10. VANGUARDIAS-HISTÓRICAS-(190551939)- · Universidadde*Alcalá*de*Henares* * * * *...

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Universidad de Alcalá de Henares Óscar Navajas Corral Universidad Mayores Dr. Historia y Museología Grado en Humanidades Historia del Arte Contemporáneo 1 10. VANGUARDIAS HISTÓRICAS (19051939) Expresionismo, Fauvismo, Cubismo y Futurismo. 10.1. Línea temporal 10.2. ¿En qué contexto se produjo? En el siglo XX han cambiado más cosas y de modo más rápido que en épocas anteriores, y estos cambios se reflejaron en el arte. Estos cuarenta años de historia cambiaron el mundo y construyeron los nuevos modos de representar la realidad. La sucesión de ismos o tendencias artísticas de vanguardia fue vertiginosa. El arte tradicional quedó reducido a cenizas. Pero a pesar del aluvión de vanguardias y aunque la modernidad ganó la batalla a la tradición, esta no desapareció durante todo el siglo. El academicismo fue un reducto que no desapareció y hubo formas de un clasicismo autoritario que se desarrollaron en los regímenes totalitarios. Claves: Vanguardia. El término vanguardia hace referencia al sentido de avanzadilla, yendo por delante y rompiendo con el resto de manifestaciones de su momento. 1900 1910 1920 1930 1940 1950 1960 1970 CUBISMO (190731914) PINTURA METAFÍSICA (192031930) DADAISMO (191631924) SUPREMATISMO (191531925) FUTURISMO (190931930) Escuela de París(191531940) PINTURA METAFÍSICA (192031930) NEOPLASTICISMO (191531925) CONSTRUCTIVISMO (191431930) ARTE ABSTRACTO (191031950) SIGLO XX 1945 POSTMODERNIDAD MODERNIDAD FAUVISMO (19053 1908) SURREALISMO (192431966) EXPRESIONISMO (19053 1914)

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Universidad  de  Alcalá  de  Henares                    Óscar  Navajas  Corral  Universidad  Mayores                                          Dr.  Historia  y  Museología  

Grado  en  Humanidades                  Historia  del  Arte  Contemporáneo  1  

10.  VANGUARDIAS  HISTÓRICAS  (1905-­‐1939)    

Expresionismo,  Fauvismo,  Cubismo  y  Futurismo.      

10.1.   Línea  temporal    

     

10.2.   ¿En  qué  contexto  se  produjo?    En  el  siglo  XX  han  cambiado  más  cosas  y  de  modo  más  rápido  que  en  épocas  anteriores,  y  estos  cambios  se  reflejaron  en  el  arte.  Estos  cuarenta  años  de  historia  cambiaron  el  mundo   y   construyeron   los   nuevos  modos   de   representar   la   realidad.   La   sucesión   de  ismos  o   tendencias  artísticas  de  vanguardia   fue  vertiginosa.  El  arte   tradicional  quedó  reducido  a  cenizas.  Pero  a  pesar  del  aluvión  de  vanguardias  y  aunque   la  modernidad  ganó  la  batalla  a  la  tradición,  esta  no  desapareció  durante  todo  el  siglo.  El  academicismo  fue  un  reducto  que  no  desapareció  y  hubo  formas  de  un  clasicismo  autoritario  que  se  desarrollaron  en  los  regímenes  totalitarios.      Claves:    

•   Vanguardia.   El   término   vanguardia   hace   referencia   al   sentido   de   avanzadilla,  yendo  por  delante  y  rompiendo  con  el  resto  de  manifestaciones  de  su  momento.    

1900 1910 1920 1930 1940 1950 1960 1970

CUBISMO1(190731914)

PINTURA1METAFÍSICA1(192031930)

DADAISMO1(191631924)

SUPREMATISMO1(191531925)

FUTURISMO1(190931930)

Escuela1de1París(191531940)1

PINTURA1METAFÍSICA1(192031930)

NEOPLASTICISMO1(191531925)

CONSTRUCTIVISMO1(191431930)

ARTE1ABSTRACTO1(191031950)

SIGLO1XX1945

POSTMODERNIDADMODERNIDADFAUVISMO1(19053

1908)

SURREALISMO1(192431966)

EXPRESIONISMO1(190531914)

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•   Multiplicidad.  La  vorágine  de  «tendencias»,  el  espíritu  de  vanguardia,  propició  numerosos   tipos  de  arte  que   se   superponían,   interconectaban  o  distanciaban  teórica  y  estéticamente.  

 •   Complejidad.   «Para   disfrutar   el   arte   del   siglo   XX,   generalmente   hay   que  

trabajarlo»   (Lambert,  1985:  8).  El  arte  del   siglo  XX  es  complicado  apreciarlo  y  entenderlo  si  no  se  analiza  junto  con  los  cambios  que  se  experimentaron  en  esos  mismos  años  en  el  resto  de  la  vida  social,  cultural,  económica  e  intelectual.    

 •   Aceleración.  La  idea  de  tiempo  y  espacio  estaban  cambiando,  y  no  solo  desde  el  

punto  de  vista  teórico  (física  y  matemática).    

•   Actitud.  Actitud  común  de  rechazo  y  negación  de  la  tradición  como  modelo.  Esta  actitud  es  la  que  marcó  el  arte  moderno.  

 •   Ruptura.  «Detrás  de   lo  que  vemos  hay  algo  más».  Se  vivió  una  ruptura  con  la  

jerarquía  de  las  artes  y  con  el  sistema  tradicional.    

•   Simplicidad.  «Con  menos  apariencia  puede  lograrse  una  mayor  autenticidad».    •   Intencionalidad.  Una  vanguardia  es  intencionalidad,  rebeldía,  cambio,  etc.  

 •   Manifiesto.   El   sentimiento   de   grupo.   Exponían   juntos,   escribían   y   teorizaban  

como  si  hubiera  una  única  voz.      

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10.3.   Fauvismo  (1905-­‐1908).    

