la natural

ezael espacio urbano

en la escultura

BLOQUE 5

la mayor parte de las esculturas

se caracteriz

an por tener

tres dimension

es

ANCHO

PROFUNDIDAD

ALTO

y estar hechas de materiales

sólidos, como piedra, metal,

madera

barro o yeso.

Aunque también hay

esculturas que son muy

diferentes

a lo común.

En este bloque aprenderemos

a ver la escultura y conoceremo

s

a alguno

s

artistascuya obra se inspira en la naturaleza

y la ciudad.

Al observar las esculturas

nos fijaremos en los

siguientes

aspectos.

DIMENSION

TEXTURA

VOLUMEN

FORMA TECNICA

También identificaremos

su estilo de

representación,

REALISTA

ABSTRACTO

NO REALISTA

y conoceremos algo acerca de

su

función.

DECORATIVAARTISTICA

RELIGIOSA

realismo y estilizaciónen la escultura

antigua.

Artista anónimo japonés, Caja en forma de grulla, siglo XVIII, madera tallada y laqueada con aplicaciones de madre perla, 40,5 x 65 cm x 23 cm, Rijksmuseum, Ámsterdam,

La grulla –o tsuru- es un ave venerada en la cultura japonesa, que simboliza la longevidad y la vida mística. Esta escultura ha sido concebida como caja, ya que es hueca en su interior. A través de la técnica del tallado se ha tratado de representar la elegante configuración del ave, caracterizada por su largo cuello; mientras que el plumaje se ha logrado a través de la incrustación de fragmentos de madre perla. Probablemente este objeto formó parte de una dote.

Cultura totonaca, Hacha en forma de perico, 600-900 d.C., basalto, 25,3 x 53,34 x 6,35 cm, Instituto de Artes, Minneapolis.

Esta escultura decoraba los muros de una cancha de juego de pelota en la ciudad totonaca de El Tajín, al norte de Veracruz. En ella vemos una estilizada representación de la cabeza de un perico, que aparece dibujada en la piedra a través de líneas continuas y de relieves que realzan las plumas. La piedra ha sido finamente pulida para lograr una superficie plana. Para darle la forma del pico se hizo un hueco, en cuyo interior se destaca la lengua.

Cultura micénica, Rython en forma de cabeza de toro, estealita, madera dorada y cristal de roca, 1550-1500 a.C., Museo de Herakleion, Grecia.

La civilización minoica floreció en la isla de Creta dos mil años a.C., y tuvo gran importancia en el desarrollo cultural de las poblaciones en el mar Egeo. En un complejo de edificios conocido como palacio de Knossos fue encontrada esta escultura de la cabeza de un toro, que en realidad es un rython, o vaso del cual se tomaban libaciones, como parte de rituales religiosos. Se cree que la figura del toro era un poderoso símbolo sexual relacionado con la fertilización de la tierra, aparte de estar relacionado con la leyenda del Minotauro. En esta pieza se hace evidente una acuciosa observación de la naturaleza, pues el escultor ha representado las proporciones y detalles de la cabeza del animal con gran cuidado.

Cultura Bamana, Tocados (Ci Wara Kunw), mediados del siglo XIX principios del XX, Mali, madera, metal, latón y fibras, 98,4 x 40,9 x 10,8 cm, Instituto de Arte de Chicago.

Estos tocados en forma de antílope eran utilizados por parejas de danzantes en una festividad agrícola del pueblo Bamana del sur de Malí, en África, conocida con el término Ci Wara o “bestia de labranza”, cuyo fin era propiciar buenas cosechas. Las figuras de lo animales han sido estilizadas a través de un diseño lineal, en el que destacan la cabeza coronada por dos largas astas tubulares; mientras que el pelaje del cuello es sugerido por formas onduladas que semejan una sierra. En contraste, el cuerpo y las patas han sido disminuidos a una mínima expresión.

Cultura Tiwanaku, Incensario en forma de llama, 400-800 d.C., cerámica, 36 x 29 cm, Museo de los Metales Preciosos, La Paz.

En los alrededores del lago Titicaca, en la actual Bolivia, se desarrolló por cerca de mil años la cultura Tiwanaku, cuyo arte muestra el vínculo profundo que sus pobladores tenían con la naturaleza. Esta escultura modelada en barro representa a una llama y fue empleada como incensario en ceremonias religiosas. El sofisticado diseño de la cabeza ha sido resuelto a través de figuras geométricas, lo que le da una cualidad casi abstracta y realza su expresividad, mientras que el cuerpo sugiere un carácter monumental, sobre el cual se dibujaron figuras simbólicas de cóndores, el sol y plantas.

