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Universidad de Alcalá de Henares Óscar Navajas Corral Universidad Mayores Dr. Historia y Museología
Grado en Humanidades Historia del Arte Contemporáneo 1
10. VANGUARDIAS HISTÓRICAS (1905-‐1939)
Expresionismo, Fauvismo, Cubismo y Futurismo.
10.1. Línea temporal
10.2. ¿En qué contexto se produjo? En el siglo XX han cambiado más cosas y de modo más rápido que en épocas anteriores, y estos cambios se reflejaron en el arte. Estos cuarenta años de historia cambiaron el mundo y construyeron los nuevos modos de representar la realidad. La sucesión de ismos o tendencias artísticas de vanguardia fue vertiginosa. El arte tradicional quedó reducido a cenizas. Pero a pesar del aluvión de vanguardias y aunque la modernidad ganó la batalla a la tradición, esta no desapareció durante todo el siglo. El academicismo fue un reducto que no desapareció y hubo formas de un clasicismo autoritario que se desarrollaron en los regímenes totalitarios. Claves:
• Vanguardia. El término vanguardia hace referencia al sentido de avanzadilla, yendo por delante y rompiendo con el resto de manifestaciones de su momento.
1900 1910 1920 1930 1940 1950 1960 1970
CUBISMO1(190731914)
PINTURA1METAFÍSICA1(192031930)
DADAISMO1(191631924)
SUPREMATISMO1(191531925)
FUTURISMO1(190931930)
Escuela1de1París(191531940)1
PINTURA1METAFÍSICA1(192031930)
NEOPLASTICISMO1(191531925)
CONSTRUCTIVISMO1(191431930)
ARTE1ABSTRACTO1(191031950)
SIGLO1XX1945
POSTMODERNIDADMODERNIDADFAUVISMO1(19053
1908)
SURREALISMO1(192431966)
EXPRESIONISMO1(190531914)
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• Multiplicidad. La vorágine de «tendencias», el espíritu de vanguardia, propició numerosos tipos de arte que se superponían, interconectaban o distanciaban teórica y estéticamente.
• Complejidad. «Para disfrutar el arte del siglo XX, generalmente hay que
trabajarlo» (Lambert, 1985: 8). El arte del siglo XX es complicado apreciarlo y entenderlo si no se analiza junto con los cambios que se experimentaron en esos mismos años en el resto de la vida social, cultural, económica e intelectual.
• Aceleración. La idea de tiempo y espacio estaban cambiando, y no solo desde el
punto de vista teórico (física y matemática).
• Actitud. Actitud común de rechazo y negación de la tradición como modelo. Esta actitud es la que marcó el arte moderno.
• Ruptura. «Detrás de lo que vemos hay algo más». Se vivió una ruptura con la
jerarquía de las artes y con el sistema tradicional.
• Simplicidad. «Con menos apariencia puede lograrse una mayor autenticidad». • Intencionalidad. Una vanguardia es intencionalidad, rebeldía, cambio, etc.
• Manifiesto. El sentimiento de grupo. Exponían juntos, escribían y teorizaban
como si hubiera una única voz.
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10.3. Fauvismo (1905-‐1908).
Su nombre se debe al crítico Vauxcelles el que, en la exposición del Salón de París de 1905, afirmó que la escultura representaba a «Donatello chez les fauves». El fauvismo tomará numerosos elementos del Postimpresionismo. Los colores estridentes, los campos de color, la mancha, la subjetividad, la expresividad por medio del color. El fauvismo no querra expresar la realidad sino su realidad, la expresión de lo sentimientos. Gauguin, Cézanne o el Puntillismo estarán presentes igualmente en este movimiento.
10.3.1. ¿Quiénes fueron sus máximos exponentes?
Henri Matisse (1869-‐1954). Estilo vitalista y ornamental (representa lo decorativo de una forma estilizada). Su obra muestra la confianza en el ser humano, en lo vital. En su
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obra también será importante el collage y los colores fuertes, irreales, estridentes con fondo ornamental y/o decorativo. Pero Matisse también fue un teórico. En 1908 publica sus Notas de un pintor donde dice qué lo que le interesa es la expresión, entendiendo esta como un sentimiento expresado en un ambiente, en una cara, etc.
