Ayuntamiento de AlbaceteConcejalía de Cultura

Edita: Cultural AlbaceteDirector Gerente: Ricardo Beléndez

Redacción: Juan Ángel FernándezIlustración: www.cartel-arte.com

Diseño y maquetación: www.cartel-arte.comFotografía: Agencias

Impresión: Grupo Gráficas Campollano

: Taquillas del Teatro Circo: de lunes a viernes de 10,00 a 13,00 horas: Televenta CCM 902 40 59 02: Internet: www.ccm.es (24 horas)

: 10 días antes del día de cada espectáculo(salvo abonos y otras indicaciones)

: El día del espectáculo las entradas se podrán adquirir 2 horas antes en las taquillas del teatro.

: Información de taquillas y reserva de grupos 967 19 36 30

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www.teatro-circo.com

VENTA ANTICIPADA DE ENTRADAS

entidades consorciadas

club de empresas patrocinadoras

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díaEl reló producciones

Ópera Estatal de Bulgaria

Teatro El Cruce

Ballet de la Ópera de El Cairo

La Zaranda

Premios Anuales de la Asociación Amigos del Teatro

FRASKITO

ARA MALIKIAN

EL EXTRAÑO VIAJE

AIDA

LA FIESTA DE LOS JUECES

ZORBA EL GRIEGO

FUTUROS DIFUNTOS

GALA AMITE

TIERRA Y SANGRE

MIS PRIMERAS CUATRO ESTACIONES

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Dirigido por el albaceteño Gabriel Olivares, el objetivo es poner en escena esta obra maestra del cine español. La película, ignorada y censurada en su día, es hoy considerada como uno de los mayores logros del arte cinematográfico nacional.

Aída es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto de Antonio Ghislanzoni, una obra espectacular, de gran despliegue escénico (grandes coros y escenas, efectos especiales, etc.) y una de las óperas más populares del compositor.

Un imaginario fin de fiesta de un acto institucional de la Judicatura, llevado a cabo por algunos de nuestros más mediáticos magistrados. Con Santiago Ramos como gran protagonista.

La música refleja los acontecimientos dramáticos y emotivos de la vida de Zorba, su amor por la vida y la libertad, y su carácter obstinado. Espectáculo coral de ballet de Lorca Massine que consta de dos actos y veintidós escenas.

La trama está atravesada por imágenes que remiten a buena parte de la historia de la pintura espa-ñola. Eso viene a ser, en definitiva, Futuros Difuntos. Una pura delicia visual, el estilo inigualable de una compañía célebre: La Zaranda.

Premios anuales de la Asociación Amigos del Teatro a Lola Herrera y a la Asociación Ciudadanos por la Defensa del Patrimonio de Salamanca. Actuación de la Banda Sinfónica Municipal de Albacete y estrellas del Ballet Nacional.

El trabajo discográfico de Francisco Rodríguez, Fraskito, condensa en partituras musicales flamen-cas las grandes referencias que inspiran la poesía de Miguel: El amor, la muerte, la vida, la pertenen-cia a la tierra y el compromiso social con el pueblo.

El músico y la directora de escena, Marisol Rozo, aprovechan la ocasión para hacer una alegre recreación de la gran obra de Antonio Vivaldi. El trabajo se ha desarrollado como una narración musical y textual.

PROGRAMACIÓN

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varios horarios

Teatro La Guilandera

Encuentros en la Sala Pepe Isbert

Arte Fusión Títeres

Juanjo Seoane

Ópera 2001

Neodans

Txalo Producciones

Encuentros en la Sala Pepe Isbert

J.M Gestión Teatral

Moon Workld Records

Andrea D`Orico

Ballet de la Ópera Nacional de Kiev

Stage Entertaiment

JOE LOVANO

LA ÚLTIMA CENA

FARY NO MORE

CUENTOS DE AQUÍ Y DE ALLÁ

THE ORIGINAL GLENN MILLER ORCHESTRA

EL PISITO

CAVALLERÍA RUSTICANA/LA VIDA BREVE

SOLODOS

TRAMPA MORTAL

FREEDONIA

II FESTIVAL INTERNACIONAL DE TANGO

UHHHH!

QUEEN SYMPHONIC RAPSODY

TANTAS VOCES

SHEREZADE

BANDA DEL REAL CONSERVATORIO PROFESIONAL DE MÚSICA

CHICAGO

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Downbeat, la revista más prestigiosa de jazz de Estados Unidos, le ha otorgado los premios de Mejor Artista de Jazz, Mejor Saxofonista y Mejor Grupo de Jazz del año 2009. Pasa por ser la gran estrella actual del be-bop.

A los sesenta años de edad, Íñigo se define a sí mismo como un intelectual comprometido que ha fracasado en sus intentos por alcanzar viejas utopías. Su hijo, activista de la lucha armada, le visita en la casa familiar.

Fary No More, no es sino una réplica del sonido apabullante que ofrecían los célebres Faith No More de los noventa. Los albaceteños nacieron como réplica fraternal.

Dos historias llenas de ternura que nos enseñan a valorar nuestra identidad, incluso dentro de la soledad, como punto de partida para encontrar nuestra libertad y demuestra que la diversidad nos ayuda a disfrutar.

Es una de las más populares big bands. Con una amplia trayectoria e infinidad de actuaciones, la formación lleva por todo el mundo la música de Glenn Miller y el mejor sonido del jazz.

Pedro Olea, su director, vuelve a brillar en una de sus principales características: la opresión del individuo bajo las fuerzas sociales. Basada en la obra del gran Rafael Azcona ya llevada al cine por Marco Ferreri.

Confluyen en un mismo acto de espectaculares dimensiones dos obras de contenido diverso, pero con dema-siados puntos en común. Las dos ganaron un primer concurso que abrió puertas a sus autores.

Cuatro piezas de danza independientes entre sí, pequeños relatos bailados por tan sólo dos personas. Maruxa Salas y Erick Jiménez.

Comedia policiaca que, con intriga, suspense y humor negro, narra cómo un escritor “en horas bajas” planea matar a un antiguo alumno para apropiarse de una novela y hacerla suya.

Grupo albaceteño que integra la campaña de promoción organizada por el Centro de Juventud con nuestros jóvenes artistas. Rock de medios tiempos con cierto carácter intimista.

Albacete recibe nuevamente al Tango, luego de ser declarado el 30 de septiembre de 2009 Patrimonio Cultu-ral de la Humanidad por las Naciones Unidas a través de la Unesco.

Un espectáculo que tiene como eje básico los miedos de los niños. Con la ayuda de Marga, una niña de 7 años que tiembla cada vez que ha de ir sola a dormir, repasa los diversos miedos a los que todos los niños y niñas se enfrentan.

Un espectáculo donde se necesitan los cinco sentidos para entender que, después de Queen no ha existi-do nada igual. Es el encuentro entre el clásico y el rock de muchas generaciones.

Un espectáculo teatral conformado por algunas de esas vidas nacidas en los relatos y en las piezas teatrales de Pirandello. Se trata de una selección de las obras más conocidas y apreciadas por la crítica literaria.

Sherezade es una metáfora de la literatura: un cuento cada noche a cambio de no morir. La derrota de la muerte siempre es parcial, al final ella siempre llega. Mediante la literatura le arrancamos apenas un día más, pero que merece ser contado.

La Banda del Real Conservatorio Profesional de Música se crea al comienzo del curso académico 1990-1991, antes de que fuera asignatura obligatoria en las enseñanzas profesionales de Música.

Stage Entertainment, en su 10º aniversario en España, presentó por primera vez en nuestro país y por tem-porada limitada, el musical que desde hace 15 años es un referente en Broadway y en el West End londinense.

Entradas a la venta desde octubre

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Brodas

La Recua Teatro

Falsaria de Indias

Día Internacional de la Discapacidad

Teatro Gallardo

Nats Nus

Teatro La Maquineta

Banda y Coros del Real Conservatorio Profesional de Música de Albacete

Ballet Estatal Ruso

YARAVÍ SERRANO

HIP HOP. DANZA URBANA

MAMÁÁÁÁ

EL ARTE DE PASAR HAMBRE

MOMENTARI

CORO Y BALLET DEL EJÉRCITO RUSO

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS

LA GRAN VÍA

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ALREDEDORES

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Uno de los objetivos muy claro de la Compañía Brodas es la transmisión correcta y original de las danzas urbanas. Por eso han viajado alrededor del mundo buscando los orígenes y los creadores de los diferentes estilos. He aquí una exposición.

Comedia ligera, una comedia que habla de las miserias humanas, las persecuciones de valores que al final nos dejan vacíos y nos debilitan. Destaca, sin duda, la vuelta a los escenarios de la siempre recordada Terele Pávez.

Se imaginarán la gran tragedia que producen las carencias alimentarias y artísticas y cómo arrastran a los desheredados, no de arte sino de posición económica, a la locura. Nuestro personaje, el alba-cetense Miguel Ángel Gallardo, sólo se alimentó de humor.

Mejor Espectáculo de Danza en la popular Feria de Teatro Infantil de Gijón (Fetén), Una supuesta colección de momentos jugados con fresca e ingenua intención y conducidos por un extravagante y entrañable personaje.

Más de 100 artistas en escena con sus voces, sus bailes y su música. Se trata de un espectáculo trepidante, cuya cadencia va incrementando a medida que avanza hasta sumir al espectador en un mundo cromático, enérgico e irrepetible.

Un musical lleno de magia y fantasía en el que la joven Alicia se sumerge en el sorprendente País de las Maravillas y conoce a extraordinarios personajes. Un clásico infantil que la compañía ha elegido para celebrar su decimoquinto aniversario.

El Real Conservatorio desea unirse a la celebración del Centenario de los comienzos de la construcción de la calle madrileña presentando una selección de los números más conocidos de “La Gran Vía”.

El Cascanueces, convertido en una tradición navideña en todo el mundo es también, junto con La Bella Durmiente y El lago de los Cisnes, el ballet más célebre de Tchaikovsky.

La joven cantante albaceteña presenta su nuevo espectáculo Aire Freso, en el que hace un repaso a todos los palos del flamenco acompañada en el escenario por 25 músicos.

Un espectáculo a partir de cinco historias con sólo algo en común: Todas hablan de la Muerte. Cada historia está presentada por una animación audiovisual proyectada en el ciclorama trasero. La albaceteña Llanos Campos, magistral, como única actriz.

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“He ideado un imaginario fin de fiesta de un acto institucional de la Judicatura, llevado a cabo por al-gunos de nuestros más mediáticos magistrados. De este modo, pre-tendo acompañar el regocijo que procura la trepidante sucesión de situaciones características del gé-nero cómico, con la desacraliza-ción de unas respetables figuras que nos resultan reconocibles y que, en ocasiones, no distan mu-cho de las que en su día retrató el perspicaz dramaturgo alemán Heinrich von Kleist. Una fiesta irre-verente con música, canciones, alusiones a la actualidad que pre-tende despertar la risa y la sorpre-sa”. Ernesto Caballero expresa así esa interpretación libre que hace de la magnífica obra original, El Cántaro Rojo, una de las más tre-pidantes obras del autor germano, donde se narran las peripecias del juez Adán cuando recibe en su juz-gado un caso singular: descubrir al responsable de haber destrozado un cántaro en el dormitorio de la joven Eva; a pesar de que el prin-cipal sospechoso es su prometido Ruperto, finalmente, el auténtico responsable no será otro que el propio magistrado, quien se valdrá de las más grotescas argucias para demostrar su inocencia.

Bajo la apariencia de una come-dia de costumbres el autor dispa-ra contra la moral burguesa de su tiempo: la corrupción de la justi-cia, la prevaricación y el abuso del poder público.”Esta propuesta in-tenta extender a nuestra realidad la crítica mordaz que Heinrich Von Kleist planteara en su exquisita sá-tira al sistema judicial de su tiem-po”, continúa señalando Caballe-ro, uno de nuestros más versátiles hombres de teatro. Como autor, es

uno de los herederos de la primera generación de la transición, la de José Luis Alonso de Santos, Fermín Cabal y José Sanchis Sinisterra; los escritores de la generación de Ernesto Caballero han mantenido una relación constante con auto-res como Fermín Cabal, que de alguna forma se puede considerar maestro de muchos de ellos. Es un autor prolífico, desde 1983, en que escribió Rosaura, El sueño es vida, Mileidi, hasta hoy ha escrito

VERSIÓN LIBRE DE EL CÁNTARO ROJO, DE HEINRICH VON KLEIST

LAFIESTADE LOSJUECES

UNA FIESTA IRREVERENTE CON MÚSICA, CANCIONES,

ALUSIONES A LA ACTUALIDAD QUE

PRETENDE DESPERTAR LA

RISA Y LA SORPRESA

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más de cuarenta obras teatrales, la mayor parte de las cuales se han estrenado en España y en otros países con una buena respuesta por parte de la crítica. Incluso un crítico tan severo como el desapa-recido Eduardo Haro Tecglen elo-gió sin reservas la obra de Ernesto Caballero. Con esta nueva versión, Caballero ha trazado un puente entre dos épocas.

