CONTEXTO HISTORICO CULTURAL DE LA PRIMERA MITAD DEL

SIGLO XX

El presente trabajo literario desarrollará una visión de la revolución cultural que se

llevó a cabo en la primera mitad del siglo XX, dentro de la cual surgió la novela “La

Región mas Transparente” de Carlos Fuentes, que retrata al México de esa época

durante el desarrollo artístico de esta obra, ya que a través del relato de la historia y

vida de sus personajes se mencionan lugares, facetas, ambientes y contextos

referentes a esta revolución cultural.

Antes que nada será necesario deducir lo que es la revolución cultural, la cual

puede entenderse como cualquier corriente artística, filosófica y estética que

proponga y exponga expresiones creativas innovadoras, originales o libres y que de

alguna manera resultan antagónicas al canon o tradición cultural establecida a la

que los partícipes de tal revolución consideran retrógrada, alienante o asfixiante. Es

lo que se entiende por contracultura, pero cuando esta logra influenciar o incluso

transformar de una manera más o menos notable el entorno social, pero no por

haberse hecho una moda sino por crear conciencia. Usualmente están vinculados o

simpatizan con alguna visión política disidente o de crítica social ya que consideran

que la libertad cultural es un requisito para una sociedad libre y muchas veces

oponen la revolución cultural a la revolución industrial y el capitalismo por el hecho

de que aquella mecanizó la vida y la masificó despojándola de sus propios

creadores (los seres humanos) y el otro ha convertido todo en banalidad, mercancía

y por tanto objeto tan sólo de consumo por lo que de alguna forma los partícipes de

este movimiento cultural alternativo intentan lo que a su criterio sería devolverse a sí

mismos y a las demás personas la vitalidad perdida, no es un rechazo a la máquina

o a la producción económica sino a la maquinización y mercantilización de los

modos de vida.

En el siglo XX la ciencia y la tecnología se desarrollan a pasos agigantados;

los transportes en sí los medios de comunicación, ganan tiempo al tiempo; las

disputas neocoloniales, propician gobiernos militaristas. En sí, el siglo XX representa

los aspectos más complejos, que en ninguna otra centuria se había dado: guerras,

revoluciones, ciencia, etc. deja muy poco tiempo para apreciar la belleza, los

cánones de la estética tradicional se han perdido y el artista se interesa por lo nuevo;

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la tecnología también aportó nuevos materiales de trabajo, como el cristal, el acero,

la madera laminada, etc. el utilitarismo rebasa el ornamento. Lo espiritual está

también en crisis; se da un acercamiento entre artes mayores y menores, pues todos

sienten la capacidad de desarrollar sus facultades en cualquier campo. La ética que

tanta importancia tuviera, es hoy adaptada a la sociedad de consumo; pero a pesar

de que el artista del siglo XX rompe con el pasado, es un heredero ancestral de la

cultura de miles de años.

ARTES PLÁSTICAS

En la pintura del siglo XX, surgen varias tendencias básicas para su desarrollo

entre las cuales están:

Fauvismo: (del francés fauve pronunciado "fov": fiera), término español para

denominar el estilo pictórico de características expresionistas tales como el uso de

colores intensos, principalmente el verde. Destaca sobre todo por ese cromatismo

antinatural. Buscan la fuerza expresiva del color aplicando colores distintos a los que

pueden verse en la realidad, por ejemplo, árboles amarillo limón o rostros de color

verde esmeralda.

Como movimiento expresionista apareció con una base de protesta opuesto al

Positivismo, al Naturalismo y al Impresionismo. Sus principales influencias vienen de

Paul Gauguin y de las ideas de Zola, Nietzsche, Stirner y Huysmans. Aunque

concebían la actividad artística como un impulso vital, el punto de partida fue la

resolución de problemas puramente plásticos, como el uso del color en una función

plástica y constructiva al mismo tiempo. El maestro del grupo fue Gustave Moreau,

en cuya escuela estudiaron Matisse y Rouault, Marquet, Manguin, Camoin y Puy.

