Danza Moderna

Origen:

La danza moderna se origina en una época de muchos cambios. A principios del siglo XX, el mundo empezó a experimentar cambios drásticos a nivel social, político y económico. La era agrícola quedó atrás en muchos países europeos y en Estados Unidos. La industrialización echó raíces en la economía. Las monarquías de antaño perdieron su poder totalitario. No es casualidad que la danza moderna—una danza que busca la libre expresión del creador—surja en este ambiente de cambios drásticos. Bailarines, tanto en Europa como en Estados Unidos, comenzaron a experimentar con nuevas formas de danza que no respondían a ninguna regla establecida.

Historia:

La danza moderna es un género de danza que se basa en la interpretación y visión individual del bailarín o coreógrafo. Esta expresión artística se empieza a forjar a principios del siglo XX y rompe con las reglas y criterios del ballet clásico. Sus movimientos son una expresión libre y fluida de estados, emociones, metáforas o ideas abstractas. No sigue pasos ni movimientos estructurados de antemano. A diferencia de la danza clásica—cuyos movimientos son aéreos y elevados—la danza moderna tiene un lenguaje corporal orgánico. Sus movimientos se arraigan a la tierra, se balancean siguiendo los principios anatómicos del cuerpo, y buscan expresar la verdad del creador.

¿Cómo se baila?

En la danza moderna el bailarín, o coreógrafo, crea los movimientos de su danza usando sus emociones, estados de ánimo, visión artística y/o ideas. Su danza puede ser abstracta o narrativa, simbólica o metafórica, o simplemente basada en la improvisación.

En la danza moderna no existe el concepto de pasos estructurados que se aprenden de antemano para crear una danza. En vez, el bailarín o coreógrafo usa las diferentes técnicas de danza moderna que ha aprendido para crear una danza. El bailarín descubre esta expresión corporal en su cuerpo y en el espacio. Sus ideas, metáforas, emociones, símbolos y/o estados son el contenido de su danza.

A pesar de que no existen pasos estructurados en la danza moderna. el lenguaje de la danza moderna tiene características específicas que lo diferencian de otros tipos de danza, como las siguientes:

Fuerza de gravedad El bailarín juega con la fuerza de gravedad. Usa el peso de su cuerpo para crear diferentes dinámicas de movimiento. Ejecuta movimientos a diferentes niveles y encuentra el punto de balance en esos diferentes momentos. Pierde y recupera el balance, hace caídas al suelo y saltos. 

Trabajo de suelo El bailarín usa el suelo como parte de su espacio coreográfico. En la danza moderna se exploran todas las posibilidades de movimiento que se puedan hacer sobre el suelo en diferentes posiciones. 

Movimientos naturales En la danza moderna los movimientos son naturales y libres. Surgen de una manera orgánica siguiendo las curvaturas naturales de la espina dorsal y los principios anatómicos del cuerpo. Casi todas las técnicas de danza moderna basan sus movimientos en la soltura corporal y flexibilidad. 

Respiración Los bailarines de danza moderna coordinan sus movimientos con la respiración. 

Ritmo A pesar de que la danza moderna no está asociada a ningún tipo de música, la danza moderna utiliza el ritmo en su composición. El bailarín puede jugar con diferentes patrones rítmicos en sus movimientos, ya sea con música o sin música. 

Calzado En la danza moderna se baila casi siempre descalzo. Pero también se puede bailar con el tipo de zapato que requiera la coreografía en específico.

Ballet Clásico

Origen:

El ballet se originó a finales del siglo XV, a partir de los números de danza que se representaban en los festines de las cortes italianas. Estos elaborados espectáculos que desprendían pintura, poesía, música y danza, tenían lugar en grandes salas que se utilizaban tanto para banquetes como para bailes. Su contenido era normalmente alegórico-mitológico.

Historia:

El ballet o danza clásica es un género dramático cuya acción es representada por medio de pantomimas y danzas. Es, también, el nombre específico dado a una forma concreta de danza y su técnica. Según las épocas, los países o las corrientes el espectáculo coreográfico puede incluir: danza, mímica, texto y música (de orquesta y coral), decorados y maquinaria.

También se utiliza el término ballet para designar la pieza musical compuesta, a propósito, para que sea interpretada por medio de la danza.

¿Cómo se baila?

El bailarín debe conocer y manejar a la perfección su propio cuerpo, desarrollar el tono muscular adecuado, fuerza y resistencia, además de una postura adecuada para mantener en condiciones su estructura ósea. La danza en puntas empezó a desarrollarse, aunque los bailarines se ponían de punta sólo unos instantes, ya que aún no se habían inventado las zapatillas de punta dura.

Danza Contemporánea

Origen:

La danza contemporánea surge como una reacción a las formas clásicas y probablemente como una necesidad de expresarse más libremente con el cuerpo. Es una clase de danza en la que se busca expresar, a través del bailarín , una idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales propios del siglo XX y XXI. Su origen se remonta hasta finales del siglo XIX.

Historia:

En los inicios se buscaba una alternativa a la estricta técnica del ballet clásico, empezaron a aparecer bailarines danzando descalzos y realizando saltos menos rígidos que los tradicionales en el escenario. Con el tiempo, fueron apareciendo variaciones en las que la técnica clásica brillaba por su ausencia e incluso se introducían movimientos de otros estilos de baile, como movimientos aflamencados, movimientos tribales, acrobacias o body contact. Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, este renovado estilo de danza se llamó danza moderna, pero su evolución desde finales de los años 1940 en adelante llevó a que se prefiriese a partir de entonces emplear la expresión danza contemporánea. Hoy en día, las técnicas modernas dejan paso a un torbellino de mezclas de estilos, llegándose incluso a no dejar claro a qué estilo se asemeja o qué patrones se siguen. Se dice[que en la danza contemporánea (hoy día) "todo vale"

Se pueden distinguir en los inicios dos escuelas, la Americana y la Europea. Una característica distintiva es el uso de multimedia para acompañar las coreografías, como video e imágenes usados de fondo. La danza clásica tiene una dramaturgia con principio, clímax y desenlace. La danza contemporánea puede seguir esta estructura o bien, contar historias de una forma no lineal.