   Su  nombre  se  debe  al  crítico  Vauxcelles  el  que,  en  la  exposición  del  Salón  de  París  de  1905,  afirmó  que  la  escultura  representaba  a  «Donatello  chez  les  fauves».      El   fauvismo   tomará   numerosos   elementos   del   Postimpresionismo.   Los   colores  estridentes,  los  campos  de  color,  la  mancha,  la  subjetividad,  la  expresividad  por  medio  del  color.  El  fauvismo  no  querra  expresar  la  realidad  sino  su  realidad,  la  expresión  de  lo  sentimientos.  Gauguin,  Cézanne  o  el  Puntillismo  estarán  presentes  igualmente  en  este  movimiento.    

10.3.1.  ¿Quiénes  fueron  sus  máximos  exponentes?    

   Henri  Matisse   (1869-­‐1954).  Estilo  vitalista  y  ornamental   (representa   lo  decorativo  de  una  forma  estilizada).  Su  obra  muestra  la  confianza  en  el  ser  humano,  en  lo  vital.  En  su  

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obra  también  será  importante  el  collage  y  los  colores  fuertes,  irreales,  estridentes  con  fondo  ornamental  y/o  decorativo.  Pero  Matisse  también  fue  un  teórico.  En  1908  publica  sus  Notas  de  un  pintor  donde  dice  qué  lo  que  le  interesa  es  la  expresión,  entendiendo  esta  como  un  sentimiento  expresado  en  un  ambiente,  en  una  cara,  etc.    

Henri  Matisse.  Notas  de  un  pintor  (1908).    «Lo  que  persigo  por  encima  de  todo  es  la  expresión.  (…)  La  expresión,  para  mí,  no  reside  en  la  pasión  que  aparecerá  en  un  rostro  o  que  se  afirmará  por  un  movimiento  violento.  Consiste  en   la  disposición  de  mi  cuadro:  el   lugar  que  ocupan  los  cuadros,  los  vacíos  entorno  a  ellos,  las  proporciones,  todas  estas  cosas  tienen  un  significado.  La  composición  es  el  arte  de  combinar  de  manera  decorativa  los  diversos  elementos  con  los  que  el  pintor  cuenta  para  expresar  sus  sentimientos.  En  un  cuadro,  cada  parte  será  visible  y  jugará  el  papel   que   le   corresponda,   principal   o   secundaria.   Todo   lo   que   no   tenga  utilidad  en  el  cuadro  será,  por  eso  mismo,  nocivo.  Una  obra  comporta  una  armonía   de   conjunto:   todo   detalle   superfluo   ocupará,   en   el   espíritu   del  contemplador,  el  lugar  de  otro  detalle  esencial».  

 •   Retrato  con  raya  verde.  Retrato  de  su  mujer.  

 •   Interior   rojo   (1909).   Usa   la   mancha.   Ausencia   de   profundidad.  

Bidimensionalidad.    

•   Joven   de   la   gorra.   Ausencia   de   profundidad,   estridencia   del   color,  esquematización  de  los  rasgos.  

 •   Lujo,  calma  y  voluptuosidad  (1904).  

.  •   La  alegría  de  vivir  (1906).  

 •   La  danza  (1909).  

 •   Desnudo  en  azul  (1952)    

 Henri  Matisse.  Notas  de  un  pintor  (1908).    «Sueño  con  un  arte  equilibrado,  puro,  tranquilizador,  sin  temas  inquietantes  ni  turbadores,  que  sirva  para  cualquier  trabajador,   intelectual,  hombre  de  negocios   o   artista,   como   lenitivo,   como   calmante   cerebral,   como   una  especie  de  buen  sillón  que  le  relaje  de  sus  fatigas  físicas».  

 André  Derain  (1880-­‐1854).  Su  obra  se  caracteriza  por  las  vistas  de  Londres,  del  Támesis.  Escenas  que  recuerdan  a  Monet  pero  con  un  color  diferente.  Realizó  trajes  y  decorados  para  Ballets  rusos.    

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•   Matisse.  Parte  de  la  obra  de  Cézanne,  Gauguin  y  Van  Gogh.  Brillantez.  Expresa  un  sentimiento  interior  por  medio  de  un  color.  

 •   Puente  de  Charing  Cross  llamado  también  Puente  de  Wesminter  (1905).  Libertad  

de   trazo,   color   subjetivo   y   expresionista   que   impactó.   Dispone   el   color   en  manchas  como  Signac.    

Maurice  Vlaminck  (1876-­‐1958).  Es  uno  de  los  personajes  prototipos  de  las  vanguardias  históricas.  Autodidacta,   se  vanagloriaba  de  no  haber   ido  nunca  a  un  museo,  ni   tener  estudio,  y  criticaba  con  dureza  a  los  académicos.    

M.  Vlaminck.  Carta  prefacio  (1923).    «Nunca   voy   a   los  museos.   huyo   de   su   olor,   su  monotonía   y   su   seriedad.  Vuelvo   a   ver   en  ellos   la   furia  de  mi  padre   cuando   yo  hacía  novillos   en   la  escuela.  Intento  pintar  con  mi  corazón  y  mis  hígados,  sin  preocuparme  por  el  estilo».  

 •   Restaurante  en  Marly-­‐Le-­‐Roi  (1906).  Pincelada  restreagada.  

 •   El   Sena.   Obra   tardía   que   evoluciona   hacia   el   cubismo.   Interrelación   entre  

cubismo  y  fauvismo.    

Georges   Rouault   (1871-­‐1958).   Su   obra   se   divide   en   temas   religiosos   y   en   temas   de  personas   de   las   clases   más   desfavorecidas:   payasos,   prostitutas,   bohemios,   etc.   Se  formó  con  uno  de  los  simbolistas,  Moreau.  Colores  tristes,  formas  desechas,  atención  a  los  temas  dramáticos.  Muchas  de  sus  obras  están  concebidas  como  si  estuvieran  vistas  a  través  de  cristales.  Son  como  vidrieras  y  dan  sensación  de  pesadez.  En  vida  fue  uno  de  los  artistas  más  cotizados.  Rouault  será  esencial  para  el  cambio  hacia  el  expresionismo,  donde  destaca  lo  amargo,  lo  feo,  etc.    

