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¿Cuántas horas al día debes practicar?

12/12/2013

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¿Cuántas horas al día debemos practicar? Esta es una pregunta con muchas respuestas. En este artículo, el Dr. Kageyama nos da un numero de variables y comportamientos que nos ayudaran a definir cuanto tiempo es bueno para cada músico. La práctica deliberada es la clave para la respuesta a esta pregunta. Espero que este artículo les ayude a encontrar la manera más efectiva de practicar. “Practica con tus dedos y necesitaras todo el día. Practica con tu mente y lo podrás hacer en una hora y media”. Leopold AuerDavid López  Escrito por: Dr. Noa Kageyama (http://www.bulletproofmusician.com/how-many-hours-a-day-should-you-practice/)Traducido por: David López 

¿2 horas? ¿4 horas? ¿8 horas? ¿12 horas?

¿Cuánto es suficiente?

¿Existe el “practicar demasiado”?

¿Existe un número óptimo de horas que debo practicar? 

¿Qué dicen los instrumentistas? 

Algunos de los grandes artistas del siglo veinte han hablado sobre este tema. Recuerdo que leí una entrevista con  Rubinstein hace algunos años, en la cual decía que nadie debe de practicar

más de cuatro horas al día con la explicación de que si alguien necesita practicar más de cuatro horas al día, probablemente no lo está haciendo bien.  

Otros grandes artistas expresaron ideas similares. Se dice que  el violinista Nathan Milstein  una vez le preguntó a su profesor  Leopold Auer  cuantas horas al día debería practicar, Auer le respondió diciendo “Practica con tus dedos y necesitaras todo el día. Practica con tu mente y lo podrás hacer en una hora y media.”

Heifetz también afirmó que él nunca creyó en secciones largas de práctica y que la práctica excesiva es “!tan nociva como no practicar nada!” Decía que en promedio practicaba no más de tres horas al día y que no practicaba los domingos. Esta no es una mala idea, uno de mis profesores Donald Weilerstein, me recomendó que estableciera un periodo de tiempo de 24 horas cada semana en el que no se me estaba permitido tocar el instrumento. 

¿Qué dicen los psicólogos?

Cuando se trata de entender  la experiencia de tocar como un experto, el psicologo  Dr. K. Anders Ericsson es quizás la autoridad mundial en este tema. Su investigación es la base para la “regla de los diez años” y “la regla de las 10.000 horas” que sugiere que se requiere al menos diez años  y/o 10.000 horas de practica deliberada para lograr un nivel de experto en el desempeño de cualquier disciplina  y, para el caso de los músicos, a menudo cerca de 25 años para lograr un nivel elite internacional. Note que la clave real no es lacantidad de practica que se requiere (la cantidad exacta de horas es debatible)  sino el tipo  de práctica que se requiere para alcanzar el nivel experto en la interpretación del instrumento. En otras palabras, practicar de la vieja forma no es suficiente.

Práctica descuidada

¿Alguna vez has escuchado a alguien mientras practica? ¿Te has escuchado ti mismo mientras practicas?  Grábate a ti mismo por una hora, sal y camina un poco por la escuela de música y escucha a escondidas algunos de tus colegas o pídele a tus estudiantes que se imaginen que están en su casa y obsérvalos practicar durante su lección. ¿Qué observas?

Notaras que la mayoría de los estudiantes que practican descuidadamente, ya sea repitiendo (“practicar este pasaje  10 veces” o “practicar esta pieza por  30 minutos”) o practicar en modo autopiloto  (sucede cuando tocamos una pieza hasta que escuchamos algo que  no nos gusta, paramos, repetimos el pasaje de nuevo hasta que suena mejor y continuamos la pieza hasta que escuchamos la siguiente cosa con la que no estamos satisfechos,  momento en el que comenzamos todo el proceso nuevamente).  Hay tres problemas importantes con un método de práctica descuidado.

1. Es un desperdicio de tiempo

¿Por qué? Primero, cuando se practica de esta manera es poco el aprendizaje productivo. Esta es la manera como podemos practicar una pieza por horas, días, semanas y sentir que no hemos mejorado mucho. Mucho peor, lo que estas realmente haciendo es cavando tu propia tumba ya que lo que hace este modelo de práctica es fortalecer aquellos hábitos y errores indeseables, aumentando literalmente tus posibilidades de cometer errores de una manera consistente mas adelante. Esto hace que sea más difícil corregir los malos hábitos en el futuro,  de manera que te encuentras añadiendo más tiempo de práctica del que es necesario con el fin de  eliminar esos malos hábitos y malas tendencias. Una vez trabajé con un profesor de saxofón que le gustaba recordarle a sus estudiantes que “la práctica no lo hace a uno perfecto sino que crea hábitospermanentes”  (“Practice doesn’t make perfect, practice makes permanent.”)

2. Pierdes la confianza

Además, practicar descuidadamente disminuye la confianza en ti mismo, ya que una parte de ti se da cuenta que no sabes realmente como producir consistentemente los resultados que quieres. Incluso si estableces una tasa de éxito alta en los fragmentos más difíciles por medio de la practica descuidada  y  te das cuenta que puedes tocar correctamente tres o cuatro veces de cinco intentos, tu nivel de confianza no crecerá mucho. La confianza real en el escenario

proviene de (a) ser capaces de tocar correctamente diez veces de diez intentos, (b) darse cuenta que no es una coincidencia que puedas tocar correctamente cuando quieras y lo más importante (c) saber precisamente las razones por las que tocas correctamente o por las que fallas. Por ejemplo, sabes exactamente lo que necesitas hacer desde el punto de vista de la técnica para tocar un pasaje correctamente cada vez que quieras. 

Quizás no puedas tocar perfectamente al principio, pero para eso es la repetición, para reforzar los buenos hábitos hasta que son más fuertes que los malos hábitos. Se parece un poco a cuando tratamos de tener un césped bonito. En vez de entablar una batalla de nunca acabar con la maleza, inviertes tu tiempo tratando de cultivar  el césped de manera que con el tiempo el césped es mayor que la maleza.  

Y más importante aún. Tendemos a practicar inconscientemente, y terminamos tratando de tocar en el escenario de una manera consiente lo cual no es una gran fórmula para el éxito. Recuerda en este  artículo ( http://www.davidlopeztuba.com/1/post/2013/11/cmo-hacer-de-la-ansiedad-al-tocar-una-ventaja-en-vez-de-un-problema.html) que tenemos una tendencia a pensar con  hemisferio izquierdo del cerebro, que es analitico, cuando estas en el escenario. Pues bien, si has practicado inconscientemente, en realidad no sabes tocar la pieza perfectamente cuando quieras. Cuando de repente tu cerebro pasa a estar en el modo de total conciencia, terminas en pánico porque no sabes qué instrucciones darle a tu cerebro.

3. Es tedioso y aburridor 

Practicar descuidadamente es una faena. La música es quizás una de las actividades basadas en habilidad en la que los objetivos de la práctica se pueden medir en unidades de tiempo. ¿Todos hemos tenido profesores que nos dicen que nos vayamos a casa y practiquemos un pasaje x número de veces o que practiquemos xnúmero de horas, verdad?  Lo que realmente necesitamos son objetivos más específicos tales como “practica este pasaje hasta que suene como ____”, o “practica este pasaje hasta que puedas sonar como _____”.

Después de todo, no importa cuánto tiempo pasamos practicando algo, lo único que importa es que sepamos como producir los resultados que queremos y lo podamos hacer consistentemente cuando queramos.  

Práctica deliberada

¿Qué es práctica deliberada  o consiente?Práctica deliberada es una actividad sistemática y altamente estructurada, la cual es  científica a falta de un mejor término. En vez de un proceso inconsciente de  ensayo y error, es un proceso de experimentación consciente y activo con objetivos e hipótesis claros. El violinista Paul Kantor  una vez dijo que el salón de práctica debe de ser un laboratorio donde uno puede  jugar con ideas diferentes, musicales y técnicas, para ver  que combinación de ingredientes produce los resultados que buscas.    

La práctica deliberada es a menudo lenta y requiere de la repetición  de pequeñas secciones específicas de tu repertorio en vez de tocar de principio a fin (es decir, trabajar en la primera nota de tu solo para asegúrate de que “habla” exactamente cómo quieres  en lugar de tocar toda la primera frase.)

La práctica deliberada requiere la supervisión  de nuestras presentaciones en el escenario (en tiempo real pero también por medio de grabaciones), buscando continuamente nuevas maneras de mejorar. Significa que tenemos que escuchar lo que pasa para poder decir exactamente qué fue lo que falló. Por ejemplo, ¿la primera nota salió alta? ¿Baja? ¿Demasiado forte? ¿Muy suave? ¿Muy estridente? ¿Demasiado corta? ¿Muy larga?

Digamos que la nota salió muy alta y muy larga sin suficiente ataque al comienzo. Bien, ¿cuán alta salió? ¿Poco? ¿Mucho? ¿Cuánto sobró con respecto a lo longitud que querías que sonara? ¿Cuál es la intensidad del ataque que querías?