Antiguo Egipto, Bastet, 330-30 a.C. bronce, 28 cm, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

En el antiguo Egipto el gato era un animal reverenciado, que formaba parte de la mitología como la diosa Bastet, guardiana del hogar y de la fecundidad amorosa. Tal era el respeto por estos animales que a su muerte se confeccionaban ataúdes, donde se depositaban sus cuerpos momificados para ser enterrados. Esta figura votiva modelada y después vaciada en bronce, muestra una imagen naturalista del animal, en la que se han cuidado las proporciones y los suaves contornos del cuerpo, mientras que la postura estática refiere a su origen sagrado.

Cultura mexica, Pectoral de serpiente de dos cabezas, 1400-1500 d.C., madera, turquesa y concha, 20,5 x 43,3 cm, Museo Británico, Londres.

Esta escultura sobresale por su diseño simétrico y por el fino trabajo de mosaico de turquesas que la recubre. Se piensa que probablemente pudo haber sido llevada sobre el pecho como adorno en rituales. La serpiente bicéfala está cuidadosamente tallada en madera y cubierta por cientos de diminutas láminas de turquesa, que le dan una apariencia iridiscente. Los colmillos y la nariz han sido realizados con conchas marinas de colores blanco y rojo.

Cultura mexica, Serpiente, 1325-1521 d.C., granito, 53 cm de diámetro, Museo Británico, Londres.

La serpiente era un animal importante para los mexicas, que estaba relacionado con su calendario y mitología. En esta escultura se representan varios detalles del animal, como su lengua bifurcada y los colmillos; además de los 13 segmentos en los que está dividida la cola. Éste era un número muy importante para los aztecas. Para ellos, el universo se organizaba en 13 niveles en las esferas celeste, terrenal y del inframundo.

Cultura Dogon (Mali), Carnero, hierro, 13.02 x 23.81 x 3.97 cm Instituto de Artes, Minneapolis.

El pueblo Dogon, que habita en el desierto de Malí, al noreste de África, ha conservado gran parte de sus tradiciones culturales, entre las que sobresale la escultura. Esta representación de un carnero está realizada en hierro forjado y martillado. El cuerpo exageradamente alargado del animal le da una apariencia liviana, mientras que la configuración rectilínea y la carencia de detalles le imprimen un carácter abstracto.

Antiguo Egipto, León guardián de la entrada de una capilla de Serapeum de Saqqara, siglo IV a.C., piedra calcárea, 56 x 124 x 45 cm, Museo del Louvre, París.

Naturalismo e idealismo se combinan en esta escultura de un león tallada en piedra. El cuerpo del felino está echado, con las patas posteriores sobre el flanco derecho y las patas anteriores cruzadas. La cabeza erguida voltea hacia la izquierda y muestra los ojos fijos al frente. La postura en reposo y el gran detalle de la anatomía logran crear un efecto cercano a la realidad. Este león guardián fue creado durante el reinado de Nectabeo I, de la trigésima dinastía del antiguo Egipto, y formaba parte de la entrada al templo de Sérapéum en Saqqara.

Grecia, Grifón, ca. 650 a.C., bronce, 23,5 cm, Museo Británico, Londres.

En la antigua Grecia los grifones eran una especie de animales fantásticos en los que se combinaban la cabeza de un águila, las orejas de una liebre y el cuerpo de un león. Se creía que eran capaces de ahuyentar a los malos espíritus del vino, por lo que frecuentemente se colocaban como adornos de recipientes que contenían el preciado licor. Esta pieza es ejemplo de la destreza de los escultores para crear delicadas figuras en bronce. La estilizada figura del monstruo se logra a partir de líneas de contorno, volúmenes y huecos.

abstracción e ironía en la escultura

moderna.

Jean Arp (francés), Esqueleto de pez, 1947, yeso, 34 x 22 x 18 cm, Museo Nacional del Arte Moderno, Centre Georges Pompidou, París.

Para Jean Arp la escultura era como un juego, en el cual manipulaba la materia a fin de producir formas que tuvieran conexión con la naturaleza, sin llegar a reproducirla. En esta obra percibimos cierta cualidad orgánica que remite al intrincado diseño de las estructuras óseas. El contraste entre huecos y pequeños volúmenes proyectados da como resultado un conjunto dinámico que interactúa con el espacio gracias a su posición vertical.

