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DOSSIER DE ACOMPAÑAMIENTO PEDAGÓGICO PARA LOS PROFESORES DE PRIMARIA (DAPP)

Dossier de Acompañamiento Pedagógico para los

Profesores de primaria Dossier realizado por Sandrine Cormault, historiadora del arte, especializada en arte contemporáneo y mediación con público joven

(DAPP)

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DOSSIER DE ACOMPAÑAMIENTO PEDAGÓGICO PARA LOS PROFESORES DE PRIMARIA (DAPP)

OBRAS IN SITU, INSTALACIONES

Déplié ça va mieux (desplegado queda mejor) de Daniel Buren (2010) 4

Lace Lift (subida de cordones) de Nari Ward (2011) 5

Untitled (sin título) de James Turrell (2011) 6

Flying a flag (Izando una bandera) de Lawrence Weiner (2015) 7

ESCULTURAS

Red Rabbit (conejo rojo) de Paul McCarthy (2011) 9

Baisers#1 (besos#1) de Ghada Amer (2011) 10

FOTOGRAFÍA Y FOTO-COLLAGE

Immagine (imagina) de Maurizio Cattelan (2011) 11

Six Dogs jumping (which children watching) (6 perros saltando con niños mirando)de John Baldessari (2012) 12

DISEÑO

Doudoucho Show (Show Mullido) de Florence Doléac (2011) 13

VIDEO

Companions (compañeros) d’Eija Liisa Ahtila (2011) 14

Zoodrama de Pierre Huygue (2011) 15

Melt (fundido) de Farhad Moshiri (2011) 16

Kayak de Roman Signer (1989) 17

GLOSARIO DE ARTE CONTEMPORANEO 18

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El Museo móvil reúne 14 obras de artistas contemporáneos reconocidos internacionalmente, que con su apoyo, han hecho posible este proyecto original. Cada uno ha seguido su línea de producción y su gesto creativo propio, reflejando pues la diversidad temática y técnica del arte actual: pintura, escultura, fotografía, instalación, video, diseño.

MuMo es un instrumento que incentiva a niños y niñas para que descubran nuevos artistas, que se acerquen a los museos, nuevos o antigos, para desarrollar su imaginación, curiosidad, creatividad e identidad.

Esto es posible gracias a una pedagogía especial. Al MuMo solo pueden acceder niños de 6 a 12 años, y el espacio se ha pensado para ellos: una escalerita en el exterior para ponerse a la altura de la obra de Maurizio Cattelan; una silla Eames de su tamaño para contemplar la obra de James Turrell; pufs mullidos de Florence Doléac para ver los videos… Los escolares pueden pasearse como les plazca por el MuMo, tocar algunas de las obras, compartir sensaciones e impresiones con sus compañeros y dejar libre su imaginación.

Pero la magia funciona de veras si los adultos (profesores, jefes de estudios, mediadores culturales) no desvelan nada antes de entrar en el camión rojo y blanco. Así, el viaje puede empezar directamente en el mundo extraordinario, colorista, extraño y asombroso del arte contemporáneo.

A continuación, siguiendo el tipo de medio artístico, se desarrollará cada una de las obras del Museo Móvil, presentando del mismo modo el recorrido de los artistas; se introducirán referencias a obras parecidas del mismo artista o de otros aparentados, así como posibles talleres que podrían llevarse a cabo en clase antes o después de la visita del MuMo.

Encontrarán en el Glosario de la página 18 las palabras señaladas con un asterisco.

N.B.: por razones de derechos de reproducción y de autor, no hemos reproducido las imágenes a las que nos referimos a lo largo del documento, excepto las del MuMo. Sin embargo, están todas disponibles en internet a través de los vínculos proporcionados o de cualquier buscador. Gracias por su comprensión.

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Déplié ça va mieux

(desplegado queda mejor) de Daniel Buren (2010)

La obra de Daniel Buren ocupa toda la superficie del camión, creado por el artista y arquitecto americano Adam Kalkin. Las bandas alternas en blanco y rojo vivo le dan al semi-remolque una gran visibilidad y un fuerte atractivo.

PUNTO BIOGRÁFICO

Daniel Buren, nacido en 1938, es un artista francés mundialmente conocido por sus instalaciones, a menudo monumentales, y siempre realizadas con bandas verticales de color, todas de la misma anchura (8,7 cm). Vaya donde vaya, son para él una suerte de firma. En reacción con el arte tradicional, ha querido crear formas plásticas muy sencillas. Realizó por ejemplo sus primeras obras partiendo de bandas de tejido industrial. Formó parte del colectivo BMPT (1966-67), grupo de artistas que pretendía dar a luz a un arte sin mensaje ni emoción particular. Al contrario, reivindicaban la repetición de motivos pintados escogidos, de bandas verticales u horizontales de colores, de círculos negros con fondo blanco. Daniel Buren, Olivier Mosset, Michel Parmentier y Niele Toroni chocaron al público en la Quinta Bienal de Paris de 1967 (salón de la Joven Pintura). ¡Por su subversivo modo de proceder!

Es Daniel Buren quien lanza en 1965 el concepto de instalación, convirtiéndose en el padre de la obra in situ: es justamente al querer sacar el arte del museo para enseñarlo en la calle (en vallas, ventanas, edificios, etc.) cuando crea las bandas de color alternas, que se convierten pronto en una herramienta visual: permiten transformar la percepción del entorno en el que interviene y criticar lo que nos rodea en el día a día. Al final de su intervención, destruye a menudo el material de su obra. Cada vez más, sin embargo, le piden que realice obras perennes para el espacio público.

A Buren le complace participar en el proyecto MuMo, porque, para él, “dejarse sorprender por el mundo que nos rodea es útil a lo largo de toda la vida”.

SELECCIÓN DE OBRAS

Obras de Daniel Buren: su obra perenne más famosa (y polémica), “Las Dos Mesetas”, fue creada en 1986. Se compone de 260 columnas de mármol blanco con rayas negras situadas en el patio del Palais Royal de París. Para más información: www.ina.fr/video/CAB86008177/buren-au-palais-royal-video.html

fr.wikipedia.org/wiki/Colonnes_de_Buren archeologue.over-blog.com/article-les-colonnes-de-buren-retrouvent-leur-eclat-43235364.html

Otras obras de Daniel Buren: Cabañas de madera y plexiglás de color (efecto similar a la transparencia de las vidrieras): Excentrique(s), instalación monumental bajo la cristalera del Grand Palais, en Monumenta 2 0 1 2 , Pa r i s : w w w .d a n i e l b u re n .c o m / i m a g e s /exhibit/2012?&ref=personnelle&year=2012 Instalación permanente in situ en el MACRO, museo de arte contemporáneo de Roma:  www.danielburen.com/images/exhibit/1838?&ref=personnelle&year=2010 Página oficial del artista:   www.danielburen.com

Artistas aparentados / Intervenciones en el espacio público, juegos de líneas y de color: Christo y Jeanne-Claude : forraron el Pont Neuf de Paris (1975-85) y el Reichstag de Berlin (1971-1995). christojeanneclaude.net/projects/the-pont-neuf-wrapped christojeanneclaude.net/projects/wrapped-reichstag. Para más información: christojeanneclaude.net / Felice Varini  : Intervencion en el tejado del Salon-de-Provence, para Marsella Capital europea de la cultura, 2013

Cuatro puntos de vista, terraza n°1 (1988), obra in situ, Villa Arson, Niza. Página oficial: www.varini.org / Chus García Fraile: Post-It enormes en la antigua sede de Correos de Madrid en 2006. madridabierto.com/es/intervenciones-artisticas/2006/chus-garcia-fraile.html. Entrevista a la artista, en castellano: oralmemories.com/chus-garcia-fraile / Le Corbusier : arquitecto, urbanista y diseñador francés (1887-1965). Es un representante esencial de la arquitectura moderna, vinculado al movimiento del brutalismo. En la Ciudad Radiosa de Marsella, utilizó colores primarios y formas geométricas para darle unidad al conjunto. www.marseille-citeradieuse.org / Piet Mondrian (1872-1944) : ppintor holandés, pionero de la abstracción. Creaba composiciones sobrias, formadas por conjuntos de líneas y de áreas de colores primarios, inspiradas en los ritmos musicales. New York City, 1942 (Museo nacional de arte moderno, Centro Georges Pompidou, Paris) Composición n°1 en rojo y azul, 1931 (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid)

POSIBLES LÍNEAS DE TRABAJO PARA CLASE

1. El universo del circo, los espectáculos ambulantes  (evocados por el camión museo decorado con bandas de colores): contarles a los niños una historia de feriantes, sobre su vida itinerante, sus viajes, sus encuentros, etc. Montar después un pequeño espectáculo: imaginar y escribir la historia con los niños, contarla con peluches o marionetas hechas por ellos. Tema de trabajo: viaje libre (vacaciones) o por necesidad (feriantes); diferencias y similitudes.