Henri Matisse. Notas de un pintor (1908). «Lo que persigo por encima de todo es la expresión. (…) La expresión, para mí, no reside en la pasión que aparecerá en un rostro o que se afirmará por un movimiento violento. Consiste en la disposición de mi cuadro: el lugar que ocupan los cuadros, los vacíos entorno a ellos, las proporciones, todas estas cosas tienen un significado. La composición es el arte de combinar de manera decorativa los diversos elementos con los que el pintor cuenta para expresar sus sentimientos. En un cuadro, cada parte será visible y jugará el papel que le corresponda, principal o secundaria. Todo lo que no tenga utilidad en el cuadro será, por eso mismo, nocivo. Una obra comporta una armonía de conjunto: todo detalle superfluo ocupará, en el espíritu del contemplador, el lugar de otro detalle esencial».
• Retrato con raya verde. Retrato de su mujer.
• Interior rojo (1909). Usa la mancha. Ausencia de profundidad.
Bidimensionalidad.
• Joven de la gorra. Ausencia de profundidad, estridencia del color, esquematización de los rasgos.
• Lujo, calma y voluptuosidad (1904).
. • La alegría de vivir (1906).
• La danza (1909).
• Desnudo en azul (1952)
Henri Matisse. Notas de un pintor (1908). «Sueño con un arte equilibrado, puro, tranquilizador, sin temas inquietantes ni turbadores, que sirva para cualquier trabajador, intelectual, hombre de negocios o artista, como lenitivo, como calmante cerebral, como una especie de buen sillón que le relaje de sus fatigas físicas».
André Derain (1880-‐1854). Su obra se caracteriza por las vistas de Londres, del Támesis. Escenas que recuerdan a Monet pero con un color diferente. Realizó trajes y decorados para Ballets rusos.
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• Matisse. Parte de la obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh. Brillantez. Expresa un sentimiento interior por medio de un color.
• Puente de Charing Cross llamado también Puente de Wesminter (1905). Libertad
de trazo, color subjetivo y expresionista que impactó. Dispone el color en manchas como Signac.
Maurice Vlaminck (1876-‐1958). Es uno de los personajes prototipos de las vanguardias históricas. Autodidacta, se vanagloriaba de no haber ido nunca a un museo, ni tener estudio, y criticaba con dureza a los académicos.
M. Vlaminck. Carta prefacio (1923). «Nunca voy a los museos. huyo de su olor, su monotonía y su seriedad. Vuelvo a ver en ellos la furia de mi padre cuando yo hacía novillos en la escuela. Intento pintar con mi corazón y mis hígados, sin preocuparme por el estilo».
• Restaurante en Marly-‐Le-‐Roi (1906). Pincelada restreagada.
• El Sena. Obra tardía que evoluciona hacia el cubismo. Interrelación entre
cubismo y fauvismo.
Georges Rouault (1871-‐1958). Su obra se divide en temas religiosos y en temas de personas de las clases más desfavorecidas: payasos, prostitutas, bohemios, etc. Se formó con uno de los simbolistas, Moreau. Colores tristes, formas desechas, atención a los temas dramáticos. Muchas de sus obras están concebidas como si estuvieran vistas a través de cristales. Son como vidrieras y dan sensación de pesadez. En vida fue uno de los artistas más cotizados. Rouault será esencial para el cambio hacia el expresionismo, donde destaca lo amargo, lo feo, etc.
• Ante el espejo 1906.
• Odalisca 1906. Cuerpos feos, rostros desolados. Lo principal es lo feo.
• ¿Quien no se maquilla? 1930. Retrato de desamparo, de soledad, la tristeza.
• Cristo ultrajado 1932.
• El viejo rey 1937. La pintura se entiende como si fuera una vidriera. Vuelve a la pintura medieval.
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10.4. Expresionismo (1905 y 1911-‐1912).
