Artistas ETC. - Germina Campos

[ 1

Editor:Germina Campos, Espacio Nómade

de Gestión Cultural(Fernanda Aquere

Cintia Clara RomeroRosana Storti)

Muestra y encuentro de artistas gestores

Artistas

Este evento fue desarrollado con el apoyo del Fondo Nacional

de las Artes, a través de las Becas Nacionales para

Proyectos Grupales 2007.

etc.

Santa FeArgentina

]2

Coordinación editorial: Ivana Tosti

Corrección: Alejandra Sedrán

Diseño:

© Fernanda Aquere, Cintia Clara Romero, Rosana Storti, 2008.

©

Secretaría de Extensión,

Universidad Nacional del Litoral,

Santa Fe, Argentina, 2008.

Queda hecho el depósito

que marca la ley 11.723.

Reservados todos los derechos.

9 de julio 3563 (3000)

Santa Fe, Argentina.

Telefax: (0342) 4571194

[email protected]

www.unl.edu.ar/editorial

Aquere, FernandaArtistas etc. Muestra y encuentro de artistas gestores1ra. ed. - Santa Fe: Universidad Nacional del Litoral, 2008.40 pp.; 28 x 20 cm.

ISBN 978-987-657-029-9

1. Catálogo de Arte. 2. Gestión Cultural. I. TítuloCDD 708

[ 3

[1] Ricardo Basbaum, San Pablo, Brasil, 1961. Artista y teórico, gestor de Agora, en Río de Janeiro, Brasil.

Este documento es el registro de lo acontecido durante el desarrollo de “Artistas etc. Muestra y encuentro de artistas gestores” que reunió en la ciudad de Santa Fe, durante el mes de agosto de 2007, a artistas provenientes de Córdoba, Buenos Aires, Bahía Blanca, General Roca, Tu-cumán, Posadas, San Juan y Paraná.Este evento, concebido y producido por Germina Campos: espacio nómade de gestión cultural, fue posible gracias al apoyo del Fondo Nacional de las Artes, a través de las Becas Nacionales otorga-das a proyectos grupales, y contó con el auspicio de la Universidad Nacional del Litoral, la Secreta-ría de Cultura de la Provincia de Santa Fe y la Asociación del Magisterio de Santa Fe-AMSAFE.Las actividades se desarrollaron en el Museo Municipal de Artes Visuales Sor Josefa Díaz y Clucellas y en la Escuela Provincial de Artes Visuales Prof. Juan Mantovani. Queremos agradecer especialmente a Ponchi, Alejandra Ocampo, Florencia Díaz, Ignacio Cerbino, Luciana Berneri, María Laura Martínez, Victoria Sánchez, Etelvina Ingaramo, José Luis Volpogni, Abel Monasterolo, Angélica Nevillie, Lucila Fosco, Maricel Cherry, José Testoni, Gabriela Questa, Roberto Schneider, Ana Laura Fertonani, José Cettour, Ana María Cecchini de Dalo, Bica Cultura, Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Santa Fe (2007), Cámara de Diputados de la Provin-cia de Santa Fe (2007) y a todos aquellos que hicieron posible Artistas etc. con su participación.

Durante los últimos diez años, el mapa de la Argentina fue testi-go del surgimiento de iniciativas de artistas que se reunieron en su ciudad de origen con el compromiso de asumir responsabilida-des colectivas sobre la comunidad cultural que conforman y cons-truir proyectos que se multiplicaron en todas las regiones. La ausencia de espacios que pudieran contener sus producciones e intereses hizo que muchos de ellos tomaran la decisión de pro-ducir nuevos contextos, tales como espacios de exhibición, de per-feccionamiento, o comercialización, lugares para el desarrollo de propuestas curatoriales, residencias de artistas o museos.Podemos decir que el panorama artístico nacional estuvo defi-

nido con el devenir del nuevo milenio por la proliferación de programas, organizaciones y emprendimientos impulsados por artistas quienes, más allá de dedicarse a la producción de sus obras de manera individual, comenzaron a generar plataformas de acción colectiva.En este marco, y con la intención de aportar a la escena artística santafesina nuevas miradas y experiencias, concebimos “Artistas etc. Muestra y encuentro de artistas gestores”, para cuyo propósito nos apropiamos del concepto desarrollado por el artista (etc.) Ricardo Bas-baum, [1] quien en su texto “Amo a los artistas-etc.” dice: Cuando un artista es un artista de tiempo completo, podríamos llamarlo artista-artista, cuando el artista cuestiona la natu-raleza y función de su rol, podríamos decir que es un artista-etc.; es decir, un artista que no sólo desarrolla un rol social a través de su obra, sino también con su hacer, ligado a otras experiencias, tales como la gestión, la docencia, la curaduría y la producción teórica.Para llevar a cabo el proyecto, convocamos a ocho iniciativas de artistas de la Argentina: Casa Trece, El Basilisco, Espacio Vox, Estudio 13, La Baulera, MACUNaM, La Mandorla y Pariente del Mar con el propósito de generar un espacio de diálogo e intercambio, para compartir esfuerzos, inquietudes y dudas tendientes a expandir la tarea específica de cada grupo hacia un sentido más amplio. Queremos hacer hincapié en la naturaleza del recorte realizado, ya que los proyectos presentados conforman un número limitado en el marco de las numerosas y diversas propuestas que trabajan en este sentido. El foco de nuestra selección estuvo, paradójicamente, puesto en la amplitud de las propuestas ya que, si bien nos interesó especialmente el trabajo de cada uno, lo que priorizamos fue ante todo cierto espíritu de representación regional, de modo tal que se continúe alimentando la circulación de experiencias, logros y problemáticas comunes a las diferentes zonas de nuestro país.

Muestra y encuentro de artistas gestores

Artistas etc.

]4

• Aníbal Buede, Casa Trece. Córdoba • Gustavo López, Espacio Vox. Bahía Blanca • Ana Porchilote, Espacio Vox . Bahía Blanca • Alejandra Hernández, Estudio 13. General Roca • Fernanda Hernández, Estudio 13. General Roca • Francisco Riveros, La Mandorla. San Juan • Julia Acosta, Pariente del Mar. Paraná• Francisco Vásquez, Pariente del Mar. Paraná • Marco Bainella, Pariente del Mar. Paraná • Maximiliano Peralta, MACUNaM (Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional de Misiones). Posadas• Mauro Koliva, MACUNaM. Posadas• Pack, La Baulera. Tucumán• El día que me quieras, La Baulera. Tucumán La musicalización de la muestra estuvo a cargo de D.J. Buenmozo de la ciudad de Santa Fe.

Artistas etc. MuestraLa muestra “Artistas etc.” se inauguró el viernes 10 de agosto de 2007, en el Museo Municipal Sor Josefa Díaz y Clucellas de la ciudad de Santa Fe. Participaron de la exposición colectiva artistas que forman parte de los proyectos de autogestión convocados. Las características de las producciones expuestas abrieron paso a la posibilidad de cuestionarnos acerca de la naturaleza de las prácticas artísticas contemporáneas. Mientras algunos artistas presentaron sus trabajos realizados de manera individual, otros expusieron proyectos grupales u obras de otros artistas al tiempo que proponían que la misma gestión o la curaduría pueden ser “obras”. Es en este sentido que la muestra se presentó como un disparador que potenció la problematización acerca de las múltiples relaciones que los artistas involucrados en este tipo de proyectos colectivos establecen con la propia producción artística. A través de esta muestra no buscábamos úni-camente la presentación de producciones visuales de autores insertos en contextos de acción colectiva con propuestas variadas, sino que además intentamos evidenciar diferentes ideas acerca de aquello que llamamos obra (de arte). Los artistas y colectivos que participaron de la muestra son:

Artistas etc. Encuentro 1El primer encuentro se desarrolló el sábado 11 de agosto de 2007 en el Museo Municipal Sor Josefa Díaz y Clucellas. Participaron del mismo representantes de cada uno de los proyectos de autogestión convocados, quienes presentaron las particularidades del trabajo que desarrollan, exhibieron registros visuales sobre las actividades que realizan y, a su vez, analizaron el estado de situación de cada emprendimiento. Por último, abordaron la problemática del financiamiento, tema importante y determinante a la hora de pensar en la continuidad de trabajo de los proyectos.Esta instancia se propuso como un dispositivo de intercambio de ideas acerca de las relaciones diversas que se establecen entre la propia producción de cada artista y ese cúmulo de tareas paralelas que realizan, como ser la producción teórica, la docencia, la gestión y la curaduría, entre otras. Más allá de afirmar que los artistas que desarrollan este tipo de iniciativas pueden ser considerados ar-tistas-gestores –porque amplían el campo de su trabajo a otros– nos preguntamos si no se involucran con la gestión también aquellos artistas que, de manera individual, buscan recursos para producir y generan estrategias para lograr su inserción en el mercado o para otorgarle visibilidad a la obra. Es a partir de esta duda que propusimos la realización del segundo encuentro.

Artistas etc. Encuentro 2 El segundo encuentro se realizó el viernes 24 de agosto de 2007 en la Escuela Provincial de Artes Visuales Prof. Juan Mantovani. Fueron convocadas para esta instancia artistas locales, quienes presentan características disímiles en cuanto a los modos de construir sus carreras profesionales, para que presenten sus experiencias vinculadas a los espacios formación y perfeccionamiento por los que transitaron, las relaciones con las instituciones y el mercado a nivel local y nacional, las estrategias que desarrollan para posibilitar la visibilidad de su obra y los tipos de relaciones que establecen con otros artistas y teóricos (locales, regionales, nacionales).Las artistas Graciela Arce, Nydia Andino, Carolina Porral, y Nilda Marsili y Raquel Minetti (Grupo el Gorgojo), exhibieron sus producciones, manifestaron sus experiencias e intercambiaron ideas junto a las coordinadoras de Germina Campos y el público presente, acerca de la actualidad de las prácticas artísticas en nuestro país.

Germina Campos

[ 5

(…) Institucionalizarse es fundarse, organizarse, conseguir convalidación y reconocimiento ante el campo específico y ante la sociedad. Significa construir un espacio, físico y/o simbólico, definir contenidos y objetivos, plantearse modos de accionar, y estrategias a desarrollar. Y sostenerlo en el tiempo manteniendo relaciones orgánicas y operativas hacia adentro y hacia otros sectores o instituciones. Para evitar el anquilosamiento institucional, todos estos contenidos, objetivos, modos operativos y estrategias deben constantemente reeva-luarse, renovarse y mutarse. Una institución puede y debe ser siempre una entidad viva y dinámica. Solemos concebir en el plano imaginario a las instituciones como entes organizados de un modo inamovible y estructurado. En muchos casos, sus necesarios mecanismos y medios constituyentes se han transforma-do en el fin (en sí mismo) de la institución y no le permiten su desarrollo; la misma queda atrapada en lo que sólo es su plataforma formal origi-naria, la que debiera ser siempre revisada, re significada y renovada. (...) Hace cuatro años el Fondo Nacional de las Artes revisó sus conteni-dos, sus objetivos, sus modos de accionar y sus estrategias y, por sobre todo, los destinatarios de sus programas. (…) En líneas generales la política de la institución se nacionalizó efecti-vamente, se federalizó, quebrando y revirtiendo la tendencia estableci-da de ser una institución con presencia real sólo en Buenos Aires. Dejó también de ser, para las provincias, una entelequia, una oficina lejana, un formulario, una página en la red. Los directores comenzamos a viajar y a recorrer todo el país tomando contacto personal con los artistas y las instituciones locales, con el objetivo de conocer sus necesidades, sus problemáticas particulares y sus producciones singulares, de manera tal de promover y desarrollar programas específicos de apoyo y difusión.Esta mecánica modificó notablemente, primero, la relación de FNA con los artistas y otras instituciones, y segundo, revirtió y federalizó el aporte de recursos hacia todo el país.Es importante este cambio en las relaciones, ya que esto devino en un acercamiento muy productivo. A partir de las evaluaciones que reali-zamos sobre las escenas con las que tomamos contactos, surgieron nuevas líneas de apoyo. Por ejemplo, creamos las becas grupales, básicamente para proyectos de grupos de artistas que tuvieran inci-dencia sobre su campo artístico y social local.También, revisamos y reorientamos la política curatorial de muestras y de coleccionismo en las artes visuales. El FNA ha desarrollado históricamente una muy buena labor en estas dos áreas, pero estaba perfilado a exponer y coleccionar obras de ar-tistas ya consagrados o reconocidos en el circuito nacional. Nuestro

“Producir arte hoy es producir sensibilidad y pensamiento crítico”

[1] Este texto es un resumen de la evaluación surgida de un estudio de campo realizado en las ciudades de Tu-cumán, Salta, Posadas, San Juan, Mendoza, Gral. Roca, Viedma, Bariloche y Resistencia. Está basado también en el texto Sobre la construcción de escenas locales, de Justo Pastor Mellado (al que encontré muy coincidente y enriquecedor del trabajo que yo venía realizando); y en otros de Pierre Bourdieu, Jorge Sepúlveda, Jacques Lacan, Michael Foucault, Gilles Deleuze y tantos otros autores con los que uno se alimenta y saquea consciente o inconscientemente.

criterio, sin descuidar a estos artistas, es incluir en nuestras colecciones y exposiciones a artistas emer-gentes, productores de arte contemporáneo, aunque no exclusivamente, y sobre todo a artistas de todas las regiones del país, dándoles visibilidad y promo-viendo de esta manera su trabajo.En el marco de uno de nuestros programas llamado Pertenencia, ya han expuesto en Buenos Aires artistas de Jujuy, Salta, Tucumán, Formosa, Santiago del Este-ro, Mendoza, San Juan, Río Negro, Misiones y Chaco.En otro programa llamado Interfaces, que se realiza conjuntamente con la retaría de Cultura de Nación, han exhibido en diez ocasiones diferentes artistas de veinte ciudades de todas las provincias.También se realizan seminarios, cursos y clínicas gratuitas en las diferentes áreas artísticas de varias ciudades del país, en pos de formar y especializar a los artistas sin que tengan que viajar, para fortalecer y apoyar la generación de las escenas locales. Es larga la lista de cambios realizados en la actual gestión del FNA, y no es esta charla el momento de enunciarlos; sólo traía algunos de estos ejemplos a colación dadas la necesidad y la factibilidad de reno-vación y reinvención de los objetivos y políticas de las instituciones; y de subrayar la diferencia entre ges-tiones conservadoras de lo establecido y gestiones de apuesta y riesgo que acompañan procesos mien-tras se desarrollan.

[1]

]6

(…) Convengamos que rara vez las instituciones históricas se renuevan o reinventan a sí mismas. Pero es un desafío en el que tenemos que entrar.Es necesario que, tras una evaluación crítica, cambiemos la concepción imaginaria que se tiene y que tenemos de ella, que realicemos una nueva construcción simbólica de la ins-titución y re signifiquemos su sustancia o cualidad. Modifi-cando, entonces a consecuencia, sus objetivos temporales, sus modos de acción y sus estrategias, apoyados también desde un nuevo discurso. Y es necesario, aun, instaurar esta mecánica de revisión permanente como modus operandi. (…) En muchas ciudades del país encontramos, además de los museos y las escuelas de arte, un tercer actor con enti-dad propia; son los grupos de artistas autogestionados que han comenzado a constituirse como instituciones.Desde hace unos años ha crecido en la Argentina la forma-ción de estos grupos, en su mayoría alineados en la produc-ción y difusión del arte contemporáneo. Grupos en los que encontramos enormes coincidencias en sus constituciones, en sus objetivos y en sus modos operativos.(…) La Guarda de Salta, La Baulera de Tucumán, El MAC-UNaM de Posadas, Germina Campos de Santa Fe, Casa Trece de Córdoba, La Mandorla de San Juan, ED Contemporáneo de Mendoza, Estudio 13 de Gral. Roca, son sólo algunos. Cada uno de ellos con características particulares, pero todos con intenciones similares y problemáticas compartidas.El apoyo a las actividades y a la continuidad de estos gru-pos, a la consolidación de éstos como instituciones alter-nativas de formación y producción contemporánea, y a la creación de una red donde puedan interrelacionarse es una de las acciones políticas llevadas a cabo por el FNA. Aclaro que por ser un apoyo a grupos alternativos no es una políti-ca contra institucional, sino todo lo contrario.Creemos que donde han surgido ha sido porque existía la ausencia de un espacio medianamente institucionalizado en el que se desarrollase una formación reflexiva y una pro-ducción de obras y discurso de arte contemporáneo. Enton-ces es válido y necesario generarlo.Casi todos estos grupos tienen un espacio físico en donde funcionan. Realizan una educación más crítica y actual so-bre la producción misma de obra, siguen con programas de clínicas, invitan teóricos de otros sitios, llevan a cabo cru-ces y residencias de artistas de diferentes regiones. Cons-truyen un espacio alternativo de producción, formación y visibilidad de artistas que en sus ámbitos no tenían cabida en ninguno de los circuitos establecidos.(…) Los grupos independientes proponen, por un lado, otros espacios de exhibición con otro tipo de criterios cu-ratoriales y de programaciones; por otro, una formación más ágil y dinámica (que los cursos académicos de las uni-versidades), basada en la producción de obra y de teoría aplicada, con la intención explícita de construir nuevos sen-tidos, de construir sensibilidad y pensamiento crítico en la contemporaneidad. (…) Una actitud y una actividad política y de negociación entre las diferentes instituciones son necesarias, sino im-

prescindibles, para articular el desarrollo del campo artístico, so-bre todo en ciudades medianas y pequeñas. Obviamente es un trabajo más arduo para los grupos independientes que desean un espacio físico y simbólico de arte contemporáneo que aún no existe y que tendrán que construir.(…) Las instituciones públicas, privadas y autogestionadas o in-dependientes tienen sus particularidades específicas de gestión y de financiamiento; por ende, responden también a diferentes intereses políticos, conceptuales y económicos.(…) Las instituciones públicas y las independientes, en la Argenti-na, sufren graves problemas de financiamiento y presupuestos.(…) Las escuelas o universidades públicas dependen de los pre-supuestos educativos, por lo general acotados, y hacen malaba-res para seguir funcionando dignamente, lo cual no las exime de la responsabilidad que debieran tener de informarse y renovar continuamente los contenidos con los que forman; renovar y for-talecer a la institución.(…) Producir arte hoy es producir sensibilidad y pensamiento crí-tico, es ampliar las esferas de conocimiento, es construir sentido, es re problematizar y resignificar, con poética propia, a través de operaciones visuales. Y en esa línea debiera estar el acento pues-to en las escuelas y universidades de arte. (…) Los museos, tanto municipales como provinciales y naciona-les, trabajan también con presupuestos exiguos. Por lo general, alcanzan para cubrir salarios del personal estable, un mínimo de mantenimiento de los edificios y no mucho más. No contemplan una cuestión primordial en las necesidades de cualquier museo, que es el presupuesto para el desarrollo de sus programas, de sus proyectos y de sus exhibiciones. (…) Un museo que sólo preserva rara vez interactúa dinámica-mente con su sociedad; un museo es habitado y reconocido por su comunidad cuando se constituye en un proyecto más abarcati-vo y se propone como una institución que también educa, forma e interviene activamente en las actividades y en la política artística y cultural local. (…) Por lo general, las instituciones públicas, tanto las escuelas como los museos y otros organismos culturales estatales, no acompañan ni se involucran con los procesos artísticos en pleno desarrollo o en experimentación.(…) Por último, en este parcial recorrido que estamos haciendo sobre los actores del campo de las artes en escenas regionales, tenemos los grupos de artistas autogestionados. La particulari-dad de éstos es que tienen que construir institucionalidad desde el plano cero. O sea que deben cumplir los pasos concretos de fundarse, establecerse, organizarse, sistematizarse y conseguir protagonismo y convalidación ante las otras instituciones, ante el campo artístico y ante la sociedad.Vale para este proceso lo dicho para cualquier institución; fijar con-tenidos, objetivos, modos de accionar y estrategias a desplegar. Y en este caso, más que en otros, tienen siempre presente el inconve-