Constantin Brancusi (rumano), La foca, 1943-46, yeso, 112 x 121 x 32 cm Museo Nacional de Arte Moderno, Centre Georges Pompidou, París.

“Mi obra está dirigida sobre todo hacia el realismo. Busco la realidad interna y escondida, la esencia interior de las cosas, en su naturaleza perenne”, dijo alguna vez Constantin Brancusi, uno de los escultores más influyentes del siglo XX. Para él, este descubrimiento de la esencia no se lograba a través de la descripción de los detalles, sino en la creación de formas simples y abstractas que sólo llegan a sugerir la identidad del objeto. En La foca observamos los elementos característicos del lenguaje escultórico de este artista: volúmenes cerrados de un solo bloque, superficies lisas que dibujan contornos suaves, así como la inclusión del pedestal como parte de la obra.

David Smith (norteamericano), Paisaje egipcio, 1951, bronce y hierro soldado, Museo Guggenheim, Nueva York.

Tras hacer una pausa en sus estudios de arte, David Smith entró a trabajar a una fábrica de motores donde aprendió el oficio de soldar hierro. Años más tarde aplicó este técnica para producir esculturas de gran originalidad, en las que combinaba varillas de metal y partes prefabricadas, con las cuales creaba una suerte de “dibujos espaciales”, un tipo de escultura abierta que se despliega en el espacio con gran libertad. La composición de Paisaje egipcio se caracteriza por el equilibrio de masas dispuestas horizontalmente con gran dinamismo a partir de un centro de gravedad.

Alberto Giacometti (suizo), Perro, 1951, bronce, 45.7 x 99 x 15.5 cm, Museo de Arte Moderno, Nueva York

Las esculturas creadas por Alberto Giacometti tienen un trasfondo narrativo, ya que semejan lúgubres apariciones de seres, cuya figura apenas es posible divisar a la distancia. No obstante, sus delgados cuerpos logran transmitir un sentimiento de tragedia y pesadumbre. La expresividad es el sello distintivo de la obra de este artista cuyo personal estilo se ejemplifica bien en la obra Perro. A través de la obtención de un modelado denso y de textura áspera, el escultor logra producir el efecto de desintegración de la corporeidad.

César (francés), Pescado, 1954, hierro soldado, 81 x 340 x 58 cm, Museo Nacional del Arte Moderno, Centre Georges Pompidou, París.

Como escultor, César Baldaccini siempre estuvo a la búsqueda de nuevas técnicas y materiales con los cuales experimentar en su obras. Al inicio de su carrera utilizó desperdicios de metal, como tornillos, clavos y fragmentos de lámina para producir su propio “bestiario”, una serie de esculturas de animales. Este pez espada de grandes dimensiones y aspecto burdo, ha sido creado a partir de la unión de cientos de pedazos de metal, una técnica a la que César llamaba “modelado con soplete”.

Juan Soriano (mexicano), Ola, 1988, bronce, 85 x 43 x 35 cm, colección del artista.

Los animales, el paisaje, incluso el cielo están presentes en la escultura de Juan Soriano, que aún en el manejo de pequeñas dimensiones, siempre parece monumental.Al representar las olas del mar, el artista recurre a un conjunto de formas orgánicas que se arremolinan hacia el centro, dejando huecos en el interior. En uno de estos anillos logra apreciarse el perfil de un pequeño pez nadando. La aplicación de la pátina de colores verde y negro realza la textura áspera del modelado original de la pieza.

Barbara Hepworth (inglesa), Olas 1, 1946, madera tallada y pintada, 33.7 x 63.2 x 29.8 cm., Tate Gallery, Londres.

Barbara Hepworth escribió alguna vez: “En la contemplación de la Naturaleza nos renovamos perpetuamente, gracias a ella nuestro sentido del misterio e imaginación se mantienen con vida. Bien entendida, nos da la fuerza para proyectar una visión abstracta y universal de la belleza en un medio plástico”. Esta singular conjunción de romanticismo y abstracción radical caracteriza la obra de Hepworth que practicó la talla directa en madera y piedra. Esta escultura es representativa de una etapa importante de su producción, en la que experimentó con formas orgánicas, que en este caso aparecen escarbadas al interior de un volumen ovoidal. Las fisuras de la madera se formaron mientras la artista trabajaba en la pieza, lo que la obligó a dejarla inconclusa.