En el momento del Fauvismo surgió en Alemania una tendencia basada también en la exaltación del color, aunque con postulados formales e ideológicos diferentes. Y es que con el Expresionismo alemán se introdujo una actitud que será muy repetida en el siglo XX: la de afrontar el arte como una postura particular ante la vida, como una proyección de un estado de ánimo. Por ello frente a la figura del pintor-‐pintor, con los expresionistas surgieron intentos de integración de diversas artes como la música, la poesía, el teatro o el cine. Dos grupos: Die Brücke y Der Blaue Reiter que desean crear algo nuevo. Fundamentalmente surge de una clase social, la clase cercana al pueblo. Estará influenciado por el existencialismo de Nietzsche. El modernismo de artistas como Munch será fundamental, así como los simbolistas.
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Die Brüke (El Puente) (1905). Movimiento que surge en Dresde bajo la figura de artistas (casi todos estudiantes de arquitectura) como Emil Nolde, Ludwing Kirchner y Otto Muller. Estará muy relacionado con la pintura fauvista. La denominación de El Puente es porque ellos pretendían convertirse en el puente hacia el cambio, ser una vía para la evolución en el arte. Kirchner en su manifiesto apelará a la libertad en la vida, la movilización con respecto a las viejas formas, la exteriorización de los sentimientos. Es un movimiento a contracorriente que rendirá culto a lo feo.
Karl Schmidt. Carta a Emil Nolde (1906). «”El Puente” es atraer hacia sí a todos los elementos revolucionarios en ebullición. Esto es lo que significa el nombre “El Puente”».
Desde un punto de vista artístico, adoraban la escultura de los primitivos de África y Oceanía, los antiguos grabados alemanes, y entre los contemporáneos, a Van Gogh. Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) (1911-‐912). Grupo formado fundamentalmente por Franc Marc y Wassily Kandinsky. Surge en Alemania, en Munich, con aportaciones del fauvismo y de El Puente, aunque el Jinete Azul será un movimiento menos autodidacta que El Puente y más académico. Su arte no tendrá una preocupación social. Se reúnen para exponer juntos y buscar la espiritualidad del color, algo que les llevará a la abstracción. Revalorizan la pintura de los niños por su componente naif, ingenuista, y a los pintores Postimpresionistas, sobre todo Van Gogh, Gauguin y Rousseau (El Aduanero).
10.4.1. ¿Quiénes fueron sus máximos exponentes? Emil Nolde (1867-‐1956). Se aprecia una relación con Rouault, su color brillante y su agresividad al poner la mancha. En Nolde la temática religiosa es fundamental. La diferencia con el autor francés son esos colores brillantes, es más colorista. Para Nolde el arte tenía que cambiar el orden establecido.
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• En el jardín (1906). Conocimiento del fauvismo. La pincelada está cerca de Roualt, pero su color es diferente.
• Pentecostes. Rostros restregados, utilizaba los dedos para pintar. Es un
antecedente del informalismo.
• Máscaras.
• Crucifixión. Cloisionismo, cuerpo deformado, expresa mucho.
Ernst Ludwig Kirchner Piper (1880-‐1938). Es el típico personaje romántico: desequilibrado, que se identifica con las desgracias externas, recoge obras de la Edad Media, el Romanticismo, etc. Artista atormentado. Obsesionado con las mujeres, que en su obra no se sabes si son prostitutas, amantes o modelos.
• La calle. Sensación de angustia, inquietud. El ojo no descansa en todo el cuadro, no hay relación entre las figuras, están apelotonadas. Cuerpos deformes. Recreación en la forma fea. El tema se apretuja en el lienzo, no hay lugar para que la vista descanse. Agobio.
• Puente de berlín.
• Mujer ante un Espejo (1912). Encuentra otra fuente, el primitivismo, la escultura
primitiva africana. El espejo se cae, falta fondo, crea su propia perspectiva.
• Autoretrato. Planismo, colores estridentes, disposición de las formas.
• La habtación.
Franc Marc (1880-‐1916). En 1910, hizo amistad con los pintores August Macke y Wassily Kandinsky, con quienes fundó el movimiento artístico Der Blaue Reiter. Estando en Baviera se alistó como voluntario para luchar en la Primera Guerra Mundial. Murió luchando en la Batalla de Verdún a la edad de 36 años. Es conocido por sus retratos de animales de su periodo expresionista que se caracterizan por la brillantez de sus colores primarios, la fuerza vital de la naturaleza y un profundo sentido de emoción; usando para ello colores significativos: azul para la austeridad masculina y lo espiritual, amarillo para la alegría femenina y el rojo para la violencia.