Moureau no enseñaba ninguna doctrina sino que forzaba a sus alumnos a pintar con

independencia y con la técnica que fuera más adecuada a su temperamento. De la

obra de Gauguin aprendieron la libertad en el uso del color, que llevaron al extremo

(los colores como cartuchos de dinamita, que diría Derain), así como la liberación del

temperamento y el instinto personal. También admiraban la capacidad de síntesis y

el sentido decorativo de la obra de Gauguin. Para los fauvistas el cuadro debía ser

expresión y no composición y orden.

Arte abstracto: Dentro de esta tendencia, cada artista deja toda la libertad a lo

imprevisto de las materias (gusto por la mancha y por el azar) y a la aleatoriedad del

gesto, rechazando el dibujo y el control, así como la concepción tradicional de la

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pintura y su desarrollo, que va de la idea a la obra terminada, pasando por los

esbozos y los proyectos; es una obra abierta que el espectador puede leer

libremente. La aventura pictórica es completamente nueva: en vez de ir de un

significado para construir signos, el artista comienza por la fabricación de signos y

da a continuación el sentido.

Las características plásticas de esta pintura son: la espontaneidad del gesto,

el automatismo, el empleo expresivo de la materia, inexistencia de ideas

preconcebidas, la experiencia de lo hecho hace nacer la idea, la obra es el lugar y el

momento privilegiado en que el artista se descubre; es el final de la reproducción del

objeto para la representación del tema que se convierte en la finalidad de la pintura,

con un aspecto a veces caligráfico, pudiendo hablarse de una (Abstracción

caligráfica).

El muralismo: nació en un momento en el que el marximo estaba en plena

ebullición. Los ideales marxistas estaban muy presentes en los países

latinoamericanos y en México en particular que había vivido su revolución en 1910.

Comenzó así un proceso en el que se quería acercar el arte al pueblo retomando el

arte autóctono, azteca y maya dejando de lado el academicismo europeo que era el

que imperaba hasta ese momento. En 1922 se fundó el Sindicato de Pintores,

Escultores y Obreros Intelectuales, desde el cual se apoyaba la importancia de la

comunidad frente a la individualidad que se había dado en la América precolombina,

reivindicando el cambio de las bases de la economía mexicana sobretodo en lo

referente a la propiedad de la tierra , tal como preconizaba la revolución de 1910.

Después de un proceso en el que cada vez más desde el gobierno se apoyó

la identidad nacional, José Vasconcelos, Secretario de Instrucción Pública, cedió

espacios públicos para que los artistas Diego Rivera, José Clemente Orozco y David

Siqueiros entre otros, pudieran realizar murales que pudieran contemplar todas las

personas, incidiendo mucho en las clases trabajadoras que no tenían posibilidad de

acceder a la cultura. Así en 1922 se inició la andadura del muralismo mexicano

decorando la Secretaría de Educación y la Escuela Nacional Preparatoria. Los

murales tenían gran tradición en la América precolombina, recordemos los murales

de Teotihuacán por lo que no extraña que retomaran este tipo de arte al intentar un

renacimiento del arte indígena. Se trataba de aleccionar al pueblo a través de los

murales tal y como había ocurrido en el pasado.

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Diego Rivera (1886-1957): había estudiado en Italia a los muralistas del

Renacimiento, especialmente a Giotto, que le influyó en la utilización de tintas planas

y en su estilo narrativo. Rivera sugería las formas y volúmenes mediante las

aplicaciones de juegos de contrastes entre las luces y las sombras. Como sus

compañeros trató de captar en su obra la esencia mexicana.

José Clemente Orozco (1883-1949): estuvo muy comprometido con la

revolución mexicana. A Orozco lo podemos relacionar con el movimiento

expresionista, en cuanto a que no estaba tan interesado tanto en el color o en la

forma como en plasmar el sufrimiento y la opresión del pueblo.

José David Alfaro Siqueiros (1896-1974): estuvo muy comprometido

políticamente, tanto que fue encarcelado en siete ocasiones. Varios movimientos de

principios de siglo influyeron en su obra, el expresionismo, al igual que en el caso de

Orozco pero también el futurismo y el surrealismo. Sus obras destacaron por el

intenso empleo del color y por su utilización de la perspectiva de una manera muy

intensa.

