presentación

CicloSumisión y rebelión

Organiza

Asociación Ciudadana Círculo Cultural de Valdediós

Salón de Actos del

Monasterio de Santa María de Valdediós

sábados , y de julio - , , y de agosto

a las , horas

ata r d e c e r e s m u s i c a l e s e n va l d e d i ó s

www.circuloculturalvaldedios.org

presentación

PresentaciónSumisión y rebelión

En la película Paterson el protagonista es un poeta que se gana la vi-

da como conductor de autobús. Allí encuentra inspiración. Son poe-

mas breves: tras una descripción precisa y despojada aparece una vi-

vencia. Tienen algo de haiku. Asistimos a su vida monótona en la

que ocurren pequeñas cosas extraordinarias, como en su poesía. Un día al sa-

lir de su trabajo ve a una niña sola en una zona fabril destartalada. En la ma-

no tiene un cuaderno como el suyo. Tras un titubeo se ofrece a acompañarla.

Ella le pregunta si le gusta la poesía. Naturalmente. Entonces le lee un poema

que describe el agua que cae desde el aire brillante, como cabello… forma char-

cos sucios donde se reflejan los edificios y las nubes: “la mayoría de la gente lo

llama lluvia”. Lo escribió el propio Jarmusch, director del filme. Tanto él como

su colega y amigo Ron Padgett, autor del resto de los poemas, están influidos

por William Carlos Williams. En los ojos de este autor cualquier cosa puede

ser un descubrimiento, una experiencia. Como la lluvia que deja de ser lluvia

cuando se ve sin nombrarla.

Las palabras nos ayudan a estar en el mundo: al nombrarlo lo delimitamos y hasta

cierto punto lo poseemos. El árbol deja de ser una masa vegetal incomprensible,

indescriptible en su vastedad, para encarnarse en un roble que encaja perfectamente

en la imagen que de él tenemos. Ha perdido su libertad. Ahora su capacidad de

sorprendernos se limita a su particular comportamiento como roble. Lo hemos

domado: vegetal, árbol, quercus robur.

En analogía con la palabra, la melodía en la música se puede ver como un espacio

donde se encierra el sonido para hacerlo comprensible. Como el roble, se ajusta a un

patrón. Incluso uno puede a veces anticipar la siguiente nota. Por eso su estructura,

ritmo, cadencia y armonías pueden enredarse en la memoria.

Las obras clásicas suelen basarse en una melodía sobre la que el compositor cons-

truye su idea. Es lo que los expertos llaman el tema, puede haber más de uno. Tras

habérnoslo presentado, quizá encarnado en varios colores, lo muestra desde diferen-

tes ángulos, lo descompone y reconstruye modificado, renovado. De esa manera, ese

material que nosotros creíamos entender descubre su complejidad y posibilidades

en nuevas armonías. Seguir ese proceso nos permite disfrutar de la creatividad del

autor, de su propuesta de soñar sonidos.

Quizá esas variaciones sobre el tema se pudieran comparar con las diferentes mane-

ras de ser roble. Pero creo que van más allá, que tienen que ver con la invitación a

mirar con ojos desprovistos de arquetipos, a ver en el mundo sin someterlo a pala-

bras (lluvia, roble) o a melodías.

atardeceres musicales

La descomposición y reconstrucción de la frase musical tiene semejanzas con la

pintura cubista. Lo mismo que en ella descubrimos trozos de realidad que las sitúan

–una parte de una guitarra, de un mantel, de un frutero– en el trascurso de la obra

musical se muestran fragmentos de la frase que la hacen reconocible. Es, en definiti-

va, un arte referencial: a una realidad, sea al interior de la habitación o a la melodía.

En eso se diferencia de la abstracción.

Se podría decir que la pintura tiene que ver con las relaciones de equilibrio entre

dibujo, color y valor. También en la abstracción, pero al contrario que el arte figura-

tivo, esta no pretende representar lo que ya existe. Aspira a crear desde la nada, reta

al espectador a que busque una nueva forma de mirar para ver: no hay reconoci-

miento. O no lo había, porque el éxito de la abstracción nos ha puesto en contacto

con obras ya clásicas que se han convertido en referencia, en una guía para mirar. Las

relaciones y armonías entre tono, timbre, intensidad y tempus son los elementos de

la música, también de la vanguardista. Pero al contrario que en la pintura, la música

atonal sigue siendo sorprendente y para la mayoría indescifrable.

El arte siempre nos ha servido para descubrir el mundo. En ese microcosmos que

son los cuadros, pinturas, poemas, composiciones musicales, se concentra una mira-

da que nos abre un balcón a la realidad. A través de ella vemos de otra forma. Y la

plástica contemporánea, que ha roto las fronteras de representatividad y belleza,

ensanchó aún más nuestra mirada. Ahora cualquier cosa puede ser arte: una resque-

brajadura de una pared, un tronco en descomposición o las ruinas de una fábrica.

Sin embargo, la música atonal apenas abrió un camino para apreciar el sonido desde

otras perspectivas. Quizá porque la teoría dice que hay sonidos desagradables al

oído.

Por ejemplo, las ondas sonoras son vibraciones del aire impulsadas, por el golpeo de

una cuerda. Ese sonido viaja a una determinada frecuencia, la misma que mediante

complejos mecanismos va a incidir sobre las neuronas receptoras. Cada tono, que

corresponde a una determinada velocidad de vibración, es percibido por una neu-

rona diferente. Incluso cuando se mezclan, en acordes, el oído los distingue porque

cada uno sigue su camino neuronal. La armonía en música, como ya demostró

Pitágoras, consiste en unir tonos que están en una proporción de números enteros

pequeños. Si una cuerda mide el doble que la otra, será una octava, un do-do, si la

relación de longitudes es : será una quinta, un do-sol y si es : será una cuarta,

do-fa. Hoy sabemos que cuando se cumplen esas proporciones el cerebro predice

lo que va ocurrir, y como predecir es tranquilizar, encuentra sosiego y solaz en la

escucha. Mientras que si las frecuencias no cumplen esta regla, por ejemplo, mez-

clar un do con otro con medio tono de diferencia, el cerebro no sabe predecir y se

incomoda. Para Wilczek, el premio Nobel de Física que intenta convencernos de

que el mundo es una obra de arte, la armonía es la predicción con éxito en las fases

iniciales de la percepción.

presentación

Quizá, desde esa perspectiva, el arte más armónico sea el kitsch, un arte que más

que abrir nuevas formas de ver nos remite a emociones elementales: el bebé riendo,

la gatita en la cesta con sus crías, el perro de mirada tierna. Enfrentados con estas

figuras, nuestro aparato sensitivo puede sin esfuerzo predecir qué y cómo va a sentir.

Experimenta una satisfacción. Lo mismo que en las películas, novelas o melodías

complacientes que sólo despiertan sentimientos reconfortantes.

El artista se mueve entre la sumisión y la rebelión. En todas las épocas los compo-

sitores más creativos, y también los intérpretes, proponen romper las normas para

expresarse con lenguajes más frescos e irreconocibles. Es una provocación para que

reflexionemos y exploremos nuestros sentimientos. En su éxito está su fracaso por-

que, paradójicamente, la sociedad engulle y metaboliza esas propuestas rompedoras

y pasan a constituir la norma.

Hace unos años hicimos un ciclo que denominamos “La vanguardia en lo clásico” en

el que explorábamos algunas de estas ideas. En esa misma línea proponemos dirigir

la atención a cómo los compositores de todos los tiempos se enfrentaron a la tensión

que se produce entre la aceptación de las reglas de juego y la necesidad de superar-

las. Para ello hemos diseñado un programa con música de distintas épocas, desde

el renacimiento al complejo y variado panorama actual, el que se atrevió a retar las

reglas de la armonía y la tonalidad. Sumisión y rebelión en los compositores, en la

interpretación y en la forma de escuchar.

Martín Caicoya Gómez-Morán Presidente del Círculo Cultural de Valdediós

atardeceres musicales

índice del ciclo

Í n d i c e d e l C i c l o

Ju l i o

Primer Concierto

El aroma del sonidoJuan Barahona (piano), de julio ....................................................................

Segundo Concierto

Luces de AsturiasLuis Vázquez del Fresno (piano), de julio ...................................................

Tercer Concierto

La voz del vientoTrío de piano, violín y trompaNoelia Rodiles (piano) / Elena Rey Rodríguez (violín) / Jorge Monte de Fez (trompa), de julio ............................................................

A g o s to

Cuarto Concierto

Textura y timbreTrío de cuerda DakappTatevik Khachatryan (violín) / David Abrahamyan (viola) / Jaime Rapado (violoncelo), de agosto ..........................................................................

Quinto Concierto

El suave rumor de la mocedadLaura Mota (piano), de agosto......................................................................

Sexto Concierto

Dolce tormentoDolce RimaPaula Brieba del Rincón (tiorba y vihuela) / Julieta Viñas Arjona (soprano), de agosto ...................................................

Séptimo Concierto

Las voces del almaEnsemble Vocal & Instrumental del Collegium Musicumde la Basílica del Sagrado Corazón de GijónJuan María Cué (director), de agosto ...........................................................

