DEFINE EL CONCEPTO DE POSTIMPRESIONISMO Y ESPECIFICA LAS APORTACIONES DE CÉZANNE Y VAN GOGH COMO PRECURSORES DE LAS

GRANDES CORRIENTES ARTÍSTICAS DEL SIGLO XX

El término “Postimpresionismo” agrupa diversos estilos y tendencias pictóricas que desarrollan diferentes pintores entre 1880 y principios del siglo XX como un desarrollo y a la vez como reacción ante el impresionismo.

No es un estilo unitario ni homogéneo, sino que agrupa a pintores muy diferentes que, de modo individual, buscan explorar nuevas alternativas en la pintura diferentes de la visión fugaz del Impresionismo.

Ellos mismos se perciben como superadores del impresionismo.

Cézanne: Bodegón con cortina, 1895 Gauguin: Mujer con flor, 1891

Van Gogh: Detalle de Campo de trigo con cuervos, 1890

Seurat: detalle de La Parada de circo, 1887-88

El término “Postimpresionismo” fue acuñado por el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición realizada en 1910 que reunía obras de autores tan diferentes como Gauguin, Cézanne, Van Gogh, Seurat o Signac, cada uno con un estilo peculiar, pero que tenían en común el hecho de haber tenido contacto con el impresionismo y ser posteriores al desarrollo del mismo.

Es tan solo una sistematización historiográfica que agrupa a pintores muy diferentes que, en ocasiones, parten del impresionismo, pero que derivan hacia visiones personales muy diferentes de estos orígenes.

Vincent Van Gogh Paul Cézanne

Paul Gauguin

Georges Seurat

Es un término un tanto impreciso, que engloba a un grupo de artistas que lo único que comparten es una relación un tanto ambigua con el Impresionismo:

• Parten de los hallazgos del impresionismo (interés por el color, pincelada suelta, temas del mundo real…).

• Pero su pintura es mucho más personal: no desean plasmar de un modo pasivo la realidad, sino que el artista la reinterpreta, la reconstruye de acuerdo con su genio personal.

Gauguin: El mercado, ta Matete, 1892

Cézanne: Manzanas, 1878

Frente al interés único del impresionismo por captar la luz, por la impresión efímera, que condujo a la desmaterialización de las formas, a estos pintores les interesan también otros aspectos, como el color, el volumen, la línea… y muy especialmente en su capacidad expresiva, siendo agentes activos en la recreación de la realidad que supone la realización de la obra de arte.

Ya no es una mera visión objetiva de una impresión momentánea, sino una visión particular, subjetiva, que el artista tiene de la propia realidad.

Gauguin: El cristo amarillo, 1889

Estos pintores rechazan una pintura basada meramente en valores visuales y en impresiones sensoriales.

El cuadro no es solo la variación objetiva de la luz sino que es fruto de la reconstrucción libre del artista, que interpreta la realidad de un modo personal, de acuerdo con su propio genio artístico.

Van Gogh: Iglesia de Auvers, 1890

Cézanne: La montaña Sainte-Victoire, 1904

“Con el postimpresionismo se creó un nuevo tipo de artista, el genio individual que vive de su arte, la personalidad creadora que plasma su psicología en el cuadro, gracias a su trazo singular, al color personal, y a la recuperación de las formas y las estructuras, pero con una nueva lectura.

El color se hace representativo y subjetivo, no objetivo.

Se representa el color con que se ve el alma de las cosas.

La realidad se interpreta según la visión personal del genio creador.”

https://www.ecured.cu/Postimpresionismo

Cézanne: La montaña Sainte-Victoire , 1905

Gauguin: Arearea, 1892

ALGUNAS FRASES SOBRE EL POSTIMPRESIONISMO:

• El artista no debe reproducir la realidad sensorial sino interpretarla de acuerdo con su búsqueda personal.

• El arte se convierte en una experiencia emocional.

• Desean que su arte fuera más allá de la mera impresión visual de la fugacidad de la luz.

• Frente al naturalismo objetivo del impresionismo, la obra de arte es una recreación personal del artista.

• Reaccionan frente al deseo de representar las variaciones fugaces de la luz y tratan de buscar la expresión, lo perenne.

• Visión subjetiva del mundo frente a la objetividad impresionista.

Van Gogh: Terraza de café de noche en Arlés, 1888

; …

Todos ellos reaccionan frente al deseo de reflejar fielmente la luz y la naturaleza del Impresionismo pero muestran una visión personal muy diferente :

Cézanne: Recuperación de las formas de los objetos, visión múltiple, geometrización, planos, volumen…

Gauguin: uso libre y simbólico del color, primitivismo, recuperación de la línea y manchas de color…

Van Gogh: uso expresivo y personal del color y la pincelada para transmitir las emociones…

Toulouse Lautrec: Interés por recuperar el dibujo y la expresión…

Recuperan la importancia de la forma, del dibujo, de la línea y del color, frente al mero interés por la luz y disolución de las formas de los impresionistas.

Si bien no hay unas características que todos éstos pintores compartan, con carácter general:

Gauguin: El cristo amarillo, 1889

Cézanne: Mme. Cézanne, 1877

Frente al color objetivo del instante impresionista, predominará un uso subjetivo, simbólico y expresivo del color.Gauguin: Montañas tahitianas, 1893

Van Gogh: Interior de café nocturno, 1888

Recuperación de la expresividad frente a la fría objetividad de las meras variaciones de la luz a lo largo del día.

Van Gogh: Retrato del Doctor Gachet, 1890

Van Gogh: Noche estrellada, 1889,

En sus temas, siguen manteniendo el contacto con la realidad, pero a diferencia de los impresionistas-junto con el paisaje,-abundarán otros temas, abundando los retratos, naturalezas muertas, escenas de ambientes lejanos, exóticos, temas simbólicos…

Van Gogh: El cartero Roulin, 1888

Gauguin: ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?, 1897

Cézanne: Naturaleza muerta con manzanas, 1895-98

Estos pintores renunciarán a métodos y técnicas tradicionales que se habían impuesto desde el Renacimiento, obviando la perspectiva, el claroscuro, el modelado y el volumen.

En algunos casos estos artistas se inspirarán en las artes de civilizaciones exóticas o primitivas, del arte egipcio o del medieval.