Perfecto, la nota estaba un poco más larga, y necesitaba un ataque mucho más claro para que correspondiera a la articulación y a las dinámicas marcadas en la partitura. Entonces, ¿Qué nota

salió alta?  ¿Qué hiciste? ¿Qué necesitas hacer para asegurarte que la nota salga perfectamente a voluntad? ¿Cómo te aseguras de que la longitud de la nota es la que quieres exactamente y qué haces para tener un ataque limpio y consistente al comienzo de la nota para que la frase empiece con el carácter correcto? 

Ahora, imaginémonos que grabaste todo y puedes escuchar como sonó el último intento.  ¿Esa combinación de ingredientes te da el resultado que quieres? En otras palabras, ¿la combinación de ingredientes expresa el estado de ánimo y el carácter que deseas comunicar a la audiencia tan efectivamente como pensaste que sería?  Pocos músicos se toman el tiempo de parar, analizar qué fue lo que falló, por qué  paso y cómo corregir el error de manera permanente. 

¿Cuántas horas al día debo practicar?

Te vas a dar cuenta de que la práctica deliberada es muy agotadora, dada la tremenda cantidad de energía que se requiere para  mantener todos nuestros recursos de atención hacia la tarea que se está realizando. Practicar mas de una hora cada vez, será probablemente improductiva y honestamente, imposible mental y emocionalmente. Incluso los individuos más dedicados tendrían dificultades para practicar más de cuatro horas al día. 

Hay estudios que han variado la duración de la práctica diaria entre 1 hora y 8 horas, y los resultados sugieren que se obtiene poco beneficio cuando se practican más de cuatro horas al día y que las posibilidades de beneficio decrecen después de la segunda hora.  La clave es controlar siempre el nivel de concentración que eres capaz de sostener. 

5 claves para una práctica más efectiva 

1. Duración

Defina la duración de sus secciones de práctica de acuerdo al tiempo en el que pueda estar totalmente concentrado. Puede ser tan corto como  10-20 minutos para estudiantes jóvenes y tan largo como  45-60 minutos para músicos experimentados.

2. Sincronización

Mantén un registro de los momentos durante el día en el que tienes la mayor cantidad de energía. Puede que sea a primeras horas de la mañana o antes del almuerzo, etc. Trata de llevar a cabo tus secciones de práctica durante estos periodos de tiempo naturalmente productivos ya que son momentos en los que serás capaz de enfocarte y pensar más claramente.  

3. Objetivos

Utiliza una libreta de anotaciones. Mantén un registro de los objetivos de tu práctica y lo que descubres  durante tus secciones de práctica. La clave para entrar en la “zona” cuando practicamos es buscar constantemente la claridad de nuestra intención. En otras palabras,  tener una idea clara del sonido que quieres producir, o la frase particular que quieres ensayar o la articulación específica, la afinación, etc. para que puedas tocarla consistentemente. Cuando descubres algo, anótalo en la libreta.  A medida que empecé a practicar más cuidadosamente, comencé a aprender tanto durante mis secciones de práctica que si no escribía cada descubrimiento, lo olvidaría. 

4. Más inteligente no más duro

Algunas veces si un pasaje en particular no está saliendo como quieres, quiere decir que necesitas practicarlo más. También hay momentos en los cuales no necesitamos practicar más duro sino que necesitamos una estrategia o técnica diferente.

Recuerdo que tenía problemas con el pizzicato de mi mano izquierda en la variación del capricho 24 de Paganini. Me estaba dando frustración y continuaba tratando más duro para hacer que las notas hablaran, pero todo lo que logré fue herir mis dedos hasta el punto de sangrar. Me di cuenta que tenía que haber una forma más inteligente, más efectiva de lograr mi objetivo.  

En lugar de tratar obstinadamente de usar una estrategia o técnica que no estaba funcionando para mí, me obligué a dejar de practicar dicho fragmento. Pensé en diferentes soluciones al problema durante un día o dos y escribí las ideas a medida que sucedían. En el momento en el que creía que tenía algunas soluciones prometedoras, empecé a experimentar. Finalmente, encontré la solución en la que había estado trabajando por una semana o más y toqué el capricho para mi profesor y ¡él me preguntó cómo hacia hablar las notas tan claramente! 

5. Modelo de resolución de problemas

Considera este resumido modelo de 6 pasos para resolver problemas (adaptación de varios procesos de resolución de problemas  en línea).

1. Define el problema (¿Cómo quiero que suene esta nota o frase?)2. Analiza el problema (¿Cuál es la causa de que suene así?)3. Identifique las soluciones potenciales (¿Qué debo cambiar para hacerlo sonar más como

yo quiero?)4. Pruebe las soluciones potenciales para seleccionar cual es la más efectiva (¿Cuál parece

haber funcionado mejor?)5. Implemente la mejor solución (haga que los cambios sean permanentes.)6. Supervise la implementación (¿Estos cambios continúan produciendo los resultados que

estoy buscando?)

O más simple todavía, mira este modelo del libro de  Daniel Coyle “The Talent Code".

1. Escoja un objetivo2. Trate de alcanzarlo3. Evalue la distancia entre el objetivo y  usted.4. Vuelva al paso uno

No importa si hablamos de perfeccionar la técnica o  de experimentar con diferentes ideas musicales. Cualquier modelo que defina objetivos claramente articulados que nos inviten a pensar más inteligentemente y más sistemáticamente nos ayudará a disminuir tiempo perdido de práctica ineficaz.

Después de todo, ¿quién quiere pasar todo el día en el salón de práctica? ¡Entre, haga las cosas bien y salga!

ACTUALIZACION: ¿Piensas que todo esto tiene que ver solamente con música clásica? Para los aficionados al jazz miren esta publicación “practicar efectivamente” (practicing effectively) escrita por el aclamado violinista de jazz Christian Howes para una perspectiva útil y consejos sobre la práctica del jazz. Como dato curioso, estuvimos juntos en clases del método Suzuki en Columbus, Ohio  cuando éramos niños.

ACTUALIZACION #2: Encontré esta publicación bien pensada sobre práctica deliberada (post on deliberate practice)     escrita por un joven y astuto chelista de la Northwestern University.

ACTUALIZACION #3: y un excelente  y provocador escrito sobre le practica deliberada para la gente de negocios, ( piece on deliberate practice for folks in business)  y otros campos no musicales (un blog fascinante además).

¿Practicar lentamente es realmente necesario? 

12/5/2013

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¿Cuántas veces nos han dicho que practiquemos lentamente? Muchas veces, ¿verdad? Pero, ¿sabemos realmente para qué? En este artículo el Doctor Noa Kageyama nos ofrece su opinión sobre practicar lentamente en música y como se relaciona con el deporte. Además, ofrece algunos  links que sirven como ilustración de sus ideas. ¡Espero les sea útil!David López Escrito por: Dr. Noa Kageyama (http://www.bulletproofmusician.com/is-slow-practice-really-necessary/)Traducido por: David López

Como todos los que  han tenido lecciones de musica, en varias ocasiones me han pedido que practique lentamente. 

¿Pero le presté atención al consejo de mis profesores? 

Después de todo, ¿cuál es la finalidad de practicar lentamente? Todo es más fácil cuando se toca lentamente– por supuesto se puede tocar con mayor exactitud a un tiempo más lento.  ¡Esto no es nada nuevo!

Pero… ¿por qué a tantas  personas confían tanto en practicar lentamente? 

Práctica lenta en las Artes Marciales

Tuve algo de experiencia con las artes marciales cuando fui a la universidad. Mi sensei de karate nos hacía practicar nuestras técnicas en cámara lenta para asegurarse que lo estuviéramos haciendo bien y que realmente entendiéramos todos los detalles de cada movimiento.

Por supuesto, me demoré un poco para entender porque lo hacíamos.  Al comienzo, como en música, pensé que era una pérdida de tiempo. Pero después me di cuenta lo difícil que era dar puños o patadas en cámara lenta. Necesitaba  un conocimiento más profundo de los requerimientos de cada movimiento. Lentamente, (jaja), entendí  dónde me había dejado el tren todos estos años.

El asunto no es si el puño o la patada  le pegan al objetivo (o si tocas el intervalo correcto o la nota afinada)  sino que hagas todo correctamente de principio a fin. En otras palabras, ¿están tus músculos relajados? ¿Estás moviendo tus músculos de la manera más efectiva posible? ¿Estás maximizando tu precisión y tu eficiencia? ¿Estás haciendo correctamente hasta el más pequeño detalle? 

Práctica lenta en música 

Me había olvidado de este asunto hasta hace muy poco cuando tuve el placer de entrevistar al

concertino de la Orquesta Sinfónica de Filadelfia David Kim) para un proyecto en el que estoy trabajando. (Casualmente, miren su  remedio para el jetlag). 

Él dice que una de las claves de su éxito  (y para fortalecer la confianza) es practicar lentamente. Practica lentamente  mientras es realmente cuidadoso, está totalmente concentrado y piensa profundamente en tiempo real acerca de lo que está haciendo. 