Este juego de tiempos y espacios, entre el pasado y la actualidad, entre la escena y la realidad, es el mismo que aparece en multitud de obras escritas por Ernesto Ca-ballero desde Squash hasta Ma-niquís. Se trata de una muestra, entre otras muchas, de la identi-dad entre esos dos personajes, el director y el escritor, que se llaman Ernesto Caballero.

La nueva versión de El Cántaro Rojo, aquí titulada La fiesta de los jueces, cuenta con un reparto es-pecialmente escogido y que en-cabeza un locuaz Santiago Ramos que, por supuesto, interpreta al incomprensible juez Adán, acom-pañado de Juan Carlos Talavera, Silvia Espigado, Jorge Martín, Ka-rina Garantivá, Jorge Mayor, Rosa Savoini y Paco Torres.

Nacido en Frankfurt en el seno de una familia de mi-litares. Después de siete años en el ejército prusiano, Kleist se pasó el perí odo 1799-1810 estudiando dere-cho y filosofía en Frankfurt, como funcionario en Berlín y Königsberg y viajando por Europa. Muy influido por el idealismo de la filosofía de Hegel es tal vez uno de los escasos escritores del Ro-manticismo que tradujo a la acción el ideario que ins-piraba a los románticos. Su único objetivo, tanto en su vida pública literaria como en la privada, era la búsque-da del Absoluto. Los temas fundamentales de su obra, reflejo de sus preocupacio-nes vitales, son su lucha por conciliar el destino con la individualidad, el conflicto entre emoción y razón, y la toma de conciencia de que todo conocimiento es iluso-rio. Entre sus obras teatrales más importantes se encuen-tran la tragedia La familia

Schroffenstein (1803), el po-pular drama romántico Ca-talina de Heilbronn (1810), la comedia El cántaro roto (1806) y la obra patrióti-ca El príncipe de Homburg (1811), que nadie en la Ale-mania ocupada por los ejér-citos de Napoleón quería es-trenar. En la revista Phöbus, de la que fue cofundador, publicó algunos poemas, la tragedia Penthesilea (1808), y la novela corta Michael Kohlhaas (1808). Sus ocho mejores novelas cortas -en-tre las que se encuentra La marquesa de O- se publica-ron en Cuentos (1810-1811). Fundó un periódico patrióti-co, Berliner Abendblätter, en 1810, pero fue prohibido en 1811. Sin trabajo, editor ni productor, y deprimido por la ocupación francesa, Kleist se suicidó en compañía de su amante en 1811 cerca de Berlín. El epitafio inscrito en su tumba es irrefutable: “Ahora, inmortalidad, eres toda mía”.

HEINRICH VON KLEIST

EL AUTOR DISPARA CONTRA LA MORAL BURGUESA DE SU TIEMPO: LA CORRUPCIÓN DE LA JUSTICIA, LA PREVARICACIÓN Y EL ABUSO DEL PODER PÚBLICO

Zorba

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El Ballet de la Ópera de El Cairo fue fundado en 1966 y asociado al Alto Instituto de Ballet afiliado a la Academia de las Artes. Los miembros de la compañía fueron formados por profesores sovié-ticos. La primera producción fue La fuente de Bakchisaray, dirigi-da por Leonid Lavrovski, antiguo director del Teatro de Bolshoi y conocido por Lavrovski el Grande. Influenciada por el ballet clásico ruso, la compañía incluyó otros grandes títulos clásicos a su re-pertorio, entre ellos Giselle, Cas-canueces, Paquita, El lago de los cisnes y Don Quijote. Más tarde, el Ballet de la Ópera de El Cairo ha buscado una identidad propia ejecutando ballets contemporá-

neos creados por compositores y coreógrafos egipcios; es el caso de Osiris, que cuenta la leyenda faraónica de Isis y Osiris, com-puesto por el músico Gamal Ab-del Rehim. Desde 1973, la compañía ha ac-tuado fuera de Egipto, comen-zando por Moscú y Leningrado, y pasando por Bulgaria, la ex-Yu-goslavia, Alemania, Francia, Italia, Estados Unidos, Corea y China, entre otros. En 1991, el Ballet de la Ópera de El Cairo se integró en el Centro de Cultura Nacional, di-rigido por Abdel Moneim Kamel, quien añadió al repertorio de la compañía su propia versión de Romeo y Julieta, El lago de los cis-nes, Cascanueces, Cenicienta, El

Corsario, Carmina Burana, Bolero, Hamlet, Zorba el griego…En 1998-1999 la compañía participó en la producción de la ópera Aída en las pirámides, dirigida por Abdel-Moneim Kamel. En 2001 produjo El-Leila El-Kebira.Desde 2004, Erminia Gambarelli Kamel fue designada directora artística del Ballet de la Ópera de El Cairo, que en el presente actúa con regularidad en países como Canadá o México, y en numero-sos países europeos.

Zorba el GriegoEspectáculo coral de ballet de Lorca Massine que consta de dos actos y veintidós escenas. Una primera versión fue representada

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LA ÓPERA DE VERONA ENCARGÓ A THEODORAKIS UNA COMPOSICIÓN BASADA EN LA HISTORIA ORIGINAL DE ZORBA

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en el Ethniki Lyriki Skini de Ate-nas en 1976, utilizando la famosa banda sonora de la película Zorba el Griego, que fue estrenada en 1966 y dirigida por Michalis Caco-yanis. Diez años más tarde la ópe-ra de Verona encargó a Theodo-rakis una composición basada en la historia original de Zorba, obra de Nikos Kazantzakis, combinan-do la película existente y el mate-rial del ballet. Theodorakis com-puso la partitura para orquesta, dos bouzoukis (instrumentos de cuerda parecidos al laúd), mezzo soprano y coro mixto. La primera representación fue dirigida por el propio compositor, en el Arena de Verona, en agosto de 1988. El vestuario y la escenografía fueron

diseñados por Ferruccio Vilagros-si. Después, el ballet ha sido re-presentado en todo el mundo.La música refleja los aconteci-mientos dramáticos y emotivos de la vida de Zorba, su amor por la vida y la libertad, y su carácter obstinado. La música refleja esos contrastes y cambios violentos de tempo, textura musical y el co-lor del sonido. Para lograr estos efectos, el compositor se vale de una orquesta completa con ins-trumentos de ritmo y percusión adicionales y de dos zoukis grie-gos, que han contribuido a que esa música sea tan famosa. Tam-bién enfatiza la voz humana y por tanto destaca a la mezzo soprano y al coro. Ornamentos y distinta

métrica dan a la música esa cons-tante irregularidad de ritmos. Al-gunos elementos musicales son típicos de los pueblos mediterrá-neos, como los modelos de rit-mos egipcios de Almasmoody o Egas en algunas escenas.Incluso aunque el ballet está do-minado por una pronunciada actividad, también hay tiempos lentos con melodías líricas que expresan emociones trágicas ta-les como la pérdida de los amores respectivos de Zorba y Juan.La diversidad de los estados de ánimo y de los tiempos propor-ciona al coreógrafo una gran oportunidad para crear los más variados pasos de danza y así cap-tar la atención del público.

y el Ballet de la Ópera de El Cairo

LA ÓPERA DE VERONA ENCARGÓ A THEODORAKIS UNA COMPOSICIÓN BASADA EN LA HISTORIA ORIGINAL DE ZORBA

Han transcurrido treinta años des-de que La Zaranda emprendiera su andadura teatral, realizando una intensa labor de creación que le ha valido un gran prestigio interna-cional. Su trayectoria tiene como constantes teatrales: el compro-miso existencial y la fidelidad a sus raíces tradicionales; como recursos dramáticos: el uso simbólico de los objetos, el expresionismo visual, la depuración de textos y la creación de personajes límites; y como mé-

todo de trabajo, un riguroso proce-so de creación en comunidad.La Zaranda desarrolla una poética teatral que lejos de fórmulas este-reotipadas y efímeras, se ha conso-lidado en un lenguaje propio, que siempre intenta evocar a la memo-ria e invitar a la reflexión. Futuros Difuntos significa su vuelta a los escenarios. Francisco Sánchez Cam-puzano, Enrique Bustos y Eusebio Calonge siguen siendo La Zaranda, siguen prestando su voz a los más

vulnerables. Sinceros, sensibles, ge-nerosos... Llenos de memoria y de un sentido innato de la escena. Su teatro es intenso y lleno de imáge-nes, siempre conmovedor. “Futuros Difuntos” resulta lleno de cultura española y parece sin embargo uni-versal.Porque más allá de la forma visual tomada por el espectáculo, es un sentimiento de profunda huma-nidad que se desprende de aquella creación, dada por primera vez en el Teatro Sorano, antes de dar la vuelta al mundo, como cada uno de los espectáculos de La Zaranda. "Siempre decimos que nuestros espectáculos -explica Paco, de La Zaranda- parten de un sentimien-to. Ese objeto, ese texto con el que trabajamos, parte de un sentimien-to. Luego, con el pensamiento ese sentimiento se ordena. ¿Qué es lo importante? Más que lo que conta-mos o cómo lo contamos, qué pro-duce eso que contamos. Hasta qué punto eso llega al espectador, lo hace sentir como a nosotros nos ha hecho sentir y cómo ese sentimien-to se transforma en una reflexión que sirve para que la conciencia se nos abra, aunque sea un poquito."El regente de un manicomio desapa-rece y, entre los enfermos allí aban-

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donados, comienza una lucha de poder que termina revelando un estado de cosas internas que po-sibilitará al espectador encontrar múltiples lecturas. La trama está atravesada por imágenes que re-miten a buena parte de la historia de la pintura española. Eso viene a ser, en definitiva, Futuros Difuntos. Una pura delicia visual. Desprovis-ta de fanfarronada alguna, bruta y sutil... No hace falta ser catedrático en historia del arte para apreciar el terrible y sabroso escarnio de “Fu-turos difuntos”, ni ser dueño de la lengua de Cervantes. El lenguaje de La Zaranda, risa y estertor en el mismo soplo se impone más allá de las palabras y de las imágenes por el solo peso de su humanidad. Es la voz de los desahuciados.

La Zaranda. ManifiestoEl origen del teatro La Zaranda se remonta al período de trance, en la década de los setenta.Tras un cúmulo de experiencias in-dividuales, es en 1978 es cuando se produce el encuentro y la decisión de condensar todas sus experien-cias en una fase de trabajo. Se par-tía de unas premisas para "Hacer camino": querer conducir a la obra teatral hasta ese punto de tensión en que drama y vida confluyen, ne-gar toda concesión al teatro muerto con todos sus academicismos evi-dentes, al teatro de las falsas van-guardias, con patente de moderni-dad aplicadas al decorativismo más banal y la esclerosis, que no condu-ce más que al bostezo. Ir más allá de las formas adquiridas, no cesar en la búsqueda, renunciar a los logros que puedan establecer lo rutinario, afianzar un estilo en permanente transición... ¡Importa la acción de crear! No fabricar conservas artísti-cas que se abran en cada represen-tación. ¡Hay que mantener la ten-sión, jugársela en cada situación, desarrollar cada realidad escénica en su devenir vivo... el teatro que soñara Valle con el temblor de la fiesta de los toros!. (La Zaranda)

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JAZZJAZZSi uno tiene un padre, músico de jazz, que desde pequeño te está mos-trando su fachada más dinámica, te regala un saxo como el que le compra a su hijo unos Juegos Reunidos Geyper, te lleva a recónditas y sesudas sesiones con colegas, te compra discos de Dizzy Gillespie, James Moody o de Ronald Kirk, el africano, no es raro que el resultado sea que salgas un Joe Lovano, o lo que es lo mismo, uno de los intérpretes actuales más cotizados del mundo del jazz.

Ya, si descubres en esas circunstancias a John Coltrane y te apuras en él, lo más probable es que tu tendencia sea la del afinador y esteta del mejor bop y la apertura a todas las puertas del Jazz Libre. Sí, a Lovano le ha ocu-rrido todo esto y por eso es quien es hoy. Lo mejor que ha hecho ha sido, y eso conlleva bastante riesgo, activar y remover la historia del género ra-dicalmente, sin cortapisas ni condicionantes de sellos discográficos ni pú-blico. Ha rescatado la naturaleza de Coltrane y la mejor cualidad del free-man, en dosis excelentemente administradas. Para ello ha llevado una carrera minuciosamente cultivada: mucho concierto adolescente viendo a Ornette Coleman o a Jimmy Giuffre, tipos de orfeones eminentes; o asistencia a Berklee, ése santo lugar en Boston que ya debían nombrar

SU MÚSICA, BE-BOP Y FREE JAZZ, GUARDA TODA LA ESENCIA HISTÓRICA DE LOS GRANDES

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pronto patrimonio de la humani-dad. En la gran escuela jazzística de Norteamérica conoció a John Scofield, a Bill Frisell, por nombrar a dos con los que pronto montó banda y cuando se quiso dar cuen-ta ya estaba tocando en la gran or-questa de Woody Herman.