•   Ante  el  espejo  1906.    

•   Odalisca  1906.  Cuerpos  feos,  rostros  desolados.  Lo  principal  es  lo  feo.      

•   ¿Quien  no  se  maquilla?  1930.  Retrato  de  desamparo,  de  soledad,  la  tristeza.    

•   Cristo  ultrajado  1932.    

•   El  viejo  rey  1937.  La  pintura  se  entiende  como  si  fuera  una  vidriera.  Vuelve  a  la  pintura  medieval.  

     

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10.4.   Expresionismo  (1905  y  1911-­‐1912).    

   En  el  momento  del  Fauvismo  surgió  en  Alemania  una  tendencia  basada  también  en  la  exaltación  del  color,  aunque  con  postulados  formales  e  ideológicos  diferentes.  Y  es  que  con  el  Expresionismo  alemán  se  introdujo  una  actitud  que  será  muy  repetida  en  el  siglo  XX:  la  de  afrontar  el  arte  como  una  postura  particular  ante  la  vida,  como  una  proyección  de  un  estado  de  ánimo.  Por  ello  frente  a  la  figura  del  pintor-­‐pintor,  con  los  expresionistas  surgieron  intentos  de  integración  de  diversas  artes  como  la  música,  la  poesía,  el  teatro  o  el  cine.      Dos   grupos:   Die   Brücke   y   Der   Blaue   Reiter   que   desean   crear   algo   nuevo.  Fundamentalmente   surge   de   una   clase   social,   la   clase   cercana   al   pueblo.   Estará  influenciado   por   el   existencialismo   de   Nietzsche.   El   modernismo   de   artistas   como  Munch  será  fundamental,  así  como  los  simbolistas.    

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   Die  Brüke  (El  Puente)  (1905).  Movimiento  que  surge  en  Dresde  bajo  la  figura  de  artistas  (casi   todos   estudiantes   de   arquitectura)   como   Emil   Nolde,   Ludwing   Kirchner   y   Otto  Muller.  Estará  muy  relacionado  con  la  pintura  fauvista.  La  denominación  de  El  Puente  es  porque  ellos  pretendían  convertirse  en  el  puente  hacia  el  cambio,  ser  una  vía  para  la  evolución   en   el   arte.   Kirchner   en   su   manifiesto   apelará   a   la   libertad   en   la   vida,   la  movilización  con  respecto  a  las  viejas  formas,  la  exteriorización  de  los  sentimientos.  Es  un  movimiento  a  contracorriente  que  rendirá  culto  a  lo  feo.    

Karl  Schmidt.  Carta  a  Emil  Nolde  (1906).    «”El   Puente”   es   atraer   hacia   sí   a   todos   los   elementos   revolucionarios   en  ebullición.  Esto  es  lo  que  significa  el  nombre  “El  Puente”».  

 Desde  un  punto  de  vista  artístico,  adoraban   la  escultura  de   los  primitivos  de  África  y  Oceanía,  los  antiguos  grabados  alemanes,  y  entre  los  contemporáneos,  a  Van  Gogh.    Der  Blaue  Reiter   (El   Jinete  Azul)   (1911-­‐912).  Grupo   formado   fundamentalmente  por  Franc  Marc  y  Wassily  Kandinsky.  Surge  en  Alemania,  en  Munich,  con  aportaciones  del  fauvismo  y  de  El  Puente,  aunque  el  Jinete  Azul  será  un  movimiento  menos  autodidacta  que  El  Puente  y  más  académico.  Su  arte  no  tendrá  una  preocupación  social.  Se  reúnen  para   exponer   juntos   y   buscar   la   espiritualidad   del   color,   algo   que   les   llevará   a   la  abstracción.  Revalorizan  la  pintura  de  los  niños  por  su  componente  naif,  ingenuista,  y  a  los   pintores   Postimpresionistas,   sobre   todo   Van   Gogh,   Gauguin   y   Rousseau   (El  Aduanero).    

10.4.1.  ¿Quiénes  fueron  sus  máximos  exponentes?    Emil  Nolde   (1867-­‐1956).   Se   aprecia   una   relación   con  Rouault,   su   color   brillante   y   su  agresividad   al   poner   la   mancha.   En   Nolde   la   temática   religiosa   es   fundamental.   La  diferencia  con  el  autor  francés  son  esos  colores  brillantes,  es  más  colorista.  Para  Nolde  el  arte  tenía  que  cambiar  el  orden  establecido.    

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•   En   el   jardín   (1906).   Conocimiento   del   fauvismo.   La   pincelada   está   cerca   de  Roualt,  pero  su  color  es  diferente.  

 •   Pentecostes.   Rostros   restregados,   utilizaba   los   dedos   para   pintar.   Es   un  

antecedente  del  informalismo.    

•   Máscaras.    

•   Crucifixión.  Cloisionismo,  cuerpo  deformado,  expresa  mucho.    

Ernst   Ludwig   Kirchner   Piper   (1880-­‐1938).   Es   el   típico   personaje   romántico:  desequilibrado,  que  se  identifica  con  las  desgracias  externas,  recoge  obras  de  la  Edad  Media,  el  Romanticismo,  etc.  Artista  atormentado.  Obsesionado  con  las  mujeres,  que  en  su  obra  no  se  sabes  si  son  prostitutas,  amantes  o  modelos.    

•   La  calle.  Sensación  de  angustia,  inquietud.  El  ojo  no  descansa  en  todo  el  cuadro,  no   hay   relación   entre   las   figuras,   están   apelotonadas.   Cuerpos   deformes.  Recreación  en  la  forma  fea.  El  tema  se  apretuja  en  el  lienzo,  no  hay  lugar  para  que  la  vista  descanse.  Agobio.  

 •   Puente  de  berlín.  