Hay que añadir que los muralistas mexicanos contribuyeron al

perfeccionamiento de la técnica mural utilizada en el Renacimiento, ya que tuvieron

que buscar los medios para adaptar la técnica a la climatología ya que en muchos

casos las obras se pintaban en el exterior. Se dieron cuenta que la pintura al óleo o

el fresco no podía soportar la intemperie y comenzaron a desarrollar la pintura

acrílica que debido a sus componentes permanecía estable ante cambios climáticos

y además se secaba rápidamente.

MÚSICA

En lo referente a la música encontramos una tendencia nacionalista que

comienza en la década de los años 30, la cual fue fructífera, y podría definirse como

la culminación de optimismo cultural inspirada por la revolución. En la obra de Pablo

Moncayo, se nota un arreglo sinfónico de melodías tradicionales (a la manera del

nacionalismo romántico del siglo pasado); con Silvestre Revueltas, apenas se hace

una que otra alusión folklorizante; su partitura es un ejemplo de nacionalismo

moderno, que ha llevado su contenido tradicional, a un estilo tan personal como

avanzado. En cambio la obra de Chávez (aunque cercana a la de Revueltas), fue

escrita con un objetivo similar a la de Gebrauchsmusik de Hindemith; para el uso de

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los grupos corales populares que, como se creyó en aquella época, en pocos años

iba a proliferar y a contribuir al urgente saneamiento de la música mexicana.

José Pablo Moncayo (1912-1958): el huapango fue estrenado el 15 de Agosto

de 1941, por la Orquesta Sinfónica de México. Podría definirse como un popurrí de

huapangos veracruzanos; pero la manera de presentarlos y organizarlos, unida a

una brillante orquestación, lo ha convertido merecidamente en una de las piezas

más populares del repertorio mexicano, al grado de presentarse como el segundo

Himno Nacional. Desgraciadamente esta popularidad ha eclipsado otras obras

sinfónicas igualmente valiosas de Moncayo.

Silvestre Revueltas (1899-1940): puso música en la última época de su vida a

varias películas de corto y largo metraje. Algunas de sus partituras se convirtieron en

suites de concierto, como entre “Música para Charlar”, “la Noche de los Mayas y

Redes”. La música de Redes.

La XEW: Desde su primera transmisión, fue penetrando sistemáticamente

todos los territorios del país. Gracias a ésta, el bolero mexicano tuvo un gran auge

de 1930 a 1960 y logró traspasar fronteras y hacer famosos a Agustín Lara, Pedro

Vargas, Pedro Infante, por mencionar sólo algunos.

El bolero mexicano llegó hasta Colombia cuando en la Segunda Guerra

Mundial Estados Unidos no podía enviar discos a América Latina, la XEW con su

amplio catálogo de artistas cubrió a la perfección la falta de producciones

discográficas. Por ese motivo, la XEW fue reconocida a nivel mundial como la

radiodifusora más grande de toda América Latina. Con el paso de los años las

campanas de identificación de la XEW, emitidas por un xilófono, dieron preámbulo a

los más grandes locutores de la época quienes desde su cabina, sabían promover la

cultura, la información y el esparcimiento. A la par de la historia de la radio surgieron

los anuncios comerciales. La primera empresa que realizó los estudios de mercadeo

y rating, que en aquel tiempo se le conocía como ‘encuesta casa por casa’, fue la

Colgate Palmolive. Dichos estudios arrojaban como resultado que en la mayoría de

los hogares de la capital del país sintonizaban la XEW, por lo que ambas empresas

llegaron a un acuerdo de comercialización muy importante en aquellos años.

Entre 1934-1958 poetas, literatos e intelectuales escribían guiones,

radioteatros y ‘jingles’ para ‘La Voz de la América Latina desde México’. Xavier

Villaurrutia, Salvador Novo, Alfonso Reyes, Ángel Rabanal, Chucho Elizarrarás,

Mauricio Magdaleno, Ricardo López Méndez, entre muchos otros elaboraban

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ingeniosos ‘jingles’ que atrapaban la atención de los consumidores, y que con el

paso de los años se convirtieron en clásicos. Uno de los ejemplos más notorios es el

escrito por Fernando Gónzalez Oviedo: ‘Mejor, mejora Mejoral. En la década de los

30, la XEW producía y transmitía algunas radionovelas; pero su auge llegó a partir

de marzo de 1941, gracias a la serie Ave sin nido, La vida apasionante de Anita de

Montemar, protagonizada por Emma Telmo. Para septiembre de ese mismo año

comenzó la transmisión de obras seriadas como: Lo que el viento se llevo, La vida

de Gloria, La dramática historia de Francisca Velasco, Los tres Mosqueteros

(segunda versión), entre muchas otras.