La danza contemporánea puede hablar de un concepto, proponer un ambiente o presentar movimientos con el propósito de conseguir una estética determinada, no siempre tiene que contar una historia. Por otro lado, la danza clásica se construye a través de pasos ya existentes y siempre codificados mientras que la danza contemporánea busca la innovación y la creación de nuevas formas de movimiento de acuerdo con las necesidades del coreógrafo o el intérprete. La danza clásica busca el

preciosismo, lo estructurado y perfecto, la conexión con lo etéreo, con lo celestial; más bien está ligada al concepto de lo apolíneo. La danza contemporánea busca la conexión con lo terrenal, con lo humano y sus pasiones, la no estructura, la transgresión; está ligada al concepto de lo dionisíaco.

¿Cómo se baila?

Hay una serie de rasgos comunes a todas las manifestaciones de la danza contemporánea, como el coreógrafo-bailarín, la creación de un lenguaje de la danza, el relacionamiento con la música, el empleo del espacio.

• Es tendencia de esta danza, que el mismo artista cumpla la función de coreógrafo y de bailarín. También suele darse que el bailarín sea, además, escenógrafo, iluminador, diseñador de vestuario.

A diferencia de los coreógrafos del ballet, que tienen un lenguaje codificado de pasos, los bailarines modernos crean su propio lenguaje, por lo que se hace necesario, que el coreógrafo sea quien baile.

• La creación del lenguaje de danza, implica un estudio profundo del movimiento del cuerpo y el desarrollo de teorías. Es usual que se emplee la dinámica física que rige los movimientos, además de la ley de la gravedad y su papel en el movimiento.

Se considera, además, la respiración y sus principios, la columna vertebral y su anatomía. Pueden emplearse tradiciones culturales ajenas a la danza como fuente de inspiración.

• El empleo del espacio es muy diferente al tradicional del ballet, que exige el bailarín situado de frente al público y en relación al escenario. Los bailarines modernos mantienen una orientación multidimensional dentro del espacio escénico.

Emplean todas las dimensiones del espacio y suelen colocarse de perfil o de espaldas al público, no siempre están erguidos y realizan movimientos en el suelo o sentados. El peso del cuerpo es un factor importante en la danza moderna, al contrario que en el ballet clásico, que las figuras parecen carecer de peso.

• Relacionamiento con la música: en el ballet tradicional, los movimientos van paralelos a la música, pero en el baile moderno, no siempre ocurre esto. Incluso puede que no exista la música y los movimientos se realicen en silencio, simplemente con los sonidos que produce el cuerpo al moverse.

¿Qué es la música tribal?

El tribal house es un subgénero de la música house que surgió prácticamente a la vez que el propio house .Consiste en un estilo musical de una tendencia bipolar: combina dos estilos, la música tribal (que es como la fusión de los sonidos bailables de percusión propios de las tribus africanas y sudamericanas en samples de características un poco folclóricas), mezclado con la suavidad y elegancia del house más puro, lo que lo convierte en un género de música agradable para la escucha y también apto para el baile.

El tribal house contiene una energía en sus beats que lo asemeja al house progresivo, sin embargo esa energía se ve reflejada en el poder de las cajas y tambores que lo acompañan.

Actualmente el tribal house es conocido simplemente como tribal, lo cual empezó a salir en México.

¿Qué es la música tribalera guarachera?

Movimiento musical de música Guaracha muy popular en varios países hispanoparlantes. nació en Monterrey con la idea millonaria de mezclar cumbias guapachosas, sonidos tribaleros y música electrónica. Por supuesto, algo así sólo podría ocurrir en México. 

Desde 2005 ha habido djs haciendo tribal, pero los pioneros en llevar al "Tribal - guarachero" en alto son Dj Erick Rincón, Dj Otto y Dj Sheqo Beat, chavos que apenas pasan de los 20 años y que ya son famosos por todo el mundo. Lo que empezó como hobby se convirtió en todo un fenómeno. 

Paso-doble

Origen

Se conoce como pasodoble el baile originado en España hacia 1533 y 1538. Utilizado en varias regiones para la celebración de eventos.

Historia:

Es uno de los pocos bailes de pareja que siguen arraigados hoy en día; está presente en muchas fiestas (verbenas populares) y sigue formando parte de la tradición de todas las regiones de España. "A principios de siglo se relacionó con el garrotín, un baile de pareja gitano, bastante vivo y repetitivo".

El pasodoble o paso-doble es una marcha ligera utilizada en los desfiles militares, adoptada como paso dos reglamentario de la infantería, con una característica especial que hace que la tropa pueda llevar el paso ordinario: 120 pasos por minuto. La música que acompaña esta marcha posee compás binario y movimiento moderado y fue introducida en las corridas de toros. También se denomina pasodoble al baile que se ejecuta al compás de esta música.

Parece ser que el pasodoble, como baile, procede de la tonadilla escénica, que era una composición que en la primera mitad del siglo XVIII servía como conclusión de los entremeses y los bailes escénicos y que luego desde mediados del mismo siglo era utilizada como intermedio musical entre los actos de las comedias.

A día de hoy el mayor foco de producción de pasodobles se centra en el levante español, en torno a las fiestas de Moros y Cristianos.

¿Cómo se baila?

El pasodoble es un baile muy sencillo, con figuras muy libres, por lo que resulta bastante fácil aprenderlo. La posición de la pareja; uno enfrente del otro y con los cuerpos pegados ligeramente desplazados hacia la izquierda. Su ritmo básico es muy simple: un paso por tiempo y se debe permanecer todo el tiempo con los cuerpos en paralelo y con la mano izquierda y derecha del hombre y la mujer, respectivamente, unidas. El pasodoble forma parte del repertorio de las bandas de música españolas y suele constar de introducción y dos partes principales, con un ritmo aflamencado. Como danza es semejante al one-step; se diferencia en el número de pasos que se dan al bailar y en sus respectivos nombres.

