DOZE Magazine Remerge Primavera | Verano 2012 | Número 9

magazine de arte contemporáneo

REMERGEEn la reinvención está el gusto

PRIMAVERA / VERANO [2012] 9***

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Gobierno del Estado de São Paulo, Secretaría de Cultura, Museo de la Imagen y el Sonido y SESC presentan

apoyo una iniciativa realización

artista Clemens Behrfotógrafo Saul Tiffciudad Barcelona

A.Bill Miller, Abstract Birds, Afasia, Akin, Andrew Benson, Astrid Rieger, Atsuhiro Ito, Autumn Comets, Basavizi, Beast, Bill Viola, Boris Hoppek, Bosques de mi mente, Byetone, Catscars, Cesar Pesquera, Christopher Scullion, Clemens Behr, Dengue Dengue Dengue! E*Rock, Eluvium, Emilio Gomariz, Fibla, Frederik Heyman, Fupete, Gonjasufi, Good Wives & Warriors, Graham Caldwell, Hess is more, Isaac Niemand, Jason Forrest, Jay-Jay Johanson, Jesús Olmo, Jonathan McCabe, Juan Rayos, Juliana Almeida, Karl Kliem, Koen Delaere, Laura Put, Levi van Veluw, Litoral, Ljudbilden & Piloten, Lorna Mills, Marcela Falci, Mark Jenkins, Mirella Brandi & Muepetmo, Mouse on Mars, Mulheres Barbadas, Nils Frahm, Noia The Band, Olaf Breuning, Optical Machines, Patrick Kelleher & His Cold Dead Hands, Penique Productions, Pigmy, Plink Flojd, Protey Temen, Quayola, Rafael Rozendaal, Rolling Leonard, Rosa Menkman, Ryoichi Kurokawa, Sabrina Ratté, Sóley, Sophie Gateau, Sosaku Miyazaki, School Tour, SepK, Shima, Thiago Pethit, Thorsten Fleisch, Yang02, Yolanda Domínguez, Yoshi Sodeoka, Zimoun

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Festival de Cultura Contemporánea3 de Abril a 31 de Mayo 2012www.novafestival.com

DOZE pagina doble.indd 1 3/27/12 9:55 PM

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DOZE MagazineISSN 2171-8628Paseo de la Florida, 21 - 1ºD28008 [email protected]

DOZE Magazine no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores.Esta publicación respeta los derechos de autor de cada uno de los artistas que han participado en el número.Para hacer uso de este material o cualquiera de sus secciones, se necesita el consentimiento expreso del equipo directivo

Dirección: Colectivo movimente Dirección de arte y diseño web: Alejandro Bazal, Mario Izquierdo, Rocío Montoya Producción: Luis Alenda Dirección de moda: Alejandro Meitín Dirección de publicidad: Borja Otero Redacción: Alba Ciordia, Ángel Román, Clara Medialdea, El Hombre Confuso, Pablo L. Barbero, Roberto Silván, Ruth Martín Sánchez

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SUMARIO

PORTADA: ALE BURSET

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DESTACADOS

COLABORADORES

014. Mathieu Grac 020. Louis Fry 030. Troy Stains036. Sarah Marshall 046. Zev Hoover 052. Lisandre St-Cyr Lamothe 060. Sarah Ann Lloreth

FOTO

STAFF

REMERGE

068. Luzinterruptus074. Alba Ciordia084. Nacho Ormaechea 092. Rune Guneriussen 102. Michael Peck

ARTE118. Antonio Cordero132. Ale Burset142. Juan Borgognoni 150. Alexandra Waespi 166. Maya Kaloyanova182. Mariano García 190. Rita Lino

MODA

014

068

066 112012

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ENTREVISTAMathieu Grac

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La luz como materia prima para expresar grandes ideas a través de pequeñas instalaciones. El colectivo Luzinterruptus muestra su arte arte efímero para iluminar las sombras y recovecos más oscuros de nuestras mentes, de esta manera sus creaciones se convierten en pequeños alegatos que intentan hacer de este mundo un lugar más amable.

Este fotógrafo francés se adentra en las intimidades públicas que ofrecemos en las redes sociales y páginas de contactos. Perfiles y personalidades donde se muestra el alterego de lo que en realidad somos. Las poses estudiadas, las miradas sensuales o el encuadre perfecto forman parte de una realidad virtual en la que nada (o muy poco) es lo que parece.

REPORTAJELuzinterruptus

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EDITORIAL9

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Cada mañana abrimos los ojos al despertar y nuestra mirada se funde con la luz, los colores y las formas del entorno que nos rodea. Somos pájaros que sobrevuelan la línea del horizonte para capturar la esencia de lo efíme-ro. Somos cazadores de ideas y conceptos que acechan entre el polvo que se levanta en el aire. Somos devoradores de sueños y estamos hambrientos de arte.

Donde otros ven niebla, nosotros percibimos una marea de agua invisible en la que nadar. Lo que a muchos les provoca miedo, a nosotros nos genera curiosidad. En la fealdad descubrimos la belleza y aquello que puede resultar inaccesible lo concebimos como una meta que podemos alcanzar. Y como la esperanza nunca debe perderse, queremos invitarte a descubrir nuestro nuevo número y a disfrutar de la magia que encierra en su interior.

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DOZE Magazine ha desplegado de nuevo sus párpados y sus alas para ofreceros una perspectiva diferente: la de la renovación. Así ha surgido Remerge, una edición cargada de sorpresas y retos creativos. En nuestro noveno número apostamos por el positivismo visual y por la concepción de la creatividad a través de complejas emociones como son el afán de supera-ción, la constancia y las ganas de aportar una visión distinta. Reinvención, originalidad, humor e imaginación son algunos de los pilares que sostienen el proyecto y que lo hacen brillar con luz propia.