Casualmente, no es un proceso dolorosamente tortuoso, sino que a menudo es entretenido y gratificante. Una manera de abrir la puerta a muchos pequeños descubrimientos satisfactorios que pueden terminar siendo la clave para que una frase suene de la manera ideal y que comunique exactamente lo que quieres transmitir.

Esto se parece mucho a lo que el gran golfista Ben Hogan hizo para perfeccionar su swing. Vea este video de Hogan demostrando como trabaja en su golpe en cámara lenta (Hogan demonstrating how he works on his stroke in slow motion). 

Dos malentendidos

Entones ¿por qué no practicamos lentamente más a menudo? No es porque somos perezosos; creo que se debe a un gran malentendido. 

1. Estamos demasiado preocupados por el resultado, no por el proceso.  

Olvidamos que cómo llegamos es tan importante como si lo logramos o no.  

El objetivo de practicar lentamente no es solamente bajar la velocidad con el fin de tocar perfectamente. Se trata de tocar con buena afinación, de buscar maneras adicionales de tocar incluso mejor mientras que tocamos lo suficientemente lento para monitorear y pensar en los pequeños detalles.   

¿Estás cultivando los hábitos correctos  para que cuando incrementes el tempo puedas tocar de la manera correcta? O ¿hay muchas deficiencias o malos hábitos que te llevaran a cometer errores cuando incrementes la velocidad?   

2. No practicamos lo suficientemente lento.

Ya que el objetivo es ser capaces de pensar, monitorear y analizar nuestra técnica cuando tocamos, tocar a un tempo moderado no cumple con este propósito; es demasiado rápido para que podamos observar, procesar completamente y modificar los pequeños detalles. 

La idea es practicar lentamente para que podamos poner atención a todos los detalles sutiles de nuestro mecanismo, para que aumentemos nuestra conciencia de lo que realmente está pasando y para encontrar la forma de mejorar.

De manera que es más acertado pensar en una práctica en cámara lenta o una práctica súper lenta en lugar de la vieja práctica lenta regular que tiende a  no ser más que una repetición mecánica y descuidada de un pasaje a un tiempo moderadamente lento. 

Lea este artículo escrito por el experto en artes marciales Peter Freedman, quien nos ayuda a esclarecer lo que tenemos que hacer cuando practicamos lentamente.

 Actúa

¡Pruébalo! Y no olvides que debes tener tu diario de práctica a la mano ya que indudablemente descubrirás nuevas soluciones y los detalles técnicos sutiles que no habías notado antes.

Lecturas adicionales: Descarga este gran artículo sobre  cómo trabajan el cerebro y los músculos para desarrollar nuestras habilidades (http://www.bandworld.org/pdfs/SPRINGMindMuscleandMusic.pdf). específicamente en música. Esta escrito por el neurólogo y autor Dr. Frank Wilson y es una de esas lecturas que se tienen que leer y que se pasan de músico a músico.  

ACTUALIZACION: ¿Necesita ayuda para pasar de lento a rápido? Estas son algunas ideas de Gerald Klickstein.

ACTUALIZACION: Encontré una vez estudio que sugería que en algunos casos aprendemos más rápido cuando enfatizamos la velocidad más que la precisión (¡¿Cómo?!Suena a herejía, lo sé). Este es un  ejercicio excelente  que ilustra esta idea.

Porqué el progreso que tiene en el salón de práctica parece desaparecer de la noche a la mañana

2/6/2014

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Por: Dr. Noa Kageyama Traducido por: David López

¿Has estado frustrado alguna vez por el hecho de tomar un fragmento musical, trabajar en él, hacer que suene muy bien pero al volver al salón de práctica al día siguiente, te das cuenta de que te encuentras de nuevo como al comienzo, de que nada ha cambiado? ¿Y que, a pesar de que sonaba muy bien ayer, ahora suena tan mal como antes de trabajar en él?

La mayoría de nosotros puede vivir con el “dos pasos adelante, uno atrás”. Pero es el “dos pasos adelante, dos pasos atrás “el que nos hace querer arrancarse los cabellos. 

¿Entonces qué debemos hacer?

¿Debemos seguir adelante y aprender a ser pacientes? O ¿hay una forma diferente de practicar y hacer que los avances sean permanentes? 

Adelante Christine Carter

La Dr. Christine Carter es una clarinetista que enseña en la  Manhattan School of Music e hizo una disertación sobre el efecto de la interferencia contextual, un fenómeno que puede hacer que el progreso diario en el salón de práctica realmente sea permanente. En esta publicación, ella comparte algunas sugerencias para sacar el mayor provecho a nuestro tiempo de práctica. 

¡Adelante Christine!

Sacar el mayor provecho a nuestras horas de práctica:

Un cambio simple que puede incrementar drásticamente su productividad 

Cuando de practicar se trata, a menudo pensamos en términos del tiempo: ¿cuántas horas se necesitan para lograr el progreso óptimo? Si bien esta es una preocupación válida, una pregunta más importante es ¿cómo podemos hacer que cada hora cuente? ¿Cuál es la manera más eficiente de trabajar de manera que lo que practiquemos hoy se vea mañana? Nada es más frustrante que gastar un día de duro trabajo para que al día siguiente tengamos que regresar a la línea de partida. Desafortunadamente, nuestro modelo de práctica actual está diseñado para esta decepción diaria.

Repetición, bebés y escáner cerebral 

Al comienzo de nuestro entrenamiento musical, nos enseñan la importancia de la repetición. ¿Cuántas veces nos han dicho que  “toquemos el pasaje perfectamente  diez veces antes de seguir adelante”? El reto con este consejo bien intencionado es que no está en concordancia con la manera cómo funciona nuestro cerebro. Estamos diseñados para prestar atención al cambio y no a la repetición. Este diseño se puede observar en los niños antes de que aprendan a hablar.Muéstrale a un bebé el mismo objeto una y otra vez y gradualmente dejará de prestarle atención a través de un proceso llamado habituación. Cambie el objeto y su atención vuelve totalmente. Lo mismo pasa con los adultos. Las imagenes de resonancia magnética han demostrado que hay una activación cerebral menor progresiva cuando se repiten estímulos. El hecho es que la información repetitiva no recibe la misma cantidad de procesamiento que la información nueva. , Todos sabemos esto a mayor o menor medida. La repetición constante es aburrida y nuestra aburrición nos dice que nuestro cerebro no está prestando atención.  Pero en lugar de escuchar a esta voz de la razón instintiva, nos culpamos a nosotros mismos por nuestra falta de atención y gritamos ¡“concéntrate”! Afortunadamente, hay una alternativa.

Sesión de práctica en bloques

En el campo de la psicología deportiva, la repetición continua de la que hablamos se llama práctica en bloques. En un horario de práctica en bloques, se completan todas las repeticiones de una actividad  antes de proseguir con una segunda actividad. Por ejemplo,  un jugador de béisbol deber pegarle a quince bolas rápidas antes de pasar a las bolas curvas y una vez haya bateado quince veces bolas curvas, podrá pasar a quince bolas con cambio de velocidad y así sucesivamente. Esto se parece a la manera como la mayoría de los músicos practican, especialmente cuando se trata de fragmentos difíciles. Trabajamos en un fragmento por un periodo de tiempo determinado y después pasamos al siguiente hasta que completamos las tareas del día. Un modelo en bloques que parece lógico.  La memoria muscular requiere repetición y ¿por qué no hacerlas de manera consecutiva? Después de todo, si estamos trabajando en un pasaje difícil, se siente más cómodo tocarlo a los 10 minutos de estarlo tocando que al principio. Esta sensación de comodidad y de mejora es precisamente lo que refuerza nuestra confianza en el modelo de la práctica en bloques. El problema con este tipo de práctica, sin embargo, es que los resultados positivos que percibimos en nuestra práctica hoy no conllevan al mejor aprendizaje a largo plazo mañana. Practicar de esta forma optimiza nuestra interpretación en el salón de práctica pero no optimiza el aprendizaje. 

Sesiones de práctica aleatorias 

¿Qué pasa si tomamos los bloques de práctica para una tarea particular y los dividimos en segmentos más pequeños de cada tarea? En  el ejemplo de béisbol que hablamos anteriormente, los jugadores podían batear los diferentes lanzamientos alternadamente en vez de batear los lanzamientos de un mismo tipo consecutivamente.  Dos alternativas para dividirlos sería repetir un orden (por ejemplo, abc abc abc…) o un orden arbitrario (por ejemplo acb cba bca…). No importa el orden, el resultado neto será 15 bateos de práctica de cada uno de los tres tipos de lanzamiento, exactamente el mismo resultado neto del modelo de práctica en bloques. La única

variable es el cambio de orden en el que se practican los lanzamientos. Este tipo sesión intercalada se llama sesión de práctica aleatoria (también conocida  como  sesión de prácticaintercalada).

