PALABRAS EN

MOVIMIENTO TALLER DE PERIODISMO Y DANZA - TEXTOS

Actividad paralela al 28º Certamen Coreográfico de Madrid - 2014

Una iniciativa de Paso a 2

Sobre “Atávico” de Poliana Lima

ASALTO EN EL 28º CERTAMEN COREOGRÁFICO

DE MADRID por Sarah Cabello Schoenmakers

Con un principio inesperado, impactante y violento

acompañado por el sonido producido por una cuerda

al golpearse con el suelo, presenta Poliana Lima su

obra Atávico, galardonada con el primer premio en el

28º Certamen Coreográfico de Madrid, además del

premio otorgado por el público y el Premio de la Crítica.

La bailarina y coreógrafa brasileña afincada en Madrid desde

2010, muestra en su obra un lenguaje propio y personal, a

través de una propuesta física, de riesgo, tensión y violencia

que mantiene en estado alerta y conecta por completo durante

el transcurso de la obra.

Atávico, interpretada por tres bailarines profesionales y

un bailarín amateur, con música original del compositor

francés Vidal, tiene como motor “la relación entre la memoria,

la violencia y el cuerpo”. La coreógrafa utiliza el trato de unos

cuerpos, llevándolos al límite donde prima la resistencia.

Son cuerpos que, tras el impacto, se abandonan en

contraposición de la figura de “un poder” que parece no

inmutarse. Fuertes cuerpos sin límite que luchan por no detener

su impulso en un estado de alerta, que a su vez se desploman

quedando inertes. Así genera un ambiente expectante que no

cesa, reforzado con un acompañamiento musical y efectos

sonoros que completan de forma acertada el sólido y enérgico

paisaje que propone la creadora. Divide y contrasta escenas

forzando la elección del espectador que contempla la obra, sin

dejar lugar al vacío, ni a un espacio deshabitado, ni a la ruptura

del ritmo de la pieza.

La escena que concluye la obra traslada al espectador a un

estado de calma tras la intensa travesía de sensaciones

experimentadas, transmitida por unos luchadores a través de

sus sólidos y resistentes cuerpos. Esta escena inunda el

espacio de un aire fresco y agradable, un toque especial y

sensible, proporcionado por una de las intérpretes que con su

elegante presencia y continuos giros con los ojos cerrados

hipnotiza al espectador, y lo despide con un dulce y plácido final.

Poliana Lima desprende una voz y estilo propio. Con una

profunda investigación y un sólido trabajo, apunta bien alto hacia

un futuro con protagonismo en la escena de la danza

contemporánea.

Coreografía: Poliana Lima

Intérpretes: Aitor Galán, Ángel Perabá, Lucía Marote y Marina Bruno

Música: Vidal Atávico

Iluminación: Pablo Seoane

Vestuario: Poliana Lima

Fecha y lugar: 11 de diciembre de 2014 – Conde Duque, Madrid

Sobre “Atávico” de Poliana Lima

¿CUÁNTO PUEDE UN CUERPO RESISTIR?

por María Roig

Poliana Lima nació en Brasil pero reside en Madrid

desde 2010. Es mujer, es joven, es coreógrafa y es

inmigrante. Formada paralelamente en danza y sociología,

lleva a sus espaldas varios años de recorrido en la creación

de solos y dúos que se han mostrado dentro y fuera del

circuito convencional. Asumiendo el riesgo que supone dirigir

una pieza desde fuera por primera vez, presenta Atávico a la

28ª edición del Certamen Coreográfico de Madrid, una obra

que explora la relación entre la memoria, la violencia y el

cuerpo, y que ha resultado ganadora absoluta del evento

llevándose los premios del Jurado, la Crítica y el Público.