Una vez más, agradecemos infinitamente la entrega de nuestros colabo-radores, genios que aportan ese brillo tan especial que nos caracteriza y a vosotros, nuestros fieles lectores, que hacéis posible que cada día logremos posicionarnos como uno de los medios referentes en el sector editorial artístico en nuestro país.

Queremos que forméis parte de esta nueva aventura y que voléis, cacéis y devoréis con nosotros todo lo que se esconde entre estas páginas...

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Dirección de DOZE Magazine

EN LA REINVENCIÓN ESTÁ EL GUSTO

RE EVOLUT!ON

En nuestra próxima edición queremos abrir una brecha en homenaje a la lucha por los

ideales.Evolución y rebelión conformarán un

híbrido visual para materializar aquellos pensamientos inconformistas que abogan

por la lucha de un mundo mejor en todos los aspectos y con todas las consecuencias.

Buscamos guerreros, rebeldes, románticos e ilusos que no se dejen llevar por la corriente

porque quieren surcar su propio sendero. Vamos a gritar, reír y soñar en libertad

y haremos el amor dando mucha guerra. Peleamos por los cambios, por el progreso y

por el crecimiento en movimiento.Porque no puedes estarte quieto,

RE·EVOLUT!ON es tu siguiente batalla.

Si quieres colaborar en nuestro siguiente número, puedes conocer todos los detalles en

la sección COLABORA de nuestra página web.

http://www.doze-mag.com/index.php/colabora

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La digitalización de contenidos y la banda ancha de Internet han erosionado los tradicio-nales modelos de producción cultural, pero la realidad es que no existe un modelo de negocio ni patrón económico amortizable a seguir dentro de la industria cultural y creativa. Se está construyendo pero ¿debe ser una continuación de los anteriores o, por el contrario, romper abruptamente?De la única conclusión de la que estoy seguro es que no va ser gratuito, del free total de los con-tenidos se va pasar a un modelo de negocio de lo cultural a través de la suscripción, a caballo entre contenidos gratuitos y de pago, y marcan-do la diferencia entre la forma de acceder a los mismos. No es tanto que el contenido sea el rey, sino que el formato decidirá su valor comercial. En definitiva, el dinero ha saltado las fronteras y sus políticas también se están modificando con el devenir de los tiempos. La política corre detrás de la economía, del dinero como fuente prioritaria de las sociedades del bienestar. Si seguimos el dinero, observamos el cambio en el organigrama de la economía mundial.Una globalización que nos ha inmovilizado desde la cultura del miedo, nos ha obligado a que hombres y mujeres observemos el cambio de paradigmas a finales del milenio como una paradoja que amplía las fronteras locales por otras más universales.Para el sociólogo Pierre Bourdieu, la globaliza-ción es, en realidad, la máscara justificadora de una política que aspira a universalizar los inte-reses particulares y la tradición de las potencias económica y políticamente dominantes. En un mundo donde todo parece estar homogeneiza-do, pactado y normativizado, existen válvulas de escape para generar otro tipo de economías

alternativas, que desplacen la globalización hacia posturas donde lo local tenga cabida. Si el dinero se ha convertido en un asunto global, también lo han hecho las relaciones laborales, sociales, culturales… Y así, de una forma interminable hasta llegar al individuo. La audiencia decide ahora cómo, cuándo y el qué ver de la amplia gama de los contenidos culturales. Y esta fragmentación del mercado lo cambia todo. Pero para que el nuevo modelo de las industrias culturales y creativas perviva, antes se deben realizar profundas modificaciones en los dere-chos de autor y de comunicación pública de los contenidos, tanto por parte de los creadores/as y las entidades de gestión de derechos, como de los medios difusores, Estado y usuarios.

El valor de lo intangible. RemergeEn la nueva cadena de producción no tiene valor la materia prima, ni la elaboración, ni la distribución, ni tan siquiera el propio producto tiene valor. Ahora lo que posibilita un mayor volumen de valor reside en los procesos últimos de la producción que envuelven a los contenidos; marketing, diseño, branding, innovación, etc.Esta experimentación cultural se verá incre-mentada gracias al acceso digital, el avance tecnológico y la pluridisciplinariedad de los contenidos. Logrando con ello una valorización de lo intangible. El cambio de paradigma reside en la variación de lo analógico a lo digital, asumiendo un modelo de negocio empresarial completamente distinto. Se cambian los formatos, pero no los contenidos. Pero sobre todo, el cambio se ha producido en la forma en la que nos relaciona-mos con los demás, ahora todo es interactivo: la

economía, la cultura, la información, la comuni-cación, el trabajo, el conocimiento, la sociedad… Las paradojas entre lo local-global, flexible-pro-gramado, autonomía laboral-trabajo en equipo son los rasgos característicos de los modelos empresariales culturales actuales.La segmentación de los mercados de las indus-trias culturales y creativas fomenta micromer-cados rentables y oportunidades de negocio interesantes.Las herramientas tecnológicas han roto las ba-rreras del tiempo y del espacio, han reducido el coste de inversión, nos han permitido conectar con gente de todo el mundo, han revoluciona-do los sectores económicos, sociales, sexuales, geográficos, laborales, etc., además de propiciar una cultura digital que se fundamenta en sopor-tes digitales, inmateriales e intangibles.En definitiva, la cultura digital participa de una idea de la colaboración, de la construc-ción de un mundo que necesita y demanda la comunicación, personaliza los servicios, busca la individualidad para diferenciarse del grupo. Requiere de la conexión múltiple y de la relación de varios conocimientos como el lenguaje informático para manifestarse, además de tener una previa alfabetización digital de las personas que lo usen. La cultura digital requiere de un reciclaje de las sociedades, de sus hábitos de socializarse, de su manera de consumir, de trabajar, de relacionarse, interviniendo tanto en espacios globales como locales, al mismo tiempo y a la vez. Otra producción cultural es posible en un mundo digital.Si varía la manera en que las personas se rela-cionan, también lo harán las formas de hacer negocios, de consumir, producir, comunicarse y de hacer cultura. ▲