En una sesión de práctica aleatoria, el músico se mantiene reiniciando tareas diferentes. No se sentirá tan cómodo como cuando se práctica una y otra vez. Pero este reto está en el centro del porqué las sesiones de práctica aleatorias son más efectivas. Cuando regresamos a una tarea después de una tarea intermedia, nuestro cerebro debe reconstruir el plan de acción para lo que estamos a punto de hacer. Es en este momento de reconstrucción cuando nuestro cerebro es más activo. Más actividad mental conlleva a un mayor aprendizaje a largo plazo. En la sesión de práctica en bloques, los beisbolistas deben construir su plan de acción para cada tipo de lanzamiento una vez al comienzo de cada bloque. En la sesión de práctica aleatoria, deben construir y reconstruir un plan de acción quince veces para cada lanzamiento. Aunque una sesión en bloques puede producir  resultados superiores durante la práctica, estudios han demostrado que las sesiones de práctica aleatoria producen consistentemente una retención superior un día o más después de la práctica(por ejemplo, la cantidad aprendida realmente). Este fenómeno se llama efecto de interferencia contextual.  

¿Cuánto mejor es la sesión de práctica aleatoria? 

Resulta que el ejemplo hipotético de béisbol del que hablamos no es hipotético.  En un estudio realizado por Hall, Domingues y Cavazos en 1.994, se le asignó a jugadores de béisbol de élite sesiones de práctica en bloque o aleatorias. Después de doce sesiones de práctica, los beisbolistas que utilizaron las sesiones de práctica aleatorias batearon 57%  más lanzamientos que cuando empezaron. Los que utilizaron las sesiones de práctica en bloque solo batearon  25% más, lo que significa que las sesiones de práctica aleatoria fueron el doble de efectivas a pesar de que los dos grupos batearon el mismo número de lanzamientos.  Se han encontrado resultados similares en una gran variedad de campos. Más relevante para nuestros intereses como músicos, mi investigación preliminar con el  Instituto del Cerebro y la Mente (Brain and Mind Institute) de Canadá proporciona evidencia empírica para el usos de la práctica aleatoria en música.  Esta investigación no sólo sugiere que la práctica aleatoria es mucho más efectiva que la práctica en bloques para practicar pasajes musicales sino también que las entrevistas con los participantes en este estudio revelan que la práctica aleatoria tiene efectos positivos en factores como definición de objetivos y concentración.   

Como utilizar las sesiones de práctica aleatoria en el salón de práctica 

En lugar de gastar períodos ininterrumpidos puliendo cada fragmento o sección de una pieza, escoja algunos pasajes en lo que le gustaría trabajar y altérnelos. Si quiere gastar un total de 30 minutos en un fragmento en particular, practique en fragmentos más cortos, volviendo continuamente a dicho fragmento  hasta que haya alcanzado su meta de 30 minutos. Experimente con la duración.  Si está practicando fragmentos que son muy cortos, podrá alternar a un paso más rápido del que se necesita para sesiones más largas. Puede usar un reloj de alarma para cronometrar intervalos específicos o cambiar después de cada repetición. Una sesión de práctica aleatoria puede  lucir así a un nivel básico:

Duración                                   Material a practicar

3 minutos                                    Fragmento A

3 minutos                                    Fragmento B

3 minutos                                    Fragmento C

3 minutos                                    Fragmento A

3 minutos                                    Fragmento B

3 minutos                                    Fragmento C                                                  Etc.

Practicar pasajes con diferentes variaciones rítmicas es una gran manera de incluir interferencia contextual a pequeña escala. Pero en lugar de hacer todas las variaciones rítmicas en un solo fragmento antes de pasar al siguiente, haga una variación en el fragmento A, una en el fragmento B y vuelva al fragmento A para una segunda variación, etc. La técnica también se puede intercalar en una sesión de práctica aleatoria, en vez de hacerla toda en un bloque largo. Un ejemplo de una sesión de práctica aleatoria más complicada puede  parecerse a lo siguiente: 

Duración                                  Material a practicar

2 minutos                                   Sonidos largo, escala, sonido largo, escala…

3 minutos                                   Fragmento A (usando la primera variación rítmica) 

2 minutos                                   Tercera progresión, arpegio, tercera progresión, arpegio…

3 minutos                                   Fragmento B (usando la primera variación rítmica)

2 minutos                                   Sonidos largo, escala, sonido largo, escala…

3 minutos                                   Fragmento A (usando la segunda variación rítmica)

2 minutos                                   Tercera progresión, arpegio, tercera progresión, arpegio…

3 minutos                                   Fragmento B (usando la segunda variación rítmica)                                                 Etc.

Las modificaciones  son infinitas y la división exacta del tiempo no es importante.  Lo que es importante es mantener el cerebro activo variando el material. Más actividad significa que estará menos aburrido y más concentrado en el objetivo (tiene que estarlo si solamente tiene 3 minutos para lograr algo) y será sustancialmente más productivo. Más importante aún, cuando vuelva al salón de práctica al siguiente día, puede retomar desde donde se detuvo el día anterior. Este tipo de práctica produce resultados permanentes.

Recursos adicionalesDr. Robert Bjork on the benefits of interleaving practice (El Dr. Robert Bjok sobre los beneficios de la práctica escalonada) en Go Cognitive (video de 6 minutos)

La Dr. Christine Carter está interesada en como los músicos pueden ser más efectivos en el escenario y en el salón de práctica. Ha llevado a cabo su investigación a un número de imágenes

cerebrales y con laboratorios de psicología musical. Actualmente es una académica visitante en el Instituto del Cerebro y la Mente de la Western University.

Christine es también una clarinetista activa. Ha tocado alrededor del mundo, incluyendo el Carnegie Hall, los claustros antiguos en Aviñón Francia, la casa de la ópera de Sídney, el Heritage Theatre en la Newfoundland rural  y en el Palacio Barroco al sur de Alemania. Completó su Doctorado en Artes Musicales en la Manhattan School of Music donde  hoy enseña  laboratorio de maderas.

ARTICULOS QUE NO ESTAN EN LAS COPIAS DE LA MAESTRA

La importancia de escribir notas en la partitura

12/22/2013

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Escrito por: Dr. Noa KageyamaTraducido por: David LópezSaludos, En este artículo, Dr. Noa Kageyama presenta a su invitado especial Jeff Nelsen, profesor de corno en la Universidad de Indiana, para que nos hable de la importancia de escribir notas en nuestra partitura. Este articulo nos invita a mantener un registro de lo que hagamos en el salón de práctica.David López 

“La locura es hacer la misma cosa una y otra vez y esperar resultados diferentes”. -Albert Einstein

Me encontraba en Bloomington, Indiana en Marzo para comprar algunas de las mejores donas en el mundo y hacer algunos talleres para la iniciativa Project Jumpstart  (cuando tengas tiempo, visita su genial archivo con videos y presentaciones de los talleres pasados) (videos and handouts of past workshops).

Mientras que estaba allá, tuve la oportunidad de  conocer a Jeff Nelsen – un cornista canadiense que creció en  una granja de cerdos y que también es un mago aficionado  y cuyo nombre siempre aparece en las conversaciones tanto de estudiantes como de profesionales. 

Nos reunimos para comer comida china y para hablar de música, psicología, los precios de los discos duros para ordenadores y las fuerzas que conspiran para que no nos convirtamos en los músicos y artistas que queremos ser. 

En este post, Jeff comparte algunas estrategias que él y sus estudiantes han utilizado para pasar de ser buenos a ser excelentes. ¡Adelante Jeff!

Jeff Nelsen

Veo músicos muy capaces que se obsesionan con cosas equivocadas.  Bien,  quizás no con las cosas equivocadas pero con cosas que para ellos son menos importantes. Piensa por un momento en el trabajo de tus sueños. Ahora, piensa en todo lo que tienes que hacer para obtener ese trabajo.

¿Puedes pensar en 5 cosas que puedes hacer en este preciso instante, y hacerlo consistentemente en los próximos 40 días para mejorar drásticamente tus posibilidades de ser esa persona que otros se están peleando para contratar?  Si no puedes pensar en esas 5 cosas, ¡continua pensando! Si quieres conseguir trabajo en el mundo de las artes, tienes que ser creativo. Todos queremos una lección o un libro para leer acerca de la búsqueda de la excelencia. (Si !los blogs son diferentes! ¡Continúen leyendo blogs! Especialmente el de Noa.) Pero creo que puedes pensar en 5 cosas en este momento que podrías estar haciendo mejor y más consistentemente que crearían resultados positivos masivos para lograr tus objetivos.  

Mucho de lo que necesitamos hacer para alcanzar nuestros sueños tiene que ver más con disciplina que con información. Nos estamos ahogando en información, la mayoría de esa información es muy buena. No podemos hacerlo todo, pero si podemos hacer más de lo que estamos haciendo ahora. Creo que la mayoría de los músicos en la universidad y en el mundo profesional saben que hacer… o, al menos, ¡han escuchado que es lo que deben estar haciendo!