Franz Marc. «Mis metas no están en la línea de una pintura especial de animales. Busco un estilo bueno, puro y claro, en el que se recoja completamente al menos una parte de lo que los pintores modernos me tengan que decir. Yo… intento sentir de modo panteísta el temblor y el bullir del a sangre en la naturaleza, en los árboles, en los animales, en el aire… Para mí no existe ningún medio más feliz para la ‘animalización del arte’ que el cuadro de animales. Por ello recurro a ellos. En un van Gogh o un Signac, todo se ha convertido en animal,
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el aire, incluso la barcaza que descansa sobre el agua, y sobre todo la pintura misma. Estos cuadros ya no tienen ninguna similitud con lo que anteriormente se llamaba ‘cuadros’».
• Caballos. Estudio anatómico. Interés por plasmar sus comportamientos, sus
inquietudes.
• Vaca en el campo.
• Retrato de caballo
• tigre
• Los corzos. Reducidos a figuras geométricas. Wassily Kandinsky (1866-‐1944). Máximo representante del Jinete Azul. Tendrá una evolución de lo material a lo espiritual. Esto lo conseguirá con la música y con el color. Su pintura se irá desprendiendo poco a poco de la forma por medio del color para llegar a las formas abstractas. Kandinsky no solo será pintor, sino también profesor (Bauhaus) y teórico. En 1905 viajo a Munich y se ientificó con Judgstyle. Entre 1908-‐1909 pinta paisajes en Murnau donde se evidencia su gusto por el color lo que le llevará a desprenderse poco a poco de las formas y llegar a la abstracción. Esto le llevará a escribir De lo espiritual en el arte:
«el color son las teclas, el alma las cuerdas, el pintor el que toca las teclas. Según se tocan las teclas el alma vibra».
El otro libro fundamental será Punto y línea sobre el plano (1926), donde justifica la evolución de su pintura, basada ahora en formas geométricas. Es un análisis de la pintura más objetivo. Toda forma la generan líneas, y toda línea parte de un punto. Esta evolución y esta obra estará influenciado con su etapa como profesor en la Bauhaus.
• Ciudad antigua.
• Paisaje de Murnau
• Paisaje de Murnau (1908). Entre el Impresionismo y el Postimpresionismo.
• Composición (1911). Abstracción. De lo espiritual en el arte.
• Iglesia de Murnau
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10.5. Cubismo (1907-‐1914)
Durante décadas los artistas habían intentado resolver el problema de la representación del mundo tridimensional sobre una superficie plana de un lienzo o una tabla. En el siglo XV los artistas representaban la realidad bajo las reglas de la perspectiva, donde lo que está ubicado en un primer plano es más grande que lo que está situado en la lejanía. Este proceso de ilusión se perfecciono hasta que en el siglo XIX, Cézanne, experimentó la relación del espacio por medio de la descomposición de los elementos en figuras geométricas, intentando captar múltiples puntos de vista, no uno único que es lo que limitaba la perspectiva tradicional. Más delante serían Picasso y Braque quienes plantearon la destrucción del sistema de representación tradicional. A esto se unió el interés creciente sobre el arte africano, oceánico y las pinturas rupestres. El Museo Etnográfico (Trocadero) de París realizó algunas de estas exposiciones que fueron visitada por la mayoría de los artísticas denominados «de vanguardia».
G. Apollinaire. Los pintores cubistas (1913). «Lo que distingue al cubismo de la antigua pintura se basa en que no es un arte de imitación, sino un arte de concepción que intenta elevarse hasta la creación».