Los Matlachines

Origen:

Valle de Aguascalientes

Historia:

Algunas de las danzas que se practicaban en los poblados de Aguascalientes era la danza de la Pluma o Palma no fue hasta el año de 1915 cuando el señor Don Bernabé Félix formo la primera danza de Matlachines traída de Zacatecas en donde el principal motivo era danzarle a la Santa Cruz de los albañiles, después de varios años de esa dicha danza se formaron otras como la del señor Don Lucio, la del señor J. Carmen Montes que aún subsiste pero ahora con el señor sobrino de Don Carmen, que es el señor Jesús Vázquez Montes (El Chale), después de Juan Míreles que la prosigue el señor Juan Andrade Salas; de esa misma se fundó otra con uno de los capitanes (Juan Arenas Garca) que ahora continua con el nombre de danza de Matlachines "Tenamaxtle" que también sigue con la misma tradición de venerar la Santa Cruz. De estas danzas se formaron otras en los municipios aledaños a la Capital con diferentes ritmos y estilos, pero siempre conservando la misma tradición.

¿Cómo se baila?

Esta danza es con un estilo encorvado y pisadas fuertes con cierto grado de dificultad que la hacen una de las danzas con mayor vigor y atracción.

La formación para los integrantes de la danza es de la siguiente manera:

Dos capitanes adelante.

Dos capitanes atrás.

Dos barriguillas - que les siguen a 1os dos capitanes de adelante.

Dos contra barriguillas adelante.

Dos contra barriguillas atrás.

Varios danzantes que pueden ser de dos hasta diez o más.

Un viejo de la danza o moreno.

Un tamborero.

Un violinista.

La música de los sones se ha pasado de generación en generación y de los cuales se tocan:

La lobita, El borracho, El Salinas, El Indio, Las Conchitas, El Meco, El Cangrejo, El Cenzontle, Rancho Nuevo, Las Cuchillas, El Bonito, El Borras y otros...

Los Matlachines existen también en San Luis Potosí, Zacatecas, Coahuila, pero con diferentes características en cada región.

Flor de piña

Origen:

El bailable que representa al municipio de San Juan Bautista Tuxtepec en los lunes del cerro de la Guelaguetza. En 2008 cumplió medio siglo de haberse inventado. Forma parte esencial del espectáculo folclórico del municipio y del estado Oaxaqueño. Cada año señoritas del municipio son convocad

as a participar en el casting para integrar la delegación municipal; para acudir a estas pruebas existen ciertos requisitos, entre ellos ser tuxtepecana, soltera, conocer el baile,

ser menor de 22 años, de estatura mediana y tener huipiles propios para poderlos portar durante la fiesta.

Historia:

El baile regional “Flor de piña” data de mayo de 1958, año en que el Gobernador Alfonso Pérez Gasga, argumentando que la indumentaria jarocha no era propia del estado de Oaxaca envió un oficio a la presidencia municipal, a cargo de Ángel Vidal Brocado, en la que se solicitaba el diseño de una coreografía indígena para la partitura “Flor de piña” del músico oaxaqueño Samuel Mondragón. La creación de la coreografía buscaba representar a la región del Papaloapan , una de las siete regiones de Oaxaca, en la recién creada Guelaguetza Oaxaqueña, que en ediciones recientes era celebrada como Homenaje racial y Encuentro étnico. El diseño de la coreografía estaría a cargo de la profesora Paulina Solís, maestra de la escuela Francisco I. Madero, la cual impartía clases de Educación Artística. El bailable deja un poco de lado la anatomía , los usos, movimientos y proporciones de la mujer Chinanteca, y en su lugar la reconstruye de manera estilizada, eleva la estatura corporal, afina las facciones primarias, ornamenta la sencillez del huipil, introduce la sonrisa permanente, agranda un poco la forma de los ojos y logra un resultado realmente bello, fantástico y sorprendente en que la luz juega con la cadencia y hace del huipil una obra de arte que se porta con orgullo. Como parte de la ornamenta se decidió que cada señorita llevara una piña al hombro con un propósito meramente ornamental.

El lunes 21 julio de 1958, este baile se presentó por primera vez en la Magna Fiesta del estado, realizándose adecuaciones coreográficas a cargo de la Maestra 'Socorro Reyes Rangel y del Castillo, (catedrática de Danza y piano de la escuela de Bellas Artes),lo que permitió una entrada más cadenciosa y una duración apropiada para el espectáculo. Como introducción al baile, empieza con el vals la Tonalteca del compositor chiapaneco el Maestro Alberto Peña Ríos de Tonalá Chiapas, pero así adquirió la majestuosidad y hermosura que lo caracteriza. Desde sus inicios, la región de Tuxtepec no fue invitada a participar en la Guelaguetza, ya que originalmente este baile perteneció al municipio de Loma Bonita oaxaca el cual fue el fundador originario de tan magno representativo y conmemorativo evento del bailongo tradicional. Es sabido por los oriundos oaxaqueños que para la invención del nombre tan sonado se basaron en la fruta tropical perteneciente a Loma Bonita, la piña.

La lejanía con la capital del estado y la falta de vías de comunicación, convertían a Tuxtepec en una región prácticamente desconocida, mucho más ligada a Córdoba y a Veracruz, Alvarado, y Tlacotalpan lo que cambió después de la una de las tragedias naturales de su historia en 1944, en la que el Río Papaloapan se desbordó. Entonces el nombre de Tuxtepec se dio a conocer en todo México, como un lugar en que había ocurrido una desgracia.

¿Cómo se baila?

“Flor de piña” es bailado por jóvenes cuenqueñas en las fiestas del Lunes del Cerro en el Cerro de Fortín en la ciudad de Oaxaca durante la Guelaguetza, el baile consiste de tres partes; La entrada acompañado por “La Tonalteca” musica que identifica a la ciudad de