 •   Mujer  ante  un  Espejo  (1912).  Encuentra  otra  fuente,  el  primitivismo,  la  escultura  

primitiva  africana.  El  espejo  se  cae,  falta  fondo,  crea  su  propia  perspectiva.    

•   Autoretrato.  Planismo,  colores  estridentes,  disposición  de  las  formas.    

•   La  habtación.    

Franc  Marc  (1880-­‐1916).  En  1910,  hizo  amistad  con  los  pintores  August  Macke  y  Wassily  Kandinsky,   con   quienes   fundó   el   movimiento   artístico   Der   Blaue   Reiter.   Estando   en  Baviera   se   alistó   como   voluntario   para   luchar   en   la   Primera   Guerra  Mundial.  Murió  luchando  en  la  Batalla  de  Verdún  a  la  edad  de  36  años.  Es  conocido  por  sus  retratos  de  animales  de  su  periodo  expresionista  que  se  caracterizan  por  la  brillantez  de  sus  colores  primarios,   la   fuerza  vital  de   la  naturaleza  y  un  profundo  sentido  de  emoción;  usando  para  ello  colores  significativos:  azul  para  la  austeridad  masculina  y  lo  espiritual,  amarillo  para  la  alegría  femenina  y  el  rojo  para  la  violencia.    

Franz  Marc.    «Mis  metas  no  están  en  la  línea  de  una  pintura  especial  de  animales.  Busco  un  estilo  bueno,  puro  y  claro,  en  el  que  se  recoja  completamente  al  menos  una  parte  de  lo  que  los  pintores  modernos  me  tengan  que  decir.  Yo…  intento  sentir  de  modo  panteísta  el  temblor  y  el  bullir  del  a  sangre  en  la  naturaleza,  en  los  árboles,  en  los  animales,  en  el  aire…  Para  mí  no  existe  ningún  medio  más  feliz  para  la  ‘animalización  del  arte’  que  el  cuadro  de  animales.  Por  ello  recurro  a  ellos.  En  un  van  Gogh  o  un  Signac,  todo  se  ha  convertido  en  animal,  

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el  aire,  incluso  la  barcaza  que  descansa  sobre  el  agua,  y  sobre  todo  la  pintura  misma.  Estos  cuadros  ya  no  tienen  ninguna  similitud  con  lo  que  anteriormente  se  llamaba  ‘cuadros’».  

 •   Caballos.   Estudio   anatómico.   Interés   por   plasmar   sus   comportamientos,   sus  

inquietudes.    

•   Vaca  en  el  campo.    

•   Retrato  de  caballo    

•   tigre    

•   Los  corzos.  Reducidos  a  figuras  geométricas.    Wassily   Kandinsky   (1866-­‐1944).   Máximo   representante   del   Jinete   Azul.   Tendrá   una  evolución  de  lo  material  a  lo  espiritual.  Esto  lo  conseguirá  con  la  música  y  con  el  color.  Su  pintura  se  irá  desprendiendo  poco  a  poco  de  la  forma  por  medio  del  color  para  llegar  a  las  formas  abstractas.  Kandinsky  no  solo  será  pintor,  sino  también  profesor  (Bauhaus)  y   teórico.  En  1905  viajo  a  Munich  y  se   ientificó  con  Judgstyle.  Entre  1908-­‐1909  pinta  paisajes   en   Murnau   donde   se   evidencia   su   gusto   por   el   color   lo   que   le   llevará   a  desprenderse  poco  a  poco  de  las  formas  y  llegar  a  la  abstracción.  Esto  le  llevará  a  escribir  De  lo  espiritual  en  el  arte:    

«el  color  son  las  teclas,  el  alma  las  cuerdas,  el  pintor  el  que  toca  las  teclas.  Según  se  tocan  las  teclas  el  alma  vibra».  

 El  otro   libro   fundamental   será  Punto  y   línea   sobre  el  plano   (1926),  donde   justifica   la  evolución  de  su  pintura,  basada  ahora  en  formas  geométricas.  Es  un  análisis  de  la  pintura  más   objetivo.   Toda   forma   la   generan   líneas,   y   toda   línea   parte   de   un   punto.   Esta  evolución  y  esta  obra  estará  influenciado  con  su  etapa  como  profesor  en  la  Bauhaus.    

•   Ciudad  antigua.    

•   Paisaje  de  Murnau    

•   Paisaje  de  Murnau  (1908).  Entre  el  Impresionismo  y  el  Postimpresionismo.    

•   Composición  (1911).  Abstracción.  De  lo  espiritual  en  el  arte.    

•   Iglesia  de  Murnau      

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10.5.   Cubismo  (1907-­‐1914)    

   Durante  décadas  los  artistas  habían  intentado  resolver  el  problema  de  la  representación  del  mundo  tridimensional  sobre  una  superficie  plana  de  un  lienzo  o  una  tabla.  En  el  siglo  XV  los  artistas  representaban  la  realidad  bajo  las  reglas  de  la  perspectiva,  donde  lo  que  está  ubicado  en  un  primer  plano  es  más  grande  que  lo  que  está  situado  en  la  lejanía.  Este  proceso  de  ilusión  se  perfecciono  hasta  que  en  el  siglo  XIX,  Cézanne,  experimentó  la   relación   del   espacio   por  medio   de   la   descomposición   de   los   elementos   en   figuras  geométricas,  intentando  captar  múltiples  puntos  de  vista,  no  uno  único  que  es  lo  que  limitaba   la   perspectiva   tradicional.   Más   delante   serían   Picasso   y   Braque   quienes  plantearon  la  destrucción  del  sistema  de  representación  tradicional.    A   esto   se   unió   el   interés   creciente   sobre   el   arte   africano,   oceánico   y   las   pinturas  rupestres.   El   Museo   Etnográfico   (Trocadero)   de   París   realizó   algunas   de   estas  exposiciones   que   fueron   visitada   por   la   mayoría   de   los   artísticas   denominados   «de  vanguardia».    