PARADOJAS Y PARADIGMAS CULTURALES EN LOS TIEMPOS DEL PIXELTEXTOÁNGEL ROMÁN · WWW.ANGELROMAN.NET

ILUSTRACIÓN: FRANCISCO IGLESIAS · HTTP://FRANILUSTRACION.BLOGSPOT.COM.ES

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CAMBIO DE FORMATEXTOROBERTO SILVÁN

¿Quién decide qué es real y qué no lo es? ¿Quién etiqueta lo bueno y lo malo que hay dentro de un individuo? ¿Quién es el notario que firma y da fe de que la versión actual es la versión definitiva de nosotros mismos? Cambiamos por segundos. Puede que haya una base, un origen, una raíz que apenas note ligeras variaciones. Puede que ese primer cimiento sea el denominador común de nuestra identidad. Pero el resto de ingredientes que conforman nuestro carácter está en incesante mutabilidad; desde que nos despertamos hasta que nos desmayamos. No solo nuestro cuerpo, también nuestra personalidad está condenada a dejarse limar por millones de factores externos. Y mucho más aún por factores internos que son los que nos llevan a construir ese personaje que decidimos ser en cada segundo de nuestras vidas.Hay días, noches, semanas enteras e incluso años en los que estamos encantados de habernos conocido. No nos cambiaríamos por nadie, no nos moveríamos del insignificante puesto que ocupamos en el universo. El disfraz que hemos bordado con esmero en nuestro interior nos queda a la perfección. Ya no hay lugar para ensayos, estamos en rigurosísimo directo y todo funciona meticulosamente. Pero existen resquicios en nuestra personalidad a través de los que se cuelan finos hilos de insatisfacción. Aunque estemos seducidos por ese yo arrebatador, hay ocasiones en las que necesitamos huir de nuestro mundo perfecto, escapar de todo y de todos y escondernos en un nuevo personaje, ni mejor ni peor, solamente diferente, un personaje que nos ayude a olvidarnos del miserable lastre en que se convierte la devastadora rutina.Y de pronto sentimos la necesidad urgente de estar fuera de lugar, de inser-tar un fallo de raccord en nuestra línea de tiempo, hacer una copia de segu-ridad de lo que nosotros creemos que es nuestro yo ideal y maquillarnos, por puro capricho, con el carmín de nuestro yo más antagónico. Jugamos con la imaginación y nos dejamos llevar a otras realidades paralelas en las que cambiamos de forma, de peso, de color; cambiamos nuestro nombre, nuestra profesión, nuestro sexo. Y es tal la satisfacción que produce la al-teración, que no podemos evitar dejar pistas de lo que hemos sido durante apenas unos minutos. Las redes sociales están repletas de esas huellas, de esos camuflajes exhibidos sin ningún escrúpulo. Asistimos diariamente a transformaciones públicas de aquellos que desean emigrar de su corazón,

de su conciencia, buscando opiniones en el exte-rior, hartos de no hallar respuestas en el interior.Pero esos momentos de escapismo nos ayudan a reconocer que no está todo inventado, que todavía se puede ser original. Porque, ¿quién de-cide lo que es normal o menos normal?, ¿quién escribe las leyes de lo que brota de las entrañas?, ¿por qué un algo vale más que otro algo? Tal y como decía Jiddu Krishnamurti, ‘tiene uno que poner en duda todo lo que el hombre ha aceptado como valioso, como necesario’, porque el mundo gira en un cambio constante, es un ciclón en evolución y las verdades absolutas son un anzuelo para incompetentes. A cada paso en-contramos una oportunidad para desarrollar la creatividad y convertir cualquier acontecimien-to intrascendente en un increíble recuerdo que se quede alojado en los músculos de las retinas de aquellos que no creen que todo es posible, que todo puede ser mejor. ▲FOTO

FOTO

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Mathieu Grac

Imagínate a este chico pero con cara sonriente en el café Dôme de París. 26 años, fotógrafo y diseñador web, masiliense de nacimiento y parisino de adopción. Se llama Mathieu Grac y confiesa que es el típico francés al que le encanta discutir durante horas sobre su obra. Tiene mucho que decir, mucho que transmitir. Su tono de voz es suave pero penetrante, su discurso redundante y desordenado; sin embargo, sus ideas son muy claras: sabe lo que quiere porque antes ha reflexionado largo y tendido sobre ello. Cuando toda su racionalidad verborreica está a punto de desbordarme, llega su risa, redentora como una cascada.Mathieu era, como tú y como yo fuimos probablemente hace unos años, un adolescente hormonado con mucha sed. Sed de conocer y experimentar. Y tenía una doble pasión: las mujeres y la fotografía. Por ello le encantaba entrar en las páginas web de citas para ver los autorretratos que se hacen las mujeres en los sitios de contactos. A un lado, morritos sensua-les, lenguas juguetonas, posturas contorsionistas, fotografías en picado... El narcisismo y exhibi-cionismo. Al otro lado, Mathieu Grac, con otra pizca de voyeurismo, e intentando absorber todo lo posible de cada foto: imaginarse cómo sería la vida de esa persona, cómo se ha hecho la foto, qué objetos y posturas ha utilizado para resultar atractiva, sensual, atrayente... Después empezó a guardar las fotos que más le interesaban y, con el tiempo, extendió su interés a los autorretratos de los hombres. “Clasificar esas imágenes que iba encontrando en este tipo de páginas de citas ha sido parte de mi desarrollo personal”- dice. Llámalo X.El caso es que se fue dando cuenta de que “mu-chas actitudes y poses se repetían” y se empezó a preguntar cómo era posible que “la mayoría

de las personas, dentro de su individualidad, repitieran exactamente los mismos patrones y formas de ponerse delante de la cámara. ¿Quién dice qué es sensual y qué no lo es? ¿Por qué en algo tan personal como presentarse en público a los demás hay un mainstream, una corriente dominante?”. Mathieu llegó a la conclusión de que las imágenes eran símbolos, clichés de sen-sualidad, de formas repetidas y estereotipadas de seducción. Lo que la mayoría de la gente en-tiende con atractivo o sensual. Se trata pues de máscaras, identidades virtuales que nos hacen formar parte del grupo, no sentirnos aislados. Y esta conclusión asegura que se puede extrapolar a las redes sociales como Facebook, en las que, por lo general, nos presentamos a los demás tratando de mostrar el yo idílico y perfecto, o bien el que queremos mostrar a los demás.

