INSTITUTO POLITECNICO NACIONAL

ESCUELA SUPERIOR DE INGENIERIA Y ARQUITECTURA, UNIDAD TECAMACHALCO

ARTE, CULTURA Y SOCIEDAD, TERCER SEMESTRE

FAUVISMO El fauvismo es un movimiento artístico surgido en Francia cuya época de apogeo se puede situar entre 1905 y 1907. El término se debe al crítico francés Louis Vauxcelles, quien denominó esta pintura como “fauve”, fiera en francés. Se pueden establecer los primeros antecedentes del Fauvismo hacia finales de siglo XIX, particularmente en la obra de Paul Gauguin. • Este movimiento se reduce casi exclusivamente a la pintura, aunque algunos autores también hablan de una música fauvista. El cuadro inaugural

del movimiento fauvista expuesto en 1905 es “Lujo, calma y voluptuosidad”, de Henri Matisse, quien se convirtió en líder del grupo de pintores “fauve” entre los cuales se encuentran Raoul Dufy, Albert Marquet, André Derain y Roger de Vlaminck, junto con Cornelius van Dongen, Oton Friesz y Georges Braque, quienes también tuvieron su faceta fauvista.

• La pintura fauvista emplea exclusivamente el color como elemento base de la obra; se trata de un color fuerte, violente, agresivo, “fiero”. El espacio, las formas y el volumen, se crean a través del color, el cual es arbitrario y se aplica de una manera no real; por ejemplo, las caras de las personas representadas pueden ser verdes, azules o amarillas; las tintas son planas y se suprimen las sombras, dándose el modelado de las formas mediante le empleo del color. Algunas veces los colores son encerrados en trazos gruesos, negros o muy oscuros, técnica que se ha denominado cloisonnismo. En cuanto a la perspectiva, se tiene menos a la tridimensionalidad y se busca el escalonamiento y superposición de planos. Estas características de la Pintura fauvista se manifiesta en las obras de Matisse como el “Gran interior rojo”, “Retrato de Margarita leyendo” y “L’Algerienne”.

• Por lo que se refiere al contenido, no se le da importancia a los temas, pues aunque se tiende hacia el paisaje o el retrato, no se busca la observación psicológica ni se intenta captar los modelos naturales. Solo se persigue la exaltación del colorido lo más viva y “fieramente” posible; el color fuerte y llamativo es la meta del cuadro.

• En cuanto a las posibles conexiones con otros estilos artísticos, el fauvismo podría situarse dentro de la línea expresionista, no obstante, solamente tiene en común con ella el uso violento del color, pero el expresionismo lleva consigo una intensa carga emotiva y social que el fauvismo ni busca ni pretende. Ambos estilos están relacionados únicamente por el uso y el abuso del color. Algunos historiadores de arte observan en los trazos fuertes en que se encierran las masas de color, una cierta herencia de Paul Gauguin en el empleo del “cloisonnismo”. También se ha hecho referencia de influencias puntillistas, pero sin buscar en la pintura fauvista el efecto de la luz y el color de los neoimpresionistas.

• Aunque la época de apogeo del fauvismo fue realmente corta, tiene mucha importancia en el desarrollo de la pintura de principios de siglo, a pesar de que algunos artistas se apartaron de la línea inicial y pasaron a ser figuras destacadas de otros movimientos, como Braque del Cubismo o Friesz y Van Dongen del Expresionismo.

Margarita leyendo Descripción: Museo de Bellas Artes de Grenoble. Grenoble. Francia Autor: Henri Emile Benoit Matisse Época: 60.70 - Siglo XX. Vanguardias Históricas/Fauvismo 19.40.65 – Retratos

EL FAUVISMO También se ha hecho referencia de influencias puntillistas, pero sin buscar en la pintura fauvista el efecto de la luz y el color de los neoimpresionistas.