G.  Apollinaire.  Los  pintores  cubistas  (1913).    «Lo  que  distingue  al  cubismo  de  la  antigua  pintura  se  basa  en  que  no  es  un  arte  de  imitación,  sino  un  arte  de  concepción  que  intenta  elevarse  hasta  la  creación».    

El  cubismo  tradicionalmente  posee  dos  etapas:  cubismo  analítico  y  cubismo  sintéticos,  pero  se  han  querido  ver  tres  etapas:    

1.   Pre-­‐cubismo  (1907-­‐1909).  El  trabajo  se  produce  bajo  la  influencia  de  Cézanne.    

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2.   Cubismo  analítico  (1909-­‐1911).  El  tema  de  la  obra  apenas  tiene  importancia.  el  color   también   deja   de   tener   la   importancia   de   antes,   sobre   todo,   no   debe  suponer  una  distracción.  La  paleta  se  oscurece  y  predominan  los  grises,  ocres,  colores  tierras,  negros,  etc.,  colores  con  escaso  poder  de  «estimulación».  La  idea  consiste  en  poder  observar  un  elemento,  un  objeto,  algo,  desde  todos  sus  lados  posibles  en  una  representación  bidimensional.  

 3.   Cubismo  sintético  o  collage  (1911-­‐1916).  Es  la  concreción  y  simplificación  de  la  

representación.    

Pablo  Picasso.  Opiniones  sobre  el  cubismo  (1923-­‐1960).    «El  cubismo  no  es  diferente  de  las  restantes  escuelas  de  pintura.  Los  mismos  principios  y  elementos  son  comunes  a  todas  ellas.  El  hecho  de  que  durante  mucho  tiempo  el  cubismo  no  haya  sido  comprendido  y  aún  hoy  haya  gente  que  no  vea  nada  en  él,  no  significa  nada.  Yo  no  entiendo  inglés,  y  por  tanto  un  libro  en  inglés  es  para  mí  un  libro  en  blanco.  Eso  no  significa  que  el  idioma  inglés  no  exista».  

 10.5.1.  ¿Quiénes  fueron  sus  máximos  exponentes?  

 

   Pablo  Picasso  (1881-­‐1973)    

•   La  obra  que  da  comienzo  a  este  movimiento  es  Las  señoritas  de  Aviñón  (1907).  Obra   que   dejó   perplejos   a   los   pocos   colegas   e   íntimos   que,   en   su  momento,  pudieron   contemplarla.   Fue  una  de   las  primeras  obras   en  explorar  no   solo  el  espacio,  sino  la  vuelta  a  nuestro  pasado  «prehistórico»  o  «primitivo».  

 •   Fabrica  de  Horta  de  San  Juan  

 •   Retrato  de  Volard  

 Georges  Braques  (1882-­‐1963).  A  partir  de  1908  comienza  a  romper  con  la  visión  clásica,  utilizando  cada  vez  más  formas  geométricas  principalmente  para  naturalezas  muertas.    

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•   Casa   en   el   estanque.   Fue   prácticamente   la   segunda   obra   cubista.   Construyó  formas   con   el   color,   iluminando   cada   una   por   separado   otorgándoles  individualidad.  

 •   Naturaleza  muerta  con  mandolina  

 •   Portugués  tocando  la  mandolina  

 Juan  Gris  (1887-­‐1927).  Comenzó  como  ilustrador  de  publicaciones  como  Blanco  y  Negro  y  Madrid  Cómico.   Su  estilo  en  estos  años   recuerda  a  Toulouse-­‐Lautrec  y   los  pintores  modernistas  catalanes.  En  1912  Juan  Gris  da  el  salto  al  cubismo.  Juan  Gris  se  mantuvo  fiel  al  cubismo  en  una  clave  más  colorista.      

•   Retrato  de  Picasso.    

•   Retrato  de  Jossette.    

•   Hombre  fumando.      Cubismo  Órfico  (1910-­‐1914).    El   Orfismo   o   cubismo   órfico   es   el   nombre   dado   en   1913   por   el   poeta   Guillaume  Apollinaire  a  la  tendencia  colorista  y  abstracta  del  cubismo  que  exalta  el  color  y  la  luz.    Robert  Delaunay  (1885-­‐1941).    

•   Mujer  Portuguesa.      Sonia  Delaunay  (1885-­‐1979).    

•   Prismas  eléctricos.    

10.5.2.  ¿Cuál  ha  sido  su  importancia  hasta  nuestros  días?    Las  consecuencias  históricas  de  la  obra  de  Picasso  y  Braque  fueron  de  gran  importancia.  en  unos  pocos  años  habían  roto  con  todos  los  tabús  y  tradiciones  del  arte  occidental,  ofreciendo,  la  libertad  y  la  inseguridad  de  pintar  sin  normas.          

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10.6.   El  Futurismo  (1909-­‐1930)    

   Moviendo   que   abarcó   todas   las   facetas   de   la   vida.   Se   proclamaban:   belicistas,  derechista,   antifeminista,   amantes   de   la   velocidad   y   del   progreso   mecánico,   los  materiales  industriales,  etc.  Utilizaron  el  cubismo  para  otorgar  movimiento  y  velocidad  a  sus  obras.      

10.6.1.  ¿Cómo  reconocer  este  estilo?    

•   Dinamismo.  Captar  el  movimiento  y  la  velocidad.    

•   Distintos  estados  de  una  figura  en  movimiento.    

•   Líneas  definidas  y  colores  planos  e  uniformes.    

•   El  Futurismo  fue  uno  de  los  movimientos  que  mejor  ejemplificó  la  liberación  de  la  perspectiva,  ahora  ella  estaba  al  servició  de  los  artistas.  

 10.6.2.  ¿Quiénes  fueron  sus  máximos  exponentes?  

 

   

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Umberto  Boccioni  (1882-­‐1916).  Teórico  del  movimiento.  Intenta  representar  los  estados  anímicos  y  el  movimiento.  Entre  sus  obras  destacan:    

•   Dinamismo  de  un  ciclista.    