Aquí es donde los músicos excelentes se separan de los músicos buenos. No se trata de escuchar una buena idea, se trata de actuar consistentemente de acuerdo a dicha idea. La mayoría de las personas son buenas en lo que hacen, por eso es que son aceptadas en la universidad. Recientemente asesoré a un estudiante en algunos fragmentos orquestales y no tenía ninguna marca de lápiz en su partitura.  Soy una persona que constantemente insta a las personas a escribir en  sus partituras. Utilizo un lápiz rojo. Si no estás recopilando lo que has aprendido en el salón de práctica, ¡estás loco!

“La locura es hacer la misma cosa una y otra vez y esperar resultados diferentes”. -Albert Einstein

Le dije a este estudiante que cuando veo partituras limpias de fragmentos orquestales para una audición, le agradezco por preparase débilmente.  Pienso, “!Gracias por quitarte de mi camino y dejarme ganar esta audición!” . El estudiante dijo “!ohhhhh, ouch!, !Ahora entiendo!” Más adelante en la siguiente lección…no había escrito en sus partituras, otra vez.  Después de enseñar tiempo completo en la Universidad de Indiana por los últimos 7 años, todavía me impacta pero tristemente no me sorprende.

Si tu próximo gran éxito no viene de la siguiente lección con tu héroe, ¿qué es entonces? Eres tú. Puedes lograrlo. Puedes lograrlo con lo que sabes en este momento.

Aprendemos de dos formas. Primero, apréndenos cosas nuevas…¡más agudo, más fuerte, más

rápido! Segundo, aprendemos como ser mejores en lo que ya sabemos hacer …¡consistencia! Imagínate si en tu próximo recital el público te viera hacer solamente lo que ya sabes hacer. Fallas todas las notas agudas  pero tienes éxito con el resto de lo que sabes hacer bien. (Por favor asegúrate de que  “decir una historia creíble de esta pieza” sea siempre parte de los objetivos en tus presentaciones. ¡Ya sabes cómo hacerlo!). Si tocas de esta manera, tu presentación será  bien recibida.

Eres tú

Esto es, a menudo, lo más difícil de hacer. Ser disciplinados en la búsqueda de la excelencia es lo que separa lo bueno y de lo excelente:

“Lo suficientemente bueno es el enemigo de lo grandioso.”

Hace algunos años, tuve un estudiante llamado  Mike Lombardi. Vino a su lección y tocó el primer movimiento del concierto para corno de Gliere. Sonó bien. Solamente bien….como sonó la semana anterior y la semana anterior a esa. Le pregunté, “Mike, ¿cómo vamos a hacer para que trabajes en lo que realmente necesitas estar haciendo? “¡Sé que estás trabajando duro, pero necesitas trabajar bien también!” Me dio una mirada entusiasmada, que decía “lo haré la próxima semana, lo prometo”. Y procedió a pedirme que si podíamos escribirlo claramente para que lo pudiera hacer la semana siguiente. Le mostré un recuadro que le había dado unas semanas atrás. Nos reímos de como un nuevo sistema no era la solución mágica…el camino a la “excelencia” para él no sería otra solución mágica sin importar lo bueno que yo era para hacer magia. 

Seguidamente le conté una historia de mi niñez. Estaba trabajando en la granja de cerdos. Tenía 14 años. Las tuberías que llevaban el agua para que los 1.000 cerdos tomaran agua en el establo se habían roto. Estaba tratando de aflojar un conector con una llave inglesa pero no lograba. Mi padre, que medía  2 metros, entro al establo mientras trataba de hacerlo. Yo luchaba mientras que él me miraba. Finalmente, lo mire a la cara y admití “No puedo”. Calmadamente me respondió: “Bien, buen intento ¡Vamos a comer!”. 

Le respondí, “¿pero que le va a pasar a los cerdos?” Sonrió y me respondió, “Morirán. Vamos. Tengo hambre”. Inmediatamente agarré la llave inglesa, halé y gemí tan duro como pude y triunfantemente afloje el conector de la tubería. Mire orgullosamente a mi papá quien me miró no muy impresionado, “aja…” y se fue.

Mike terminó su lección y se fue. Pasó otra semana. En su lección a la siguiente semana, comenzó a tocar su Gliere. ¡Realmente era SU concierto de Gliere! Me impresionó completamente musicalmente y técnicamente. Las cosas se dieron para él mágicamente. A duras penas me podía quedar quieto. Cuando terminó, le di una ovación de pie. Le pregunté, “¿¡ Qué pasó, Mike!? ¿¡Qué cambio esta semana!?” Me pidió que mirara su partitura.

Caminé a donde él estaba y miré su partitura. En letras mayúsculas había escrito “¡¡ SALVA A LOS  CERDOS!!”

Creo que esa era la solución mágica que funcionó para él y para ti. 

Se trata de ti.

Uno de los muchos cornistas criados en una granja de cerdos, mago y canadiense, Jeff Nelsen ha emocionado públicos y  ha inspirado estudiantes  por más de veinte años. Tocó con Canadian Brass (8 años), y ha enseñado y asesorado estudiantes en Indiana University (7 años hasta ahora…), ha dado conferencias TEDx sobre presentaciones sin miedo  (TEDx Talk about Fearless Performance). También ha tocado en  Broadway (2 shows completos) y ha sido solista en 5 continentes y ha tocado con decenas de orquestas incluyendo la Filarmónica de Nueva York y la Sinfónica de Chicago y de Boston,  además de las orquestas de Cleveland y Filadelfia. Jeff está orgulloso de ser un mago miembro de la Academia de Artes Magicas ( “The Academy of the Magical Arts”)    en el Castillo Magico (Magic Castle) en Los Angeles, California.

Por qué pasaría muchísimo tiempo practicando escalas si pudiera comenzar de nuevo

8/29/2014

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¿Has practicado tus escalas cuidadosamente? ¿Podrías pasar un examen de escalas en este momento? Si tu respuesta es positiva, felicidades vas por el camino correcto. Si tu respuesta es negativa, ¡todavía estas a tiempo de estudiar tus escalas! El Dr. Kageyama nos recuerda la importancia de tocar escalas y su repercusión a la hora de tocar tu instrumento. Espero que este artículo les sea útil.David LópezPor:Dr. Noa KageyamaTraducción: David López

Como cualquier estudiante, yo practicaba obedientemente (aunque a regaña dientes)  todas mis escalas desde muy temprana edad. 

Por supuesto, una vez tuve la edad para practicar sin supervisión,  con agrado evité tocar escalas tanto como pude. Como tomar vitaminas, sabía que tocar escalas era bueno para mí pero no sabía exactamente por qué.  No fue hasta que estaba en mis veintes que me di cuenta porqué debí haber practicado escalas todo el tiempo.    ¿Entonces por qué es valioso gastar tiempo practicando escalas y estudios?

Guau…

Un verano hace muchos años, pasé varias semanas en un taller de música de cámara donde la chelista Natalia Gutman era una de las talleristas.

Un dia dió una clase maestra para los chelistas y llegó un momento en el que todos los que estábamos ahí sonreímos y asentimos con la cabeza con admiración.

¿Qué fue lo que hizo?

Tocó una escala.

Ascendiendo. Descendiendo. Arpegios. Una nota por arco. Corcheas. Semicorcheas. Creo que tocó toda la escala (ascendiendo y descendiendo) con un solo arco. 

Cualquiera puede tocar una escala. Pero tocarla con la comodidad y la facilidad que ella demostró,  con tal precisión, distribución, control, uniformidad, suavidad del arco y tan orgánicamente, sin mencionar el sonido destellante y puro, los cambios de arco limpios y la afinación…suspiro…  

Nos dejó sin palabras.

Puede que las escalas sean la secuencia más básica que toca un músico, pero observar el dominio de los fundamentos de un gran artista fue algo realmente digno de contemplar.  

Me di cuenta de que sí; quizás alguna vez podría  tocar un buen Capricho de Paganini , pero no podría ni siquiera acercarme a esa clase de ejecución en una escala.  Por más que quería restarle importancia a las escalas en ese momento, finalmente me di cuenta porqué las escalas eran tan importantes y valiosas.  

¿Por qué las escalas?

Me di cuenta que no sólo se trata de gastar el tiempo tocando escalas. Son un laboratorio de prueba. Un laboratorio o un ambiente controlado para desarrollar los bloques de construcción fundamentales de nuestra técnica. Cambios suaves. La velocidad del arco, el punto de contacto, la distribución, la calidad y concepto del sonido y mucho, mucho más.  

Es una oportunidad de remover las decenas de otras variables que encontramos en una obra musical y de enfocarnos en dominar aisladamente un aspecto de nuestra técnica . Y después añadir una a una las variables y observar como cambian los resultados, de manera que podamos modificar y experimentar con los pequeños detalles y realmente dominar los fundamentos. 

Algo así como cuando algunas personas recomiendan que se les enseñe a los niños a montar bicicleta quitándole los pedales  para que puedan trabajar primero en el desarrollo del equilibrio . Después,  cuando ya tengan dominio del equilibrio, se ponen los pedales de nuevo para que trabajen en mantener el equilibriomientras que pedalean.