La pieza se abre con el sonido sordo de unos pies

saltando rítmica y bruscamente a la comba en el escenario

aún a oscuras, una entrada coherente y contundente que

presagia el carácter intenso, abrupto y arriesgado de una

obra que destila fisicalidad, violencia, poesía y crudeza a

partes iguales. Cuatro intérpretes, tres de ellos en ropa

interior negra mostrando sus bellos cuerpos fuertes,

esculpidos y trabajados frente a un cuarto que, bajo su ropa

de calle presenta una corporalidad totalmente opuesta a los

primeros; se reparten en escena el peso, los golpes y la locura

en una obra cargada de imágenes que cuestiona con y desde

el propio cuerpo tanto la política como la identidad, la estética y

la misma danza.

Lima se apoya en su doble mirada de artista y socióloga,

además de en su condición de extranjera, para reflexionar sobre

la memoria de su país de origen. En el último siglo Brasil, que

ha pasado de la República a una dictadura militar para volver a

la República, ha aprendido a vivir entre la pobreza y la violencia.

Y la resistencia -física y política- florece como única arma y

respuesta al alcance tanto de la sociedad como de los

individuos. En la escena, igual que en la calle, los intérpretes

resisten los choques, las caídas y el agotamiento con un

lenguaje predominantemente físico, que tampoco impide a la

coreógrafa crear momentos poéticos con gran sutileza.

Sugerente es el contraste entre dos cuerpos que se mueven de

formas diametralmente opuestas: la vulnerabilidad, fragilidad y

belleza de uno en relación con la agresividad, violencia y poder

del otro no sólo pone en tela de juicio todos los códigos

estéticos y sociales establecidos alrededor del cuerpo y el

género sino que además, y apoyado por la fuerza de la banda

sonora, alcanza uno de esos momentos de verdad y poesía

escénica que agitan el alma.

Sobre “I see the problem, not the solution”

de María de Dueñas e Ivan Mijacevic

¿Y SI LA SOLUCIÓN NO EXISTE?

por Nathalie Remadi

I see the problem, not the solution abrió la segunda noche de

la 28° edición del Certamen Coreográfico de Madrid,

sembrando un viento provocador por el teatro del Conde

Duque. La propuesta más atrevida, quizás, del concurso

coreográfico, pone en escena un trío (una bailarina, un

bailarín y un músico) donde la espontaneidad del movimiento

y sonido, produciéndose a la vez en directo, dan lugar a una

partitura improvisada desconcertante. Efectivamente, según

los coreógrafos-interpretes, María de Dueñas e Ivan Mijacevic,

lo que importa no es la finalidad sino más bien lo que está

ocurriendo, lo que puede surgir de un instante al otro en los

confines del azar y la fragilidad de la incertidumbre o la belleza

de la coincidencia.

Ambos se formaron en sitios donde el arte contemporáneo es

muy orientado hacia la experimentación, investigación e

innovación (Bruselas, el Salzburg Experimental Academy of

Dance en Austria). Por lo tanto, I see the problem, not the

solution es una metáfora materializada de lo que es, en sí, un

proceso de creación.

La pieza se divide en dos escenas distintas sin que la relación

que las une sea muy identificable, con lo cual pueda dejar el

espectador dubitativo. Desde luego, la dramaturgia de la obra es

cuestionable y mientras unos verían ahí un fallo en la

composición o un acto gratuito sin sentido, otros reconocerían

una manera eficiente de romper con lo convencional y trastornar

las expectativas del público. De hecho, la pieza desvela una

comunicación deshumanizada a la imagen de nuestra sociedad

confusa y dispersa. En el escenario, todo se hace impersonal, el

otro se convierte en un médium igual que el aire, el suelo, o los

sonidos percutientes de la guitarra eléctrica.

La idea de problema de comunicación esta trasladada a la

relación obra-público con la intención de perturbar al público.

Los tres protagonistas habitan el mismo espacio-tiempo pero no

buscan la armonía sino se dejan guiar por sus impulsos, se

abandona al imprevisible para dejarse sorprender, desafiando

las leyes de la gravedad y mas allá las del espectáculo

convencional. Si uno puede encontrar difícil conectar con la

pieza, al menos, no le puede dejar indiferente.