•   La  ciudad  que  crece.    

•   Carga  de  lanceros.    Giacomo  Balla   (1871-­‐1957).   Es  el  más   fiel   representante  del   futurismo.   Investigó   los  problemas  de  la  luz  y  el  color.    

•   Dinamismo  –  Perro  con  correa.    Carlo  Carrá  (1881-­‐1966).  Fascinado  por  la  tecnología  y  los  espectáculos  nocturnos.    

•   Caballo  y  jinete.    

10.6.3.  ¿Cuál  ha  sido  su  importancia  hasta  nuestros  días?    Si   el   Cubismo   había   «acostumbrado»   a   ver   objetos   distorsionados,   el   futurismo   nos  presentaba  seres  animados  como  si  fueran  máquinas  en  movimiento.    El   Futurismo   fue   uno   de   los   primeros   movimientos,   posteriormente   lo   harán   el  Dadaísmo,   Surrealismo,   Suprematismo,   etc.,   que   tendrán   un   compromiso   social   y  político.   Su   arte   estaba   pensado   para   una   sociedad,   para   un   proyecto   para   la  humanidad.    

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11.  DADISMO  Y  SURREALIMO      

11.1.   Dadaismo  (1917-­‐1924)    

   

Tristán  Tzara.  Manifiesto  Dadaísta  (1918).    «Todo  producto  del  asco  susceptible  de  convertirse  en  una  negación  de  la  familia,  es  dada;  protesta  con  todas  las  fuerzas  del  ser  en  acción  destructiva:  DADA;  conocimiento  de  todos  los  medios  hasta  ahora  rechazados  por  el  sexo  púdico  del  compromiso  cómodo  y  la  cortesía:  DADA;  abolición  de  la  lógica,  danza  de  los  impotentes  de  la  creación:  DADA;  de  toda  jerarquía  y  ecuación  social   instalada  para   los  valores  por  nuestros   lacayos:  DADA;  cada  objeto,  todos   los   objetos,   los   sentimientos   y   las   oscuridades,   las   apariciones   y   el  choque  preciso  de  las  líneas  paralelas,  son  medios  para  el  combate  DADA;  abolición  de  la  memoria:  DADA;  abolición  de  la  arqueología:  DADA;  abolición  de   los   profetas:   DADA;   abolición   del   futuro:   DADA;   creencia   absoluta  indiscutible  en  cada  dios  producto   inmediato  de   la  espontaneidad:  DADA;  salto  elegante  y  sin  perjuicio  de  una  armonía  a  la  otra  esfera;  trayectoria  de  una   palabra   lanzada   como   un   disco   sonoro   grito;   respetar   todas   las  individualidades   en   su   locura   del   momento:   seria,   temerosa,   tímida,  ardiente,  vigorosa,  decidida,  entusiasta;  pelar  su   iglesia  de  todo  accesorio  inútil   y   pesado;   escupir   como   una   cascada   luminosa   el   pensamiento  chocante  o  amoroso,  o  mimarlo  -­‐con  la  viva  satisfacción  de  que  da  igual-­‐  con  la  misma  intensidad  en  el  zarzal,  puro  de  insectos  para  la  sangre  bien  nacida,  y  dorada  de  cuerpos  de  arcángeles,  de  su  alma.  Libertad:  DADA  DADA  DADA,  aullido  de  los  dolores  crispados,  entrelazamiento  de  los  contrarios  y  de  todas  las  contradicciones,  de  los  grotescos,  de  las  inconsecuencias:  LA  VIDA».  

 

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Fue  un  movimiento  caracterizado  por  una  actitud  y  por  la  acción.  Escándalo  como  arma  de   desarrollo   cultural   y   protesta   social.   Actitud   nihilista   y   violenta   en   sus  planteamientos.   Pretendían   destruir   los   diversos   modos   de   arte   establecido.   Se  burlaban  de  los  objetos  que  habían  sido  venerados  durante  siglos.  Cogían  objetos  de  uso  cotidiano   y   los   exponían   presentándolos   como   objetos   artísticos,   los   denominados  Ready-­‐Made.    

11.1.1.  ¿Quiénes  fueron  sus  máximos  exponentes?    

   Marcel  Duchamp  (1887-­‐1968).    

•   La  fuente.    

•   Rueda  de  bicicleta.  «Disfruto  mirándolas»,  afirmó.  «Tanto  como  disfruto  ver  las  llamas  danzando».  

 •   L.H.O.O.Q.  Es  homófono  en  francés  de  la  frase  «Elle  a  chaud  au  cul».  

 Jean  Arp  (1887-­‐1966)..    

•   Retrato  de  Tristán  Tzara,  Deposición  de  pájaros  y  mariposas  (1916  )    Francis-­‐Marie  Picabia  (1879-­‐1953).    

•   Máquina  amorosa.    

11.1.2.  ¿Cuál  ha  sido  su  importancia  hasta  nuestros  días?    Dada  consiguió  provocar  el  escándolo  y  consiguió,  también,  que  el  público  mirase  de  forma  distintas  las  imágenes  artísticas.  Las  obras  Dadá  obligaban  al  observador  a  poner  en   tela   de   juicio   las   realidades   aceptadas   y   a   reconocer   el   papel   del   azar   y   de   la  imaginación.    El  Dadaísmo  cayó  en  el  nihilismo,  pero  en  su  agotamiento  fue  sucedido  y,  por  tanto,  su  base   conceptual,   por   el   Surrealismo.   De   hecho   muchos   de   sus   militantes   se   harían  surrealistas.  