[ 7

niente de conseguir financiamiento, y cómo sin él se extinguen cuando se agotan las energías de los tres o cuatro artistas que por lo general lo conducen y gestionan, deben estar incansablemente trabajando este tema, que no es menor en la problemática de estos grupos.(…) Deben organizar muy bien esta línea de trabajo que es la pro-curación de fondos y financiamiento. Para ello deben operar acerca-mientos y llevar a cabo una acción de micropolítica de auto difusión, búsqueda de consenso, de apoyo y de seducción hacia todas estas otras instituciones, estando siempre alertas a no desvirtuar sus con-tenidos, y decidiendo de quién o de cuál institución desean o aceptan colaboración para su proyecto. Porque toda ambición de indepen-dencia corre el peligro de claudicar ante la necesidad de dinero.(…) Ideal sería que a largo plazo consiguiesen una autofinanciación, con recursos genuinos producidos por la actividad del grupo o del espacio. Aunque no sea suficiente para el presupuesto requerido, dependerán menos de aportes externos para subsistir.Hay varias acciones y estrategias, ya probadas por estos grupos de artistas, con las que consiguieron ciertos niveles de instituciona-lización y su reconocimiento en el circuito local, en el nacional y a veces en el internacional, aunque no siempre en ese orden.Es necesaria la conexión con otros grupos similares, la conexión en red, para que intercambien experiencias e información y para que sus acciones excedan la escena local. También, que continúen con sus programas de clínicas, seminarios, cruces y residencias de artistas de otras regiones y países.Deben intentar que su espacio se convierta en un centro que pro-duzca, albergue y difunda las producciones de arte contemporá-neo en la sociedad.Estas instituciones, más que ninguna otra, tienen que plantearse no ser estancas, ni cerradas, ni dogmáticas. Deben ser un labora-torio experimental de construcción y promoción de obra y de pen-samiento crítico. Deben generar debates, instalarlos en la escena incipiente, incluir en éstos a otros sectores del campo artístico; producir gestión que repercuta en el medio. (…)Es importante que trabajen todos estos objetivos y modos de ac-cionar desde un anclaje en su escena local. (…) Porque ya hemos visto que si el trabajo de estos grupos es cerrado y sólo para un sector muy minoritario, más difícil les resultará sobrevivir y se au-toexcluyen (…).Como el resto de las instituciones, pero más aún, deben aprender a accionar políticamente con los demás organismos y actores cul-turales y sociales.Estas instituciones no están dirigidas por gestores, o por funcio-narios, están conducidas por artistas. Se da la particularidad que estos artistas deben invertir su energía productiva, o parte impor-tante de ella, en la construcción de estos espacios y de estas ins-tituciones, a tal extremo que a veces su obra es esta construcción relacional. Es importante que se conecten lo más posible con la información nacional e internacional y con las instituciones nacio-nales e internacionales.

Andrés Labaké Artista visualDirector del Fondo Nacional de las Artes

Trascripción de fragmentos de la charla pronunciada en ED Contemporáneo. Mendoza, 3 de septiembre de 2008

Deben, en casi todas estas escenas particulares, colaborar en la construcción de un público para este arte contemporáneo, y no sólo introducir estos criterios en el menú de la dirigencia política y en los otros actores culturales, sino también difundir, editorializar su gestión, expandir su accionar para acercar a la sociedad y conseguir constituirla en un público interesado e in-teractuante con estas producciones.De todas las instituciones que hemos visto, son las más frágiles y probablemente las que más trabajo necesitan realizar para mantenerse. Pero hay otras opciones y experiencias realizadas, como la del grupo Germina Campos, que no tiene espacio físi-co, que desarrolla su gestión de arte contemporáneo en forma nómade, se desplazan con sus acciones de un sitio a otro sin residencia fija y a veces sólo en la red. Es un ejemplo de una concepción de institución móvil, flexible, probablemente resul-tado de una estrategia para poder subsistir con menos energías destinadas al sostén del espacio físico.Otros plantean experiencias y objetivos acotados con desarrollos puntuales o de corta duración, pero que no por eso dejan de pro-ducir impacto e instalan el debate y la difusión que se plantean. Son laboratorios experimentales de micro acciones portátiles.Es cierto que cuando los objetivos de las instituciones parecen contraponerse se reconocen como una acechanza. Pero, para no caer en la anulación de energías, justamente, debemos trabajar más intensamente en crear un ámbito para las relaciones inte-rinstitucionales. (…) Debemos buscar mínimos objetivos comunes que nos permitan multiplicar efectos.Debemos entender que necesitamos potenciar la escena y que para ello es preciso sentarse a debatir y a conseguir ciertos acuerdos.

]8

Estrategias de movilidad en la autopista de la visualidad transversal

En un sistema que todo lo globaliza, que todo lo homoge-niza constantemente, que nos absorbe sin darnos cuenta y nos roba la identidad impunemente, es lógico plantearse el lugar que nos toca vivir en este planeta. El terror se apodera de nosotros al entender que no podemos definirnos como tal o cual persona; nuestro sentido de pertenencia se hace frágil y tambalea. Ser y estar, o sea, quienes somos, ya no es directamente pro-porcional con el lugar donde habitamos. Es una relación asi-métrica. Actualmente las relaciones de tiempo y espacio se reordenan en función de las necesidades. ¿Será esto cierto o nuestras necesidades se desfasan constantemente? A partir del 2001 en Argentina surge una serie de movimien-tos en lo político y lo social que comienza a hacer frente a la situación devastadora económica-política y social que termi-naba de caer a partir del salvaje neoliberalismo impuesto en la década del 90. La situación del país proponía un territorio de nadie. Los ciudadanos sin distinción de clases se agrupa-ban en las plazas y calles para llevar a cabo los famosos cace-rolazos como signo de una realidad que necesita ser puesta sobre la mesa. En Argentina, como en Latinoamérica, las ma-nifestaciones públicas son casi parte de la construcción de las naciones y pocas veces suelen ser escuchadas.En el ámbito de las artes visuales, en la ciudad de Buenos Ai-res, se forma una serie de colectivos que, asociados a agru-paciones barriales y ONGs, sale a la calle a realizar acciones públicas de carácter político a través de performances, inter-venciones y señalamientos como parte de un discurso nece-sario y urgente. Colectivos como Grupo ETC, Escombros, GAC, entre otros, se transforman en catalizadores del pensamiento de la ciudadanía argentina. Sin embargo, se tiene la imagen de que ello es representativo de un país. Ahora, ¿qué sucede

en las provincias? Se acostumbra a tener como realidad artística de la Argentina los movimientos estéticos y políticos que giran en torno a Buenos Aires. Ciudad plataforma y vidriera de una construcción de sentidos indiscutible; y como mirada satélite, la realidad de Rosario y Tucumán. Comienza a vislumbrarse el tan mentado y agotado tema de los centros y periferias.Sin embargo, un movimiento paralelo se gesta desde aquel 2001 y responde a parámetros distintos de producción artística, pero no por ello menos político. Hablamos entonces de un nuevo actor social en la construcción de escenas locales:[1] los colectivos de arte.El proceso arranca de manera similar en diferentes puntos del país a partir del 2001. No puede más que ser evidente el corrimiento del movimiento central en la producción artística argentina.El encuentro de Artistas ETC, promovido por Germina Campos y reali-zado en la ciudad de Santa Fe en agosto de 2007, tiene por propósito “generar un espacio de diálogo e intercambio para compartir esfuer-zos, inquietudes y dudas tendientes a expandir la tarea especifica de cada grupo hacia un sentido más amplio”.[2]

Este propósito permitió encontrar puntos en común entre las reali-dades de las diferentes ciudades y una estructura común en la cons-trucción de un diálogo. Se dan cita grupos como La Baulera de Tucu-mán, Pariente del Mar de Paraná (Entre Ríos), Casa trece de Córdoba, Espacio Vox de Bahía Blanca, La Mandorla de San Juan, Estudio 13 de Gral. Roca (Río Negro), MACUNaM de Posadas (Misiones) y El Basilis-co de Avellaneda (Bs. As.).[3]

Es a partir de este encuentro y los posteriores cruces que se realizan entre los colectivos, los espacios y las producciones que se comien-za a estructurar este análisis.Para empezar, hay una serie de características comunes, con mayor o menor incidencia según el caso, a las diferentes manifestaciones grupales y su desarrollo en las escenas locales.Hay una necesidad de una independencia institucional y de autoges-tión ante un contexto adverso. Uno de los puntos más importantes que impulsa la agrupación de los diferentes actores culturales en colectivos es, quizás, la falta de apoyo a las manifestaciones inno-vadoras de la cultura local. La marginación de las miradas divergen-tes de sus artistas hace que naufraguen y se pierdan en el contexto devorador del arte internacional. Esto sucede, frecuentemente, por miedo a ser rechazados por la mirada “calificada” del centro y que-dar fuera de un circuito que posee reglas preestablecidas y que sólo invita a jugar sin ser partícipes en el diseño de dichas reglas.Muchas veces los grupos se proponen como alternativa a un siste-ma conservador, obsoleto, cerrado, etc. Como espacio (físico, virtual,

(Colectivos de arte en Argentina y su análisis)

[1] Pastor Mellado, Justo (2008). Sobre la construcción de escenas loca-les, en www.justopastormellado.cl[2] Germina Campos. Texto de catálogo de Artistas etc. Agosto de 2007.[3] Se debe rescatar que no sólo dichas ciudades poseen grupos de au-togestión, sino prácticamente cada ciudad del país. Se puede mencionar también La Guarda de Salta, ED Contemporáneo de Mendoza, El Levante de Rosario, entre otros.

[ 9

discursivo-reflexivo) de contención para artistas emergentes, como catalizadores y plataforma para la ubicación/reubicación de la produc-ción de la ciudad ante sus propios coterráneos o un público externo. Se puede decir que “los grupos independientes proponen, por un lado, otros espacios de exhibición con otro tipo de criterios curato-riales y de programaciones; y, por otro, una formación más ágil y di-námica (que los cursos académicos de las universidades), basando ésta en la producción de obra y de teoría aplicada, con la intención explícita de construir nuevos sentidos, de construir sensibilidad y pensamiento crítico en la contemporaneidad”.[4]

Ante un discurso siempre metropolitano de construcción de sen-tidos, los colectivos de arte de las diferentes ciudades/provincias de Argentina se encuentran ante la disyuntiva de la mirada siempre calificadora del centro y la complicada relación, muchas veces lle-vada a cabo, con el Estado local y sus instituciones. Las acciones se perfilan en el desarrollo de diálogos por parte de los productores visuales, lo que poco a poco se reafirma como un otro discurso que responde a una realidad cercana y no por eso ignorante de una con-textualización globalizadora.Frente una mirada siempre exógena de la producción visual, dife-rentes actores se agrupan en colectivos con objetivos más o menos comunes. Ciertamente, los espacios legitimados hasta ese momen-to (museos e instituciones culturales), vacíos de discursos renova-dos y anquilosados en concepciones academicistas de lo artístico, impulsan la construcción por parte de los grupos autogestionados de un nuevo corpus de sentidos. En muchos lugares la ausencia de una escena artística permite una nueva estructura, dinámica en su construcción, permeable en sus contenidos. El sentido de lo propio, muchas veces marginado por las reglas dictadas por los centros, se construye a partir de una autoafirmación del discurso, de una autore-ferencialidad local como polo de producción reflexiva teórico-visual.Como lo expresa Nelly Richard, “para las márgenes y las periferias culturales, es decir, para aquellas otredades que se habían visto ex-pulsadas del dominio autocentrado de la modernidad occidental-do-minante, fue vital reivindicar el ‘contexto’, los contextos, para com-batir el universalismo –o imperialismo– del valor. ‘Contexto’ quiere decir aquí: localidad de producción, sitio enunciativo, coyuntura de debate, particularidad histórico-social de una trama de intereses ar-tísticos y de luchas culturales que especifican el valor situacional y posicional de cada dinámica de arte. La reivindicación del ‘contexto’ afirma los espacio-tiempo micro-diferenciados que agitan la trama viva de cada cultura, para oponerse a la síntesis homogeneizante de la ‘función-centro’ del dispositivo metropolitano”.[5] A partir del cruce de relaciones entre los diferentes grupos se produce un atractivo tráfico o, mejor aún, contrabando de cono-cimientos visuales y teóricos. Poco a poco la permeabilidad de las vías de comunicación planteada en el circuito permite que se trasladen y se construyan nuevas experiencias.La movilidad, de los diferentes actores, en red permite la cons-

trucción de un discurso contra-hegemónico ante las decisiones de poder dictadas por la función centro. De esta manera, la transver-salidad en dicha construcción permite una fluidez en la producción de nuevas herramientas discursivas para la solidificación de una autorreferencialidad.Esta resistencia elastizada, en algún sentido, representa además una posibilidad de ingresar y salir de los circuitos habituales de legitimación proponiendo nuevas miradas y posibilidades en las operaciones discursivas.La imagen más certera para esto es la de una autopista de múlti-ples direcciones que genera un tráfico de conocimientos para con-trarrestar la direccionalidad de una vía de mano única en la auten-tificación y aceptación por parte del maistream.Sin embargo, hoy en día, aún la red de colectivos se encuentra en un estado de constante movimiento, y eso es beneficioso. Muchas experiencias grupales han desaparecido y han perdido su estructu-ración primera, pero dejando su huella, su rastro y en algún sentido la ruina de su construcción en la escena local. Otros han planteado una reestructuración para seguir produciendo movimientos, pero de una manera u otra todos proponen una constante desestructura-ción horizontal que va articulando una dinámica en el flujo de distri-bución crítica de la producción visual.La formación y transformación de colectivos de arte se presentan entonces como un doble movimiento: por un lado, centrípeto y, por el otro, centrífugo; una estrategia que articula nodos de relaciones y conocimientos insertos en un discurso global que ronda los temas estéticos y críticos del arte contemporáneo, pero que se mueven por los límites de los circuitos oficiales promoviendo un discurso desa-rrollado a partir de necesidades propias del contexto real de los acto-res sociales de cada ciudad y su proyección hacia otros contextos.En palabras de Arizpe, “lo primero es que todo proceso de integra-ción cultural es un proceso relacional en el sentido de que se tiene que construir simultáneamente hacia dentro y hacia afuera. Mirando hacia el exterior pueden percibirse las afinidades intra-regionales enmarcadas en las afinidades con ciertas regiones y, por encima de todas ellas, la ineludible afiliación a la humanidad”.[6]

Como resultado de este análisis y tratando de hacer visibles las estrate-gias inherentes al movimiento de los colectivos de arte en Argentina, se

[4] Labaké, Andrés. Charla en ED Contemporáneo, Mendoza, setiembre de 2008.[5] Richards, Nelly (2006). “El régimen crítico-estético del arte en el contexto de la diversidad cultural y sus políticas de identidad” en Real/Virtual en la estética y la teoría de las artes. Barcelona, Paidós Ibérica.[6] Arizpe, Lourdes. “Cultura, creatividad y gobernabilidad” en Estudios latinoamericanos sobre cultura y transforma-ciones sociales en tiempos de globalización. Buenos Aires, CLACSO, junio de 2001.

]10

podría decir que son las diferentes “conversaciones” llevadas a cabo por los actores de una realidad cultural particular lo que per-mite la construcción de un nuevo corpus de sentido y promueve una autoafirmación del discurso necesaria para poner en tensión la mirada local con aquella que se establece desde afuera.La autorreferencialidad local permite generar una plataforma de despegue hacia una red de relaciones horizontales y así lo-grar ese tráfico/contrabando de discursos como estrategia de equilibrio frente a la verticalidad de las reglas dictadas por el sistema internacional del arte sin olvidarse que se es parte del mismo; teniendo en cuenta un doble movimiento hacia adentro y hacia fuera que permita la estructuración/reestruc-turación y desestructuración de dichas acciones.Es importante que la construcción de la escena artística sea móvil, que permita una entrada y salida constante para una “contaminación” de información y así dejar de lado las reglas rígidas impuestas.Esta serie de estrategias, que en apariencia son abstractas, puede permitir la construcción de un nuevo pensamiento teórico-visual en el campo del arte contemporáneo en par-ticular y cultural, en general.“Se advierte la interesante posibilidad de producir una ‘globalización desde abajo’ que actúe como respuesta a la globalización desde arriba liderada por los grupos transna-cionales hegemónicos, permitiendo así la sustentación y el fortalecimiento de ‘representaciones de peculiaridad cultu-ral’ expresadas en distintas organizaciones cívicas con sus propios proyectos de acción.” [7]

Berny Garay PringlesArtista-Coordinador de La Mandorla. San Juan/Santa Fe, octubre de 2008

[7] Hopenhayn, Martín. “¿Integrarse o subordinarse? Nuevos cruces entre política y cultura” en Estudios latinoamericanos sobre cultura y transformaciones sociales en tiempos de glo-balización. Buenos Aires, CLACSO, junio de 2001.[8] Richards, Nelly. En su conferencia del Segundo Coloquio Internacional de Arte Latinoamericano, Mendoza, 2004.

Bibliografía• ALTAMIRANO, Carlos. Términos críticos de sociolo-

gía de la cultura, Buenos Aires, Paidós, 2002.

• ALVAREZ, Esteban (coordinador). “Pensando en voz

alta”. Ciclo de mesas redondas sobre temas de ac-

tualidad en las artes visuales. Buenos Aires, Alianza

Francesa, 2001 / 2002.

• BOURRIAUD, Nicolás. Estética Relacional. Buenos

Aires, Adriana Hidalgo Editora, 2006.

• CONVERTI, Julia (coordinadora). “Circuitos Lati-

noamericanos - Circuitos Internacionales”. Interac-

ciones, roles y perspectivas. Buenos Aires, arteBA

Fundación, 2006.

• GARCIA CANCLINI, Néstor. “Para una crítica a las

teorías de la cultura” en Temas de Cultura Latinoa-

mérica, México, UNAM, 1987.

• GARCIA CANCLINI, Néstor. Culturas Híbridas:

estrategias para entrar y salir de la modernidad,

Buenos Aires, Paidós, 2001.

• GARCIA CANCLINI, Néstor. “La globalización: ob-

jeto cultural no identificado” en La globalización

imaginada, Buenos Aires, Paidós, 2001.

• LADDAGA, Reinaldo. Estética de la emergencia.

Buenos Aires, Adriana Hidalgo Editora, 2006.

Por otro lado, posicionarse frente al “centro”, de igual e igual, en la construcción de las herramientas desde el lenguaje, es quizás la ma-nera de aprovechar nuestra condición de “periféricos”. Así se relativi-za la bipolaridad instaurada entre la función - centro y el margen.Es necesario que desde estas tierras se medite sobre los problemas formales y discursivos del arte entrando en el campo de la mediación y la representación; hacer tangibles las relaciones entre construc-ción y deconstrucción de la imagen de un “nosotros” latinoamerica-nos, argentinos, etc. De esta manera, como dice Nelly Richards,[8] “lo latinoamericano pasaría de ser una ‘diferencia diferenciada’ a ser una ‘diferencia diferenciadora’”. Ella plantea que el primer caso es pasivamente una diferencia nombrada y clasificada por el sistema del arte internacional, mientras que una diferencia diferenciadora toma ella misma la iniciativa de ejercerse como un acto de enuncia-ción sin dejarse atrapar en ninguna función preestablecida.

• MARCHAN, Simón (compilador). Real

/ Virtual en la estética y la teoría de las

artes. Barcelona, Ediciones Paidos Ibéri-

ca, 2006.