2. El vendedor de telas y tejidos: ir al mercado o a una mercería con los niños, observar la diversidad de tejidos (estampados, textura, tamaño); comprar unos pocos para poner en valor un espacio conocido por todos, revistiéndolo (referirse al modo de proceder de Christo). Transformarlo en un espacio para el juego o el descanso, donde ¡contarse secretos!

Mi casa imaginaria: proponerles a los niños, solos o en grupo, que construyan su casa imaginaria, utilizando formas geométricas sencillas, colores primarios y un toque de fantasía. Puede hacerse como dibujo, collage, pintura o escultura-instalación (con juegos de volúmenes y de telas de color). Los niños podrán definir ellos mismos las reglas de ese nuevo espacio de vida.

OBRAS IN SITU, INSTALACIONES

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Lace Lift

(subida de cordones) de Nari Ward (2011)

“¿Lo que el arte les puede aportar a los más jóvenes? Pienso que es importante que los niños puedan mirar las cosas que conocen y verlas transformarse en otra cosa por medio de la imaginación” — Nari Ward

Adaptándose con precisión a las dimensiones del interior del MuMo, Nari Ward ha realizado una instalación multicolor para revestir la escalera que conduce al segundo piso del camión. La ha creado colgando más de mil cordones de colores que el artista ha recogido en la calle, en las cajas de revistas, en casa de sus amigos,… El conjunto de cordones de color colgados forma un pasillo de honor para los niños, lo que despierta la curiosidad para que sigan la visita. Subiendo los escalones, pueden admirar los cordeles, tocarlos, acariciarlos ¡como si fuese cabello o guirnaldas de fiesta!

PUNTO BIOGRÁFICO

Nari Ward nació en 1963 en St. Andrews, Jamaica. Vive y trabaja en Nueva York. Crea sus obras recogiendo en la calle objetos de uso cotidiano. Sus temas tratan de la cultura de consumo, la pobreza, las tradiciones y rituales de las múltiples comunidades que viven en la Gran Manzana. Expuesta en los mejores museos y ferias internacionales (New York Whitney Biennale, Documenta XI de Kassel, Fundación Guggenheim,…), la obra de Nari Ward se compone a menudo de instalaciones con una dimensión narrativa, a menudo monumentales, a través de las cuales se mofa y critica la sociedad.

SELECCIÓN DE OBRAS

Obras de Nari Ward: buena entrevista de Nari Ward hecha por el departamento de Seine-et-Marne, tras su exposición de 2013 en el castillo de Blandy-les-Tours: wn.com/interview_de_nari_ward. Para ver más obras del artista, se puede ver su página web: www.nariardstudio.com)

Artistas aparentados / Tema de la utilización de los objetos de uso cotidiano, o de materiales reciclados: Barthélémy Toguo , artista camerunés nacido en 1967. Su web:

www.barthelemytoguo.com. Algunas de sus obras están presentes en las colecciones del museo de la Historia de la Inmigración de Paris. El artista explica él mismo su obra (en video): Road for exile www.histoire-immigration.fr/musee/collections/road-to-exile Climbing down www.histoire-immigration.fr/musee/collections/climbing-down-de-barthelemy-toguo / Enrica Borghi, artista italiana nacida en 1966. Web de la artista: enricaborghi.com De su serie “Plastic Clothes”, véase en particular Grande soirée y Regina, de la colección del MAMAC de Niza. Se trata de vestidos hechos con botellas de plástico blanco o azul. / El colectivo de arquitectos-artistas Basurama se dedica desde 2001 a investigar los procesos productivos, la generación de desechos que éstos implican y sus posibilidades creativas. Están afincados en Madrid y en el extranjero. En Santo Domingo en 2009, ante la acumulación de basura en el Malecón, imaginaron lo que podría ser un “Tsunami de basura”, y lo crearon dándole además un uso público como escena de música: basurama.org/proyecto/tipo/accion/rus-santo-domingo-tsunami-de-basura. / Joana Vasconcelos, artista portuguesa nacida en 1971. Produce obras monumentales, a menudo a partir de objetos vinculados al universo femenino, usando técnicas artesanas tradicionales (ganchillo, encaje, almazuela). Black Independent Heart, 2006. Colección del MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León: musac.es/#coleccion/obra/?id=1117 Exposición en el palacio de Versalles, 2012 : www.vasconcelosversailles.com Mary Poppins, 2010 (almazuela gigante); Marilyn, 2011 (escarpines gigantes hechos con cacerolas y tapas de acero inoxidable); Guardianes, 2012 (leones de mármol, cubiertos de ganchillo blanco de las Azores)

POSIBLES LÍNEAS DE TRABAJO PARA CLASE

Temas para tratar en clase:• el despilfarro cotidiano en nuestra sociedad: derroche

de alimentos, productos de usar y tirar industriales (plástico, pilas, bolsas de basura, cartuchos de tinta, electrodomésticos)

• el reciclaje de los desechos: iniciativas ciudadanas ecológicas

• la recogida o reutilización: se pueden crear obras de arte volviendo a usar objetos tirados, que parecen a primera vista inútiles

Actividades con los niños:1. visitar la planta de tratamiento de residuos del barrio o de la ciudad para sensibilizar a los niños a conceptos como consumo, gasto o despilfarro, que se pueden limitar con gestos cotidianos sencillos (comprar lo necesario, reciclar, intercambiar, vender y comprar objetos de segunda mano).

2. producir una instalación monumental sencilla: los niños pueden traer materiales reciclados como tapones de botellas de plástico para definir un camino en el suelo o marcar un lugar de paso importante en la vida del colegio. Se puede inaugurar la creación con una merienda donde los restos se usen para crear una nueva obra (como ¡un castillo con restos de bizcocho y chicle!)

OBRAS IN SITU, INSTALACIONES

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Untitled

(sin título) de James Turrell (2011)

“Mi medio es vuestra percepción. Preparo la situación de manera a que actuéis en función de la luz” — James Turrell

James Turrell ha realizado para MuMo una instalación luminosa similar a las de la serie Bindu Shards. Esta obra tiene una naturaleza casi mágica: los niños entran de uno en uno, se sientan ante la luz de color y viven una experiencia sensorial única. Si la claustrofobia es una sensación psicológica, ¿tiene la luz una influencia en la percepción del espacio (o del vacío)? Según el color, la luz puede ser angustiosa, puede tranquilizar, despertarte, alegrarte o entristecerte. Esta fascinante obra se encuentra a medio camino entre la escultura y la instalación.