Coreografía e intérpretes: María de Dueñas e Ivan Mijacevic

Música: Gasper Piano

Escenografía y vestuario: la compañía

Iluminación: la compañía con la colaboración de Pierre Williams

Fecha y lugar: 11 de diciembre de 2014 – Conde Duque, Madrid

Sobre “Postskriptum” de Francisco Córdova

CUERPO EN DESPEDIDA por Patricia Granados

El 10 de diciembre de 2014 alrededor de las 20 horas y durante

15 minutos, dos cuerpos tomaron el protagonismo haciendo del

teatro del Conde Duque un espacio cálido e intimista. Y es que

en un abrir y cerrar de ojos Francisco Córdova nos emerge en

una atmosfera cargada de nostalgia. Como si de un recital

poético se tratase nos desvela el contenido de cartas

guardadas, de palabras nunca dichas, reinterpretando el

recuerdo de la despedida.

El dúo que forma parte de la tetralogía Postkriptum, en

español posdata, plantea una puesta en escena concisa

haciendo visible la idea de cuerpo como canal de

comunicación. El coreógrafo Francisco Córdova aparece

como interprete junto a Alfonso López Aguilar. Explora y

modifica las diferentes acciones del gesto cotidiano creando

un lenguaje dancístico-teatral concreto con el que dos

cuerpos interactúan entre sí y con el espectador.

El mexicano actualmente afincado en Barcelona toma como

premisa la despedida, el encuentro y el desencuentro como

impulso físico, como base del lenguaje corporal. Influencia,

afectación, apoyo, soporte, guía y unidad establecen el diálogo

entre los intérpretes. Agilidad y destreza técnica destacan en

su ejecución. El control, la fuerza, el riesgo, el virtuosismo, la

fisicalidad de los cuerpos masculinos potentes y entrenados,

junto a la gran cantidad de movimientos y los contrastes entre

estos toman todo el protagonismo y valor en la obra. Corriendo

el delicado riesgo de desvincular al espectador de la esencia

del mensaje.

Movimientos identificables en el comienzo de la obra, pequeños

gestos, cierran el rencuentro entre inicio y fin volviendo al

espectador a un lugar concreto, a ese último gesto, a esas

últimas palabras que tienen lugar en la despedida, a la posdata.

Pd: Este joven coreógrafo se despide como finalista de la

28º edición del Certamen Coreográfico de Madrid, recibiendo

el premio del Conservatorio Superior ‘’María de Ávila’’ y la

residencia en Espacio Espiral en Santander.

Coreografía: Francisco Córdova Azuela

Intérpretes: Francisco Córdova Azuela y Alfonso López Aguilar

Música: Dustin O`Halloran.

Escenografía e iluminación: Francisco Córdova Azuela

Vestuario: Physical Momentum Project y Scenic Action

Fecha y lugar: 10 de diciembre de 2014 – Conde Duque, Madrid

Sobre “Postskriptum” de Francisco Córdova

PS: LO YA ESCRITO por Alicia Narejos

La plataforma coreográfica Paso a 2, en colaboración con el

Conde Duque, nos trajo, entre el día 10 y 13, la 28º edición

del Certamen Coreográfico de Madrid; con nuevas propuestas,

e incipientes y seductores proyectos paralelos.

Director de la compañía independiente Physical Momentum

Project-Scenic Action nacida en 2007 y creador de la

Asociación de Profesionales de las Artes Escénicas de

México (APAEM), el coreógrafo Francisco Córdova proyecta

su identidad a través de la investigación, resaltando su

relación con otras disciplinas artísticas.

Postskriptum es una de las últimas obras desarrolladas por la

compañía Physical Momentum Project en 2013, representada

en más de 8 compañías en múltiples versiones, llega a

nosotros lo que parece la esencia convertida en un dúo.