A partir de ese año la “Catedral de la Radio” comenzó a transmitir cinco

radionovelas al día que cautivaban al público de la W, entre ellas una de las más

famosas en la historia de este género: Chucho el roto. En los años 50 el éxito de las

radionovelas era indudable. Era la ‘hora de la comedia’, y las secretarias, amas de

casa, telefonistas, obreras, etc. sintonizaban la estación para escuchar vidas de

otros, que si bien no eran ciertas, arrancaban gritos, lágrimas, sollozos, lamentos,

risas y demás sentimientos a la menor provocación. El valor cultural de las

radionovelas o radio dramatizaciones era que tenían una función moralizante, es

decir, al cierre de cada capítulo el radioescucha se quedaba con una moraleja que

de una u otra forma adaptaba a su vida cotidiana, tal y como había adaptado las

demás producciones de la W radio.

CINEMATOGRAFÍA

En lo concerniente al cine, la época de oro significó la consolidación de los

esfuerzos realizados por cientos de personas para constituir la industria del cine

mexicano. Durante dos décadas, el cine mexicano gozó de un período de esplendor

y sus directores realizaron un gran número de películas que hoy son consideradas

joyas de la cinematografía nacional. Los directores mas destacados son:

Emilio Fernandez (1904-1986): apodado “el Indio”. El mito, la leyenda y el

genio se combinaron en este pintoresco personaje, bronco como un caballo salvaje

pero capaz de la ternura más cursi. El cine le llegó como consecuencia y lo convirtió

en el más célebre director del cine mexicano. Aunque los orígenes de la carrera de

Emilio Fernández se pierden en el mar de contradicciones que el mismo director

generó en sus múltiples declaraciones a la prensa y a sus biógrafos, es cierto que el

"Indio" se involucró en el quehacer cinematográfico a finales de los años veinte,

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durante su estancia en Hollywood. Sus participaciones como "extra" en la Meca del

cine lo llevaron a relacionarse con varios de los mexicanos que trabajaban en

aquella ciudad, muchos de los cuáles volverían a México unos años después para

integrarse a la naciente industria del cine nacional.

Alternando su carrera de actor con la de guionista, Fernández consiguió darse

a conocer en el naciente mundillo cinematográfico mexicano de los primeros años

del sonoro. Para 1936 ya había escrito el guión de La isla de la Pasión (Clipperton)

(1941), película que señalaría su debut como director. Realizada gracias al apoyo de

Juan F. Azcárate (un militar convertido en productor de cine) la primera cinta del

"Indio" obtuvo un éxito modesto pero suficiente para cimentar su carrera como

realizador. Dos años más tarde, Fernández se apuntaría éxitos consecutivos con

Flor silvestre (1943) y María Candelaria (1943). Durante los siguientes cinco años,

Emilio Fernández consiguió algo que ningún director mexicano hasta entonces había

logrado crear una estética propia influido por Eisenstein, John Ford y la pintura de

Diego Rivera y José Clemente Orozco y con la invaluable colaboración del fotógrafo

Gabriel Figueroa, el guionista Mauricio Magdaleno, la editora Gloria Schoemann y

los actores Dolores del Río, Pedro Armendáriz, María Félix y Columba Domínguez,

entre otros. El "Indio" construyó un México cinematográfico de nubes, magueyes,

haciendas y claroscuros que se convirtió, para bien o para mal, en la imagen de

nuestro país en el resto del mundo. La "fórmula" del cine de Emilio Fernández no

logró sobrevivir más allá de una década, pero su inolvidable presencia y constante

actividad lo convirtieron en un símbolo de continuidad para una maltrecha industria

cinematográfica que daba tumbos sin lograr recuperar su antiguo prestigio. En los

años setenta, con el apoyo del Estado, Fernández lograría filmar sus cuatro últimas

películas, ninguna de las cuales aportó mucho a su dispareja filmografía. Su

leyenda, sin embargo, estaba firmemente enraizada en el imaginario fílmico

mexicano, el cual no podría existir sin la presencia del "Indio" Fernández.