Primer concierto - de julio

Sábad o, de julio de

Primer Concierto

El aroma del sonido

Programa

I Parte

Wolfgang Amadeus Mozart (Salzburgo, -Viena, )Sonata en Re Mayor KV

I. Allegro con SpiritoII. Andantino con espressione

III. Rondo (Allegro)

Isaac Albéniz (Camprodón, -Cambo-les-Bains, )

La Vega

Franz Liszt (Raiding, - Bayreuth, )Paráfrasis sobre Rigoletto

II Parte

György Kurtag (Lugo, Rumanía - )Jatekok (Juegos)

Abbamarados (Stop and go)Homage a Schubert

Robert Schumann (Zwickau, -Endenich, )Waldszenen Op. (Escenas del Bosque)

- Entrada en el bosque- El cazador al acecho

- Flores solitarias- El valle maldito

- Paisaje amigable- El albergue

- El pájaro profeta- Canción de los cazadores

- Despedida

Alberto Ginastera (Buenos Aires, -Ginebra, )Danzas Argentinas Op. I. Danza del viejo boyero

II. Danza de la moza donosaIII Danza del gaucho matrero

Intérprete Juan Barahona, piano

Juan Barahona

Primer concierto - de julio

Intérprete

Juan Barahona, pianoNacido en , inicia sus estudios de piano en Oviedo a la edad de 6 años con la

profesora Nariné Karapetyan.

Ha sido, entre los años y , alumno de la Escuela Superior de Música

Reina Sofía en la cátedra de piano, con la profesora Galina Eguiazarova, y de música

de cámara, con la profesora Marta Gulyas. Asimismo ha contado con el consejo y la

supervisión del Maestro Dimitri Bashkirov.

En los años y recibió, de manos de Su Majestad La Reina, la distinción

de alumno más sobresaliente de su cátedra y, como miembro del Grupo Albéniz de

Prosegur también fue galardonado, en , con la distinción de grupo de cámara

más sobresaliente.

Entre y completó con distinciones un “Master of Performance” y un

“Artist Diploma” en Royal College of Music de Londres, en la clase del profesor

Dimitri Alexeev.

Actualmente continúa su formación en la Universität für Musik und Darstellende

Kunst de Viena, donde realiza un “Posgrado de Interpretación” con la Maestra

Lilya Zilberstein. Paralelamente, ejerce como Profesor Pianista Acompañante en la

Cátedra de Viola de la Profesora Nobuko Imai y en la Cátedra Fagot del Maestro

Gustavo Núñez, en la Escuela Superior de Música Reina Sofía (Madrid).

Ha actuado con numerosas orquestas en Europa y Sudamérica bajo la batuta

de directores como Maximiano Valdés, Pablo González, Patricio Aizaga, Óliver

Díaz... Asimismo ha ofrecido recitales y conciertos de música de cámara en España

(Auditorio Nacional de Música de Madrid, Palau de la Música Catalana), Reino

Unido (Wigmore Hall), Rumanía (Ateneu de Bucarest), Moldavia, Ecuador,

Jordania, Alemania y Austria.

Ha recibido lecciones magistrales de los profesores Dmitri Bashkirov, Zoltan

Kocsis, Menahem Pressler, Emanuel Ax, Ferenc Rados, Eldar Nebolsin, Mikhail

Voskresensky, Pavel Gililov, Gunther Pichler, Gyorgy Pauk, entre otros.

Ha sido invitado a participar en numerosos festivales, entre los que cabe

destacar “Collegium-Musicum” en Pommersfelden (Alemania), Mozarteum

Sommerakademie, (Salzburg) y el “Encuentro de Música y Academia de Santander”.

Es la tercera vez que actúa en Valdediós.

atardeceres musicales

Notas al Programa

Wolfgang Amadeus Mozart. Sonata Nº en Re Mayor KV

W. A. Mozart escribió la sonata en Mannheim en noviembre de , a la vez que

la sonata K , mientras la sonata K la escribió un año después en París. Las

tres se publicaron a la vez en .

Es una sonata que muestra la madurez temática y técnica de Mozart. El primer movi-

miento tiene forma de sonata, su primer tema tiene un inicio casi orquestal para dejar

paso a un segundo tema más tranquilo. El segundo movimiento tiene una estructura

episódica de la forma a-b-a-b-a-coda. Su melodía está decorada con sincopas acom-

pañadas con acordes de la mano izquierda. Finalmente el último movimiento en

forma de rondó, supone una culminación enérgica e impetuosa a la sonata, siendo a

su vez el movimiento que mayor despliegue técnico y virtuosístico aporta.

F. Liszt: Paráfrasis sobre temas de Rigoletto

Escrita en 1859, es fruto de la inspiración que Verdi suponía para Liszt. Sus óperas

fueron una fuente importante de material para el compositor Húngaro y entre sus

Paráfrasis (o fantasías operáticas) podemos encontrar verdaderas obras maestras:

Las paráfrasis sobre Ernani, Il Trovatore o Rigoletto, son sus trabajos más desta-

cados.

Al utilizar el título Paráfrasis, Liszt pretende alejarse del término transcripción,

pues en sus paráfrasis el proceso de composición se basa en utilizar una sección

concreta de dicha ópera, exprimiendo a su vez todos recursos pianísticos caracte-

rísticos de Liszt, pero manteniendo las líneas generales del tema original. En este

caso cabe destacar que Liszt no emplea el conocido tema la donna e Mobile y en su

lugar emplea el posterior cuarteto bella figlia dell’amore, cantado por Rigoletto, su hija

Gilda, el Duque de Mantua y su pretendida Maddalena.

Juan Barahona

Isaac Albéniz

Fue un concertista reconocido en toda Europa. Como compositor tenía un sofis-

ticado lenguaje melódico y armónico. Su estancia en una Francia artísticamente

convulsa, donde se fraguaban las vanguardias, unido a que había conseguido inde-

pendencia económica, gracias a su mecenas F. B. Money-Coutts, llenó de creatividad

su talento natural, liberando su mente y transformándolo desde un compositor

complaciente de melodías bellas a uno capaz de crear obras más complejas y exigen-

tes. Albéniz, en sintonía con los modos de la época, siguió basándose en el folclore

español, pero los temas estaban más trabajados y eran más sofisticados.

“La Vega” se refiere a la de Granada, en este caso vista desde la Alhambra. Ese pai-

saje, ahora ocupado por las urbanizaciones, fue el que movió a los reyes nazaríes a

Primer concierto - de julio

construir su palacio en el alto para disfrutar de su contemplación. Albéniz se inspiró

en él para componer esta obra delicada, impresionista y casi meditativa. Tanto gustó

a Claude Debussy que al finalizar su escucha manifestó que deseaba conocer el lugar

inmediatamente.

Es precisamente en La Vega, realizada en , donde se vislumbra este cambio

y anuncia la suite Iberia que ya tuvimos ocasión de escuchar aquí en el centenario

interpretada por Amador Fernández.

La Vega, basada en un poema de Money-Coutts, fue escrita inicialmente para piano

y se adaptó posteriormente para una suite orquestal.

György Kurtag

Compositor húngaro, nació en Lugo, Rumanía en . Tiene un estilo muy perso-

nal con influencias que van desde Bach hasta Messien.

Jatekok ( juegos para piano), es un conjunto de piezas inspiradas en el modo en que

los niños, de manera ingenua, se enfrentan al piano, absortos, explorando los soni-

dos, sorprendidos por los resultados y con toda su imaginación concentrada.

Abbamarados (stop and go) y Homage a Schubert son piezas breves, donde podemos

percibir esta idea, una rara armonía cromática donde parece que se exploran las

posibilidades del teclado y se experimenta la sorpresa de los resultados, un conjunto

que puede ser caótico, en el que se percibe esa rara armonía que solo los artistas

consiguen. Todo nos invita a saborear las cualidades del sonido casi ausente de

melodía o de referencia.

Robert Schumann

Las escenas del bosque es un ciclo de fragmentos escritos por Schumann en los

días alrededor del año nuevo de . Es el último de sus ciclos para piano solo.

El romanticismo tuvo en el bosque uno de los motivos de inspiración. Ese mundo

misterioso, algo caótico donde los árboles adquieren formas complejas y sorpren-

dentes, se opone al orden del neoclasicismo y refleja el temperamento dominado

por las emociones de los románticos. Como una hoja que vibra movida por los

vientos, así al corazón se le permite encenderse ante las sensaciones que trasmite

el inextricable mundo del bosque: la naturaleza en su esplendor pero también en

su misterio. Exponerse a ese torrente de sensaciones es una forma de conocerse, de

ser uno mismo en lo más íntimo de la propia naturaleza. Uno no debe buscar en

Waldszenen un retrato del bosque, algo del todo imposible, sino las emociones que el

artista experimenta traducidas en música. Por eso, como ocurre en la contemplación

del bosque, hay un aire bucólico teñido por las sombras oscuras que sugiere lo des-

conocido y amenazante. Desde el punto de vista de la interpretación puede parecer

que no ofrece desafíos, pero los cambios exigen una permanente concentración y un

esfuerzo para hacerlos de forma suave.

atardeceres musicales

El primer número, Eintritt, nos recibe con una melodía luminosa, como si fuera el

bosque invitándonos a entrar. Hay un cambio súbito de tono en Jäger auf der Lauer (‘los cazadores en los puestos’), un pasaje enérgico, a veces titubeante, para calmarse

en un dulce fragmento, al que otros siguen algo melancólicos, con una cierta inquie-

tud, Einsame Blumen (‘flores maravillosas’) y Verrufene Stelle (‘lugar de mala fama’),

que se resuelve con Freundliche Landschaft (‘paisaje amable’). Desde ahí se procede

a un estudio presidido por la afirmación y el consuelo Herberge (‘refugio’). En el nº

, el famoso Vogel als Prophet (‘pájaros como profetas’) Schumann aparece como el

precursor del impresionismo. Su sección coral central le confiere un aire casi sagra-

do. Entonces se regresa a un territorio más seguro, pastoral con Jagdlied (‘la canción

de caza’) que trata de representar los caballos y las casacas rojas de los cazadores

desde una visión infantil y amistosa. Con Abschied (‘despedida’), se gana la inocencia

del comienzo para ver de nuevo el bosque como un lugar idílico.