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11.2.   Surrealismo  (1924-­‐1966)    

   El  surrealismo  surgió  de  la  Pintura  Metafísica  y  del  Dadaísmo.  Al  surrealismo  le  interesó  ir  un  paso  más  allá,  explorar  e  ilustrar  la  mente  inconsciente  más  que  destruir  el  arte  establecido.  El  punto  de  vista  racional  y  científico  había  ocupado  demasiado  tiempo  el  primer  plano,  pretendían  liberar  la  imaginación  y  que  la  gente  tomara  conciencia  de  su  aspecto  poético.    Manifiesto  Surrealista  en  París  (1924):    

«puro   automatismo   psíquico   por   el   cual   se   intenta   expresar   bien  verbalmente   o   por   escrito   la   verdadera   función   del   pensamiento.  Dictado  verdadero  en  ausencia  de  todo  control  ejercido  por  la  razón,  y  fuera  de  toda  preocupación  estética  o  moral».  

 Nace  como  respuesta  al  nihilismo  en  el  que  había  caído  el  dadaísmo.  Trata  de  plasmar  el  mundo  de  los  sueños,  de  los  fenómenos  subconscientes  soterrados  por  la  conciencia.  Su  arma  teórica  serán  las  teorías  de  Freud.  También  fue  un  movimiento  revolucionario  que  aspiró  a  cambiar  la  vida,  transformar  las  relaciones  del  ser  humano  consigo  mismo  y  con  los  demás.  Sus  teorías  aquí  partirán  de  Marx.        

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11.2.1   ¿Quiénes  fueron  sus  máximos  exponentes?    

   Max  Ernst  (1891-­‐1976).  Figura  importante  del  movimiento  Dadá  y  considerado  el  artista  más  importante  del  surrealismo.    

•   Bosque  y  sol.    René   Magritte   (1898-­‐1967).   Conocido   por   sus   ingeniosas   y   provocativas   imágenes,  pretendía  con  su  trabajo  cambiar  la  percepción  precondicionada  de  la  realidad  y  forzar  al  observador  a  hacerse  hipersensitivo  a  su  entorno.    

•   Intentando  lo  posible.    

•   El  dominio  de  Arheim.    

•   El  espejo  falso.    Raymond  Georges  Yves  Tanguy  (1900–1955).    Joan  Miró.  Su  preocupación  por  lo  onírico  tendería  a  la  utilización  de  pocos  colores  (rojo,  azul,  amarillo  y  negro),  característica  fundamental  de  su  producción  posterior.    

•   La  Masia.    

•   Cartel  durante  la  Guerra  Civil  Española.    

•   Interior  holandés.    

•   Nocturno    Óscar   Domínguez   (1906–1957).   Fue   el   creador   de   los   más   fascinantes   objetos  surrealistas.  La  iconografía  de  sus  cuadros  alude  frecuentemente  a  volcanes,  grutas  y  la  vegetación  típica  de  las  islas  canarias.    

•   Máquina  de  coser  electrosexual.      

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13.  La  abstracción  en  el  arte  de  vanguardia    

11.3.   Arte  abstracto  (1910)    

   

«El   hombre   crea   la   exteriorización   de   sus   pensamientos   por  medio   de   la  palabra.   ¿Por   qué   no   habría   de   crear   en   pintura   y   en   escultura   con  independencia   de   las   formas   y   de   los   colores   que   le   rodean   esa   misma  realidad?»  

 Piet  Mondrian.  Arte  plástico  y  arte  plástico  puro  (1937).    «El   arte   no   figurativo   muestra   que   el   “arte”   no   es   la   expresión   de   la  apariencia  real  tal  como  la  vemos,  ni  de  la  vida  que  vivimos,  sino  que  es  la  expresión  de  la  verdadera  realidad  y  de  la  verdadera  vida»  

 Parte  de  la  confusión  entre  figurativismo  y  abstracción  vino  de  los  títulos  que  los  artistas  abstractos  daban  a  sus  obras,  con  los  que  irónicamente  proporcionaban  una  pista  falsa  a  un  espectador  que,  engañado,  trataba  en  vano  de  buscar  una  representación  que  no  existe.              

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11.3.1.  ¿Quiénes  fueron  sus  máximos  exponentes?    

   Vasily  Kandisnky  (1866-­‐1944).    

•   Jinete.    

•   Batalla.  Es  un  «paisaje»  de  sensaciones.    

•   Arco  negro.    

•   Composición  VII.      

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   11.4.   Constructivismo  (1920-­‐1940)  

 Este  movimiento  se  desarrolló  en  un  primer  momento  sobre  escultura,  ya  que,  en  vez  de  hacer  esculturas   tradicionales,  por  medio  del  acero   realizaban  piezas   separadas  y  posteriormente   realizaban   construcciones.   Pensaban   que   los   artistas   debían   estar  continuamente  descubriendo   formas  nuevas,  porque   la  vida  misma  está  en  continuo  cambio.  Este  movimiento  fue  una  explosión  visual  de  formas  y  vacíos.    Entre  las  características  de  estilo:    

•   Uso  de  los  colores  naranja,  rojo,  azul,  amarillo,  negro  y  blanco.    

•   Constante   alusión   a   elementos   modernos   que   simbolizan   el   progreso,   las  estructuras  geométricas  y  las  formas  pesadas.  

 •   La  obra  de  arte  está  en  comunicación  con  el  espacio  que  la  circunda.  

 •   Hace   hincapié   en   lo   abstracto,   relacionado   con   la   industria   y   la   técnica,   y   es  

geométrico  y  funcional.    

•   Manifestaba  su  rechazo  al  arte  burgués.      

11.4.1.  ¿Quiénes  fueron  sus  máximos  exponentes?    Vladímir  Yevgráfovich  Tatlin  (1885-­‐1953).  Abarcó  múltiples  facetas:  escultura,  pintura,  proyectos  arquitectónicos,  objetos  inventados,  de  diseño,  y  decorados  teatrales.    Durante  su  estancia  en  París,  conoció  a  Picasso  y  pasó  por  varios  movimientos  artísticos.  Quiso  materializar  el  arte  con  montajes,  y  promover  la  muerte  del  arte  de  museo:  «la  Obra  debe  participar  en  la  vida  y  en  la  construcción  del  mundo».    Dirigió   los   Talleres   Superiores   Artísticos   y   Técnicos   del   Estado,   una   de   las   primeras  escuelas  de  Diseño  en  el  mundo  instalada  en  Rusia  hasta  el  inicio  de  la  Segunda  Guerra  Mundial.  Diseñó  también  el  Letatlin  (letat  significa  volar  en  ruso),  aparato  volador  sin  motor  de  uso  individual  que  permitiría  a  los  ciudadanos  soviéticos  desplazarse  sin  crear  contaminación  y  de  manera  natural.    