• MATO, Daniel (coordinador). Estudios

latinoamericanos sobre cultura y trans-

formaciones sociales en tiempos de glo-

balización. Buenos Aires. CLACSO, junio

de 2001.

• OLIVERAS, Elena. Cuestiones de arte

contemporáneo, Buenos Aires, Emecé

Editores, 2008.

• RICHARD, Nelly. Fracturas de la Memoria.

Arte y pensamiento crítico, Buenos Aires,

Siglo XXI Editores Argentina, 2007.

• SUBERCASEUX, Bernardo. “Las indus-

trias de la cultura: realidad y desafío” en

la revista TodaVIA, Buenos Aires, Funda-

ción OSDE, 2003.

• TAVERNA IRIGOYEN, Jorge. Estéticas de

fin de siglo 2. Summarium 4. Santa Fe,

Argentina, Centro Transdisciplinario de

Investigaciones de Estética, 2005.

• PASTOR MELLADO, Justo. Sobre la cons-

trucción de escenas locales, 2008, en www.

justopastormellado.cl

[ 11

Proyectos invitados

Germina Campos (coord.)

La Mandorla

Pariente del Mar

La Baulera

Casa Trece

El Basilisco

Estudio 13

Espacio Vox

MACUNaM

Artistas etc.muestra y encuentro 1

]12

Pariente del Mar

1 ¿Qué relaciones se establecen entre la producción artística indivi-dual y las prácticas particulares vin-culadas al desarrollo del proyecto de autogestión del cual participás como integrante o coordinador?

2 ¿Qué tipo de necesidades o in-quietudes derivadas del contexto local (en el cual está inserto el proyecto) o nacional determinaron o favorecieron el surgimiento del proyecto? ¿Cuál es la vinculación actual de dicho proyecto con el con-texto en el que se desarrolla?

3 ¿Cuáles son las estrategias de financiamiento que posibilitan el funcionamiento del proyecto?

4 Diagnóstico de la situación ac-tual del proyecto: ¿en qué etapa del proyecto se ubican en la actuali-dad?, ¿cuáles son las dificultades que se presentan en su desarrollo? y ¿cuáles las expectativas para el futuro próximo?

Perfil del proyectoGrupo de artistas paranaenses cuya pro-

puesta apunta a dar visibilidad a la obra

de artistas de la región y ampliar las

relaciones afectivas a través del diálogo

e interacción con artistas y espacios de

diferentes regiones.

CV Pariente del MarRealizamos las muestras Fin de semana

salvaje en Casa Trece (Córdoba/05) y

Una Casa Nueva en la Casa de Cultura.

Participamos de Periférica 2005, arteBA

Barrio Joven 2006 y arteBA Barrio Joven

2007. Además, realizamos la bienal de

Villa Urquiza 05 y 06.

Coordinadores del proyecto:

Julia Acosta, Marco Bainella,

Lucas Mercado, Francisco Vásquez,

Natalia Zárate, Federico Lanzi

y Agueda Guarneri.

1, 2, 3, 4 Surge en la ciudad de Paraná a mediados de 2005, se inicia y forma de manera casi espontánea a partir de múltiples variaciones y cruces entre amigos con igual interés e inquietud en un mismo contexto; también, de la búsqueda de cada integrante de un espacio de contención para poder manifestarse. Nos fuimos cono-ciendo e involucrando a partir de experiencias disími les: numerosas muestras, becas de Análisis y produc-ción de Obra de Fundación Antorchas en Entre Ríos y San-ta Fe (2002/03 y 2004/2005); en

el espacio de arte Casacueva se expuso gran parte de la producción emergente de la ciudad como ámbito de experimentación y gestiones por separado entre los integrantes. Ya conformados como Pariente del Mar realizamos muestras en Casa Trece (Córdoba/05) y

Una Casa Nueva (Paraná/06). Participa-mos en el Programa Interfaces con Neu-quén en la sala Osde (Neuquén) y Fondo Nacional de las Artes (Bs. As.), entre otras, y en eventos como la primera edición de Periférica 2005, ArteBA Barrio Joven 2006/ 2007. Además, la realización de la bienal de Villa Urquiza 05 y 06, como eje central de lo que simboliza Pariente del Mar. Pa-riente, en la actualidad, no tiene un es-pacio físico propio donde desarrollar sus actividades; en todo momento se manejó

de manera esporádica en función del proyecto a realizar. No tiene orden de compromiso jerárquico entre sus integrantes, parte desde la horizontalidad de trabajo. Esto hace que en cada proyecto surja de manera circunstancial un encargado para coordinar las tareas requeridas, así como cada integrante dis-pone a voluntad su labor en el mismo. Los objetivos de Pariente del Mar son diversos e indeterminados: desde realizar una fiesta hasta presentarse en ámbitos que nos “legitimen” como artistas o sujetos de la cultura. El proyecto de Pariente no tiene un lineamiento pre-establecido que lo sustente y guíe, es más bien una especie de improvisación ante oportunidades posibles, con la mirada puesta en las formas de producción del pre-sente, resaltando las relaciones afectivas y las formas de producción colectiva más allá de la obra, o la obra sólo como excusa para que se produzcan nuevas y varia-das relaciones. Pariente se autogestiona reactivando en cada proyecto su capital y a través de apoyos económicos a entes o empresas.

[ 13

artistas vinculados al

proyecto, convocados

para la muestra

ContactoMail: [email protected]

CV Marco BainellaNació en Paraná, provincia de Entre Ríos, en 1976. Autodidacta con enfoque en pintura. Becario de Fundación Antorchas 2002/03. Participa de las Clínicas de Artes Visuales del Centro Cultural Rojas 2005 coordinada por Diana Aizenberg y Eva Grinstein. Consultoría y Seminario con Luis Camnitzer en el CCEBA. Forma parte del grupo de artistas y gestores Pariente del Mar, que han mostrado su producción en el Barrio Joven de arteBA 2006/07; Periférica 2005, Centro Cultural Borges, Buenos Aires; Fin de semana salvaje, Casa Trece, Córdoba; Una casa nueva, Casa de la Cultura de Entre Ríos, entre otras. Participa en el MDE07 Encuentro Internacional de Arte Contemporáneo en Medellín 2007 con El Basilisco. Un dedo en el río, muestra conjunta, CCEBA, Centro Cultural de España en Buenos Aires, 2007. Estudio abierto 2007, Interfases: diálogos visuales entre regiones: Paraná-Neuquén, 2007. Residencia El Basilisco 2004, coordinada por Tamara Stuby, Esteban Álvarez, Cristina Schiavi, desarrolla como proyectos Fotografía y Recuerdos de Avellaneda; junto a Jaime realizó el video Corriente. En el 2004 Julio Sánchez lo invita a mostrar Palitos Pintados en el pop Hotel Boquitas Pintadas, pintados mientras fue voluntario en el pueblo de La Unión, en el árido chaco-salteño en el 2003. Otras muestras: Dibujos Instalados, Blanco y Contemporáneo (espacio para muestras en verano) 2005; Frambuesa, Zona de arte Quilmes y en Casacueva, Paraná, 2004.

Mail: [email protected]

CV Julia AcostaNació en Río Cuarto, provincia de Córdoba, en 1971. Realizó su formación en Paraná Entre Ríos; en la actualidad trabaja activamente en proyectos de diálogo y reflexión en torno a prácticas artísticas contemporáneas. Pertenece al grupo de artistas paranaenses Pariente del Mar, con quienes lleva adelante proyectos de gestión cultural y artísticos.

Estudios realizadosRealizador Plástico Superior y Profesorado en artes visuales. Escuela de Artes Visuales de Paraná. Egreso en 2005. Paraná, Entre Ríos.

Becas2004Encuentros de Análisis y Producción de Obra coordinados por la Fundación Antorchas en las provincias de Corrientes y Chaco. Docentes: Diana Aizenberg, Rafael Cipollini, Marina de Caro, Roberto Amigo.Muestras individuales y colectivas.2007• Stand Pariente del Mar. Barrio Joven-arteBA Feria de arte contemporáneo. Buenos Aires.2006• Stand Pariente del Mar. Barrio Joven-arteBA Feria de arte contemporáneo. Buenos Aires.• Interfaces. Diálogos visuales entre regiones: Neuquén-Paraná. Museo Provincial de Bellas Artes Pedro Martínez (Paraná) y Espacio Imago de la Fundación OSDE (Neuquén).• Muestra colectiva Una casa nueva. Grupo Pariente del Mar. Casa de la Cultura de la Provincia de Entre Ríos. Paraná.2005• Muestra individual Vital. Museo Provincial de Bellas Artes Pedro E. Martínez. Paraná, Entre Ríos.• Stand Pariente del Mar. Periférica. Centro Cultural Borges. Buenos Aires.


CV Francisco VásquezNací en Paraná en 1979. Desde entonces anduve por mi casa, el instituto de arte, Tramas, en lo de mi abuela, Posadas, Córdoba, el museo provincial, el boliche, Comodoro Rivadavia, Antorchas, en lo de mi amiga, el parque Urquiza, bienal de Villa Urquiza, el kiosco, el bar, la vereda, arte BA 06 y 07, barrio joven, el sillón de Julia, Casa Trece, junto con mis amigos, Chaco y Córdoba y Corrientes, en la cancha, en lo del Tati, en la playa (muchas veces), interfaces, frente a la compu, en mi trabajo, Casacueva y por algún otro lugar. Anduve y voy a volver a andar… Solo, con mis amigos o Pariente del Mar. Y además tengo un fotolog: www.fotolog.com/intervalius.


MUES TRA

“…se inicia y forma de manera casi espontánea a partir de múltiples variaciones y cruces entre amigos con igual interés e inquietud en un mismo contexto.”

]14

Casa Trece



ContactoDirección: Belgrano y Pje. Revol. Córdoba Mail: [email protected] Web: www.casa13.blogspot.com

Perfil del proyectoCasa Trece es una casa. Tiene un zaguán,

un patio, un baño, una cocina, un dor-

mitorio, un living, un comedor y hasta

un jardín custodiado por un enano. En la

antigüedad era de la municipalidad pero

hace 15 años la “tomamos” para que sea

de todos nosotros, los artistas. Nunca tu-

vimos objetivos, nuestro motor es solo el

deseo... el más puro deseo. Desde hace 4

años tenemos nuestro propio programa de

radio “Trece”, es nuestro living, pero en el

aire. Hoy queremos ser felices.


Aníbal Buede, Belkys Scolamieri

“ Casa Trece surgió como una consecuencia

natural, como una extensión vital para

que mi obra siguiera viviendo…”

1, 2, 3, 4 Extensiones…Cuando era alumno de la escuela de arte siempre quería tener un taller para pintar como todos los artistas, y que nadie me molestara y yo pudiera hacer mi obra tranquilo y concentrado. Cuando finalmente lo tuve no supe que hacer con él, no se me ocurría nada y me aburría; después pensé que lo que necesitaba era el comedor de mi casa, donde pasa mucha gente, o la calle, cuando me cruzo con otros; y estuvo bien, porque eso me pone contento. El artista-gestor > Intuyo que necesitaba extensiones (yo), mecanismos que se activaran cuando la obra –supuestamente– estaba concluida, mecanismos que facilitaran su circulación y que no permitieran que terminara muriendo (la obra y yo también). Sigue siendo una cuestión de necesidades; extenderse, expandirse…, generar un espacio con un terreno abierto al cielo, algo parecido a una escena, y buscar al otro, encontrarlo, tensionarlo y comprenderlo, modificarlo y modificarnos. Casa Trece surgió como una consecuencia natural, como una extensión vital para que mi obra siguie ra viviendo. Creo que podría haber sido cualquier otra cosa, pero me dejé llevar por el viento; y ahí estaba la casa, como si fuera lo más lógico saltar un muro y en-trar, inaugurarla con un acto político como “la toma” de posesión de un espacio que me/nos pertenecía; no podría haber sido de otra manera. La primera muestra de la Casa –en el 94– ya tomaba posición dentro de la escena, Artistas ultralivianos… una irónica respuesta de un grupo de artistas jóvenes a toda una hegemonía de “pintores duros” que dominaba el paisaje artístico cordobés. En estos días –ju-nio de 2007–, Casa Trece está exponiendo la obra de Pedro, Walter y Franco, tres

[ 15

CV Aníbal BuedeA los 11 años fui a un taller donde me hacían dibujar caras, después estudié Arquitectura, Cine y Arte, ahora soy profesor. Me dieron algunos premios cuando era muy joven, después ya no. Expuse en Córdoba y en otros lugares que me gustan. Curo muestras de artistas, escribo y tengo un programa de radio que se llama TRECE con Luis y Gustavo. Hace 14 años tomé una casa que ahora se llama Casa Trece que es de muchas personas y que dirijo junto a Belkys.



4 Diagnóstico de la situación actual del proyecto: ¿en qué etapa del proyecto se ubican en la actual-idad?, ¿cuáles son las dificultades que se presentan en su desarrollo? y ¿cuáles las expectativas para el futuro próximo?

reclusos que han pasado los úl-timos 15 años de su vida en la penitenciaría de San Martín… digo, dentro de la Casa y dentro de mi obra, siempre se “habla” de lo que ocurre afuera, en el “otro”…. Fui un Artista ultrali-viano y también quien recibe el “te quiero mucho” de ellos tres. Cuando era chico fui a un pro-grama de televisión infantil en el que tres niños teníamos que intentar realizar algo “artístico” con un poco de plastilina... co-mo yo carecía absolutamente de imaginación no se me ocu-rría nada para hacer, asi que sólo me dediqué a observar a mis “contendientes”; los dos niños hicieron sendos chanchi-tos, hermosos e idénticos. Ese día, al llegar a casa, hice con mi plastilina un bebedero para los

chanchitos... En realidad me he convertido solo en un tipo que pide tro-zos de vida y los organiza de algún modo que le produzca felicidad. Esa obra, como la Casa, carece totalmente de objetivos, el único motor es el deseo más profundo… sólo sirve para ser vivida. Como artista-gestor he tenido tiempos en los que he sido muy respetuoso con algunas recetas, y no me ha ido del todo bien con ellas… Casa Trece en un principio tenía un nombre largo y pretencioso y una sala blanca con lucecitas para poder mostrar la obra sin ruidos visuales ni contaminantes de ningún tipo… Tuvieron que llegar Belkys y los demás, y soplar bien fresco y decir esto se llama sólo Casa Trece y será una “casa para vivirla”. He curado muchas muestras, sobre todo de artistas jóvenes, y me gusta… disfruto metiéndome hasta los huesos en sus vidas y con el tiempo poder decirles “amigo”. Desde hace tres años tenemos un programa de radio, en cada emisión invitamos a una persona para que elija la música de toda la noche, la que le guste, y para que hablemos de él, y de nosotros, y de las maneras en que la gente se va cruzando en este lugar que es Córdoba. Tengo dudas, todavía no sé bien lo que haremos, ni con la casa ni con lo que voy recolectando de las perso-nas; a veces me pongo a ver esas fotos y a leer esos textos, y también a tomarme un trago con algún amigo en el patio de la casa; a veces pienso que quizás “no haya que hacer nada” con todo eso, y que sea solamente el tránsito.

“ extenderse, expandirse… generar un espacio con un terreno abierto al cielo, algo parecido a una escena…”



para la muestra

MUES TRA

Casa Trece

]16

Espacio Vox



ContactoDirección: Rincón 295

Bahía Blanca, Buenos AiresMail: [email protected]

Web: www.proyectovox.org.ar

Coordinadores

del proyecto:

Artes Visuales:

Ana Porchilotte y

Gustavo López.

Literatura:

Carlos Mux,

Gustavo López y

Omar Sanzone

CV Espacio VoxLa editorial Vox ha editado más de 50

libros de literatura argentina contempo-

ránea, 11 números de la revista objeto Vox

y 21 en la versión digital; produce, además

la agenda semanal infovox que llega a más de

8000 suscriptos.

La revista en papel ha sido distinguida con el

premio Julio Cortázar de la Cámara Argentina

del Libro en el año 2001, y mejor revista de arte

por la Asociación de Críticos de Arte de Argen-

tina en los años 2001 y 2002.

Participa en las ferias de Arte y Literatura: Arte BA

(2001-2006), Expotrastiendas (2002-2003), Arte

Córdoba (2003), Periférica (2005-2006), del Libro

de Madrid (2006-2007), Guadalajara (2006), Barce-

lona (2006), Santo Domingo (200).

Se han realizado más de 25 muestras de arte en todas las

disciplinas. Algunos de los artistas convocados fueron:

Alfredo Prior, Marina De Caro, Jorge Gumier Maier,

Miguel Mitang, Fernanda Laguna, Alberto Pasollini, Dia-

na Aisenberg, etcétera.

1) Gran parte de esta relación está dada por la evaluación y selección de las acciones del proyecto. En esta tarea existe la generación de un interés

por el análisis de ciertas obras y del pensamiento en torno a ellas que de manera inevitable trabaja sobre la producción personal.2) En una ciudad como Bahía Blanca el proyecto Vox aparece como una respuesta a la carencia de gestión en la órbita oficial. Esta falta estimu-la que ciertos problemas actuales y ciertas estéticas se hagan visibles. De esta acción se deriva gran parte de los contenidos del proyecto. La vinculación del proyecto con la ciudad es como la de un buen matri-monio: tensiones entre amor/odio - pasión/indiferencia.3) El financiamiento tiene su desarrollo para cada proyecto en particular. La editorial vende los libros y revistas que se produ-

cen. Las muestras se realizan en asociación con salas e insti-tuciones. Hay también sponsoreo, publicidad y coproducción con distintas entidades y grupos. En términos generales, son proyectos de bajo costo.

Perfil del proyectoVox es un proyecto que se articula entre las

producciones de arte y literatura contem-

poránea. En el campo literario genera encuen-

tros con escritores, talleres de formación y

ediciones en papel y virtuales. En artes visua-

les, durante 5 años se coordinó un espacio de

muestras y formación de artistas, debate de las

producciones de la región y el resto del país e

intercambio con otros proyectos afines.

[ 17



para la muestra


4 Diagnóstico de la situación ac-tual del proyecto: ¿en qué etapa del proyecto se ubican en la actual-idad?, ¿cuáles son las dificultades que se presentan en su desarrollo? y ¿cuáles las expectativas para el futuro próximo?

CV Gustavo LópezNació en Bahía Blanca en 1959.

Gestión culturalTrabaja desde 1982 en la Fundación Cultural Senda como vicepresidente y coordinador general de las gestiones culturales realizadas en la institución. Funda y dirige en 1999 el Espacio Vox en la ciudad de Bahía Blanca. Coordina desde 1999 el taller de plástica y análisis de obras del Espacio Vox.

2005• Dicta talleres de edición y gestión cultural en el encuentro organizado por TRAMA con apoyo del Fondo Nacional de las Artes y la Fundación DOE de Holanda.• Forma parte del Grupo organizador de Periférica, primera feria internacional de espacios de arte, editoriales y colectivos de artistas, desarrollada en el Centro Cultural Borges de Buenos Aires.2004• Coordina Talleres de Gestión Cultural para TRAMA (Red de iniciativas de artistas) en las ciudades de Salta y Córdoba, con patrocinio de la Fundación Antorchas, de la Rijksakademie de Amsterdam y el Ministerio de Relaciones Exteriores, Holanda.2003-2004 • Coordina actividades de gestión cultural en poesía en los Centros Culturales España de Buenos Aires y Córdoba.2002-2005 • Coordina las muestra del Espacio Vox en la sección de espacios emergentes en la Feria Arte BA de la ciudad de Buenos Aires.