PUNTO BIOGRÁFICO

James Turrell es un artista americano que nació en 1959 en Los Ángeles. De 1961 a 1965 cursó estudios de psicología en Pomona, mientras se interesaba por el arte. A partir de 1966, propuso “ambientes sensoriales” creados a partir de luz emitida hacia distintos lugares. Hoy vive y trabaja en Flagstaff, Arizona. James Turrell “utiliza la presencia tangible y física del material luminoso”. En 1966, para sus Projection Pieces, crea perspectivas, ángulos y formas con alógenos. En 1968 y 1969, con las Shallow Space Constructions, la luz que emana desde detrás de las paredes altera la geometría de las estancias. En 1977, con la ayuda de la Dia Art Foundation, compra el cráter Roden, un volcán inactivo del desierto de Arizona, donde lleva a cabo multitud de proyectos. Lleva años imaginando senderos iniciáticos para descubrir la luz del sol, de la luna y de las estrellas; ha creado ocho puestos de observación en un túnel, convirtiéndolos en lugares de meditación. En paralelo hace cuadros, “pinturas en tres dimensiones” e instalaciones luminosas para que “la gente sienta con los ojos”.

SELECCIÓN DE OBRAS

Otras obras de James Turrell: su web: jamesturrell.com Exposición en el Museo Guggenheim de Nueva York (2013): www.guggenheim.org/new-york/exhibitions/past/exhibit/4819Artistas aparentados / Tema de la luz y el color: la luz ha estado siempre presente en el arte. Imprescindible en el taller, se viene representando en pintura desde hace siglos Vermeer o Georges de La Tour. Los impresionistas o los puntillistas se inspiraron en la difracción de la luz; estudios científicos de finales del siglo XIX permitieron la evolución del arte hacia la abstracción. En los años 1960, se introdujo la luz -como tal- como material artístico. / Dan Flavin, artista americano (1933-1996) fue uno de los primeros en introducir el neón en la escultura. La luz permite trabajar el espacio en tres dimensiones y crear ambientes en los que se integra verdaderamente al espectador. En nuestra época, las prácticas artísticas se han multiplicado, y se han hecho estallar los límites de la obra de arte. De ahí que hayan aparecido técnicas como la “instalación” o la “experiencia vital”: se espera que asociando luz, sonido e imagen, el espectador sienta distintas emociones. Varias de las obras de Dan Flavin forman parte de la colección de la familia Panza, de Varese (Italia). Están expuestas en los sótanos de la villa Panza: www.fondoambiente.it/cosa-facciamo/Index.aspx?q=-villa-e-collezione-panza-bene-fai + en cualquier motor de búsqueda, poniendo “villa panza dan flavin”, se pueden ver las distintas salas. / François Morellet es un artista plástico francés nacido en 1926 que trabaja con el neón francoismorellet.wordpress.com/oeuvres / Exposition Dynamo, un siglo de movimiento y de luz en el arte (1913-2013) en el Grand Palais de Paris en 2013: www.grandpalais.fr/fr/evenement/dynamo Obras luminosas de Carlos Cruz Diez, Julio Le Parc, François Morellet o Stephen Ontonokas / Otros artistas adeptos del color: Mark Rothko, Marc Chagall, Henri Matisse o las vidrieras medievales.

POSIBLES LÍNEAS DE TRABAJO PARA CLASE

Taller científico: ¡crear su propio arcoíris! Estudiar primero la gama de colores (utilizando un prisma), explicar cómo se forma un arcoíris (¿por qué aparece cuando llueve o cuando regamos?). Se puede observar el arcoíris siempre que haya agua en suspensión en el aire y que el sol brille desde detrás del observador. Intentar crear un mini arcoíris con una manguera o metiendo un espejo en un barreño lleno de agua. Se puede seguir este protocolo:

Un arcoíris en casa: 1. Poner el barreño cerca de una ventana por donde entren rayos de sol (si no hay bastante sol, se puede usar una linterna). 2. Apagar la luz en la habitación. 3. Meter el espejo en el agua intentando no hacer ninguna ola. 4. Con el espejo, conseguir que la luz del sol (o de la linterna) se refleje en una pared blanca. 5. ¡Ya se puede admirar el arcoíris! 6. ¿Qué colores se ven?

Un arcoíris con gotas de agua: 1. Ponerse de espaldas al sol, 2. Con la manguera, regar de manera que se cree una lluvia fina delante de uno, 3. ¡Ya está!Explicación: la luz blanca del sol se compone de todos los colores del arcoíris. Cuando la luz entra y sale del agua, cambia de direccion y el haz de luz se divide en siete colores: rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo y violeta.

Talleres de dibujo: cada niño elige un color e intenta describir con palabras o dibujos lo que ese color evoca para él, lo que siente viéndolo. Para el dibujo, solo hay que utilizar el color escogido. Uniendo los colores de los niños se puede componer un arcoíris monumental, con forma de arcoíris, guirnalda o de pergamino.

OBRAS IN SITU, INSTALACIONES

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Flying a flag (Izando una bandera) de Lawrence Weiner (2015)

Para acoger a los jóvenes visitantes en el MuMo, Lawrence Weiner abandonó sus “Statements” habituales para reapropiarse de un elemento figurativo muy presente en el universo de los juegos infantiles: la rayuela. Juego milenario del que se encuentran trazas desde la Roma antigua, la rayuela es trazada de manera sencilla a la tiza en el suelo de los patios de recreo. El fin es pasar de la Tierra (1) al Cielo (9) tirando una piedra en las casillas sucesivas y avanzando a pata coja. Aquí, Lawrence Weiner reemplazó las casillas por banderines coloreados, o pabellones marineros adornados de cifras, de anclas o de estrellas. Son dibujados sobre un fondo azul intenso, que evoca tanto el mar como el cielo. La metáfora marítima recuerda a la vez el alejamiento de la tierra, el viaje hacia un mundo desconocido, en relación a la aventura del descubrimiento de nuevos continentes a partir del siglo XV. La rayuela, cuyo trazado recuerda el plano simplificado de una iglesia, podría encarnar este guión entre la Edad Media, época de fuertes creencias religiosas, y el Renacimiento, momento de gracia de un despertar de la conciencia, de la inteligencia humana sobre sí misma y sobre el mundo que le rodea. Con esta rayuela simbólica, el artista crea un lugar de pasaje necesario y alegre para los niños: ¡dejar un poco el mundo de las creencias, de los padres y largar las amarras hacia tierras desconocidas, hacia nuevos cielos llenos de estrellas, artísticos!

PUNTO BIOGRÁFICO

Lawrence Weiner, nacido en 1942 en Nueva York, es una de las figuras clave del arte conceptual, movimiento artístico aparecido en los Estados Unidos, donde se desarrolló principalmente del 1966 al 1972. Con el fin de una interrogación crítica sobre los medios y los objetivos de las obras mismas, el arte conceptual recurre al lenguaje como forma plástica y a la autorreferencia. Lawrence Weiner crea desde 1964 Statements (Enunciados), un libro que compila una serie de propuestas esculturales que hay que realizar mentalmente.

Desde entonces, todas las propuestas de L. Weiner se fundan sobre la declaración de intenciones siguiente, publicada en 1969: “el artista puede realizar la obra; la obra puede ser realizada (por alguien más); la obra puede no ser realizada. Cada propuesta en igualdad de condiciones y de acuerdo con la intención del artista, la elección de una de las condiciones de presentación depende del receptor en ocasión de la recepción”. De este modo, las tres posibilidades de realización de la obra son declaradas equivalentes por el artista que afirma por otro lado que la construcción de la obra depende intrínsecamente de su recepción, esto es, de su contexto.

Lawrence Weiner también produjo más de un centenar de libros de artista que se convirtieron en los catálogos de la mayoría de sus exposiciones, e hizo producir numerosos productos impresos con su Statements. Lawrence Weiner invita al espectador a “leer el arte”, un ejercicio entre el enunciado, la definición y la poesía.