El cubismo tradicionalmente posee dos etapas: cubismo analítico y cubismo sintéticos, pero se han querido ver tres etapas:
1. Pre-‐cubismo (1907-‐1909). El trabajo se produce bajo la influencia de Cézanne.
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2. Cubismo analítico (1909-‐1911). El tema de la obra apenas tiene importancia. el color también deja de tener la importancia de antes, sobre todo, no debe suponer una distracción. La paleta se oscurece y predominan los grises, ocres, colores tierras, negros, etc., colores con escaso poder de «estimulación». La idea consiste en poder observar un elemento, un objeto, algo, desde todos sus lados posibles en una representación bidimensional.
3. Cubismo sintético o collage (1911-‐1916). Es la concreción y simplificación de la
representación.
Pablo Picasso. Opiniones sobre el cubismo (1923-‐1960). «El cubismo no es diferente de las restantes escuelas de pintura. Los mismos principios y elementos son comunes a todas ellas. El hecho de que durante mucho tiempo el cubismo no haya sido comprendido y aún hoy haya gente que no vea nada en él, no significa nada. Yo no entiendo inglés, y por tanto un libro en inglés es para mí un libro en blanco. Eso no significa que el idioma inglés no exista».
10.5.1. ¿Quiénes fueron sus máximos exponentes?
Pablo Picasso (1881-‐1973)
• La obra que da comienzo a este movimiento es Las señoritas de Aviñón (1907). Obra que dejó perplejos a los pocos colegas e íntimos que, en su momento, pudieron contemplarla. Fue una de las primeras obras en explorar no solo el espacio, sino la vuelta a nuestro pasado «prehistórico» o «primitivo».
• Fabrica de Horta de San Juan
• Retrato de Volard
Georges Braques (1882-‐1963). A partir de 1908 comienza a romper con la visión clásica, utilizando cada vez más formas geométricas principalmente para naturalezas muertas.
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• Casa en el estanque. Fue prácticamente la segunda obra cubista. Construyó formas con el color, iluminando cada una por separado otorgándoles individualidad.
• Naturaleza muerta con mandolina
• Portugués tocando la mandolina
Juan Gris (1887-‐1927). Comenzó como ilustrador de publicaciones como Blanco y Negro y Madrid Cómico. Su estilo en estos años recuerda a Toulouse-‐Lautrec y los pintores modernistas catalanes. En 1912 Juan Gris da el salto al cubismo. Juan Gris se mantuvo fiel al cubismo en una clave más colorista.
• Retrato de Picasso.
• Retrato de Jossette.
• Hombre fumando. Cubismo Órfico (1910-‐1914). El Orfismo o cubismo órfico es el nombre dado en 1913 por el poeta Guillaume Apollinaire a la tendencia colorista y abstracta del cubismo que exalta el color y la luz. Robert Delaunay (1885-‐1941).
• Mujer Portuguesa. Sonia Delaunay (1885-‐1979).
• Prismas eléctricos.
10.5.2. ¿Cuál ha sido su importancia hasta nuestros días? Las consecuencias históricas de la obra de Picasso y Braque fueron de gran importancia. en unos pocos años habían roto con todos los tabús y tradiciones del arte occidental, ofreciendo, la libertad y la inseguridad de pintar sin normas.
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10.6. El Futurismo (1909-‐1930)
Moviendo que abarcó todas las facetas de la vida. Se proclamaban: belicistas, derechista, antifeminista, amantes de la velocidad y del progreso mecánico, los materiales industriales, etc. Utilizaron el cubismo para otorgar movimiento y velocidad a sus obras.
10.6.1. ¿Cómo reconocer este estilo?
• Dinamismo. Captar el movimiento y la velocidad.
• Distintos estados de una figura en movimiento.
• Líneas definidas y colores planos e uniformes.
• El Futurismo fue uno de los movimientos que mejor ejemplificó la liberación de la perspectiva, ahora ella estaba al servició de los artistas.
10.6.2. ¿Quiénes fueron sus máximos exponentes?
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Umberto Boccioni (1882-‐1916). Teórico del movimiento. Intenta representar los estados anímicos y el movimiento. Entre sus obras destacan:
• Dinamismo de un ciclista.
• La ciudad que crece.
• Carga de lanceros. Giacomo Balla (1871-‐1957). Es el más fiel representante del futurismo. Investigó los problemas de la luz y el color.