Gauguin: El mercado, ta Matete, 1892

Gauguin: El cristo amarillo, 1889

El ámbito geográfico en que desarrollan su pintura también es diferente:

No solo París y sus alrededores, sino otras regiones de Francia (Provenza, Bretaña) e incluso la lejana Polinesia.

Gauguin: Campesinas bretonas, 1894

Van Gogh: Campo de trigo con cipreses, 1889

Gauguin: La Orana María, 1891

Muchos de estos pintores, con su estilo “personal” no fueron comprendidos por el público de su tiempo y sus cuadros fueron rechazados.

Sin embargo, tendrán enorme Influencia en las vanguardias del siglo XX.

A través de sus innovaciones, estos pintores abren el camino de la renovación pictórica que supondrán los movimientos artísticos de vanguardia: cubismo, fauvismo, expresionismo.

CUBISMO

EXPRESIONISMO

FAUVISMO

CÉZANNE

VAN GOGH

GAUGUIN

Entre los pintores expresionistas, suele incluirse a personalidades individuales, como Cézanne, Van Gogh y Gauguin, así como a los pintores llamados Neoimpresionistas (Seurat, Signac) y a un pintor que tiene también rasgos modernistas como Toulouse- Lautrec.

CÉZANNE

VAN GOGH

GAUGUIN

NEOIMPRESIONISMO: SEURAT, SIGNAC

TOULOUSE- LAUTREC

Neoimpresionismo

A mitad de los años 80, algunos pintores desean llevar a las últimas consecuencias los principios del impresionismo, superándolo, especialmente de acuerdo con lo relacionado con las teorías científicas de la percepción del color.

Georges Seurat: La Torre Eiffel,

1889

Artistas como Georges Seurat y Paul Signac (en algunos momentos, Pissarro) se esfuerzan por conseguir reflejar el color, pero sin perder las formas y el volumen, que se habían diluido con el Impresionismo.

De acuerdo con los estudios científicos sobre el color, dividen los diferentes tonos en sus colores básicos , utilizando pequeños puntos o pinceladas de color que se ponen unas junto a otras, sin mezclarse ni superponerse.

Con la visión en la distancia, el espectador recompone las manchas de color y realiza la mezcla óptica de los componentes del color, recreando los diversos colores, formas y tonalidades.

El pintor analiza y descompone la realidad en las pequeñas manchas de color y el espectador reconstruye sintéticamente las formas y los colores. Paul Signac: Retrato de Felix Fénéon, 1890

Georges Seurat: Actuación circense, 1888

Estos artistas renuncian a la pintura al aire libre y componen laboriosamente sus cuadros en el estudio, pues deben descomponer las formas y colores de un modo analítico y posteriormente aplicar sus pequeñas pinceladas de colores.

También suelen realizar grandes composiciones, necesarias para conseguir los efectos deseados mediante la distancia.

Georges Seurat: Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, 1884-86

Escena de ocio típica de la época, como los impresionistas

Georges Seurat: Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, 1884-86

Mujer que lleva un mono, símbolo de lujuria: ¿insinúa que las mujeres representadas son prostitutas y esta es la amante del burgués que la lleva del brazo? ¿Singuesse-Prostitute?

Figuras estáticas, parecen congeladas

Aspecto vibrante, por la técnica de aplicar el color en pequeñas manchas

Aunque no emplea líneas, reconstruye las formas mediante los puntos de color

Formas simplificadas

Cuadro de grandes dimensiones (2,08 x 3,08 m) el óleo sobre lienzo blanco para destacar los puntos de color y pintado en estudio y que le

costó dos años realizar (34 cuadros preparatorios, más 29 dibujos)

¿Soldados en busca de las prostitutas?

Composición simétrica marcada por la mujer de la

sombrilla

Contraste de primer plano en sombra y fondo iluminado. Interés en el estudio de la luz

Composición mediante yuxtaposición de pequeños puntos de color

Composición en la que contrastan líneas horizontales y verticales (figuras, árboles)

Foco de perspectiva

¿Otras dos prostitutas? ¿Una mujer que pesca… (peces, hombres)?

Ficción de marco creado con puntos de color

Por su técnica de dividir los componentes del color, también se le ha llamado Divisionismo.

Por su modo de aplicar el color mediante pequeños puntos o manchas yuxtapuestas, también se le ha llamado Puntillismo.

Consiguen recuperar la sensación de la forma y el volumen, pero de un modo extraño, artificial, geometrizante, consecuencia de la técnica empleada, que aporta a las obras una sensación de cierto estatismo y rigidez.

Georges Seurat: Las modelos, 1884-86

INTERÉS POR LOS BAJOS FONDOS

TOULOUSE-LAUTREC

PRECEDENTE DEL ART NOUVEAU

AMBIENTES CERRADOS, ILUMINADOS CON LUZ ARTIFICIAL, QUE LE PERMITÍAN JUGAR CON LOS COLORES Y ENCUADRES DE FORMA SUBJETIVA

CREACIÓN DE COMPOSICIONES SIMPLIFICADAS Y ESTÁTICAS, BUSCANDO LA ARMONÍA DE LAS MASAS CROMÁTICAS ENCERRADAS EN PERFILES BIEN CEÑIDOS

UTILIZACIÓN DE COLORES PUROS MODULADOS

INTERÉS POR LO EXÓTICO

PRECEDENTE DEL MOVIMIENTO NABÍ Y DEL FAUVISMO

GAUGUIN

UTILIZACIÓN DE COLORES PUROS CON GRAN CARGA

EMOTIVA

CREACIONES IMAGINATIVAS A BASE DE PINCELADAS CURSIVAS QUE INTENTAN EXPRESAR LA ANGUSTIA Y EL DESCONSUELO INTERIOR

PRECEDENTE DEL FAUVISMO Y DEL EXPRESIONISMO

VAN GOGH

CONCILIACIÓN ENTRE EFECTO VOLUMÉTRICO (FRENTE AL FULGOR LUMINOSO IMPRESIONISTA QUE CASI HABÍA DESMATERIALIZADO LAS FORMAS) Y EL GUSTO PURAMENTE ESTÉTICO CONCEPCIÓN DEL CUADRO A BASE DE CUERPOS RIGUROSAMENTE GEOMÉTRICOS EMPLEO DE COLORES CONTRASTADOS PARA DEFINIR LOS PLANOS Y FORMASEFECTOS PICTÓRICOS BASADOS EN BÚSQUEDAS ESTRUCTURALES, ESPACIALES Y CROMÁTICAS

PRECEDENTE DEL CUBISMO

CÉZANNE

MATICES DE DIFERENCIA

Paul Cézanne

Tuvo una vida acomodada, que le permitió dedicarse a la pintura, básicamente en su taller de Aix-en-Provence y a veces en París. Tenía una personalidad un tanto huraña y vivió bastante aislado.