Ya sea experimentado con la presión de los dedos, el punto de contacto o la cantidad de cerdas que se debe utilizar, se trata menos de tocar la escala perfectamente y se trata más de la exploración, de la verificación de la hipótesis y de que las podamos aplicar a cualquier combinación única de demandas que podamos encontrar en nuestro repertorio.

¿Son los fundamentos aburridos? A primera vista pueden parecer, sin embargo, ¿es posible ser realmente bueno sin tener una comprensión sólida de los fundamentos? 

El “Big Fundamental”

Un buen ejemplo es  Tim Duncan a quien a menudo se refieren como uno de los jugadores más “aburridos” de la NBA. Pero con cuatro campeonatos, 14 apariciones en el equipo de las estrellas, varios premios como el jugador más valioso de la NBA, y más, se puede decir que es uno de los jugadores más grandes de todos los tiempos.

Shaquille O’Neal lo apodó el “Big Fundamental” y también es ampliamente considerado como uno de los jugadores mejor fundamentados de la liga – una característica definitiva de su

juego que muchos reconocen en su éxito envidiable y continuo durante los 17 años de su carrera.

Como el dicho “heaven is in the details” ("el cielo está en los detalles", trad. literal) es en las pequeñas cosas que no se ven pero que suman a lo largo del juego, de la temporada o de la serie de eliminatorias, que radica la diferencia entre ganar y perder.

La prueba del huevo

Cuando mis padres van a un restaurante japonés nuevo, mi madre siempre ordena un sushi que contenga huevo, generalmente el sushi tamagoyaki o el tamago.

Ella afirma que esa es la prueba para un buen chef y se puede saber si es un restaurante de primera o no basándose en este tipo de sushi.  

Los huevos dulces siempre me supieron un poco raro, entonces daré por cierto lo que dice mi madre, pero parece que es una cosa real y no algo que mi madre se inventó. 

Se dice que el célebre chef Wolfgang Puck tambien evalua a los chefs con la “pruebadel huevo” , no es raro que muchos chefs sean capaces de crear platos sofisticados con ingredientes exóticos del más alto nivel pero que se equivoquen con un simple huevo porque han ignorado los fundamentos.   

También está  esta conmoverdora escena  en la pelicula Jiro Dreams of Sushi, donde el aprendiz recuerda que pasó meses tratando de cocinar los huevos a satisfacción de su maestro y cómo le tomó quizás más de 200 intentos para hacerlo correctamente.

Actúe Entonces… ¿puedes pasar la prueba de los huevos en tu instrumento? O ¿la prueba de las escalas, por asi decirlo?

¿Que necesitarías para pasar de manera  brillante?

Resumen en una sola frase

“De lo que las personas no se dan cuenta es que los profesionales son sensacionales gracias a los fundamentos”. Barry Larkin – 12 veces parte de la nomina de las estrellas de la MLB,  jugador más valioso en el año 1995 y paracortos campeón de la serie mundial en 1990.

Cómo hacer de la ansiedad al tocar una ventaja en vez de un problema 

11/29/2013

 

Saludos a todos. La ansiedad al tocar puede ser un enemigo letal para muchos instrumentistas. Si no se canaliza correctamente, dicha ansiedad puede poner en peligro nuestras presentaciones y  no nos permitirá reflejar el trabajo de horas y horas de práctica. En este artículo Dr. Noa Kageyama  nos habla del centering, una técnica que nos ayudara a usar la ansiedad a nuestro

favor. Espero les sea util. David López

Acerca del Dr. Noa KageyamaPsicólogo de la  interpretación instrumental (Performance psychologist) alumno y profesor en  Juilliard, Dr. Noa Kageyama le enseña a los músicos a tocar con su máximo potencial en situaciones de presión a través de casos reales, asesorías y cursos en línea.  Dr. Kageyama vive en la ciudad de Nueva York, está casado con una pianist increible, tiene dos niños divertidos y tiene una leve obsesión con  tecnología y los productos de Apple.   Para más información visite: http://www.bulletproofmusician.com

Escrito por Dr. Noa Kageyama  (http://www.bulletproofmusician.com/how-to-make-performance-anxiety-an-asset-instead-of-a-liability/)Traducido por David López

         A menudo nos hacen creer que estar “nervioso” es malo. De hecho, la mayoría de consejos que he escuchado están dirigidos a reducir la ansiedad.  En todos estos años hice de todo para deshacerme de las sensaciones desagradables asociadas con la ansiedad al tocar. Ensayé comiendo bananas, tomando té de manzanilla, imaginándome el público en ropa interior, privándome de sueño, practicando más, tomando varios suplementos e incluso tratando de convencerme a mismo que no importaba cómo tocaba. Nada de esto, por supuesto, hizo desaparecer la ansiedad o me ayudó a mejorar mi manera de tocar.  

            De acuerdo con mi experiencia al trabajar con el psicólogo deportivo Dr. Don Greene cuando era estudiante de posgrado en Julliard y de mi propia experiencia como estudiante de doctorado en psicología de la interpretación musical, llegué a la conclusión de que la ansiedad misma no es el problema. El problema es que la mayoría de nosotros nunca aprendió a usar la adrenalina a nuestro favor. Al decirle a nuestros estudiantes o a nosotros mismo “solo relájate”, en realidad estamos haciendo un mal al confirmar implícitamente que la ansiedad que sentimos es mala y que le debemos temer. Aprendí a acoger la sensación de adrenalina y a usar esa energía para impulsar mis recitales y para tocar con más libertad, más convicción y más confianza de la que jamás pensé. 

            La gran pregunta, por supuesto, es ¿cómo convertir la ansiedad  de un problema a una ventaja? Antes de hablar sobre esto, necesitamos entender primero qué pasa cuando nuestra mente está bajo situaciones de estrés. 

Cerebro Derecho vs. Cerebro Izquierdo

            Nuestros cerebros tienen dos regiones básicas – hemisferio derecho y hemisferio izquierdo. Es cierto que decir que los hemisferios derecho e izquierdo son totalmente independientes es una sobre simplificación de la inmensa complejidad de nuestro cerebro, sin embargo es un modelo muy efectivo para entender los estados mentales óptimos para tocar un instrumento musical.  

            El hemisferio izquierdo del cerebro se encarga de las palabras, los números,  la lógica, el análisis, el criticismo y el juicio. El hemisferio derecho a su vez se encarga de los sonidos, las imágenes, los patrones, las funciones quinestésicas y sensoriales, la emociones, el “panorama general”, la libre asociación y la creatividad. 

            De acuerdo a esta información, ¿qué modelo de pensamiento parece ser el más apropiado para una práctica efectiva?  ¿Respondió el hemisferio izquierdo? ¡Correcto! Ahora, ¿cual parece ser el más efectivo para presentaciones que sean  artísticas, inspiradoras y

dinámicas? Hemisferio derecho ¡Exactamente! Desafortunadamente, muchas veces hacemos lo opuesto. En el salón de práctica, tenemos la tendencia a practicar descuidadamente, repitiendo pasajes una y otra vez hasta que suenen mejor, corrigiendo algunas cosas, pero haciéndolo inconscientemente. No obstante, tan pronto como nos subimos al escenario, nuestro hemisferio izquierdo nos inunda con pensamientos sobre analíticos, con críticas, con planeación excesiva y con muchas cosas más que sólo sirven para preocuparnos con detalles técnicos y nos causan inhabilidad para tocar tan libre y automáticamente como somos capaces.  ¿Está familiarizado con el término “parálisis por análisis”? Esto es exactamente lo que pasa cuando nos damos cuenta que nuestros movimientos y nuestro sonido están siendo evaluados por otros. Lo contrario a este estado de parálisis se denomina comúnmente como “flow” o “la zona” donde todo parece funcionar perfectamente y nuestra manera de tocar es fácil, libre y sin esfuerzo.  ¿Cómo pasamos de pensar con el hemisferio izquierdo a pensar con el hemisferio derecho y meternos en “la zona”? Una herramienta muy efectiva se conoce como centering.

Centering

            Centering es lo que los psicólogos deportivos llaman una rutina previa a la competencia. Fue diseñada en 1970 por el renombrado psicólogo deportivo Dr. Robert Nideffer, y adaptada para músicos y artistas por el psicólogo deportivo olímpico Dr. Don Greene. Centering es un medio muy efectivo para (a) canalizar los nervios productivamente y (b) dirigir la atención incluso en las situaciones más extremas. Una vez entendido, el centering es rápido y muy efectivo y garantizará que cada presentación comience exitosamente.  

            Hay siete pasos, cada uno diseñado específicamente para trasladarnos progresivamente más cerca a la tranquilidad, enfoque y equilibrio del hemisferio derecho del cerebro  y para alejarnos de los miedos, dudas y auto criticismo del hemisferio izquierdo. 