Actuó como curador de las siguientes muestras2006 • Es designado por la Dirección Nacional de Artes Visuales de la Secretaría de Cultura de la Nación y el Fondo Nacional de las Artes como curador de la muestra Interfaces entre artistas de las ciudades de Bahía Blanca y San Juan.• Calefón en la vidriera, siete artistas argentinos contemporáneos. Espacio contemporáneo del Centro Cultural Borges. Buenos Aires. 2004 • Ana, Gely, Juli, Sandra. CEPIA Centro de Arte de la Universidad de Córdoba.2003 • Curador de la muestra de Marcelo Pombo. Centro Cultural Médanos.2002-2003 • Realiza la curación del Espacio Vox para las ferias Expotrastiendas.2001-2005• Realiza la curación del Espacio Vox para las ferias Arte BA.

Exposiciones individuales1997• Galería GIESSO. San Telmo. Buenos Aires.1996• Puede Fallar. Pinturas y Grabados. Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca.


4) Actualmente el proyecto está en una meseta debido a que rea-lizamos unas 5 muestras de arte asociadas a otros proyectos, ya que no contamos con una sala de muestras; lo que llevamos ade-lante como gestión es el concepto o modo de producir las exposicio-nes. Un proyecto de muestras sin sala. Creemos que si gestioná-ramos más, con más recursos el proyecto crecería, pero pensa-mos que esta escala de trabajo es acorde a las posibilidades de trabajo que tenemos sin volver-nos más locos de lo que normal-mente estamos. Por el momento pensamos trabajar un tiempo así y evaluar durante 2008 cómo proyectar para más adelante.

MUES TRA

CV Ana PorchiloteNació en Guaminí en 1948. Actualmente vive en Bahía Blanca. Realizó estudios con Tulio De Sagastizábal, Graciela Hasper, Diana Aisemberg, Gumier Maier y Marina de Caro.

Principales exposiciones2004 • Grupal: Anagelijulisandra. Espacio Cepia. Córdoba. • Grupal: Anagelijulisandra. La Baulera. Tucumán.• Colectiva: Diálogo entre pintores. Muestra co-lectiva en el MAC. Bahía Blanca, Buenos Aires.2003• Colectiva: Espacio Vox en Expotranstienda. Buenos Aires.• Individual: Centro Cultural Rojas. Buenos Aires.2002• Colectiva: Espacio Vox. Arte BA 2002. Buenos Aires• Colectiva: Bienal Nacional de arte. Bahía Blanca, Buenos Aires.2001• Individual: Una toma diaria. Biblioteca Rivadavia. Bahía Blanca, Buenos Aires.2000• Individual. Espacio Vox. Bahía Blanca, Buenos Aires.• Colectiva: Bienal Regional de Arte. Bahía Blanca, Buenos Aires.1999• Colectiva: MAC. Bahía Blanca, Buenos Aires.• Colectiva: Bienal Nacional de Arte. Bahía Blanca, Buenos Aires


]18

Estudio132) Al momento de surgir el proyecto y establecer pautas, el ámbito local contaba con algunas instancias de reflexión y espacios de visibilidad en los cuales circu-laban prácticas artísticas contemporáneas. La predominancia se hallaba anclada en formatos establecidos de las bellas artes, con instituciones de formación tradi-cionales que comenzaban a establecer vínculos con docentes, artistas, críticos y teóricos de la escena contemporánea nacional, a través de jornadas y seminarios con una frecuencia anual. A esto se suman, posteriormente, las clínicas de produc-ción y análisis de obra de la Fundación Antorchas. Con el tiempo se hizo necesario generar estos espacios de debate y reflexión con una frecuencia mayor. La vincu-lación actual del proyecto con el contexto en el que se está desarrollando es de un interés creciente, lo que favorece su desenvolvimiento.3) Contamos con el apoyo de algunas empresas locales a las que les interesa asociar su imagen a esta iniciativa, de la Municipalidad de General Roca y Secre-taría de Cultura de la Provincia de Río Negro, las cua-les renuevan su disposición anualmente mediante la presentación de la planificación de las actividades a desarrollar. Los aportes son de diferentes carac-terísticas: en pasajes, materiales o gráfica e impre-siones en general. La conformación de la Fundación es una acción tendiente a establecer convenios con instituciones que apoyen los objetivos de esta Fun-dación, tendientes a colaborar en tareas de capacit-ación, investigación y extensión.

Coordinadores

del proyecto:

Fernanda Hernández

Alejandra Hernández

Fernando Genoud

Perfil del proyectoEstudio 13 se conforma como proyecto de autogestión en septiembre de 2003. Imple-mentado con el fin de promover la proyección de artistas emergentes, genera un espacio alternativo de producción, difusión y experimentación para artistas visuales. Fundación Estudio 13 se conforma en el 2006, con el proyecto de crear el Centro de Arte Contem-poráneo UNO, continuando y ampliando las actividades desarrolladas. E 13 pretende funcionar como nexo vinculante entre artistas, galerías y espacios de arte, participar y generar actividades de formación, difusión y exhibición en espacios convencionales y no convencionales, de cara al arte contemporáneo.

Objetivos generales: • Elaborar proyectos para actividades tendientes a interactuar con la comunidad po-tenciando el desarrollo educativo artístico. • Realizar los Encuentros Intensivos de Artistas Visuales, generando cruces de artistas de diferentes provincias del país.• Promover exhibiciones y muestras (individuales y colectivas) de artistas de E 13.• Insertar en el mercado del arte a artistas visuales regionales.• Generar centro de documentación, biblioteca de arte y videoteca.• Promover la producción de videos experimentales y nuevas tecnologías. Orientado hacia el explícito apoyo a las nuevas tendencias de fuerte contenido experimental.• Firmar convenios con instituciones que apoyen los objetivos de esta Fundación tendi-entes a colaborar en tareas de capacitación, investigación y extensión.

CV Estudio 13Desde septiembre de 2003 se realizan los

Encuentros Intensivos de Artistas Visuales (Clínicas a

cargo de Sergio Bazán y Alejandro Montes de Oca) con

artistas de Río Negro y Neuquén. A partir de octubre

de 2005 se abre la convocatoria a todo el país y comienza

Cruce de artistas, taller de clínica y experimentación

a cargo de Sergio Bazán, con participación de artistas

visuales de Río Negro, Neuquén y Buenos Aires.

• 2007- Clínica y análisis de obra a cargo de Diana

Aisemberg y Rafael Cippolini.

- Inauguración de UNO Centro de Arte Contemporáneo

Latido Terrícola Laura Spivak, Elisa O Farell, Patricio

Larrambebere, Eduardo Basualdo, Fernando Genoud

y Celeste Sciacchitano.

• 2006 - El proyecto recibe una Beca para el desarrollo de

proyectos grupales del Fondo Nacional de las Artes.

- Exp.: Traje los Equivocados en Sala E. Saraco

de Neuquén.

- Taller: Diseño e Implementación de Proyectos

de Arte en Educación a cargo de Irene Suris.

Centro Cultural Rojas (UBA).

- Clínica de obra a cargo de Eva Grinstein en Gral.

Roca, Río Negro. Centro Cultural Rojas (UBA).

- Seminario de Video Arte a cargo de Rodrigo Alonso

en Buenos Aires.

- Presentación del Proyecto-UNO Centro de Arte

Contemporáneo. Cruce de artistas visuales de Río

Negro, Neuquén y Buenos Aires. Curador Sergio

Bazán. Gral. Roca, Río Negro.

- Participación en Periférica 2006, Feria y Encuentro

de Espacios Independientes de Arte Contemporáneo.

Centro Cultural Borges. Buenos Aires.

• 2005- Barrio Joven de arteBA 2005, Feria de Arte

Contemporáneo. Buenos Aires.

[ 19



para la muestra


2 ¿Qué tipo de necesidades o in-quietudes derivadas del contexto local (en el cual está inserto el pro-yecto) o nacional determinaron o favorecieron el surgimiento del proyecto? ¿Cuál es la vinculación actual de dicho proyecto con el con-texto en el que se desarrolla?


4 Diagnóstico de la situación ac-tual del proyecto: en qué etapa del proyecto se ubican en la actuali-dad?, ¿cuáles son las dificultades que se presentan en su desarrollo? y ¿cuáles las expectativas para el futuro próximo?

MUES TRA

CV Alejandra HernándezNació en General Roca, provincia de Río Negro, en 1967.

CV Fernanda HernándezNació en General Roca, provincia de Río Negro, en 1969.

Cuenta con dos espacios para su funcionamiento:

• E 13 centro: ámbito de exhibición y gestión

de actividades con el fin de promover y difundir

obras de artistas visuales. UNO Centro de arte

Contemporáneo. Paraguay 651. Gral. Roca, Río Negro.

• E 13 chacra 251: lugar de producción, análisis y

clínica de obra, donde se realizan los Encuentros

Intensivos con convocatoria abierta a artistas de todo

el país. Vinter 2520. Gral. Roca, Río Negro.

FormaciónEstudió Ciencias Biológicas. Dedicada a las Artes Visuales, desde principios de los ’90. Asistió a la Escuela Superior de Bellas Artes –INSA–.Se formó entre otros con Sergio Bazán, Luis Wells, Rodrigo Alonso y Alejandro Montes de Oca.

Exposiciones2007• Imprevisible y discontinua. Pertenencia Río Negro. Fondo Nacional de las Artes. Buenos Aires.2006• Traje los Equivocados. Sala E. Saraco. Neuquén.• Fiambrería. Periférica 2006. Centro Cultural Borges. Buenos Aires.2005• Vacío. Instalación. Espacio Estudio 13 en Barrio Joven-arteBA. Buenos Aires.• Habitar. Casa de la Cultura. General Roca, Río Negro. 2004• Sobremesa. Intervención urbana. General Roca, Río Negro. • La Quema. Acción-intervención urbana. General Roca, Río Negro. 2003• Vacío. Video instalación-intervención urbana. General Roca, Río Negro. • Cielos e Infiernos. Instalación. Casa de la Cultura. General Roca, Río Negro.

FormaciónEstudió Cinematografía y Nuevos Medios. Se formó entre otros con Sergio Bazán, Alejandro Montes de Oca, Eva Gristein, Diana Aisemberg y Rafael Cippollini.

Becas2006• Beca para el desarrollo de proyectos grupales. Fondo Nacional de las Artes.2002• Beca de la Fundación Antorchas para participar en las clínicas de análisis y producción de obra. Neuquén.

Premios2005• 1er. Premio Fotografía. Salón Nacional de Artes Visuales. Cipolletti, Río Negro.2001 • 2do. Premio fotografía color. I Bienal de Artes Visuales de la Patagonia. FUNDeSUR. Sala Emilio Saraco, Neuquén.

Exposiciones2007 • Imprevisible y Discontinua. Pertenencia. Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires. UNO, General Roca, Río Negro.2006• Festival de la Luz. Museo de Bellas Artes Pasquini López. San Salvador de Jujuy.• Traje los equivocados. Sala Emilio Saraco. Neuquén.• Colectiva artistas visuales de Río Negro, Neuquén y Buenos Aires. UNO Centro de Arte Contemporáneo de la Fundación Estudio 13. Curador: Sergio Bazán. General Roca, Río Negro.2005• Salón Nacional de Artes Visuales. Asociación Española. Cipolletti, Río Negro.• FotoRIO 2005. Centro Cultural Cándido Méndez. Río de Janeiro, Brasil.• Stand de Estudio 13. ArteBA 2005 - barrio Joven. Buenos Aires. • Premio OSDE a las Artes Visuales. Palais de Glace. Buenos Aires.2004• Argentina Pinta Bien. Artistas de Río Negro. Bariloche, Río Negro.• Festival de la Luz. Patagonia, mitos y realidades. Centro Cultural Recoleta. Buenos Aires.Gestión cultural• Desde el 2003 coordina Estudio 13 proyecto de autogestión conformado con el fin de promover la proyección de artistas emergentes, generando un espacio alternativo de formación, producción, experimentación y difusión de las artes visuales. • Entre los años 2003 y 2007 participó y coordinó los Encuentros Intensivos de Artistas Visuales y Cruces de Artistas de Río Negro, Neuquén y Buenos Aires.


Gestión cultural• Desde el 2003 coordina Estudio 13, proyecto de autogestión conformado con el fin de promover la proyección de artistas emergentes, generando un espacio alternativo de formación, producción, experimentación y difusión de las artes visuales. • Entre los años 2003 y 2007 participó y coordinó los Encuentros Intensivos de Artistas Visuales y Cruces de Artistas de Río Negro, Neuquén y Buenos Aires. • En el 2006 Estudio 13 obtuvo una Beca para el desarrollo de proyectos grupales otorgada por el Fondo Nacional de las Artes


Estudio13

ContactoDirección: Paraguay 651Gral. Roca, Río NegroMail: [email protected] /

[email protected]

Web: www.estudiotrece.com.ar

]20

Germina Campos



ContactoMail: [email protected] Web: www.germinacampos.com.ar / www.germinacampos.blogspot.com

Perfil del proyectoGermina Campos es un espacio nómade de

gestión cultural independiente de la ciudad

de Santa Fe, integrado por las artistas visuales

Fernanda Aquere, Cintia Clara Romero y

Rosana Storti en la coordinación y Ponchi en

la asistencia técnica y montaje. Entre los años

2002 y 2005, participamos de los encuentros

de producción y análisis de obra organizado

por la Fundación Antorchas realizados en las

ciudades de Santa Fe y Paraná. Estos encuen-

tros propiciaron el acercamiento de artistas

de la región que hasta el momento estábamos

trabajando de manera individual (generando

un nuevo modo de concebir el propio que-

hacer artístico), la vinculación con artistas de

otras ciudades, el intercambio de miradas y la

apertura del circuito de difusión. De esta manera comenzaron

a surgir inquietudes y proyectos comunes en los que las ins-

tancias de producción fueron trascendidas, muchas veces, por

la necesidad de autogestionar espacios de formación (clínicas,

cursos) y de encuentro. Germina Campos se genera a partir

de la necesidad de consolidar y sistematizar experiencias de

autogestión que, de manera aislada, se desarrollaban a nivel

local desde el 2002.

Los propósitos del proyecto son:

• posibilitar la circulación de obras de artistas santafesinos en

otros centros de difusión artística del país.

• generar un espacio de difusión, perfeccionamiento y estu-

dio vinculado con las prácticas artísticas contemporáneas.

• desarrollar proyectos curatoriales.

• generar un espacio cultural en el que se posibilite el inter-

cambio de producciones e ideas entre los artistas y teóricos de

la región, y colegas de otros puntos del país.

El proyecto Germina Campos es pensado como espacio nó-

made, es decir, que no poseemos espacio físico para desar-

rollar las actividades que organizamos, sino que trabajamos

con instituciones públicas o privadas en función de las activi-

dades programadas.

El nomadismo que caracteriza el funcionamiento del proyec-

to nos permite, por un lado dinamizar la propuesta trabajan-

do vinculadas a distintos espacios y actores culturales de la

ciudad y el país; pero, por otro lado el hecho de no poseer

un espacio propio, en ocasiones, condiciona o limita nuestras

actividades. Es por esto que en agosto del 2005 comenza-

mos a diseñar nuestro “espacio propio virtual” a través de la

construcción del sitio web www.germinacampos.com.ar, en

la que difundimos de manera permanente las actividades or-

ganizadas, la obra de artistas santafesinos, y a su vez a través

de la sección proyectos en red presentamos 4 proyectos cura-

toriales anuales, haciendo coincidir la presentación de cada

uno con la llegada de cada estación.

1) Se establece una relación dinámica entre la producción artística individual y las prácticas vinculadas a la autogestión. Esta relación se modifica en función del proyecto que abor-damos, en algunos participamos exclusiva-mente en la coordinación de las actividades y en otros nos involucramos a partir de nues-tra obra. La producción artística individual fue uno de los puntos de inflexión que dio origen a Germina Campos; pusimos la mirada en nuestra producción artística y su escasa inserción en el contexto cultural local, lectura que estimuló la creación de nuevos espacios de visibilidad para nuestra obra y para la de nuestros pares. Pero en la praxis las múltiples actividades que implica llevar a cabo la autogestión postergan el desarrollo de la obra individual y esto genera interrogantes en cuanto a nuestra propia producción: ¿debemos implementar nuevos mecanismos o es-trategias en el desempeño de la gestión que nos permitan un desarrollo más fluido de las practicas artísticas?, ¿la gestión forma parte del proceso de construcción de la obra individual? Estos interrogantes y los que surjan no sólo abren debate sobre el devenir de Germina Campos, sino también sobre la problemática inherente al arte contemporáneo.2) Germina Campos surge por la necesidad de generar en la ciudad de Santa Fe un espacio de difusión, estudio e investigación sobre las prácticas artísticas con-temporáneas. La escena artística santafesina está alejada de las prácticas con-temporáneas y responde a una mirada academicista y ortodoxa. Los artistas, por

Coordinadoras

del proyecto:

Cintia Clara Romero,

Fernanda Aquere y Rosana Storti.

[ 21

“Reinventamos a Germina Campos en función de las inquietudes que surgen, de los vínculos que establecemos y de las oportunidades que se presentan.”



lo general, trabajan de manera aislada con escasos vínculos con sus pares, tanto locales como de otras provincias. La ciudad carece de teóricos, historia-dores del arte y críticos comprometi-dos e interesados en las producciones de artistas contemporáneos, lo que dificulta la circulación y la construcción de saberes que acompañan el sentido de las obras. La vinculación del proyecto con el contexto local se establece con grupos reducidos de artistas y con algunas institu-ciones culturales. Si bien la incidencia de Germina Campos no es tan

notoria en el medio local, las distintas actividades realizadas han generado inquietudes en algunos artistas emergentes de la ciudad de Santa Fe en cuanto a estrategias de auto-gestión, producción y difusión de la obra. 3) El financiamiento de Ger-mina Campos se articula en relación con las particu-laridades de cada proyecto. Contamos para algunas ac-

tividades con el apoyo de una empresa privada, como también con el auspicio de organismos estatales, municipales y provin-ciales. El financiamiento reside en aportes económicos, mate-riales gráficos, recursos técnicos, hospedaje para artistas, etc. Al comienzo de nuestro proyecto obtuvimos el 1º Premio para grupos de autogestión en Periférica 2006, lo que nos permitió costear algunos proyectos. La página web fue solventada por la Secretaría de Cultura de la Provincia de Santa Fe a través de una beca otorgada a Cintia Clara Romero. En 2006/7 obtuvimos del Fondo Nacional de las Artes la beca para grupos de autoges-tión; con ella financiamos el proyecto “Artistas etc.”.4) En la actualidad el proyecto está enfocado a generar ins-tancias de formación en el medio local por medio de la orga-nización de clínicas de obra con teóricos y artistas de recono-cida trayectoria, con el fin de movilizar la escena artística en nuestra ciudad. Por otra parte estamos diseñando nuevas estrategias de financiamiento ya que necesitamos un ingreso fijo que nos permita continuar y generar nuevos proyectos. Reinventamos a Germina Campos en función de las inquie-tudes que surgen, de los vínculos que establecemos y de las oportunidades que se presentan. Al ser un espacio nómade seguiremos trabajando en nuestra página web como plata-forma de acción, espacio donde se canalizan la mayoría de nuestros proyectos.

CV Germina CamposMuestras grupales y colectivas

2007 • Stand de Germina Campos. ArteBA 07

/ Barrio Joven. La Rural. Buenos Aires.

2006• Pares discontinuos. Espacio de arte Ima-

go de la fundación OSDE. Santa Fe.

2005• Stand de Germina Campos. Periférica, 1º

feria y encuentro de espacios de arte gestio-

nados por artistas.

Becas

2006 • Beca del Fondo Nacional de las Artes para

el desarrollo de proyectos grupales (Germina

Campos / Espacio nómade de gestión cul-

tural independiente).

Premios y distinciones

2005• Premio Banco Galicia al Mejor Stand y Pro-

yecto de Autogestión: Germina Campos / Es-

pacio nómade de gestión cultural. Periférica: 1º

feria y encuentro de espacios de arte gestionados

por artistas. Centro Cultural Borges. Bs. As.