SELECCIÓN DE OBRAS

Otras obras de Lawrence Weiner : Una caja hecha de madera edificada sobre las cenizas de una caja hecha de madera, 1986, colección del Instituto de Arte Contemporáneo, Villeurbanne

bit.ly/1E1LARs A Handful of Chalk (Un Puñado de tiza), 1988 bit.ly/1OV5gkn La Rayuela o Pie in the Sky (Tarta en el cielo), publicación Le Nouveau Musée de l’IAC, Villeurbanne, 1990 bit.ly/1QghFMU At the Level of the Sea (Al nivel del mar), exposición en la galería Marian Goodman, Nueva York, 2009 bit.ly/1EM2Psr The Grace of a Gesture (La gracia de un gesto), Palacio Bembo, Bienal de Venecia, 2013 http bit.ly/1dIMiN9 / Videos : Entrevista del artista (en inglés), ARKEN Museum of Modern Art, Ishøj (Danemark) : bit.ly/1F2BpSw Lawrence Weiner y Michael Heizer entrevistados (doblaje francés) en la exposición Cuando las Actitudes se hacen forma, 1969, Kunsthalle de Berna (Suiza) : bit.ly/1EM52nZ

OBRAS IN SITU, INSTALACIONES

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Diferentes etapas del taller: 1. Escoger un modelo de rayuela con los niños: en forma de escala, en forma de plano simple de iglesia, de cuadrado o de caracol.

2. Seleccionar con ellos las historias, las canciones infantiles, los poemas, las películas, los dibujos animados vistos durante el curso escolar. Hacerlos reflexionar sobre uno o varios personajes que encontraron en estas historias. Imaginar con ellos preguntas simples sobre estos personajes, para hacer adivinarles detalles importantes de la historia a los otros niños de la escuela.

Ejemplos de historias / personajes :• Juan Ramón Jiménez : Platero y yo• Cuentos de los Hermanos Grimm : Blancanieves, Hansel y Gretel,

Rapunzel, etc (Libros y dibujos animados)• Cuentos de Charles Perrault : Caperucita Roja, El gato con

botas, Cenicienta, La bella durmiente, Pulgarcito.• Antoine de St. Exupéry : El Principito

3. Seleccionar las mejores preguntas (9), de las más simples a las más complejas, y las sintetizamos si es posible con el fin de que puedan ser escritas en los compartimientos de la rayuela. Las respuestas a las preguntas serán puestas en una lista en un papel guardado por la clase que habrá creado el juego.

4. Realizar la rayuela con la pintura en el suelo: determinar un color diferente por casilla y hacer escribir una pregunta en cada uno de los compartimientos numerados, de 1 a 9 (cielo).

5. Organizar una fiesta para inaugurar la rayuela y hacer jugar a otros niños de la escuela. Si no encuentran las respuestas, los alumnos creadores de la rayuela imaginarán pistas divertidas para ayudarles a pasar las etapas.

Artistas similares: Arte minimal / Arte conceptual / Sol LeWit, artista americano (1928-2007), realizó esculturas y Wall Drawings (dibujos murales), dejando a menudo encargada la realización a otros según un protocolo preciso : bit.ly/1Jm4x4P Exposición de sus dibujos murales, 1968-2007, al Centro Pompidou Metz, 2013 : bit.ly/1KadHlg / Barbara Kruger, artista americana nacida en 1945, conocida por sus posturas políticas, expresadas a través de sus foto-montajes negros y blancos yuxtapuestos a eslóganes concisos y agresivos, redactados sobre fondo rojo www.barbarakruger.com / Jenny Holzer, artista conceptual americana nacida en 1950, trabaja ella también con las palabras y las escenifica en el espacio público (letreros luminosos). Traduce su cólera, su tristeza con proverbios a menudo subversivos www.jennyholzer.com bit.ly/1KafnuZ / Obras inspiradas en los juegos infantiles / Stéphane Lallemand, artista francés : La Marelle (La Rayuela), Memorial de la Paz, Verdun, 2006 bit.ly/1KHSYWK / Daniel Buren, La Cabane éclatée (La Cabaña estallada), dossier pedagógico del LAM, Lille bit.ly/1GLcayX ; exposición Excentrique(s) in situ (Excéntrico(s) in situ), Monumenta, Grand Palais, 2012 2012.monumenta.com / Lucien Pelen, Le saut à la corde (Saltar a la comba), performance, bit.ly/1OVjpy3

bit.ly/1IbMzF5

POSIBLES LÍNEAS DE TRABAJO PARA CLASE 

A la manera de... Lawrence Weiner Lawrence Weiner se inspira en el juego de la rayuela para crear una obra artística en el MuMo. ¡Propongámosles a los niños hacer lo mismo en su escuela! Esta rayuela no será solo el soporte de un juego de equilibrio para pasar de la tierra al cielo, sino sobre todo de un juego de enigmas que hay que resolver para pasar de un compartimiento al otro. Estos enigmas deben corresponder a historias, poemas o películas estudiados en clase.

Flying a flag (Izando una bandera) de Lawrence Weiner (2015)

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Red Rabbit

(conejo rojo) de Paul McCarthy (2011)

“Siempre he querido que el arte pueda ir directamente al encuentro de la gente: siempre he soñado con transportar las obras en un camión para enseñarlo en los parkings de supermercados” — Paul McCarthy

Paul McCarthy ha creado especialmente para el MuMo un gran conejo rojo. Cuando se infla, suscita sorpresa, miedo y carcajadas. En efecto, cuando la película de caucho se llena de aire, la escultura alcanza 6 metros 40 desde lo alto del camión, que mide ya otros 6 metros. Este conejo sonriente parece un gigante mecido por el viento que saluda al público. El conejo es un animal que a los niños les es familiar y que pertenece a su universo: peluches, conejos de Pascua, personajes de fábula (La liebre y la tortuga de La Fontaine), dibujos animados (Bugs Bunny), novelas y películas de animación (Las Aventuras de Alicia en el País de las Maravillas), obras de arte (la bolsa de plástico convertida en conejo de Din Matamoro www.inmaterial.com/jjimenez/matamoro2.html

PUNTO BIOGRÁFICO

Paul McCarthy es un artista americano. Nació en 1943 en Salt Lake City (Estados Unidos). Licenciado de la Universidad de California, enseña historia de la performance, del video y de la realización de instalaciones artísticas. Trabaja con técnicas muy diversas y explora el lado oscuro de la sociedad americana. Utiliza el lenguaje y las imágenes de la cultura de masas; su obra reúne teatralidad y humor para criticar a menudo con virulencia el consumismo, la basura televisiva y la represión social.

SELECCIÓN DE OBRAS

Otras obras de Paul McCarthy: Bear and Rabbit on a rock, 1992, técnica mixta: www.galerie-vallois.com/artistes/paul-mccarthy.html+/image/mccarthy_bear_and_rabbit.jpg + Reportaje sobre Paul McCarthy de la cadena Tracks de Arte:

www.arte.tv/fr/paul-mccarthy-dieu-du-stade-anal-tracks/3934988,CmC=3935016.html

Artistas aparentados / Tema de la crítica de la sociedad contemporánea: Bertrand Lavier : artista plástico francés nacido en 1949, que altera objetos del cotidiano, obras de la historia del arte y referencias del mundo de Walt Disney. Walt Disney Productionspresentada en la exposición monográfica “Bertrand Lavier” del Museo de arte moderno de la Ciudad de Paris en

2002. Se puede consultar, en francés, el dossier pedagógico del Centro Pompidou: mediation.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-Lavier/index.html / Wang Du : es un artista chino, nacido en 1965, cuya obra gira en torno al mundo mediático-político y a la información de masas. El Túnel de espacio-tiempo, expuesta en el Palais de Tokyo de Paris en 2004.