Alberto Ginastera. Danzas Argentinas Op.

I Danza del viejo boyeroEsta primera danza llama la atención inmediatamente por su rareza. La razón es

que la mano izquierda toca solo las teclas negras mientras la derecha discurre por las

blancas. De manera que es una melodía bitonal, con la derecha en Do mayor y con

la izquierda en Re mayor. Podría resultar en cacofonía pero Ginastera se las arregla

para ofrecernos una melodía encantadora mediante el uso del ritmo y la textura.

Finaliza con el acorde empleado para afinar las guitarras, que tiene algo de criollo y

se convirtió en el acorde favorito del compositor.

II Danza de la moza donosaSe trata de una danza gentil en compás de /. Una melodía picante serpentea por

la primera parte creando y rebajando tensión mediante el uso de inflexiones cromá-

ticas. La segunda sección introduce una nueva melodía más aposentada y armónica

de forma que confiere un sentimiento de expansión. Con ello Ginastera quiere evo-

car la vastedad de la pampa. Le sigue la primera melodía enriquecida para finalizar

con un acorde atonal que la da un aire de incertidumbre.

III Danza del gaucho matreroTiene las indicaciones de furiosamente, violente, mordento y salvaggio. Aquí

Ginastera emplea disonancias, abre con un ostinato en tonos y con frecuencia

armoniza las melodías simples con segundos menores. En su estructura alterna

pasajes cromáticos con otros altamente tonales y melódicos. Consigue armonizar

cada nota de la melodía con un acorde, incluso si es ajeno a esa nota. En la sección

D expresa el júbilo mediante un tempo agitado, un ritmo fortissimo y una progresión

simple y majestuosa de los acordes. La coda es todo menos simple, un tremendo

glisando cierra la danza.

Segundo concierto - de julio

Sábad o, de julio de

Segundo Concierto

Luces de Asturias

Programa

I parte

Luis Vázquez del Fresno (Gijón -)

Yerba Op. Momento Musical en Mi men. Op. , nº

Momento Musical en Mi bemol mayor Op. Momento Musical en Re bemol mayor Op.

II parte

Franz Liszt (Raiding, -Bayreuth, )

Armonías poéticas y religiosas

Intérprete

Luis Vázquez del Fresno, piano

Luis Vázquez del Fresno

Segundo concierto - de julio

Intérprete

Luis Vázquez del Fresno

Nació en Gijón en . Comenzó sus estudios musicales con su padre, músico

militar, y los continuó en su ciudad natal con Enrique Truán y Purita de la Riva,

examinándose en el Conservatorio de Oviedo como alumno libre. En se

trasladó a estudiar al Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde

realizó estudios de piano con Manuel Carra, y composición y análisis con Gerardo

Gombau. En se marchó a París, ampliando su formación pianística con Lelia

Gousseau, Monique Haas y Lucille Bascourret, y de composición con Oliver

Messiaen y André Jolivet. Regresó a España en y trabajó con Antonio Baciero

y Cristóbal Halffter.

A partir de entonces ha dividido su actividad entre la composición, el piano y la

enseñanza. Como pianista ha recorrido varios países europeos y americanos, y ha

obtenido diversos premios, entre ellos el Primer Premio Nacional de Piano (),

Primer Premio Nacional de Piano Taboada Steger (), o el Premio Nacional de

Música de Cámara en Valencia (). Es especialista en la obra para piano solo de

Claude Debussy, cuya integral ha interpretado en numerosas ciudades españolas.

Por otra parte, ha escrito y estrenado obras por encargo de diversos festivales, como

el Festival Internacional de Música de Besançon o de Berlín, el Festival Internacional

de Montpellier, o el Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante.

Sus obras han sido interpretadas por orquestas como la Orquesta Sinfónica del

Principado de Asturias, la Orquesta de Cámara de Munich o el Ensemble Jean

Pierre Dupuy, entre otras, y han sido dirigidas por maestros como José Ramón

Encinar, José Luis Temes o James Levine.

Luis Vázquez es profesor y jefe del Departamento de Piano del Conservatorio

Superior de Música del Principado de Asturias.

Actúa por segunda vez en Valdediós.

atardeceres musicales

Notas al Programa

Luis Vázquez del Fresno. Yerba Op.

Composición para piano sobre temas populares asturianos creada en . Dedicada

a la memoria del que fuera presidente de la Sociedad Filarmónica de Gijón, Eladio

de la Concha, fue estrenada por el autor en el Condado de Noreña en Septiembre

de . Es una de las obras más populares de Luis Vázquez del Fresno. Fue muy

bien acogida por el público tanto en España como en Europa, destacando el éxito

obtenido en la antigua Unión Soviética en el año .

Momento musical en Mi Men. Op. , Nº Escrito por Vázquez del Fresno como parte de los ejercicios de oposiciones al

Conservatorio de Oviedo, en enero de , que consistía en la armonización

pianística de un tema dado por el tribunal. Este es el resultado de aquel ejercicio.

Momento musical en Mi Bemol Mayor Op. Es una ironía sobre la música de cine de los años cuarenta del siglo XX, que se escu-

cha en numerosos filmes trágico-románticos de la época. Está obra está dedicada a la

profesora Ana Novo. Fue estrenada en el Centro Cultural Palacio de Revillagigedo

en Gijón, en , en un concierto organizado por Caja Asturias, dentro del ciclo

dedicado a la música para piano del compositor.

Momento musical en Re Bemol Mayor Op. Dedicada A Francisco Jaime y Pantín por Luis Vázquez del Fresno. Esta compo-

sición, creada entre los años -, fue estrenada en por Francisco Jaime

y Pantín y por Teresa Pérez Hernández en la Fundación Calouste Gulbenkian de

Lisboa.

Franz Liszt. Armonías poéticas y religiosas

La madre de Liszt era una devota lectora del Kempis, libro que influyó en la forma-

ción de carácter del compositor. A los años aspiraba a ingresar en el seminario

de París como consecuencia de su búsqueda del áscesis para unirse a Dios, así se

lo confesaría a la princesa Sayn-Wittgestein. Pero su extraordinario talento para el

piano se cruzó en el camino hacia el soñado martirio. Fue el abate Lamennais, de

quien fue huésped en el castillo La Chênaie, quien le imbuyó de sus ideas de servicio

a Dios a través del arte. En este contexto debemos situar la admiración de Liszt por

Alphonse de Lamartine, (poeta y político francés), ídolo de su primera juventud, y

con el que pudo establecer amistad, unidos por su religiosidad. En una velada Liszt

interpretó una pieza dedicada al escritor, Harmonies de soir a lo que Lamartine

Segundo concierto - de julio

respondió leyendo Bénédiction de Dieu dans la solitude de su colección Harmonies poétiques et religieuses. Liszt impresionado compuso este políptico pianístico del que

hoy interpreta aquí Vázquez del Fresno el poema que leyó Lamartine.

Las Harmonies poétiques et religieuses («Armonías poéticas y religiosas») es un

ciclo de piezas de piano escrito por Franz Liszt en Woronińce, estado de la antigua

Polonia-Ucrania, dedicadas a la citada princesa Carolyne zu Sayn-Wittgenstein. Su

accidentada génesis, que se prolongaría durante casi veinte años, comenzó alrededor

de . Gracias a la mediación de Joachim Raff, la antología sería finalmente publi-

cada por Kistner, en Leipzig, a mediados de .

La pieza Bénédiction de Dieu dans la solitude, no se puede considerar música sacra.

Está inspirada en la belleza de la vida solitaria en contacto con la naturaleza, enten-

dida como una relación íntima con la creación que aspira a ver en ella a Dios. Es una

obra de acuerdo con el romanticismo, que más que describir, expresa sentimientos

y trata de despertarlos en el público.

Tercer concierto - de julio

Sábad o, de julio de

Tercer Concierto

La voz del viento

Programa

I parte

Franz Strauss (Parkstein, -Múnich )

Noct urno para trompa y piano Op.

Richard Strauss (Múnich, -Garmisch-Partenkirchen, )

Andante para trompa y piano Op. Post h

II parte

György Ligeti (Târnăveni, -Viena, )

Música Ricercata (selección)

Franz Schubert (Viena, -Viena, )

Sonata en Sol menor para violín y piano, Op. , nº , D

Intérpretes

Noelia Rodiles, piano

Elena Rey Rodríguez, violín

Jorge Monte de Fez, trompa

Noelia Rodiles Elena Rey Rodríguez

Jorge Monte de Fez

Tercer concierto - de julio

Intérpretes

Noelia Rodiles

Su capacidad para buscar la perfección a través de los matices que extrae al piano,

la forma en que hace vivir al público la emoción de la música desde la sencillez y su

naturalidad, dentro y fuera del escenario, son los rasgos que la crítica destaca de la

pianista Noelia Rodiles.