Con todo ello Lovano no adopta in-fluencias, las absorve y las reparte teniendo en cuenta con quién está y cómo dosificarlas. Escuchándole ahora con el pianista, tristemente infravalorado, James Weidman, su magisterio es exquisito. Joe Lovano

posee en abundancia el sentido de la espontaneidad que siempre ha caracterizado a los mejores impro-visadores. Sus arreglos de temas tradicionales son absolutamente personales y libres, desenvuel-tos, con ése toque de naturali-dad que sólo poseen los grandes. Entre sus músicos, Weidman es simplemente brillante en todo y no se encuentra la razón al for-midable descuido de su impor-tancia en la pomada jazzística. Delicioso y refinado, el pianista es el contrapunto a todo el arti-ficio de Lovano, como lo son los

dos baterías, dos, que se gasta el de Cleveland en otro ejercicio más de poderío conceptual (Otis III Brown y Francisco Mela Dum-bek). Su último álbum, conocido, Folk Art, es una lección del jazz de toda la vida, del jazz que toca-ba Charlie Parker, Lester Young y, por supuesto, el último John Col-trane. Así lo ha reconocido la crí-tica de Downbeat, la revista más prestigiosa de jazz de Estados Unidos, quien le ha otorgado los premios de Mejor Artista de Jazz, Mejor Saxofonista y Mejor Grupo de Jazz del año 2009.

MEJOR ARTISTA DE JAZZ, MEJOR SAXOFONISTA Y MEJOR GRUPO DE JAZZ DEL AÑO 2009, SEGÚN LA REVISTA AMERICANA ESPECIALIZADA DOWNBEAT

SU MÚSICA, BE-BOP Y FREE JAZZ, GUARDA TODA LA ESENCIA HISTÓRICA DE LOS GRANDES

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mayor depresión económica ja-más vivida. Es la historia también de Pearl Harbor, Hollywood, Joe Louis, la era de la radio y las gran-des orquestas, la segunda guerra mundial..., una fantástica historia que acaba en infausta muerte. Épi-ca. Como escogida por cualquier guionista de la Metro Goldwin Ma-yer: A pesar de que por su edad no estaba obligado, decide alistarse y el Ejercito americano le da la gra-duación de Capitán primero y Co-mandante después. En el ejercito,

73 años después, la Orquesta del gran músico americano sigue en activo

GlennMiller GlennMiller

O parte de esa gran historia que, eso sí, vistió de música, de la me-jor música contemporánea, el siglo XX. La de Glenn Miller es a la vez otra historia de película. La de la joven América que lucha por unos ideales y trabaja como puede para quitarse el dramático trance de la

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Miller reúne a excelentes músicos también reclutados y consigue for-mar una de las mas grandes y me-jores orquestas militares de toda la historia. El héroe nacional acabó sus días en una avioneta camino de París cuando era el comandante jefe de la Glenn Miller Army Air Force Band. Una trágica muerte que ele-varía a Miller a la categoría de mito universal.

Nacido en 1904 en Clarinda (Iowa), Glenn Miller fue el creador de un estilo musical propio que le haría famoso en todo el mundo. Empezó tocando en pequeñas bandas, junto a gente entonces desconocida pero que luego llegarían a ser grandes nombres de la música (como Bing Crosby o Bennie Goodman), antes de trasladarse a Nueva York y for-mar en 1937 una primera orquesta. Los resultados iniciales no son bue-

nos y la banda se deshace pronto, pero es entonces cuando empieza a concebir ese “sonido Miller”, carac-terizado por el protagonismo de los instrumentos de viento y sus adap-taciones de jazz y blues tradicional con ritmos de marcha militar. Su manera de entender el swing, ligera y urbana, se convirtió en su marca de fábrica.En 1938 forma la segunda Glenn Mi-ller Orchestra, y empieza a ser recla-mado por todas las salas de la costa este de Estados Unidos. Con una actividad intensa (hasta cinco shows diario), un programa en la radio, mi-les de copias vendidas y sus cancio-nes copando los primeros puestos en las listas de éxitos, el “estilo Mi-ller” se extiende por todo el país.En esos años compone sus títulos más conocidos, como In the Mood, que estuvo 15 semanas consecutivas en el número uno, Tuxedo Junction

y Moonlight Serenade, una de las canciones más reproducidas de la historia musical de Estados Unidos. En 1941 recibe su primer disco de oro por Chattanooga Choo Choo. Entonces, una de cada tres mone-das introducidas en los jukeboxes era para escuchar un disco interpre-tado por la banda de Glenn Miller.

La OrquestaThe Original Glenn Miller Orches-tra es una de las más populares big bands. Con una amplia trayectoria e infinidad de actuaciones, la forma-ción lleva por todo el mundo lamúsica de Glenn Miller y el mejor sonido del jazz.Creada en 1988, la Glenn Miller Or-chestra ha mantenido desde enton-ces la misma formación sobre el es-cenario que concibió el gran músico norteamericano: cinco saxos, cuatro trompetas, cuatro trombones y tres percusiones, además de un vocalis-ta masculino y femenino. El grupo vocal The Moonlight Sere-naders y la formación de jazz The Uptown Hall Gang convierten el espectáculo en un excepcional via-je a la época dorada del swing. El repertorio de la orquesta incluye más de 200 temas, muchos proce-dentes de las partituras originales, entre los que no puede faltar In the Mood, Moonlight Serenade, American Patrol o Chattanooga Choo Choo. En el repertorio des-tacan también las contribuciones de los grandes arreglistas de la his-toria, como Jerry Gray, Billy May y Hill Finegan.En la era de las big bands, en la dé-cada de los 1940, toda formación tenía su melodía característica, y la de Glenn Miller Orchestra era Moonlight Serenade. Miller escri-bió este tema como un ejercicio para un curso de arreglo musical, mucho antes de que formase su orquesta. Hoy esta obra está con-siderada un paradigma de la mú-sica norteamericana, y una de las canciones más reproducidas de toda la historia de EstadosUnidos.

LA TRAMA REALMUJER TOCA AIRES DE JAZZ MIENTRAS SU VÍCTIMA MUERE

El 11 de Marzo de 1924, el Chi-cago Tribune publicó un artí-culo de la periodista Maurine Dallas Watkins sobre la historia de Velma Gaertner, una can-tante de cabaret, acusada de matar a su marido en Illinois. Ése hecho fue, precisamente, el detonante de uno de los más afamados musicales de la his-toria: Chicago. La historia origi-nal era intensa, pujante, nacida en plena actividad de un siglo que acababa de descubrir la radio, el uso habitual del telé-fono, el automóvil, los electro-domésticos y… el jazz. En esa situación de bienestar general y de prosperidad, las nuevas estrellas eran la radio, el cine, los espectáculos y los bares. En la medianoche del 17 de enero de 1920, uno de los más arrai-gados hábitos de la sociedad norteamericana hizo un corto-circuito: el fin a la importación, exportación, trasporte, venta o elaboración de toda bebida alcohólica. Cuando el alcohol entró en la ilegalidad, apare-cieron nuevas formas subte-rráneas de oferta. Millones de personas fabricaron artesanal-

mente sus propias bebidas y se hizo popular el gin de la bañera, un explosivo y peligroso cóctel elaborado con alcohol puro y aderezos químicos. En ése am-biente de perturbación y he-chos reales se consumó toda la trama del futuro del musical, porque a la primera noticia de la cabaretera despechada si-guió otra, unos días después, en la que la misma periodista notificaba otro asesinato de una mujer casada que, en este caso, había matado a su aman-te. El reportaje salió publicado, ésta vez en la primera plana del mismo rotativo, el 3 de Abril de 1924, bajo el titular “Mujer toca aires de jazz mientras su víctima muere.” Más carnaza para la imaginación artística porque la historia continuó unas semanas en el diario, pu-blicando éste todo tipo de re-latos y declaraciones por parte de las protagonistas. En 1926 Maurine Watkins, la periodista, decidió que toda esa historia tan absurda era ideal para una obra teatral, por lo que escri-bió una farsa delirante titulada CHICAGO.

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LOS AUTORESUN ESPECTÁCULO ANUNCIADO

Fue tal el éxito de la obra, que se adaptó por primera vez al cine: Chicago (Frank Urson, 1927). En 1942 volvió a ser llevada a la pantalla grande por William A. Wellman como Roxie Hart, nombre de su personaje cen-tral, interpretado por Ginger Rogers. Esta historia tremen-dista, cínica y pesimista acerca de un crimen pasional converti-do en un circo de tres pistas en los juzgados fue reactivada por Bob Fosse en la cumbre de su carrera, quien convirtió la obra de teatro de Maurine Dallas Watkins en un musical. El estilo amanerado de Roxie Hart sirvió de inspiración para la colabora-ción de Bob Fosse con los com-positores y letristas de Cabaret John Kander y Fred Ebb. Fosse les encomendó una serie de canciones que no sólo debían narrar la trama, sino también rendir homenaje a los teatros de vodevil de los años 20, evi-denciar los absurdos procesos judiciales de Estados Unidos y, de paso, ridiculizar a los medios de comunicación. Por fin, Chi-cago llegó a los escenarios en 1975 y el musical fue muy elo-giado por la crítica, pero con un frío recibimiento por parte del

público. Chicago permaneció en las sombras como una de las joyas más infravaloradas de Broadway hasta que Ann Rein-king, última pareja sentimental de Fosse, actriz, bailarina, co-reógrafa y protagonista de All That Jazz, decidió remontarlo “al estilo de Bob Fosse” con el fin de hacerle justicia. Re-puesta en Broadway: a finales del 1996, se convirtió por fin en el éxito que siempre debió ser y recibió seis premios Tony. Fueron un par de acérrimos fans de la obra los encargados de escribir la versión cinema-tográfica y quienes la llevaron posteriormente a la pantalla grande: Rob Marshall, (director también de “Nine” protagoni-zado por Penélope Cruz, Nicole Kidman y Sofía Loren) direc-tor y coreógrafo de Broadway (codirector del actual montaje neoyorquino de Cabaret y res-ponsable del nuevo diseño de la coreografía original de Bob Fosse) y Bill Condon, el guionis-ta ganador del Óscar por Gods and Monsters (Dioses y mons-truos, 1998) cuyo guión para Chicago fue el elegido entre los más de diez encargados por Miramax.

Un espectáculo anunciado. Los autores.

LOS AUTORESUN ESPECTÁCULO ANUNCIADO

Fue tal el éxito de la obra, que se adaptó por primera vez al cine: Chicago (Frank Urson, 1927). En 1942 volvió a ser llevada a la pantalla grande por William A. Wellman como Roxie Hart, nombre de su personaje central, interpretado por Ginger Rogers. Esta historia tremendista, cínica y pesimista acerca de un crimen pasional convertido en un circo de tres pistas en los juzgados fue reactivada por Bob Fosse en la cumbre de su carrera, quien convirtió la obra de teatro de Maurine Dallas Watkins en un musical. El estilo amanerado de Roxie Hart sirvió de inspiración para la colaboración de Bob Fosse con los compositores y letristas de Cabaret John Kander y Fred Ebb. Fosse les encomendó una serie de canciones que no sólo debían narrar la trama, sino también rendir homenaje a los teatros de vodevil de los años 20, evidenciar los absurdos procesos judiciales de Estados Unidos y, de paso, ridiculizar a los medios de comunicación. Por fin, Chicago llegó a los escenarios en 1975 y el musical fue muy elogiado por la crítica, pero con un frío recibimiento por parte del

Un espectáculo anunciado. Los autores.

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Adoptar el personaje del arrogante y presumido abogado Billy Flynn, ha debido causarle más de una preocu-pación al televisivo Carlos Lozano, pese a su bagaje multifuncional: un hombre que lo mismo presenta un telediario (la 2) que Operación Triunfo. Lozano también es conocido como presentador de concursos (La Ruleta de la Fortuna, El Precio Justo), las galas previas de Eurovisión, ha-ber despedido más de un año en la Puerta del Sol para televisión, mode-lo de Versace y trabajado para Pedro Almodóvar en Todo sobre mi madre. Tal fenómeno del show business ju-gará con las abrasivas Marta Ribera (Velma) y María Blanco (Roxie) su rol de habilidoso y tendencioso letrado. A Marta se le recuerda en varios mu-sicales (Cabaret, Grease, West Side Story y Rocky Horror Show) y en su papel de Mis adorables vecinos en televisión. Es pues, una actriz, can-tante y bailarina francamente versá-til. María Blanco es otra experta en musicales (Grease, Cabaret y Queen, We will rock you), aunque popular-mente también se le reconozca por su trabajo televisivo en Doctor Ma-teo. Fedor de Pablos es Amos Hart y Linda Mirabal hace el formidable pa-pel de Mama Morton, otro personaje clave en el guión original. Stage Entertainment, en su 10º ani-versario en España, presentó por primera vez en nuestro país y por temporada limitada, el musical que desde hace 15 años es un referente en Broadway y en el West End londi-nense. La compañía ha apostado por acercar al gran público espectáculos sólo disponibles hasta ahora en se-mejantes catedrales escénicas. Así, grandes éxitos como: Mamma Mia!, Cabaret, El fantasma de la Ópera, Cats, La Bella y la Bestia, Jesucristo Superstar, o Fiebre del Sábado Noche han pasado ya por los escenarios de nuestro país

CHICAGOEN ESPAÑA

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Asesinatos, avaricia, corrupción, explotación, adulterio, y traición: todas esas cosas que amamos y llevamos con cariño cerca del cora-zón…Así comienza Chicago, uno de los más espectaculares musicales de nuestro tiempo cuyo decorado en la gira es el original construido en USA, al mismo tiempo que en Sudáfrica, Japón, Korea y Austra-lia. Dicho decorado se ha trans-portado por carreteras americanas pasando por varios Estados para embarcar durante 22 días y cubrir un recorrido de 6.945 km. Se han fabricado focos específicos para recrear la iluminación de la época, además de combinarlos con la últi-ma tecnología. Los abanicos están fabricados en Nueva York, por una empresa especializada en plumas para espectáculos, habitual pro-veedor de los grandes espectá-culos de Las Vegas y Nueva York. Las plumas de los abanicos, son de avestruces criadas en granjas. La importación de dichas plumas sólo se permite si las plumas van acompañadas por un certificado oficial que testifica el origen de las mismas. En el caso de Chicago, el proceso de fabricación, transpor-te y de liberarlas de las aduanas tardo unos dos meses. El peso de cada abanico es de unos dos kilos.