Formó parte inicialmente del grupo de los Impresionistas, pero desde muy pronto trató de desarrollar una pintura personal que superase las limitaciones de aquella tendencia.

Su obra no fue reconocida hasta después de su muerte.

Se le considera como uno de los antecesores del cubismo.

“Pintar no significa copiar el objeto, sino realizar sensaciones coloreadas".

Cézanne: Autorretrato con paleta, 1890

Sus principales temas fueron los paisajes, los bodegones y retratos (muchos de su mujer), que repetía una y otra vez, tratando de reconstruir la forma -que los impresionistas habían diluido- a través del color.

También realizó al final de su vida varias series de bañistas.

En su obra, frente a la impresión fugaz del Impresionismo, tratará de buscar lo permanente en la realidad, su estructura, su forma.

Trata de recuperar la forma, que el impresionismo había desmaterializado.

No pretende representar la realidad, sino reconstruirla, y para ello la simplifica y la descompone en sus formas geométricas más simples: prismas, cubos, esferas, pirámides…

«Quiero hacer del impresionismo algo sólido y perdurable como el arte de los museos.»

«Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender a pintar sobre la base de estas figuras simples;

después se podrá hacer todo lo que se quiera.»

Cézanne: Montaña Sainte Victoire, 1885

https://es.slideshare.net/Manuelguillnguerrero/133-postimpresionismo-simbolismo-nabis-48663135

Combina un ángulo de visión alto en la mesa, con uno frontal en el resto de elementos y objetos.

DEPARTAMENTO DE CIENCIAS SOCIALES – HISTORIA DEL ARTECopyright Colegio Escolapias Gandia info@escolapiasgandia.es www.escolapiasgandia.es

Es una clara reacción contra la desmaterialización producida por la luz impresionista.

Construye las masas y los volúmenes mediante el color, renunciando al modelado tradicional.

Los contornos aíslan las figuras del fondo y contribuyen a acentuar la sensación volumétrica.

Cézanne: Los jugadores de cartas, 1892-93

DEPARTAMENTO DE CIENCIAS SOCIALES – HISTORIA DEL ARTECopyright Colegio Escolapias Gandia info@escolapiasgandia.es www.escolapiasgandia.es

Cézanne: Los jugadores de cartas, 1892-93

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PINCELADA

PINCELADA

Claseshistoria

Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata

Paul CézanneLos jugadores de cartas

Claridad geométrica:Se reducen las formas a conos, cilindros y esferas

Pinceladas cortas en la dirección de cada objeto (perpendiculares, diagonales)

Perspectiva invertida. Los objetos avanzan desde el fondo hacia nosotros

cinco versiones del mismo tema

Composición equilibrada pero con ligera asimetría

Botella como eje central levemente desplazada a un lado

Personaje joven y corpulento aparece cortado

Personaje maduro(parece que jardinero de su padre) aparece completo con un pequeño espacio detrás

Líneas de contorno muy marcadas, delimitan figuras, dotándolas de protagonismo al margen del espacio (aíslan delentorno)

Simbología: cartas más claras = triunfo

Sombras violáceas

Predominio de colores cálidos

Protagonismo de la mesa y manos enfrentadas

En algunos casos, tanto su intento de geometrización, como su pincelada en planos amplios de color, conducirá a la práctica desaparición de las formas naturales, abriendo el camino al cubismo y a la abstracción, como se observa en algunas de sus numerosísimas vistas de la montaña Santa Victoria.

Las formas y los colores comienzan a fundirse en una trama geométrica que rompe el tradicional espacio tridimensional de la pintura clásica.

Cezanne: Mont Sainte-Victoire visto desde Les Lauves,

1902-06

Cezanne: Mont Sainte-Victoire, 1904-06

El color es el que, con sus pinceladas, crea las formas y el volumen, pero –como los impresionistas- renuncia a las graduaciones cromáticas y al claroscuro.

Aunque el color es fundamental, recupera el uso del contorno, desaparecido con el impresionismo.

Le interesan las relaciones entre la forma y el color y para ello subraya las formas mediante el color, en vez de diluirlas como los impresionistas

Cezanne: La cantera de Bibémus, 1898-99

Suele emplear una técnica metódica y rigurosa:

Pincelada de manchas rectangulares muy características, paralelas, uniformes, normalmente oblicuas, creando una especie de planos de color, que dan a su pintura un cierto aspecto facetado.

En sus bodegones, además de la reconstrucción de las formas mediante la simplificación geométrica, se percibe un avance más en la destrucción de la perspectiva renacentista, llegando a representar simultáneamente diferentes objetos contemplados desde diferentes puntos de vista.

Al introducir en el mismo cuadro diferentes encuadres y puntos de vista, se le considera un precedente del cubismo.

https://es.slideshare.net/Manuelguillnguerrero/133-postimpresionismo-simbolismo-nabis-48663135

Cezanne: Manzanas y naranjas, 1899

Recupera y reconstruye las formas y su volumen mediante el color (manchas de colores intensos contrastados), el dibujo y la simplificación geométrica.

Introduce diferentes encuadres y perspectivas de modo simultáneo en los objetos del lienzo: las manzanas y la mesa vistos desde arriba; las naranjas del frutero y la jarra, vistas de frente. Desaparece la perspectiva tradicional y el espacio parece comprimirse.

Sus retratos y las bañistas de su época final muestran también una cada vez mayor estilización y simplificación geométrica de la forma, que tanto le interesaba.

Sus rostros casi parecen máscaras de arte primitivo, inexpresivas, en el que tan interesados estaban los artistas en el tránsito del siglo XIX y XX y que tendrán tanta influencia en el cubismo. Cezanne: Las grandes bañistas, 1906

Retratos de Mme.