Tonalá, Chis, del compositor Chiapaneco Alberto Peña Rios, que consiste en un recorrido realizado por dos filas alrededor del escenario, el recorrido es lento y permite modelar los huipiles, accesorios y belleza de las jóvenes de la región, la entrada es realizada con un paso de punta y metatarso girando el cuerpo de derecha a izquierda, una vez finalizado el recorrido de las dos filas, éstas se ponen en paralelo y se intercalan formando una “V” con el mismo paso de la entrada. Al integrarse a la “V” las bailarinas realizan una reverencia en la que alzan la piña con sus dos brazos y se agachan inclinando su cintura, una vez formada la “V” la música cambia a “Flor de Piña” y se vuelve más dinámica, cada brazo de la “V” gira hacia afuera formando dos líneas paralelas las cuales se dirigen al fondo del escenario quedando traspuesta ambas filas, se realiza un cruce zapateando hacia delante y hacia atrás, una de las líneas hacia la izquierda y la otra en sentido contrario, una vez que ambas líneas quedan descubiertas voltean hacia el frente y se integran en una sola fila la cual compactan y avanzan a través de un cepillado, avanzan hasta la esquina del escenario y hacia atrás, se repite en dos ocasiones. Una vez terminado el cepillado de la fila horizontal surgen nuevamente dos filas verticales las cuales abarcan desde el principio hasta la parte trasera del escenario, se coloca una fila delante de la otra, las bailarinas colocan la piña en el piso y bailan alrededor de ella, una vez que se termina de bailar alrededor de la piña, cada bailarina toma su piña y abren las diagonales hasta formar nuevamente una sola línea horizontal, vuelve el paso del cepillado hacia delante y hacia atrás, pero esta vez terminado el cepillado al mismo tiempo todas las bailarinas dan las gracias inclinando sus cuerpos y con las piñas en ambos brazos sostenida. Termina “Flor de Piña” y sigue “La Tonalteca” para realizar la salida de la misma forma en la que se realizó la entrada al escenario. Una vez roto el baile, cada bailarina regala su piña a los asistentes al evento.

Danza de los viejitos

Origen:

Esta peculiar y simpática danza es tradicional del estado de Michoacán, específicamente del pueblo de Jarácuaro, y se ha convertido en una de las más representativas y aplaudidas a nivel nacional e internacional.Sus orígenes se remontan a la época prehispánica y se le relaciona con las danzas que eran parte del ritual en honor de Huehuetéotl, el llamado “Dios del Fuego” o “Dios Viejo”.

Historia:

La Danza de los Viejitos es actualmente reconocida a nivel internacional por su colorido y simbolismo, además de por su expresividad escénica, y se ha convertido en un símbolo de identidad para los pueblos de la zona lacustre de Michoacán, en los cuales los niños son iniciados como danzantes desde muy tierna edad.

¿Cómo se baila?

El baile consta de cuatro hombres que están ataviados con el traje de los campesinos purépechas, una camisa y pantalones de manta blanca, cubiertos por un sarape de gran colorido y huaraches con suelas de madera para el zapateado.Además, sus rostros están cubiertos con máscaras de madera con la forma de ancianos sonrientes, utilizan fibra de zacate como pelucas y llevan un sombrero con largos listones multicolores y un bastón como complementos adicionales. Durante el baile los “viejitos” hacen alarde de sus muchos años mediante espasmos, caídas y caminando de manera encorvada, aunque también muestran una gran energía zapateando y corriendo en fila india tomados del bastón, todo al ritmo de la música de violines y guitarras.La Danza de los Viejitos es actualmente reconocida a nivel internacional por su colorido y simbolismo, además de por su expresividad escénica, y se ha convertido en un símbolo de identidad para los pueblos de la zona lacustre de Michoacán, en los cuales los niños son iniciados como danzantes desde muy tierna edad.

Danza del tigre

Origen:

La Danza del Tigre es la que se interpreta en Veracruz; en la población de San Juan Colorado, al norte de Santiago Pinotepa Nacional.

Historia:

La danza está inspirada en la historia de dos ricos ganaderos de la región, Don Manuel Peña y Don José Cortés, a quienes un tigre mágico los despoja de su ganado. Don Manuel intenta comprar un perro cazador a un lugareño llamado José Ovejón, quien se niega a venderlo porque pertenece a su mujer, Doña Catalina. El perro, además de que

no quiere separarse de su dueña, sólo con ella sabe cazar. Debido a lo anterior, Don Manuel contrata a los dueños para que vayan con su perro a cazar al tigre.

Se inicia la búsqueda hasta que el perro encuentra al tigre, en ese momento comienza la cacería: José Ovejón le dispara con su escopeta, mientras Doña Catalina le señala el lugar en donde está el felino, y el perro ladra alrededor del árbol en el que se esconde.

¿Cómo se baila?

Doce danzantes acompañan a los cazadores bailando alrededor del lugar en donde está el tigre. Las balas no dañan al tigre porque es mágico, así que Doña Catalina le da unos ajos a su esposo para que cure su escopeta y rompa el hechizo. Finalmente mata al tigre, le quita la piel y lo tira a una barranca. Antes de dar muerte al tigre, el danzante que lo interpreta, junto con el que interpreta al perro, realizan pasos espectaculares y acrobacias simulando la pelea.

La danza se acompaña con los siguientes sones: el son del borracho, que se baila mientras se toma licor de una botella; el son de la iguana, en el que los danzantes simulan los movimientos de este animal arrastrándose; el son del perico, en el que los danzantes se ponen uno muy cerca del otro; y el son de Don Manuel Peña y Doña Catalina.

Esta danza es interpretada por catorce personas dispuestas en dos filas, posteriormente se les suman el tigre y el perro. Todos los personajes son interpretados por danzantes masculinos. El vestuario consta de pantalón blanco tejido de algodón, con un calzón de colores sobrepuesto que presenta además encaje desde la orilla hasta la rodilla. La camisa es tipo cazadora y se llevan dos paliacates, uno en la cabeza y otro en la mano. Usan una gorra adornada con chaquira de colores. La esposa del cazador lleva olanes y encajes en la orilla de su falda, también flecos a la altura de los hombros y en la cintura. El tigre viste un traje amarillo moteado, una máscara de madera con las facciones del felino que tiene espejos en los ojos. El cazador usa chaparreras, chaleco de gamuza y sombrero; su esposa lleva falda, rebozo, camisa bordada y sombrero.

Danza del venado

Origen:La Danza del Venado es una danza ritual celebrada por los indígenas de Sonora y Sinaloa. Esta danza es una dramatización de la cacería del venado, héroe cultural de estos pueblos, por parte de los paskolas (cazadores).

Historia:Arturo Warman, un reconocido antropólogo mexicano, consideraba que la música y la letra de la danza del Venado debían haber transitado con muy pocos cambios desde la época prehispánica hasta la actualidad.

¿Cómo se baila?

La Danza comienza con la música que toca la flauta de carrizo y un tambor, entonces aparece el venado con el sonido de las sonajas, su actitud es imitativa a los movimientos del animal, es entonces cuando inicia una batalla, donde el venado fulminado por la flecha inicia una lucha con la muerte, aunque le faltan las fuerzas y se desvanece, se levanta trémulo, en ese momento se escucha el tambor que representa los latidos del corazón del Venado, este se levanta tembloroso y se niega a morir, siente fuertes sacudidas en su cuerpo, y es donde empiezan los espasmos y calambres y a pesar de su intento por levantase, todo resulta ser fallido hasta quedar totalmente inerte.