Ismael Rodríguez (1917-2004): inquieto, imaginativo, audaz y poseedor de un

inigualable olfato para el éxito taquillero; Ismael Rodríguez fue, indiscutiblemente, el

cineasta del pueblo mexicano. A los nueve años emigró con su familia a Los

Ángeles, California, donde sus dos hermanos mayores, Roberto y Joselito,

desarrollaron un sistema de cine sonoro. Regresaron a México para trabajar en la

película Santa (1931) de Antonio Moreno, en la que Ismael hizo una pequeña

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aparición. Tras realizar distintas labores de tipo técnico, Rodríguez debutó como

director con la cinta ¡Qué lindo es Michoacán! (1942).

Con sus hermanos, fundó Películas Rodríguez, empresa productora de larga

y exitosa trayectoria. Cineasta popular por excelencia, entre sus méritos está el

haber aprovechado las posibilidades histriónicas de Pedro Infante, actor al que

dirigió en dieciséis ocasiones, entre ellas, las comedias rancheras Los tres García

(1946) y Vuelven los García (1946) y los melodramas urbanos Nosotros los pobres

(1947), Ustedes los ricos (1948) y Pepe El Toro (1952), trilogía que alcanzó la

categoría de mito. Además de diversos reconocimientos nacionales e

internacionales, Ismael Rodríguez recibió en 1992 un Ariel de oro por la

trascendencia de su obra.

Luís Buñuel (1900-1983): a este cineasta le gustaba jugar con la idea de que

la casualidad fue la que lo trajo a México en 1946. Exiliado en los Estados Unidos

desde el triunfo del franquismo en España, el realizador de La edad de oro (1930)

trabajaba en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York como colaborador

de un comité de propaganda anti-nazi destinado a los países de América Latina.

Decidido a establecerse en América, Buñuel estaba a punto de adquirir la

ciudadanía norteamericana cuando se vio sin trabajo debido a una indiscreción

cometida por su antiguo amigo Salvador Dalí. Sin dinero ni proyectos, Buñuel acudió

a una cena en casa del cineasta René Clair en la que se encontró con Denise Tual,

viuda del intérprete de Un perro andaluz (1928). Tual tenía el proyecto de producir

en Francia una versión fílmica de "La casa de Bernarda Alba" de García Lorca y

propuso a Buñuel que la dirigiese. Aunque reticente en un principio, el cineasta

terminó aceptando el proyecto y comenzó a preparar su retorno detrás de la cámara.

Como la productora tenía que regresar a París pasando por México, Buñuel la

acompañó sin imaginarse que ese primer viaje suyo a un país latinoamericano

cambiaría su vida para siempre. Tras cancelarse el proyecto de filmación, el cineasta

se encontró en un país extraño que lo recibió con los brazos abiertos. En una

reunión, Buñuel conoció al escritor Fernando Benítez, entonces asistente del

secretario de gobernación del régimen de Miguel Alemán. Conocedor de su obra,

Benítez invitó a Buñuel a quedarse en México y le concertó una cita con el ministro,

quien le reiteró la invitación. De esta manera, en unos cuantos días, Luis Buñuel se

encontraba a punto de dirigir la primera de las veintiún cintas que filmaría en nuestro

país. Denise Tual lo había presentado con Óscar Dancigers, un productor francés

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que había emigrado a México huyendo de la persecución nazi. Aclimatado en la

pujante industria de la época de oro, Dancigers estaba preparando la producción de

Gran Casino (1946), filme con el que debutaría en México la estrella argentina

Libertad Lamarque. Esta cinta, primera dirigida por Buñuel en México, resultaría ser

un enorme fracaso y la causante de que no volviese a dirigir en tres años.