Cezanne

Vincent van Gogh

Nace en Holanda y desde joven muestra un carácter inquieto e inestable.

Buscará encontrarse a sí mismo, primero en la religión (llegará a ser misionero en pueblos mineros) y posteriormente en la pintura, a la que se podrá dedicar por completo por el apoyo de su hermano Theo.

De carácter atormentado, sufrió ataques de locura y se internó en un manicomio. Al final, ¿se suicidó? a los 37 años.

Su pintura no será comprendida en su tiempo (vendió solo un cuadro).

Se convertirá en un predecesor del expresionismo.

Van Gogh: Autorretrato, 1889

« No puedo cambiar el hecho de que mis cuadros no se vendan. Sin embargo, el tiempo hará que la gente reconozca que mis cuadros valen más que el

valor de las pinturas utilizadas en él.»

Su formación autodidacta, su trayectoria vital , su espiritualidad y su visión personal de la vida originarán una pintura personalísima de enorme expresividad.

Parte de la realidad, pero su pintura se convierte en un medio de expresión de sus sentimientos, a través del empleo de todos los recursos pictóricos: el color, la luz, la pincelada, la deformación expresiva….

La pintura se convertirá en un medio de expresión de su personalidad atormentada. Van Gogh: Campo de trigo con cipreses, 1889

“Las pinturas tienen una vida propia que se deriva del alma del pintor.”

En su primera etapa, influido por su espiritualismo, y religiosidad realiza algunas pinturas conectadas con el Realismo.

Son cuadros muy oscuros, en ambientes sombríos, con escenas en las que denuncia la miseria de las clases más desfavorecidas.

No obstante, frente a un realismo objetivo, Van Gogh trata de acentuar la expresividad de sus escenas mediante el uso de la luz (al estilo de los pintores barrocos holandeses) y mediante la deformación expresiva de los personajes, casi caricaturizando, al estilo de Daumier.

Van Gogh: Los comedores de patatas, 1885

Viaja a París en 1886 y toma contacto con los impresionistas (y divisionistas) y queda deslumbrado por su luz y por su técnica.

Se apasiona por el uso de los colores luminosos y brillantes y su paleta se aclarará.

También experimenta con la teoría del color, con sus contrastes, con la complementariedad…

Comenzará a emplear una pincelada empastada, en toques cortos, muy expresiva.

A partir de ahora olvidará los temas populares y se centrará en el paisaje y en el retrato.

Van Gogh: El Restaurante de la Sirene en Asnieres, 1887

«Estaba buscando contrastes a través del naranja y el azul, el rojo y el verde, el amarillo y el violeta; buscando tonos quebrados o neutros para armonizar los extremos. Es una búsqueda para conseguir que el color sea intenso, no para lograr una armonía opaca.»

«Y no me extrañaría mucho que dentro de un tiempo los impresionistas se pusieran a criticar mi manera de trabajar, más bien fecundada por las ideas de Delacroix que por las suyas. Pues en lugar de reproducir con exactitud lo que tengo delante de los ojos, prefiero servirme arbitrariamente del color para expresarme con más fuerza.»

Van Gogh: Puente sobre el Sena en Asnieres, 1887

También conoce la moda del Japonismo y queda prendado por su simplicidad , por sus contornos rápidos y sinuosos, por los colores puros y vibrantes, por la carencia de perspectiva y por los efectos vigorosos y directos de las estampas japonesas.

Van Gogh: Retrato de Père Tanguy, 1887-88

«El arte japonés es algo así como los primitivos, como los griegos, como nuestros antiguos holandeses, Rembrandt, Potter, Hals, ….»«De alguna forma todo mi trabajo se funda en el arte japonés.»

Hiroshige : El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina (1857); Van Gogh : Japonaiserie: Puente bajo la lluvia, (1887)

Irises (Ogata Korin) Van Gogh: Lirios, 1889.

En febrero de 1888 se traslada a Arlés en busca de un clima más apacible y de los colores intensos de la Provenza.

Allí se instalará y desarrollará su estilo más característico, pintando más de 200 cuadros: paisajes al aire libre, retratos, interiores, flores…

“En cuanto a lo de quedarme aquí en el Midi, aunque sea más caro, veamos: nos gusta la pintura japonesa, hemos experimentado su influencia, todos los impresionistas tienen eso en común, y ¿no iríamos a Japón, es decir, al equivalente del Japón, el Midi? Creo, pues, que, después de todo, el futuro del nuevo arte está todavía en el Midi… “

“Puente de Langlois con Lavanderas”, 1888“La habitación de Arlés”, 1888

“Noche estrellada sobre el Ródano”, 1888

“La llanura de la Crau cerca de Arlés”, 1888

Se instalará en la llamada Casa Amarilla, donde pretenderá crear una comunidad de artistas.

Allí acudirá Gauguin, con quien convivirá una temporada, en una relación tempestuosa que culminará en el famoso episodio de la mutilación parcial de la oreja por parte de Van Gogh y la marcha de Gauguin.

Ambos artistas se influirán mutuamente: en el caso de Van Gogh, especialmente en una pintura más expresiva mediante el uso subjetivo del color, el empleo de líneas de contorno y no pintando siempre directamente del natural.

Van Gogh: La casa amarilla, 1888

Van Gogh: Autorretratos con la oreja cortada, 1889

“Quería ver una luz diferente; creí que observar la naturaleza bajo un sol más claro podría dar una idea más

cabal de la manera en que sienten y dibujan los japoneses”.

En su colaboración, llegarán a pintar juntos, incluso los mismos motivos

Van Gogh: : Mme. Roulin, 1888

Gauguin: Mme. Roulin, 1888

Gauguin: Café nocturno, 1888

Van Gogh: Café nocturno, 1888

Van Gogh hará un uso subjetivo del color, que se convertirá en vehículo de sus emociones y sentimientos, trasladando sus estados de ánimo a la pintura y a los objetos representados. El color no tiene porqué corresponderse con la naturaleza.

El color tendrá para él una función simbólica y expresiva.

Empleará colores vivos puros, en muchos momentos con contrastes de colores muy agresivos y expresivos, muchas veces yuxtaponiendo colores complementarios o muy próximos en el espectro tonal.

«Hay cosas en el color que surgen en mí mientras pinto, cosas grandes e intensas.»