CHICAGO, EL MUSICALTODA UNA MOVIDA

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"Un espectáculo donde se nece-sitan los cinco sentidos para en-tender que, después de QUEEN no ha existido nada igual. Es el encuentro entre el clásico y el rock de muchas generaciones, un espectáculo y una producción sin precedentes". Así lo anuncia la productora y así hemos de creerlo porque se trata de otra vuelta de tuerca más a la historia de un gru-po de rock singular, efectivamen-te; una banda de rock que rompió todos los moldes hasta entonces establecidos, sostenida en un cantante irrepetible, Freddie Mercury.

Y alguna que otra canción igual-mente irrepetible, Bohemian Rapsody, por ejemplo. Era la gloria suprema de Queen, no sólo por su fastuosa duración, siete minutos en el original, ("Insistimos en que Bohemian Rapsody podía ser un éxito. Hemos aceptado toda clase de acuerdos pero nunca cortar una canción", dijo poco des-pués Mercury) y su innovado-ra película promocional, sino porque captaba la esencia de la pose operística de Freddie

menos, diez años con unos cuan-tos discos que aún se consideran imprescindibles.

Queen fue un ejemplo de longevi-dad y de estabilidad en su forma-ción (nunca cambiaron sus miem-bros a lo largo de la historia del grupo) y deben todo su prestigio al hecho de haber sabido evolu-cionar con el paso del tiempo. De grupo glam a comienzos de los se-tenta, se reconvirtió sucesivamen-te en banda de disco-pop, rocka-

billy, sinfónico, heavy-metal, etc. Durante su existencia tocó todos los palos y en cada una de sus reencarnaciones sabo-reó el éxito. No es extraño, por tanto, que se sucedan grandes musicales dedicados -Albacete ya contempló uno- ni concier-tos como los que la One World Shymphonic Orchestra ofrece-rá en un escenario de grandes dimensiones como el Palacio de Congresos, habida cuenta de la aceptación universal que tiene el grupo. Albacete no es, desde luego, una excepción. En este concierto, la combi-nación de las melodías del mejor rock de Queen con la

EN EL PALACIO DE CONGRESOS PROPONEMOS UN CONCIERTO

ESPECIAL EN TORNO A LA BANDA BRITÁNICA

"Un espectáculo donde se nece- menos, diez años con unos cuan-

PROPONEMOS UN CONCIERTO ESPECIAL EN TORNO

A LA BANDA BRITÁNICA

Mercury y la exquisita precisión de Brian May con la guitarra. Queen produjo algunas de las más gran-des canciones de estadio de todos los tiempos para sus hordas de perfeccionistas seguidores: We Will Rock You y We Are The Cham-pions siguen siendo indispensa-bles en todo evento deportivo de renombre. Cabe destacar que des-pués del éxito del primer álbum, en 1975, se las arreglaron para mantenerse a la altura durante, al

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música clásica supone la entrada en un espacio donde el público lo valora como distinto, atrayente, espectacular e increíblemente es-pecial… La orquesta, compuesta por músicos virtuosos de carácter internacional, junto con la Rock Band que estará en el escenario, fusionará las obras y los éxitos más importantes de la célebre banda inglesa. La exuberancia se mezcla

con momentos tenues, lo clásico con lo moderno, los ritmos más trepidantes con el romanticismo, durante los cuales todos los mú-sicos, artistas, cantantes y coros demuestran una luz y una sombra sorprendente. Todos son uno. To-dos son Queen. Todos entran en una dimensión donde no se dis-tingue entre la fantasía y la reali-dad . Es el concierto Queen. Es la

memoria Mercury. Una noche de celebración. Para dicha efeméri-des, la productora ha cargado las tintas con los protagonistas voca-les. Lógico. Nadie puede sustituir a Freddie Mercury impunemente. Cuatro cantantes de reconocido prestigio internacional han sido elegidos para el concierto de Al-bacete y la correspondiente gira nacional que cumplirán.

Nacida en Chicago, es una estrella del jazz america-no y del gospel. Su mayor gloria sin duda ha sido como acompañante ha-bitual de James Brown en sus conciertos, lo que ya es mucho decir.La One World Shympho-nic Orchestra será dirigi-da por todo un experto, el maestro César Álvarez.

Neoyorkino de nacimien-to, fue líder indiscutible del grupo noruego T.N.T., formado en 1982, aunque él no entraría en la banda hasta dos años después, justo cuando la grabación del primer gran éxito del grupo, Knights of the New Thunder. De filiación pop-metal, el grupo grabaría la nada desdeñable cifra de 15 discos.

TONY JON MICKHARNELL STEVENS WILSON

SHEYLAD. WHEAT

Tuvo la difícil papeleta de sustituir al fallecido Michael Hutchence en la banda de power pop aus-traliana INXS a primeros del nuevo siglo, aunque nunca llegó a grabar con ellos.

Especialista en acompa-ñar a grandes estrellas como Kylie Minogue, KLF, Alice Cooper, Chris Rea, Cliff Richard y también como percusionista a Gra-ham Gouldman de 10CC.

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Guindalera Escena Abierta es un proyecto impulsado por Teresa Va-lentín-Gamazo y Juan Pastor, que gestiona una sala de teatro con programación regular, una compa-ñía de actores, y realiza proyectos para Instituciones fuera de la sala. En 2009 Guindalera recibe el Pre-mio Ojo Crítico de RNE "Por desa-rrollar un proyecto teatral sólido y de calidad, por su apuesta por los autores renovadores, su carácter pedagógico y formativo y su capa-cidad para vincular el teatro con el

barrio en el que se encuentra”. Esto explica, en

cierto modo, su nue-

LA ÚLTIMA CENAvo ejercicio escénico, una obra donde existe la lucha generacio-nal e ideológica entre un padre y su propio hijo, ambos vinculados directamente con el mundo del compromiso, pero con diferentes aristas. En realidad, es la historia de dos fracasos. También de dos posturas ante la vida antagónicas pero que terminan encontrándose y denunciándose, mutuamente. Es la historia de una desgarrada y conmovedora última cena.

A los sesenta años de edad, Íñi-go se define a sí mismo como un intelectual comprometido que ha fracasado en sus intentos por alcanzar viejas utopías. Su hijo,

activista de la lucha arma-da, le visita

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El autor propone un magnífico debate ideológico

de Ignacio AmestoyLA ÚLTIMA CENA

en la casa familiar. Este encuentro generará un duro enfrentamiento dialéctico con el reconocimiento de la íntima verdad entre padre e hijo. Sus desengaños e ilusiones rotas convergerán en una salida conjunta que les llevará más allá de sus propios límites. El fracaso de estos dos intentos puede ser metáfora de intentos colectivos muy cercanos a nuestro entorno y que chocan con el nacimiento de una sociedad “sin complejos”. El intelectual de izquierdas, clarivi-dente y utópico siempre y el, lla-mémosle claramente, etarra. Un trabajo intenso de autor que no deja indiferente a nadie hoy, con los tiempos que corren.

El autorIgnacio Amestoy es periodista, au-tor teatral, profesor universitario. Ha desempeñado cargos de res-

ponsabilidad: entre 1984 y 1988, Director adjunto del Teatro Español y Director del Centro Cultural de la Villa, ambos del Ayuntamiento de Madrid, Director de la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramáti-co) hasta 2008 y actual Secretario General del Círculo de Bellas Artes de Madrid.Una gran parte de su creación tea-tral, como Ederra (Premio Lope de Vega, 1982), tiene como motivo la problemática de Euskadi. Con el grupo de teatro Gueroa estre-na: Doña Elvira, imagínate Eus-kadi (1986) y Durango, un sueño. 1439 (1989). Con el Grupo Gasteiz estrena ¡No pasarán, Pasionaria! (1993), Gernika, un grito. 1937 (1994) y La zorra ilustrada (1996).

Entre sus muchos premios des-tacamos: Premio Celestina por Violetas para un Borbón (1999), Premio Nacional de Literatura Dra-mática por Cierra bien la puerta (2002) y Premio Lope de Vega de Teatro por: Ederra (1982) y Choco-late para desayunar (2001).

La dirección corresponde a Juan Pastor y los actores son José Maya, el padre, experto también en di-rección y Bruno Lastra, el hijo, otro experimentado actor, en este caso de la reconocida escuela británica donde ha desarrollado casi toda su carrera en los escenarios y en el cine (Sidney Lumet, Michael Winterbottom y Sthephen Fry). En España se le conoce más por su participación en la exitosa serie televisiva Águila Roja.

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El Pisito y El Cochecito, de Marco Ferreri y El Verdugo y Plácido, de Luis García Berlanga, pueden ser películas considera-das como las grandes clásicas del cine español de todos los tiempos. Todas llevan el sello Azcona, la fi-liación de una marca de identidad denominación de origen. También Peppermint Frappé, La madrigue-ra, Ana y los Lobos, La prima Angé-lica, de Carlos Saura, El bosque ani-mado y La lengua de las mariposas, de José Luis Cuerda, donde con toda la majestad de sus directores, persevera la misma denominación

de origen: Rafael Azco-

na. Una impre-sionante historia de guiones que se iniciaba en la revista satírica La Codorniz y en aquella popular co-lección de humor denominada La Tortuga. En El Pisito ya se palpaba la espléndida fortaleza intelectual de un hombre, un autor, que no cesó de sorprendernos, fascinar-nos con su espléndida agudeza crítica y con su inimitable ironía hasta sus últimos días, en 2008. En El Pisito, Rodolfo y Petrita son una de tantas parejas de novios que en el Madrid de los años cin-

PISITEL

REVISIÓN TEATRAL DE LA GRAN O

BRA DE RAFAEL AZCONA

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cuenta y después de quince años de noviazgo no pueden casarse porque su precaria economía no alcanza para comprar ni alquilar un piso. Rodolfo pide ayuda al jefe de su oficina y la única barbaridad que se le ocurre es que se case con la patrona de su pensión, una an-ciana de 87 años, y así cuando ella muera heredará el piso y, ya viudo, se pueda volver a casar, pero esta vez ya con su Petrita.Para Ferreri, el neorrealismo sig-nificaba profundizar en la investi-gación de la realidad, rescatando los elementos que le permitían ensalzar lo cotidiano. Su llegada a España en 1956, en este clima de aparente apertura y cambio, y el encuentro con Rafael Azcona le hará modificar esta visión y captar lo irónico, lo grotesco y metafórico que subyace en las capas profun-das de la sociedad española de la época. El Pisito es la adaptación cinematográfica de la novela del propio Rafael Azcona y el primer proyecto en conjunto que llevaron a cabo después de varios fracasos previos. Rafael Azcona sin perder su patrón neorrealista, presenta

la amargura vestida de comedia, con un traje hecho a jirones de humor negro y bordado con hilos de absurdo y esperpento rompien-do con el realismo que predica la ortodoxia disidente. Este nuevo modo de ver la realidad, vista con la lente de lo grotesco, deformán-dola y subrayando sus aspectos más monstruosos e inquietantes será su seña de identidad y estará presente en toda su literatura.

En la obra teatral de reciente estre-no, Pedro Olea, su director, vuelve a brillar en una de sus principales características: la opresión del in-dividuo bajo las fuerzas sociales. La productora de Juanjo Seoane ha rebuscado en el tradicional armario nacional para equilibrar un equipo sólido y con la debida experiencia para acometer esas palabras mayo-res que suponen llevar la obra de Azcona a los escenarios. Con Olea está la escenografía de Wolfgang Burmann, el vestuarios de Javier Artinano, la iluminación de Juan Gómez-Cornejo y las interpretacio-nes (un casting francamente difícil para llegar a emular a José Luis Ló-

pez Vázquez, Mary Carrillo y Con-cha López Silva) de Pepe Viyuela, Teté Delgado y Asunción Balaguer, de nuevo el equilibrio, de nuevo la experiencia. En realidad, el proyec-to es un empeño personal de Juan-jo Seoane, hombre reconocido en el mundo teatral que quiere cele-brar con este título su montaje nú-mero cien como productor. Aunque también ha ejercido muchas veces, al igual que ésta, de adaptador. De hecho se ha encargado de la versión junto con Bernardo Sánchez, quien llegó a hablar con Azcona, antes de que éste falleciera, de este proyec-to por el que se sintió muy interesa-do e ilusionado el que quizá sea el guionista más importante del cine español de las últimas décadas, al que dejó más de 80 películas.