Su trayectoria musical incluye conciertos en las principales salas de España, como

el Auditorio Nacional de Música, Teatro Real, Auditorio de Zaragoza, Auditori

de Barcelona, Palau de la Música Catalana, Fundación Juan March, Auditorium

de Palma o Teatros del Canal, y en ciclos y festivales como “Jóvenes Intérpretes” de

la Fundación Scherzo, Schubertíada de Vilabertrán, Festival de Música y Danza

de Granada, Festival Internacional de Arte Sacro de Madrid, Quincena Musical

Donostiarra, y Otoño Musical Soriano. Ha participado en conciertos en distintos

países como Alemania, Italia, Francia, Polonia, Túnez, Bolivia y Jordania.

Como solista ha tocado junto a orquestas como la Nacional d’Andorra, The Solists

of London, la Orquesta Heinrich Heine de Düsseldof, la Orquesta Sinfónica del

Principado de Asturias o la Orquesta Sinfónica de Extremadura, entre otras, bajo

la dirección de maestros como Víctor Pablo Pérez, Michael Thomas, Marzio Conti,

Ramón Tébar y Pablo Mielgo.

Su calidad musical ha sido reconocida en concursos nacionales e internacionales de

piano como el “Rotary Club” de Palma de Mallorca y el “Ricard Viñes” de Lleida

o el Primer premio, por unanimidad, y los tres premios especiales recibidos en el

Concurso Nacional de Piano “Ciudad de Albacete”. Obtuvo también el primer pre-

mio en el Concurso Permanente de Jóvenes Intérpretes de Juventudes Musicales de

España en la especialidad de música de cámara.

Tras la publicación de su primer trabajo discográfico, con obras de Ligeti y Schubert

(Solfa Recordings), la crítica le reconoció como una pianista versátil y dotada de una musicalidad y refinamiento verdaderamente admirable. ( Justo Romero, Scherzo).

Este disco obtuvo el reconocimiento de “Excepcional del mes” de la revista Scherzo.

Formada en los conservatorios de Avilés, Madrid y Berlín con Ana Serrano, Ana

Guijarro y Galina Iwanzowa, perfeccionó sus estudios en la Escuela Superior de

Música Reina Sofía de Madrid con Dimitri Bashkirov y Claudio Martínez Mehner.

Ha recibido clases magistrales de Daniel Barenboim, Joaquín Achúcarro, Salomon

Mikowski, Joaquín Soriano, Galina Eguiazarova, Elisso Virsaladze y Josep M.

Colom entre otros.

atardeceres musicales

Elena Rey Rodríguez

Es miembro fundadora del Dalia Quartet y del Trío Lorca. Galardonada en varios

concursos, lleva a cabo una carrera tanto solística como de cámara que la vinculan a

un gran abanico de artistas.

Elena Rey es miembro de la Orquestra de Cadaqués, de la Orquestra Da Camera y

de bcn y ha sido invitada como líder de los segundos violines en orquestas como

la del Palau de les Arts o la Sinfónica de Castilla y León, entre otras. Su interés por

otros géneros musicales la lleva a colaborar con Sílvia Pérez Cruz en “Entre cuerdas”,

proyecto que engloba varios estilos desde el flamenco hasta el jazz.

Nacida en Barcelona en , empieza sus estudios musicales a la edad de nueve

años con Mª Victoria Fernandez, continuándolos con Gonçal Comellas, Kai

Gleusteen y miembros el Cuarteto Casals. Posteriormente estudió con Yuri Volguin

y Zakhar Bron en la Escuela Reina Sofía. Toca un José Contreras () generosa-

mente cedido por Lutheria Trapiella S.L.

Jorge Monte de Fez

Nacido en Oviedo en , es trompa solista de la orquesta del Teatro alla Scala de

Milan y de la orquesta Filarmonica della Scala. Así mismo es miembro desde

de la orquesta West-Eastern Divan dirigida por el maestro Daniel Barenboim.

Ha sido invitado para colaborar como trompa solista en la Filarmónica de Berlín,

Staatskapelle de Berlín, Münchner Philharmoniker, Rundfunk-Sinfonieorchester

Berlin, Konzerthausorchester Berlin, Orquesta de la Comunidad Valenciana-Palau

de les Arts, y Orquesta Ciudad de Granada.

A lo largo de su trayectoria ha trabajado bajo la batuta de maestros como Daniel

Barenboim, Claudio Abbado, Zubin Mehta, Gustavo Dudamel, Herbert Blomstedt,

Simon Rattle, Daniele Gatti, Kirill Petrenko o Ricardo Chailly entre otros.

Interpretando música de cámara ha compartido escenario con músicos como Daniel

Barenboim, Martha Argerich, Klauss Thunemann ó Radovan Vlatkovic...

Desde el año es miembro del quinteto de metales “Italian Wonderbrass”, formación

con más de una década de historia marcada por sus éxitos por todo el mundo.

Como concertista ha interpretado diversas obras, entre ellas, el concierto para dos

trompas de A.Vivaldi, el concierto no. de W.A. Mozart, el concierto nº. de R.

Strauss o el Konzertstück de Schumann en salas como el Auditorio Nacional de

Música de Madrid, el Palacio Euskalduna de Bilbao ó el Teatro alla Scala de Milán.

Comienza sus estudios en el Conservatorio profesional de música de Oviedo.

Continúa con el Grado Superior en “Musikene” (Centro Superior de Música del

País Vasco) con el profesor Rodolfo Epelde, obteniendo en la calificación de

“matrícula de honor” en el examen fin de carrera. En ese mismo año ingresa en la

Joven Orquesta Nacional de España (jonde) y posteriormente en la European

Union Youth Orchestra (euyo).

Tercer concierto - de julio

Amplía estudios en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid con

Radovan Vlatkovic, durante los cursos - y -, siendo nombrado

“Alumno Sobresaliente de la Cátedra de Trompa”.

Durante los años - forma parte de la Academia de la Staatskapelle de

Berlín bajo la dirección del maestro Daniel Barenboim.

Notas al Programa

Franz Schubert. Sonatas para violín y piano, Opus Las tres Sonatas para violín y piano, Opus , fueron compuestas por Franz

Schubert entre los meses de marzo y abril de , a la edad de años. Schubert

había dejado entonces su empleo como maestro asistente en la escuelita de su padre,

estaba enamorado de la cantante Therese Grob, pero por razones económicas no

podía pensar en el matrimonio. En ese estado, de casi miseria, escribía obras que

pronto fueron apreciadas por los más exquisitos talentos y las mentes jóvenes más

brillantes de la Viena. Alrededor de él se formó un círculo de amigos sinceros que

le admiraban: poetas, pintores y músicos. Pero apenas tenía éxito entre el público

en general.

Estas tres sonatas para violín nunca fueron estrenadas en vida, quizá fueron

interpretadas durante las reuniones del círculo de Schubert. Schubert las llamaba

“Sonatas” en su original, pero el sagaz Diabelli probablemente creyó que aumentaría

las ventas de estas obras, al dar la idea de que se trataba de música “fácil”, apta para

estudiantes y aficionados. La denominación engañosa de “Sonatina” va en su desme-

dro pues en realidad son sonatas completas. Y aunque no requieren extrema bravura

del violinista ni del pianista, exige músicos con un amor y sentimiento especial hacia

el idioma de Schubert que combinen con la claridad del clasicismo para comunicar

toda su lucidez y belleza.

La Sonata N°. en Sol menor, Op. , D. se ubica, por su carácter, entre el

fuego dramático de la segunda y la dulzura lírica de la primera. El primer movi-

miento, Allegro giusto (/) revela otra faceta de la maduración del arte de Schubert.

Esta es la manera en la que la evocativa frase inicial parece generar el movimiento

entero. Se puede apreciar en el desarrollo de variaciones, que llegan a convertirse en

el tercer tema en Mi Bemol. Quizá el insuficiente desarrollo que no llega cumplir

con todas las potencialidades del comienzo, impide que el movimiento sea lo mejor

de Schubert. El Andante (/) en Mi Bemol se puede considerar un homenaje

a Mozart, en forma de una suave Romanza, como son también mozartianos el

Menuetto y el Trío (/). Con respecto al breve y exquisito Finale, Allegretto mode-rato (/), nuevamente aquí quizá se pueda decir que un Schubert más maduro

hubiera aprovechado mejor la mágica y muy schubertiana melodía inicial.

atardeceres musicales

György LigetiEs un compositor húngaro cuya música se caracteriza por el abandono de la armonía, el ritmo y la melodía para centrarse en el timbre al fin de conseguir lo que él denomina “una masa sonora”.Musica Ricercata, es un conjunto de once piezas que van emergiendo unas de otras en un curioso método compositivo basado en la sucesiva agregación de las distintas notas de la escala cromática. La primera pieza se sustenta en una sola nota, un la repetido obsesivamente. La segunda incorpora ya tres notas (mi sostenido, fa sosteni-do, sol), y así gradualmente hasta la pieza final.Kubrick que utilizó su música en sus filmografías ya desde : Una Odisea del Espacio, eligió el segundo movimiento –mesto, rigido e cerimoniale– Eyes Wide Shut.