Mientras que alrededor se escucha el sonar de los instrumentos, junto con los cantos, dando pie a que el danzante, que tiene sangre en las manos, se convierte de alguna manera en el médium del espíritu del diablo y del Venado, interpretando así sus pasos y movimientos, los cuales pueden llegar a ser, tímidos, cautelosos, ariscos y juguetones, lo que le dan una característica muy especial y muy colorida a la interpretación de la danza.

La danza ha de ser efectuada por un indígena yaqui o mayo, según la región, al cual sus padres hayan destinado desde la infancia para tal fin. Al niño se le educa desde un principio para que actúe siempre como si fuera un venado e incluso se le da una alimentación especial para que desarrolle un cuerpo esbelto y ágil que le permita imitar mejor los movimientos de este animal. El venado es un cúmulo de cualidades que tienen armonía en su conjunto, la realidad, la verdad y la belleza; ser danzante-venado es el ideal del indio yaqui o mayo. La danza del Venado es una tradición religiosa y la parte más importante del folklore de los yaquis y mayos, al sur de Sonora y norte de Sinaloa; es una acción sociocultural, que cuando se observa revive el sentimiento del pasado histórico de los yaquis y mayos; es una dramática representación con colorido y fuerza plástica de gran estética y es algo característico de los estados de Sonora y Sinaloa

Danza huasteca

Origen:

Es un estilo de son mexicano originado en la región Huasteca

Historia:

Data del siglo XIX y fue influenciado de rasgos musicales españoles, africanos e indígenas.

¿Cómo se baila?

Su ritmo es ternario, en 3/4 y 6/8. Usualmente es interpretado por el conjunto huasteco, que generalmente es un trío de guitarra huapanguera, jarana huasteca y violín. Los cantantes suelen combinar el uso del falsetto y los violines hacen partes muy adornadas. La danza se denomina zapateado. La improvisación juega un fuerte rol en este estilo, con músicos creando, sus propias letras y arreglos.

Regularmente entre los cantadores del trío se encuentra un falsetista principal, es muy extraño que éste sea el violinista, aunque se han dado casos excepcionales, como el de Teófilo Salas. Entre los violinistas del son huasteco han destacado Ladislao S. Hernández, Salvador Murillo, Genaro Zetina, Daniel Montes, Felipe Islas, los hermanos Padilla, El Treinta Meses, Pascaciio Mercado, el Niño Cuco, Juventino Cabrera, Santiago Vidales, Sixto Lara, y Pedro Martínez Murillo.

Entre los sones huastecos más populares se encuentran “La huasanga”, “La leva”, “La Rosita”, “El Zacamandú”, “Cielito lindo huasteco”, “El caimán”, “La petenera”, “El llorar”, “El gusto”, “La azucena”, “El aguanieve” y “El fandanguito”

Danza de la pluma:

Origen:

La Danza de la pluma es el último número de la Guelaguetza tradicional. Esta danza es de origen Azteca-Zapoteca; culturas que dejaron plasmado conocimiento acerca del universo en la estructura central de Monte Albán; con la danza de la pluma buscaron representar la existencia de ocho planetas y su movimiento alrededor del sol desde tiempos prehispánicos. Además, es llamada la máxima danza del estado de Oaxaca.

Historia:

La danza de la pluma sirvió como el único medio de difusión acerca del proceso de conquista en México. Posteriormente ésta se difundió por la región de los valles centrales, en poblaciones como Zimatlán de Álvarez, Tlacolula de Matamoros, Santa Ana del Valle, Etla y San Martín Tilcajete. Sin embargo, tiempo después las comunidades de Zaachila y Cuilapam de Guerrero debatían sobre el lugar de origen de la danza, aunque se ha aceptado popularmente que la cuna de la danza de la pluma es esta última. En la actualidad esas dos poblaciones además de Teotitlán del Valle, San Bartolo Coyotepec, San Raymundo Jalpan así como San Martín Tilcajete la conservan y difunden con el interés de que prevalezca en el ánimo y tradición del pueblo oaxaqueño. La danza de pluma pertenece a las llamadas danzas de la conquista.

¿Cómo se baila?

La danza se presenta con dos bandos contendientes: uno, el de los españoles, con Cortés a la cabeza acompañado por la Malinche; otro, el de los Mexicas, acaudillados por Moctezuma, acompañado de la Cihuapilli. Los pasajes de la conquista que representa son: el suntuoso recibimiento de Moctezuma a Cortés, la labor de la traducción de la Malinche, las batallas y enfrentamientos de ambos ejércitos, el auxilio que Moctezuma pide a los 4 puntos cardinales, la muerte de Moctezuma y la fusión de dos culturas, interpretada con el baile de la Malinche y la Cihuapilli. La representación total de la Danza de la pluma llega a durar hasta tres días, con descansos de 30 minutos entre un son y otro; en las fiestas patronales se presenta en el día principal, como ritual de la festividad. Respecto a los sones, entre la infinidad que se escuchan en la representación de la danza, se advierten ritmos europeos como el vals. Sin embargo, predominan los sones llamados: el espacio, cuadrillas y la cruz, así como himnos marchas y sones.

Tango

Origen:

El tango es un género musical y una danza, característica de la región del Río de la Plata y su zona de influencia, principalmente de las ciudades de Buenos Aires (en Argentina) y Montevideo (en Uruguay).

Historia:

Nacido a fines del siglo XIX de la fusión cultural de las comunidades afrorioplatenses, con la cultura gauchesca, indígena, hispana, africana, italiana y la enorme diversidad étnica de la gran ola inmigratoria llegada principalmente de Europa, se convirtió en un género de naturaleza global a partir de la segunda década del siglo XX.2 Desde entonces se ha mantenido como uno de los géneros musicales internacionales más potentes del mundo.

