrayando
arrugas y defectos, dejando de lado la piel
tersa y lisa a las que estamos más
acostumbrados. Lo mismo podemos decir de
las sombras, que en muchos casos parecen
acuarelas, generando así un ambiente
propicio que favorece a la ambientación
histórica.
Igualmente, no podemos dejar de destacar la
edición que está llevando a cabo ECC.
Realmente se trata de una serie bastante larga
y compleja en su trama, como veremos
posteriormente, por lo que se ha optado por
un formato más cómodo de tomos más
gruesos conocido como wide-ban,57 de modo
que así se reduce el número de volúmenes y la
historia no queda tan fragmentada. La
selección de las portadas de cada libro está
estrechamente relacionada con el interior del
mismo, siempre manteniendo una mista
estética donde prima la escala de grises,
resaltando el título, en color rojo.
Como ya hemos comentado, esta serie no se
ha terminado actualmente, por lo que, por el
momento, podemos ofrecer una visión parcial
de la misma. La trama está repleta de acción e
intriga, así como de diversos personajes que,
en ocasiones, complican el seguimiento de la
historia, personajes que además van
creciendo en cada entrega. Sin embargo, el
hecho de que cada uno tenga unos rasgos
concretos facilita su reconocimiento, y la
trama se puede seguir sin problemas. Al
centrarse en Ieyasu nos permite un mayor
acercamiento tanto a Hanzô como al
futuro shôgun, así, podemos conocer sus
57 Supone la reedición de una serie manga en menos volúmenes.
relaciones familiares y problemas en cada
momento. Algo sobre lo que queremos llamar
la atención son los momentos de pausa en la
historia, cuando la acción queda en un
segundo plano y los autores se centran en la
relación presente entre el ninja y su señor, a
veces se trata de escenas cómicas, mientras
que en muchos casos se revisten de una
mayor profundidad y contenido que va más
allá de las palabras, dando lugar a una sutil
reflexión.
A modo de conclusión, no podemos dejar de
recomendar esta historia, tanto por su
peculiar estética como por lo dinámico de la
narración. Estamos ante un acercamiento a la
historia de Japón en un formato mucho más
cómodo de leer y accesible para el público.
Conjunto de viñetas en las que podemos ver a Ieyasu reflexionando.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 19] Septiembre de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / SEPTIEMBRE 2015 Página 98
En este número colaboran: Ana Asión (anaasion@ecosdeasia.com). Licenciada en Historia del Arte y Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte. Actualmente realizan el Máster en Gestión del Patrimonio Cultural, así como el Doctorado en Historia del Arte, con una tesis sobre cine español del tardofranquismo. Pablo Begué. Graduado en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza y estudiante del Máster de Estudios Avanzados en Historia del Arte por la misma universidad. Sus intereses giran alrededor de los cuentos de hadas clásicos, su ilustración en el siglo XIX y la influencia de estas imágenes en la cultura popular y de masas, especialmente en la creación audiovisual. Elísabet Bravo (elisabetbravo@ecosdeasia.com). Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza. Actualmente cursa el Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte con especialidad en Lenguaje y Cultura audiovisual. Está interesada e investiga cine fantástico y de terror. José Ángel García González es Diplomado en turismo por la UNED, Diplomado en Shiatsu por la Escuela Mingmen de Madrid e instructor y practicante de diversas disciplinas (Karate, Kobudo, Chi Kung), además de miembro fundador, y actualmente Presidente, de la Asociación Española de Artes Zen japonesas. Se dedica en estos momentos a la investigación del shiatsu y sus aplicaciones en enfermedades desde el espacio shiatsu Kokoro, creado junto a Silvia Juárez Gallango. María Gutiérrez (mariagutierrez@ecosdeasia.com). Graduada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, cursando el máster de Estudios Avanzados con el objetivo de especializarse en arte asiático. David Lacasta (davidlacasta@ecosdeasia.com). Soy Licenciado en Historia del Arte y actualmente estoy cursando el máster en estudios avanzados, en la modalidad de Asia Oriental. Estoy trabajando en la cerámica Satsuma, y el fenómeno de su coleccionismo en occidente. También me interesa mucho todo lo relacionado con las armas y armaduras de los samurai, así como la historia militar de Japón. Laura Martínez Rodríguez (lauramarinez@ecosdeasia.com). Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, actualmente cursa el Máster de Estudios Avanzados en Historia del Arte de la misma, especializándose en Cine. Marisa Peiró (marisapeiro@ecosdeasia.com)es Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza y Máster en Estudios Avanzados de Historia del Arte por esta misma universidad. Se especializa en el Arte y la Cultura Audiovisual de la primera mitad del s. XX, y en las relaciones artísticas interculturales. Actualmente, está realizando su tesis doctoral. Carolina Plou (carolinaplou@ecosdeasia.com). Historiadora del Arte, japonóloga, prepara una tesis doctoral sobre fotografía japonesa. Daniel Rodríguez. Graduado en Historia del Arte de la Universidad de Oviedo, universidad con la cual ha colaborado siendo comisario de una exposición artística en la sala Laudeo. Actualmente se encuentra estudiando el Máster Universitario de Estudios en Asia Oriental de la Universidad de Salamanca.
Para la realización de este número, agradecemos además a María Galindo, Claudia Sanjuán y
muy especialmente, a los doctores Elena Barlés y David Almazán.
GRACIAS A TODOS LOS COLABORADORES
POR SU TRABAJO Y ENTUSIASMO, Y A GRACIAS A USTED, LECTOR POR SU TIEMPO
E INTERÉS. NOS LEEMOS EN EL PRÓXIMO NÚMERO.
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