Apuntes Historia Del Arte- Griego Romano y Bizantino

APUNTES HISTORIA DEL ARTE

ARTE GRIEGO, ROMANO, BIZANTINO

Realizado por: Aitor Garcés Manzanera

Apuntes del profesor: Pedro Martínez Cavero 1

1. EL PARTENÓN.

Levantado durante el gobierno de Pericles, entre el 447-437 a.C, es obra de los arquitectos Ictino y Calícrates, siendo todo el trabajo supervisado por Fidias. La construcción se pagó con el dinero de la liga de Delos, que Atenas administraba. El templo está consagrad a la estatua criselefantina de Atenea Parthenos. Dicha estatua fue obra de Fidias, se ha perdido y solo nos quedan copias romanas en mármol. La columnata exterior del templo es de estilo dórico, octástilo y períptero, pero la columnata interior es jónica. El Partenón es el mayor ejemplo de la maestría griega en cuanto a efectos visuales (correcciones ópticas): A) Ni el entablamento ni estilóbato son rectos, sino ligeramente convexos (corrige la impresión de estar ligeramente hundido) B) Los intercolumnios no mantienen siempre la misma distancia ni las columnas son todas de las mismas dimensiones, sino que las de los extremos son más gruesas (para evitar de esta forma que al recibir la luz parezcan más estrechas). C) Asimismo, el edifico está ligeramente inclinado hacia el exterior, para evitar que dad su altura parezca que se desploma sobre el espectador. El material del que el templo está construido es mármol rosado del Pentélico, una cantera situada a unos pocos kilómetros de Atenas. Los sillares están unidos sin argamasa y en ocasiones se emplean grapas para su sujeción. No debe olvidarse que el templo (frontones y metopas) fue pintado de vivos colores (rojo, negro y azul) para que resaltaran más las esculturas. En la baja antigüedad, el templo fue convertido en Iglesia Cristiana, en el siglo XVI en mequita y posteriormente la guarnición turca lo transformó en un polvorín. Sobre este polvorín cayó una bomba veneciana en 1687 (Almirante morosini). Finalmente, Lord Elgin, embajador británico ante la sublime puerta, pidió permiso para trasladar a Inglaterra las esculturas (Los frontones, algunas metopas y el friso de las panateneas).





2. EL ERECTEION

Construido en el 420, fue ideado por Filocles, por la complejidad de su planta es una excepción entre los templos griegos. Está dedicado a tres divinidades: Atenea, Poseidón y Erecteo. En sus relieves se narra la lucha entre Atenea y Poseidón por el dominio de la Acrópolis. Finalmente venció Atenea, simbolizada en un olivo (tierra) frente a Poseidón simbolizado en una fuente (agua). El templo se acomoda al fuerte desnivel del terreno, posee dos pórticos de cuatro y de seis columnas jónicas, pero destaca el pórtico sur donde se encuentra la tribuna de las cariátides. Se trata de esculturas femeninas que tienen una doble función, decorativas y sustentante, miden 2,5 metros y se encuentran en una actitud clásica, descansan el peso del cuerpo sobre una pierna. Sobre la cabeza llevan un canastillo a modo de equino y un ábaco. El entablamento está formado por un arquitrabe jónico dividido en tres bandas, sin friso. Una de estas cariátides fue trasladada y se conserva en el British Museum.

3. EL TEATRO DE EPIDAURO.

Fue construido en el siglo IV por Policleto el Joven. Tiene aforo para 15.000 espectadores y está dotado de unas excelentes condiciones acústicas y perfecta visibilidad. El teatro griego aprovecha las condiciones naturales del terreno para acometer la Cávea, según la pendiente de la colina. La cávea es ultra semicircular, dispuesta en torno a al orchestra circular, en la que actúa el coro. El resto de la actuación se realiza en la escena.