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Un día Mathieu decidió lanzarse y mostrar el otro lado, se salió de plano y reflejó con sus fotografías las horas de maquillaje o gimnasio, la especial atención al atrezzo de la habitación, la pose estudiada previamente frente al espejo, las contorsiones nada naturales... Todo lo que se hace para que la escena esté a punto para el flashazo decisivo y para el momento en que el trocito de intimidad deje de serlo. Para ello, fue pidiendo a sus amigos y conocidos que posa-ran para él como si se estuvieran haciendo un autorretrato para colgarlo en un portal de citas. Mathieu recreaba, en la propia habitación de sus amigos, las poses sexy mil veces repetidas ante-riormente por tantos otros jóvenes. El resultado es su serie Boyz and Girlz du Net, que podéis ver a lo largo de esta entrevista.El artista habla de lo patético que puede llegar

Nota mental: esta entrevista contiene autorretratos seductores que evocan pulsiones animales. El autor, Mathieu Grac, también ha querido seducirnos y aparece, cuanto menos, sugerente. Además de presentarse como un artista con mucho fondo, su serie “Boyz and Girlz du Net” analiza todo aquello que no se ve cuando los jóvenes se presentan a los demás en las páginas de contactos.

TEXTO CLARA MEDIALDEA

“NO CREO QUE LADY GAGA SEA UN ICONO O UN MODELO A SEGUIR”

Arriba: Fotocomposición de la serie Boyz and Girlz du Net

Derecha: Mathieu Grac simulando a uno de sus personajes en un momento de la entrevista

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a ser que la gente se venda a sí misma de según qué manera. Me pone el ejemplo del porno: “no ha sido una liberación sexual, sino algo trash, un n importe quai, un hacer de cualquier manera y sin pensar en las consecuencias... ¡Eso da mucha pena!”- exclama. Me cuenta que, según los códigos de seducción, la mujer siempre tiene que aparecer sexy y el hombre viril. Y es que, en materia de igualdad, asegura que parece que vamos hacia atrás: “por ejemplo, hay una fotografía que he visto cientos de veces: en ella la mujer se coloca en el suelo y enfoca la cámara desde arriba, en un gesto de sumisión. ¡Lo curioso y terrible es que lo hacen ellas por voluntad propia!”- exclama. Y añade: “creo que las ideas del feminismo han ido perdiendo terreno desde hace algunas décadas: la mujer sigue estando abajo, subyugada bajo el objetivo de la cámara, complaciente y seductora”. Como esperando a que llegue el hombre severo a subyugarla o rescatarla. “Es algo que tiene que cambiar”- dice clavando la mirada.

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Después de muchos años trabajando sobre esta colección Girlz and Boyz du Net, Mathieu ha llegado a la conclusión de que estamos en la era de la democratización de la red y de la imagen y, por tanto, casi todo el mundo puede hacer-

Debajo: Sebastien Derecha arriba: Anne-SoDerecha debajo: Laurie

Arriba: Micka Debajo izquierda: PhilippeDebajo derecha: Lilith

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se fotos (aunque sea de forma amateur) y colgarlas luego en Internet. “La sociedad ha pasado de patriarcal a normativa y somos nosotros mismos los que nos autocontrolamos, lo cual tiene un punto perverso”- advierte. Ahora todos somos voyeuristas o exhibicionistas-narcisistas, o las dos cosas. Como asegura el documental I am the media, del francés Benjamin Rassat, la red provoca una tentación narcisista y facilita la creación de múltiples identidades buscando “reafirmar la existencia en la fábrica insustancial de la red y en un tiempo de desilusión y soledad”.Lo peor de todo, dice este artista, es que “ha habido un desplazamiento semántico de los valores y nuestros modelos y referentes ahora se basan en la lógica económica en vez de en la ética. El modelo dominante es super-ficial y buena parte de la culpa la tiene la americanización, que sitúa al consumismo como la panacea de todos los males”. Esto, dice, lo comprobó cuando estuvo trabajando en Montreal durante un año.

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Según Mathieu, este nuevo ritual de ponerse delante de la cámara para presentarse a los demás en las redes sociales o las páginas de contactos, se trata de “un fenómeno de identificación con las estrellas que influye en la construcción de la propia adolescencia. “Los modelos de ahora son los famosos del cine, la música... Gente que tiene mucho dinero y cuyo objetivo es ganar más. Los jóvenes ahora sueñan con ser estrellas y se venden como si fueran productos. Nos encontramos ante un nuevo fenómeno generacio-nal de autopromoción. Ahora todo el mundo se preocupa por pertenecer a un grupo, quiere ser aceptado, las imágenes y las relaciones cibernéticas dominan el panorama en detrimento de las interacciones personales”.A continuación, entrecierra sus ojos escudriñando los míos y ladea la

cabeza en un gesto de infinita empatía. Pero, de repente, se acuerda de Lady Gaga y su cara se descompone en una mueca de asco: “ella tenía un estilo horrible cuando comenzó, nadie apos-taba por ella, pero después empezó a vestir de manera extravagante y perturbadora y al final se ha acabado convirtiendo en un fenómeno de masas. No creo que sea un icono o un modelo a seguir, su propósito no va más allá que el de ganar dinero. Y todo ese discurso de apoyar a los diferentes no creo que tenga otro propósito que captar a más fans, los denominados Little Monsters. Esta Lady se olvida de la parte ética y moral y se centra sólo en la individualidad, el dinero y la fama”.