 11.4.2.  ¿Cuál  ha  sido  su  importancia  hasta  nuestros  días?  

 Tanto  para  los  constructivistas,  como  para  cualquier  tendencia  abstracta  el  mundo  que  tenían  delante  no  era  en  absoluto  real,  sino  la  forma  exterior  o  la  proyección  casual  del  «mundo  real»    

   

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11.5.   Suprematismo  (1913-­‐1923)    En   1914,   cuando   Kandisnky   regresó   a   Rusia,   pintores   como   Larionov   y   Gontcharova  había  estado  pintando  de   forma  abstracta  desde  1911,  bajo  un  movimiento   llamado  Rayonismo,  muy  influenciado  por  el  cubismo  y  la  pintura  futurista,  y  que  se  basaba  en  las  relaciones  que  determinan  haces  de  colores  paralelos  y  convergentes.    

Kasimir  Malevich.  Manifiesto  del  Suprematismo  (1926).    Por   suprematismo   entiendo   la   supremacía   de   la   sensibilidad   pura   en   las  artes  figurativas.    Los  fenómenos  de  la  naturaleza  objetiva  en  sí  misma,  desde  el  punto  de  vista  de   los   suprematistas   carecen   de   significado;   en   realidad,   la   sensibilidad  como  tal  es  totalmente  independiente  del  ambiente  en  que  surgió.    El   naturalismo   académico,   el   naturalismo   de   los   impresionistas,   el  cézannismo,   el   cubismo,   etc…,   en   cierta   medida,   no   son   nada   más   que  métodos  dialécticos  que,  por  si  mismos,  no  determinan  en  absoluto  el  valor  especifico  de  la  obra  de  arte.    Una  representación  objetiva  en  si  misma  (es  decir,  lo  objetivo  como  único  fin  de  la  representación)  es  algo  que  nada  tiene  que  ver  con  el  arte.    El  artista  se  ha  desembarazado  de   todo   lo  que  determinaba   la  estructura  objetivo-­‐ideal  de  la  vida  y  del  arte:  se  ha  liberado  de  las  ideas,  los  conceptos  y  las  representaciones,  para  escuchar  solamente  la  pura  sensibilidad.  

 11.5.1.  ¿Quiénes  fueron  sus  máximos  exponentes?  

 Kazimir  Severínovich  Malévich,  (1878-­‐1935).    

•   Cuadro  negro  sobre  fondo  blanco.  Primera  manifestación  suprematista    

•   Composición  blanco  sobre  blanco    

11.5.2.  ¿Cuál  ha  sido  su  importancia  hasta  nuestros  días?    El  suprematismo  fue  uno  de   los  principales   logros  de   la  abstracción.  Aunque  no  tuvo  muchos  seguidores  en  Rusia,  ejerció  una  gran  influencia  en  el  desarrollo  del  arte  y  el  diseño  de  Occidente  y  en  la  Bauhaus.        

Universidad  de  Alcalá  de  Henares                    Óscar  Navajas  Corral  Universidad  Mayores                                          Dr.  Historia  y  Museología  

Grado  en  Humanidades                  Historia  del  Arte  Contemporáneo  23  

11.6.   Neoplasticismo  (1912-­‐1918)    El  Neoplasticismo  se  inició  en  1917  de  la  mano  de  Piet  Mondrian.  Se  le  llegó  a  llamar  constructivismo  holandés,   por   su  paralelismo   con  el   soviético.   Sus   raíces  están  en  el  cubismo,  dadaísmo  y  la  teosofía,  reivindican  un  proceso  de  abstracción  progresiva  en  virtud  del  cual  las  formas  se  irían  reduciendo  a  líneas  rectas  horizontales  y  verticales,  y  los  colores  al  negro,  el  blanco,  el  gris  y  los  tres  primarios.    

11.6.1.  ¿Quiénes  fueron  sus  máximos  exponentes?    Piet  Mondrian  (1872-­‐1944).    

Piet  Mondrian.  Neoplasticismo  (1932).    «Toda  pintura  –la  del  pasado  como  la  del  presente–  nos  muestra  que  sus  medios  plásticos  son  solamente  la  línea  y  el  color.    El  nuevo  arte  ha  continuado  y  perfeccionado  el  antiguo  de  tal  manera,  que  la   nueva   pintura,   por   el   empleo   de   formas   “neutras”   o   universales,   se  expresa  solo  por  las  relaciones  de  líneas  y  color.    Mientras  en  el  arte  del  pasado  estas  relaciones  están  veladas  por  la  forma  particular,  en  el  nuevo  arte  se  ponen  de  manifiesto  gracias  al  uso  de  formas  neutras  o  universales.    Y   como   tales   formas   son   tanto  más   neutras   cuanto  más   se   acercan   a   un  estado  de  universalidad,  el  neoplasticismo  usa  solo  una  forma  neutra  única:  el  área  rectangular  en  varias  dimensiones.  

 •   El  árbol  rojo.  Es  una  pintura  expresionista  de  colores  fauvistas.  La  representación  

se  centra  en  la  vida  del  árbol  y  la  hierba  que  brota  a  su  alrededor.    

•   El  árbol  gris.  El  árbol  comienza  a  estar  encerrado  en  el  espacio.    

•   Composición  en  rojo,  amarillo  y  azul.    

•   Broadway  Bugui  Bugui.      

11.6.2.  ¿Cuál  ha  sido  su  importancia  hasta  nuestros  días?    Mondrian  fue  uno  de  los  artistas  que  influyó  en  todos  los  terrenos  del  diseño  del  siglo  XX.