• Dinamismo – Perro con correa. Carlo Carrá (1881-‐1966). Fascinado por la tecnología y los espectáculos nocturnos.
• Caballo y jinete.
10.6.3. ¿Cuál ha sido su importancia hasta nuestros días? Si el Cubismo había «acostumbrado» a ver objetos distorsionados, el futurismo nos presentaba seres animados como si fueran máquinas en movimiento. El Futurismo fue uno de los primeros movimientos, posteriormente lo harán el Dadaísmo, Surrealismo, Suprematismo, etc., que tendrán un compromiso social y político. Su arte estaba pensado para una sociedad, para un proyecto para la humanidad.
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11. DADISMO Y SURREALIMO
11.1. Dadaismo (1917-‐1924)
Tristán Tzara. Manifiesto Dadaísta (1918). «Todo producto del asco susceptible de convertirse en una negación de la familia, es dada; protesta con todas las fuerzas del ser en acción destructiva: DADA; conocimiento de todos los medios hasta ahora rechazados por el sexo púdico del compromiso cómodo y la cortesía: DADA; abolición de la lógica, danza de los impotentes de la creación: DADA; de toda jerarquía y ecuación social instalada para los valores por nuestros lacayos: DADA; cada objeto, todos los objetos, los sentimientos y las oscuridades, las apariciones y el choque preciso de las líneas paralelas, son medios para el combate DADA; abolición de la memoria: DADA; abolición de la arqueología: DADA; abolición de los profetas: DADA; abolición del futuro: DADA; creencia absoluta indiscutible en cada dios producto inmediato de la espontaneidad: DADA; salto elegante y sin perjuicio de una armonía a la otra esfera; trayectoria de una palabra lanzada como un disco sonoro grito; respetar todas las individualidades en su locura del momento: seria, temerosa, tímida, ardiente, vigorosa, decidida, entusiasta; pelar su iglesia de todo accesorio inútil y pesado; escupir como una cascada luminosa el pensamiento chocante o amoroso, o mimarlo -‐con la viva satisfacción de que da igual-‐ con la misma intensidad en el zarzal, puro de insectos para la sangre bien nacida, y dorada de cuerpos de arcángeles, de su alma. Libertad: DADA DADA DADA, aullido de los dolores crispados, entrelazamiento de los contrarios y de todas las contradicciones, de los grotescos, de las inconsecuencias: LA VIDA».
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Fue un movimiento caracterizado por una actitud y por la acción. Escándalo como arma de desarrollo cultural y protesta social. Actitud nihilista y violenta en sus planteamientos. Pretendían destruir los diversos modos de arte establecido. Se burlaban de los objetos que habían sido venerados durante siglos. Cogían objetos de uso cotidiano y los exponían presentándolos como objetos artísticos, los denominados Ready-‐Made.
11.1.1. ¿Quiénes fueron sus máximos exponentes?
Marcel Duchamp (1887-‐1968).
• La fuente.
• Rueda de bicicleta. «Disfruto mirándolas», afirmó. «Tanto como disfruto ver las llamas danzando».
• L.H.O.O.Q. Es homófono en francés de la frase «Elle a chaud au cul».
Jean Arp (1887-‐1966)..
• Retrato de Tristán Tzara, Deposición de pájaros y mariposas (1916 ) Francis-‐Marie Picabia (1879-‐1953).
• Máquina amorosa.
11.1.2. ¿Cuál ha sido su importancia hasta nuestros días? Dada consiguió provocar el escándolo y consiguió, también, que el público mirase de forma distintas las imágenes artísticas. Las obras Dadá obligaban al observador a poner en tela de juicio las realidades aceptadas y a reconocer el papel del azar y de la imaginación. El Dadaísmo cayó en el nihilismo, pero en su agotamiento fue sucedido y, por tanto, su base conceptual, por el Surrealismo. De hecho muchos de sus militantes se harían surrealistas.