«Los verdaderos pintores son aquellos que no hacen el color local”.»« El color, como tal, expresa alguna cosa, es inconcebible ignorarlo y hay

que aprovecharlo. »

Van Gogh: “La silla de Vincent, con pipa”, 1888 “La silla de Gauguin”, 1888

“Yo busco ahora exagerar lo esencial. No quiero reproducir exactamente lo que tengo delante de los ojos, sino que me sirvo

arbitrariamente del color para expresarme con más fuerza.”

Van Gogh: Café nocturno, 1888

«En mi cuadro Café nocturno altero el color del techo y las paredes, se trata de un lugar donde uno se puede buscar la ruina, volverse loco o cometer crímenes.

He tratado de expresar con el rojo y el verde las terribles pasiones humanas. La sala es rojo sangre y amarillo apagado, con una mesa de billar verde en el centro y cuatro lámparas amarillo limón con un resplandor anaranjado y verde.

Por todas partes se ve un choque y un contraste de verdes y rojos muy diferentes; en las figuras de los rufianes que duermen, empequeñecidos por la sala vacía de techo alto, algún tono violeta y azul.

El rojo sangre y el verde amarillento de la mesa de billar, por ejemplo, contrastan con el verde pálido del mostrador, donde hay un ramo de flores rosas. Las ropas blancas del patrón, que vigila desde un rincón de este horno, se vuelven amarillo limón, verde pálido y luminoso.”Carta a Theo del 8-IX-1988

Van Gogh consideraba que era uno de los cuadros más feos que había pintado nunca, al mismo nivel de fealdad que “Los comedores de patatas”. Feo en el sentido de que resultaba incómodo y desagradable a la vista.

http://www.elcuadrodeldia.com/post/92029746101/vincent-van-gogh-le-caf%C3%A9-de-nuit-1888-%C3%B3leo

“En lugar de reproducir exactamente lo que tengo ante los ojos, empleo el color mas arbitrariamente, con objeto de expresarme con mayor vigor....Pienso en el hombre a quien tengo que pintar , terrible en ese horno que es la siega en pleno sol del sur. De ahí las fuertes tonalidades anaranjadas, tan vividas como un hierro candente, y de ahí los luminosos tonos de oro viejo en las sombras.”

Van Gogh: Retrato de Pacience Escalier, 1888

“Aquí tienes un cuadro nocturno sin negro, sólo con un bello azul, con violeta y verde; y en este ambiente la plaza iluminada se tiñe de un pálido amarillo azufre y un verde limón.”

Van Gogh: Terraza de café de noche, 1888

Su pincelada será también muy expresiva, llegando a convertirse en una prolongación de su propio mundo interior.

Frente a la pincelada corta impresionista, empleará una mucho más fuerte, larga, sinuosa, ondulante… llegando en algunos casos casi a la espiral o a un aspecto flamígero.

Con esas largas pinceladas aplicará un color que se irá haciendo cada vez más abundante y pastoso.

Van Gogh: Noche estrellada, 1889

Las reglas de la perspectiva tradicional también serán alteradas por Van Gogh de un modo consciente, a través de deformaciones expresivas y del aplanamiento de las formas.

Influenciado por la estampa japonesa y por Gauguin, suele remarcar las líneas de contorno en los objetos.

Van Gogh: Habitación en Arlés, 1888

“ Esta vez simplemente reproduce mi habitación; sólo el color tiene que hacerlo todo, dando un estilo grandioso a los objetos con su simplificación , llegando a sugerir un cierto descanso o sueño. Bueno, he pensado que al ver la composición dejamos de pensar e imaginar. He pintado las paredes de violeta claro. El suelo con el material jaqueado. La cama de madera y las sillas, amarillas como mantequilla fresca; la sábana y las almohadas, de verde limón claro. La colcha, de color escarlata. La ventana, verde. El lavabo, anaranjado; la cisterna, azul. Las puertas, lila. Y, eso es todo. No hay nada más en esta habitación de contraventanas cerradas. Las piezas del mobiliario deben expresar un descanso firme; también, los retratos en la pared, el espejo, la botella, y algunas ropas. “

Van Gogh: Habitación en Arlés, 1888

“El color blanco no se aplica al cuadro, así que su marco será blanco, con la pretensión de conseguir el descanso obligatorio que me recomiendan. No he representado ninguna clase de sombra; sólo he aplicado simples colores planos, como los de las crêpes.”

Emplea de modo expresivo todos los elementos pictóricos, el color, la pincelada, el empaste, la luz…

También realiza deformaciones expresivas de los objetos o personajes representados de acuerdo con su propio mundo interior:

La pintura se convierte en una expresión subjetiva y personal, totalmente libre del propio artista, no una visión científica y objetiva de la realidad.

Van Gogh: “Camino con cipreses bajo un cielo estrellado”, 1890

Van Gogh: Retrato del doctor Gachet, 1890

Emplea de modo expresivo todos los elementos pictóricos, el color, la pincelada, el empaste, la luz…

También realiza deformaciones expresivas de los objetos o personajes representados de acuerdo con su propio mundo interior:

La pintura se convierte en una expresión subjetiva y personal, totalmente libre del propio artista, no una visión científica y objetiva de la realidad.

Tras el episodio psicótico que le condujo a la mutilación de la oreja, por el que ingresó voluntariamente en un sanatorio en Saint-Rémy, su pintura se irá haciendo cada vez más expresiva, fruto de su atormentada vida interior.

Van Gogh: Segador en campo de trigo,

1889

Tras el episodio psicótico que le condujo a la mutilación de la oreja, por el que ingresó voluntariamente en un sanatorio en Saint-Rémy, su pintura se irá haciendo cada vez más expresiva, fruto de su atormentada vida interior.

Van Gogh: Olivos, 1889

“Olivos”, 1889

“Los árboles azotados

por el viento eran

espléndidos; en cada figura podría

mostrar un drama.

Tras el episodio psicótico que le condujo a la mutilación de la oreja, por el que ingresó voluntariamente en un sanatorio en Saint-Rémy, su pintura se irá haciendo cada vez más expresiva, fruto de su atormentada vida interior.