Curaduría

a) En espacios físicos

2007• Artistas etc. Muestra y encuentro de artistas

gestores. Museo Municipal Sor Josefa Díaz y Clu-

sellas. Santa Fe.

• ArteBA 07- Barrio joven. La Rural. Bs. As.

2006• Pares discontinuos. Espacio de arte Imago de la

fundación OSDE. Santa Fe.

2005• Periférica: 1º feria y encuentro de espacios de

arte gestionados por artistas. Centro Cultural

Borges Bs. As.

b) En el sitio web:

www.germinacampos.com.ar

• Proyecto invierno 08:

“Antártica”. Andrea Juan.

• Proyecto otoño 08: “Piel”.

Luciana Berneri, Milton

Kalbermatter, Alejandra Mizrahi,

Cecilia Paredes, Claudio Pereyra,

Paula Pinedo, María Eugenia

Regueira, Soledad Sánchez

Goldar, Liliana Sánchez, Anabel

Vanoni y Fernanda Aquere.

• Proyecto verano 08: CONVI,

una selección de videos. Mateo

Amaral Junco, Maximiliano

Bellamnn, Esteban de Alzáa y

Mónica Heller.

• Proyecto primavera 07: Pic Nic.

Artistas varios.

• Proyecto invierno 07: “Tour”.

Cintia Clara Romero.

• Proyecto otoño 07: “Buenas

malas y regulares ideas”. Narda

Alvarado.

• Proyecto verano 07: “Pares

discontinuos”. Juan Maximiliano

Cáceres, Leo Chiachio y Daniel

Giannone, Federico Lanzi,

Emiliano Quintana, María

Elena Machuca, Viviana Macías,

María Laura Martínez, Yamandú

Rodríguez, Alejandra Tavolini

Pablo Pisacco, Horacio Vallejo,

Mercedes Schamber, César

Tschanz y Ponchi.

Presentaciones públicas

2007• 6 artistas se exponen. Graciela

Arce, Sandra Carriel, Lacho Valle-

jo, Cintia Clara Romero, Rosana

Storti y Fernanda. Fotogalería Es-

tudio Roberto Guidotti. Santa Fe.

2006• Presentación del sitio web de

Germina Campos. Espacio de

Arte Imago, Fundación OSDE.

Santa Fe.

]22

La Mandorla



1) Cada miembro del grupo desar-rolla individualmente diversas ac-

tividades artísticas y de formación, de manera independiente a la actividad del colectivo. Sin embargo, es fácil ad-

vertir de qué manera se filtran los intereses y los aprendizajes personales en la construcción de los proyectos grupales. Los giros en los modos de resolver

ciertos problemas, como también los enfoques frente a objetivos e intereses del grupo, se construyen a partir de un diálogo continuo en el que se cruzan y

se enriquecen las experiencias personales y las colectivas. Como debería ocurrir –idealmente– en cualquier ámbito, la obra personal y el trabajo grupal se ali-mentan y complementan en forma permanente. El cruce entre las experiencias

y los intereses de todos los miembros, desde el respeto por el trabajo ajeno y la necesidad de un intercambio de ideas, multiplica las posibilidades y fortalece las

soluciones. “Si yo tengo una manzana y tú tienes una manzana y las intercambia-mos, ambos tendremos una manzana; pero si yo tengo una idea y tú tienes una idea y las intercambiamos, ambos tendremos dos ideas”, George Bernard Shaw.

2) La provincia de San Juan cuenta con escasos espacios destinados a la exhibición y promoción de obra artística y, en general, resultan bastante inaccesibles a los

jóvenes artistas, o inapropiados para la producción de cierto tipo de obras de arte contemporáneo. Esta situación fue el disparador principal para que el grupo se pro-


Claudia Perez De Sanctis, Bernardo Garay Pringles,

Guadalupe Aguiar Masuelli y Juan Manuel Valenzuela.

Perfil del proyectoCreado en 2004, La Mandorla - Espacio de prueba y acción es un espa-

cio independiente pensado como contenedor y disparador de proyectos

artísticos de participación interna (del Colectivo de arte La Mandorla)

y externa. Surge como respuesta a la necesidad de un gran número ar-

tistas locales de contar con un espacio independiente que contemple la

producción y exhibición de proyectos artísticos emergentes. La Man-

dorla es un espacio dedicado al arte contemporáneo con inclinación

al desarrollo de cruces experimentales e interdisciplinarios (artistas

visuales + escritores + diseñadores) con el fin de producir instalacio-

nes, intervenciones al espacio y obras objetuales.

Se ha comenzado, en 2005, un ciclo de exposiciones denominado

Trimestrales de Arte La Mandorla. El mismo consiste en la elec-

ción de un tema curatorial, la invitación a un número de artistas

provinciales, nacionales e internacionales, la asignación de espacios

específicos de la casa y la coordinación de las propuestas. Paralela-

mente se trabaja con diseñadores gráficos que formulan y desar-

rollan la gráfica del evento. Finalmente, se abre la casa al público

en una muestra colectiva que tiene la particularidad de exhibir

producciones (generalmente instalaciones) pensadas y realizadas

en función de un espacio y un tema específico.

Hasta el momento se han realizado seis Trimestrales: Estructuras

que resisten (agosto de 2005), Levedad (noviembre de 2005),

El arte no es chiste (abril de 2006), Microcosmos (agosto de

2006), Límites Indefinidos (noviembre de 2006) y Próximo

Capítulo: véalo antes de que llegue (mayo de 2007).

Se propone la difusión de experiencias que se producen al

margen de las instituciones y de manera independiente, sin

dejar de lado los criterios de desplazamiento, extrañamiento

y nuevas búsquedas estéticas que derivan de una reflexión

crítica que oscila entre los problemas que se presentan en el

campo del arte y la realidad cotidiana.

Este ejercicio de gestión cultural independiente dentro de

una generación de jóvenes artistas ha estimulado la colabo-

ración, la participación y el interés de un número importante

de artistas (aproximadamente 50 artistas locales, nacionales

e internacionales) y público en general, fomentando la dis-

cusión y el diálogo, factores indispensables para el creci-

miento y la diversificación de las experiencias culturales.

[ 23



pusiera hacer un cambio radical en su manera de trabajar: la casa utilizada inicialmente como taller personal compartido por artistas se convierte en un espacio de gestión, producción y exposición de obras de otros artistas locales y foráneos. En movimiento doble que va desde la vinculación con artistas y el incentivo para generar obra, hasta la conexión y estimulación de públicos diversos para acercarse a estas manifestaciones, La Mandorla - Espacio de prueba y acción pretende dar visibilidad a la producción artística contem-poránea local dentro y fuera de la provincia, y también ofrecer al público san-juanino obras de arte local, nacional e internacional.3) El proyecto actualmente recibe parte de un subsidio de un proyecto de investigación de la Universidad Nacional de San Juan. A esto se le suma el

aporte realizado de manera coopera-tiva entre los artistas y organizadores de las muestras y la donación de dinero que hace el público cuando asiste a las muestras. 4) El proyecto se encuentra en una etapa de asentamiento, pero funda-mentalmente de expansión hacia actividades que diversifiquen las experiencias artísticas hacia pro-puestas de distintos tipos (inter-venciones, arte digital, videoarte,

etc.). Además, actualmente se pretende difundir el proyecto en otras ciudades del país para poder promocionar las producciones locales de jóvenes artistas. Una de las principales dificultades de desarrollo en La Mandorla es el acotado presupuesto con el que se cuenta para mejorar una infraestructura en función de los planteos curatoriales, y para el desarrollo de propuestas de mayor envergadura. De todas maneras, las expectativas de futuro apuntan hacia la gestión de subsidios ex-ternos que permitan tanto el mejoramiento de las instalaciones como la posibilidad de intercambios de artistas, realización de residencias y trabajo conjunto con otras instituciones del país o del exterior.

CV Francisco RiverosNació en la provincia de San Juan en 1985. Actualmente estudia la Licenciatura en Artes Visuales, en la Facultad de Filosofía, Humanidades y Artes de la Universidad Nacional de San Juan.

Exposiciones colectivas2007• La Mandorla, Espacio de Prueba y Acción. San Juan.• Interfaces: Diálogos visuales entre regiones: San Juan-Bahía Blanca. Fondo Nacional de las Artes. Buenos Aires. 2006• Centro Cultural San Martín. Buenos Aires.2005• Centro de Creación de Artes Plásticas. San Juan.• Museo Tornambé. San Juan.




para la muestra

MUES TRA

ContactoDirección: Laprida 894 (oeste)San Juan, San JuanMail: [email protected] Web: www.lamandorla.com.ar

• El ciclo Trimestrales de Arte comienza en 2005 y se en-

cuentra actualmente dentro del proyecto de investigación de

la Universidad Nacional de San Juan, titulado: “Producción

de dispositivos estético-críticos e investigación situada sobre

las políticas de circulación y recepción de las prácticas artísti-

cas, según criterios curatoriales e institucionales en San Juan”.

Las exposiciones realizadas hasta el momento dentro del ciclo son:

• Agosto de 2005. Primera Trimestral: Estructuras que resisten.

• Noviembre de 2005. Segunda Trimestral: Levedad.

• Abril de 2006. Tercera Trimestral: El arte no es chiste.

• Agosto de 2006. Cuarta Trimestral: Microcosmos.

• Noviembre de 2006. Quinta Trimestral: Límites indefinidos.

• Mayo de 2007. Sexta Trimestral: Próximo Capítulo: véalo

antes de que llegue.

Paralelamente se han desarrollado actividades culturales de di-

versa índole (conciertos, charlas, fiestas, etc.), y se ha asistido a

eventos para la difusión del espacio. En noviembre de 2006 se

participó en calidad de expositores en “Periférica - Arte de base”,

en el Centro Cultural Borges, de la ciudad de Buenos Aires.

En el marco del proyecto nacional de arte Argentina Pinta Bien,

organizado por el Centro Cultural Recoleta y Repsol YPF, fueron

seleccionadas obras producidas dentro del marco de las Trimestrales,

para la exposición Argentina Pinta Bien. Arte de San Juan.

En abril de 2006, el colectivo fue invitado a participar de la muestra

de artistas sanjuaninos realizada por Galería de Arte Antigua Bodega,

con la obra “Cruces”, instalación realizada en los lagares de la bodega.

El colectivo ha sido seleccionado para participar con un proyecto de

video instalación para la muestra Cortocircuitos de textos visuales.

CV La Mandorla

]24

La Baulera




Jorge Gutiérrez, Tuly López,

Hernando Migueles.

1) Las relaciones establecidas entre la producción artística y las prácticas de gestión dentro del de-sarrollo del proyecto van a producirse de forma móvil en constante mutación ya que tanto el proyecto y lo artístico nos fueron reorganizando cada etapa de manera fluida. En una primera etapa, la gestión estaba dirigida principalmente a contener nuestra actividad artística, por ello creamos “La Baulera Centro de Arte Contemporáneo”, lugar desde donde nos afianzamos y desde donde convocamos a numerosos artistas de diferentes disciplinas a que nos acompañaran para generar proyectos que, a nuestro parecer, eran pertinentes a las necesidades artísticas del entorno, y que ya no sólo abar-caría nuestra obra sino además generaría el espacio para propuestas de otros artistas. Fue en una segunda etapa cuando consideramos al espacio de gestión como nuestra propia obra, donde cada acción o proyecto realizado dentro del mismo pasaban a formar parte de “La Baulera Centro de Arte Contemporáneo” como obra de proceso. Pero cuando el desarrollo del proyecto empieza a tomar es-cala a nivel nacional, y cuando hay que empezar a cubrir necesidades propias del proyecto, es cuan-do la responsabilidad organizativa y colectiva empieza a surgirnos como pregunta, es decir: ¿para quién trabajamos? ¿Esto es nuestra obra? Por eso pasamos a esta tercera etapa donde la gestión ya no tenía una relación directa con nuestra obra sino que usábamos algunos de los mecanismos de la obra artística en la gestión. Problematizábamos estos mecanismos y los poníamos en discusión con el fin de generar nuevas propuestas de exhibición y de circu-lación, donde el montaje como la obra en si misma entren en conflicto con estos elementos. Así también decidimos cerrar La Baulera físicamente para poder generar nuevas preocupa-ciones y que a nosotros se nos generen nuevas expectativas de confrontación y análisis del arte contemporáneo.2) La Baulera como espacio de gestión surge sobre la base de nuestras propias inquietudes, como alternativa a una es-cena artística local en la cual podemos mencionar la relación de abandono del estado respecto del arte contemporáneo (museos cerrados o sin políticas claras direccionadas hacia el mainstream local y al rechazo de un arte emergente, el cambio constante de autoridades y la falta de espacios con las condiciones necesarias para cada obra). El desarrollo de una extensa y rica producción cultural, así como la enorme tradición de grupos colectivos en Tucumán, se han dado de una manera inversa al desarrollo de los espacios aptos para su distribución y consumos. Es este el contexto que nos llevó a pensar un proyecto colectivo con la participación de los artistas de nuestro medio. Desde 2002 La Baulera ha organizado numerosas actividades como programación del Centro de Arte Contemporáneo, y es precursora al ofrecer a profesionales de la cultura y, especialmente, a creadores de las diversas áreas del arte, la oportunidad de intercambiar experiencias, reflexionar sobre el hecho artístico (y su contexto social, económico, político y cultural), desarrollar, afianzar y evaluar conocimientos y habilidades metodológicas que beneficien su desempeño, así como el emprendimiento y gestión de proyectos en el caso de los creadores.

Perfil del ProyectoLa Baulera, institución sin fines de lucro,

es la expresión del compromiso de gestión

de un grupo de artistas tucumanos

y fue creada para apoyar y fomentar

innovaciones e iniciativas que fortalezcan

el tejido social entre los artistas y la

comunidad y que contribuyan a propiciar

la circulación de valores simbólicos que

enriquezcan la escena local, con proyección

a otras escenas. Nuestro ámbito de acción

está estrechamente vinculado a los procesos

de desarrollo del arte contemporáneo del

país y enmarcado en los siguientes

ejes de ambición:

• formación y capacitación en áreas

relacionadas al arte,

• fortalecimiento de comunidades de

artistas y a sus proyectos,

• valoración de la producción cultural de

Tucumán, mediante ensayos de gestión en

relación a la generación de espacios entre

los artistas y su comunidad.

Todo ello se lleva acabo a través de

diversos proyectos que se ejecutan en

las áreas de visibilidad, generación de

pensamiento, circulación,

cooperación e intercambio.

ContactoMail: [email protected]

[ 25artistas vinculados al


para la muestra

CV La BauleraLa Baulera nace en 1993 como grupo de investigación y producción teatral que se desplazara luego hacia la investigación y producción en las artes visuales. El grupo estrena diez obras de teatro con las que participa en distintos encuentros y festivales a nivel nacional y por las que recibe numerosos premios y distinciones.En el 2003 se crea y gestiona La Baulera Centro de Arte Contemporáneo, ubicado en la zona del Abasto en San Miguel de Tucumán; durante cuatro años promueve proyectos expositivos y de gestión, así como la venta de obras de artistas locales y nacionales.Integrado por Jorge Gutiérrez, Susana López, Natalia Lipovetzy y Hernando Migueles, quienes, además de productores y gestores, organizan exposiciones colectivas y espacios de reflexión en distintos eventos nacionales e internacionales.Desde el 2006, junto a las iniciativas Vox (Bahía Blanca), El Levante (Rosario), Taller H (Córdoba) y La Agencia (Buenos Aires), conforman TRAMA - Red de cooperación entre iniciativas de artistas.


4 Diagnóstico de la situación actual del proyecto: en qué etapa del proyecto se ubican en la actua-lidad?, ¿cuáles son las dificultades que se presentan en su desarro-llo? y ¿cuáles las expectativas para el futuro próximo?

MUES TRA

Entre las principales exposiciones se destacan: 2007• Programa Argentina Pinta Bien. Arte de Tucumán. Museo Timoteo Navarro. Tucumán.• 6º Encuentro Corpolíticas en las Américas. Centro Cultural Recoleta. Instituto Hemisférico de Performance y Política.2006• Premio OSDE a la Artes Visuales. Buenos Aires.• Barrio Joven - ArteBA 06. Buenos Aires.2005• Barricadas Invisibles. Estudio Abierto. Buenos Aires. • Barrio Joven - ArteBA 05. Buenos Aires.• Pertenencia. Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes. Buenos Aires.2004• Colectiva de Colectivos. Museo Timoteo Navarro. Tucumán.2003• La alegría no es solo brasilera. Encuentro de performance. Facultad de Artes, UNT. Tucumán.2002• Punto de Vista. Proyecto Texto-Contexto (TRAMA). Plaza Independencia. Tucumán.2001 • Millones de argentinitos. Museo Timoteo Navarro. Tucumán.


Hoy, después de 4 años, con el cierre de La Baulera (espacio físico) nos vol-vemos a cuestionar este vínculo: ¿cuál era el límite de la responsabilidad or-ganizativa y colectiva? Cuando empezamos a ocupar el lugar de representan-tes del arte contemporáneo de Tucumán comenzó a generarse una relación muy rígida con respecto al contexto, cuando algo así se establece empieza a generar resistencia como reacción, ¡misión cumplida! ...decidimos cerrar para dinamizar. Repensamos el proyecto para producir nuevas reacciones en otros espacios, seguimos generando pensamientos en torno a la idea del arte pero desde otro lugar; queremos probar otra relación a ver si se generan otras re-sponsabilidades colectivas, ya que haciendo visibles las necesidades del con-texto hacemos visible lo que esta faltando . “... Se trata, en última instancia, de apostar a que en el corazón de lo siempre igual destelle lo improbable, a que un aquí y ahora obstinadamente invisible deje ver su invisibilidad, a que la realidad, tal cual es, deje aparecer sus complicidades secretas con lo extraordinario. Para La Baulera, toda obra es la formulación conjunta de una

comunidad que, al resguardo de lo ínfimo, al fin podría venir.” (Aldo Ternavasio)3) Intentábamos que para cada actividad se diseñara un modelo de financiamiento. El proyecto se ramificaba a medida que se desarrollaba, desde un programa de radio hasta la visita de alguien; nunca pensa-mos un financiamiento total del proyecto; a medida que iban surgiendo las actividades ensayábamos modelos de financiamiento intentando generar la responsabilidad en otros, instituciones, gobierno, etcétera.

4) Estamos dejando el espacio físico, lugar físico de reunión, centro de activi-dades relacionadas al arte contemporáneo y a una responsabilidad exposi-tiva, y nos encontramos planteando un momento de reflexión para repensar nuevos lugares a problematizar. Luego de 4 años interrumpidos, más nuestra experiencia de 10 años como grupo de investigación artística, creemos que el proyecto necesita de un espacio para poder replantear y generar estrategias y propuestas de políticas culturales en Tucumán. Para ello programamos 14 meses intensos de trabajo que hace centro básicamente en ese espacio de reflexión, tanto de la tarea realizada como de la que se inicia. El mismo tiene como objetivo: la organización y siste-matización del material de regis-tro y documentación; la amplia-ción del pensamiento crítico en relación con la gestión cultural hecha por artistas y como consecuencia de una acción artística; la provocación y planificación de proyectos; el diagnóstico, fortalecimiento y optimización de los proyectos realizados en estos años de gestión; el diseño y archivo del mate-rial de registro y documentación de las actividades de gestión de las iniciativas o de los artistas comprometidos en tareas de gestión a través del análisis e intercambio de experiencias y resultados; una reflexión y estructuración de nuevos paradigmas en la gestión cultural; una visión actual y plural de la im-portancia de las actividades artísticas en los procesos de cambio y desarrollo comunitario; el aprendizaje y la apropiación de herramientas metodológicas para la formulación de proyectos y conocimientos relacionados con la promo-ción de la obra de arte.