Paso 1: Elija su  Foco de Atención            Seleccione un punto fijo en la distancia, donde se sienta cómodo. Podría ser en el atril, el piso en frente suyo o la última fila de la sala de conciertos, pero cualquiera que sea, asegúrese de que esté por debajo del nivel de la vista. Un punto focal ayuda a minimizar las distracciones y evita la tentación de pensar solamente con el hemisferio izquierdo del cerebro

Paso 2: Cree una Intención Clara             Una intención clara es esencialmente la definición de un objetivo específico. ¿Qué va a hacer cuando esté en el escenario? ¿Cómo quiere sonar exactamente? ¿Qué quiere comunicarle al público precisamente? Utilice un lenguaje asertivo y declarativo como “voy a tocar brillantemente, con pasión y con contrastes de dinámica claros” en vez de decir “espero sonar bien”. 

             No utilice la palabra “no”. Si lo hace, pondrá una imagen negativa en su cabeza y generará miedos y duda. Por ejemplo, cuando te repites a ti mismo “No falles la nota aguda” ¿Cuál es la primera imagen que se te pasa por la cabeza? Fallar la nota aguda, ¿no es así? ¿Qué imagen se te viene a la cabeza cuando te dices a ti mismo  “voy a tocar la nota aguda exitosamente”? Aprenda a dirigir su atención en lo que quiere y no en lo que no quiere. 

Paso 3: Respire conscientemente              Una de las técnicas  más poderosas para invertir signos de estrés tiene que ver con aprender a respirar diafragmáticamente. Bajo una situación de estrés, nuestros cuerpos tienden a respirar corto, rápido y desde el pecho. Es un mecanismo natural del cuerpo para defenderse. La respiración diafragmática es la manera más eficiente de respirar biomecánicamente., y más aún, contribuye a activar la llamada  respuesta del sistema nervioso parasimpático, la cual es el antídoto de nuestro cuerpo para contrarrestar el modo de pelea. 

Paso 4: Busque y libere el exceso de tensión               Una de las consecuencias más nefastas del estrés al tocar es la tensión muscular. A medida que nuestros pensamientos se vuelven más negativos, nuestros músculos se vuelven más tensos y menos flexibles.  ¡Y no cualquier musculo, si no lo que más necesitamos controlar!

              Revise sus músculos de la cabeza a los pies a medida que respira lenta y profundamente, grupo muscular por grupo muscular, liberando tensión al exhalar. Hay un video

corto en YouTube que muestra un ejercicio que evalúa tu habilidad para relajar tus músculos cuando lo desees (http://www.youtube.com/watch?v=qRy5XrpuVcQ). 

              Si desarrolla una conciencia aguda de la tensión muscular incluso cuando prácticas y eres capaz de controlar tus niveles de tensión cuando tocas, serás capaz de hacerlo cuando toques es un concierto o recital y te sentirás mucho más en control.  

Paso 5: Encuentra tu centro             ¿Conoce el concepto ki o chi de las artes marciales? En la filosofía oriental, chi se describe como  “la energía vital” del ser humano. Existe una ubicación específica en nuestro cuerpo donde esta energía reside y es básicamente nuestro centro de gravedad. Si alguna vez ha observado los movimientos de un maestro de las artes marciales o incluso de algunos atletas o bailarines, notará una presencia, gracia y balance sin importar sus tallas o sus dimensiones físicas. No sólo la sensación de estar centrados es una sensación de calma y seguridad, sino que el simple acto de buscar el centro limita la actividad del hemisferio izquierdo del cerebro. 

Paso 6: Revise su mapa mental              Existe la tendencia a enfocarnos demasiado en detalles mínimos. Esto puede ser pertinente mientras practicamos  pero nos puede paralizar cuando estamos en el escenario. La solución es enfocarnos en el mapa mental del hemisferio derecho del cerebro, esencialmente, un recordatorio de cómo suena, se siente o se ve cuando producimos los sonidos exactamente como lo deseamos.

               Hay dos maneras de hacerlo. Una, experimentar con palabras que representen el sonido/sensación/imagen al producir el sonido agradable, la articulación limpia o la afinación sólida que deseamos. Ejemplos de dichas palabras son: golpe de arco suave, dedos ligeros, cambios parejos, fluido, poderoso, calmado o tranquilo. No es la palabra en si lo importante sino que la clave es el sonido/sensación/ imagen mental al tocar exactamente de la manera que deseamos.

La segunda manera de seguir el paso 6 es evitar el uso de  palabras en absoluto  y solamente escucharse, sentirse o verse tocar de la manera exacta que queremos.

Paso 7: Dirija su energía                Para cuando haya llegado a este paso, habrá hecho un cambio hacia un estado mental más calmado y enfocado que lo llevará a tocar con su máximo potencial. Habrá reducido sus nervios y en este último paso dirigirá toda la energía que le queda hacia una presentación dinámica e inspiradora.  Así es como se usa la energía en vez de deshacerse de ella. 

               Realice una búsqueda interna rápida de toda la energía de su cuerpo y sienta que se  reúne en su centro. Yo solía imaginarme mi centro y mi energía como una de esas lámparas de plasma que se venden en las tiendas (vaya a google y busque “lámpara de plasma” si no sabe a lo que me refiero). Ahora, dirija su energía hacia arriba a través de su torso y cuello, hacia su cabeza y expúlsela a través de sus ojos  hacia el punto focal que identificó en el paso 1 como si se tratara de un rayo láser.  Imagine este rayo como un conductor para su música y como la energía que  llevará su intención clara al público.

               Esto puede parecer artificial para algunos, pero esta energía es real. ¿Alguna vez ha conocido a alguien increíblemente intenso, que quizás invade un poco su espacio personal y que luce tan intenso que se siente incómodo y piensas que puede ver lo que está dentro de tu cabeza y lo que piensas? Esa es la misma clase de energía a la que me refiero. En lugar de tratar de deshacerte de la energía que la adrenalina produce, canalícela hacia su presentación y lleve su manera de tocar a ¡otro nivel!

Practique Centering               Cuando empiece a practicar centering, al principio puede tomar varios minutos seguir todos los pasos. Sin embargo, si lo practica de 10 a 15 minutos todos los días, empezará a notar la diferencia en una semana o dos y podrá centrarse en 5 o 10 segundos.  Algunos notan la diferencia en cuestión de días. La clave, como en todo, es la consistencia y la persistencia. 

               Muchos de estos elementos, sino todos, se pueden compartir incluso con los

estudiantes más jóvenes  ya sea que se pongan nerviosos cuando tocan o no. No como un medio para reducir la ansiedad, pero como una manera de mejorar la concentración y la claridad de la intención musical. Muchos de los aspectos del centering pueden ayudar tremendamente en las secciones de práctica a garantizar que se permanezca enfocado en la tarea que se tiene en mente (en vez de reforzar malos hábitos con la repetición mecánica). 

              Con un poco de tiempo y de práctica, creo que el centering cambiara su forma de abordar su manera de tocar y de practicar como lo hizo para mí y para muchos otros que han aprendido de este proceso.

Como dice el refrán, “No se puede detener las olas, pero se puede aprender a surfear”.

p.s.  Si necesita más ayuda para aprender a “surfear”, vea Beyond Practicing – un curso en línea para el mejoramiento de la ejecución del instrumento que contiene una asesoría más profunda sobre el centering y otras seis habilidades clave que le ayudarán a convertirse en la clase de músico que crece bajo presión. 

Dos cosas que los expertos hacen de manera diferente cuando practican 

12/9/2013

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¿Alguna vez te has preguntado por qué algunos músicos mejoran a pasos agigantados mientras que otros parecen estar estancados a pesar de practicar la misma cantidad de tiempo? Dr. Noa Kageyama nos ofrece dos razones por las cuales esto sucede. Espero que este artículo les ayude a modificar sus hábitos para mejorar su eficiencia cada vez que visitan el salón de práctica o como a mí me gusta llamarlo ‘la caja mágica’.David LópezEscrito por: Dr. Noa Kageyama (http://www.bulletproofmusician.com/two-things-experts-do-differently-than-non-experts-when-practicing/)Traducido por:  David López

Alguna vez te has quedado despierto hasta las dos de la mañana viendo comerciales en la televisión, preguntándote cómo las personas en la televisión pierden peso y pasan de talla 10 a talla 4 en ocho semanas, tiran a la basura sus ropas de gordo, se comprometen con su pareja y viven feliz por siempre jamás?  (Si no, vea este video lde los cinco peores  comerciales sobre ejercicio -five all-time worst fitness infomercials – especialmente el de Hawaii Chair, la cual podrás usar para tonificar tu abdomen mientras practicas).

Admito que he estado tentando a usar los Bowflexes, Perfect Pushups, y otros aparatos ya que lo más frustrante de hacer ejercicio es saber si tu estaaas usando  tu tiempo de la mejor manera posible.

Claro que hacer algo es mejor que no hacer nada, pero ¿qué tal si existe otra rutina de ejercicios que podría dar resultados mucho mejores en el mismo periodo de tiempo? 