Van Gogh: Noche estrellada, 1889

Claseshistoria

Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata

Vincent Van GoghNoche estrellada

Contraste entre formas rectas del pueblo muy empequeñecido y la profusión de curvas y contracurvas del cielo y la vegetación

Cipreses flamígeros dan verticalidad que equilibra horizontalidad decielo

Pinceladas enérgicas, sinuosas y cargadas de color puro que contrastan de modo violento

Estrellas y luna representadas por torbellinos amarillos rodeadas de pinceladas blancas en dinámica relación con cielo azul

Espirales de color acentúanagitación

Contornos muy marcados con líneas oscuras

Resplandeciente banda aumenta contraste entre espacioterrenal y celestial

« Cuando siento necesidad de religión, salgo de noche y pinto las estrellas. »

Su pintura evoluciona hacia lo que será totalmente característico de su pintura: la exaltación del color, que se convierte en vehículo de transmisión de sentimientos y emociones. A través del color el artista se expresa con una pincelada continua, fuerte y agresiva, aplicando un color abundante y pastoso. Sus problemas psíquicos hacen que su pintura sea cada vez más exaltada, reflejo de su atormentada vida interior.

Las grandes espirales y remolinos intensificaban la sensación de dramatismo en sus obras. Hay un contraste entre la verticalidad de los cipreses y la horizontalidad predominante en el cielo estrellado.

Contraste entre formas rectas del pueblo muy empequeñecido y la profusión de curvas y contracurvas del cielo y la vegetación.

Las espirales de color acentúan agitación Contornos muy marcados con líneas

oscuras. Una resplandeciente banda aumenta

contraste entre espacio terrenal y celestial.

Las estrellas y la luna representadas por torbellinos amarillos rodeadas de pinceladas blancas en dinámica relación con cielo azul.

Pinceladas enérgicas, sinuosas y cargadas de color puro que contrastan de modo violento.

Cipreses flamígeros dan verticalidad que equilibra horizontalidad de cielo. “La noche estrellada”, 1889

https://es.slideshare.net/arelar/van-gogh-46695726

Van Gogh: Campo de trigo con cuervos, 1890

“Son inmensos campos de trigo bajo un cielo amenazador, y no necesito salir de mí para expresar la tristeza y la soledad extrema… …creo que estos lienzos te dirán lo que no puedo decir con palabras…”

Paul Gauguin

Llevó una vida burguesa y acomodada, pero decide abandonarlo todo y dedicarse a su auténtica vocación, la pintura.

Conoce a los impresionistas y llega a exponer con ellos, pero –insatisfecho- decide buscar una vida más sencilla y nuevas fuentes de inspiración alejadas del mundo moderno y marcha a Bretaña, las Antillas y –tras varias estancias en París y una con Van Gogh en Arlés- a la Polinesia francesa.

Gauguin: Autorretrato con sombrero, 1893

Gauguin no se siente a gusto con la sociedad europea de su época y rechaza en gran medida el arte de la tradición occidental, buscando su inspiración en culturas y estilos menos contaminados, más auténticos, con valores primitivos que no estuviesen corrompidos por la civilización occidental moderna:

• El mundo rural de Bretaña y sus tradiciones arcaicas.

• El mundo medieval.

• El arte egipcio y del Próximo Oriente.

• La estampa japonesa.

• Las culturas primitivas:

De los pueblos antillanos.

Especialmente, de la Polinesia.

Es una especie de búsqueda del paraíso perdido y la pureza del arte de las culturas primitivas.

“Amo la Bretaña. Encuentro en ella lo rústico, lo primitivo. Cuando mis zuecos de madera retumban sobre este suelo de granito, escucho el tono sordo, monótono y vigoroso que trato de lograr en la pintura.”

"Debes recordar que tengo una naturaleza dual, la del indio y la del sensible hombre civilizado. El último ha desaparecido, lo que permite al primero tomar la delantera".

“Me voy para estar tranquilo, para estar alejado de la influencia de la civilización. No quiero hacer más que un arte sencillo, muy sencillo. Para ello es necesario introducirme en la naturaleza virgen, de vivir mi vida sin otra preocupación que atender, como lo haría un niño, las concepciones de mi cabeza con la ayuda de medios de arte primitivos, los únicos buenos, los únicos verdaderos.”

Tras unos inicios influido por el Impresionismo y, especialmente por Pissarro, se traslada a Pont Aven, en Bretaña, junto con un grupo de jóvenes pintores como Émile Bernard. Allí toma contacto con el simbolismo literario e influenciado por Bernard, comienza a desarrollar su propia síntesis personal de la pintura, en la que confluirán la influencia de Cézanne, el primitivismo, el sencillo arte medieval popular, el simbolismo, la estampa japonesa…

Émile Bernard: Le blé noir, 1888

Gauguin: El Sena en el puente de Jena, 1875

Gauguin: El baile de las niñas bretonas, 1888

Con las obras que realiza en esta época, su pintura reniega del pretendido objetivismo y naturalismo impresionista y comienza a desarrollar una pintura cargada de significados subjetivos.

De acuerdo con sus nuevos postulados (“Sintetismo”), el arte no debe reflejar la realidad física externa de las cosas, sino que es una recreación imaginativa del interior del artista, de su imaginación.

El arte debe transmitir ideas y pensamientos: la forma y el color se subordinan a la idea.

Lo que hay que pintar es la idea que elabora el pintor después de su experiencia, quitando lo superfluo y reteniendo la esencia. Así se consigue la síntesis de forma y color.

“No pintes demasiado de la naturaleza, el arte es una abstracción; deriva esta abstracción de la naturaleza mientras sueñas ante ella

y piensa más en la creación que resultará de ella.”

Gauguin: La Bella Ángela, 1889

Las principal herramienta para esta nueva pintura será el color, que se convertirá en simbólico, empleándolo de modo arbitrario para recrear un mundo más espiritual que real.

Libera al color de la misión de retratar la realidad tal y como aparenta, buscando con él la máxima intensidad expresiva y apostando por su fuerza emocional y su contenido simbólico . El color estará al servicio del significado simbólico o la idea del cuadro, sin someterse a la apariencia de la realidad, por lo que se le considerará precursor del fauvismo del siglo XX.. Gauguin: Los árboles azules, 1888

Gauguin abandonará la pincelada fragmentada de los impresionistas y aplicará el color en grandes superficies delimitadas por líneas muy marcadas.