Johannes BrahmsConsiderado como uno de los más grandes compositores del siglo XIX y uno de los músicos más destacados de la época romántica, Johannes Brahms nació el de mayo de en Hamburgo, Alemania. En conoce a Liszt con el que no establece relación fluida, sin embargo sí lo hace con Shumann quién vio en el joven músico la salvación de este arte frente al asedio de la Nueva Escuela Alemana liderada por Wagner y el mencionado Liszt En Viena tuvo una gran acogida, era considerado como el sucesor de Beethoven, su ídolo, honor que creía inmerecido: “Componer una sinfonía no es broma, ustedes no tienen ni idea de lo que uno siente cuando oye detrás el retumbo de los pasos de un gigante como Beethoven”.En ese momento, cuando se cuestionaba la forma de escribir, se consideró que la música de Brahms era conservadora, la antítesis de la música de Wagner. Trabajada de una forma muy técnica y sujeta a las reglas escolásticas del pasado con ínfulas de romanticismo artificial. Brahms tocaba el violín, el violonchelo y la trompa. La trompa se asociaba en el XIX a la naturaleza y las cacerías. En el Trío para trompa, violín y piano, la inspiración del primer movimiento se dice que tuvo lugar mientras paseaba por el bosque, una de sus aficiones. Se percibe en cómo el cuerno parece que llama desde algún sitio lejano y arrastra a los otros instru-mentos que están en permanente diálogo. En su composición prefirió la rapsodia fren-te a la estructura de sonata con la alternancia de una sección rápida con una lenta. Le sigue un scherzo que se inicia con viveza mientras el cuerno refuerza la melodía, para tomar un tono mas relajado y finalizar con un nuevo empuje. El adagio mesto abre con cuatro compases de acordes en el registro grave del piano en mi bemol menor, como los anteriores movimientos, creando así un ambiente solemne y de carácter contem-plativo que es enfatizado por la entrada del violín y la trompa. Se ha querido ver en estos movimientos el estado de ánimo de Brahms, por la muerte de su madre, entre la rabia y la aceptación teñido todo por la tristeza del adagio. El finale presenta el tema principal, ya expuesto en los tres movimientos anteriores, pero ejecutado en mi bemol mayor y a un tempo vivo. Así la obra concluye con un final alegre, sonoro y rotundo.

Cuarto concierto - de agosto

Sábad o, de agosto de

Cuarto Concierto

Textura y timbre

Programa

I parte

Johann Sebastian Bach (Eisenach, - Leipzig, )Variaciones Goldberg BWV para trío de cuerda por Federico Sarudiansky

AriaVar.1Var.

Var. Canone all’UnisonoVar.

Var. Al tempo di GigaVar.

Var. FughettaVar.15 Canone alla Quinta-Andante

Var. OuvertureVar.

Var. Canone alla SettimaVar. Alla breve

Var.Var. Quodlibet

Aria da capo

II parte

Ernö Dohnányi (Bratislava, -Nueva York, )Serenade Trío en Do Mayor, Op.

Marcia. AllegroRomanza. Adagio non troppo, quasi andante

Scherzo. VivaceTema con variazioni

Rondo. Allegro vivace

Intérpretes

Trío de cuerda Dakapp

Tatevik Khachatryan, violínDavid Abrahamyan, violaJaime Rapado, violoncello

Trío de cuerda Dakapp

Cuarto concierto - de agosto

Intérpretes

Trío de cuerda Dakapp

Dakapp trío nace en el año , formado por Tatevik Khachatryan (violín), David

Abrahamyan (viola) y Jaime Rapado (cello). Todos los integrantes del grupo com-

parten una gran formación a nivel individual así como una extensa experiencia en el

ámbito de la música de cámara.

El trío Dakapp ha actuado en el Festival de verano de Oviedo de Luis Iberni, en el

º Festival de Música del Monestir de Cervià de Ter en Cataluña, donde fueron pre-

sentados por la agencia Ibercamera y en The Athens Academy (Grecia) entre otros.

Tatevik Khachatryan

Fue ganadora y premiada en los siguientes concursos: VII Concurso International

“Pablo Sarasate” (Pamplona, ), IV Concurso International de Llanes, ,

Concurso Internacional Robert Canetti (Lisboa), , Concurso National de

Llanes, , III Concurso de Jóvenes violinistas ( Jaén), , y Contest of Young

Musical Performers (Bélgica), .

Ha trabajado bajo la batuta de directores como Bernard Haitink Lorin Mazzel,

Sir Collin Davis, Valery Giergiev, Dennis Russel Davies, Dimitry Sitkovetzky y

Vladimir Jurowski.

Fue concertino de segundos violines en la Orquesta de Cámara de Stuttgart, asimis-

mo ha interpretado la Metamorfosis de Strauss bajo el liderazgo de Gordan Nikolic

(violín). Tatevik ha actuado en salas de prestigio internacional como The Usher

Hall en Edimburgo, St John`s Smith Square, Cornwall Hall Queen Elisabeth Hall,

Royal Albert Hall, St Luke’s y The Barbican en Londres, Fundación Juan March y

Auditorio Nacional de Música de Madrid, Auditori de Barcelona e Is Sanat Hall en

Estambul. Sus conciertos han sido retransmitidos por Radio Nacional de España y

la BBC Radio (Reino Unido).

En la actualidad compagina su labor como profesora del Conservatorio de Badalona

con su colaboración regular en la Orquesta de la Comunitat Valenciana “Palau de

Les Arts” de Valencia y Royal Opera House “Covent Garden” de Londres.

Actuó por primera vez en Valdediós en .

David Abrahamyan

Es miembro solista de Salzburg Chamber Soloists, Russian Virtuosy of Europe y

Orkest der Lage Landen.

Ha tocado con músicos de la talla de Boris Belkin, Daishin Kashimoto, Wolfgang

Meyer, Liviu Prunaru, Levon Chilingiryan, Alexander Chaushyan, Yuri Zishlin, Ashley

Wass o David Coheny, y en salas de concierto como la Concertgebouw de Amsterdam,

atardeceres musicales

Konzerthaus en Berlín, Teatro Coliseo de Buenos Aires, Sala Mozarteum en Salzburgo.

También ha participado en Festivales de música como el David Oistrakh Festival, Lincoln

Share Festival o el Orpheus-Bacchus Festival y en países como EEUU, España, Francia,

Alemania, Brasil, Uruguay, Chile, Argentina, Italia o Austria.

Ha realizado grabaciones bajo el sello discográfico Dutch Records Company con

obras del compositor holandés Wim Zwaag, que compuso el Adagio para viola

dedicado al propio Abrahamyan.

Jaime Rapado

Finaliza sus estudios superiores de violonchelo en el Conservatorio Superior

de Música de Asturias “Eduardo Martínez Torner” con la calificación final de

Matrícula de Honor y Premio Extraordinario Final de Carrera.

Fue miembro del “Trío Fedorenko” y del “Moscow String Quintet” habiendo ofrecido

diversos conciertos en los principales auditorios de España. Ha sido invitado al Festival

David Oistrakh en Tallin (Estonia) para interpretar las Variaciones Goldberg con el trío

kdk. Galardonado en el “Certamen Internacional de Música de Cámara de Asturias”,

(, ), con las formaciones de Cuarteto y Dúo de Cuerda, Primer Premio del

Concurso Jóvenes en Concierto de Castilla y León (), Ganador del Certamen

“Angel Muñiz Toca”, (). Junto al Moscow String Quintet ha realizado grabaciones

para rtve. Fue cellista principal de Oviedo Filarmonía, Bangkok Symphony y actual-

mente es violonchelo principal de la Orquesta Excelentia de Madrid.

Notas al Programa

J. S. Bach. Variaciones Goldberg

Bach adopta en sus Variaciones Goldberg el principio de la libre derivación temática a

partir de un bajo común, forma de variación que ya había utilizado en dos importantes

obras anteriores como son la Passacaglia en do menor para órgano y la Chacona en re

menor para violín. En este concepto de variación, la armonía es sugerida por el bajo,

si bien no está condicionada por él. Así vemos que la propia línea del bajo puede ser

variada a lo largo de la obra, e incluso puede trasladarse a otras voces distintas. De esta

forma, la línea melódica resulta totalmente libre, sin ningún tipo de restricción, siendo,

por tanto, ilimitadas las posibilidades de expresión y de contraste.

Todas las variaciones se basan en el siguiente bajo sobre el que se expone el Aria

inicial: sol-fa-mi-re-si-do-re-sol-sol-fa-mi-la-fa-sol-la-re/re-si-do-si-sol-la-si-mi-

do-si-la-re-sol-do-re-sol.

Tanto el aria como cada una de las variaciones constan de dos secciones, al modo de

las danzas de la suite barroca. Cada una de estas secciones consta de compases

ocupando cada nota del bajo un compás.

Cuarto concierto - de agosto

Desde el punto de vista arquitectónico, la obra, pese a su monumentalidad, posee

una estructura bastante simple. El aria inicial, y su repetición al final de la obra se

convierten en los pilares fundamentales de un conjunto de variaciones divididas

en grupos de variaciones compuestos cada uno de ellos por una variación libre,

una variación virtuosística y una variación canónica.