Afortunadamente los tiempos en el día de hoy han cambiado, cuan-do una pareja de enamorados quieren tener su propio “pisito”, no es necesario que se case él con una anciana y esperar cuatro o cin-co años. Hoy este problema está solucionado casándose con un banco para treinta años… o más.

PEPE VIYUELA, TETÉ DELGADO Y

ASUNCIÓN BALAGUER SON LOS PRO-

TAGONISTAS DE LA VERSIÓN TEATRAL

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Confluyen en un mismo acto de espectaculares dimen-siones dos obras de contenido diverso, pero con dema-siados puntos en común. Las dos ganaron un primer con-curso que abrió puertas a sus autores, Pietro Mascagni y Manuel de Falla; las dos dibujan sus principales carac-terísticas compositoras; las dos obras transcurren entre dramáticas pasiones rurales. Ópera 2001 ha realizado un esfuerzo notable para que la vespertina sesión coral sea intensa y recordada.

Mal haya el hombre, mal haya,que nace con negro sino.Mal haya quien nace yunque,en vez de nacer martillo.

La esencia dramática de la obra nace de esta canción, que es como un hilo de sangre canden-te en el tejido polifónico que forman con ella el canto de los principales personajes, los pre-gones de un vendedor de flo-res y los demás vendedores de higos y fresas, el campanil del Albaicín y las lejanas campanas de Granada.

En ésta inmensa obra de Falla, la canción de trabajo se conta-gia de ritmos vernáculos y de las profundidades temblorosas del "cante hondo". Manuel de Falla está universal-mente reconocido como la per-sonalidad central de la cultura musical española del siglo XX. En 1905 Falla ganó el primer premio con La vida breve en un concurso de ópera española or-ganizado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernan-do, pero, como no se ofrecía ninguna representación en Es-

UNA NOCHEÓPERA

LA VIDA BREVE

E N L A

paña, decidió probar fortuna en París. En el vigorizante ambiente cultural de la capital francesa, se hizo amigo de varios com-positores señeros de la época, como Albéniz, Debussy, Dukas, Ravel y Stravinsky. Además de conseguir interpre-taciones públicas de varias de sus obras para piano y sus can-ciones, La vida breve fue final-mente representada en el Casi-no Municipal de Niza en 1913 y se repitió en la Opera Comique de París al año siguiente.

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A mediados de 1888 la casa edito-ra Sanzogno llamó a un concurso para la composición de óperas en un acto, con tema a elección de los participantes. Como premio, dine-ro y la inmediata puesta en escena de las óperas que lograran los tres primeros lugares.Por entonces, Pietro Mascagni te-nía 25 años de edad y era casi un desconocido. Se había retirado del Conservato-rio de Milán y trabajaba como di-rector de una compañía itinerante de ópera. Nadie pensaba - ni si-quiera él - que en aquel corto pla-zo pudiera pasar a ocupar un lugar importante en la vida musical de la Italia de fines de Siglo 19. Mas-cagni supo del señalado concurso y aprovechó la ocasión para darse a conocer con la musicalización de la novela “Cavallería Rusticana” de Giovanni Verga, ya de éxito en Italia al ser convertida en pieza teatral. Mascagni solicitó la ela-boración del texto a los libretistas Giovanni Targioni-Tozzetti y Guido Menasci, y compuso la ópera en pocos meses. La presentó al con-curso y, entre 72 obras participan-tes, ganó el primer premio.El clamoroso y explosivo éxito que “Cavallería Rusticana” obtuvo en la noche del estreno , el 17 de mayo de 1890, en el Teatro Costanzi de

CAVALLERIA RUSTICANA

LA VIDA BREVE

PIETRO MASCAGNI Y MANUEL DE FALLA, DE LA MANO EN UNA SOLA SESIÓN

Roma, se ha constituido en un epi-sodio que marca un hito en la his-toria de la ópera, por cuanto Pietro Mascagni tuvo 60 llamadas a esce-na al finalizar la representación. Giuseppe Verdi, ya de 77 años, co-noció la partitura de la obra y se refirió a ella y a su compositor con los mejores calificativos. El título de la obra – “Cavallería Rusticana” – es en italiano y no en español. Lo de “cavallería” (con v corta) no tiene que ver con caballos. La traducción más acertada de ese título sería “Caballerosidad rústica o pueblerina” y alude a un código de honor que rige en una modesta comunidad siciliana.Considerado por los aficionados como compositor de un solo tra-bajo, Pietro Mascagni escribió otras óperas de interés y calidad. Aparte de Cavallería Rusticana, el simpático cómico L’amico Fritz, Iris, e Il Piccolo Marat poseen una gran variedad de estilos y una at-mósfera agradable. Sin embargo, la primer ópera de Pietro fue tan exitosa que ningún otro de sus esfuerzos posteriores pudieron igualar el triunfo inicial. Su apego al régimen fascista de Mussolini lo convirtió en un fiel servidor durante 1920 y 1930; pero al final, este mismo apego lo desacreditó y lo llevó a la pobreza.

28 No es ningún juego de palabras, es una realidad meridiana. Casi trein-ta años después de su estreno en España, el actor Paco Valladares y el director Ángel Fernández Mon-tesinos han caído nuevamente en la "Trampa mortal" del escritor Ira Levin, una obra teatral que inicia una tercera etapa sin la etiqueta de "nueva versión".De su primera (1981) y segun-da puesta en escena (1999), sólo han cambiado los actores y actri-

ces que acompañan a Fernández Montesinos y a Valladares en esta comedia policíaca que, con intriga, suspense y humor negro, narra cómo un escritor "en horas bajas" planea matar a un antiguo alumno para apropiarse de una novela y hacerla suya.María Garralón, Marisa Segovia, Alejandro Navamuel y Rafael Este-ban relevan en las tablas a quienes interpretaron al resto de persona-jes en la pasada década de los no-

venta: María Kosty, Arsenio León, Marisol Ayuso y Emiliano Redon-do. Algo más lejos en la historia, quedan María Silva y Trini Alonso como actrices que acompañaron a Valladares en la primera etapa de esta obra que, desde su estreno el pasado siglo en Broadway, ha sido la comedia americana del género de intriga con más representacio-nes en los escenarios del mundo.

- "He tenido que estudiar otra vez la obra, pues mi pista magnética, con todo lo que he hecho después, lo había borrado todo", ha afirma-do Valladares. "La obra no ha cam-biado nada, está muy bien escrita y está muy bien como esta", ha añadido el actor sevillano, quien ha explicado que la elección del resto del reparto ha sido "muy de-licada".

El novelista norteamericano Ira Le-vin, autor entre otros títulos de la novela Bésame antes de morir, lle-

EL COMEDIANTE, JUNTO AL

DIRECTOR, ÁNGEL F. MONTESINOS,

REPITEN POR TERCERA VEZ LA

OBRA DE IRA LEVIN

el único actor que cae tres veces en una Trampa MortalPACO VALLADARES

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vada dos veces a la pantalla y del film Los niños del Brasil, es sobre todo, conocido mundialmente por dos obras maestras de misterio: la película La semilla del diablo y por su comedia policíaca Trampa mortal. En Broadway, Trampa mortal per-maneció dos años seguidos en cartel, ganando el premio Edgar Allan Poe, como la mejor comedia policíaca y siendo nominada para los premios teatrales Tony. Su ca-rrera triunfal culminó en Londres con más de tres años en cartelera. Fue adaptada al cine en los ochen-ta interpretada por Michael Caine y Christopher Reeve

-He dirigido La Ratonera y La Hue-lla, dos comedias de intriga, pero confieso que el material con el que Ira Levin ha tejido su obra de sus-pense es mucho más complicado y eficaz que el de ninguna otra obra policíaca", asegura el director Fer-nández Montesinos.

TRAMPA MORTAL HA SIDO LA

COMEDIA AMERICANA DEL

GÉNERO DE INTRIGA CON MÁS

REPRESENTACIONES EN LOS ESCENARIOS

DEL MUNDO

Está ligado a la televisión desde sus orígenes en 1956, donde fue el primer locutor de continuidad de Televisión Española (TVE). In-terviene en los espacios dramáti-cos de TVE. Presenta programas de variedades y participa en ma-gazines en los que interpretadiversos sketchs cómicos. Tie-ne una larga carrera profesional desarrollada principalmente en el teatro y en la televisión, don-

de ha cosechado grandes éxitos de forma continuada durante cincuenta años. Dotado de una magnífica voz y con formación musical, interviene como actor y cantante en comedias musicales de éxito. Realiza recitales poéti-cos e interviene como intérprete dramático en conciertos sinfó-nicos. En abril de 2009 recibe el Premio Mayte de teatro a la la-bor de toda una vida.

PACO VALLADARES

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Según Pirandello, todos vivimos vidas que no queremos vivir, y an-damos deambulando por la tierra en busca del autor que pudiera darnos otra vida mejor. “Tantas voces…” es un espectáculo teatral conformado por algunas de esas vidas nacidas en los relatos y en las piezas teatrales de Pirande-llo. Se trata de una selección de las obras más conocidas y apreciadas por la crítica literaria: Tengo tantas cosas que contarle; Limas de Sici-lia; Alguien ha muerto en el hotel; El hombre de la flor en la boca; La Casa de Granella; y El certificado. Casi cuarenta personajes interpre-tados por siete versátiles actores que conforman un mosaico de la Italia de principios del siglo XX en el que aparece la Roma burguesa y artística, el Palermo portuario y céntrico, la Sicilia rural del interior, las cerradas capitales de provincia, estaciones de tren, hoteles, calles ruidosas, la soledad de las habita-ciones, las mansiones vacías del campo, la música popular, los obje-

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tos, el teclado de un piano, el silencio…, la vida, los días… Eso es “Tantas voces…” Un mundo paradójicamente frag-mentado y compacto, donde tie-ne cabida un enamorado viejo y vulgar, una viuda pretenciosa, un huésped de hotel reflexivo y filo-sófico, una chismosa envidiosa, un director de orquesta, un recepcio-nista de hotel, una anciana enlu-tada, una gobernanta, un hombre enfermo, un arrendatario egoísta, una familia provinciana, un espíri-tu, un juez obsesionado, un hom-bre gafe, un músico de una banda municipal, una cantante de ópera, campesinos… Voces, voces,… tan-tas voces… Escritor y premio Nobel italiano, considerado como el más impor-tante autor teatral de la Italia del periodo de entreguerras. Pirande-llo nació el 28 de junio de 1867 en Agrigento, Sicilia, y estudió en las

universidades de Roma y Bonn. Fue profesor de literatura italiana en la Escuela Normal Femenina de Roma, entre los años 1897 y 1921,

cuando su creciente reputación como escritor le permitió dedicar-se por completo a su carrera lite-raria. Tras abandonar la enseñan-za para dedicarse por entero a la creación literaria, y reconocido ya en todo el mundo, en 1925 asumió la dirección del Teatro d'Arte de Roma y cuatro años después fue nombrado miembro de la Acade-mia de la Lengua de Italia. Pirandello expresó su profundo pesimismo y su pesar por la con-dición confusa y sufriente de la humanidad a través del humor. Sin embargo, éste es singularmen-te macabro y desconcertante. La sonrisa que despierta procede más bien de lo embarazoso, y a veces amargo, que resulta reco-nocer los aspectos absurdos de la existencia.

Entre las restantes obras de Pirandello destacan El placer de ser honrado (1917), Así es si así os pare-ce (1917), Enrique IV (1922), y Esta noche se improvisa (1930).

Paralelamente escribió narracio-nes breves que fueron reunidas bajo el título general Cuentos para un año (1933) y la novela La exclui-

da (1901). Obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1934 y falleció dos años más tarde, el 10 de diciembre de 1936, en Roma.Husmeando en ese gran baúl que son los «Cuentos para un año», Juan Carlos Plaza ha elaborado un variopinto fresco de la Italia de principios del siglo XX al que se asoman cerca de cuarenta perso-najes que dirige Natalia Menén-dez, actriz, directora, traductora y autora teatral y recientemente nombrada directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, lo que no es impedimen-to para seguir desempeñando su labor como directora de la pieza ‘Tantas Voces’. "Sin lugar a dudas, Tantas voces es un espectáculo en el que prima la belleza de la palabra, de los sen-timientos y de las relaciones hu-manas”, puntualiza el actor Jorge Calvo, mientras que la directora sentencia el acierto del produc-tor: "Creo que Andrea (D´Odorico) hace una apuesta maravillosa por dar a conocer a un autor que pare-ce conocido y no lo es. Pirandello quiso escribir un cuento para cada día del año, y aunque por desgra-cia no lo pudo acabar dejó más de 240 cuentos escritos"

Escritor y premio Nóbel italiano, Pirandello es considerado como el más importante autor teatral de la Italia del período de entreguerras

La directora es Natalia Menéndez, recientemente nombrada directora del Festival de Teatro de Almagro

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Kiev, su teatro de Ópera y Ballet, ha sido uno de los recintos sagra-dos donde se ha mantenido la tra-dición del ballet clásico ruso, su escuela, el escrupuloso respeto de sus coreografías, la programa-ción continuada de su repertorio. El Teatro, fundado en 1804, tiene desde 1860 su compañía estable de ballet y, desde entonces, los grandes nombres de la danza se vinculan a su actividad. El del pro-pio Chaikovski, por ejemplo. Es una tradición, la del ballet clásico,

HEREZADE

que está profundamente enraiza-da en Ucrania. A los ucranianos les gusta recordar que no es por casualidad por lo que personali-dades como Nijinski o Serge Lifar nacieron allí. Tras el cambio de la situación política, la dirección del Teatro Nacional de Ópera y Ballet de Kiev apuesta decididamente por una nueva etapa en la que se funden la rica tradición del pasado con los planteamientos del pre-sente: mantenimiento del carác-ter académico del Teatro, conser-

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EL BALLETDE LA ÓPERANACIONAL DE KIEV HEREZADEy

vando la pureza de su escuela y el lanzamiento de jóvenes talentos, apertura a las nuevas tendencias coreográficas y escenográficas y desarrollo de un continuado pro-grama de relaciones internaciona-les que favorezca el intercambio de artistas y la realización de giras en el extranjero.