También renuncia a representar las variaciones de la luz en los objetos, las sombras, el modelado y el claroscuro, y los sustituye por colores planos, fuertes y vivos, muchas veces muy contrastados, pues lo que le interesa es la exaltación del color en su componente simbólica y expresiva.

Las manchas de color se delimitan por gruesos contornos de líneas continuas, recordando la estructura de las vidrieras góticas (cloisonismo).

Gauguin: El Cristo amarillo, 1889

Simplificación de las formas de la realidad y uso de figuras planas, pues lo que le interesa no es reflejar la realidad sino transmitir un mensaje simbólico.

Probable influencia tanto de la pintura japonesa como de la búsqueda de sencillez que encuentra en el primitivismo (en Bretaña del arte popular y medieval y, más tarde, en el arte polinésico).

Gauguin: El Cristo amarillo, 1889

Claseshistoria

Historia del Arte© 2006 Guillermo Méndez Zapata

Paul GauguinEl cristo amarillo

Características generales:composiciones simples, formas muy básicas, colores lisos en amplias superficies, antinaturalistas, simbólicas, etc.

Utiliza una temática medieval trasladándola a la época contemporánea (personas arrodilladas alrededor de un crucifijo).

Simbolismo en la pintura

Fuertes contrastes cromáticos (amarillo de cristo y paisaje, rojo de árboles, azul de vestidos y cielo, cofias blancas)

Composición equilibrada con cierta asimetría

Mujeres bretonas ocupan tres lados

Cristo ligeramente desplazado

Espacio libre que permite mirar paisaje, invitando al espectador a ocupar el hueco

Deja al descubierto en algunas zonas la tela, dándole más luminosidad

Perfiles de las figuras claramente delineados (cloisonismo)

Color expresivo, desvinculado de la descripción naturalista

Renuncia expresamente al naturalismo y a la perspectiva, con escalas desproporcionadas en sus personajes y elementos, apelotonamiento de planos.

Suprime el modelado y lo sustituye por grandes áreas planas de color.

El cuadro produce una sensación plana, carente de tercera dimensión, como en la pintura románica o en la estampa japonesa.

Gauguin: El Cristo amarillo, 1889

Gauguin: Visión después del Sermón, 1888

En obras como Visión después del Sermón (1888), muestra su gusto por temas de carácter espiritual, alegórico cargados de simbolismo, representando incluso visiones, vinculadas con el mundo de las creencias populares o –más tarde- de las culturas primitivas de la Polinesia.

No hay nada más lejano del pretendido naturalismo de la pintura realista o impresionista.

Gauguin: Visión después del Sermón, 1888

En el cuadro crea una atmósfera ilusoria, visionaria, donde un grupo de mujeres, tras escuchar el sermón del cura sobre el relato de la lucha de Jacob y el ángel, asisten a una visión del acontecimiento, en una sensación confusa entre el mundo real y el de las creencias religiosas, tan sólo separada por el tronco del árbol.

Busca la sencillez y originalidad de lo popular de la Bretaña francesa en una escena que expresa su sentimiento religioso tradicional.

Gauguin: Visión después del Sermón, 1888

Mezcla elementos del mundo natural con los elementos del mundo sobrenatural, del más allá, de las creencias.

Simplificación de formas, reducidas a lo esencial.

Uso del simbólico del color, para resaltar el contenido espiritual de la escena

Vaca y manzano: elementos simbólicos alusivos a Bretaña

Composición separada diagonalmente por el árbol, separando los dos mundos y recordando a la estampa japonesa

Colores vivos, planos y contrastados en grandes manchas planas, carentes de sombras

Figuras rodeadas por contornos oscuros

Desaparición de la perspectiva: tamaños de las figuras , unas muy grandes y otras muy pequeñas, que no se corresponden con su situación real en el espacio: todo contribuye a la sensación de una “aparición”

Empleo de diferentes puntos de vista en los elementos del cuadro

Ausencia de tercera dimensión para transmitir mensajes simbólicos, aspecto plano, influencia estampa japonesa

Viajará a Tahití y las islas Marquesas en busca de ese mundo primitivo, salvaje , virgen y exótico que ansía descubrir.

Allí desarrolló una pintura cargada de simbolismo en la que combina los rasgos sintéticos que había desarrollado en Bretaña con el color, la naturaleza, el primitivismo, la inocencia y pureza de la vida y las creencias de los indígenas polinesios, la belleza de sus mujeres…

“Sólo quiero crear un arte sencillo. Para ello necesito empaparme de una naturaleza virgen, no ver nada más que salvajes… “ “…sin otra preocupación en el mundo más que expresar, como lo haría un niño, las impresiones de mi mente, usando sólo el medio del arte primitivo; el único medio correcto, el único medio verdadero.”

Gauguin: Mujeres de Tahití, 1891

Gauguin: ¿Cuándo te casas? 1892

Gauguin: Érase una vez, Mata mua, 1892

Gauguin: El Mercado. Ta matete, 1892

Esta obra representa unas prostitutas que se ofrecen en el mercado de Papeete, probablemente criticando como la civilización occidental va destruyendo la inocencia de las islas de los Mares del Sur.

La obra está llena de primitivismo, combinando la representación de una escena de Tahití con la influencia del arte egipcio, que Gauguin valoraba por encima de cualquier otro arte antiguo por su simplicidad y esquematismo.

"La verdad es... el arte primitivo, el más sabio de todos, es Egipto".

Los dos pescadores del fondo, también están inspirados en personajes de pinturas o grabados de tumbas egipcias.

En la composición Gauguin se inspira en una pintura egipcia, representando a las mujeres del primer plano con la típica frontalidad del arte egipcio (combinando partes del cuerpo de frente y otras de perfil) y en poses estilizadas típicas del arte egipcio.

Vestidos que parecen túnicas egipcias

Figuras planas, carentes de volumen, constituidas por manchas planas de colores vivos recortadas sobre el fondo

El detallado pareo es influencia del arte japonés

Empleo arbitrario del color: los colores no se corresponden con la naturaleza sino con la imaginación (troncos de los árboles azul-morado; suelo del primer plano anaranjado; cielo del fondo amarillo

Simplicidad de formas, primitivismo: influencia del arte egipcio

Contornos remarcados que enmarcan las manchas de color.

Carencia de perspectiva: las figuras se recortan sobre el fondo

Empleo de un encuadre fotográfico, recortando la figura de la derecha.