Las Modas, esculturas monumentales de bronce expuestas en jardín de las Tullerías, FIAC, Paris, 2007. Para más información sobre su obra: www.laurentgodin.com/artists_detail.php?id_artiste=19

POSIBLES LÍNEAS DE TRABAJO PARA CLASE

1. La familia Conejo: buscar representaciones culturales de conejos en libros, cuentos, dibujos animados, canciones; describir esas imágenes con los niños para definir el carácter de cada uno de esos conejos el conejo de Alicia en el País de las Maravillas: estresado porque llega tarde / Bugs Bunny: pillo e inteligente / Roger Rabbit: torpe y metepatas / Tambor, el conejo de Bambi: amable, feliz / la liebre de la Fontaine: rápida, arrogante. Crear máscaras de conejos asociadas con la personalidad de cada uno de los personajes, para que a lo largo del curso los niños se las vayan apropiando según sus estados de ánimo. Se puede realizar también el siguiente juego teatral. 2. El teatro de las emociones: inflar globos de distintos colores, personalizarlos (dibujarles una cara, añadirles pelo, accesorios). Cada globo-personaje deberá encarnar una emoción (alegría, rabia, aburrimiento, impaciencia, tristeza, estar enfurruñado, asombrado). Explicarles a los niños los aspectos positivos y negativos de cada emoción. Crear una escena de teatro breve y echar a suertes las emociones, de dos en dos. Los niños, por parejas, escondidos detrás de sus máscaras respectivas, pueden interpretar libremente cada emoción e imaginar el diálogo entre esas dos emociones. El más alegre puede por ejemplo tranquilizar al más nervioso, usando argumentos y bromas… Este juego permite sacar a la luz las emociones del día y trabajarlas.

3. Actividad científica: explicarles a los niños cómo se inflan los globos, de pequeño o de gran tamaño (globo aerostático, zepelín), con aire o con helio (el gas que provoca una voz aguda). Contar en paralelo la historia de las maquinas e inventos para volar, sueño humano desde la noche de los tiempos (mito de Ícaro, Leonardo da Vinci, viajes y exploración, aviones de guerra,…).

ESCULTURAS

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Baisers #1

(besos#1) de Ghada Amer (2011)

“Quiero transmitirles a los niños un mensaje de belleza” — Ghada Amer

Para el MuMo, Ghada Amer ha creado Besos#1, una escultura de resina pintada. Esta obra exige tiempo para observarla, para comprenderla y analizar los cruces de líneas, de colores, de espacios llenos y vacíos. Su forma ovoide y vacía oculta caras que se besan: se pueden ver rostros besándose tanto desde un lado como desde otro, de tal manera que parecen resonar como un eco. La obra evoca el vínculo original que existe entre amor y vida.

PUNTO BIOGRÁFICO

Ghada Amer, nacida en el Cairo en 1963, expresa su compromiso feminista mediante sus bordados, pinturas, dibujos y esculturas. Suele coser en lienzos de gran tamaño figuras femeninas, imágenes perturbadoras, sacadas de revistas porno, de mujeres masturbándose,… Su manera de trabajar exige cierta concentración visual, ya que lo que al principio parece un conjunto de hilos de color sin sentido, desvela poco a poco cuerpos eróticos. Estos se entremezclan a menudo con letras, en árabe o en inglés, que repiten como un leitmotiv mensajes de paz e igualdad. A pesar de que trata temas sensibles e íntimos como el placer y el amor, la obra de Ghada Amer demuestra que se puede resistir a la representación tradicional de la mujer en el arte. La artista egipcia rompe las jerarquías del gran arte con mayúsculas y utiliza una técnica considerada como artesana, el bordado; trata pues de deshacerse de las jerarquías ancestrales, que gobiernan tanto el arte como el género (masculino/femenino).

SELECCIÓN DE OBRAS

Para descubrir más obras de la artista, se puede ver: www.ghadaamer.com

Artistas aparentados: Joana Vasconcelos, es una artista portuguesa nacida en 1971. Produce obras monumentales, a menudo a partir de objetos vinculados al universo femenino, usando técnicas artesanas tradicionales (ganchillo, encaje, almazuela) Black Independent Heart, 2006. Colección del MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León:

musac.es/#coleccion/obra/?id=1117 / Colección del Centro de Artes Visuales de Cáceres – Fundación Helga de Alvear:

fundacionhelgadealvear.es / Exposición en el palacio de Versalles, 2012: www.vasconcelosversailles.com Vitrail,

2012 (tapicería gigante instalada en la escalera de la Reina); serie de las Valkirias, 2012 ((lana de ganchillo hecha a mano, malla industrial, tejidos, ornamentos, poliéster y cables de acero) / Jaume Plensa : escultor español nacido en 1955 en Barcelona. Se le conoce sobre todo por sus esculturas figurativas, de tamaño real o monumental, de hombres sentados de rodillas o con las piernas cruzadas. Vacía la materia de sus creaciones para dejar tan solo una red de letras, hábilmente puesta en valor por un juego de luces, transparencias y colores. Se pueden ver sus obras en: jaumeplensa.com Conversación en Niza, pproyecto público para la plaza Massena, Niza, 2007 El Alma del Ebro, Exposicion internacional de Zaragoza, 2008 Wonderland, escultura de 12 metros de altura, delante del edificio The Bow, en Calgary (Canadá)

POSIBLES LÍNEAS DE TRABAJO PARA CLASE

Temas que tratar: iniciación al moldeado y a la producción de piezas caladas o celosías ( la técnica del moldeo a la cera perdida) o iniciación a la artesanía (ganchillo, encaje).

Actividad con los niños: Guirnaldas de amor. Preguntarles a los niños y niñas lo que el amor representa para ellos, y proponerles que escojan entre una y tres palabras como mucho. Se escribirá cada palabra en un trozo de papel y se meterán en un sombrero. Los niños van sacando palabras y escribiendo con letra grande las que les han tocado. Pueden colorear las palabras, y luego recortarlas dejando huecos. Cuando hayan terminado, se vuelve a tirar a suertes (con el sombrero) el orden en que se van a colgar las palabras. Las guirnaldas de amor se pueden colgar en la clase, el pasillo del colegio, en la entrada,…N.B.: también se puede realizar este taller con fieltro u otros tejidos.

ESCULTURAS

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Immagine

(imagina) de Maurizio Cattelan (2011)

No sucede a menudo, pero para el MuMo, Maurizio Cattelan ha llevado a cabo una obra discreta, oculta entre las dos capas de carrocería del semirremolque. Los niños miran por una mirilla, y descubren la obra de uno en uno. Tienen que guardar en secreto lo que han visto, para que todos puedan experimentar el suspense.

PUNTO BIOGRÁFICO

Maurizio Cattelan, artista italiano nacido en Padua en 1960, es uno de los artistas contemporáneos preferidos por los coleccionistas de todo el mundo. Sus obras, a menudo muy subversivas y caracterizadas por un humor ácido, nos cuestionan, provocan y molestan. En el caso de la obra pensada para el MuMo, la imaginación está al mando. Immagine ayuda a comprender algo fundamental: las obras de arte existen para provocarnos emociones y dirigirse a nuestro sensorio. La obra hace eco en nosotros, despierta conexiones entre nuestros recuerdos y nuestra vida actual. Tanto los niños como los adultos tienen experiencias estéticas, y el MuMo fomenta la expresión de éstas.