El tango revolucionó el baile popular introduciendo una danza sensual con pareja abrazada que propone una profunda relación emocional de cada persona con su propio cuerpo y de los cuerpos de los bailarines entre sí. Refiriéndose a esa relación, Enrique Santos Discépolo, uno de sus máximos poetas, definió al tango como «un pensamiento triste que se baila».3

Musicalmente suele tener forma binaria (tema y estribillo) o ternaria (dos partes a las que se agrega un trío). Su interpretación puede llevarse a cabo mediante una amplia variedad de formaciones instrumentales, con una preponderancia clásica de la orquesta y del sexteto de dos bandoneones, dos violines, piano y contrabajo. Sin ser excluyente, el bandoneón ocupa un lugar central.

Muchas de las letras de sus canciones están escritas en un argot local rioplatense llamado lunfardo y suelen expresar las emociones y tristezas que sienten los hombres y las mujeres de pueblo, especialmente «en las cosas del amor»,4

En el 30 de septiembre de 2009, a petición de las ciudades de Buenos Aires y Montevideo, la Unesco lo declaró Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad (PCI).

¿Cómo se baila?

El baile tanguero está construido sobre cuatro componentes básicos: el abrazo estrecho, la caminata, el corte y la quebrada, entendidos estos dos últimos términos clásicos como el eje de la improvisación y las figuras coreográficas que adornan la danza y que son conocidas bajo el nombre genérico de "firulete". Pero por sobre todas las cosas el tango debe ser bailado como un lenguaje corporal a través del cual se transmiten emociones personales a la pareja.

Se dice que el tango se baila «escuchando el cuerpo del otro». En el tango la pareja debe realizar figuras, pausas y movimientos improvisados, llamados «cortes, quebradas y firuletes», diferentes para cada uno de ellos, sin soltarse. Es el abrazo lo que hace complicado combinar en una sola coreografía las improvisaciones de ambos.

Danzón

Origen:

El danzón es un ritmo y un baile de origen cubano creado por el compositor matancero Miguel Faílde (1852-1921) próximo al año 1879 y engendrado por otro género cubano llamado danza, una variación de la contradanza.1 «Baile típicamente cubano, llegó a ser el arquetipo de la música popular con su ritmo característico».1 Desde principios del siglo XX ha tenido gran arraigo en México, considerándose también parte de la cultura popular de aquel país. En Cuba se interpreta con mayoría de instrumentos de viento, con flauta, violines, timbales y percusión cubana.

Historia:

Se derivó como resultado de la transculturación de la contradanza europea que llegó a principios del siglo XVIII por vía de las cortes españolas, por la toma de La Habana por los ingleses en 1762 y a finales del siglo XVIII por las migraciones de colonos franceses y de negros y mulatos de Haití a Cuba. Este baile de salón recibió una influencia mestiza en Cuba para crear una música criolla que se asentó convirtiéndose en el primer género

surgido en La Habana. Su nombre se conocía de dos formas danza criolla o habanera cubana. Aunque mantenían el influjo afro en su ritmo, ahora poseían una mayor libertad expresiva que permitía a la pareja enlazarse con más sensualismo. La danza aumentó sus partes formativas y extendió su tiempo bailable, por lo que se le empezó a llamar danzón. Los instrumentos del danzón son el piano, trompeta, clarinete, flauta, timbales güiro, claves su popularidad 1900-1940 su fecha de origen segunda mitad del siglo XIX en Cuba.

Hay que destacar que, en los años 50, el danzón también fue interpretado en Cuba por las orquestas llamadas Jazz band, donde se destacaron la orquesta "Avilés", una agrupación centenaria, considerada la más antigua de Cuba. Un ejemplo de ello fue el danzón "Dos Melodías", una compilación del compositor, guitarrista y arreglista holguinero Juanito Márquez, quien hizo una selección de melodías del compositor George Gershwin, con atrevidas armonizaciones. También, en este contexto, se destaca el compositor santiaguero Electo Rosell "Chepín", con sus danzones "Bodas de Oro" y "La Reina Isabel", donde se plantean algunas variantes formales con respecto al danzón original. Dentro de lo más destacado del danzón en Cuba, debe ser mencionado el "Danzón de los Danzones", "Tres Lindas Cubanas", del compositor Antonio María Romeu, el más grande exponente del danzón de todos los tiempos. A ello hay que agregar las contribuciones hechas por orquestas como "Aragón", sin dejar de mencionar compositores de esta época, como son José Luis Loyola, Guido Medina y otros, que han dado nuevas perspectivas al quehacer danzonero cubano de la actualidad.

¿Cómo se baila?

El primer danzón conocido, titulado "Las Alturas de Simpson", se escuchó por vez primera el 1 de enero de 1879 en el Liceo de Matanzas. Lo interpretaba una "orquesta típica" de viento, que contaba con cornetín, un trombón de pistones, un figle, dos clarinetes en DO, dos violines, un contrabajo, dos timbales y un güiro criollo. Dicha orquesta estaba dirigida por Miguel Faílde que era el autor del mismo.

El danzón de Faílde se conforma de tres partes de 16 compases, que se denominan: Introducción, parte o trío de clarinete y trío de metales. Interpretado por la llamada "orquesta típica" (mencionada anteriormente) aunque años después se interpretó también con la orquesta llamada "charanga francesa".

Jarabe tapatío

Origen:

El jarabe tapatío es un baile tradicional mexicano originario del estado de Jalisco.

Historia:

Este baile nació durante la revolución de 1870 como estandarte de unidad nacional, pues incluye los estilos dancísticos más famosos de diversas regiones en una mezcla nominada "Jarabe". Fue bailado por primera vez en 1910 en el Teatro Coliseo de la Ciudad de México y compuesto por Jesús González Rubio quien se inspiró en las distintas regiones de Jalisco, llevándolo a que fuera popular en toda la república mexicana.

¿Cómo se baila?

El hombre porta el tradicional traje de charro con botonadura de plata a los lados del pantalón, chaquetilla con botonadura al frente, sombrero de ala ancha de cuatro pedradas, camisa blanca con corbatín al cuello en colores de contraste, en lo que respecta a la mujer el vestido original es el de ranchera tapatía de la segunda mitad del siglo XIX. La falda llevaba sólo un olan y pequeños adornos de flores. El vestido de flores es una mezcla de los vestidos europeos y mexicanos, que se llenó de olanes y adornos para hacerlo más vistoso. El vestido de Blanco o de Gala se utiliza principalmente en las ciudades. El vestido de listón le da mayor dinamismo al baile.