“…haciendo visibles las necesidades del contexto hacemos visible lo que esta faltando,... generar la idea de conflictuar.”

]26

El Basilisco

Perfil del proyectoNadie sabe de dónde viene la chispa de la creatividad o la fuerza que la destila para que resulte en algo

trascendente. O cómo está relacionado este proceso con la interacción entre una persona y las demás,

y con el mundo. Así es el arte. Sin embargo, creemos absolutamente en la aventura que representa

compartir un pedazo de vida con otra persona, otro artista, en ver y dejarnos ser vistos en el curso de un

período de tiempo que incluye desde los momentos más caretas, compartiendo una copa de champagne

en una inauguración, hasta los momentos más íntimos, con o sin pantuflas en la cocina, y todos los

otros momentos en el medio. Compartir el andar por el tejido excéntrico del barrio, donde las ilusiones

sostenidas con piolines tienden a fallar, y también el andar por la mecha rápida que es el centro y el

mundillo de arte; todo eso es algo que nos lleva a crecer. O por lo menos que nos puede salvar del hartazgo

o de la ceguera de lo familiar, de la decadencia de la fiaca y del abismo de la desilusión, en fin, de todas esas

cosas que son ladronas de la chispa o que matan las ganas y la pasión. Vamos hacia adelante con una idea

simple: la de compartir, trabajar y reflexionar entre artistas, y la idea crece y se transmuta al ritmo de la

vida real: a veces en una evolución lenta, y a veces, demasiado, pero demasiado rápido, respondiendo a los

deseos y a las necesidades de muchos. Organizamos residencias que reúnen a artistas de la Argentina con

otros del extranjero para compartir un período de entre dos y tres meses para reflexionar y concentrarse en

su trabajo, mientras conocen Avellaneda, Buenos Aires y se conocen entre sí. A la vez, el público local los

conoce a ellos y a su trabajo a través de diversos eventos abiertos. Nos parece importante, y nos apasiona;

es imposible contar la historia sin detalles particulares y numerosos, que corresponden a cada artista; de

hecho, el meollo del proyecto consiste en el trabajo y las experiencias de ellos. Hasta la fecha, han sido

Marco Bainella, Jaime Gili, Pablo Guiot, Runo Lagomarsino, Renaud Herbín, Nicolas Lelièvre,

ContactoDirección para correspondencia: Cnel. García 173, Avellaneda, Buenos AiresMail: [email protected]: www.elbasilisco.com/residencias.html

Alejandra Montiel, Jan Adriaans, Adriana Bustos, Olivia

Plender, Felice Hapetzeder, Graciela Arce, Cristian Segura,

Pedro Sequeira, Christian Bermúdez, Alejandra Urresti,

Nicanor Aráoz, Traplev (Roberto Moreira, Jr.), Sara Ramo,

Bjargey Olafsdottir, Anu Pennanen, Iara Freiberg, Adriana

Bernal, Henry Coleman, Alexa Horochowsky, Roland

Persson, Torbjörn Berg, Bill Burns, Anna Basbacker, Agnes

Eperjesi, Víctor Muñoz, Pablo Rosales, Seth Wulsin,

Chih-Chien Wang y Julieta Ortiz. El Basilisco funciona en

una vieja casa en Avellaneda, desde el año 2004, gracias al

apoyo recibido de muchas personas y de varias instituciones

nacionales e internacionales, nombradas a continuación.

Los artistas que participan son seleccionados a través de

convocatorias abiertas y, hasta la fecha, una gran diversidad

de artistas de 29 países y de 10 provincias de la Argentina

se ha postulado para participar del proyecto. A partir del

interés generado por esta iniciativa desde sus comienzos,

se han concretado oportunidades a través de El Basilisco

para artistas argentinos en el marco de distintos programas

de intercambio en el extranjero. Mantenemos un sitio web

donde se puede encontrar imágenes y breves textos que

corresponden a las ideas y proyectos de cada uno.

Auspiciantes:

Fundación Proa;

Fondo Nacional de

las Artes; Centro

Cultural de España

en Buenos Aires;

Embajada de España

en la Argentina,

Agencia Española

de Cooperación Internacional; La Estación Asociación Civil; Facultad

de Artes, Universidad Nacional de Tucumán; Arts Council of England,

International Fellowship Program; Triangle Arts Trust; International

Artists’ Studio Program in Sweden (IASPIS); Nordic Institute for

Contemporary Art (NIFCA); Servicio Cultural de la Embajada de

Francia en la Argentina; British Council; Fundação Calouste Gulbenkian;

Akademieverein; Pro Helvetia; Fundação Iberê Camargo; Itaú Cultural;

el Servicio Cultural de la Embajada de Brasil; Lugar a Dudas; Alcaldía

de Santiago de Cali; Taiteen Keskustoimikunta; Center for Islandic

Art; Samband Islenskra Myndlistarmanna; Reykjavikurborg; Canada

Council for the Arts; Fiatal Képzomuvészek Stúdiója Egyesület (FKSE);

Fonds BCV; MDE07; +++ y contamos con el apoyo institucional de la

Secretaría de Cultura de la Nación Argentina.


Iniciamos El Basilisco Esteban

Álvarez y Tamara Stuby. Desde

el 2004 nos acompaña Cristina

Schiavi en la organización, y

desde 2005 Alejandro Fangi es

el coordinador local.

[ 27

1 ¿Qué relaciones se establecen entre la producción artística indi-vidual y las prácticas particula-res vinculadas al desarrollo del proyecto de autogestión del cual participás como integrante o coor-dinador?

2 ¿Qué tipo de necesidades o in-quietudes derivadas del contexto local (en el cual está inserto el proyecto) o nacional determinaron o favorecieron el surgimiento del proyecto? ¿Cuál es la vinculación actual de dicho proyecto con el contexto en el que se desarrolla?



1, 2, 3, 4 Se puede pensar la actividad artística como una cuerda tensada entre las necesidades personales y la respuesta que un artista espera de un en-torno particular para satisfacerlas. En el caso más tradicional, un artista trabaja en relativa privacidad, informado acerca de la actividad de sus pares a través de sus amistades en el plano inmediato, y formando parte del público del arte en un plano más amplio. Una respuesta positiva a su labor proviene en primer término del reconocimiento de sus pares, luego a través de la actividad comercial, de una prensa especializada elogiosa y de las instituciones del arte en forma de premios o invitaciones para participar en distintos eventos. Tal vez porque se supone que ya sabemos la respuesta, nadie se pregunta cómo las necesidades de ese artista inciden en la forma de llevar adelante su trabajo, o cómo éste se vincula con su entorno. Si ahora surge una pregunta sobre esta relación esencial, ¿será porque

estamos frente a un fenómeno desconocido? ¿O será posible que un cambio en la escala de lo que es familiar vuelva desconocida su apa-riencia? Cuando nos toca hablar del quehacer artístico, es frecuente que andemos a tientas con un vocabulario prestado o mal adaptado para la tarea; palabras del entorno del taller, ideales para hablar de la creación, se mezclan con otras palabras del mundo exterior, relevantes a la gerencia de personas, empresas y bienes. Ese contraste de nomenclatura insinúa una dicotomía, o tal vez sólo señala el silencio mantenido ante-riormente acerca de ciertos aspectos del quehacer artístico. Por ende, implica una distancia exagerada entre los artistas y los otros actores de su entorno, como si las decisiones acerca de la exhibición y cir-culación de la obra no pertenecieran a los primeros. Con una pregunta hipotética, el silencio menciona-do se manifiesta: ¿cuáles son las estrategias de fi-nanciamiento que posibilitan el funcionamiento de [tu obra]? El abanico de respuestas posibles es muy amplio, abarcando numerosas consideraciones que son temas cotidianos para cualquier artista, quien las maneja como un sinfín entrelazado de causa y efecto, esfuerzo y suerte, oportunidades extraordinarias y lími-tes injustos. En circunstancias cambiantes cuyas reglas no están claras, los artistas, aquí y también en otros

contextos, tienen que contar con cintura, buenos reflejos y perspicacia. Cuando una forma de trabajar resulta prohibitivamente cara, busca una alternativa o busca más dinero; cuando necesita elementos que no se encuentran en la librería artística, los busca por otro lado, y cuando no se encuentra con la respuesta deseada a su trabajo, hace ajustes, o al trabajo o al público al que se lo presenta. No hay un vocabulario usual para esta parte del proceso, ni pormenorizamos los detalles. Observamos la producción misma, seguimos su crecimiento o maduración, la constancia o los cambios de su impulso con el paso del tiempo. De la misma manera en que ponemos la mirada sobre la acción, no sobre el mecanismo que la produce en el arte, nuestro proyecto consiste en la estadía de cada artista, y cada uno tiene diferentes intereses, necesidades, formas de trabajar y de relacionarse. Proveyendo tiempo, espacio, con-

“El Basilisco cambia con cada grupo de artistas, tanto como el entorno local e internacional cambian con el paso del tiempo.”

tacto con un contexto nuevo y diálogo, intentamos hacer un aporte que potencie la producción de cada artista en el lar-go plazo. No existe una receta para las experiencias ni para un mecanismo básico, de hecho la ruta administrativa que hace posible cada residencia es diferente. Importa la idea, el trabajo realizado y los interrogantes que éste conlleva. Por otro lado, si la idea es enfocar atención sobre el plano administrativo o empresarial, la discusión bien podría lle-gar a incluir los proyectos que tienen mayor desarrollo en ese aspecto (por ejemplo, una galería comercial, una feria de arte o un kiosko) considerando sus diferentes estrategias de marketing. Pocos proyectos “indepen-dientes” están encaminados desde ese ángulo, y auque el nivel de iniciativa puede ser comparable, en general sus metas no incluyen la prosperidad económica ni la longevidad. En nuestra experiencia, son (y somos) excepciones más que modelos. Es difícil saber cómo evaluar el presente: entre el 2004 y hoy, la cantidad de artistas involucrados ha incrementado bastante, pero no tenemos forma de medir la importancia de la experiencia para cada uno. El Basilisco cambia con cada grupo de artistas, tanto como el entorno local e internacional cambia con el paso del tiempo. Los desafíos resueltos solamente hacen lugar para de-safíos nuevos: nuestra experiencia cambia, y como resultado, nuestra perspectiva y las decisiones que tomamos día a día también, como artistas y como coordinadores del proyecto.

]28

MACUNaM

Museo de Arte Contemporáneo de la

Universidad de Misiones

ContactoDirección: Anexo de la Facultad de Humanidades. San Lorenzo 2551. Posadas, Misiones.

CV MACUNaMFue inaugurado oficialmente el 21 de junio de 2002,

aunque las gestiones para la concreción del proyecto y su presentación a las

autoridades de la Universidad Nacional de Misiones comenzaron en 1998.

En 2001, antes de su inauguración oficial, el equipo del MACUNaM gestionó

el tercer Encuentro de Análisis y Producción de Obra propiciado por

la Fundación Antorchas, con la visita de Luis Wells, Sergio Bazán,

Laura Batkis y Fabián Lebenglik.

Exhibiciones destacadas:

• Tulio De Sagastizábal, Ignacio De Lucca Yiyú Finke. V(M)isiones.

Curador: Francisco Ali-Brouchoud.

• César López Osornio. Pequeño Panorama. Curador: Carlos Tartarini.

• Pablo Siquier/Ernesto Ballesteros. Dibujos murales.

Curador: F. Ali-Brouchoud.

• Mónica Millán. Jardín de Resonancias. Curador: F. Ali-Brouchoud

• Andrés Bancalari. Sobre estructuras y Sistemas. Curador: F. Ali-Brouchoud.

• Muestra de videoartistas (Buenos Aires y Misiones).

Curadora: Graciela Taquini (MAMBA)

• Daniel García. Defensas. Curador: F. Ali-Brouchoud.

• Horacio Zabala. Cada día somos menos. Curador: F. Ali-Brouchoud.

• Ricardo Basbaum. Sistema-Cinema. Curador: F. Ali-Brouchoud.

• Marcelo Brodsky. Buena Memoria. Curador: F. Ali-Brouchoud.

• Diego Figueroa. Contagio/Conexión. Curador: F. Ali-Brouchoud.

• Leo Battistelli. Curador: F. Ali-Brouchoud.

• Andrea Ostera, Daniel Joglar, Sergio Avello,

Juan Jose Cambre. Efecto Dominó.

Curadora: Maria Spinelli.

• Cristina Piffer, Hugo Vidal. Cuando es Cuando. Curador: F. Ali-Brouchoud.

• Fabian Burgos. El Amor Probablemente

• Alicia Herrero. Conversaciones en Alice Ville.

• Interfaces, Diálogos Visuales entre Regiones, Posadas-Córdoba. (Programa

de la Secretaría de Cultura de la Nación y el Fondo Nacional de las Artes)

• Gustavo Romano. Untitled Dejavù

A partir del año 2005 se inició el Programa

Educativo en Artes Visuales, Proyecto Alto Paraná,

destinado a la formación de artistas locales, quienes

trabajaron en un ciclo de clínicas de análisis y

producción de obras coordinadas por distintos

artistas y críticos de arte. Estuvieron a cargo de

las clínicas: Tulio De Zagastizábal, Pablo Siquier,

Fabian Lebenglik, Fabian Burgos, Alicia Herrero

y Gustavo Romano.

Desde sus inicios, el MACUNaM se propuso

trabajar sobre otros ejes de la producción estética

contemporánea cómo la música y el cine-arte.

[ 29

Perfil del proyectoEl proyecto del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad Na-

cional de Misiones fue presentado a las autoridades de la UNaM, a partir

de la iniciativa de un grupo de artistas y docentes de la misma, tras la

constatación de la necesidad de un tipo de espacio cultural diferente y

no existente en la provincia hasta el momento, que suponga la puesta

en práctica de políticas específicas de circulación, producción y consumo

vinculadas al arte contemporáneo, y la certeza de que es la universidad el

ámbito ideal en el que tal tipo de institución podría plantearse. La inicia-

tiva comenzó a gestarse a través de una serie de acciones que apuntaron a

instalar este espacio en formación como un actor con perfil propio en la

vida cultural misionera y de la región, mediante programas de actividades

concretas que vinculasen el proyecto a la idea de un espacio crítico, abierto

y dispuesto a socializar los puntos de vista que permitan acercarse a una idea

del presente de las artes visuales en sus diversas manifestaciones.

Este es el modelo pensado para el MACUNaM, dado que resulta apropiado

para un comienzo, y para el insoslayable marco de la profunda crisis actual,

que afecta de lleno las posibilidades del trabajo de extensión en el ámbito de la

universidad. Se acerca también al concepto de Kunsthalle, una suerte de galería

de arte institucional, que conserva de la idea de museo su carácter de institución

con políticas y orientaciones disciplinarias claras y rigurosas, con fines educa-

tivos, dirigido a la formación del público, con propuestas capaces de satisfacer

tanto al especialista como al espectador ocasional y, en particular, a los alumnos

de la Universidad y de los demás niveles educacionales de la provincia.

Son objetivos permanentes del MACUNaM:

• Posibilitar al público en general el acceso a las manifestaciones estéticas con-

temporáneas, favoreciendo de esta forma una participación activa en las expre-

siones culturales del presente.

• Constituirse en un ámbito adecuado para que los artistas puedan producir y

comunicar sus obras.

• Fomentar el debate y la discusión de ideas en torno a los problemas del arte actual.

• Atender a las necesidades locales, y ser un lugar de referencia en el panorama

cultural regional.

• Contribuir al pluralismo y la integración cultural y social.

• Desarrollar un perfil crítico como institución y con respecto al arte actual,

documentando las nuevas tendencias en arte a través de investigaciones, expo-

siciones y publicaciones.

• Transformarse en una herramienta educativa capaz de acercar a la comunidad y

a los estudiantes –de la Universidad y de los demás niveles e instituciones de ense-

ñanza de la provincia– las obras de arte contemporáneo local, argentino e interna-

cional, y enriquecer de esta manera su visión del mundo y de la sociedad actual.

Por otra parte, el MACUnaM se plantea una serie de funciones básicas:

• La educación del visitante, el enriquecimiento de su percepción

del mundo y de su existencia.

• La adquisición, la conservación, el estudio, la exposición y la difusión de obras

de arte contemporáneas.

• La constitución de fondos bibliográficos y documentales que faciliten el cono-

cimiento y la difusión del arte contemporáneo.

• El mantenimiento de un espacio con carácter de laboratorio dedicado a la inves-

tigación, producción y formación intensivos en arte contemporáneo (Centro de

Experimentación).

1 ¿Qué relaciones se establecen entre la producción artística indi-vidual y las prácticas particula-res vinculadas al desarrollo del proyecto de autogestión del cual participás como integrante o coor-dinador?

2 ¿Qué tipo de necesidades o in-quietudes derivadas del contexto local (en el cual está inserto el proyecto) o nacional determinaron o favorecieron el surgimiento del proyecto? ¿Cuál es la vinculación actual de dicho proyecto con el contexto en el que se desarrolla?



1) La relación está basada en el vínculo artista-gestor, porque uno genera lo que necesita. Era necesario generar deter-minadas condiciones en el medio que hicieran posible sostener el desarrollo de una posición estética vinculada a las prácticas artísticas con-temporáneas. El proyecto hi-zo posible gran parte de mi formación artística. En este sentido veo que las prácti-cas vinculadas al desarrollo del proyecto se reflejan en mi producción individual; pero, los mecanismos uti-lizados para mi producción no tienen relación con los utilizados para el desa-rrollo del proyecto.2) El factor determinante fue la inexistencia de es-pacios que sostuvieran las prácticas artísticas con-temporáneas. La falta de canales de información,

formación y difusión de las mismas fue el factor determinante para resistir a un medio que no ofrecía otras alternativas, mas allá de las vinculadas a las prácticas artísticas de la moderni-dad. El MACUNaM es el único espacio en la provincia de Mi-siones dedicado al Arte Contemporáneo; esto provoca un vín-culo dual con el contexto, basado en la relación amor-odio, aceptación-rechazo, debido a que para sostener el proyecto fue necesario establecer criterios acorde a los objetivos y es-tos fueron entendidos como hechos discriminatorios. 3) El proyecto se sostuvo en parte con fondos de la Universi-dad Nacional de Misiones, esto es: espacio físico, servicios (luz, agua y teléfono) y un fondo de 4.000 pesos anuales destinado a gastos para insumos y determinados servicios. Para el desarrollo de las actividades fue necesario hacer convenios con la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Misiones, la Fundación Antorchas, el espacio Limbo, la Secretaría de Cultura de la Nación, el Fondo Nacional de las Artes y la empresa Alto Paraná. 4) Existen diversos motivos por los que se decidió dar un cierre al proyecto. Expectativas para un futuro próximo hay muchas, pero ya con otros proyectos.

]30



para la muestra

MUES TRA

CV Maximiliano PeraltaNació en Haedo, provincia de Buenos, el 18 de febrero de 1975. En 1998 se radica en Misiones donde vive y trabaja. Estudió en la Escuela de Arte de Luján y realizó la Licenciatura en Arte en la Facultad de Arte de Oberá, Misiones. Se desempeñó como ayudante auxiliar de docencia en las cátedras: Análisis de la Imagen y Escultura IV y V, de la Licenciatura en arte de la FAO (UNaM). Becario de la fundación Antorchas en las clínicas de análisis y producción de obra, región NEA 2004, del proyecto TRAMA, en el taller de investigación en gestión cultural para artistas (Posadas, 2004) y del Programa educativo en Artes Visuales, Alto Paraná (Posadas, 2005).Hasta el año 2007 fue Coordinador del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional de Misiones.