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11.2. Surrealismo (1924-‐1966)
El surrealismo surgió de la Pintura Metafísica y del Dadaísmo. Al surrealismo le interesó ir un paso más allá, explorar e ilustrar la mente inconsciente más que destruir el arte establecido. El punto de vista racional y científico había ocupado demasiado tiempo el primer plano, pretendían liberar la imaginación y que la gente tomara conciencia de su aspecto poético. Manifiesto Surrealista en París (1924):
«puro automatismo psíquico por el cual se intenta expresar bien verbalmente o por escrito la verdadera función del pensamiento. Dictado verdadero en ausencia de todo control ejercido por la razón, y fuera de toda preocupación estética o moral».
Nace como respuesta al nihilismo en el que había caído el dadaísmo. Trata de plasmar el mundo de los sueños, de los fenómenos subconscientes soterrados por la conciencia. Su arma teórica serán las teorías de Freud. También fue un movimiento revolucionario que aspiró a cambiar la vida, transformar las relaciones del ser humano consigo mismo y con los demás. Sus teorías aquí partirán de Marx.
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11.2.1 ¿Quiénes fueron sus máximos exponentes?
Max Ernst (1891-‐1976). Figura importante del movimiento Dadá y considerado el artista más importante del surrealismo.
• Bosque y sol. René Magritte (1898-‐1967). Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.
• Intentando lo posible.
• El dominio de Arheim.
• El espejo falso. Raymond Georges Yves Tanguy (1900–1955). Joan Miró. Su preocupación por lo onírico tendería a la utilización de pocos colores (rojo, azul, amarillo y negro), característica fundamental de su producción posterior.
• La Masia.
• Cartel durante la Guerra Civil Española.
• Interior holandés.
• Nocturno Óscar Domínguez (1906–1957). Fue el creador de los más fascinantes objetos surrealistas. La iconografía de sus cuadros alude frecuentemente a volcanes, grutas y la vegetación típica de las islas canarias.
• Máquina de coser electrosexual.
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13. La abstracción en el arte de vanguardia
11.3. Arte abstracto (1910)
«El hombre crea la exteriorización de sus pensamientos por medio de la palabra. ¿Por qué no habría de crear en pintura y en escultura con independencia de las formas y de los colores que le rodean esa misma realidad?»
Piet Mondrian. Arte plástico y arte plástico puro (1937). «El arte no figurativo muestra que el “arte” no es la expresión de la apariencia real tal como la vemos, ni de la vida que vivimos, sino que es la expresión de la verdadera realidad y de la verdadera vida»
Parte de la confusión entre figurativismo y abstracción vino de los títulos que los artistas abstractos daban a sus obras, con los que irónicamente proporcionaban una pista falsa a un espectador que, engañado, trataba en vano de buscar una representación que no existe.
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11.3.1. ¿Quiénes fueron sus máximos exponentes?
Vasily Kandisnky (1866-‐1944).
• Jinete.
• Batalla. Es un «paisaje» de sensaciones.
• Arco negro.
• Composición VII.
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11.4. Constructivismo (1920-‐1940)
Este movimiento se desarrolló en un primer momento sobre escultura, ya que, en vez de hacer esculturas tradicionales, por medio del acero realizaban piezas separadas y posteriormente realizaban construcciones. Pensaban que los artistas debían estar continuamente descubriendo formas nuevas, porque la vida misma está en continuo cambio. Este movimiento fue una explosión visual de formas y vacíos. Entre las características de estilo:
• Uso de los colores naranja, rojo, azul, amarillo, negro y blanco.
• Constante alusión a elementos modernos que simbolizan el progreso, las estructuras geométricas y las formas pesadas.
• La obra de arte está en comunicación con el espacio que la circunda.
• Hace hincapié en lo abstracto, relacionado con la industria y la técnica, y es
geométrico y funcional.
• Manifestaba su rechazo al arte burgués.
11.4.1. ¿Quiénes fueron sus máximos exponentes? Vladímir Yevgráfovich Tatlin (1885-‐1953). Abarcó múltiples facetas: escultura, pintura, proyectos arquitectónicos, objetos inventados, de diseño, y decorados teatrales. Durante su estancia en París, conoció a Picasso y pasó por varios movimientos artísticos. Quiso materializar el arte con montajes, y promover la muerte del arte de museo: «la Obra debe participar en la vida y en la construcción del mundo». Dirigió los Talleres Superiores Artísticos y Técnicos del Estado, una de las primeras escuelas de Diseño en el mundo instalada en Rusia hasta el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Diseñó también el Letatlin (letat significa volar en ruso), aparato volador sin motor de uso individual que permitiría a los ciudadanos soviéticos desplazarse sin crear contaminación y de manera natural.