Del alemán significa posdata o después de lo escrito, y nos

cuenta, con una dramaturgia de las que empieza igual que

termina, la relación y estado humano a lo largo de lo que serían

situaciones diversas de despedida. Los intérpretes, uno de ellos

el propio coreógrafo, destacaban por su limpieza y virtuosismo,

dejando entrever un cierto aire de danza urbana en las

calidades y dinámicas, muy en la moda actual. La propuesta era

realmente poco arriesgada dentro del contexto de un certamen

de innovación coreográfica, y lo que debiera ser destacable, en

este caso no lo fue. Resulta de una temática muy gastada por el

uso y de una articulación de movimiento que, compuesta en

dúo, no hace más que recordar a la también moda de generar

dúos de contact o cogidas. La estructura era la siempre

equitativa y capicúa: dúo, solo, solo, dúo, repitiendo material ya

desarrollado con anterioridad en ciertos momentos, no es lo

esperado en un certamen coreográfico puesto que se trata de

buscar otros caminos. Podríamos decir entonces que ya está

muy visto, muy escrito.

Por lo demás, se pudo apreciar un cierto bagaje y seguridad en

la propuesta, que fue finalista y premiada con una residencia en

Espacio Espiral, Santander, y un premio del Conservatorio

Superior de Danza “María de Ávila”. Esta entrega de premios

personalizada dará un apoyo para el recorrido de este

coreógrafo en un punto de su carrera en necesidad de difusión.

Sobre “Postskriptum” de Francisco Córdova

COMO TE ALEJAS por Lucía Montes Arévalo

Francisco Córdova, mexicano de 28 años, es el creador y

director de Physical Momentum Project, compañía con siete

años de existencia y proyección internacional. Prometiendo

en el ámbito de la Danza Contemporánea, se mueve en los

campos de la interpretación, la coreografía, la pedagogía y

la iluminación. Hoy, vemos el resultado de uno de sus

trabajos en el escenario.

Abriéndose el telón, la imagen de dos hombres conectados

que se separan y se buscan empieza ya. Miradas, gestos,

miedos y alegrías, sentimientos surgidos de experiencias

de despedida son transformados en danza por dos entrenados

cuerpos masculinos.

La música nos acompaña en los momentos más intensos, y

en otros, nos deja escuchar las respiraciones agitadas y las

fricciones de las zapatillas por el suelo. Se trata de Francisco

Cordova, junto al bailarín Alfonso López Aguilar, con la obra

Postskriptum.

Combinación de lo estrictamente físico, con un fuerte trabajo

impregnado de danza urbana y danza contemporánea, en el

que los saltos y la utilización virtuosa del suelo nos sorprenden,

junto a un lado emocional, que los conecta y, a nosotros, nos

hace empatizar con ellos, forman una unidad armoniosa y de

indiscutible calidad técnica. Sin embargo, sólo algún momento

de riesgo, de debilidad o descontrol, que rompiera con todo este

orden de fuerza y grandes capacidades, hubieran podido

emocionar de manera mas sutil y sorprender con nuevas

investigaciones en cuanto a movimiento e ideas.

Un desarrollo circular en la pieza, que comienza y acaba con

una misma imagen, la mano del uno sobre el pecho del otro,

nos invita a conectar con la idea cíclica del tiempo y de la vida.

Es una relación expuesta con gran sinceridad y, que sometida

a continuas despedidas y sentimientos encontrados, vuelve al

mismo punto otra vez.

Postkriptum (Posdata), estrenada el 29 de abril del 2013 ha

sido presentada durante el 28º Certamen Coreográfico de

Madrid 2014 en los pasados días 10 a 13 de diciembre, siendo

premiada por el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila

de Madrid y con la residencia en Espacio Espiral, en Santander.

Sobre “Yellow Place”

de Mattia Russo y Antonio de Rosa

VITAMINA D por Laura Cortés Joyanes

La pieza Yellow Place, ganadora del Premio del Público y de

la ayuda para la gira por España en el 28º Certamen

Coreográfico de Madrid asegura el disfrute del espectador.

Mattia Russo y Antonio de la Rosa comparten, además de

su providencia procedencia italiana, puesto en la Compañía

Nacional de Danza dirigida por José Carlos Martínez. La

pieza irradia frescura y humor a pesar de narrarse entre

nostálgica lluvia.