Principales muestras2006• Estudio Abierto. Edificio Central de Correos. Ciudad de Buenos Aires.• Interfaces. Diálogos visuales entre re-giones: Posadas - Córdoba. Museo Emilio A. Caraffa l Córdoba. Fondo Nacional de las Artes l Buenos Aires. MACUNaM l Posadas, Misiones.• Confluencias. MACUNaM. Posadas, Misiones.2005 • Proyecto Alto Paraná. ArteBa. Buenos Aires. • Casos clínicos. MACUNaM. Posadas, Misiones. • Premio Argentino de Artes Visuales, Fundacion OSDE. Buenos Aires. • Muestra colectiva. MACLA. La Plata, Buenos Aires. 2004 • Muestra colectiva. MMBA. Posadas, Misiones.• Muestra colectiva. CCM. Posadas, Misiones.2003 • Muestra colectiva. Centro Cultural San Martín. Buenos Aires.• Ex-Posición. MACUNaM. Posadas, Misiones.


CV Mauro KolivaNació en Posadas, provincia de Misiones, el 18 de noviembre de 1977. Licenciado en Artes Plásticas. Egresado de la Facultad de Artes de Oberá (Universidad Nacional de Misiones).

Clínicas de arte2005• Programa educativo de artes visuales. Alto Paraná coordinado por el MACUNaM con la presencia de los artistas y docentes Pablo Si quier y Tulio De Sagastizábal y del crítico de Arte Fabián Lebenglik. Posadas, Misiones.2004• Participación en la clínica coordinada por Francisco Ali-Brouchoud en el marco de las actividades 2004 del Centro de Arte Contemporáneo. Oberá (Misiones).2000• Proyectos especiales 2000 coordinado por las artistas Sonia Abián y Mónica Millán en el Centro Cultural Misiones (Posadas, Misiones).

Muestras2006• Colectiva: Interfaces. Diálogos visuales entre regiones: Posadas-Córdoba. Museo Emilio A. Caraffa l Córdoba. Fondo Nacional de las Artes l Buenos Aires. MACUNaM l Posadas, Misiones.• Colectiva: Estudio Abierto 2006. Palacio del Correo Central, ciudad de Buenos Aires.2005• Colectiva: Casos Clínicos. Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional de Misiones (MACUNaM).• Colectiva: ArteBA edición 2005 en el marco del proyecto Alto Paraná-Programa educativo de artes visuales.2004• Colectiva: Paisa(g)es realizada con el grupo La Pandorga. Museo Municipal Lucas Braulio Areco. Posadas, Misiones.2000• Individual: Cinco contra uno. Centro Cultural Misiones. Posadas, Misiones.

Gestión2006-2007• Asistente de coordinación del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional de Misiones (MACUNaM).2006• Coordinador del Proyecto Alto Paraná 2006 Programa educativo en Artes Visuales como parte del programa del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional de Misiones (MACUNaM).2004- 2005• Impulsor del proyecto Centro de Arte Contemporáneo (CAC) en la ciudad de Oberá. Aprobado como programa no permanente del decanato de la Facultad de Artes.


“..uno genera lo que necesita.”

[ 31

Artistas invitados

Raquel Minetti, Nilda Marsili (Colectivo El Gorgojo)

Nydia Andino

Carolina Porral

Graciela Arce

Artistas etc.encuentro 2

]32

Colectivo El Gorgojo(tenebrius molitors)

1) El Gorgojo trabaja en la calle o en espacios donde circula cotidianamente la gen-te, aquella que no transita habitualmente los espacios de arte. La idea es abrir interrogantes, evidenciar comportamientos como fenómenos socioculturales. No nos interesa cerrar ningún discurso, sino realizar acciones que generen una mirada diferente ante un hecho inesperado. Las acciones que proponemos poseen un alto componente lúdico, marcan situaciones que naturalmente deberían ser perturba-doras (y han dejado de serlo por resignación o acostumbramiento) y provocan una nueva perturbación que, por resonancia, vuelve la mirada, desde otro lugar, a esa situación original; por ejemplo, cuando tomamos como propios e intervenimos los carteles publicitarios pertenecientes a la Municipalidad (acción: “Este cartel es mío”). Estos carteles hace años que no se utilizan, están vacíos y algunos de ellos rotos, no cumplen su función, pero permanecen indefinidamente instalados como parte del paisaje. Entonces cuando un caminante o un vecino encuentra uno de estos carteles “ocupado” con alguna intervención y con una leyenda que dice “este cartel es mío” se empieza a preguntar cosas: ¿por qué hacen esto? ¿tienen autorización? ¿quiénes son ustedes? Pero al mismo tiempo llega la reflexión: “quedan bien” o “los vamos a cuidar”. Así también algunos se tientan y se llevan “partes” de la obra. En “Cajas en tránsito” la gente que caminaba por la peatonal una tarde cualquiera se encon-traba con un apilamiento de cajas en una esquina. Al solicitarles que ayudaran a trasladar las cajas vacías a la siguiente esquina, se producían las más variadas reacciones. Algunos paraban a preguntar, otros miraban y seguían su camino, pero no faltaban los que inquietos volvían y buscaban las cajas para trasladarlas, o los que naturalmente se sumaban a la pro-puesta. En poco tiempo se creó un clima festivo, de colaboración y/o de crítica, comentarios como “un montón de giles apilando cajas” o “¿así van a sacar el país adelante?”. En esa ocasión repartimos volantes con datos sobre la acción, explicando que era una propuesta con la que El Gorgojo participaba de la convocatoria internacional de intervenciones urbanas, dentro del proyecto de Movilidad Social de Chile organizada por Jorge Sepúlveda,En la acción “Caja de los deseos” la gente se encuentra con un objeto: la caja (instalada en una plaza de barrio, en una esquina, o en cualquier otro ámbito público), donde puede depositar sus fantasías, sus temores, sus angustias, escritos en un papelito. Vuelven las preguntas: ¿los deseos se cumplen? ¿si no ponés una moneda se cumple igual? Algunos paran, escriben rápidamente y se van, otros hacen bromas y ponen papelitos con groserías o algo de humor… Se establece un diálogo desde un lugar simple, pero muy real, cotidiano, y es así que la obra adquiere su sentido. 2) El Gorgojo propone una “obra económica”. Al tener mínimas pretensiones se autofinancia. Sin embargo, a veces El Gorgojo se pregunta cómo generar fondos para financiar proyectos más ambiciosos, como en el caso de “Acciones desesperadas” (un video performance en ela-

1 ¿Qué tipo de estrategias desa-rrollan para posibilitar la visibili-dad de su producción artística?

2 ¿De qué modo financian la pro-ducción y circulación de su obra?

3 ¿Consideran que en la ciudad de Santa Fe existe mercado para el arte contemporáneo?

4 ¿Cuál consideran que fue el es-pacio de formación que aportó sig-nificativamente en la construcción de su identidad como artista?

5 ¿Consideran que a nivel local existen espacios de formación alternativos a las instituciones educativas de arte?

6 ¿Cuáles son los caminos por los que optan en la actualidad a la hora de pensar en su perfec-cionamiento?

7 ¿Han tenido experiencias de tra-bajo colectivo o en colaboración?

8 ¿De qué modo se vincula la producción individual y grupal?

9 ¿Qué tipos de relaciones esta-blecen con otros artistas y teóri-cos (locales, regionales, naciona-les)? ¿A través de qué medios se establecen dichas relaciones?

Raquel Minetti, Nilda Marsili

[ 33

CV El Gorgojo2007• No, así no. Acción mínima. Salón Nacional

Museo Rosa Galisteo de Rodríguez. Santa Fe.

2006• Cajas en tránsito. Convocatoria internacional

de intervenciones urbanas. Movilidad social.

Sepiensa.net. Chile. Nilda Marsili, Raquel Minetti,

Ariel Gónzalez, Silvina Hebling.

• Este cartel es mío. Intervención de carteles

públicos. Nilda Marsili, Raquel Minetti, Emilia

Vergara, Ariel González, Ignacio Elcoro, Paula

Zanardi, Jessica Pascual, Lucía Vera Candioti,

Mariano Raffo.

• Encama-sobrecama. Intervención urbana. Proyecto

Ciudades probables-ciudades posibles de Mauro

Chiarella y Huaira Basaber. Proyectos CreAr. Raquel

Minetti, Nilda Marsili, Ignacio Elcoro.

Abel Monasterolo, Ariel González. Alumnos EPAV.

• Caja de los deseos. Feria de arte y artesanía.

Plaza 9 de julio. Santa Fe

2005• Marsili pasea en Autopintado. Colastiné, Santa Fe.

2004-2005• Minetti escribe Acciones desesperadas. Necochea

- Luciano Torrent - General Paz. Santa Fe

2001• Prohibido Escapes. Instalación- Perfomance. Raquel

Minetti, Nilda Marsili y Aldo Falcón. Fundación

Fernando Birri. Estación Ferrocarril Mitre. Santa Fe.

2000• Frágil. Instalación. Fundación Fernando Birri. Estación

Ferrocarril Mitre. Santa Fe.

1998• La Sal. Obra Paralela: Instalación Museo Sor Josefa

Díaz y Clucellas. Intervención en campo propiedad de B.

Santirocco. Recreo. Santa Fe.

1997• Presentación Proyecto II Installation Art Award. Angel

Orensanz Foundation Center for The Arts. New York.

1996• Tragedia en la... Espectáculo multidisciplinar elaborado

a partir de textos periodísticos y de radio. Raquel Minetti,

Nilda Marsili, María Rosa Pfeiffer, Marcela Cataldo, Alejan-

dra Digliodo, Miguel Medina. Casa de la Cultura. Santa Fe.

1994• De viento y aguas. Producción colectiva multidisciplinar, a

partir de textos de autores santafesinos. Sótano de la Casa de

la Cultura. Jorge Molina, Raquel Minetti, Nilda Marsili, María

Rosa Pfeiffer, Marcela Cataldo, Patricia Pieragostini, Ricardo

Rojas, Alejandro Molina, entre otros.


boración) o para la edición del material registrado en “Cajas en tránsito” o “La sal” (una instalación paralela en dos ámbitos opuestos). Pero el interés decae cuando debemos hacer algo que va más allá de la obra en sí misma. Creemos que tiene que ver con la nada-gestión. Cualquier cosa que demore la rápida ejecución es descartada. 3) No, es evidente que en nuestra ciudad no existe mercado de arte. Esto genera dos cosas: una sensación de aplastamiento, dada por las limitaciones de circulación de la obra, o una natural emigración de los jóvenes hacia Buenos Aires en busca de posibilidades para poder venderla. Los interrogantes son siempre los mis-mos: ¿cómo hacer para que en un lugar donde no hay espacios de circulación de la obra o son muy limitados ésta se pueda difundir? No todos desean irse, no todos pueden irse, ni deben hacerlo. Sí, se debe pensar sobre la función de la obra, pero, ¿la obra se construye como tal cuando se inserta en el circuito de galerías y colec-cionistas? ¿Se transforma en obra cuando queda validada por el circuito artístico? ¿O es posible pensarla desde otro lugar? Estos son interrogantes que se hacen los integrantes de El Gorgojo como individuos, pero al grupo en sí la problemática del “mercado” le es ajena. En ese sentido, el espíritu de su labor se emparenta más con la letra de una canción de Fernando Callero: “Enojado con los artistas, sus ruidosos puntos de vista, familia cruel, por favor, déjame existir en mi humilde canción”.4) En la construcción de El Gorgojo es fundamental el espacio de la calle y la mira-

da de la gente. Las propuestas que van configurando nues-tra identidad surgen de la realidad cotidi-ana que nos con-fronta permanente-mente, que nos provoca desorden en la cabeza y en las tripas. Las “ac-

ciones” ejecutadas sobre esta realidad, de formas a veces mínimas, permiten el espacio del juego y, a través de él, el de la liberación y la catarsis. 5) No hay en la ciudad espacios de formación alternativos, pero sí es evidente que pueden estar en construcción. De todos modos, hay gente y grupos que proponen alternativas diferentes a las institucionales y que se pueden trans-formar en referentes. 6) No pensamos en perfeccionamiento. Tal vez en actualización, leyendo re-vistas, revisando textos, navegando por Internet, mirando noticieros. Discu-tiendo y escuchando, especialmente a los jóvenes.7) El trabajo de El Gorgojo no se concibe fuera de lo colectivo. Está perma-nentemente abierto e invita a que se incorpore la gente que desee en los proyectos que propone. 8) Cuando hablamos en la esquina o tomando mate, sobre la obra indi-vidual, generalmente redunda en alguna propuesta colectiva. Pensamos el arte como un ejercicio de libertad, y generamos la obra desde ese lugar. No es poca cosa pensar en ese hecho mínimo, cotidiano de encuentro con un mate de por medio, porque habla también de un modo de trabajar que no es el operativo común de reuniones programadas con tareas concretas, sino que plantea un casi sin sentido del actuar, desde el deseo y desde el semblantear lo que se escucha, lo que se dice, lo que comenta la vecina.9) Nos relacionamos con otros artistas a través de charlas informales. Del mismo modo en que actuamos en nuestra vida diaria. Los encuentros ocasionales generan nuevos estímulos o nos plantean contradicciones. ¿Podemos decir que El Gorgojo pertenece al “mundo del arte”? ¿Consti-tuyen nuestras acciones “hechos artísticos”?De lo que sí estamos seguros es de que en nuestro tránsito por lo cotidi-ano, a veces descubrimos “la poiesis” de lo extra-cotidiano. Ese lugar nos pertenece, y en él nos reconocemos.

]34

Nydia Andino

1 ¿Qué tipo de estrategias desa-rrollás para posibilitar la visibili-dad de tu producción artística?

2 ¿De qué modo financiás la pro-ducción y circulación de tu obra?

3 ¿Considerás que en la ciudad de Santa Fe existe mercado para el arte contemporáneo?

4 ¿Cuál considerás que fue el es-pacio de formación que aportó sig-nificativamente en la construcción de tu identidad como artista?

5 ¿Considerás que a nivel local existen espacios de formación alternativos a las instituciones educativas de arte?

6 ¿Cuáles son los caminos por los que optás en la actualidad a la hora de pensar en tu perfec-cionamiento?

7 ¿Has tenido experiencias de tra-bajo colectivo o en colaboración?


9 ¿Qué tipos de relaciones esta-blecés con otros artistas y teóri-cos (locales, regionales, naciona-les)? ¿A través de que medios se establecen dichas relaciones?

1) Mi producción artística es conocida por exposiciones de obras rea-lizadas generalmente en museos, galerías e instituciones, a través de publicaciones impresas en diarios y libros específicos de artes vi-suales, programas de arte en televisión, proyección de videos, etc.2) Las exposiciones de mis obras son financiadas generalmente en

forma personal y con alguna ayuda eco-nómica de instituciones particulares invo-lucradas en el proyecto.3) En Santa Fe hay posibilidades para la venta de arte contemporáneo, pero faltan esfuerzos continuados en la materia. En mi caso personal, y creo que a muchos que se dedican a actividades artísticas les ocurre, no tengo habilidades para encarar ventas. Y mi interés está puesto en la gene-ración de obra, y parece que me distraigo cuando dedico tiempo a la promoción. En ocasiones estoy dispuesta a hacerlo, por ejemplo cuando tengo cantidad de produc-

ción nueva. Mirando hacia afuera veo a los escritores, muchas veces de gran prestigio, las giras que realizan, a veces de meses, promocionando su nuevo libro. Lo cual dice que las editoriales necesitan de la presencia personal del autor que agrega una cierta magia ante el público. Hay artistas que naturalmente o por decisión personal cuentan con el don de una personalidad que acompaña la obra potenciándola y haciéndola más atractiva, y en horabuena que así sea. Habría que llegar a un equilibrio porque, a mi modo de ver, una obra se hace desde adentro y desde el silencio y luego se estará en condiciones de aportar a un conjunto de necesidades. También creo que así como hay vocación para el hacer, también la hay para la venta de productos artísticos, actividad para la cual se debe estar preparado con el conocimiento de las reglas, que en esta par-ticular actividad deberán adaptarse para no intervenir entorpeciendo el libre trabajo del artista. El arte contemporáneo es tan bueno o a veces mejor que el clásico, pero es un lenguaje al que el

[ 35

público debe acostumbrarse hasta desear tenerlo en su casa. Y esto es un largo trabajo para especialistas. Eso falta en Santa Fe.4) Influyeron en mi formación artística: La Escuela Provincial de Artes Visuales Juan Mantovani en los rudimentos del quehacer a través de talleres libres, que en una época generosamente se brindaban a quienes tuvieran interés en el arte, el Liceo Municipal, con sus talleres de Experi-mentación Visual que me ayudaron significativamente a trabajar en una identidad personal. 5) Además de las instituciones oficiales, existen en nuestra ciudad talle-res particulares donde se aprenden técnicas generalmente pictóricas, dictados por personas preparadas para hacerlo.6) En la actualidad el trabajo continuado y el interés por otras ramas del arte me llevan a tratar de alcanzar un mejor nivel de expresión.7) He formado parte del Grupo 7/91. He trabajado en colaboración con Jorge Molina (Compositor Musical) Juan carlos Rodríguez (Teatro) Bety Sture (Danza) Rut Kurganoff (Expresión Corporal), y con mis imágenes trabajaron digitalmente Silvia Debona y Norma Cabrera. El producto terminado se llamó “EL Ojo de la Espesura” (Evento Multimedia). La muestra “Catulo, la flor, aquél, vos y yo” fue en colaboración con Silvia Calosso (Profesora en Letras). 8) La producción individual y grupal se puede vincular de varias maneras: como sumatoria o muy interrelacionada como trabajos que estamos hacien-do en este momento con Susana Ocampo y Mario Arana, donde los tres in-tervenimos en una misma obra, sin predeterminar espacios. Con respecto a este trabajo haré algunas consideraciones a título personal: los tres tenemos por edad y ejercicio una obra personal, pero siempre continúa el aprendizaje y nosotros, a los que nos une una amistad, estamos dispuestos a pequeños desafíos que no dudo son en nuestro camino puntos para el desarrollo per-sonal. Somos pintores , no teóricos y, desde lo que mejor sabemos hacer, hacemos. No conocemos el resultado final y probablente ese querer “alcanzar las estrellas” (como dijo días pasado un artista y crítico de nuestra ciudad, refiriéndose a los deseos que mueven a volver a intentar) nos lleva al trabajo en conjunto cuyo resultado nosotros mismos esperamos conocer.9) Mi relación con artistas del medio es permanente en eventos sociales donde naturalmente se habla casi exclusivamente de arte. Además, desde hace varios años comparto con pintoras y personas amantes del arte un espacio de reflexión al que llamamos “La Fundación” y al cual solemos invitar a personalidades de nuestro lugar para hablar de distintos temas. Y así, entre amistad y conversacio-nes, nos sostenemos en nuestro mundo santafesino. No hay dudas de que entre las gentes de mi generación falta contacto con otros centros culturales. Somos parte de nuestra sociedad que adolece de los mismos problemas en distintos ám-bitos. Recién en los últimos años se notan acercamientos, por ejemplo entre la actividad universitaria y la sociedad, entre músicos y pintores, entre artistas y pú-blico. Y esto habla de una comodidad que nos lleva a preferir el trato entre los que nos consideramos iguales. Por eso creo como muy positiva la aparición de grupos que se han formado en varios lugares de nuestro país orientados a la autogestión artística. No sólo me interesa desde la perspectiva específica del arte, sino como síntoma de una sociedad que, relacionándose, puede dar para muchísimo más.

CV Nydia AndinoMuestras individuales

2007• Adán, Eva y la manzana. Espacio Imago.

Fundación OSDE. Santa Fe.

2006• Catulo, la flor, aquél, vos y yo. Museo Municipal Sor Josefa

Díaz y Clucellas. Santa Fe.

2003• Convergencia. Santa Fe.