En las variaciones libres, Bach adopta diversos tipos de danza u otra forma caracte-

rística, como son el passepied, la giga, la obertura a la francesa o la fuga.

Las variaciones virtuosísticas están escritas para clave a dos teclados, de ahí lo intrincado

de su ejecución en el piano. Todas ellas son rápidas y presentan abundantes cruzamientos

y superposiciones de las manos, rayando con frecuencia en lo acrobático.

En las variaciones canónicas dos voces en canon se oponen al bajo común, que

juega el papel de voz libre. Estas variaciones van ordenadas en sentido ascendente

de separación interválica, y en ella Bach despliega toda su incomparable maestría

contrapuntística. El último canon es sustituido por una pieza llamada Quodlibet,

en la que dos temas populares son tratados también contrapuntísticamente en estilo

libre al que ya alude el propio título de la variación.

Sobre este esquema, de sencillez aparente, Bach teje una extraordinaria arquitec-

tura musical sintetizando las distintas formas tradicionales de variación, como la

Chacona, o el Ground inglés, con las formas de danza habituales en la suite y la

riqueza de su más deslumbrante técnica contrapuntística, no habiéndose producido,

posiblemente, en la música occidental posterior ninguna obra comparable dentro del

género de la variación.

Alguien dijo que la humanidad se podría dividir entre quienes no conocen las

Variaciones Goldberg y los que sí las conocen. A su vez, estos se dividirían entre los

que las comprenden y los que no las comprenden…

Francisco Jaime Pantín

La música de Bach resiste cualquier trasvase instrumental y tímbrico. La hemos escu-

chado hasta en el acordeón de Anzellotti y, aun así, seguía sonando a Bach. De este

modo se explica que El Arte de la fuga no tuviera un instrumento o conjunto instru-

mental definido. Simplemente es música, más allá del instrumento/s elegido/s. Bach

sabía que su música podría acogerse a cualquier molde instrumental, siempre sonaría

bien y grande. De esta manera, las Goldberg, posiblemente la obra más grande escrita

para teclado, fue por primera vez transcrita para trío de cuerda por Dmitri Sitkovetsky.

En Federico Sarudiansky hizo un nuevo arreglo para trío de cuerda. Son arreglos

arriesgados por romper moldes; arriesgado por variar sobre la variación; arriesgado por

desorientar al oído cerebral, que espera otra cosa de la que recibe. Las Goldberg cono-

cen interpretaciones desde la cortesía barroca más respetuosa (Leonhardt), al piano

más alucinante (Gould), pasando por diversos arreglos (violas, órgano, arpa, etc.).

atardeceres musicales

Ernö Dohnányi

También conocido como Ernst von Dohnányi, fue un director de orquesta, compo-

sitor y pianista húngaro.

Su padre, profesor de matemáticas y violoncelista aficionado, fue su primer maestro,

poco después pasó a ser discípulo de la entonces denominada Academia de Música

de Budapest, en la que estudió piano y composición. Béla Bartók fue compañero de

estudios y más tarde, el propio Dohnányi, sería intérprete de su música más accesi-

ble. Su primera composición publicada, el Quinteto para piano en do menor, mereció

la aprobación de Johannes Brahms, quien la promovió en Viena.

Después de la Segunda Guerra Mundial, en la que un hijo murió en combate y

otro fue ejecutado por los nazis por su participación en un complot para ejecutar a

Hitler, Dohnányi emigró a los Estados Unidos. En su viaje hizo escala en Argentina

donde fundó en Tucumán la Orquesta Sinfónica de la Universidad. Llegó a Estados

Unidos en , pero su carrera de concertista de piano estaba acabada. Su última

composición orquestal, completada en , se titula American Rhapsody, y fue

escrita para el centésimo quincuagésimo aniversario de la Universidad de Ohio.

Una de las primeras composiciones en las que Dohnányi pensó que había conse-

guido un equilibrio en el lenguaje musical, deshaciéndose de las influencias post-

románticas, fue la Serenade en do mayor para trio de cuerdas, Op , compuesto en

y estrenado en Viena dos años más tarde. Es una serenata clásica del XIX que

sigue la concepción de su admirado Brahms y la de Rober Fuchs. Pero la concisión

y ausencia de medios de la serenade muestra una nueva sensibilidad. Se perciben la

presencia de la música folclórica húngara en la creación de inflexiones modales en las

armonías. Son innovaciones que preceden al uso del folclore por Bartók y Kodály. El

sabor de Hungría ya se nota en el primer movimiento marcia cuya contra melodía, a

la vez truculenta y espiritual, tienen un carácter magiar exótico. En este movimiento

se anuncian prácticamente todos los temas que se desarrollarán en el resto de los

movimientos. Le sigue una romanza de aroma húngaro, presidida por una melodía

evocativa presentada en texturas limpias hasta llegar un clímax pasional que cla-

ramente anuncia la música de sus compatriotas. El éxito del movimiento indujo a

Dohnányi a hacer un arreglo para orquesta, pero es en el trío donde se puede sentir

la economía textural de la sección media, un diálogo pasional entre el violín y el cello

acompañado por arpegios de la viola. El corazón de la obra es el vigoroso scherzo que

tiene aspectos de una sonata completa y destaca por sus ritmos irregulares, su con-

figuración rápida y el tratamiento de los temas que se entrelazan en la sección final.

El cuarto movimiento consiste en variaciones de un tema tipo coral con un liricismo

que recuerda s Schubert. El rondó finale es quizá en el que se note más la influencia

de Brahms. Casi al final la melodía magiar del primer movimiento reaparece inopi-

nadamente en su forma original de manera que establece una unión en toda la obra,

si bien su brillo está velado por el tono melancólico de la melodía final.

Quinto concierto - de agosto

Sábad o, de agosto de

Quinto Concierto

El suave rumor de la mocedad

Programa

I parte

Georg Friedrich Haendel (Halle, -Londres, )

Suite en Re menor HWV Preludio

AllemandaCourante

Sarabande con variazioniGiga

Franz Schubert (Alsergrund, -Viena, )

Impromptu D nº en Fa menor

Frédéric Chopin (Żelazowa Wola, -París, )

Noct urno Op. nº en Do menor

II parte

Johannes Brahms (Hamburgo, -Viena, )

Variaciones y Fuga sobre un tema de Haendel Op.

Intérprete

Laura Mota Pello, piano

Laura Mota Pello

Quinto concierto - de agosto

Intérprete

Laura Mota Pello, pianoNacida en Oviedo en , comienza sus estudios de piano a la edad de seis años en

la Escuela de Música Viva Tchaikovsky de Gijón con la profesora Natalia Mazoun.

Desde prosigue su formación con el pianista Francisco Jaime Pantín, profesor

del Conservatorio Superior de Música del Principado de Asturias. Ha obtenido

los primeros premios en el VIII Concurso Internacional de Piano “Antón García Abril” (), en el XV Concurso Infantil “Santa Cecilia”, Fundación Don Juan de

Borbón (), en el XXI Concurso Nacional de Piano “Ciutat de Carlet” (),

en el V Concurso Internacional de Piano “María Herrero” (Granada, ), en el

VI Concurso Nacional de Jóvenes Intérpretes “Ciudad de Cuenca” (), así como

el premio especial “Perfecto García Chornet” a la mejor interpretación de música

española (Carlet, ) y el segundo premio en el XXXII Concurso de Piano Ciudad de Linares “Marisa Montiel” ().

Ha participado en el Concierto de Navidad organizado por la Sociedad Económica

de Amigos del País (Avilés, Asturias, ). Ha ofrecido recitales en el Museo

Evaristo Valle de Gijón (, ). Ha participado en el Festival de Música de

Segovia (). Tomó parte en el XIX Curso Internacional de Música “Ciudad de Astorga” recibiendo clases del pianista Iván Martín. También ha asistido como alum-

na activa a Clases Magistrales de Piano con los pianistas Josep Colom, José Ramón

Méndez y Miguel Ituarte. Además ha dado recitales en La Casa de la Música de

Mieres, en el Conservatorio Superior de Música de Oviedo, en el Conservatorio

de Astorga, en el Conservatorio de Gijón, en el Monasterio de Santa María del

Paular de Rascafría, en el Jardín Botánico de Gijón, en la Sala Eutherpe (Fundación

Eutherpe) de León, en el Auditorio de León y en el Auditorio de Oviedo. En

fue invitada para tocar en el programa “Pizzicato” de tve.

A los once años debuta como solista con la Orquesta Oviedo Filarmonía dirigida

por el maestro Marzio Conti en el Auditorio de Oviedo, interpretando el Concierto

nº en La Mayor, K. de Mozart.

Asimismo, ha participado en las ediciones de y del Curso para Pianistas, Directores y Joven Orquesta Leonesa organizado por la Fundación Eutherpe e impar-

tido por los maestros Joaquín Soriano y Bruno Aprea, interpretando en la clausura

de los mismos, el Concierto nº en Re menor, K. de Mozart y el Concierto

nº en Do menor, Opus de Beethoven respectivamente, en el Auditorio de León.