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Entonces, ¿qué hacer para no contaminarse con toda esa basura cósmica que nos rodea? ¿hacia dónde ir? ¿a quién seguir? Mathieu nos propone “ralentizar todos los procesos para poder reflexionar mejor sobre las cosas, recuperar la cultura y muchos de nuestros antiguos valo-res....”. Y quizá esa sea la forma de renacer de nuestras cenizas para reencarnarnos en lo que un día fuimos, no hace mucho tiempo. “Habrá que volver a los clásicos pero sin perder de vista el presente y, sobre todo, el futuro”- se aferra.Antes de irse, Mathieu asegura que todas estas conclusiones provienen de su crecimiento per-sonal, de sus experiencias. Esboza una sonrisa picarona y continúa: “a pesar de mi carrera de comunicación audiovisual y de mis estudios de fotografía, donde más he aprendido ha sido de la vida”, como todo buen sociólogo. Acaba la frase poniendo morritos, en un gesto repetido hace años ante el espejo. Este chico de 26 años critica y parodia estos nuevos rituales adolescen-tes, pero al mismo tiempo confiesa que no puede culparles pues él también ha hecho lo mismo de una u otra manera.

Me guiña un ojo y se pierde entre la gente. ▲

Arriba: Julien Debajo: Maxime

Arriba: Amelie Centro: ThibaultDebajo: Laureline

FOTO

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“A TRAVÉS DE MIS IMÁGENES INTENTO BORRAR ESA LÍNEA

IMAGINARIA ENTRE LA FOTOGRAFÍA Y EL DIBUJO”

Louis Fry

Nos acercamos al mundo gráfico de Louis Fry, un artista londinense con sede en Leizpig que ha

conseguido forjarse un estilo único a través del retrato

experimental.

TEXTO ROCÍO MONTOYA

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Surrealismo y frescura se funden enérgicamen-te en estas fotografías para demostrarnos que no está todo hecho y que, a través de esta disciplina, todavía podemos sorprendernos. Porque hay artistas que se dejan llevar por los estados de ánimo para canalizar sus energías creativas, hemos tenido el placer de entrevistar a Louis Fry y descubrir cómo concibe el arte esta joven promesa de la fotografía.En sus imágenes el color fluye como agua dilui-da para enfatizar las emociones y conceptualizar una estética transgresora que apunta directa-mente al cerebro del es-pectador. Los elementos simbólicos están implí-citos en muchas de sus obras aunque, como el artista afirma, en ocasio-nes toma fotografías por puro gusto estético. Su concepción de la belleza es diferente y Louis sabe mezclar a la perfección esa parte superficial con una apoteósica carga visual que lleva su sello.

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Siendo muy joven ha demostrado, a través de sus imágenes, que tiene un lenguaje plástico muy personal y nos preguntamos porqué ha elegido el retrato experimental como vía de expresión. - ”A lo largo de mi trayectoria he probado mu-chas cosas que no han terminado de gustarme así que en este momento creo que lo que estoy haciendo es trabajar para mí mismo. He trata-do de añadir mucha información en fotos fijas durante demasiado tiempo y ahora quiero de-sarrollar otras técnicas con película e imágenes analógicas”.La mente inquieta de Louis no concibe una ruti-na de trabajo sin experimentar diferentes proce-sos de producción, en estos momentos continúa inmerso en sus trabajos visuales y sentimos mu-cha curiosidad por saber cuál es el equipo técni-co que utiliza. - “Para el proyecto que tengo en curso he estado utilizando una cámara Polaroid 250, pero la cámara no importa realmente. A través de mi técnica lo que he intentado ha sido borrar esa línea imaginaria entre la fotografía y el dibujo, para capturar y grabar tanto el estado

físico como el emocional, aspectos que al mismo tiempo influyen continuamente en mi experien-cia. Así que es algo más que una prima de docu-mentación fotográfica de un lugar o una persona. Considero que mis imágenes podrían ilustrar los cambios de movimiento constantes en los que vi-vimos”.

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Bajo la influencia de artistas como August San-der y Jean Cocteau, Louis encuentra la inspira-

ción en las relaciones que tiene con la gente que fotografía para inmorta-lizarla en estos singulares retratos, donde la natura-lidad de sus protagonistas se aprecia bajo un velo cromático de misterio y surrealismo.En estos momentos el arte

es un sector difícil y competitivo en el que mu-chos artistas se ahogan frustrados en el anoni-mato. Louis Fry, a pesar de su corta trayectoria, se ha ganado un merecido reconocimiento y su obra circula sin cesar por innumerables redes so-ciales y espacios creativos. Sus trabajos son inconfundibles y este es un pun-to que juega a su favor. Aún siendo consciente de las dificultades de esta profesión, continúa con su proceso creativo y está abierto a distintas posibi-lidades en el sector.Louis nos cuenta que decidió marcharse de su Londres natal, una de las cunas del arte emer-gente, para residir durante una temporada en Leizpig y que el motivo de su traslado no ha sido otro que el escapismo, la práctica del alemán y darse la posibilidad de cambiar su rutina durante un tiempo.