Pablo Picasso (español), Cabeza de toro, 1943, asiento de bicicleta y manubrio, 42 x 41 x 15 cm, Museo Picasso, París

Al igual que en el medio pictórico, Picasso experimentó con procedimientos no tradicionales de creación escultórica. Cabeza de toro es el resultado de una transformación del sentido que damos a los objetos en la vida cotidiana, pues vemos cómo el asiento y manubrio de una simple bicicleta se transforman, a través del ensamblaje, en la figura del animal emblemático de la iconografía picassiana.

Salvador Dalí (español), Teléfono langosta, 1936, plástico, yeso pintado y materiales mixtos, 17.8 x 33 x 17.8 cm, Tate Gallery, Londres

El “objeto surrealista” constituye la principal contribución del Surrealismo a la escultura. Éste consiste en la yuxtaposición de objetos comunes con una función específica, los cuales al ser ensamblados, adquieren nuevos significados simbólicos, relacionados con los sueños y el inconsciente. Se ha especulado que para Dalí la combinación de langosta y el teléfono tiene connotaciones eróticas, al vincular la comida con el sexo.

Victor Brauner (rumano), Lobo-mesa, 1939-47, madera y partes de animal, 54 x 57 x 28.5 cm., Museo Nacional del Arte Moderno, Centre Georges Pompidou, París.

Aún más desconcertante resulta esta pieza de otro seguidor del Surrealismo, Victor Brauner, principalmente pintor que plasmó este mismo motivo en dos de sus cuadros. En este extraño objeto surrealista, Brauner toma una mesa fabricada en serie, a la cual ensambló la cabeza y la cola disecadas de un zorro. André Bréton, fundador de este movimiento artístico, dijo de esta obra: “Victor Brauner se basó en el miedo para hacer esa mesa. Este periodo de su obra nos ofrece el testimonio indiscutiblemente más lúcido de su tiempo. Ella sola es la aprehensión del tiempo por venir”.

Barry Flanagan (inglés), Gran Liebre saltando, 1982, bronce y lámina de oro, 279,4 x 281,9 x 111,8 cm, Colección Nasher, Dallas.

La liebre es una figura importante en la simbología del artista, a partir de la cual establece un símil con la actividad humana. Flanagan se empezó a interesar en las representaciones de este animal después de observar los pictogramas y jeroglíficos del arte antiguo. Es así como diseñó una vista de perfil del animal, con las extremidades totalmente extendidas y en tensión. Suspendió esta figura sobre una base piramidal formada por varillas (acaso otra referencia mística); estableciendo un contraste entre las formas geométrica y orgánica.

Robert Rauschenberg (norteamericano), Monograma, 1955-56, cabra de angora,

neumático, pintura, collage, metal y lienzo, 129 x 186 x 186 cm., Museo de Arte

Moderno, Estocolmo,

La integración a su obra de pedazos de señales de tránsito, periódicos y demás objetos considerados basura, permitió al artista pop Robert Rauschenberg abrir la posibilidad de que el espectador estableciera diversas asociaciones entre objetos de contextos distintos. Monograma es una de sus obras más importantes, a la cual el artista considera un “combinado” de medios, a la vez lienzo que se coloca horizontalmente sobre el piso y escultura. El título, que refiere a un emblema formado por iniciales, se presta a varias interpretaciones. En el plano horizontal, la obra está conformada por un collage de objetos encontrados y recortes de periódico, en cuyo centro se alza la cabeza de una cabra de angora disecada y con el hocico manchado de pintura, que sale del interior de un neumático. Con esta extraña composición el artista pareciera sugerir una suerte de fábula urbana, a la vez que acerca el arte a la vida real.

Bruce Nauman (norteamericano), Pirámide animal, 1989, espuma, acero,

madera y alambre, 365,8 x 213,4 x 243,8 cm, Colección Marx, Berlín

Una visión más bien perturbadora de la naturaleza se presenta en la instalación escultórica Pirámide animal del artista contemporáneo Bruce Nauman. Dicha obra está conformada por 16 figuras apiladas de ciervos y perros, las cuales están realizadas a escala natural en espuma sintética. En la cúspide de la pirámide, suspendidos de las patas, se encuentran los animales de caza, mientras que en los dos niveles inferiores están distribuidas las presas. Al ver los componentes de este conjunto con más detenimiento, encontramos el elemento más inquietante: la anatomía de los animales ha sido modificada como si se tratara de un experimento genético. A los cuerpos amarillos les han sido extirpadas las orejas y la parte inferior de las patas y se les ha colocado uno sobre otro, cual si fuese un trofeo de caza o piezas de la sala de un taxidermista. No obstante que el artista empleó un lenguaje figurativo para crear esta obra, rompe con el significado asumido y propone una narrativa absurda, sujeta a muchas interpretaciones.