4. KOUROS (S. VI a.C)

Representa a un atleta desnudo, a un ganador de los juegos olímpicos, presenta un claro convencionalismo, de influencia egipcia: a) Frontalismo: La obra solo permite una visión frontal. b) Simetría: las formas son compactas e incluso los brazos aparecen pegados al cuerpo. c) Estatismo: aunque presenta una pierna adelantada, no consigue dar la sensación de movimiento. d) Representación anatómica precaria. El torax abombado en contraste con el abdomen reducido. La difícil representación de la rodilla se consigue colocando un trapecio invertido. Mientras que la espinilla es una arista. e) La cabeza también se inclina mediante formas geométricas. Presenta una sonrisa arcaica (labios arqueados hacia arriba) ojos almendrados y pelo geométrico. En cuanto a los aciertos, hay una búsqueda del naturalismo y el rigor físico.

5. KORÉ

También escultura de la época Arcaica (S.VII a.C), a diferencia de los Kouroi, las korai aparecen siempre vestidas, las figuras se cubren con las típicas prendas “quitón” y “peplos”. Los pliegues están dispuestos de forma geométrica y también presenta la típica sonrisa arcaica (labios arqueados hacia arriba). Sobre su función hay cierta polémica, pueden ser sacerdotisas, exvotos o





también representaciones de la diosa Atenea. Están realizadas en caliza y mármol, y presentan restos de policromía.

6. AURIGA DE DELFOS.

S. VI a.C, transición a la escultura clásica. Según la inscripción en el pedestal, la obra fue ofrecida por Polizaros, tirano de Sicilia como exvoto por haber sido vencedor de carros. Por lo tanto, es una obra de carácter conmemorativo, y es casi lo único que nos queda de la escultura antigua y fue fundido en trozos (pies, cabeza y manos). Destaca la gran túnica que cae hasta los pies y que se parece a las estrías de una columna dórica, aunque los pliegues son distintos entre sí. El modelado de la cara es suave y hay disimetría entre los dos lados. Los ojos son postizos y dan sensación de vida y serenidad. El pelo presenta una cinta decorada con grecos pero está tratado con forma geométrica con mechones pegados a la cabeza. Muestra los tendones expresando así fuerza, lo fundamental es que se ha roto con la frontalidad, ya que la mirada de la Auriga es oblicua.

7. MIRÓN EL DISCÓBOLO (S V a.C)

Copia romana hecha por Mirón, era un broncista de la escuela de Argos. Esta obra representa el instante fugaz que precede al lanzamiento del disco. La composición es innovadora, ya que el interés del escultor está en representar el cuerpo humano en movimiento. Todos los músculos están en tensión, en función del lanzamiento del disco. Se ha perfeccionado la representación anatómica, la tensión de los muslos, no los dedos de los pies que se agarran al suelo. No obstante, este esfuerzo no se manifiesta en el rostro que resulta imperturbable, tal vez como reflejo de la serenidad clásica que llamamos “ethos”. En esta obra perviven algunos arcaísmos, como son los mechones de pelo





geométricos y la postura convencional como en un relieve, piernas de perfil, cuerpo de frente y cabeza de perfil.

8. POLICLETO (DORÍFORO) (S V.)

Original en Bronce, copia romana, representa a un joven que porta una lanza (la cual ya no está), es posible que sea tal vez el héroe Aquiles; Policleto plasmó en esta obra sus estudios sobre el canon del cuerpo humano, cuya unidad es la cabeza que corresponde a 1/7 de todo el cuerpo. También el rostro se divide en tres partes, 1/3 la frente, 1/3 la nariz, 1/3 la boca y el mentón. La disposición de la figura responde a un ritmo muy estudiado, la pierna derecha soporta el peso del cuerpo, lo que deja libre la izquierda que toca el suelo con el extremo del pie. En los brazos, el derecho no realiza ningún esfuerzo y cae relajado y se dobla para tomar la lanza. Este ritmo cruzado se denomina contraposto. Otra obra de Policleto es el Diadumeno.