Las tintas que se utiizan son planas y por lo tanto no tienen sombras

Elementos como volumen aplicados no de manera tan real sino difuminado

No encontramos esa textura y tridimensionalidad pero si el uso de la superposicion de planos y todo dentro de lal linea expresionista

Color como elemento base de la obra

EL EXPRESIONISMO

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A principios del siglo XX, el término Expresionismo era utilizado para referirse, indistintamente, a cualquier tendencia de vanguardia. Más tarde adquirió un sentido general que definía las obras con temas sobre estados mentales, representados con fuerza tal que se distorsiona la apariencia normal de las cosas y las personas.

• Las obras expresionistas muestran una inspiración violenta, espontánea, rebelde y apasionada, característica de muchos artistas nórdicos. Finalmente se designó como Expresionismo, ya que de un modo preciso, la corriente del arte contemporáneo que nació a finales del siglo XIX con Vincent van Gogh, James Ensor y Edvard Munch, como una expresión de la interioridad de la conciencia, de estilo vehemente fundado en deformaciones voluntarias de la naturaleza, en el que permanecen la angustia y el simbolismo.

• El pintor noruego Edvard Munch fue la personalidad más influyente en el inicio del movimiento expresionista alemán. Formado en el academicismo, se vio influido por la obra de Daumier, Van Gogh y Gauguin. La pintura de Munch rechazó los temas neutrales el impresionismo para entregarse a la expresión de estados de ánimo subjetivos, con frecuencia morbosos, que tienen como finalidad explorar el mundo interior de la conciencia humana. Sus temas fueron casi siempre la enfermedad, el alcoholismo, la soledad de la adolescencia y de la vejez, la ansiedad, la decepción y la angustia, temáticas que agrupó bajo el título de “El Friso de la Vida”. Las características fundamentales de su obra son el uso de grandes masas, el predominio de la línea, el contraste violento de colores y la expresividad extrema de rostros y actitudes, evidentes en obras como “El grito”, “La muerte en la habitación” y “Al día siguiente”.

• El expresionismo alemán, cuyas bases se encuentran en la obra de Munch, se desarrolló en Dresde a partir de 1905 con el grupo Die Brücke, en español “El Puente”, porque sus fundadores querían vincular el arte alemán de pasado con el del futuro; iniciaron el movimiento cuatro estudiantes de arquitectura: Ernst-Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl y Karl Schmidt-Rottluf, quienes se dedicaron a la pintura, litografía y grabado en madera, porque con estas técnicas podían expresar con mayor plenitud sus sentimientos, a la vez que se rescataba al grabado que se había utilizado en Alemania mucho tiempo atrás.

• Los artistas de “El Puente” abordaron diversas temática relacionadas con la sociedad y la política de su tiempo, empleando colores violentos y sintetizando las formas en sus obras; trabajaban con un sentido de urgente creatividad, con mucha prisa para dejar listo el cuadro. Utilizaban el tema del cuadro para comunicar sus sentimientos intensos y no dudaban en deformarlo hasta que conseguían el efecto deseado. En este aspecto eran parecidos a los artistas fauvistas, pero se negaban a reconocer ninguna influencia. Sus pinturas se parecen también a la obra de los cubistas en el hecho de tener muy poco fondo o perspectiva.

• En 1910 el pintor ruso Wassily Kandinsky se unió a algunos pintores de Die Brücke para formar un nuevo movimiento denominado Der Blaue Reiter, en español, El Jinete Azul. Este segundo movimiento del Expresionismo alemán se hizo pronto internacional, porque en 1910 los movimientos del nuevo arte se difundían rápidamente por Europa. Los artistas del Blaue Reiter estaban en contacto con los cubistas y futuristas y conocían lo que se estaba haciendo en otras partes de Europa; tenían su propia publicación, Der Blaue Reiter, en la cual Kandinsky, Franz Marc y Paul Klee escribieron extensamente sobre el proceso que los llevó a pintar en su estilo propio. El Jinete Azul aportó las bases para la abstracción apoyándose en la sensación producida por el color, las líneas y las figuras geométricas relacionadas con la música.