SELECCIÓN DE OBRAS

Otras obras de Maurizio Cattelan: Him, 2001 (escultura de cera de un Adolf Hitler arrodillado e infantilizado) Not afraid of Love, 2000 (elefante a escala 1, cubierto de una sábana blanca)

La Nona Ora, 1999 (instalación, representación del papa Juan Pablo II aplastado por un meteorito). Para más información, consultar: www.perrotin.com/artiste-Maurizio_Cattelan-2.html

Artistas aparentados / Tema del humor, de lo burlesco, de la provocación y la metamorfosis: Erwin Wurm : nacido en 1954 en Bruck/Mur (Austria), Erwin Wurm posa su mirada divertida y satírica sobre el mundo. Escultor de formación, le encanta desafiar con humor, las reglas y costumbres. Ya sea en sus dibujos, instalaciones, fotografías o videos, le da la vuelta a los objetos cotidianos, desorientándonos. Un camión y un coche se ríen de la gravedad, mientras que un hombre, un coche o una casita se convierten en obras de arte hinchadas. The artist who swallowed the world, , 2006 / serie de los Fat Cars / serie de las One Minute Sculptures  : www.itsnicethat.com/articles/erwin-wurm-1 Para más información y obras del artista, se puede ver la web del MAC de Lyon: www.mac-lyon.com/mac/sections/fr/expositions/2007/erwin_wurm7635 / Giuseppe Arcimboldo : pintor italiano manierista del siglo XVI, famoso por sus numerosos retratos hechos a partir de frutas, flores, plantas, animales u objetos. es.wikipedia.org/wiki/Giuseppe_Arcimboldo / Bernard Pras : artista plástico francés que realiza instalaciones y ensamblajes de objetos variopintos inspirándose en Arcimboldo. La verdadera naturaleza de su trabajo nos la revelan tan solo las fotografías que hace, ya que sacan a la luz los planos de las composiciones pictóricas (realizadas según la técnica de la anamorfosis). Ha representado en tres dimensiones obras maestras de la historia del arte (La Gioconda, cuadros de Van Gogh o de Bacon), pero también ha hecho retratos de personalidades del siglo XX como Marilyn, Einstein, Picasso o Michael Jackson. Para ver sus obras: www.bernardpras.fr

POSIBLES LÍNEAS DE TRABAJO PARA CLASE

El arte del camuflaje: trabajar la noción de retrato disfrazado u oculto utilizando objetos insólitos para crear un rostro, o una nueva identidad. Imprimir en papel de foto y en color los retratos. Crear una especie de caja negra para ver las obras a través de un agujero; si se quiere ir más allá, encontrar una manera de animarlas creando un efecto de cine o ¡crear la orla de la clase! Inspirarse en una temática particular: los animales, la historia, personalidades. Objetivo: que el niño o niña se convierta en otra persona durante un rato.

FOTOGRAFÍA Y FOTO-COLLAGE

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Six Dogs jumping (whith children watching) (6 perros saltando con niños mirando) de John Baldessari (2012)

“Lo que hace la cámara de fotos, es enseñarnos hacia donde hay que mirar; y por tanto, lo que se puede dejar de lado” — John Baldessari

A partir de un fotograma en blanco y negro sacado de una vieja película americana, John Baldessari “truca” la realidad de la secuencia mediante el collage y el color. Se han resaltado los obstáculos y los perros, lo que llama la atención de los jóvenes espectadores de la foto… y los del MuMo.

PUNTO BIOGRÁFICO

John Baldessari, artista conceptual americano nacido en 1931 en California, produjo en los 60 series de pinturas narrativas, y en los 70 fotografías y videos experimentales, en los que ponía en tela de juicio las convenciones estéticas tradicionales. Sus imágenes se basan en un juego de construcción y de ensamblaje, que le permite elaborar un lenguaje nuevo. A partir de los 80, crea cuadros hechos a partir de fotos e imágenes sacadas del cine, modificando el encuadre y coloreándolas. Desde entonces, asocia pintura y foto-collage.

SELECCIÓN DE OBRAS

Otras obras de John Baldessari: pinturas y fotomontajes de la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid: www.museoreinasofia.es o del Centro Pompidou

, Obstruction (en jaune) et personnage (en bleu) subissant une attaque, 2005: www.centrepompidou.fr

Artistas aparentados / Técnica del fotomontaje y del collage: Richard Hamilton : pintor y grafista inglés (1922-2011), pionero del pop art, en particular con su obra de 1956 Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?, conservada en el Kunsthalle de Tubinga (Alemania). En sus obras, estigmatiza los clichés del mundo mediático y de la sociedad de consumo. Agenda: del 27 de junio al 13 de octubre, se puede visitar en el Reina Sofía una retrospectiva de Richard Hamilton. www.museoreinasofia.es/en/exhibitions/richard-hamilton / Pinturas y collages de los artistas cubistas Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque Naturaleza muerta con silla de rejilla, 1912 (óleo, hule y cuerda), Museo Picasso de Paris Braque, La Guitare, statue d’épouvante, 1913 (papel pegado, carboncillo), Museo Picasso de Paris. Para más información: www.museepicassoparis.fr/ Juan Gris, Moulin à café, tasse et verre sur une table, 1915-16, MNCARS www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/moulin-cafe-tasse-et-verre-sur-une-table-molinillo-cafe-taza-copa-sobre-mesa

POSIBLES LÍNEAS DE TRABAJO PARA CLASE

Taller ¡Photoshopéame!: organizar una sesión de fotos en el patio del colegio, un parque cercano o cualquier lugar apropiado para que posen los niños, en grupo o de uno en uno. Pueden hacer poses graciosas, inesperadas, o referirse a hazañas deportivas, descubrimientos científicos o eventos históricos, escenas de teatro o de películas conocidas. Después, se eligen las mejores fotos para trabajarlas juntos, ya sea con Photoshop (para los mayores) o con collage y colores (para los pequeños), inspirándose en Baldessari y Hamilton. Así podrán enriquecer la fotografía, quitando o añadiendo elementos (accesorios, decorados, paisajes, ropa).

FOTOGRAFÍA Y FOTO-COLLAGE

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Doudoucho Show (Show Mullido)de Florence Doléac (2011)

“Doudoucho es el nombre que le quería dar a un perro con el que llevo tiempo soñando… He concebido estos pufs para que sean lo más suaves, acogedores y regresivos posible. Así los niños se sentirán tan a gusto que podrán ver todos los videos hasta el final” — Florence Doléac

Los pufs muy mullidos de Florence Doléac (hechos con tejido polar) y el suelo de corcho del piso de arriba envuelven a los niños en un ambiente agradable para que disfruten de los videos.

PUNTO BIOGRÁFICO

Florence Doléac, co-fundadora de la empresa Radi Designers, es una diseñadora de Toulouse nacida en 1968. Ha abarcado distintos campos del diseño como la creación de objetos, la escenografía y el diseño industrial. Para más información: www.doleac.net La silla desnudada, 2002

FAMILLE DE DESIGNERS 

Matali Crasset : esta antigua colaboradora de Philippe Starck estudia los códigos del diseño para después mejor dejarlos de lado y expresarse con total libertad. Los objetos imaginados concuerdan con los modos de vida actuales: son funcionales, móviles, adaptables y desmontables. La idea es la sencillez del uso. La diseñadora se inspira en las costumbres o los gestos inconscientes. les maisons Sylvestres (las casas silvestres).

Proyecto itinerante “Module Home”: producido por el centro

Pompidou, este dispositivo se aparenta a un taller efímero de diseño futurista; les propone a los niños que imaginen las costumbres, los objetos y entornos del mañana. Mediante la creación, se abre la puerta a que los niños piensen en los cambios de nuestro medio ambiente y nuestros modos de vida. Este proyecto ha viajado a Ruan, Montréal y México. Para más información: www.matalicrasset.com / Los Radi Designers : www.radidesigners.com Coffee Drop Splash : galleta especial para taza de café. Jardin mirobolant : sillas de jardín de PVC serigrafiadas. Whippet Bench, banco en forma de perro, hecho de poliuretano expandido y madera / Philippe Starck : www.philippe-starck.com Juicy Salif, exprimidor de zumo para la marca Alessi Anna G., sacacorchos para Alessi

POSIBLES LÍNEAS DE TRABAJO PARA CLASE

¡Crea tu silla personalizada!: Partiendo de su silla de clase, el alumno puede imaginársela como una extensión de sí mismo. Así podrá decorarla a su imagen y semejanza, siguiendo su personalidad, sus gustos. Puede customizarla con imágenes recortadas en revistas, fotos de familia, objetos pequeños, tejidos y accesorios. Después se puede organizar un concurso para elegir la silla más original, o más representativa del alumno, y una sesión de fotos. También se puede hacer un juego donde una vez terminadas las sillas, un alumno expresa lo que le sugiere la silla de otro compañero.