9. FRISO DE LAS PANATENEAS, FIDIAS (S V a.C)

Se trata de un friso continuo, jónico de 160 metros que rodea la parte superior de la celda del Partenón, se representa la procesión de las Grandes Panateneas, que se realiza cada 4 años en honor de la Diosa, y en la cual las jóvenes atenienses le regalaban un peplos tejidas por ellas mismas. Delante de ellas, los arcontes dirigen la marcha. Es un medio relieve que iba sobre un fondo negro pintado para que resaltara más la figura. Lo más sobresaliente, es la representación de las doncellas, a menudo en parejas, que siguen un ritmo que no suele repetirse, en estas figuras caen los pliegues de los vestidos creando esta sensación de movimiento. Esta obra representa el clasicismo en su momento de máxima moderación, es decir, el equilibrio entre la belleza física y la espiritual. Otros relieves del Partenón debidos a Fidias y su escuela son:





-Los frontones; En los que se representa el enfrentamiento entre Poseidón y Atenea, y el nacimiento de la diosa. -Las metopas; En los que se representa la lucha entre la civilización y la barbarie, en 4 ciclos: ~Gigantomaquia ~Amazonomaquia ~Centauromaquia ~Guerra de Troya Es famosa la metopa 30 en la que se dice que está representado el Centauro Quirón, maestro de Aquiles.

10. HERMES CON EL NIÑO DIONISO (PRAXÍTELES).

En el siglo IV se desarrolla lo que se ha llamado el segundo clasicismo. Aparecen nuevos valores como son un mayor realismo, por ejemplo, en el cultivo del retrato, una mayor representación de los sentimientos humanos y un aspecto más mundano en la representación de los dioses (escepticismo). Destacan tres escultores: Praxíteles, Scopas y Lisípo, y un nuevo canon de belleza ideal. Praxíteles ve a los dioses como seres humanos normales, desprovistos de majestad, en este caso suponemos que Hermes esta enseñando un racimo de Uva a Dionisos. Acentúa las curvas mediante la actitud de apoyar el cuerpo en una pierna, lo que se conoce como curva “praxiteliana”. Las expresiones de los rostros son melancólicas y muy pulidas.





11. APOXIOMENOS (LISÍPO).

Lisípo crea un nuevo canon de belleza masculina, un tipo más esbelto que el de Policleto, en la que la cabeza equivale a un octavo del cuerpo. Las piernas se alargan y se reduce el tamaño de la cabeza. También el tema ha cambiado, ahora no se recoge un momento nada heroico, sino cuando el atleta se limpia el polvo de la palestra con el estrígilo. Otro aspecto formal que cambia es la dimensión espacial. El atleta adelanta sus brozas hacia el espectador, con lo que la escultura gana espacio y pierde la frontalidad, pudiendo ser contemplada desde distintos puntos de vista.

12. VICTORIA DE SAMOTRACIA.

Pertenece al arte helenístico. Escuela de Rhodas. Representa a una victoria alada, de pie con las alas desplegadas como si estuviera en la proa de un barco. Contrasta la firmeza de su cuerpo, que se deja entrever a través del paño, con la ligereza de los pliegues movidos por el viento. Se conserva en el musée du Louvre.





13. VENUS DE MILO.

Estilo helenístico. Esta obra por la severa expresión del rostro y la belleza tranquila del torso se enlaza con el periodo clásico.

14. EL ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMO.

Fue levantado en la acrópolis de Pérgamo por el rey helenístico Eumenes II. Representa fuertes emociones, por lo que la relacionamos con el “pathos” griego. La obra ha influido en la estatuaria posterior y en concreto ha inspirado el grupo de la Marsellesa del Arco del triunfo de París.

15. TEATRO ROMANO DE CARTAGENA

Se levantó en la ladera norte del monte de la Concepción, con el fin de aprovechar su inclinación para el graderío (cavea). La ladera rocosa fue recortada al efecto con el fin de acomodar la arquitectura, sus dimensiones son de 80 metros de diámetro y 20 de altura. Como es propio de los teatros





romanos es semicircular. Se ha reconstruido el frente escénico. También se puede intuir el pórtico situado detrás de la escena en el que según el tratadista romano Vitrubio podía servir de refugio de los espectadores en caso de lluvia. El edificio está dedicado a Caius y Lucius caesar, príncipes de la juventud, es decir a los nietos del emperador augusto. Se puede fechar el teatro entre el año V a.C y el año I d.C. La función del edificio son los ludi scaeni, pero también se busca la difusión de la ideología imperial. En las excavaciones se han descubierto altares dedicados a la triada capitolina.