2001• Museo Municipal Sor Josefa Díaz y Clucellas. Santa Fe.

2000• Galería Epsilon. Santa Fe.

• Galería Ahrus. Rafaela.

1999• Bica Cooperativa. Santo Tomé.

1998• La flor de la Ilusión. Museo Municipal Sor Josefa

Díaz y Clucellas. Santa Fe.

1996• Hall de la Escuela de Artes Visuales

Juan Mantovani. Santa Fe.

1993• Banco Bica. Santo Tomé.

• Centro Cultural General San Martín. Buenos Aires.

Publicaciones en las cuales figura su obra

• Cien años de Pintura en Santa Fe. Jorge Taverna Irigoyen.

Universidad Nacional del Litoral. 2002.

• Arte Argentino para el Tercer Milenio. Ediciones Gaglione. 1999.

• ABC de las Artes Visuales en la Argentina. Osvaldo Svanascini.

Artotal. 2006.

Trabajos de investigación sobre su obra

“Los caminos de la Memoria de Nydia Andino”.

Cine y Construcción de la Memoria, dentro del programa

CAI+ D 2002. Directora Mag.: Lidia Acuña.

Autora: Ester Beatriz Carosi. Presentado en la Facultad de

Humanidades y Ciencias (UNL) Jornadas de Investigación.

Santa Fe, 7 de setiembre de 2000.

“La diversidad de las representaciones que asumen las

producciones de Nydia Andino”. Autora: Ester Beatriz Carosi.

Presentado en las Primeras Jornadas de Experimentación de

la Diversidad (UNR). Facultad de Humanidades y Artes.

Rosario. 9 y 10 de mayo de 2003.

“Un antiguo poema latino com impulso motivador en la

obra pictórica de Nydia Andino”. Autora: Silvia Calosso.

II Jornadas de Estudios Comparados (UNL)

5 y 6 de mayo de 2006.

“Co-laborando: sonoridades santafesinas”

Autora: Silvia Calosso. Revista La Ventana (UNL).

Marzo de 2007. Trabajo que da cuenta

de experiencias “haceres” compartidos.


]36

CarolinaPorral

1) En la actualidad existen numerosos circuitos donde mostrar el trabajo; el punto de partida es tomar la decisión de hacerlo y progresi-vamente conocer los diferentes circuitos y sus condiciones, y optar dentro de las posi-bilidades. Como artista que vive y produce en Santo Tomé, las posibilidades de visibilidad de la obra son pocas y el público, si bien existen diversos grados de capacidad, no se articula como un desafío. Todo esto si se considera que la obra establece un “diálogo” con el público. La pri-mera opción es la participación en Salones, es gratuita y prestigia la obra. En esta situación también es interesante conocer cómo se sitúa la propia obra con otras producciones de la misma disciplina, cuanto más amplia es la convocatoria y el prestigio del salón en el que se participa, las conclusiones son más fructíferas e interesantes. El arte, como lo concibo, no es un “producto” al que debemos re-vestir de una imagen digerible y de fácil circulación, adaptar la obra de acuerdo con el circuito que se elige es una posibilidad, pero la otra es encontrar el lugar de forma natural, mostrar la obra a los encargados de salas de exposición privadas o públicas y elegir aquellos lugares donde se respete al artista como individuo creador de obra, y no como artífice de productos visuales falibles de variaciones caprichosas, a la manera de un eslabón más en el ámbito de las “artes visuales”. En este sentido es necesario el respeto mutuo entre los artistas, curadores, críticos, directores de museos, galeristas, etcétera.2) Dictando clases particulares de pintura y como docente. 3) En la ciudad no existe un mercado de arte como tal, porque no hay pú-blico que al visitar una muestra o conocer la obra de un artista considere la posibilidad de adquirir la obra. Hay que construirlo desde el lugar del artista, revalorizando la producción local que es de excelente nivel (Any Fabry por ejemplo expone y vende sus obras en China; Fernanda Aquere forma parte del selecto grupo de artistas de la galería Praxis que tiene presencia internacional), y eliminado el prejuicio absurdo (construido por décadas) de que quien vende se prostituye. Existe un concepto romántico y caduco que sostiene la imagen de un creador puro, incor-ruptible y aislado; concepto que tiene que ver más con el miedo a en-










[ 37

frentarse a un universo significante más amplio y que no considera que queramos o no, estamos insertos en un mundo globalizado.Me parece importante destacar que cuando alguien adquiere arte, no adquiere sólo un objeto o imagen, se compra en gran medida prestigio (del artista o lugar en que se compre) y quien puede comprar obra en Santa Fe sólo lo hace si el artista ha trascendido a nivel nacional o de no ser así lo adquiere en otros centros de mayor prestigio como Rosario, Capital Federal o Punta del Este, en cuyo caso es bastante independiente de la calidad de la obra. 4) El taller es el lugar indiscutido de formación de la imagen personal, se puede te-ner formación académica, informal, asistir a clínicas, ser inteligente o intuitivo, pero lo que acontece sólo acontece en el momento de realización de la obra; pintar es, en lo personal, un proceso de estudio donde se cotejan y anulan presupuestos, se en-cuentran sentidos y se intuyen otros; todo en una continua suspensión de certeza. Todo el resto, los estudios, la experiencia y los títulos, no sirven de nada si no existe un compromiso sincero con el hacer, y una crítica constante con el mismo.5) Existen talleres de pintura de los cuales han surgido buenos artistas, pero falta mucho para que se valore la educación no formal por una situación bastante rara que se da en la ciudad. Todos los grandes artistas han pasado por la Escuela de Artes Vi-suales Juan Mantovani o el Liceo Municipal e incluso por la Facultad de Arquitectura; la historia del arte santafecino ha circulado por estas instituciones desde su fundación y va a pasar mucho tiempo para que se consoliden núcleos alternativos de formación.6) En este momento considero que el perfeccionamiento está fuera de lo estricta-mente artístico, de la producción; y se desplaza a lugares nuevos y bastante condi-cionantes, como son la gestión y la curaduría de arte; asimismo, sostengo una cons-tante actualización informativa sobre la situación contemporánea del ámbito de

las artes visuales, porque este es mi medio y mi época y soy responsable de poder responder a cuál es el lugar que mi obra ocupa.7) Sólo tuve experiencias de trabajo colectivo en la realización de murales y en la gestión de muestras conjuntas con Adriana Gibello y Ana Perissé, dos artistas de la Ciudad de Buenos Aires; pero, en este caso, surgió por coincidencias en el ritmo y compromiso con el trabajo personal, y no por si-militudes de imagen o proyecto artístico.8) En el caso de la muestra conjunta, el vínculo es la oposición. Se trata de imágenes muy dis-tintas, no es del tipo de muestras “conceptua-lismo pictórico” o “figura humana” que agrupa similitudes, sino que la similitud entre las tres es mucho más cotidiana; podemos avanzar en un proyecto en común con la confianza en que la

persistencia y el tesón puesto en el proyecto es enteramente compartido.9 ) He tenido la suerte de conocer excelentes artistas y de contar con algunos ami-gos dentro de ellos, y en todos los casos el principio básico no es el arte, sino una afinidad primera que con el tiempo ha fructificado en amistad.En verdad no acostumbro a discutir temas artísticos con artistas y teóricos, conozco a la mayoría de los artistas de Santa Fe pero no nos juntamos a discutir la situación actual; y si bien conozco a Domingo Sahda y Jorge Taverna Irigoyen, no he tenido la oportunidad de profundizar discusiones artísticas, cosa que sería más que intere-sante, considerando la notable preparación de ambos.En cuanto a críticos de nivel nacional conozco a muy pocos, y sólo he charlado con ellos en contadas oportunidades, así que no se puede decir que tenga relación con ellos.En todos los casos el comienzo de la relación se dio en forma personal, y de acuerdo con la distancia mantengo contacto por mails y algún que otro viaje.

CV Carolina PorralNació en Santa Fe en 1971.

Egresada de la Escuela Prov. de Artes Visuales Prof. Juan

Matovani de Santa Fe, como Técnica en Artes Visuales

(1992); Técnica Superior en Artes Visuales (1994); y Téc-

nica Superior en Artes Visuales Especialización en Pintura

(2005). Realiza el Postítulo de Actualización Académica

en Teoría del Arte (2006). Licenciada en Artes Visuales de

la Universidad Nacional del Litoral (2006).

Realiza en 1998 cursos de Miniatura medieval y Restauro

de Papel (Torino, Italia). En el 2004, cursa en la Escuela

Prof. Juan Mantovani, los talleres de pintura dictados

por los artistas: Mauro Machado, Claudio Gallina y Julio

Botta. Recibe becas para estudio, perfeccionamiento

artístico y clínicas de obra del Gobierno de la Provincia

de Santa Fe, Fundación Antorchas y Museo Rosa Galisteo

de Rodríguez, Grupo de Autogestión Paraná, Fundación

Nuevo Banco de Santa Fe y Fundación Bunge & Born.

Estudia con los artistas: Juan Doffo, Héctor Médici,

Remo Bianchedi, Diana Aizemberg, Sergio Bazán y Tulio

de Sagastiazábal, y con los críticos: María José Herrera,

Julio Sánchez y Rafael Cipollini.

Desde 1995 participa en salones Regionales y Nacionales.

Sus obras forman parte de colecciones privadas en Argen-

tina, Brasil, Escocia, Francia y Estados Unidos; así como

de asociaciones y museos argentinos de la Región Centro.

Recibió numerosos premios entre los que se destacan:

Premio adquisición Pilay SA, Pintura, LXXXIV Salón

Nacional de Santa Fe (2007); Mención en Pintura, Salón

Nacional Fundación Banco de la Nación Argentina,

Palais de Glace (2006); Mención de Honor en Pintura,

Salón Nacional de Artes Visuales (2005). Entre sus

exposiciones se destacan: Gibello, Perissé, Porral, Secre-

taría de Cultura y Turismo, Mendoza (2007); Próximo /

Prójimo, RO Galería de arte, Buenos Aires (2007); “Con-

trapuntos” 15 artistas santafecinos, UCA, Buenos Aires,

(2006); Los coleccionables, Galería Holz, Buenos Aires

(2006); Pinturas en blanco y negro, Galería Holz, Buenos

Aires (2006); Expotrastienda 2006, Florencia Salas Arte,

Buenos Aires (2006); Pinturas en blanco y negro, Galería

Alejandro Bustillo, Fundación Banco Nación (2006).


]38

Graciela Arce1 a 9 Me parece que la mejor manera de entender y abor-

dar mis estrategias de producción, circulación y visibilidad es

haciendo una especie de recorrido por mi formación, en una

primera instancia académica, pero atravesada paralelamente

por el trabajo en conjunto con un grupo de artistas locales,

Reciclar xx primero y luego el Entartete Kunst (1995). Funda-

mentalmente este último, conformado por una veintena de

artistas (Marcelo Froia, Sandra Cugini, Roberto Strada, Ju-

liana Frías, Daniel Galetti, René Gerboni, Rosana Storti, etc.)

al cual se sumó gente ajena al campo del arte, y las cosas

que en él se generaron constituyeron la base desde la cual

comencé a plantearme y cuestionar mi hacer. Trabajábamos

en relación con nuestro contexto y en muchas oportunida-

des en asociación a otras agrupaciones de diversa índole,

debatiendo cada propuesta y elaborando planes de trabajo

más o menos organizados, tomando partido en función de

problemáticas conceptuales en relación con el por qué del

arte, su función, alcances, incidencia en la comunidad, nues-

tro rol como productores, etc. Con posterioridad

comencé a buscar nuevas vías de formación y cir-

culación, emparentadas con la dinámica del hacer

en relación con el otro explorada en mi paso por el

Entartete, hacer que ya no implica necesariamente

la producción conjunta, pero sí el compartir proce-

sos personales, modos de generar y dar forma a la

obra. De esta manera comencé una serie de clínicas

a cargo de artistas visuales contemporáneos, entre

ellas: Del grabado a lo múltiple a cargo de Esteban

Álvarez (2004- Paraná), Encuentros de Producción y

Análisis de Obras organizados por la Fundación An-

torchas a cargo de Sergio Bazán y Tulio de Sagasti-

zábal entre otros (2004-2005- Paraná), Workshop El

Levante a cargo de Graciela Carnevale y Mauro ma-

chado (2005-Rosario). Éstas me permitieron, por un

lado, un acercamiento a la producción de diversas ciudades

y, por el otro, la creación de vínculos, ya afectivos, ya produc-

tivos, a la par de una circulación de mi obra a través de estos

carriles. Siguiendo en ésta búsqueda participé de El Basilisco

(2006 - Avellaneda, Buenos Aires), un programa de residen-

cias para artistas del interior y el exterior del país que propo-

ne un período de convivencia y creación. Esta experiencia y

sus aportes se transformaron en el modelo que me interesa a

la hora de pensar una continuación en mi perfeccionamiento,

ya que en mi hacer es fundamental el intercambio con mis

pares, son mi fuente de retroalimentación. Y si a esto se le

suma el marco de una residencia con todas sus implicancias,

la potencia desestructurante que alcanza es enorme, permi-

tiéndome encarar producciones en colaboración. Si bien, en

general, mis trabajos son individuales, estas experiencias

fueron el puntapié inicial para volver a pensar en trabajar con

otros artistas, siempre a través de un vínculo entre afectivo

y productivo, donde la constitución de la obra no pierde su

carácter individual, pero se hace permeable a la intervención

del otro y se genera corriéndose de su lugar habi-

tual. Instancia que se prolonga en el tiempo más

allá del contacto inmediato, a través de nuevas re-

des de vinculación y producción. Cabe mencionar

también la gestión de grupos independientes que,

a través de su labor, permiten la difusión de artis-

tas locales y generan espacios de formación y en-

cuentro como los mencionados, ya sea a través de

la organización de clínicas, encuentros, muestras,

etc. (Germina Campos-Santa Fe, Pariente del Mar-

Paraná, El Levante-Rosario), transformándose en

vías alternativas en una ciudad donde escasean

las posibilidades extra académicas. Más allá de

estas instancias, otras vidrieras de circulación son

las ferias de arte (Periférica, arteBA) que básica-

mente cumplen el rol de dar a conocer y permitir

el tránsito de la obra a través de carriles más o

menos comerciales. Otra posibilidad interesante

es la planteada por la

proliferación de blogs y

páginas web, al permitir

una amplia difusión de

obras más allá de los lí-

mites planteados por lo

geográfico, lo cual ad-

quiere mayor relevancia

si pensamos en la pro-

ducción del interior del

país (www.espacioft.

org.ar/BolaDeNieve,

www.re-title.com, www.

alertart.com, etc). En

cuanto al financiamien-

to de mi obra, en líneas

generales y en relación con la producción en sí, es

autofinanciada, si bien las instancias antes men-

cionadas contemplan en general una cierta ayuda

económica a modo de becas, lo cual contribuye a

su circulación, más que a su producción. De lo di-

cho se desprende la carencia de un mercado, y no

sólo para el arte contemporáneo, en Santa Fe.

CV Graciela ArceNació en Santa Fe en 1972, donde vive y trabaja. Exposiciones en Santa Fe, Rosario, Paraná y Buenos Aires. Clínicas como becaria de la Fundación Antorchas (Paraná, 2004-2005) y workshop El Levante (Rosario, 2005). Participación en Periférica con El Levante y Germina Campos, Santa Fe (Buenos Aires, 2006) y arteBA con Germina Campos, Santa Fe y Pariente del Mar, Paraná (Buenos Aires, 2007). Residente de El Basilisco, programa de residencias para artistas visuales del interior y el exterior del país (Buenos Aires, 2006).

Mail: [email protected] / Web: www.pachuarce.blogspot.com










[ 39

1) Como artista que se gestiona su producción, la visibilidad co-mienza, primeramente, con el contacto entre pares: músicos, es-critores, artistas visuales etc.; luego comienzan a desarrollarse las vías de comunicación electrónica, e.mails, fotologs, blogs, myspaces, todos espacios gratuitos y que permiten contactarse con personas afines y otras que son sólo espectadores de este nuevo medio electrónico de comunicación.2) La circulación de mi obra se financia mediante mi propia inver-sión; eso hace que cada ganancia de ingreso sirva nuevamente para invertir en reproducciones de la misma.3) No.4) El espacio de formación fueron mi curiosidad y el autodidactis-mo; es decir, mi propia investigación, y la práctica de ir buscan-do más allá de lo meramente formal, utilizando conceptos tales como: “desvío”, “link (concepto de fuga del conocimiento y acer-camiento a la información)”, “apropiación”, “uso del inconsciente como forma de asimilación interna, personal e individual (relacio-nándolo con cómo el receptor hace su propio análisis)”.5) No tengo conocimiento.6) Sigo con mi teoría del autodidactismo y curiosidad.7) Sí.8) Creo que la producción grupal es la sumatoria de individualida-des y funciona muy bien en relación con el trabajo humano-artísti-co, es decir trabajar no solamente entre personas afines artística-mente, sino que las relaciones humanas sean válidas y verdaderas para una mejor arribo hacia la máxima y más bella expresión.9) Los medios que adopto para relacionarme son personales y electrónicos. Creo que en ese tipo de relaciones lo emocional y afectivo juegan un rol importantísimo, algo que la humanidad de hoy debería pensar; es decir que el arte ya no sea un fin, sino un medio y un fin: “de vida”, “de comunicación”, “de relación” (“arte para vivir en arte”: Marta Minujin); que sea un romanticismo que vaya del ideal hasta un ramo de flores.

artista invitado con su proyecto sonoro en la inauguración de la muestra

BuenmozoD.J.

CV D.J. Buenmozo (Santa Fe) “Arrastra un pasado oscuro, por eso quiere brillar, desea ser luz entre las sombras. Todo es realmente extraño. Su existencia suponía una novedad, pero ya es un mito ¿Quién es la estrella?” VidaD.J. Buenmozo aparece en escena en enero de 2000. Dj, curador musical, productor de programas radiales, poeta y gestor.

DiscosEspontáneo, enero 2000. San Justo, Santa Fe. Afónico (disco de poemas, música electrónica y citas sonoras), octubre 2006, Santa Fe. Pastizal (disco de mezclas; artistas del myspace), diciembre 2007, Santa Fe.

Programas radialesAmarilla Urbana, 2002. Quién es la estrella? en La X (107.3), FM de la UNL, y en Rock & Pop Net (104.5), 2006/07, Santa Fe.

Publicaciones autogestionadasResiste: Ágil, Te amo y Viste. Combo de tres plaquetas de poesía (presentado en la Feria del Libro, 2004), Santa Fe.

GestiónStand itinerante de editoriales independientes, La Casa Roza, 2005/07, Santa Fe.

• Dj en fiestas, recitales, muestras de arte y ferias de diseño. Produjo un desfile de poemas llamado La moda es un verso, Foro Cultural de la UNL, noviembre de 2006, Santa Fe. Convocado para el proyecto en red de Germina Campos: Pic Nic, septiembre 2007. Santa Fe. Participa en performances de poesía y música electrónica en Santa Fe (2001), Paraná (2005), Rosario (2005), Santa Fe (2006), Rafaela (2006), Santo Tomé (2007) Paraná (2008). • Desde diciembre de 2007 integra ARTDJS, grupo multimedia, con los artistas Rodrigo Díaz y Ponchi.

Más info:

- www.djbuenmozo.com.ar

- www.laseleccionesafectivas.blogspot.com/

2006/08/d-j-buenmozo.html

- www.myspace.com/djbuenmozo

- www.purevolume.com/djbuenmozo

]40

Se diagramó y se compuso en y se terminó de imprimir en Imprenta UNL, 9 de Julio 2866.

Santa Fe, República Argentina, noviembre de 2008.

Artistas ETC. - Germina Campos

Documents

Transcript of Artistas ETC. - Germina Campos