Así como también ha participado en el XVII Festival Internacional de Piano de Gijón, recibiendo clases de los maestros James Giles, Logan Skelton, Jean Saulnier,

Douglas Humphreys, Alexander Romanovsky y Christopher Guzman.

atardeceres musicales

Notas al Programa

Este intenso programa gravita sobre el eje de Haendel-Brahms, barroco genuino

frente a un romanticismo de sólida estructura clásica como el que Brahms presenta

en la primera época de su producción, caracterizada por un especial culto a la forma

y una progresiva evolución hacia el virtuosismo pianístico que alcanzará su máxima

expresión en las grandes series de variaciones op. , y , precisamente las

Variaciones y Fuga sobre un tema de Haendel que hoy escucharemos.

Sobre un sencillo aria de compases divididos en dos períodos y que el propio

Haendel ya había variado, Brahms construye una estructura monumental en la

que -compitiendo con los grandes modelos de Bach en sus Variaciones Goldberg

y Beethoven en sus Variaciones Diabelli- consigue una imponente síntesis entre

barroco, clasicismo y romanticismo en la que la fantasía convive con el rigor en un

despliegue técnico, instrumental y emocional que, a través de las sucesivas meta-

morfosis, desemboca en una poderosa fuga a cuatro voces en la que el compositor

hamburgués se aleja progresivamente de la severidad formal hacia una deslumbrante

afirmación vital a través de un pianismo de vocación sinfónica.

Las Suites de Haendel se interpretan rara vez al piano. Una escritura tendente a la

desnudez y un concepto de la armonía bastante convencional producen un efecto de

cierta pobreza en la traducción sonora en los actuales instrumentos. Se hace nece-

saria, pues, una adaptación pianística, a través de diferentes recursos ornamentales

y técnicos, para alcanzar todo el potencial sonoro que esta música requiere y así lo

escucharemos hoy en esa Sarabanda con Variazioni que Kubrik inmortalizó en su

Barry Lindon y en la que la duplicación del bajo a partir de una trepidante serie de

octavas constituye la mejor aproximación al pianismo brahmsiano que monopoli-

zará la segunda parte del recital.

En medio de ambos, tres de las obras más representativas de los respectivos modelos

románticos de Schubert y Chopin. El Impromptu en Fa menor D nº supone

una excelente muestra del fuerte componente clásico de la música schubertiana en

la que, partiendo de una estructura muy próxima al mundo de la sonata, asistimos

a distintas referencias a los lieder del Viaje de Invierno a través de una escritura

que combina lo vocal con lo orquestal y en la que la ornamentación adquiere inu-

sitado protagonismo. Un entorno expresivo que alterna lo dramático con el lirismo

nostálgico y una constante alternancia tonal produce esa sensación intemporal tan

característica de la música de Schubert.

El Nocturno en Do menor op. nº constituye, probablemente, el punto álgido

del género dentro de la producción chopiniana, presentándose como un gran poema

trágico que combina la cultura de la marcha fúnebre con la tradición del coral y la

expansión emocional de la balada. Precisamente la Balada nº en Sol menor que

escucharemos a continuación, parece el mejor complemento a este Nocturno, que de

Quinto concierto - de agosto

esta manera hace las veces de preludio. Vocación narrativa, tono de leyenda e inde-

finición tonal en su arranque abren las puertas a un poema apasionado cuyo aliento

dramático convive con el lirismo emocionado y la melancolía profunda, servidos por

una escritura pianística de plenitud excepcional que pone a prueba la capacidad de

cualquier pianista.

Chopin rompe moldes en estas dos obras, de la misma forma que Brahms lo hace en

esas grandiosas Variaciones, en las que parece trascender de los esquemas formales y

asimismo la interpretación de Haendel al piano constituye en sí misma una apuesta

rompedora.

Que estos desafíos puedan ser asumidos por una pianista de 14 años rompe tam-

bién con todos los cánones establecidos y resulta posible tan sólo a partir de un

talento excepcional.

Francisco Jaime Pantín

Sexto concierto - de agosto

Sábad o, de agosto de

Sexto Concierto

Dolce Tormento

Programa

I Parte

Si la noche haze escura, D. Pisador (ca. - ca.)

Falai miña amor, L. Milà (ca. - ca. )

Al alba venid (Anónimo, Cancionero Musical de Palacio)Por unos puertos arriba (Anónimo, C.M de P)

Que me queréis caballero (Anónimo, C. M de P)Para que es dama tanto quereros, D. Pisador

Nunca más verán mis ojos, E. Daça (ca. - ca. )

Dezilde al cavallero, D. Pisador

Guárdame las vacas, L. Narváez (ca. - ca. )

II Parte

Folle è ben che si crede, T. Merula (ca. - )

L’amante segreto, B. Strozzi ( - )

Se l’aura spira, G. Frescobaldi ( - )

Canarios, G. Kapsberger ( - )

Novello cupido, B. Marini (-)

Che si può fare, B. Strozzi

L’amante segreto, B. Strozzi

Si dolce è il tormento, C. Monteverdi ( - )

Intérpretes

Dolce Rima

Paula Brieba del Rincón, tiorba y vihuela

Julieta Viñas Arjona, soprano

Dolce Rima

Sexto concierto - de agosto

Intérpretes

Dolce Rima. Julieta Viñas Arjona, soprano. Paula Brieba del Rincón, tiorba y vihuela. Dolce Rima fue fundado en por las intérpretes valencianas Julieta Viñas y

Paula Brieba cuyos caminos se cruzaron en la ciudad de Sevilla, atraídas ambas por

la agitación cultural de la considerada “capital de la Música Antigua” en España.

Nacido como dúo interesado especialmente en la conjunción poética y musical,

Dolce Rima hace un acercamiento a la cultura europea de los siglos XVI- XVII,

centrando su repertorio en el Renacimiento español de los vihuelistas, en el Barroco

español y en el Seicento italiano.

En la actualidad, Dolce Rima es un grupo de formación variable que cuenta con

asiduos colaboradores según las necesidades del programa abordado, como el

proyecto “Dulce memoria” en torno a Antonio de Cabezón y sus glosados en versión

para flauta, voz y vihuela, o el proyecto “Divino Ardor”, un ciclo de Cantadas religio-

sas hispanas a dos tiples y continuo para tiempos litúrgicos del S. XVIII cuyo motor

principal es la recuperación de patrimonio musical español de esta época.

En sus diferentes formaciones, Dolce Rima ha ofrecido numerosos conciertos por

toda la geografía española, en importantes festivales de Música Antigua entre los que

destacan “Cicle de Música a la Capella” en la Universidad de Valencia, el XII Festival

Internacional de Música Antiga i Barroca de Peníscola , el Festival de Música

Antigua de Alarcos (Ciudad Real y ), “Els Concerts a la Bene” del Centre

cultural La Beneficència de la Diputación de Valencia en y , XXIII Muestra

de Música Antigua “Castillo de Aracena”, Festival de Música Antigua de Casalarreina

, el Festival Internacional de Arte Sacro de Madrid o la XXXIV Semana de

Música Antigua de Álava. Colabora asiduamente con la empresa Engranajes Culturales

(Sevilla) en la gestación y desarrollo de diversos proyectos de ocio cultural creativo.

Entre sus trabajos para medios audiovisuales destaca su colaboración en la

sonorización del anuncio publicitario de la editorial de facsímiles exclusivos

“Scriptorium” realizado por Bocabadats Media (), y la selección e interpre-

tación de la música para la banda sonora del cortometraje “Ánima” (), de la

realizadora Bebé Pérez, protagonizado por Ana de Armas y Leandro Espinosa.

En realizan su primer trabajo discográfico dedicado a la música para voz y

vihuela del Renacimiento español, titulado “Al alba venid”, obteniendo una gran

acogida entre la crítica. Cabe destacar la reseña realizada en la revista de The Lute

Society of America por Michael Stover.

Dolce Rima ha sido finalista en la I Edición de los Premios gema en la categoría de

Joven Grupo y ganador del Premio Joven Grupo en la II Edición de los

Premios gema en junio de . Dolce Rima pretende rescatar páginas del pasado

atardeceres musicales

imprimiendo en su interpretación la vida y el sentir del presente, para así llegar a una

conexión verdadera con el espectador, de forma que cuando esto ocurre, el grupo

siente que el trabajo realizado ha merecido la pena.

Notas al Programa Es hielo abrasador, es fuego helado, es herida que duele y no se siente, es un soñado bien, un mal pre-sente, es un breve descanso muy cansado (...) F. Quevedo

El presente programa pretende ofrecer al público un acercamiento a dos épocas

contiguas en la Música Antigua de Occidente: el Renacimiento español de los

vihuelistas y el Seicento italiano, si bien diferentes por su geografía y por su práctica,

pero unidas ambas por un mismo hilo conductor: la poesía y sus tópicos universales

como el amor y el desamor. Pese a las diferencias en el estilo, en ambos períodos hay

una voluntad de movilizar los sentimientos, favorecida por el uso de la métrica y de

las figuras retóricas tomadas de la lírica clásica y de la italiana de Dante y Petrarca.