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Además de su pasión por las artes, Louis Fry practica natación y pinta con acuarelas en su tiempo libre. Tras estas fotografías se esconde un muchacho soñador, inteligente y con mucho ta-lento que, curiosamente, quiere ofrece un consejo poco usual a todos aquellos que se están iniciando en el mundo de la fotografía -“No lo hagáis”. ▲

“Considero que mis imágenes podrían

ilustrar los cambios de movimiento constantes

en los que vivimos”

FOTO

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Troy Stains es un joven texano de 30 años que, durante sus primeros años de vida, se movió por todo el sureste de los Estados Unidos hasta que su familia se estableció en Florida. Según él, Juan Ponce de León estaba equivocado cuando aseguró que la fuente de la eterna juventud esta-ba allí ya que, en realidad, “es tan solo un lugar con demasiada gente mayor”. Por este motivo, hace 10 años, se marchó a Atlanta (Georgia) donde reside y trabaja actualmente. Aunque estudió Sonido, nunca ha llegado a ejercer dicha profesión, siendo la fotografía su sustento profesional y personal junto con la pasión que siempre ha sentido por la música.

DOZE Magazine: ¿Cuándo empezó tu pasión por la fotografía?Troy Stains: La curiosidad por este mundo me llegó con una clase de fotografía que tuve en el instituto. Hace unos tres años empecé a trabajar como freelance y fue entonces cuando comencé a entender la fotografía como una expresión artística.

DM: ¿Cuáles son tus principales referen-tes en fotografía?TS: Ultimamente me he interesado mucho por el trabajo de Viviane Sassen, vi una parte de su obra en el MoMA de Nueva York y resultó ser toda una revelación para mi; al contemplar sus instantáneas, el resto de fotografías expuestas en la sala parecieron oscurecerse. Todd Hido también me parece uno de los grandes ya que sus composiciones son simplemente maravillo-sas; tienen una resonancia y una tensión que son difíciles de describir. Por último, Alec Soth también me parece fantástico.

DM: Haciendo un recorrido por tu obra, parece que te centras en los detalles de la

vida diaria de la América más profunda ¿Es ahí donde encuentras una mayor inspiración?TS: La verdad es que me gusta el término de América profunda al que haces referencia. En mis fotografías siento predilección por las pe-queñas cosas inefables que se cruzan en tu vida y dejan en ti un sentimiento de admiración ¿Qué es lo que pasa cuando te encuentras un limones viejos encima del parabrisas de un coche? El significado y el ser de dichos objetos chocan, es algo así como poner juntas dos palabras elegidas arbitrariamente. El resultado puede ser cómico o, por el contrario, maravilloso. De cualquier manera, es una asociación que genera chispas en la mente y crea una sensación de maravilla o novedad que alude, a su vez, a algo desconocido.

DM: Por otro lado, podemos comprobar que los protagonistas de tus fotografías aparecen en situaciones íntimas y muy personales ¿te sientes, en cierta manera, un voyeur? ¿te gusta reflejar aquello que nosotros no solemos ver de los demás?TS: No considero que mi trabajo tenga un enfoque voyeur pero sí trato de conseguir un punto íntimo y revelador. Para mi, el mayor reto de fotografiar a la gente es conseguir que se comporten como si ni siquiera yo estuviera allí y que no tengan la sensación de estar siendo observados. Conseguir eso es muy difícil pero, cuando lo logras, puedes ver una imagen más honesta y significativa.

DM: Por otro lado, esos personajes pare-cen encerrar historias que no terminan de contar ¿te gusta mantener la tensión en el espectador? ¿Qué pretendes conse-guir con estas historias abiertas?TS: Efectivamente, a través de mis imágenes

¿A qué dedica el tiempo libre un torero? ¿Dónde quedan la

pompa y el artificio cuando llega su retiro invernal?

Estas y otras cuestiones son las que nos plantea

Troy Stains en su serie En Temporada Baja, unas

fotografías que cuestionan el mito del matador y lo sitúan

en el ámbito más terrenal de la vida. Nunca el traje de luces había dejado entrever

tantas sombras...

“EL TOREO ES UNA TEATRALIDAD CUESTIONABLE

QUE SE MUEVE ENTRE EL ARTE Y EL ABUSO”

Troy Stains

TEXTO MARIO IZQUIERDO

Fotografías pertenecientes a la serie En Temporada Baja ▲ Derecha: Retrato de Troy Stains (por Jason Travis)

FOTO

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“Siento predilección por las cosas inefables que se cruzan en tu vida y te dejan un sentimiento de admiración”

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pretendo que suceda algo en el espectador; no quiero que se sienta confuso o alienado, pero sí que tenga cierta sensación de asombro y de algo inexpresablemente verdadero. Cuando tiro una fotografía, conozco todos los detalles necesarios para que esta salga bien y eso no supone ningún misterio para mí, no obstante, si puedo conse-guir una imagen que desprenda cierto misterio (un a je ne sais quoi), es cuando considero que la imagen es aceptable.

DM: Hablando de la serie “En tempo-rada baja” ¿Qué buscabas cuando te centraste en el tiempo libre de un torero?

TS: Con esta serie quise expresar el malestar de la existencia humana. El hecho de que, incluso una figura divinizada como la de un torero (que, para muchos de nosotros, tiene una vida emo-cionante), también se ve obligada a hacer frente a lo más mundano de la vida cotidiana.

DM: Teniendo en cuenta la afición que existe en España por el toreo ¿Qué opi-nión te merece? ¿Lo consideras un arte o un abuso?TS: Me gustan la pompa y la teatralidad de las corridas de toros. En Estados Unidos no tenemos nada parecido, lo más cercano son los

rodeos, pero eso es tan solo un tipo que se monta en un toro durante unos diez segundos... En cuanto a si las corridas me parecen un arte o un abuso, yo diría que tal vez sea algo intermedio. ¿Una teatralidad cuestionable? Por lo menos, en algunas ocasiones, el toro puede vengarse del matador...

DM: ¿Qué proyectos tienes actualmente entre manos?TS: Ahora mismo acabo de terminar un vídeo musical para una banda local llamada Sealions, se ha aceptado en el Festival de Cine de Atlanta y estoy a la espera de saber a dónde conduce

“Una figura divinizada como la de un torero también se ve obligada a hacer frente a lo más mundano de la vida cotidiana”

todo esto... Aparte de eso, de momento no estoy trabajando en ningún proyecto personal, no obstante, tengo en mente un par de series foto-gráficas que espero desarrollar pronto.