Nancy Graves (norteamericana), Camellos VII, VI y VIII, 1968/69, madera, acero, lienzo, poliuretano, piel de animal, cera, óleo, 244 x 274 x 121; 228 x 366 x 122; 228 x 305 x 122 cm., Galería Nacional de Canadá, Ottawa.

Desde que era una niña Nancy Graves se sintió atraída por la paleontología y la historia natural, de ahí que en su obra artística la naturaleza tenga un papel central. A mediados de los años sesenta se interesó por investigar acerca de los camélidos y posteriormente los incorporó a su obra pictórica y escultórica. Esta tríada de camellos parecieran ser tan reales como los de cualquier zoológico, salvo que en realidad reproducen ejemplares extintos que vivieron hace miles de años. Al preguntarle acerca del porqué de este animal en su obra, la artista contestó: “Los camellos no deberían de existir. Tienen carne en sus cascos, cuatro estómagos y su quijada está dislocada. Aún con una forma tan ilógica el camello sigue funcionando; y aunque pueden ser entretenidos, verlos es maravilloso”.

Polly Apfelbaum (norteamericana), Capullo, 2000, terciopelo sintético y pigmento textil, 548.6 cm de diámetro, Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Esta artista ha explorado los linderos que tradicionalmente separan a la escultura, la pintura y la instalación, con lo cual ha creado una obra cuya ubicación en uno u otro medio es ambigua. Ella considera a algunas de sus producciones como “pinturas caídas”, que en realidad se tratan de laboriosas composiciones de colores, dispuestas en distintos patrones. Capullo está integrada por decenas de pedazos de terciopelo de formato elíptico, cosidos entre sí hasta formar una composición radial. El efecto óptico logrado por las manchas de color recuerda la imagen del arcoiris, mas vista a través de los bits de una computadora.

a un caballo

10 maneras

de representar

OBSERVA Y COMPARA

Grecia antigua, Caballo, siglo VIII a.C., bronce, 9,53 x 9, 53 cm. Instituto de Artes, Minneapolis.

China antigua, Aguamanil en forma de caballo, siglo XIII, bronce 12,4 x 13,5 x 4,7 cm, Rijksmuseum, Ámsterdam.

Mira con atención estas esculturas, ¿cómo son sus formas?...

Leonardo da Vinci (italiano), Estatua ecuestre, 1516-19, Bronce, 24.3 cm., Museo de Bellas Artes, Budapest.

Guillaume Coustou (francés), Caballo detenido por un palafrenero, conocido como Caballo de Marly, 1739-1745, Mármol, 340 x 284 x 127 cm., Museo de Louvre, París

... ¿Son realistas o estilizadas? ¿Cuál es la apariencia de los materiales?...

Raymond Duchamp-Villon (francés), Caballo, 1914, bronce, 44 x 44 x 26 cm., Museo Nacional de Arte Moderno Centre Georges Pompidou, París.

Elie Nadelman (polaca radicada en EUA), Caballo, c. 1911-1915, yeso, 92.8 x 72.6 x 27.2 cm., Galería Nacional de Australia, Canberra.

... ¿Alguna vez habías visto algo similar?...

Marino Marini (italiano), Caballo, 1951, bronce, 215 x 205 x 107 cm., Museo de Arte Contemporáneo, Sao Paulo.

Elisabeth Frinck (inglesa) , Caballo rodando, 1986, yeso, 24 x 49.2 x 25.5 cm., Tate Gallery, Londres.

... ¿Qué sensación experimentas al observarlas?

Edgar Dégas (francés), Caballo saltando un obstáculo, c. 1887-8, bronce, 30.5 x 38.7 x 24.1 cm Tate Gallery, Londres.

Arte chino, Caballos de la tumba del emperador Quin Shi, dinastías Qin y Han, Xi’an, China, terracota,

Secretaría de Educación PúblicaPrograma de Artes visuales para

secundaria. Material didáctico para el profesor

Primer grado, bloque 5: “La naturaleza y el espacio urbano en

la escultura”.Elaborado por: José Antonio

Espinosa.