DISEÑO

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Companions

(compañeros) d’Eija Liisa Ahtila (2011)

“La idea de un camión que viaja para conocer a los niños y enseñarles piezas creadas especialmente para ellos, la idea del proyecto, me ha entusiasmado” — Eija Liisa Ahtila

El video que Eija-Liisa Ahtila ha prestado a MuMo muestra la complicidad entre Eetu, el hijo adoptivo de la artista, y su amigo Ronnie, originario de Sudáfrica. Los dos niños provienen de continentes y culturas distintas, pero esto no les impide hacer suyos los paisajes de Finlandia y convertirlos en su campo de juego en invierno como en verano. Al haber sido realizado desde tres ángulos distintos, el video muestra la vida de estos niños con una mirada siempre nueva, sorprendiéndonos.

PUNTO BIOGRÁFICO  

Eija-Liisa Ahtila, artista finlandesa nacida en 1959, se convirtió desde su debut en los 90 en una de las figuras clave del videoarte. Hace películas que ella califica como “dramas humanos”, en los que pone en escena personajes que lidian con sus emociones, y con un entorno relacional inestable. El trabajo de Ahtila pretende acercar el videoarte del cine, del que toma prestado el vocabulario y la técnica de rodaje; explora así distintos registros posibles (la película de ficción, el video publicitario, el documental), juega con la percepción y cuestiona la capacidad del relato de reproducir la realidad. Yendo más allá de los clichés sobre la mentalidad de los países nórdicos (la melancolía, la locura, el suicidio), Eija-Liisa Ahtila reflexiona sobre la normalidad y los márgenes y trata con sensibilidad la “verdad” de los sentimientos pasados.

SELECCIÓN DE OBRAS

Temas: la multiplicación de los puntos de vista (escrito, oral, fotográfico) para contar una historia; la harmonía del hombre con la naturaleza, la contemplación del paisaje; reflexiones sobre conceptos como la singularidad, los orígenes, el respeto.

Otras obras de la artista: The House, 2002 ; Fishermen (étude

n°1), 2007. Para más información: www.mariangoodman.com/artists/eija-liisa-ahtila

Artistas aparentados: Bill Viola : artista americano nacido en 1951, Bill Viola es uno de los principales promotores del videoarte hoy. Su obra ha sido expuesta en los museos más importantes a nivel internacional (Nueva York, Tokyo, Los Ángeles, París, Bilbao). The Reflecting Pool, 1977-80 ; The Encounter, 2012 ; The Dreamers, 2013 (videos disponibles en Youtube)

POSIBLES LÍNEAS DE TRABAJO PARA CLASE

1. Cuéntate en video: (este taller requiere de una iniciación al uso de la cámara y del montaje de video): crear un breve guión con los niños sobre un tema libre (actualidad, vida escolar, las injusticias, la felicidad) e imaginar escenas que permitan ilustrar la cuestión. Organizar media jornada o un día entero para el rodaje con las cámaras o móviles buenos y escoger distintos puntos de vista para rodar de manera simultánea. El montaje de las escenas se puede hacer desde distintos puntos de vista (el del ganador y el perdedor / el del ladrón y la victima / el del padre y el hijo) para mostrar las distintas caras de una historia.

2. Efectos de luz (para padres y madres de alumnos): localizar un espacio natural tranquilo cerca de casa e ir con los niños a varios momentos del día para darse cuenta de los cambios de luz. Filmar o fotografiar el mismo lugar, desde el mismo ángulo. Fijarse en los efectos de luces y sombres, los reflejos en los árboles o en el agua, o en los edificios. Hacer un álbum de fotos o un montaje de video que recopile los cambios día tras día, para darse cuenta, como el pintor Claude Monet, de que un mismo tema tiene infinidad de variaciones según la intensidad de la luz, el tiempo. Se pueden consultar sus obras en un motor de búsqueda o en el catálogo de las colecciones del Museo de Orsay (Paris): www.musee-orsay.fr/fr/collections/catalogue-des-oeuvres

VIDEO

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Zoodrama de Pierre Huygue (2011)

“No me interesa simplificar: los niños son capaces de comprender la complejidad como los adultos, puede que incluso mejor” — Pierre Huygue

Pierre Huyghe rueda un extraño mundo donde las criaturas danzan lentamente en el agua, con elegancia… Se ven peces, pulpos, caracoles marinos y otros monstruitos. ¿Pero de donde los habrá sacado? A pesar de las apariencias, este ballet se desarrolla en un acuario…

PUNTO BIOGRÁFICO

Pierre Huygue, nacido en 1962, es un artista francés polifacético: artista plástico, videasta, arquitecto, diseñador. Vive y trabaja en Nueva York. Desde los 90, desarrolla una obra en video con claras referencias al cine: en ella guarda valiosas imágenes e historias. En sus obras, Pierre Huyghe reflexiona sobre la ambigua relación entre realidad y ficción, recurriendo al remake. En 1999, junto a Philippe Parreno, compró los derechos de utilización de Ann Lee, personaje de manga japonés, que se convirtió en un emblema de sus producciones propias y colectivas.

SELECCIÓN DE OBRAS

Otras obras de Pierre Huyghe: This is not a time for dreaming, instalación audiovisual de la colección del centro Pompidou. Streamside Day Follies, 2003, pelicula en Super 16 mm y video, 26 mins, coleccion del Mac/Val: www.macval.fr/francais/collection/oeuvres-de-la-collection/article/pierre-huyghe.En 2012, el centro Pompidou montó una retrospectiva de Pierre Huyghe, de la que queda un dossier pedagógico en francés:

mediation.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-huyghe

Famille d’artistes : Philippe Parreno  : retrospectiva en el Palais de Tokyo en 2013 “Anywhere, Anywhere Out of the World”: palaisdetokyo.com/fr/exposition/philippe-parreno

con el personaje Ann Lee: Anywhere out of the world, 2002, instalación video en 3D, colección de la Región Poitou-Charente:

www.frac-poitou-charentes.org/pages/collection_artistes-parreno_FRAC.html

VIDEO

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Melt

(fundido) de Farhad Moshiri (2011)

Para los niños que visiten el MuMo, Farhad Moshiri les tiene guardada una sorpresita: un video corto en el que una casas bonitas se van deformando poco a poco, como si fueran víctimas de una tormenta o de un aspirador gigante. ¿Pero de donde proviene esa fuerza titánica? ¿Cómo está hecho este truco visual? Se trata en realidad de maquetas de casas puestas del revés dentro de un horno…

PUNTO BIOGRÁFICO

Farhad Moshiri nació en 1963 en Shiraz (Irán), pero vive y trabaja en Teherán. A mitad camino entre la cultura iraní y la occidental, entre la tradición y el arte pop, el artista ha creado una obra llena de vida y de color. Del mismo modo que Roy Lichtenstein, se inspira en la iconografía popular, en libros para niños y comics. Decora sus cuadros con perlas redondas, conchas y colores. Pinta también escenas de la vida cotidiana, a las que añade abalorios. Sus obras parecen un juego de niños donde infinitas agujas de colores acaban por cobrar forma y sentido. También recurre al arte del trampantojo. En 2011, para la 54 Bienal de Venecia, Farhad Moshiri expuso en el Palazzo Grassi.