¿Qué hacen las personas que tienen un cuerpo tonificado que yo no he hecho?  ¿En qué se diferencian sus secciones de ejercicios a las mías? ¿Existen cosas claves que ellos hacen mientras que hacen ejercicio que les arroja resultados mucho más grandes que lo que yo hago? En otras palabras, ¿ellos obtienen resultados desproporcionadamente mayores levantando pesas empleando el mismo tiempo que yo?  

Podemos decir lo mismo en el salón de práctica. ¿Qué hacen los mejores músicos en el salón de práctica? ¿Qué hacen los músicos que son menos efectivos? ¿Hay diferencias?  

 Parece haberlas por supuesto.

Mejores vs. peores

Dos investigadores de la City University de Nueva York realizaron un estudio en jugadores de básquetbol para determinar si podían ver la diferencia entre los hábitos de los tres mejores lanzadores de tiros libres (70% o más)  y los peores tres lanzadores (55% o menos).

Hubo varias diferencias, pero todo se redujo a dos en particular.  

Diferencia #1: Los objetivos eran específicos 

Los mejores tres lanzadores tenían objetivos específicos    que querían lograr o  en los cuales se concentraban antes de entrenar tiros libres. Tales como, “voy a anotar 10 tiros de 10” o “voy a mantener mis codos adentro”.

Los tres peores lanzadores tenían objetivos más generales como “lanzar” o “hacerlo correctamente”.  

Diferencia #2: Las atribuciones al fallar eran específicas  

Los jugadores  constantemente fallaban algunos tiros pero cuando los mejores tres jugadores fallaban,  generalmente atribuían la razón a problemas técnicos específicos como “no doblé mis rodillas”. Esto conlleva a fijar objetivos más específicos para la siguiente sesión de practica y a tener un proceso de reflexión más profundo  sobre el lanzamiento ya sea exitoso o no. Mejor que decir “soy muy malo”, ¿qué me pasa? o “!diablos!, nunca voy a mejorar”.

Contrariamente, los peores lanzadores tendían a culpar factores menos específicos como “mi ritmo no era bueno” o “no estaba concentrado”,  lo cual no ayuda mucho a definir los objetivos de la siguiente sesión de práctica.

No es lo que sabes  sino si lo usas o no

Quizás pienses que los peores  lanzadores no se concentraron en estrategias técnicas específicas simplemente porque no las conocían y que los mejores lanzadores se concentraron en la técnica y la estrategia porque sabían más sobre como lanzar tiros libres de la manera correcta. 

Los investigadores pensaban lo mismo y controlaron específicamente esta posibilidad evaluando el conocimiento sobre la técnica de tiros libres en basquetbol de cada jugador. Los resultados mostraron que no había diferencias significantes entre los expertos y los no expertos.  

Entonces,  mientras los mejores y los peores lanzadores tenían el mismo nivel de conocimiento, pocos jugadores lo utilizaron realmente. Sin embargo, los mejores lanzadores utilizaron sus conocimientos para pensar, planear y dirigir su tiempo de práctica más productivamente.  

Actúa 

Cuando practiques pasajes técnicos, trata de utilizar objetivos más específicos. 

Pero quizás más importante, presta atención a la manera como hablas después de cometer un error. ¿Diriges tu atención a la técnica?  ó ¿dices unas pocas maldiciones y procedes a realizar otro intento sin detenerte a pensar por qué fallaste la última nota?   

Resumen en una frase

“Sin conocimiento cualquier acción es inútil y el conocimiento sin acción es fútil”. -Abu Bakr

Why a Little Reflection Should Be a Regular Part of Your Practice Routine

¿Por qué un poco de reflexión debería ser una parte regular de su rutina de práctica?

Dr. Noa Kageyama, 2014-10-26 06:00

Una parte de mí siempre ha sido bastante aficionado a la mentalidad "sin dolor no hay ganancia". El pensamiento de La entrega de "110% por ciento" y la idea de que si usted no está involucrado activamente en la actividad con esfuerzo, no pasa nada. Pero he llegado a apreciar que los avances no siempre suceden cuando estamos en medio de una actividad. He aprendido, por ejemplo, que el crecimiento muscular no sucede durante una sesión de ejercicios, pero entre los entrenamientos, cuando estamos en modo de recuperación - de ahí la importancia de la nutrición y el sueño adecuado para ayudar a nuestros cuerpos recuperan (en una nota al margen, ¿no es curioso cómo necesitamos excusas para justificar dormir más?). Y como resulta ser, el aprendizaje podría ser mejorado por el tipo adecuado de descanso también. En lugar de sentirse culpable por los descansos y tiempo fuera de nuestro instrumento, estos momentos pueden ser un momento integral para maximizar el aprendizaje que tiene lugar en las sesiones de práctica, así como en y entre las lecciones y presentaciones. Pero es importante tener en cuenta que no todos los descansos son iguales. Hay una actividad en particular, podemos realizar durante nuestros periodos de descanso que aparece para ayudarnos a aprender más efectivamente - y puede incluso hacer que nuestra próxima sesión de práctica más fructífera.

Reflection vs. Dwelling

Si alguna vez ha puesto su pie en la boca o hecho algo te hubiera gustado no haber hecho, es probable que tenga un poco de experiencia dwelling en los eventos pasados que le encantaría volver en el tiempo y borrar. La reflexión es una actividad con algunas similitudes con este rechinar de dientes y detenerse en meteduras de pata lamentables, pero es diferente en que se estructura en torno a aprender de los errores del pasado y orientar la práctica futura, en lugar de simplemente rumiar sobre el pasado y hacernos sentir mal.

Como se describe en el libro Make it stick: "La reflexión puede implicar varias actividades cognitivas que conducen a un aprendizaje más fuerte: el conocimiento y la recuperación de la formación anterior de la memoria, la conexión de éstos a nuevas experiencias y visualizar mentalmente y re-escuchando lo que podría hacer diferente la próxima vez."

La idea es que, dado que no solemos tener tiempo para hacer alguna reflexión significativa durante una actuación (o procedimiento quirúrgico, importante discurso, o una conversación crucial y precaria con la propia familia política), al reflexionar sobre estas experiencias después puede ser una parte clave del proceso de aprendizaje.

Atletas juveniles Nacionales vs internacionales

Un grupo de investigadores de los Países Bajos llevó a cabo un estudio de 222 jóvenes deportistas de nivel júnior de competición para ver si había factores específicos que separaban a los atletas a nivel nacional desde el nivel internacional más élite. En particular, ellos tenían curiosidad por ver qué diferencias pueden existir en la eficacia con que los atletas fueron capaces de guiar su propio proceso de aprendizaje. Intuitivamente, uno podría pensar que los alumnos "autorregulados", que son mejores en la planificación, el seguimiento y la evaluación de sus actuaciones, en general, alcanzarían un mayor nivel de rendimiento que los estudiantes que dependen de otros para decirles qué hacer. Así, todos los atletas fueron evaluados en seis diferentes áreas de la autorregulación - planificación, auto-monitoreo, la evaluación, la reflexión, el esfuerzo, y la autoeficacia. A continuación, los resultados de los atletas de nivel nacional 'se compararon con los atletas de nivel internacional para ver si había alguna diferencia entre los dos .. Resulta que no hubo diferencias significativas en estas medidas entre los competidores nacionales e internacionales de nivel. Excepto en un área. Nombrémosla, la reflexión. Todos los atletas internacionales de élite tenían promedio de puntuaciones de alta reflexión, mientras que las puntuaciones de los atletas de nivel nacional variaban bastante. Los autores sugieren que se deben realizar a nivel internacional, parece que un atleta tiene que tener por lo menos una cantidad promedio de habilidad en el área de la auto-reflexión.

Reflexión y esfuerzo

Otro estudio holandés de 444 jugadores de fútbol juvenil de élite y sub-élite produjo resultados similares. En concreto, que los atletas de élite tendían a tener puntajes altos en no sólo la reflexión, pero el esfuerzo también. Parece que la reflexión sobre la formación y la competencia puede ayudar a los atletas de élite identificar más claramente las debilidades en su juego, lo que hace que sea más fácil de planificar estratégicamente la forma de trabajar de estos en las prácticas y los juegos posteriores - tal vez conduzca a un aumento de la motivación para hacer frente a estas áreas en sesión de entrenamiento futuro.

Actúe!

Así que, la próxima vez que termine la práctica, en lugar de salir corriendo de la sala de ensayo a lo que venga después, trate de tomar un minuto para reflexionar sobre lo que ha aprendido en la sesión de práctica. O después de su próximo ensayo o actuación, reflexione sobre lo que pasó y lo que se podría hacer de manera diferente la próxima vez para hacer las cosas aún mejor. O después de su próxima lección, reflexione por un momento en lo que usted acaba de aprender

(o, si usted es el que la enseñanza, puede que valga la pena tomarse uno o dos minutos al final para ayudar a los estudiantes hacer un poco de auto-reflexión sobre lo que que aprendieron).

Resumiendo en una frase

"Siga la acción efectiva con la reflexión tranquila. A partir de la reflexión tranquila vendrá una acción aún más eficaz ". ~ Peter Drucker.