El paisaje y los colores transmiten serenidad , inocencia y frescura frente a la cultura occidental

Visión desde diferentes puntos de vista (cuerpo de frente, pie de perfil).

Gauguin: El Mercado. Ta matete, 1892

Líneas curvas en las formas de las mujeres: influencia del arte oriental y egipcio

Gauguin: ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos?, 1897

“¿Adónde vamos? Junto a la muerte de una vieja, un pájaro extraño, estúpido lleva todo a su final. ¿Quién somos? Existencia diaria. El hombre instintivo se pregunta lo que quiere decir todo esto.¿De dónde venimos? La fuente, el niño, la vida en común.. El pájaro concluye el poema comparando el ser inferior frente al ser inteligente en este gran todo que es el problema enunciado por el título.Tras un árbol dos siniestras figuras, envueltas en ropas de color triste, ponen detrás del árbol de la ciencia su nota de dolor causada por esta misma ciencia, incluso en comparación con unos seres simples en la naturaleza virgen que podría ser un paraíso de concepción humana dejándose llevar por la alegría de vivir.” Gauguin

Abrumado por sus problemas financieros, con las autoridades de la isla, con problemas de salud, agobiado por la sífilis y el alcoholismo, y tras la muerte de su hija Alines, Gauguin intentó suicidarse y en esta obra deja su testamento pictórico y

vital, pleno de simbolismo.

Gauguin: ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos?, 1897

“Sobre una tela de saco llena de nudos y rugosidades; de ahí que su aspecto sea tremendamente zafio (...). En la parte inferior derecha, un bebé dormido y tres mujeres en cuclillas. Dos figuras vestidas se comunican sus pensamientos; una figura enorme intencionadamente y a pesar de la perspectiva, también en cuclillas, levanta el brazo y mira extrañada, a los dos personajes que osan pensar en su destino. Una figura central coge una fruta. Un par de gatos junto a un niño. Una cabra blanca. El ídolo, con ambos brazos alzados misteriosa y rítmicamente parece indicar el más allá. Otra figura reclinada parece escuchar al ídolo; finalmente una vieja, próxima a la muerte, parece aceptar y resignarse a lo que piensa; a sus pies, un extraño pájaro blanco, sujetando con su pata a un lagarto, representa la inutilidad de las palabras vanas. Todo transcurre junto a un riachuelo, a la sombra de los árboles. A pesar de los cambios de tonalidad, el paisaje es constantemente azul y verde Veronés. Sobre él, todas las figuras desnudas destacan por su intenso color naranja". Gauguin

Su obra abre las puertas al simbolismo:

«La obra de arte tiene que ser conceptual, pues su único ideal debe ser la expresión de la idea».

«La obra de arte tiene que ser sintética, porque traza sus formas y signos de acuerdo con un tipo general de comprensión.»

«La obra de arte tiene que ser subjetiva, porque el objeto no es visto nunca como objeto, sino más bien como signo que es percibido por el sujeto.»

Émile Aurier, “Gauguin o el simbolismo en la pintura”, 1891

Gauguin: “Autorretrato con nimbo”, 1889

También tendrá gran influencia en los pintores llamados los Nabis (profetas), que querrán realizar un arte nuevo basado en una síntesis de simplificación formal, espiritualidad, ornamentalidad, colores intensos que no se corresponden con la realidad.

“Él nos liberaba de todas las imposiciones que la idea de

copiar (la naturaleza) aportaba a nuestros instintos de pintor”

Maurice Denis

«¿Cómo ves ese árbol? ¿Es realmente verde? Pues usa

verde, el verde más hermoso que tengas en tu paleta. ¿Y la sombra? ¿Mejor en azul? No

escatimes azul entonces». Gauguin a Paul Sérusier

Paul Sérusier: El Talismán, 1888

Su empleo libre, simbólico y expresivo del color tendrá gran influencia en el Fauvismo e, incluso, en el expresionismo.

Su interés por las civilizaciones primitivas será también muy del gusto de las vanguardias del siglo XX.

Ernst Ludwig Kirchner: Autorretrato como soldado, 1915Henri Matisse: Armonía en rojo, 1908

Henri de Toulouse-Lautrec

Perteneciente a una familia aristocrática, sufre un grave accidente siendo un adolescente, que impide el crecimiento de sus piernas y le origina graves problemas de salud y de infelicidad y amargura a lo largo de su vida.

Se refugia en los ambientes bohemios de la noche parisina: los cabarets, los cafés cantantes, los burdeles, teatros, circos y el alcohol.

En su obra refleja esos ambientes con luces nocturnas y artificiales y convierte a esos personajes (bailarinas, cantantes, comediantes, artistas, prostitutas…) en protagonistas de sus cuadros, litografías y carteles.

Toulouse-Lautrec: La inspección médica, 1894Toulouse-Lautrec: La Goulue llegando al Moulin-Rouge, 1892

Es un gran dibujante (que admira a Degas) y en sus obras emplea trazos nerviosos, rápidos, de aspecto sinuoso, emparentados con el arte japonés y el Art Nouveau, que le permiten captar los personajes y el movimiento con pocos trazos.

En su obra suele emplear –influenciado por la estampa japonesa- figuras con claros contornos y con empleo de manchas de colores planos, vibrantes, contrastados.

Toulouse-Lautrec: Baile en el Moulin-Rouge, 1890

Toulouse-Lautrec: El Salón de la Rue des Moulins, 1894

También destaca su tendencia expresiva, casi caricaturesca en los retratos de los personajes, deformándolos, estilizándolos, acentuando sus rasgos…

Tiene una gran capacidad para captar la psicología de sus personajes, de sus gestos, muchas veces exagerándolos para lograr mayor expresividad.

Toulouse-Lautrec: Resaca: la bebedora, 1887-88

Emplea encuadres en ocasiones sorprendentes, con figuras en primeros planos, silueteadas, recortadas, a veces en escorzos muy expresivos.

Se le considera uno de los padres del cartelismo moderno, por los carteles que realiza especialmente para los cafés teatro y cabarets que frecuenta.

Toulouse-Lautrec: La Goulue en el Moulin-Rouge, 1891

Toulouse-Lautrec: Jane Avril en el Jardin de Paris, 1893

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