DM: ¿Hacia dónde te gustaría enfocar tus trabajos?TS: Preferiría centrarme en mi trabajo per-sonal, aunque también realizo otros encargos comerciales. Ultimamente he estado muy ocu-pado con un proyecto editorial y, ciertamente, resulta complicado tener la suficiente energía y entusiasmo para llevar a cabo trabajos propios después de haber hecho todo lo necesario para ganar dinero. Sin embargo, al final, el arte es lo que me apasiona y es hacia donde quiero enfocar mi obra.

DM: Por último, ¿cuál es el mejor proyec-to fotográfico que te podrían ofrecer?TS: Me encantaría disparar para el catálogo de Anthropologie or Urban Outfitter. Tampo-co estaría nada mal preparar algo para Acne Paper, su trabajo es verdaderamente interesante y hermoso. ▲

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“LA FOTOGRAFÍA HA SIDO MI VÍA DE EXPRESIÓN

PERSONAL”Sarah Marshall

A través del autorretrato, Sarah nos ha mostrado su parcela más personal. Esta joven artista nacida en Blairsville, un pequeño pueblo de Pensylvania, se inició en la fotografía con la intención de expresar sus sentimientos, hobby que compaginaba en sus ratos libres, mientras estudiaba y ayudaba en la panadería de sus padres. Así floreció un poderoso interés hacia las bellas artes que la im-pulsó a marcharse a Nueva York para explorar el terreno que verdaderamente la motiva en la actualidad: el arte conceptual. En estos momentos mantiene la fotografía aparcada para centrarse en sus proyectos escul-tóricos, pero queremos destacar que gracias a su inicial interés por la imagen, Sarah descu-brió su verdadera vocación. Por este motivo hemos hecho una selección de sus autorretratos, realizados entre 2006 y 2010, donde comenzó a gestarse el talento incipiente de la artista.

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DOZE Magazine: ¿Cómo surgió en ti el interés por las bellas artes?Sarah Marshall: Mi interés por el arte surgió cuando yo tenía unos quince años. A esa edad empecé a interesarme por la fotografía, me atrapó por completo y estuve totalmente volcada

alrededor de tres años, pero con el tiempo comenzó a agobiarme el hecho

de canalizar mis inquietudes artísticas exclusivamente a través de este medio. En

secundaria fundé una revista de arte y poesía llamada Interrobang (www.interrobangmag.

tumblr.com) con mi amigo Lou Horvath, y este proyecto me permitió ramificar mis inquietudes en otras direcciones. Empecé a trabajar con el collage y el grabado y decidí estudiar bellas artes en la universidad; esto fue realmente lo que me permitió expandirme. Como resultado de ello ha surgido en mí un interés enorme hacia la escultura, los proyectos basados en los sonidos y la permorfance.

DM: Te iniciaste muy joven en la foto-grafía y hemos podido observar que has realizado numerosos autorretratos. ¿Qué simboliza para ti la fotografía y que pretendes expresar a través de tus imágenes?SM: He utilizado el autorretrato porque el “concepto” principal que esconde mi fotografía ha sido simplemente el hecho de expresar pensa-mientos o sentimientos que yo he experimenta-do en un instante preciso. Creo que fotografiar-me a mi misma era la mejor vía para relacionar este tipo de ideas. Yo podría haber tratado otros

Ella es Sarah Marshall, una estudiante americana que, con solo diecinueve años, ya ha puesto a prueba

sus aptitudes artísticas a través de diferentes medios. La escultura, las instalaciones sonoras, el collage y las performances son sus vías de expresión en la

actualidad, pero nosotros hemos querido destacar una de sus facetas más intimistas: la fotografía.


FOTO

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“En la actualidad no estoy muy dedicada

a la fotografía. Últimamente he estado

trabajando sobre todo en obras escultóricas e instalaciones sonoras”

temas con otros sujetos pero, en esos momentos, el autorretrato tenía un sentido concreto para materializar como me sentía.

DM: El tratamiento y el arte final de tus imágenes parece conseguido a través de procesos analógicos ¿Qué equipo técnico y programas de edición utilizas?SM: He usado una Nikon D80 con un objetivo de 18-135 mm en la mayor parte de mi trabajo. También he experimentado con cámaras como la Holga, Diana y una Pentax ME Super en el ámbito analógico. Para la edición siempre he usado Adobe Photoshop.

DM: Eres una artista multidisciplinar, a parte de fotografía, has realizados distintos proyectos gráficos y escultóri-cos, instalaciones y video-arte, además de tu magazine independiente. ¿Cuál de estas disciplinas es la que más te gusta y dónde crees que hay más posibilidades para crecer profesionalmente?SM: Realmente no tiendo a adherirme a un medio. Prefiero trabajar de manera más flexible y no me voy a limitar a una forma particular de trabajo. La dirección que tome, en general, estará dictada por las exigencias de un proyecto. Normalmente empiezo con una idea y luego

decido qué medio es el más idóneo para desarro-llarla.

DM: ¿A qué te dedicas actualmente? ¿Tie-nes algún proyecto cercano sobre el que puedas hablarnos?SM: En la actualidad no estoy muy dedicada a la fotografía. Últimamente he estado trabajando sobre todo en obras escultóricas e instalaciones sonoras. Estoy inmersa en la apertura de un pequeño espacio/galería que se inaugurará este verano en Blairsville (Pensilvania) y estoy deseando que llegue ese momento. Es una ciudad muy pequeña que realmente no tiene ningún tipo de comunidad artística, así que no estoy segura de las opiniones que la galería va a recibir por parte de los locales. Para el primer show estoy colaborando con mi amigo Meaghan Houck (www.meaghanhouck.com). Estamos planeando la creación de una serie de esculturas en los bosques y campos que rodean mi ciudad natal.