• Se añaden a estos dos grupos de expresionistas alemanes los artistas independientes como Kokoschka, Beckman y Grosz. Los pintores expresionistas alemanes fueron objeto de percusiones y prohibiciones por parte de los nazis durante la década de los 30 y 40, los cuales los clasificaron como artistas degenerados; sus obras fueron destruidas y muchos de ellos tuvieron que huir al exilio.

• En Francia, el expresionismo no fue nunca un movimiento coherente, sino un estado de ánimo común entre algunos pintores que trabajaban en forma aislada: Rouault, Gruber, Gromaire, Chagall y Soutine. En Italia, el expresionismo dio un pintor genial y singular, Modigliani.

• Reapareció en expresionismo tras la Segunda Guerra Mundial, adoptando formas abstractas, en la Escuela de Nueva York, cuyos representantes fueron: Pollock, Kline, Gorky, De Koonig y otros más. Este movimiento en ese entonces recibió el nombre de Expresionismo Abstracto.

“El Expresionismo” Nació como una expresión de la interioridad de la conciencia, de estilo vehemente fundado en deformaciones voluntarias de la naturaleza, en el que permanecen la angustia y el simbolismo.

ANCIANA CON MASCARAS AUTOR: JAMES ENSOR (1989)

“El Impresionismo Neutral rechazado ”

"Caminaba yo con dos amigos por la carretera, entonces se puso el sol; de repente, el cielo se volvió rojo como la sangre. Me detuve, me apoyé en la valla, indeciblemente cansado. Lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás temblando de miedo, y sentí el grito enorme, infinito, de la naturaleza".

-EL GRITO Edvard Munch. (1908 ) Pintor simbólico expresionista noruego.

• El grito refleja sus propios temores y tormentos. • Su fuerza expresiva se debe en gran medida a las técnicas y efectos pictóricos empleados, la

estridencia del colorido y la sinuosidad de las líneas. • Se expresa la soledad del ser humano . • Los rasgos de rostro desaparecen bajo el gesto. No hay nada de realismo, se representa el

interior y no el exterior. • La figura del primer plano aprieta las manos contra la cara como signo de angustia y

desesperación, mientras que en segundo plano aparecen otras personas frías y distantes como queriendo significar que el prójimo no nos ayuda en los momentos de soledad antes mencionado.

• En esta pintura se refleja la muerte y la angustia de las personas.

• Tonos obscuros • Las mascaras en las ancianas

nos indican un oculto de algo inesperado.

• El uso del color base es importante ya que refleja el sentimiento de miedo.

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EL CUBISMO El Cubismo comienza con las retrospectivas de dos de los principales representantes de la vanguardia del siglo XX, Paul Gauguin y Paul Cézanne, realizadas en 1906 y 1907 respectivamente, ofrecieron a la investigación artística nuevas fuentes de estímulo e inspiración, especialmente la moda primitivista que, bastante difundida entre los grupos artísticos de vanguardia, impulsó a pintores como Henri Matisse y Pablo Picasso a estudiar las colecciones etnográficas de los museos de París, e incluso a reunir ellos mismos colecciones de máscaras y otros objetos primitivos procedentes de África o de las islas del Pacífico. • En esta atmósfera estimulante y creativa fue donde Picasso realizó la que generalmente se define como la primera pintura cubista, “Las Señoritas de

Avignon” (1907). En esta pintura, las figuras femeninas se reducen a formas geométricas elementales, mientras que para representar sus caras, Picasso se inspira en la escultura ibérica primitiva y en las máscaras africanas. La descomposición de los distintos elementos del cuerpo humano sobre la superficie de la tela refleja un concepto absolutamente original de la representación pictórica.