Como el jarabe tapatío representa en general al país, México, también se suele bailar con los trajes naciones: el de charro, para los varones y el de china poblana, para las damas.

El Jarabe como se conoce, está integrado por varios sones con un antecedente en el "Jarabe Gitano", surgido en España durante el siglo XV, el cual se cantaba y bailaba por los primeros hispanos que llegaron a México. Algunos sones que tuvieron gran connotación durante la Colonia y que empezaron a representarse de manera cotidiana en las tertulias y jolgorios de la época fueron: "Pan de manteca", "Las Bendiciones", "Pan de Jarabe", "El Jarabe Gatuno", "El Jarro", "La Lloviznita", "Petrita", "Chimixclán y el "Chirrimpanpli" por mencionar algunos ya que muchos de estos y otros que surgieron durante este tiempo, fueron censurados por los tribunales de la Inquisición en México.

Huapangos Potosinos

Origen:

El estado de San Luis Potosí posee una riqueza musical impresionante, comenzando por ser el hogar del famoso Huapango o Son Huasteco, ritmo que fue expandiéndose hasta ser un son tradicional de muchos estados aledaños.

Historia:

El huapango tiene tanta tradición en San Luis Potosí que en 2011 fue declarado “Patrimonio Cultural Inmaterial de SLP” y en muchas comunidades se lleva a cabo anualmente el Festival de la Huasteca, donde se realizan concursos de interpretación y composición de huapangos; dicen que el huapango potosino más tradicional es “El llorar”, el cuál es de los más interpretados, siempre con cierto dolor.

¿Cómo se baila?

En algunas zonas de San Luis Potosí se conserva la tradición de cantar y bailar durante las fiestas locales las llamadas “Décimas y valonas” las cuales se caracterizan por sus versos satíricos con el acompañamiento musical de violín, guitarra y jarana, y mientras unos declamas otros deben bailar “hasta que el cuerpo aguante”.

En otras regiones, sobre todo en la Huasteca, donde existe un mayor número de pueblos indígenas se preservan danzas autóctonas, que forman parte de rituales que existían desde antes de la Conquista; estas danzas se ejecutan principalmente en festividades religiosas.

Voladores de Papantla

Origen:

El rito de los voladores es una manifestación religiosa originaria de Mesoamérica. Sus orígenes se remontan al Período Preclásico Medio mesoamericano, se han encontrado representaciones de este ritual en la cerámica funeraria de las culturas de Occidente (Colima, Jalisco y Nayarit). Posteriormente pasó a otros pueblos, muy probablemente relacionada con el sacrificio gladiatorio y los cultos de la fertilidad. Sobrevive en la actualidad entre los nahuas y los totonacos de la Sierra Norte de Puebla y el Totonacapan veracruzano. En 2009 fue proclamado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Unesco

Historia:

El ritual de los voladores de Papantla inició como una ceremonia en la época prehispánica, que tenía que ver con un rito orientado a pedir lluvia debido a un periodo largo de sequía, el rito en aquellos tiempos no se iniciaba aventándose al vacío, si no con la selección del “palo volador” se internaban en busca del más alto, se danzaba en torno a él y se realizaba toda una serie de pasos para llevarlo al lugar en donde lo colocarían, un dato curioso es que las mujeres tenían prohibido tocarlo ya que era una señal de mal augurio. Actualmente se ha generalizado al empleo de postes de acero con pequeños peldaños metálicos, conservándose únicamente de madera el bastidor y el tecomate. La altura varía de un palo a otro: el que se encuentra en la explanada de la iglesia de Papantla mide aproximadamente 37 m; el localizado en El Tajín tiene casi 27 m; y el del Museo Nacional de Antropología de la ciudad de México alcanza los 25 m.

¿Cómo se baila?

En la celebración acompañada de danzas y música se utiliza un tronco o "palo volador" donde se ajustan varias piezas: una pequeña base de madera, una cruz, un pivote (denominado también manzana) que unirá y posibilitará el giro, y una escalera unida al palo. En los extremos de la cruz se colocan cuerdas que sujetan a los danzantes voladores simbolizando los puntos cardinales, norte, sur, este y oeste, más el caporal que representa el centro. A más 20 metros en lo alto de la estructura, se sitúa el caporal, personaje que toca un tambor y una flauta, y coordina el ritual. Cada señal que el caporal hace es un tipo de acrobacia, en una de ellas cada danzante volador salta al vacío, sujetado por la cintura, boca abajo y afianzándose con las piernas y gira 13 veces cada

uno de ellos silmulando descender por los 13 cielos del dios sol , que multiplicado por los cuatro voladores da el resultado de 52, ya que este número es el símbolo del ciclo de 52 años del calendario indígena o Xiuhmolpilli. Finaliza cuando los participantes empiezan a abrir el círculo hasta tocar el suelo. Si los espectadores aplauden alguno de los voladores dobla las piernas y se toca los pies con las manos, siendo esta una maniobra muy difícil que solo puede durar unos segundos, en raras ocasiones algunos danzantes haciendo muestra de gran valentía se atreven a lanzarse sin amarre alguno en la cintura, hacen un círculo con el lazo a manera que no se desate e introducen solamente una pierna, ésta es una maniobra muy peligrosa, lo hacen con el fin de innovar y distinguirse de los demás grupos. Los danzantes visten trajes muy coloridos que representan a aves tropicales.

Bailes de Nayarit

En Nayarit existen distintos tipos de baile tradicionales famosos en toda la República, unos cuantos influenciados por el estado vecino de Jalisco. Entre sus bailes se encuentran el famoso baile tradicional "el Gallito" y el "Járabe Nayarita". El Gallito . Ejecutado generalmente por una pareja sobre una tarima; este baile presenta el clásico rodeo del gallo a la gallina. La mujer graciosa y coqueta con su compañero, zapatea con su companero mientras el hombre se encarga de enamorarla en la ejecución de un zapateado redoblado, de pisadas fuertes y alternadas, el canto de júbilo que lanza el gallo cuando se siente correspondido; es ejecutado por el violín enmarcado con dos golpes fuertes de sombrero en el suelo. 