Buñuel estaba a punto de olvidarse del cine cuando el mismo Dancigers le

pidió que se hiciera cargo de la dirección de El gran calavera (1949) un vehículo

comercial para el lucimiento de Fernando Soler. El éxito de esta comedia sin

pretensiones (aunque llena de detalles buñuelianos) animó a Dancigers a aceptar el

proyecto de Los olvidados (1950), un filme más personal y arriesgado que levantó

ámpulas entre periodistas e intelectuales mexicanos al mismo tiempo que consagró

al cineasta en el panorama internacional. Quizás el detalle más significativo

alrededor de estas apreciaciones radique en la decisión tomada por Buñuel de

nacionalizarse mexicano en 1949. A pesar de que en sus años más gloriosos tuvo

diversas oportunidades de trasladarse a vivir en otros sitios, Buñuel continuó siendo

fiel a su modesta casa de la colonia del Valle de la Ciudad de México, en la que vivió

hasta los 83 años.

CONCLUSIONES

Durante la elaboración de este trabajo se ha observado que en México a

finales del siglo XIX y principios del XX, existe un periodo que se caracteriza por

dotar de nueva energía el arte a través de nuevas ideas. Se le denomina arte nuevo

y modernismo, y tuvo una marcada influencia francesa. En la pintura, se desarrolla

un estilo que ignora los cánones académicos dominantes en el siglo XIX; para

representar imágenes subjetivas, eliminando el detalle y simplificando aun mas los

elementos de la composición. El arte nuevo o sientetismo francés en la pintura,

estuvo presente en México en el pincel de Saturnino Herrán, el impresionista

Joaquín Claussel y Gerardo Murillo (Dr. Atl). Saturnino Herrán incluye en su temática

la vida nacional con sus tradiciones, fiestas, historia, etc; sus personajes son con

fisonomía mestiza o criolla, manifestando una clara visión entre la cultura indígena y

española. Se inicia una tendencia de nacionalización que comenzó en las artes, con

el paisajista José Maria Velazco que vio la necesidad de llevar temas locales a la

pintura; necesidad que surgió tanto por el ambiente, como por la corriente llamada

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“costumbrismo”, reflejando nuestras raíces y nuestra identidad como nación

independiente.

Se manejan sentimientos de libertad en las artes plásticas los cuales se

manifiestan en el uso del color, mediante el cual se dejaban escapar emociones,

temperamento, personalidad e instinto del artista, plasmando el sufrimiento y la

opresión del individuo y del pueblo; por esta razón, la pintura entre las demás artes

se consideraba vital para el ser humano, ya que era una manera armónica de

expresar los sentimientos de libertad e independencia que durante este siglo

tuvieron mayor auge. De esta forma se tiene la concepción de que todos tenemos el

derecho de expresarnos, de sentir, de vibrar y transmitir y contagiar estos

sentimientos a los demás, tratando de crear conciencia sobre la libertad que todos

debemos tener como individuos y como nación.

Mientras se desarrolla la acción central de la novela (1946-1952), en esos

mismos años la música toma gran importancia y aparece una tendencia nacionalista

y optimista inspirada por la revolución. El Huapango y el bolero son los géneros que

toman gran auge en aquella época, mientras que en el género romántico aparecen

grandes exponentes; tal es el caso de Agustín Lara, Pedro Vargas y Pedro infante.

La radio juega un papel muy importante en la difusión de la música, pero también en

la difusión de un nuevo fenómeno, la radionovela, que tiene sus mayores éxitos en la

década de los cincuenta y la más representativa de todas es “Chucho, el Roto”.

Como se observa este es el contexto en el que se desenvuelven los personajes de

la novela “La Región más Transparente” lo cual complementa las acciones y

ambientes en los que se desarrollan las escenas.

Dentro de la cinematografía nacional podemos ver un estilo y una época del

cine la cual fue llamada “La época de oro”. Estilos inigualables y una forma

excepcional de ver las cosas, por parte de los directores, fue lo que hizo posible

reflejar en la pantalla las diferencias sociales que existían en ese momento; un matiz

de injusticia social, donde la clase humilde, sencilla, fue seleccionada para plasmar

su vida y la cotidianidad de esta frente a las adversidades de un México en pleno

desarrollo, tanto político y social como artístico y literario, esto se logró gracias al

proceso de contacto que tuvieron los directores con la cultura, el folklore y la

problemática del país. El avance y esplendor del cine mexicano llego a tener un

reconocimiento a nivel internacional durante los años 40 y 50 principalmente, el cual

nunca mas ha podido ser igualado.

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BIBLIOGRAFÍA

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