• Entre 1908 y 1914 Picasso y el pintor francés Georges Braque trabajaron en estrecha colaboración, realizando naturalezas muertas y retratos en los que, poco a poco, se fueron definiendo las características distintivas del Cubismo. Modificando de raíz la relación que tradicionalmente existía entre el mundo tridimensional de la realidad y su representación sobre la superficie de la tela, el Cubismo rechaza la ilusión del espacio como elemento necesario de la imaginación pictórica. Sin embargo, Picasso y Braque no supieron o no quisieron explicar al público el significado profundo de su invención. Racionalmente frío, resultado de una actitud elitista y en el fondo reaccionaria, la pintura cubista se dirigió de forma deliberada a un público de iniciados o con una cierta preparación suficiente para comprender las intenciones implícitas en la pintura de Picasso y Braque.

• El método para representar el volumen y el espacio utilizado por Cézanne, consiste en simplificar las formas naturales en un mosaico de colores en el que el espacio queda como solidificado, constituye la base de las primeras investigaciones cubistas de Braque y Picasso sobre la representación de las formas tridimensionales dentro de la superficie plana de la tela. A diferencia de los fauves, Braque y Picasso evitan los contrastes demasiado violentos de color, desarrollando imágenes casi monocromas. Esta primera etapa del cubismo se encuentra bajo la influencia de Cézanne y comprende el lapso entre 1907 y 1909.

• Hacia 1910, las representaciones hechas por Picasso y Braque se habían segmentado en una serie de fragmentos que prescinden completamente de la tridimensionalidad del motivo, representando ahora como si estuviera paralelo al plano de la imagen. En esta segunda fase del cubismo (denominada Cubismo analítico por el pintor español Juan Gris) la imagen ya no es representación, expresión o símbolo de la naturaleza muerta o de la persona, sino un tema válido por sí mismo. Algunas obras son: “La fábrica de Horta de Ebro” y “Naturaleza muerta con periódico” realizadas por Picasso, y “Paisaje de l’Estanque” y “El portugués”, de Braque.

• Al llegar al umbral de la abstracción en 1913, Picasso y Braque se retractan, conscientes de que el cubismo analítico representaba ciertos inconvenientes; uno de los principales era la pérdida de la homogeneidad y de la densidad del objeto, de ahí el riesgo de afectar la identidad del mismo. Para resolver esta problemática, Picasso y Braque subrayaron la relación entre la imagen y el mundo mediante la inclusión en sus obras de sobres estampados y, más adelante, con objetos reales como páginas de periódico, partituras musicales, hojas de papel pintado e incluso galletas; las obras de este tipo ya no se definen como pinturas sino como cuadros objeto. A esta tercera fase, denominada Cubismo sintético, pertenecen “Naturaleza muerta con una botella de marrasquino” y “Naturaleza muerta con violín” de Picasso, y “Guitarra y clarinete”, realizada por Braque.

• Las posiciones radicales asumidas por Picasso y Braque ejercieron una enorme influencia sobre las nuevas generaciones de pintores. El término cubismo fue utilizado por primera vez con referencia a la exposición parisina (1911) de un grupo de artistas que se inspiraron en Picasso y en Braque. Sin embargo, ambos iniciadores se mantuvieron siempre apartados, sin participar en ninguna de las muestras cubistas que contribuyeron a divulgar el nuevo estilo por Europa.

• Otros pintores cubistas como Robert Delaunay, Fernand Léger y Marcel Duchamp, desarrollaron importantes investigaciones sobre el empleo del color, intentando suscitar en sus obras lo que el crítico Guillaume Apollinaire definió como “un puro placer estético”. El mismo Apollinaire acuñó para este movimiento el término de Orfismo basándose en el trasfondo musical y poético de las obras realizadas por esos pintores. Sus factores clave son la pintura pura utilizando tan sólo el color y la luz, sin necesidad de crear formas objetivas o coherentes. Estas características del Orfismo constituyen la base de la Abstracción.

• Las figuras femeninas se reducen a formas geométricas • Picasso se inspira en la escultura ibérica primitiva y en las

máscaras africanas. • Representacion original de la figura pictorica • Refleja luz y sin necesidad de crear formas coherentes se

aprecia la figura humana.

Las Señoritas de Avignon ( 1907) Pablo Picasso