SELECCIÓN DE OBRAS

Otras obras del artista: Right as Rain, 2013 et Life is Beautiful (2009), instalaciones con cuchillos Invisible Driver (2012) et Crying Queen, 2012, bordados sobre tela. Para más información:

w w w . p e r r o t i n . c o m / F a r h a d _ M o s h i r i - w o r k s -oeuvres-17546-40.html

VIDEO

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VIDEO

Kayak de Roman Signer (1989)

Para divertir a los jóvenes visitantes de MuMo, Roman Signer propone un video que recoge una de sus performance. En ella pone a prueba la resistencia de un kayak que utiliza como vehículo de carretera, bajo la atenta mirada de las vacas de la pradera…

PUNTO BIOGRÁFICO

Roman Signer es un artista suizo nacido en 1938. Hijo de músicos, estudió en la Escuela de Bellas Artes de Zurich y en la Academia de arte de Varsovia. Produce “esculturas de acción”: en su estudio, que llama “laboratorio”, o fuera de él, lleva a cabo experimentos con objetos ordinarios que al ser alterados por el movimiento físico desvelan su potencial artístico. Cada día pasan por su estudio objetos como paraguas, mesas, botas, contenedores, sombreros y bicis, incorporándose al lenguaje plástico de Signer. La mayoría de veces graba en video sus acciones para difundirlas mejor. El artista le suele dar un toque humorístico a la relación causa-efecto; del mismo modo, se ríe de los métodos científicos tradicionales, transformando las verdades lógicas en desafíos artísticos. En el ámbito del arte contemporáneo, sus acciones se denominan performance*.

SELECCIÓN DE OBRAS

Para ver otras obras del artista, ver la página oficial: www.romansigner.ch En francés, se puede ver el reportaje

del programa Tracks de la cadena Arte: www.arte.tv/fr/avec-le-suisse-roman-signer-la-peinture-c-est-de-la-dynamite/6983770,CmC=6983788.html

Artistas aparentados: Pierrick Sorin : nacido en 1960 en Nantes, Pierrick Sorin es un artista plástico y videasta francés. Licenciado de la Escuela de Bellas Artes de Nantes, es un apasionado del cine mudo de Méliès y de Buster Keaton. Es un gran adepto del autofilmage (filmarse a uno mismo) y crea personajes de ficción encarnados por él. En sus videos encontramos todos los ingredientes clásicos de la comedia: el disfraz y la repetición hacen que sus obras sean muy accesibles para el espectador. Sin embargo, también contienen ironía y sátira, y cuestionan el funcionamiento del ser humano, del arte o del trabajo de los artistas. Crea también instalaciones de video llamadas “teatros ópticos”, que se basan en el principio del praxinoscopio-teatro de Emile Reynaud (en el praxinoscopio, el espectador ve una secuencia nítida mediante un juego de espejos). Para más información, se puede ver el siguiente artículo del Cultural sobre la obra y el trabajo de Pierrick Sorin: http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/5525/Pierrick_Sorin_o_la_magia_de_la_imagenl Les Réveils, 1988 ; serie Jean-Loup, 1994 (se pueden ver en You Tube) / Peter Fischli & David Weiss : ambos nacieron en Zurich. Desde el principio de su colaboración, Fischli y Weiss se divierten presentando objetos comunes en situaciones inéditas y extrañas. En la serie Quiet afternoon, crean esculturas juntando objetos como tacones, botellas o dedales. Desde los años 80 se interesan por el video. En sus obras, se puede percibir un estrecho vínculo entre el caos y el orden. Der Lauf der Dinge (El transcurso de las cosas, video, 1988): www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=RTobV-Gnv-8 Para más información: fischli-weiss.com

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GLOSARIO DE ARTE CONTEMPORANEO

INSTALACIÓN, OBRA IN SITU O SITE-SPECIFIC

La instalación, como concepto artístico, define desde los años 70 un conjunto de prácticas caracterizadas por ocupar (de manera temporal o definitiva) un espacio particular (interior o exterior), utilizando distintas técnicas de expresión y de representación, así como por implicar de manera más activa al espectador. Estas prácticas no constituyen un movimiento ni un género artístico en sí, sino que son un instrumento artístico para transformar la relación obra- público, rompiendo ciertos límites de las obras tradicionales (forma, lugar, discurso). Cuando las instalaciones son inamovibles, definitivas o que se han pensado especialmente para un contexto o espacio particular, se las puede llamar obra in situ o site-specific.

Sinónimos: intervención, entorno, puesta en situación.

VIDEO

El videoarte nace en los años 1960 del encuentro entre artistas plásticos, ingenieros y managers de cadenas de televisión que buscaban nuevas posibilidades para el video. A pesar de que se hicieron intentos en los años 1950, la fecha simbolica de inicio es marzo de 1963, cuando Nam June Paik (artista plástico surcoreano, 1932-2006) expuso en la galería Parnass (Wuppertal, Alemania) trece teles preparadas para distorsionar la imagen. Hoy el video es un medio reconocido en el campo del arte contemporáneo. Sus perspectivas de evolución son enormes, al estar vinculadas a los avances de la informática; y en efecto, el videoarte no ha dejado de renovarse desde que nació. Más generalmente, el videoarte se inscribe hoy en la categoría de los nuevos medios artísticos, junto a los demás medios de creación digital (televisión, sonido, internet), pero también va unido a la performance (soporte documental e instalación multimedia).

DISEÑO

El diseño es una rama de la creación contemporánea, orientada hacia el mundo industrial. Si las obras de arte son únicas, los objetos diseñados están pensados para ser útiles, replicables y de uso cotidiano. Una silla, un vaso, un coche o un boli, además de ser útiles y prácticos, pueden también ser bellos. El diseñador y el artista comparten el sentido de lo estético, y crean modas antes que los demás, son sensibles al color, los materiales y se preocupan por la creación de formas inéditas.

FOTOGRAFÍA Y FOTO-MONTAJE

La fotografía es un arte y una técnica que permite crear imágenes por la acción de la luz, así como la imagen que resulta de esta técnica. La fotografía es la “escritura de la luz”. El foto-montaje es un avatar de la fotografía, trucada, mezclada con otros materiales. Los dadaístas berlineses fueron probablemente los primeros en producir, en los años 1910, trucajes fotográficos yuxtaponiendo fotos, postales y recortes de periódicos. Los maestros del cubismo (Picasso, Braque y Juan Gris) también recurrieron a los montajes y collage, introduciendo en el papel o el lienzo materiales de uso cotidiano (periódicos, manteles, cuerda, tejidos).

ESCULTURA

La escultura se caracteriza por la tridimensionalidad y por encarnarse en materiales diversos: barro, arcilla, yeso, cristal, piedra, bronce, metal, resinas y otros materiales modernos. Ya sea antigua, clásica, moderna o contemporánea, minúscula o monumental, la escultura nos fascina porque nos podemos acercar a ella desde distintos puntos de vista y descubrir sus distintas caras. La palabra escultura proviene del latín “sculptura”, que tiene que ver con tallar o quitarle trozos a una piedra. Este tipo de definición permite distinguir entre la escultura y el modelado.

Sinónimos: relieve, bulto redondo.

PERFORMANCE

La performance es un modo de expresión contemporáneo que consiste en producir gestos, actos, o secuencias cuyo transcurso y experiencia constituye la obra. A menudo contiene una parte de improvisación y de participación del público. La performance, al ser una forma de expresión original, suele cambiar según el contexto donde se produce (según los criterios de Peggy Phelan, una performance ideal se hace una sola vez; sin embargo, se pueden grabar el proceso y los resultados, para luego difundirlos). La “performance” se inventó para recoger prácticas que escapaban a las clasificaciones habituales y que rechazaban la idea de representación (aunque exista una controversia sobre si se excluye o no en la performance la representación). La performance está vinculada con el Body art y el arte conceptual.

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SITE INTERNET www.musee-mobile.fr

CONTACTOinfo@musee-mobile.fr

FONDATRICEIngrid Brochard

RESPONSABLE DE PROYECTO Lucie Avril

mumo.lucie@gmail.com