Comienza con la presentación de los personajes que bailan

como si se tratara de la famosa escena I´m Singing in the

Rain solitarios, hasta que unidos, quizás, por pura casualidad,

comparten movimientos que invitan al espectador a

adentrarse en su danza, a disfrutarla e incluso a reír con

algún que otro gesto cotidiano en el que pueden verse

reflejados. El color amarillo del vestuario, la calidad técnica

y la interpretación dejan que el ojo y la mente se deleiten.

No solo han tenido la colaboración del diseñador David Delfín

sino que han contado con el dramaturgo, letrista y actor

Francisco Jesús Becerra, quien ha compuesto el texto, en

inglés, que será la llave mágica que abre el cofre de la historia

de estos personajes.

Una historia de amistad y recuerdos compartidos guiada por un

collage de músicas jazzeras y un bolero que le dan dinamismo

a la pieza, conectan directamente con el público y no deja de

sacar sonrisas de añoranza entre los asistentes.

Aunque la pieza haya sido coreografiada por ambos intérpretes,

sigue la línea temática que Mattia Russo propone en otras de

sus piezas anteriores como Capra Pelada para la CND, Frates

(2011) para Introdans o Descamino de dos con Diego Tortelli

(ganadora del 1er premio Premio en el Certamen Coreográfico

Burgos-New York 2012) donde la temática gira alrededor de la

vida cotidiana, las oportunidades y las emociones, quitándole

a la rutina la pesadumbre con una visión humorística.

Coreografía: Mattia Russo y Antonio de la Rosa

Intérpretes: Mattia Russo y Antonio de la Rosa

Música: Javier Solis, Eduardo Lalo Guerrero, L’Orange

Texto: Francisco Jesús Becerra

Iluminación: Mattia Russo y Antonio de la Rosa

Vestuario: David Delfín

Fecha y lugar: 11 de diciembre de 2014 – Conde Duque, Madrid

Sobre “Yellow Place”

de Mattia Russo y Antonio de Rosa

LA NECESIDAD DE SER AMADO

por Helena Núñez Guasch

Yellow Place es ese lugar nostálgico y melancólico en el que todas

y cada una de las personas ha estado alguna vez, esa plaza donde

la necesidad de sentirse querido y el sabor agridulce que deja un

desamor son los principales protagonistas. Y es hasta ahí a donde

los bailarines de la Compañía Nacional de Danza y jóvenes

coreógrafos, Mattia Russo y Antonio de Rosa nos trasladan con

esta pieza, acompañados solamente por un carrito de supermercado

y sus vestimentas amarillas diseñadas por David Delfín.

La composición, que participó y fue finalista en la última edición

del Certamen Coreográfico de Madrid, es dinámica, variada, atractiva

y sobre todo, muy cómica, a pesar de que la pieza finalmente sea un

tanto triste. Yellow Place es una cautivadora reflexión sobre la

necesidad de ser amado, eso sí, siempre empleando un toque de

humor, con el que consiguieron arrancar más de una carcajada al

público. Asimismo, la música es otro de los puntos fuertes de la

pieza, con el clarísimo objetivo de introducir al público en esa

atmósfera a base de jazz y boleros, y conseguir que se involucre

en esa historia de amor entre dos personas, que finalmente acaba

dejando un regusto un tanto amargo.

Con el final, parece que los artistas han querido hacer un guiño a la

conclusión del clásico de romántico, Giselle. Albrecht ensimismado

mirando una flor que le ha dejado el espíritu de su amada, y sin saber

si todo lo que ha vivido es verdad o ha sido fruto de su imaginación.

Pero en esta ocasión, es el enamoradizo y atontolinado, siempre

acompañado de su carrito de supermercado e interpretado por Russo,

que después de encontrarse bailando solo, ve una chaqueta, esa que

él llevaba en su primera entrada y que pasó a su compañero, y que le

hace volver a la realidad sin tener muy claro lo sucedido.

El papel que desarrolla Russo es el que lleva la mayor carga emotiva

de la pieza, siendo un personaje muy cómico pero a la vez realmente

melancólico. Él es el muchacho que se deja enamorar, para luego

darse cuenta de que todo ha sido fruto de su imaginación. Además,

también cabe destacar su evidente formación de técnica clásica y,

sobre todo, sus preciosos pies.