16. LAOCOONTE. (Museo Vaticano)

Fue realizado en el Siglo I a.C y pertenece a la Escuela de Rodas. Se trasladó a Roma donde fue descubierto en el siglo XVI e influyó en el Renacimiento Italiano, por ejemplo en Miguel Ángel. El tema muestra al sacerdote troyano Laocoonte que fue condenado junto con sus hijos a morir por medio de las serpientes por desobediencia a los dioses. Se opuso a que el caballo hecho por los griegos fuera introducido dentro de las murallas de Troya. La composición está pensada para ser vista de frente. Se rompe el equilibro clásico y la serenidad en pro de un gran dramatismo (pathos) creando además dos líneas diagonales que contribuyen a este barroquismo. Que viene además marcado por la torsión en espiral de Laocoonte. Es patética la expresión, Laocoonte tiene la boca entreabierta, el rostro contrito de dolor. Los rostros de los hijos son, en cambio, más serenos. Muestra el supremo dolor físico (por liberarse de las serpientes) y el supremo dolor moral (por la muerte de sus hijos). El hiperrealismo llega al extremo de que se suele decir que el costado de Laocoonte se encuentra paralizado por el veneno de las serpientes. Los rostros y cuerpos de los hijos son menos perfectos, más que niños lo que se muestra son una especie de adultos a escala menor. Esta obra refleja influencias del Siglo IV y en concreto de Scopas.





17. PATRICIO BARBERINI.

Muestra a un noble Romano portando las efigies de sus antepasados fallecidos (Imagines maiorum). Era costumbre de las clases altas romanas, el que tras la muerte de un familiar se sacase una mascarilla de cera de su rostro, que a veces se trasladaba al mármol (Incluso se podía llevar en procesión al foro). Estas imágenes eran depositadas en el atrio de la casa donde recibían culto. Según el historiador Polidio, el tener muchas imágenes de los antepasados era signo de nobles. De esta costumbre y de la influencia etrusca sale el Realismo del teatro romano.

18. IMAGEN DE AUGUSTO DE PRIMA PORTA.

Nos presenta al emperador Augusto, dirigiéndose a sus legiones. A ello corresponde la coraza militar y la mano alzada. Viste la toga de Senador, a sus pies aparece un Eros que rompe en cierto modo la solemnidad del acto y que puede simbolizar el origen de la familia Julia, de la gens Iulia. La obra es de un artista griego que adaptó el Doríforo de Polícleto, le vistió la coraza y le hizo alzar la mano. El emperador aparece idealizado, como un apuesto joven, clara influencia del idealismo griego. También la coraza muestra una interesante iconografía. Probablemente aluden a la recuperación de las águilas que los





germanos habían arrebatado al general “Craso”. La toga es de senador, significa que tiene el poder político.

19. ARA PACIS (Augustae)

Tras acabar las guerras en Hispania contra cántabros y astures entre los años 13 y 9 a.C, Augusto mandó colocar en el campo de Marte un altar a la paz. Símbolo por excelencia de la llamada pax romana. Se trata de un movimiento de planta cuadrada en cuyo centro estaba el altar. Decoración en cuatro grupos: a) Dos frisos externos con el desfile procesional. b) Cuatro relieves a ambos lados de las puertas. c) Un zócalo corrido externo con noleos de acanto. d) Un zócalo corrido interno con búcalos y guirnaldas. El relieve más conocido representa la procesión de la familia imperial, magistrados y senadores que se dirigen a la inauguración de este mismo altar. El relieve recuerda el friso de las panateneas, pero en este caso, dispuesto a la romana, es decir, ordenado mediante la jerarquía política (algo muy distinto al tropel indisciplinado de Fidia, aquí todo es orden y sosiego). Un rasgo estilístico importante es la composición de las figuras en dos planos, hay también que destacar que se trata del primer retrato de arte contemporáneo. También es de destacar los relieves alegóricos situados a los lados de las puertas. Las escenas más conocidas son dos: 1) El sacrificio de Eneas. 2) La representación de la diosa tierra con dos niños (la parte mejor conservada del Ara). Todos los elementos (alegoría de la tierra, mar y aire) proceden de la estatuaria alejandrina. Su autor pertenece a la escuela neoática (idealismo, se dejan llevar por ello).