Llega entonces su gran homenaje a los clásicos, a los que hicieron célebre el propio Teatro, la Ópera y la Danza. Tchaikovsky y El Lago de los Cisnes, Cascanueces, La Be-lla Durmiente; Rimsky Korsakow y Sherezade... Compuesta en el año 1888, esta suite se basa en los epi-sodios de Las Mil y Una Noches y la música guarda todo el color de aquellas narraciones. Sherezade

es una metáfora de la literatura: un cuento cada noche a cambio de no morir. La derrota de la muer-te siempre es parcial, al final ella siempre llega. Mediante la litera-tura le arrancamos apenas un día más, pero que merece ser conta-do. "Cuando escribí Sherezade, quería que estas notas arrastraran la fantasía del oyente por el mismo sendero que había caminado mi propia fantasía, dejando así más amplio lugar a la sensibilidad per-sonal de cada oyente. Yo pretendía dar la impresión de que mi músi-ca era un cuento oriental con muy diversas y numerosas maravillas", escribió entonces el músico.

En la versión actual del Ballet de la Ópera Nacional de Kiev, el Sultán

Shakhriar finge salir de cacería con su hermano para poner a prueba a Zobeida, su favorita, sospechando que no le es fiel. En cuanto el Sul-tán marcha, las mujeres del harén instigan al Gran Eunuco para que deje entrar a los esclavos.El más hermoso de todos, vestido de oro, es el elegido por Zobeida para participar en la orgía. Cuan-do el desenfreno llega a su apo-geo, Shakhriar regresa, interrum-pe la fiesta y ordena la ejecución de todos los presentes, con la excepción de su favorita. Esta dis-puesto a perdonarla en contra de la opinión de su hermano, que le recuerda la deslealtad de Zobei-da. Pero ella, arrebatando la daga a un guardián, se suicida a los pies de su señor.

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MAMAAAAAAAT E R E L E P Á V E Z V U E L V E A L O S E S C E N A R I O S

Desde principio de año se gestó un suceso en el panorama teatral: Terele Pávez volvía a los escena-rios, junto al actor Carles Castillo. Lo hacían con la producción y di-rección de La Recua Teatro y Está por Ver. Se trataba de la comedia “Mamá”, de Pep Antón Gómez y Jordi Sánchez. Suponía por tanto recuperar para los escenarios a una actriz a la que todos echa-ban de menos, mientras la recor-daban constantemente en cual-quier tertulia donde se hablara del arte de actuar, por su porten-tosa interpretación de la Régula de Miguel Delibes en Los Santos Inocentes, entre otros grandes papeles. Vuelve la Pávez era la

L A C É L E B R E A C T R I Z C O M P A R T E E S C E N A R I O C O N C A R L E S C A S T I L L O E N L A O B R A M A M Á Á Á ! !

noticia. Poco después, recogía el premio Amigos del Teatro de Va-lladolid por su impecable papel en la nueva obra de María Elena Diardes., Mamááá!!. Terele Pávez ha vuelto y arrasando.Mamááá!! es una comedia lige-ra, una comedia que habla de las miserias humanas, las perse-cuciones de valores que al final nos dejan vacíos y nos debilitan. Al principio de la obra es un gran grito de ambición, después se convierte en un grito de guerra y acaba siendo un grito de desola-ción y de destrucción:Una madre con 102 años con una embolia, una gripe y muy pocas ganas de morirse. Una hija con

70 años con un marido medio-cre y medio calvo, una empresa que se hunde por la crisis y una jubilación que no llega. Otro hijo pusilánime y entrado en años que cuida a la madre, la baña, la peina y casi la mata. Una testi-go de Jehová que les visita cada miércoles, muchas libretas y po-cos ahorros, una casa que hay que vender "¡pero ya!, una pis-tola que se dispara, un orinal que para la bala, un viaje a Canarias... o a Alaska, y timbres... muchos timbres. Una comedia, claro está. A través del lenguaje directo de la comedia, los enredos y las si-tuaciones absurdas, "Mamáááá" nos introduce en la psicología

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MAMAAAAAAAT E R E L E P Á V E Z V U E L V E A L O S E S C E N A R I O S

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de unos personajes enfrentados entre sí por una probable e in-minente herencia, y también en-frentados a sí mismos mientras se debaten entre el amor filial y la necesidad perentoria de dinero. Se trata de una introspección có-mica, tierna y ácida a la vez, para descubrirnos todo cuanto puede obrar en nosotros ese "podero-so caballero", don Dinero, sobre todo en estos tiempos de crisis que corren. En definitiva, humor inteligente para pensar en reír, y reír pensando.

«Nos metemos con profundidad en unos rinconcitos del alma humana y por eso la obra sirve

como espejo para el espectador», manifiesta Maria Elena Diardes acerca de la adaptación que ha realizado basándose en la obra de Jordi Sánchez y Pep Antón Gómez. La directora de la obra explica además que este traba-jo «es un proyecto de amor que parte de una simpatía personal y ahora refleja un entendimien-to perfecto sobre el escenario», y además añade que lo puso en marcha porque tenía «una ver-dadera necesidad» de trabajar con Terele Pávez. Mientras, la ac-triz incide en que este proyecto logra poner sobre las tablas «un teatro amable para todas las eda-des pero sin ñoñeces». La recu-

perada artista añade que la obra "enfoca la miseria humana pero con cierta compasión, no perdo-nando pero sí comprendiendo. Diseccionando el alma de la gen-te que está llena de ambición, y descubriendo que tanta soledad, frustración, tanto no aceptarse dentro y tanto no estar contento con lo que se tiene alrededor y querer siempre lo que está más lejos. Cuanto algo más lejos está, más valor tiene para nosotros.

Eso es la soledad, aspirar a cosas inalcanzables que nos ciega y nos impide ver cosas que hay cerca".La obra se enmarca en el Día In-ternacional de la Discapacidad.

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Tan lejos, la imaginación, la fábula, la figuración... Tan cerca, nosotros mismos, los ancestros, la comarca, las vivencias de nuestros mayo-res, el pasado sombrío. Falsaria de Indias, Llanos Campos -un de-cir- sabe de eso. La actriz y autora albaceteña lo fagotizó en la brutal Por el Ojo de la Cerradura, lo frivo-lizó en Cientovolando, lo parodió cuando puso en escena aquel en-tremés de Cervantes En un Lugar de la Mancha. Llanos -el nombre lo dice todo- es de las nuestras y se ha fijado. Ha clavado su cáma-ra de los sentidos en cada uno de nosotros y ha procesado los da-tos. Nos conoce en toda nuestra dimensión, también en la más lú-gubre y áspera. En Alrededores se centra en la patología de la muerte y su sentido más morboso: "Que-rer morir... y no saber cómo, mo-rirse... y sentirse estafado". Llanos, Falsaria, y la crónica de la muerte, con ese toque de humor a la man-chega, a la serrana, ya reconocido popularmente e indisolublemen-

FALSARIA DE INDIAS PRESENTA SU ÚLTIMO ESPECTÁCULO: ALREDEDORES

UNTRANCE

CAMPOSLLANOS

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te ligado a nuestra tierra. Me río, pero es trágico. Me río por no llo-rar. Es José Luis Cuerda cuando se lamenta en la taberna o Joaquín Reyes en Enjuto Mojamuto y hasta el esperpento de la Cañizares en Cámara Café. Otras versiones de aldea, de nuestra propia aldea. La de Llanos es más dura. Desgarra, por que sus asuntos son muy se-rios, más trascendentes y a la vez, más cercanos. Miserables. Llanos Campos conoce el oficio y además domina nuestra psique más mór-bida. Puro teatro.

ALREDEDORESEs casi lo mismo... Un espectáculo a partir de cinco historias con solo algo en común: Todas hablan de la Muerte. Cada historia está pre-sentada por una animación audio-visual proyectada en el ciclorama trasero. Se aborda el tema desde la reflexión, pero sobre todo des-de el humor. Diversas formas de circunvalar ese momento, inevi-table, aunque siempre tabú. Una obra ágil, llena de risas, una forma de desdramatizar un trance por el que todos, nos pongamos como nos pongamos, tenemos que pa-sar. Hagámoslo con una sonrisa. O mejor: con una carcajada...

EL EQUIPOFalsaria de Indias ha reunido un equipo de profesionales donde

abundan los manchegos, los alba-ceteños. La música, por ejemplo, es de Agustín Lozano (Hermano Lobo) y los bocetos del dibujante, Manuel Cifuentes, "Ciro". Además de las animaciones de Gonzalo Ro-dríguez Checa; la iluminación de Íñigo Benítez; el vestuario de Lola Trives. La dirección compartida es de Alberto Alfaro. Llanos Campos interviene en la escenografía, la dirección y el guión, además de ser la única intérprete en el esce-nario.

La Muerte es el principio. Aquí sí. Y también el final. Eso también es cierto. Así que este viaje es por los Alrededores de la Muerte. Pero este sendero no da miedo, ni tam-poco es triste. Camino del final, hay mucho de lo que alegrarse, mucho de lo que reírse. Seguro

que sí. Querer morir... y no saber cómo, morirse... y sentirse estafa-do, perder mucho... y seguir ade-lante, tenerlo todo en contra... pero no rendirse jamás, escuchar lo que tiene que decirnos... La Que Nunca Habla... Todo eso haremos aquí. Un espectáculo lleno de hu-mor negro, rojo, blanco... Una obra para reírnos de lo inevitable, y, de paso, de nosotros.(Llanos Campos)

UN ESPECTÁCULO A PARTIR DE CINCO

HISTORIAS CON SOLO ALGO EN COMÚN:

TODAS HABLAN DE LA MUERTE

LLANOS CAMPOS ES LA ÚNICA INTÉRPRETE EN EL ESCENARIO

La celebración del I Centenario del nacimiento del poeta Miguel Hernández ofrece la oportunidad de revisar y poner al día su legado humano y poético. Desde que fue siendo conocida, la figura de Mi-guel Hernández siempre ha ejer-cido un poderoso magnetismo en todo el que se ha acercado a ella no sólo por sus virtudes literarias sino por la gallardía y coherencia con la que encaró las vicisitudes y penalidades que rodearon su existencia y que han hecho de él un personaje admirable. En estos oscuros tiempos de superficiali-dad, de prisas y de atajos, la figura de Miguel Hernández se agiganta y su obra se convierte en un faro luminoso que marca un rumbo de entrega, esfuerzo, compromiso, perseverancia, generosidad y fe, que constituye un indispensable referente para todos, y más espe-cialmente para nuestros jóvenes.

La música no ha sido nunca ajena al valor y trascendencia de la poesía de Miguel Hernández, y, de hecho, desde hace varias décadas, son

muchos y diversos los artistas que han interpretado la poesía her-nandiana, y también desde el fla-menco se han hecho homenajes al poeta. Miguel Hernández conoció las artes flamencas de cantaores como “el Guerrita”, “Marchena” o “El Cojo de Málaga”, y también de sus paisanos Antonio García Espadero y “El Mamaíllo”. Cafés como “El Café España”, de la calle Calderón de la Barca, junto al cine Novedades, era frecuentado por Miguel para escuchar estos cantes flamencos.Su afición al flamenco vino de la mano de su amistad con Carlos Fenoll, uno de los integrantes del grupo poético de “La Tahona”, y dicha afición era al mismo tiempo flamenca y taurina. Esta vincula-ción con el mundo taurino facilitó posteriormente a Miguel su entra-da en Madrid como colaborador

en la enciclopedia de Los Toros, de José Mª de Cossío.En definitiva, el mundo flamenco-taurino no es en absoluto desco-nocido para el poeta de Orihue-la, todo lo contrario, y, de alguna manera, esta vinculación dejó im-pronta en su poesía. Miguel plas-ma, con la profundidad literaria que le caracteriza, sentimientos poéticos muy presentes también en la música flamenca, fundamen-talmente en todo lo relacionado con el sentido de lo trágico y de la muerte.El trabajo discográfico de Francis-co Rodríguez, Fraskito, condensa en partituras musicales flamencas las grandes referencias que inspi-ran la poesía de Miguel: El amor, la muerte, la vida, la pertenencia a la tierra y el compromiso social con el pueblo, con la gente sencilla y humilde.