Es por ello que nos parece enriquecedor ofrecer una muestra de ambas visiones. De

la primera ofrecemos poemas populares extraídos de obras musicales polifónicas,

procedentes de cancioneros de la tradición hispánica, en transcripción de tablatura

para instrumento y voz realizada por los propios compositores para vihuela, mien-

tras que en la segunda presentamos piezas concebidas por sus compositores con la

intención de elevar la música al mismo nivel que el texto, –siguiendo el consejo de

in armonia favellare (“hablar con armonía [musical]”) de Caccini, desarrollado en el

prólogo de su libro Le nuove musiche ()– poniendo de manifesto el nuevo estilo

compositivo: la monodia acompañada. Así, con el oxímoron Dolce tormento, figura

retórica más representativa de estos siglos que sintetiza el goce atormentado de la

pasión vivido por grandes poetas y músicos del Renacimiento y del Barroco, damos

título a nuestro programa con el que deseamos transmitir nuestro entusiasmo por

el arte de estos dos siglos, haciendo de nuestra propuesta no sólo una experiencia

estrictamente musical, sino todo un acontecimiento estético para los sentidos.

Paula Brieba y Julieta Viñas

Séptimo concierto - de agosto

Sábad o, de agosto de

Séptimo Concierto

Las voces del alma

Programa

I parte

F. Guerrero “Sacro y profano”

Francisco Guerrero (Sevilla, -)Oh, celest ial medicina

Si tus penas no pruebo, oh Jesús míoTu dorado cabello, zagala míaOh, Virgen, cuando os miro

Tan largo ha sido en gast ar (inst rumental)Pan divino, graciosoPrado verde y florido

Oh, venturoso díaAntes que comáis a Diós

II parte

“Alrededor de la Madeleine, París”

Ubi cáritas gregorianoMaurice Duruflé (Louviers, - Louveciennes )

Ubi caritas Gabriel Fauré (Pamiers, -París, )

María, Mater gratiae Ecce fidele

Tantum ergo “Selva morale e spirituale”

Claudio Monteverdi (Cremona, -Venecia, )Crucifixus (inst rumental)

Adoramus te, Christ e Chi vol che m’innamori Confitebor tibi Domine

atardeceres musicales

Intérpretes

Ensemble Vocal & Instrumental del Collegium Musicumde la Basílica del Sagrado Corazón de Gijón

Juan María Cué, director

Ensemble vocal

Andrea Calvo Puente, sopranoEva Álvarez Peñalba, soprano

Natalia Lada Baragaño, mezzosopranoClara Muñoz Mier, mezzosoprano

Conchita García Palomino, contraltoRaquel Fernández Berdión, contralto

Oscar Castillo Arcila, barítonoNacho Gamazo Gredillo, barítono

Daniel Gutiérrez González, barítono

Ensemble instrumental

Rakel Castro Hermida, violínHelena F. Berdión, violín

Juan María Cué, violoncelloCarlos Álvarez, órgano

Úrsula Plata Berodas, vihuelaSantiago Basante, guitarra renacentista

Ensemble Vocal & Instrumental del Collegium Musicumde la Basílica del Sagrado Corazón de Gijón

Séptimo concierto - de agosto

Intérpretes

Collegium Musicum de la Basílica del Sagrado Corazón de Gijón

Ensemble Vocal e Instrumental

El proyecto del Collegium Musicum del Sagrado Corazón de Gijón nace durante el invierno de - como iniciativa del nuevo Rector de la Basílica D. Víctor M. Cedrón para cubrir el espacio que había dejado la desaparecida Escolanía de la Basílica. El Ensemble Vocal es parte del proyecto global para dotar a la Basílica de una serie de conjuntos que participen en las diferentes celebraciones Eucarísticas y tuvo su debut el pasado día de junio con motivo de la festividad del Sagrado Corazón, en un Oficio presidido por el Arzobispo de Asturias D. Jesús Sanz Montes. El conjunto está integrado exclusivamente por intérpretes profesionales

de Asturias. El repertorio del Ensemble comprende desde el renacimiento hasta la

música contemporánea. El director es el compositor y violoncellista Juan María Cué.

Notas al Programa

Francisco Guerrero. Sevilla -. Como niño cantor de la catedral de Sevilla comenzó su formación con el maestro de capilla Pedro Fernández de Castilleja y la continuó en - en Toledo con Cristóbal Morales. Entre y fue maestro de capilla en la Catedral de Jaén. Ese año entra como segundo maestro de la Catedral de Sevilla. Fue un viajero incansable y persona de relieve social. Pudo conocer a Felipe II, estuvo en Segovia con motivo de la boda de Felipe II con la princesa Ana de Austria, y a Sebastián de Portugal. En el accidentado viaje a Tierra Santa cayó cautivo en manos de los piratas y tuvo que ser rescatado. El libro El viage de Hierusalem (“El viaje de Jerusalén, que hizo Francisco Guerrero, racionero y maestro de capilla de la santa iglesia de Sevilla”) narra esta aventura, fue publicado en y tuvo un gran éxito popular. A pesar de ello, asediado por las deudas por la publicación de sus obras, en agosto de se dicta un auto de prisión contra él. El cabildo sevillano, en atención a los servicios prestados por Guerrero, accede a pagar sus deudas con lo que se le permite abandonar la cárcel.Guerrero, uno de los grandes maestros de la escuela andaluza del Siglo de Oro español, fue en vida muy admirado y querido hasta el extremo que varios de sus contemporáneos como Góngora o Lope de Vega lo citan en sus obras. Consideraba que la música polifónica debería formar parte de las ceremonias religiosas, una mú sica al servicio del texto, que lo enriqueciera y diera mayor expresividad. En su lenguaje musical empleaba el contrapunto con gran maestría, en especial las formas fugadas y canónicas.La mayoría de su producción es de música sacra, si bien en su juventud escribió algunas obras profanas, aunque sólo autorizó su edición junto con textos religiosos. En esta se encuentran motetes, utilizados especialmente en festividades religiosas, misas a cuatro y cinco voces, dos Magnificat, varias pasiones y libros de salmos e himnos.

atardeceres musicales

Además del canónico latín en sus obras vocales empleaba también el castellano, idioma en el que se cantan las obras que se interpretan en este concierto.De acuerdo con Juan Cué: “hay versiones sacras y profanas de dos piezas, siguiendo la línea del Ciclo de este año”.

Maurice Duruflé. Louviers -Louveciennes .Comenzó como niño cantor en la catedral de Ruan donde también aprendió piano y órgano. A los años, en , ingresa en el Conservatorio de París. Pronto empieza a ser reconocido con premios de la institución: en el º de órgano; en , el º de armonía; en , el º de acompañamiento pianístico; en , el º de composición; en , el º de fuga y el º de composición. Con este curriculum logra el nombramiento, en , de asistente de Louis Vierneen Notre-Dame de París, donde permanece hasta , cargo que compatibiliza desde con el de organista titular de la iglesia de Saint-Étienne-du-Mont de París. En estrena como organista el Concerto pour orgue de Poulenc. En ingresa como profesor de composición del Conservatorio de París, puesto que desempeñará hasta .Su obra más conocida, el Réquiem Opus para coro, solistas y orquesta data de . Además de las deudas con el Requiem de Fauré, está muy influido por el canto gregoriano y por la música del Renacimiento. Ubi caritas et amor, fue compuesto en . Como es habitual en él, hace uso del canto llano tradicional latino pero solo en el estribillo y la primera estrofa. Al igual que Guerrero, Duruflé pone la música al servicio de la letra, la que trata de remarcar y resaltar, si bien la obra no carece de complejidades armónicas Ese canto llano es entonado por las contraltos y sustentado por las otras voces, con unas audacias armónicas sorprendentes. Una obra luminosa y de una suavidad intensa.

Gabriel Fauré. Pamiers, -París, .Fue compositor, pedagogo y pianista francés. En el destacan las cualidades de la música francesa: elegancia en la escritura, perfección en la forma, constante búsqueda de la belleza e intenso melodismo. Tuvo mucha influencia en la evolución de la música francesa desde el Romanticismo hacia la modernidad del siglo XX representada por Claude Debussy y Maurice Ravel. Como compositor, Fauré destacó sobre todo en la creación de música de cámara y de melodías para voz y piano. Mientras Fauré disfrutaba de mucho reconocimiento en Francia, su prestigio en el extranjero tardó en llegar. Incluso el Requiem, una de las obras más conocidas, no llegó a tener éxito hasta la década de . La Op consiste en un O salutaris para voz solo y la obra que será interpretada, Maria, mater gratiae para dos voces, tenor y barítono, acompañada de órgano. Compuesta en tras finalizar el Requiem su estreno tuvo lugar en la Madeleine. Más tarde lo arregló para soprano y mezzo. De acuerdo con Juan Cué: “Fauré muy alejado de las élites parisinas de los cafés, como si la iglesia de la Madeleine de París fuese un refugio donde los compositores huyen de las modas y el frenético ambiente cultural parisino

del último curato del XIX. Son piezas muy intimistas y de gran belleza”.

Organiza

Asociación Ciudadana Círculo Cultural de Valdediós

Con la financiación de

Consejería de Educación y Cultura del Principado de Asturias

Ayuntamiento de Villaviciosa – Caja Rural de Asturias

Entidades colaboradoras

CMC XXI - Valle, Ballina y Fernández – Industrias Lácteas Asturianas

Sella Financing – Fundación EDP

Caleras de San Cucao, S.A. – Globesalud

Con el agradecimiento al

Arzobispado de Oviedo y a la Comunidad de Carmelitas Samaritanas

del Sagrado Corazón de Jesús de Valdediós

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