La única pega que se podría encontrar a la coreografía es el hecho de

que se quedase un poco corto, ya que habría sido bastante interesante

profundizar más en la trama y la personalidad de los personajes. Por

ello y para disfrutar aún más, hay que volver a visitar ese universo

creado por Russo y de Rosa, ese mundo amarillo, donde humor, amor

y melancolía (pese a que parezca contradictorio), se unen para hacer

reflexionar al público mientras pasan un buen rato.

Sobre “The masks behind doors”

de Julia Robert y Rudi Cole

FUERZA Y FRAGILIDAD por Baldo Ruiz

Dos personas en el escenario, hombre y mujer, ambos vestidos

iguales dando la espalda al público y moviendo sus manos.

Con esta imagen comienza el primer intento de querer

plasmar la temática de la pieza a través de gestos como el

dar la espalda.

The masks behind doors parece reflexionar sobre la fragilidad

de la identidad en la sociedad. Una sociedad donde existen

una gran cantidad de máscaras creadas, las cuales se

identifican en la pieza por gestos que las simbolizan de una

forma figurativa. La esencia propuesta por Julia Robert y

Rudi Cole es la manipulación, la formalidad y la rutina que se

adopta ante esta. Se pueden apreciar acciones, gestos y

actitudes físicas que determinan personajes con máscaras

muy reconocibles, gestos como puñetazos, disparos,

santiguarse y un saludo fascista. Todos introducidos entre

una gran cantidad de movimientos coreografiados que evocan

una masa en diferentes calidades, con una acertada elección

de temas musicales que acompañan la propuesta.

La belleza de los cuerpos en movimiento y la conexión entre los

bailarines es claramente apreciable, destacando la

interpretación de Julia Robert. Toda una pieza en la que la

composición coreográfica quizás por momentos se vuelve

monótona por la calidad de sus movimientos. La iluminación

diseñada se caracteriza por su oscuridad, pero resulta

minuciosa en realzar el movimiento, diseñada por Guido Sarli,

coreógrafo del cual la pieza obtiene una gran influencia en la

creación y composición del movimiento. Detrás de toda la

propuesta coreográfica parece intuirse un trabajo de la

dramaturgia y de un efecto de provocación hacia la reflexión y el

sentido crítico del espectador. Quizás este trabajo coreográfico

y de provocación no quede del todo claro en una primera visión

de la pieza, en la cual la belleza de los cuerpos en movimiento

distrae sólo por su agradable ejecución, mucho movimiento en

poco tiempo.

De las seis propuestas finalistas en la 28ª edición del Certamen

Coreográfico de Madrid, Julia Robert y Rudi Cole han recibido el

Premio Residencia de dos semanas para un coreógrafo en La

Caldera, en Barcelona, y el Premio de una Beca para asistir al

Barcelona Internacional Dance Exchange.

Coreografía: Julia Robert y Rudi Cole

Intérpretes: Julia Robert y Rudi Cole

Música: Murcof, Ben Frost, Nils Frahm, track compuesto y editado por

Rudi Cole.

Iluminación: Guido Sarli

Fecha y lugar: 10 de diciembre de 2014 – Conde Duque, Madrid

Sobre “Drone”

de Karolina Rychlik y Laila Tafur

por Javier Ara

El término drone en música hace referencia a la repetición o

suspensión del sonido en el tiempo sin apenas variaciones.

Este sentido de continuidad es el punto de partida de la

propuesta coreográfica que las jóvenes creadoras Karolina

Rychlik y Laila Tafur presentaron en el Teatro Conde Duque

dentro de la 28º edición del Certamen Coreográfico de Madrid.

El objetivo de este dueto es trasladar la idea musical al cuerpo

y el movimiento. Este hecho ha llevado a las coreógrafas a una

experimentación centrada en el uso de pocos elementos y en

la repetición persistente de las pautas de movimiento en la que

la improvisación se convierte en una herramienta de la creación.