20. LA COLUMNA TRAJANA (Emperador Trajano nacido en Itálica, hoy Sevilla)





El respeto que a lo largo de la historia ha tenido la figura de Trajano, ha hecho que esta columna que elogia sus victorias se haya conservado en buen estado hasta hoy. Sin embargo, ha perdido la estatua del emperador que la coronaba siendo sustituida por un San Pedro. En su base se guardaban las cenizas del emperador. La columna es una espiral continua que narra las campañas de Trajano en la Dacia, hoy Rumania, se extiende por más de 200 metros de escultura y se esculpieron más de 2500 figuras. El relieve narra las dos guerras Dacias y su función es eternizar las victorias del emperador. Predomina las escenas de guerra, los asaltos de ciudades, las marchas militares, etc… El hilo conductor es la figura de Trajano, situado normalmente entre sus oficiales. El paisaje de fondo no tiene un carácter descriptivo no sino representativo y termina con la victoria del emperador sobre el caudillo Decébalo. En cuanto a la perspectiva, se utiliza la superposición de planos, procedimiento ya superado pero que aquí facilita la claridad narrativa. También sobresale la desproporción entre las figuras y las cosas, sistema elegido no por la impericia del escultor sino en pro de la claridad. En cuanto al autor, la unidad de toda la cinta indica una única mano, no obstante, su realización pudo ser obra de varios escultores.





21. ESTATUA ECUESTRE DE MARCO AURELIO (S. II)

Hecha en bronce, se situa en la plaza del capitolio y es la única de su género que ha llegado hasta nosotros. La causa es que en la Edad media se creyó que representaba a Constantino. Sin embargo, se ha perdido la figura del Bárbaro vencido que hubo de yacer debajo de la pata del caballo. El animal está perfectamente representado y muestra una gran fogosidad, Marco Aurelio, en cambio, va vestido con una indumentaria corriente, sin los atributos de General. Su aspecto tal vez refleja su condición de filosofo estoico. La obra aún conserva parte del dorado que en su tiempo la revistió. Esta obra sirvió de inspiración a las estatuas renacentistas de Donatello y Verochio.

22. ESQUEMA DE UNA BASÍLICA PALEOCRISTIANA (PLANTA Y ALZADO). Después del Edicto de Milán (313), dado por Constantino, la Iglesia salió de las catacumbas y desarrolla sus ritos en edificios construidos al efecto. Las primeras iglesias tomaron como modelo la basílica romana. Esta consta de una sala longitudinal de tres o cinco naves de las cuales la central es la mas ancha y alta que las otras y está rematada en un ábside. Dada la menor altura de las naves laterales, en estas se puede colocar un trifolium o matronium, por estar destinada a las mujeres. La cubierta es de madera a dos aguas. La rápida elección de la Basílica como templo cristiano sugiere una elección consciente, el edificio más adecuado de los ya existentes para la celebración de los ritos cristianos. Otras partes de la basílica son el nártex o vestíbulo para los catecúmenos y un atrio. Entre las basílicas más importantes de Roma están la de San Pedro, San Pablo extramuros y Santa Maria la mayor.





23. BASÍLICA DE CONSTANTINO. Esta construida sobre la tumba del Apostol San Pedro, es un edificio de cinco naves separadas por columnas. Y culimnada en un ábside, precediendo a la Basílica había un atrio y un nártex dedicado a los catecúmenos.

24. MAUSOLEO DE GALA PLACIDIA.

El mausoleo de Gala Placidia en Rávena es un pequeño edificio de planta cruciforme construido en el siglo V al exterior muestra una clara distribución de volúmenes decorados con arquillos ciegos y barras lombardas. Al interior es un espacio con cuatro bóvedas de cañón y una cúpula central revestida de mosaicos entre los que destaca el buen pastor. Aparece uno de los leretos (en forma de media luna) sobre un fondo del paisaje. Se nos muestra a Cristo con el cuerpo erguido volviendo el rostro y con el brazo en alto, en cierto modo como un dios pagano. Los cristianos adoptaron la mitología romana dotándola de nuevos significados, la figura de Cristo está inspirada en la de Apolo y en el tradicional Moscóforo. Otras veces se representa también a Cristo como Orfeo.

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