El jarabe Nayarita. Se compone de los siguientes sones: El Coamecate, El Diablo, Los Bules y Los Negritos, son sones potorricos. Se les designa con ese nombre a todos los sones en los que el hombre hace alarde de su habilidad con los machetes y los cuchillos. El machete usado por el hombre del campo como implemento de trabajo, o como arma de defensa personal, fue y es su fiel companero, inclusive en sus fiestas.

Vestuario de Hombre. El mestizo Nayarita usa calzón y camisa de manta con un paliacate debajo del cuello, faja roja y camisa ceñida; la faja puede ser de algodon o lana, porta sombrero de ala corta y cuatro pedradas y, además lleva huaraches.  

El traje de la mujer mestiza. Es de blusa de satín en color fuerte con un olán en forma de pechera ribeteado con encaje de bolillo, la falda es amplia con un doble olán en la parte inferior, el olán de abajo es de la misma tela de la blusa; el tamaño facilita los movimientos de el baile en los cuales las manos sujetan los extremos de la falda que se mueve al rítmo del compás de la música, lleva en la cabeza una peineta de color y un pequeño ramo de flores al lado derecho, su peinado es un sencillo atavío de la mujer con una cadena con la cruz, pulseras, arracadas de oro y abanico de palma entretejido con estambres. 

Chachachá

Origen:

Chachachá es un ritmo originario de Cuba creado a partir del danzón por el compositor y violinista habanero Enrique Jorrín en 1953

Historia:

Estos fragmentos modificados gustaron tanto al público que decidió independizarlos del danzón hasta llegar a lo que él llamó cha-cha-cha. Es muy popular en las costas de cuba cerca del centro.

Hoy en día, el chachachá sigue siendo un baile latino apreciado por los amantes de la música latina.

A menudo los bailadores de salsa bailan chachachá al ritmo de los viejos chachachá o al ritmo de otros géneros musicales latinos.

A menudo, el chachachá se confunde con la salsa, porque tienen un ritmo parecido. Descubre en este artículo cómo distinguir el chachachá de la salsa. Como baile de salón,

el chachachá es uno de los bailes latinos más populares. Se estudia a nivel internacional en las escuelas de bailes de salón y forma parte de las grandes competiciones de Ballroom.

¿Cómo se baila?

Al igual que el mambo, el chachachá se baila en pareja a un ritmo de 4/4. Pero se distingue del mambo porque en esos cuatro tiempos se ejecutan cinco pasos.

El paso básico del chachacháEn el chachachá estilo cubano y en el chachachá estilo Ballroom el primer paso del baile se hace en el segundo tiempo. En otros estilos populares ese primer paso a menudo se ejecuta en el primer tiempo. Pero no importa en que tiempo comience el bailador, el paso básico del chachachá siempre consiste de cinco pasos: dos pasos lentos y tres pasos rápidos. O sea, 2,3 chachachá ó 1,2 chachachá. En estas dos guías, explico paso a paso cómo bailar chachachá con el paso básico en sitio y el paso básico en forma de L.

Movimientos del chachacháEn el chachachá los bailadores no se desplazan demasiado en el espacio. Los pasos son pequeños y se arrastran sobre el suelo sin levantar demasiado los pies.

En cada paso, el pie hace contacto con el suelo con la parte delantera de la planta primero. El resto del pie no toca el suelo hasta que el peso se transfiere a ese lado del cuerpo.

El chachachá se baila con una actitud relajada, pícara y coqueta. Las caderas se mueven hacia arriba y hacia abajo en cada paso. Estos movimientos de caderas surgen de una manera natural al transferir el peso del cuerpo de un lado al otro y, al flexionar y estirar las rodillas.

Norteña

Origen:

La música de conjunto norteño, fue traída a México a finales del siglo XIX, por la tendencia migratoria de trabajadores europeos, provenientes de la zona escandinava, bretona e italiana que se fueron estableciendo en la zona minera del norte de México, que hoy conforman los estados de Nuevo León, Tamaulipas, Chihuahua, Sonora, Coahuila y San Luis Potosí, posteriormente fueron introduciendo su música y sus tradiciones en la ejecución de sus instrumentos, algunos de los mismos al presentar desperfectos, fueron modificados con técnicas de reparación propias de la localidad, con piezas que no eran originales añadiendo un sonido particular a ciertos instrumentos y modificando otros casi en su totalidad, como es el caso del tololoche, el Bajo sexto y/o el Bajo quinto. La datación del origen de la música norteña se basa en la hipótesis reforzada por los datos registrados que se constituyen en el desarrollo del acordeón tal y como se conoce, ya como instrumento tradicional musical dentro del género; Pues a mediados de 1880 aparece el acordeón de doble botonadura, (una para ambas manos) que es el instrumento insigne y que caracteriza principalmente a la música norteña.

Historia:

A mediados del siglo 20, a consecuencia de la migración masiva de personas del medio rural a las ciudades en crecimiento, se presentó un fenómeno de divulgación de tal género en las grandes ciudades de todo México, provocando un crecimiento en el gusto de la misma, tanto es así que ahora se pueden ver grupos norteños en zonas bajas, que aunque no son originarios de dichos estados, son considerados como elementos culturales adoptados, como lo es Sinaloa, Nayarit, hasta lugares lejanos del norte como lo son Michoacán y Guerrero.

¿Cómo se baila?

La música norteña es un género de música folclórica y popular de México, interpretado por un conjunto norteño, que consiste en una instrumentación de acordeón y bajo sexto (en algunas regiones conocida como fara-fara), con adición de contrabajo(conocido en México también como tololoche), también incluye tarola y ocasionalmente, saxofón. A menudo conjuntos más modernos suelen emplear batería y bajo eléctrico en lugar del

tradicional contrabajo y tarola. Algunos de los grupos más conocidos de este género musical son Ramon Ayala, Los cadetes de linares, los Tigres Del Norte, Grupo Pesado, Intocable, Los Huracanes Del Norte, Duelo, Los Tucanes de Tijuana y La Igualdad Norteña. Su repertorio posee formas musicales cantadas e instrumentales que provienen tanto de la tradición musical mexicana (canción ranchera, corrido, bolero ranchero, huapango) como de la europea del siglo XIX (polca, chotis, redova) y colombiana como es la cumbia. Aunque originaria de áreas rurales delnoreste de México, la música norteña es hoy sumamente popular tanto en áreas urbanas como rurales.