El deseo es insistir hasta la saciedad y los elementos extra

coreográficos inciden en este empeño: desde la tenue luz que

dibuja la figura de las dos intérpretes durante toda la pieza

hasta la calculada composición espacial. También la música de

Hans Laguna insiste en la repetición, generando un paisaje

sonoro envolvente que crea una atmósfera hipnótica y narcótica

sumida en la calma y la soledad. Los dos cuerpos se mueven

por escena como guiados por la música de las esferas, con un

ritmo imperturbable que pareciera prolongarse hasta el infinito.

Estos cuerpos, desprovistos de comunicación entre ellos y de

emoción, ofrecen destellos de cierta belleza melancólica que

solo son visibles al ojo del espectador que ha conseguido

conectar con el universo que se propone.

La racionalidad desde la que se concibe la pieza hace que el

diálogo que se establece entre la coreografía y el público no

resulte fácil, aunque sí es capaz de crear un marco creativo para

el espectador en el que este puede imaginar, reflexionar,

descubrir... En palabras de las creadoras: "la coreografía no se

propone desde el escenario pero se construye en el ojo del

espectador". Por contraste, la propuesta coreográfica Drone nos

recuerda que vivimos en una sociedad dominada por las prisas

y el estrés y propone un espacio y tiempo en el que pararnos a

observar.

Aunque la reacción del público no fue calurosa, el jurado premió

la pieza con una residencia en el Centro Coreográfico de La

Gomera y Laila Tafur recibió el Premio Fundación AISGE a la

bailarina sobresaliente.

Coreografía: Karolina Rychlik y Laila Tafur

Intérpretes: Karolina Rychlik y Laila Tafur

Música: Hans Laguna Oteiza

Iluminación: Adriá Pinar Marcó y Victor Peralta

Fecha y lugar: 10 de diciembre de 2014 – Conde Duque, Madrid

Sobre “Drone”

de Karolina Rychlik y Laila Tafur

EN LA NIEBLA DE LA DANZA CONCEPTUAL

por Violeta Fernández Marchen

El Teatro Conde Duque acoge al 28º Certamen Coreográfico

de Madrid en el que Karolina Rychlik y Laila Tafur presentaron

como bailarinas y coreógrafas Drone. Una pieza con la que

a Laila Tafur se le ha otorgado el premio a la intérprete más

destacada.

Polaca y granadina respectivamente, se encuentran en este

momento, sujetas a una línea coreográfica muy influenciada

por la construcción y la deconstrucción de la estética del

movimiento y la composición escénica, usando el cuerpo

como herramienta que trasciende el campo físico y teórico,

dándole un peso excesivamente abstracto.

Drone es un dueto construido a base de dos investigaciones

separadas que dejan ver al espectador dos matices de

movimiento que en ocasiones se unen de forma involuntaria.

Dos cuerpos que se disponen en escena, de manera que uno

de ellos se encuentra en un punto central caracterizado por el

uso de movimientos sostenidos o repetidos, al tiempo que el otro

orbita alrededor de él. Ambos cobijados por una iluminación

lúgubre y un vestuario excesivamente oscuro que en ocasiones

hace perder a las intérpretes entre las sombras.

Se podría decir, como es propio de la definición del término

musical “drone” que se trata de una composición larga,

prácticamente desprovista de variaciones armónicas. Una pieza

monótona e insistente “que no se propone desde el escenario

pero se construye en el ojo del espectador” tal y como sus

autoras definen.

Es una obra en la que el espectador puede quedarse indiferente

si no obtiene información previa de un trabajo tan profundo,

impidiéndole la comprensión de lo que está sucediendo en

escena y por consiguiente frenándole a la hora de realizar una

crítica con sustento. Relacionando quizás el título de la

propuesta con la robótica (drone-robots) llevándoles a ver dos

cuerpos mecánicos en movimiento y no la corporalidad de una

nota pedal.

Coreografía: Karolina Rychlik y Laila Tafur

Intérpretes: Karolina Rychlik y Laila Tafur

Música: Hans Laguna Oteiza

Iluminación: Adriá Pinar Marcó y Victor Peralta

Fecha y lugar: 10 de diciembre de 2014 – Conde Duque, Madrid