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ARTEPASARHAMBRE

EL

DE

Esta obra de teatro habla del hambre y del hambre intelec-tual.Nacer al abrigo del hambre pue-de llegar a convertir la perenne inanición en arte, el arte de pa-sar hambre, y ya en la cuna ¡¡ser artista!!El personaje principal deambu-ló, bajo el techo celestial de los sin techo, por calles de geografía

irreal con frío y hambre, ¡hambre canina! ¡hambre calagurritana!, ¡¡ hambre, hembra, hombre!!.Se imaginarán la gran tragedia que producen las carencias ali-mentarias y artísticas y cómo arrastran a los desheredados, no de arte sino de posición econó-mica, a la locura.Nuestro personaje sólo se ali-mentó de humor.

“Si cuarenta mil niños sucumben diariamente en el purgatorio del hambre y de la sed, si la tortura de los pobres cuerpos envilece una a una a las almas y si el poder se ufana de sus cuarentenas o si los pobres de solemnidad

son cada vez menos solemnes y más pobres, ya es bastante grave que un solo hombre o una sola mujer contemplen distraídos el horizonte neutro; pero en cambio, es atroz si es la humanidad la que se encoge de hombros”

(Mario Benedetti)

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La noche de Navidad los juguetes se levantan y cobran vida en una mágica e inolvidable fábula que se convierte en un espectáculo con-movedor y emocionante para el espectador. Este cuento onírico y evocador creado por Tchaikovsky se ha convertido en una obra clá-sica del ballet y en una cita obliga-da para las fechas navideñas. Los bailarines juegan a ser muñecos y autómatas con su arte, su técnica y su vibrante entusiasmo. La com-pañía capta la esencia de la obra y ofrece un espectáculo de gran virtuosismo, pero a la vez lleno de empatía y emoción. El Cascanue-ces representa un delicioso sueño que combina a la perfección una espléndida partitura con un argu-mento en el que los espectado-res vuelven a ser niños por unas horas. El Cascanueces, converti-do en una tradición navideña en todo el mundo, es también, junto con La Bella Durmiente y El lago de los Cisnes, el ballet más céle-bre de Tchaikovsky. Se estrenó

en diciembre de 1892 en el le-gendario teatro Mariinskii de San Petersburgo, bajo la coreografía original de Lev Ivanov y el libreto de Marius Petipa.

La historia se inspira en el céle-bre cuento de E.T.A. Hoffmann “El cascanueces y el rey de los rato-nes”, aunque el argumento que, años más tarde, daría vida al ba-llet de Tchaikovsky deriva de una adaptación que Alejandro Dumas padre hiciera del texto. La historia tiene lugar en Alemania, en casa del respetable juez Stahlbaum, en Navidad. El matrimonio y sus hijos –Clara, Luisa y Fritz- reciben la visita de sus familiares, entre ellos el viejo Drosselmayer, un solterón excéntrico y aficionado a la magia. Éste trae a Clara un re-galo muy especial: un cascanue-ces de madera. Fascinada con su nuevo juguete, la niña se queda dormida abrazada a él. En mitad de la noche, Clara se despierta: los juguetes han cobrado vida

y ella se encuentra acosada por un ejército de ratones. Se des-encadena una batalla entre los ratones y los soldados, liderados por el Cascanueces. Después, la niña, el juguete y Drosselmayer emprenden la búsqueda del Rey de las ratas al País de las Nieves y otros lugares mágicos, donde vivirán extraordinarias aventuras. Finalmente, todo se desvanece y Clara despierta en su casa junto a su muñeco.

El Cascanueces es, así, una fábula que habla de la añoranza perpe-tua por la infancia perdida y del contraste entre la realidad del mundo de los adultos y el mundo de los sueños de los niños. Gracias a su colorido, la extraordinaria imaginación que desbordan los personajes y las aventuras, y la in-olvidable música de Tchaikovsky, El Cascanueces se ha convertido en uno de los ballets más repre-sentados del mundo, en especial en estas fechas.

CASCANUECES EL

EN PLENAS FECHAS NAVIDEÑAS VUELVE EL CLÁSICO DE TCHAIKOVSKY CON EL BALLET ESTATAL RUSO

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Más de 100 artistas en escena con sus voces, sus bailes y su música. Se trata de un espectáculo trepi-dante, cuya cadencia va incremen-tando a medida que avanza hasta sumir al espectador en un mundo cromático, enérgico e irrepetible.El Coro, Ballet y Orquesta del Ejér-cito Ruso de San Petersburgo, avalados por el éxito de sus giras internacionales, irrumpen en el escenario con la fuerza de un es-pectáculo plagado de delicados detalles. Energía y armonía se dan la mano en este espectáculo ca-paz de conmover a asistentes de cualquier edad, por ello ya lo han disfrutado más de 30 millones de espectadores.

El origen de los conjuntos de Co-ros y Danzas del Ejército Ruso se remonta a las dos Guerras Mun-diales, cuando estas formaciones llevaban a los soldados de los fren-tes y hospitales canciones de amor y esperanza. Después, aquellas vo-ces y otras muchas que llegaron con la paz se fueron convirtiendo en uno de los espectáculos rusos

CORO, BALLET Y ORQUESTADEL EJÉRCITO RUSO DE

SAN PETERSBURGO

más aplaudidos del mundo. A es-tas canciones populares rusas se fueron enriqueciendo con temas de otros folclores, que aprendie-ron de las frecuentes giras que los conjuntos de coros y danzas llevan a cabo por numerosos países.Gracias a la multitud de grabacio-nes musicales realizadas por los Coros en las distintas ciudades de Asia, América y Europa, se han convertido ya en clásicos interna-cionales títulos como Ojos negros, Kalinka, o Subboteya. En todos ellos, la maravillosa conjunción de voces masculinas distribuidas en cuatro tonos convierte la partitura en un auténtico alarde de poten-cia y musicalidad.El director del conjunto Valery Tkachenko, constituye uno de los principales embajadores del fol-clore de la ex unión soviética. El grupo de ballet, formado por unos cuarenta artistas, sorprende por su deslumbrante vestuario, sus originales coreografías y la destre-za que demuestran en sus bailes. Sus danzas hablan de la vida agrí-cola, de amor y de batallas. Algu-

nas de las más espectaculares son la “Danza Ucraniana”, “La danza de los soldados”, “La danza de los marineros” o “Las campanas de Rusia”.Con los Coros y Danzas del Ejérci-to Ruso vienen también a España algunas de las voces más desta-cadas de Rusia, como lo tenores Kalashnikov, Kolenkov, Tsymbal, Adzihindzhal, los barítonos Stepa-nov y Solovyev. En su repertorio de estos cantantes destacan arias de óperas clásicas como El Trovador y Rigoletto de G. Verdi y La Bohéme de Puccini y, obviamente, adquie-ren toda su fuerza expresiva en el cancionero tradicional eslavo. Va-rios de ellos han sido nominados para el preciado galardón de “Ar-tista del pueblo de la Federación Rusa”.La música, danza y cantos del Ejér-cito Ruso de San Petersburgo cons-tituyen una extraordinaria mezcla musical gracias al increíble virtuo-sismo de los músicos y al increíble cuerpo de ballet que transforman al Ejército en un espectáculo festi-vo y un viaje a la Rusia ancestral.

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Albacete recibe nuevamente al Tango, luego de ser declarado el 30 de septiembre de 2009 Patrimo-nio Cultural de la Humanidad por las Naciones Unidas a través de la Unesco. El Tango estará en estas galas representado por artistas de reconocida calidad interpreta-tiva con una amplia retrospectiva de los comienzos instrumenta-les, la aparición de Carlos Gardel y la revolución musical de Astor Piazzolla. También se exhibirá la danza tradicional y la actual, en permanente evolución, y la época dorada de este género musical en el Río de la Plata en las décadas del 40 y 50 del siglo pasado. Se pondrán de manifiesto en ambas galas el mestizaje de inmigrantes europeos con descendientes de esclavos y criollos que permitió el surgimiento de una amplia gama de costumbres, creencias y ritua-les que se transformó en un dis-tintivo cultural de identidad rio-platense a través del tango, cuyo baile sensual de roce piernas y ochos en el suelo se convirtió en sinónimo de pasión a nivel global. Los días 19 y 20 de noviembre en el Teatro Circo de Albacete se realizarán las dos galas.

II FESTIVALINTERNACIONAL

DE TANGOALBACETE 2010

Una más que interesante exhibi-ción de dos sonidos locales, alba-ceteños con tendencias de rock internacional y con algún que otro trabajo interesante ya en su equi-paje. Fary No More, no es sino una réplica del sonido apabullante que ofrecían los célebres Faith No More de los noventa, del no menos caó-tico Mike Patton. Nacieron como réplica fraternal guiada por una indisimulada admiración a los ca-lifornianos. El grupo está lleno de músicos de contrastada experien-cia en los escenarios y la broma se convirtió en más que un homenaje.

Últimamente han sufrido el revés de la muerte de su bajista, Cristóbal Martínez, también recordado bate-ría de The Heretic. Freedonia hacen un rock mas estable, más común, y cuentan con la indudable clase de Paula, su cantante, que con Jose-ma, guitarra y teclados, realizan unas sesiones francamente cerca-nas, reconocibles y de muy buen gusto. Los conciertos serán en la Sala Pepe Isbert del Teatro Circo, escenario escogido por sus adali-des, el Centro de Juventud, para mostrar en dosis intimistas lo que se cuece en la ciudad.

FARY NO MORE Y FREEDONIA EN LAS NOCHES DE LA PEPE ISBERT

CONCIERTOLa Banda del Real Conservatorio Pro-fesional de Música se crea al comien-zo del curso académico 1990-1991, desde entonces ha actuado en toda la Comunidad Autónoma. En este tiem-po han pasado por ella alrededor de 450 alumnos.

ZARZUELA LA GRAN VÍA EN SU CEN-TENARIOEl Real Conservatorio desea unirse a la celebración del Centenario de los co-mienzos de la construcción de la calle madrileña presentando una selección de los números más conocidos de “La Gran Vía”, la denominada revista “cómico-lírica”, “fantástico-callejera” en un acto y cinco cuadros, con texto de Felipe Pérez González y música de los maestros Chueca y Valverde. Nacida con el objeto de relatar las obras de remodelación del Centro de la ciudad que darían lugar a la arteria madrileña, esta zarzuela se converti-rá en uno de los mayores triunfos del género llegando a ser representada incluso en el extranjero traducida al alemán, italiano o francés. En ella,

los autores describían los procesos de construcción que se estaban rea-lizando en la capital, por lo que crea-ban y suprimían números conforme evolucionaban las obras tratando la realidad del momento por medio de la crítica social, el retrato costumbris-ta y, en ocasiones, una fuerte carga política.En esta representación, los Departa-mentos de Canto, Coro y Orquesta del Real Conservatorio les invitan a disfrutar de una selección de los nú-meros más característicos de la famo-sa zarzuela, que irán precedidos por una Antología. El público podrá, en números como la “Polca de las Calles”, el “Vals del ca-ballero de Gracia”, el “Tango de la Me-negilda”, la “Jota de los Ratas”, “Los Marineritos” o el “Chotis del Eliseo”, en los que apreciar la descripción de los diferentes personajes típicos ma-drileños que, pese a describir el am-biente típicamente madrileño, de co-rralas, cavas, ambiente de sainetes, mangantes, chulapos y chulapas se ha convertido en la obra más famosa de nuestro teatro nacional.

XX ANIVERSARIO DE LA BANDA DEL REALCONSERVATORIO PROFESIONAL DE MÚSICA

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Dos historias llenas de ternura que nos enseñan a valorar nues-tra identidad, incluso dentro de la soledad, como punto de partida para encontrar nuestra libertad y demuestra que la diversidad nos ayuda a disfrutar y conocer el mundo. Del baúl de nuestra abuela salen historias tan maravillosas como las del Oso Andrés, que gracias a tropezarse consigo mismo en el espejo conoció a su linda esposa o la de Pérez el Pintor, un ratón que descubrió la belleza de los mil co-lores a la ciudad gris. Dos cuentos que muestran a los más pequeños la importancia de reconocerse y abrirse al mundo, de la curiosidad y el encuentro con el otro.LA GRAN SORPRESA DEL OSO ANDRÉSFlaquito, flaquito, se ha queda-do el pequeño Oso Andrés por su tristeza. Tiene de todo en el bos-que; su casa y su independencia, pero a veces no es del todo feliz, porque le falta una dulce osa para casarse. Por mucho que comparta aventuras y regalos con sus ami-gos, un oso no puede casarse con una lombriz o una elefanta, sóla-

mente con una señorita osa, que por desgracia, no halla en su mon-te… Hasta que un día, aparecerá una sorpresa ante su puerta que cambiará su vida. Este cuento ejemplifica el dis-frute de ser libre y de sentir la propia identidad, incluso en sole-dad. De cómo podemos ser felices con nosotros mismos si nos reco-nocemos y nos permitimos crecer sin prejuicios.DE COLORES, DE TODOS LOS COLORESPérez es un ratón pintor enamora-do de los colores. Los reparte de aquí allá por todo el mundo, pero un día llega a la Ciudad Gris, don-de todo es de ese color. Sus habi-tantes sólo ven la vida en ese tono, que aunque el gris es hermoso co-lor, no es el único, así que no que-rrán ver el primor del arco iris que

Pérez quiere mostrarles. Cuando parece que Pérez se quedará tris-te sin poder destapar sus cubos de pintura, obligado a marcharse de allí, la casualidad llenará de color el futuro de Ciudad Gris.Este cuento del ratón pintor nos revela la importancia de sentir cu-riosidad por el mundo, del descu-brimiento de lo nuevo y la libertad de elegir, sin dejar de apreciar lo que ya conocemos.