11.4.2. ¿Cuál ha sido su importancia hasta nuestros días?
Tanto para los constructivistas, como para cualquier tendencia abstracta el mundo que tenían delante no era en absoluto real, sino la forma exterior o la proyección casual del «mundo real»
Universidad de Alcalá de Henares Óscar Navajas Corral Universidad Mayores Dr. Historia y Museología
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11.5. Suprematismo (1913-‐1923) En 1914, cuando Kandisnky regresó a Rusia, pintores como Larionov y Gontcharova había estado pintando de forma abstracta desde 1911, bajo un movimiento llamado Rayonismo, muy influenciado por el cubismo y la pintura futurista, y que se basaba en las relaciones que determinan haces de colores paralelos y convergentes.
Kasimir Malevich. Manifiesto del Suprematismo (1926). Por suprematismo entiendo la supremacía de la sensibilidad pura en las artes figurativas. Los fenómenos de la naturaleza objetiva en sí misma, desde el punto de vista de los suprematistas carecen de significado; en realidad, la sensibilidad como tal es totalmente independiente del ambiente en que surgió. El naturalismo académico, el naturalismo de los impresionistas, el cézannismo, el cubismo, etc…, en cierta medida, no son nada más que métodos dialécticos que, por si mismos, no determinan en absoluto el valor especifico de la obra de arte. Una representación objetiva en si misma (es decir, lo objetivo como único fin de la representación) es algo que nada tiene que ver con el arte. El artista se ha desembarazado de todo lo que determinaba la estructura objetivo-‐ideal de la vida y del arte: se ha liberado de las ideas, los conceptos y las representaciones, para escuchar solamente la pura sensibilidad.
11.5.1. ¿Quiénes fueron sus máximos exponentes?
Kazimir Severínovich Malévich, (1878-‐1935).
• Cuadro negro sobre fondo blanco. Primera manifestación suprematista
• Composición blanco sobre blanco
11.5.2. ¿Cuál ha sido su importancia hasta nuestros días? El suprematismo fue uno de los principales logros de la abstracción. Aunque no tuvo muchos seguidores en Rusia, ejerció una gran influencia en el desarrollo del arte y el diseño de Occidente y en la Bauhaus.
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11.6. Neoplasticismo (1912-‐1918) El Neoplasticismo se inició en 1917 de la mano de Piet Mondrian. Se le llegó a llamar constructivismo holandés, por su paralelismo con el soviético. Sus raíces están en el cubismo, dadaísmo y la teosofía, reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del cual las formas se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores al negro, el blanco, el gris y los tres primarios.
11.6.1. ¿Quiénes fueron sus máximos exponentes? Piet Mondrian (1872-‐1944).
Piet Mondrian. Neoplasticismo (1932). «Toda pintura –la del pasado como la del presente– nos muestra que sus medios plásticos son solamente la línea y el color. El nuevo arte ha continuado y perfeccionado el antiguo de tal manera, que la nueva pintura, por el empleo de formas “neutras” o universales, se expresa solo por las relaciones de líneas y color. Mientras en el arte del pasado estas relaciones están veladas por la forma particular, en el nuevo arte se ponen de manifiesto gracias al uso de formas neutras o universales. Y como tales formas son tanto más neutras cuanto más se acercan a un estado de universalidad, el neoplasticismo usa solo una forma neutra única: el área rectangular en varias dimensiones.
• El árbol rojo. Es una pintura expresionista de colores fauvistas. La representación
se centra en la vida del árbol y la hierba que brota a su alrededor.
• El árbol gris. El árbol comienza a estar encerrado en el espacio.
• Composición en rojo, amarillo y azul.
• Broadway Bugui Bugui.
11.6.2. ¿Cuál ha sido su importancia hasta nuestros días? Mondrian fue uno de los artistas que influyó en todos los terrenos del diseño del siglo XX.