CUENTOS DE AQUÍ,

DE ALLÁ Y DE MI

ABUELA TAMBIÉN

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Un espectáculo que tiene como eje básico los miedos de los ni-ños. Con la ayuda de Marga, una niña de 7 años que tiembla cada vez que ha de ir sola a dormir, repasa los diversos miedos a los que todos los niños y niñas se enfrentan cuando llega la noche. Tormentas, monstruos, sonidos extraños, personajes misterio-sos, bichos y animales… forma-rán parte de las diferentes esce-nas de “Uhhhh!!”.

Gracias a la visita de un fantás-tico personaje de cuento como es Juan sin Miedo, Marga irá descubriendo que todo aquello que tanto miedo le provoca es, en realidad, una mala pasada de nuestra imaginación y que, real-mente, la noche encierra todo un mundo maravilloso que debe-ría disfrutar. Porque… ¿qué sería de los Reyes Magos y Papá Noel sin la noche? No podríamos ad-mirar las estrellas y planetas sin

la noche. No escucharíamos can-tar a los búhos y lechuzas si no fuera por la noche. ¡Qué mágicas son las ciudades iluminadas por la noche! ¡Y qué fantásticos los fuegos artificiales por la noche!A través de canciones y mucha, mucha imaginación, los actores, las sombras y los títeres dan la vuelta a todos los tópicos que envuelven la oscuridad de la no-che para descubrir todo un mun-do de alegría y color.

Uhhh!!

ALICIA EN EL PAIS

DE LAS MARAVILLAS

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El texto original fue “Las Aventu-ras de Alicia bajo tierra”, que real-mente constituyen el guión del que parte el texto definitivo de Alicia. Desde el éxito del persona-je, el autor, Lewis Carroll, decidió escribir una versión infantil, “Alicia contada a los niños” y unas páginas que explican las características de los personajes, “Alicia en la esce-na”. La historia ha sido siempre un fantástico -nunca mejor dicho- re-clamo para magos y jerarcas de la imaginación, creación y la inventi-va, como Walt Disney que estrenó su memorable película en 1951, o como ese Disney actualizado, Tim

Burton, que acaba de sorprender una vez más, 2010, con su versión cinematográfica en 3D. La compañía La Maquineta la pre-senta ahora como un musical lle-no de magia y fantasía en el que la joven Alicia se sumerge en el sorprendente País de las Mara-villas y conoce a extraordinarios personajes como Tweedledee y Tweedledum, el Sombrerero Loco, La Reina de Corazones y el frené-tico Conejo Blanco. Un viaje por el mundo de las paradojas y del absurdo, donde los más atrevidos participan en una carrera “que empezó mañana pero ayer se va a

acabar”, donde se merienda con el sombrerero loco y sus pintorescos vecinos, donde se juega al críquet con la reina de corazones (si antes no te ha cortado la cabeza), donde se teme por el incierto futuro que le espera a la niña si no consigue escapar…Un clásico infantil que la compañía ha elegido para celebrar su deci-moquinto aniversario en el Teatro Lara de Madrid y que ahora salta al escenario nacional, como antes lo hizo con “El jorobado de Notre-dame”, “Anastasia”, “Hercules” o “Romeo y “Julieta”. Compañía La Maquineta.

de sus inverosímiles explicaciones, nos va desvelando el gratificante mensaje. La original idea se ma-terializa en un espectáculo jugoso y vivo que derrocha imaginación, claridad de expresión, naturalidad y rigor, y en el que sus directores demuestran gran maestría en el manejo de transiciones y ritmos escénicos. El trabajo audiovisual es otro de los puntos fuertes del espectáculo, que junto a la ilumi-nación y la escenografía logran instalar la magia y la fantasía a partir de divertidos y sugerentes efectos. Una obra decididamente recomendable que reposa sobre valores sencillos, importantes y necesarios en nuestro tiempo, y que sabe ser accesible para los pequeños y refrescante para los adultos.

MOMENTARIsión a base de besos, una pantalla mutante en la que los actores se introducen y aparecen y desapa-recen a un ritmo impecable. Nats Nus nació en 1987 y es uno de los grupos de danza contemporánea con mayor recorrido y un extenso curriculum internacional. En 1998, comenzaron a trabajar de forma paralela los espectáculos para ni-ños-as y jóvenes. Toda la acción teatral de Momen-tari gira en torno a una supuesta colección de momentos jugados con fresca e ingenua intención y conducidos por un extravagante y entrañable personaje que, a través

Tres veces ganadora al Mejor Es-pectáculo de Danza de la popular Feria de Teatro Infantil de Gijón (Fetén), la compañía catalana Nats Nus repitió éxito la última edición con esta obra coreografiada por Claudia Moreso que posee ese magnífico don de saber trabajar con envidiable conjunción y llegar a toda clase de públicos. En sus espectáculos experimenta conti-nuamente desde la base continua-da del juego y la curiosidad y sabe introducir con acierto creciente la utilización de la imagen graba-da. Momentari tiene momentos extraordinarios como una percu-

El hip hop es un movimiento ar-tístico y cultural que surgió en Es-tados Unidos a finales de los años 1970 en las comunidades afro-americanas y latinoamericanas de barrios populares neoyorquinos (Bronx, Queens y Brooklyn). Des-de el principio destacaron como manifestaciones características la música (funk, rap, Blues, DJing), el baile (hustle, uprocking, lindy hop, popping, locking) y la pintura (ae-rosol, bombing, murals, political graffiti). El baile Hip Hop como tal no existe ya que Hip Hop es una corriente cultural. Cuando se ha-bla de Danza Urbana se refiere al FreeStyle Hip Hop, su expresión rítmica y de movimientos.Como género musical surgió a fi-nales de los años 1950, cuando las fiestas callejeras o “block par-ties” se volvieron frecuentes en la ciudad de Miami y especialmente en el Bronx neoyorkino, debido a lo poco accesibles que resultaban para su gente los clubes y discote-cas que había en zonas pudientes de la Gran Manzana, como The Loft y Studio 54. Las fiestas calle-jeras se acompañaban de funk y soul, hasta que los primeros DJ’s empezaron a aislar la percusión y extenderla, puesto que la canción se volvía más bailable. Esta técnica

ya era común en Australia (en la música dub), lo que propició que la comunidad inmigrante jamaicana participase en dichas fiestas. Esta adaptación de beats más tarde fue acompañada con otra nueva téc-nica fresca llamada rapping (una técnica de canto rítmica y basada en la improvisación). Así nace el Master of Ceremony, llamados en el argot MC´s. La unión de dos de los elementos, el MC y el DJ (Disc Jockey), conforman el estilo musi-cal del hip hop: el rap.Uno de los objetivos más claros de la Compañía Brodas es la transmi-sión correcta y original de las dan-zas urbanas. Por eso han viajado alrededor del mundo buscando los orígenes y los creadores de los es-tilos como el Popping, el Locking, el b-Boying, el Krumping...para asimilarlos de la mejor manera po-sible y poder transmitirlos correc-tamente.“Hip Hop, danza urbana”, es un espectáculo lúdico y didáctico que narra la historia y evolución del

hip-hop como cultura, haciendo hincapié sobretodo en la danza.A través de explicaciones, coreo-grafías y gags humorísticos, los diferentes bailarines muestran las diferencias entre estilos como el popping, el locking, el freestyle y el bboying (breakdance).Un espectáculo para todos los pú-blicos que se adapta a todo tipo de escenarios y transmite mucha energía y ganas de bailar.

LA COMPAÑÍABailarines

Berta Pons, Clara Pons, Lluc Frui-tos, Pol Fruitos, Bboy Kadoer (Án-gel Patiño), Bboy Carlos Carmona

CoversBboy Plastik (Quim Marín) o Bboy Moysex (Moisés Rojo)

Música: CollageDirección Artística

Pol y Lluc FruitosCoreografía

Compañía BrodasVestuario: Clara y Berta Pons

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DOS

YARAVÍ

aire fresco

ERRANO

Piezas de danza independientes entre sí, pequeños relatos bailados por tan sólo dos personas. Bajo estas premi-sas se sitúa el espectáculo SóLODOS de SóLODOS neodans, la compañía de danza contemporánea creada por Maruxa Salas y Erick Jiménez. SÓLO-DOS, seleccionado por la Comisión de Ballet, Danza y Artes del Movimiento de la Red Nacional de Teatros en Es-paña y la Red Gallega de Teatros de Galicia, consta de cuatro piezas: Ca-racola (2007), Nozomi (2009), Mareia (2004) y Vigilia en ausencia (2010).

CaracolaHabla de perderse y encontrarse, so-ñar, despertar, llorar... y reír mucho, y vivir juntos... en el lugar donde nos queremos y esperamos para, al fin, encontrarnos. Donde te saludo... tú dices “Hola”, en mí y en ti... NozomiCuenta el valor del tiempo y del instan-te en las imágenes de nuestra mente. En un momento puede ocurrir todo, o puede no ocurrir nada. MareiaCaminos que discurren paralelos y se

cruzan, donde se frena y no se para, donde lo consigues todo y no tienes nada, donde flotas y te hundes, donde unos quedan y otros continúan. Donde estará ese mar que mueve mi vida. Vigilia en ausenciaHabla sobre el Alma, de cómo sólo se hace individual durante el breve tiempo en el que logramos contener-la... pero en cuanto tiende a desbor-darse... se vuelve colectiva... desde mi cuerpo a tu cuerpo, como uno solo que se confunde en todo y en cada uno de nosotros.

Aire Fresco es un espectáculo de flamenco didáctico titulado así por la frescura que de los cantes y no por la modernidad. Aire Fresco hacce un repaso por doce palos del flamenco, respetando toda su pureza y explicando un poco sus orígenes, características, deriva-ciones, procedencia e intérpretes más relevantes, todo esto acom-pañado de proyecciones y explica-ción de todos los cantes antes de interpretarlos y cambio de escena-rio para cada uno de los palos. En este espectáculo intervienen más de 25 personas entre músicos, vo-ces, imagen, coros, palmas, etc… Con él queremos hacer llegar al

SÓLO

Spúblico un conocimiento de nues-tros orígenes en cuanto a la raíz del flamenco, haciéndolo ameno para una sencilla comprensión y un acercamiento para todos los públi-cos, tanto jóvenes como mayores. En nuestro ánimo está la intención de aportar un poco de cultura de lo que son los cantes de raíz del acervo flamenco, respetando toda su pureza de origen, haciéndolo ameno y comprensible.

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WONDERLAND. Víctor Ullate Wonderland, la última coreografía de Víctor Ullate se interna en el com-plejo mundo de la mente. El Maestro Ullate nos sitúa dentro de un psi-quiátrico para mostrarnos, con toda la delicadeza de la danza, la vida de las personas allí ingresadas. DANZA >20 DE ENERO

EL DÚO DE LA AFRICANA La acción de ‘El Dúo de la Africana’ transcurre entre los bastido-res de un teatro de ópera de segunda fila dirigido por Querubini cuya mujer es La Antonelli, prima dona de la compañía y sevillana. ZARZUELA >14 DE ENERO

DAVID KNOPFLER Miembro fundador de Dire Straits y hermano menor de Mark, traba-jó en los dos primeros elepés del grupo -Dire Straits y Communiqué, los decisivos- y les dejó a mitad de la grabación de Making Movies. CONCIERTO > 3 DE MARZO

BODAS DE SANGRE. Ballet De Antonio Gades Con la obra Fuenteovejuna, inspirada en la novela homóni-ma de Lope de Vega, bajo la direccion artistica de Stella Arauzo. DANZA > 23 DE MARZO

POR EL PLACER DE VOLVER A VERLA Un reconocido autor teatral, también director y -en este caso- actor, nos propone aceptar que “alguien” es único cuando logra despertar en el otro el placer de volver a verle. TEATRO > 10 DE MARZO

LA FUNCIÓN POR HACER Una alfombra cuadrada alrededor de la cual se sitúan los es-pectadores, un caballete con una tela y un banco roto son los únicos elementos escenográficos de una función que se apo-ya exclusivamente sobre el texto. TEATRO > 10 DE FEBRERO

EL BARBERO DE SEVILLA Una de las óperas más famosas que existe en el mundo de la lí-rica. Fígaro es el barbero más famoso de Sevilla y siempre está solucionando problemas ajenos. ÓPERA > 11 DE MARZO

EL LIBRO DE LA SELVA El relato de las aventuras de Mowgli, se narra con una dinámica y colo-rista puesta en escena, donde la diversión es tan importante como los valores que transmite. MUSICAL INFANTIL > 29 DE ENERO

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