DM: ¿Cuáles son tus influencias a la hora de abordar un nuevo proyecto? ¿Tienes algún artista predilecto?SM: He descubierto a muchos artistas inspi-radores desde que he llegué a la escuela de arte. Yo no diría que tengo uno predilecto,

hay unos cuantos cuyo trabajo realmente me interesa mencionar: Andy Goldsworthy, Bruce Nauman, Constantin Brancusi, y Bas Jan Ader. Además, el trabajo basado en el sonido del artis-ta suizo Zimoun, definitivamente ha reforzado mi interés en este campo.

DM: En la actualidad, muchos artis-tas emergentes hacen uso de las redes sociales para difundir sus trabajos. ¿Qué opinas de esta nueva corriente? ¿Crees que en los tiempos en los que vivimos es indispensable saber moverse por Internet? SM: Estoy de acuerdo en que es importante tener una presencia en línea como artista, ya sea a través de tu propio sitio web o a través de Tumblr o Flickr. En mi caso, el uso de Internet para compartir mi trabajo ha sido extremada-mente beneficioso. Flickr me permitió acceder a un público infinitamente más grande del que habría tenido si hubiera mostrado mi trabajo sólo a las personas que he conocido físicamente. De hecho, gracias a esta presencia en Inter-net me han surgido una serie de importantes colaboraciones y oportunidades, así que, sin duda, animaría a los a artistas a compartir sus trabajos en línea. Contemplar una fotografía a través de internet me ha resultado básica-

mente similar a observarla en directo pero, sin embargo, hay otras disciplinas artísticas cuya compresión puede resultar más complicada si no las ves personalmente, hablo específicamente de los trabajos en tres dimensiones. Así que supongo que siempre existen pros y contras.

DM: Vives en Nueva York, la ciudad que nunca duerme. ¿Podrías hablarnos un poco de tu entorno en el aspecto cultural, por dónde te mueves y cómo es un día rutinario en tu vida?SM: Yo vivo en Nueva York en la actualidad porque estoy asistiendo a la escuela Parsons. Esta ciudad es totalmente opuesta al pequeño pueblo rural donde crecí, pero me encanta vivir aquí. Realmente creo que es uno de los mejores luga-res para estudiar arte porque hay mucho que ver y puedes encontrar un material poderosamente infinito de inspiración. Desde que estoy en la es-cuela, un día típico para mí consiste en ir a clase durante la mayor parte del día y al volver a casa trabajo en proyectos y tareas durante la noche. Hay tantos lugares para ver arte en Nueva York que trato de organizarme para visitar galerías y museos de manera regular. También disfruto mucho paseando por distintos lugares de la ciudad y observando todo cuanto puedo.

DM: Si pudieras elegir una ciudad para vivir ¿Te quedarías en Nueva York o elegi-rías otro lugar?SM: Aunque me gusta Nueva York, dudo que me quede aquí mucho tiempo después de termi-nar la escuela. A menos que surja algo que me obligue a permanecer en esta ciudad, probable-mente me marcharé a otro sitio, aunque en estos momentos no tengo muy claro a donde. Yo soy una persona de campo, lo llevo en el corazón, así que creo que necesito un lugar donde pueda te-ner un jardín y estar lejos del ajetreo y el bullicio de la ciudad. A veces contemplo la posibilidad de volver a mi ciudad natal, porque adoro vivir allí, pero luego me doy cuenta de que realmente no me va a ofrecer muchas oportunidades relacio-nadas con el arte. Si pudiera elegir, me gustaría vivir en Cape Cod en Wellfleet, Massachusetts. Es un zona muy inspiradora. Pero de todos mo-dos ¿quién sabe dónde voy a terminar?

DM: Tu frase favoritaSM: “Silence is of the gods; only monkeys chat-

ter.” (El silencio es de los dioses; sólo los monos charlan” ) de Buster Keaton.DM: ¿Qué valores consideras indispensa-bles para estar satisfecha con tus creacio-nes y cuál es el proyecto del que te sientes más orgullosa?SM: Para sentirme satisfecha con un proyecto tengo que estar segura de que me he esforzado al máximo y de que he explorado o al menos he considerado todas las posibilidades. La obra de la que me siento más orgullosa hasta ahora es la que realicé para el proyecto final de mis clases de escultura el semestre pasado. Fue un proyecto titulado “Bleary / Jagged” cuya base consistió en elegir palabras de una bolsa que aportaron mis compañeros de clase, para luego elaborar una pieza inspirada en estas palabras. Mi proyecto dio lugar a una escultura geométrica suspendida en el aire y colgada del techo. El espectador, desde abajo, escuchaba audio en el interior de la pieza y podía ver una proyección de imágenes borrosas de un paseo en coche, a través de los paneles translúcidos de la escultura.(www.marshallsarah.com/sculpture/blearyjag-ged-installation)

DM: Si echas un vistazo hacia atrás ¿En qué sientes que has evolucionado?SM: Definitivamente siento que he evoluciona-do desde que empecé. Estoy contenta de haber tomado la decisión de ampliar mis inquietudes artísticas a otros medios a parte de la fotografía.Aunque me inicié en esta disciplina y he disfruta-do mucho con ella, me siento más satisfecha ahora que estoy trabajando de un modo más conceptual. Realmente nunca medité demasiado el tomar la fotografía como una profesión, se trataba más bien de una vía de expresión per-sonal. A pesar de que puede resultar muy útil e interesante, he crecido como artista fuera de este ámbito y me siento feliz en el punto en el que me encuentro ahora.

DM: ¿Un consejo para los lectores de DOZE que se están iniciando en las bellas artes?SM: Creo que no tengo la experiencia suficiente como para ofrecer un consejo, ya que yo también estoy empezando. De cualquier modo voy a aportar una recomendación simple: esforzarse siempre al máximo y tomarse en serio la profe-sión, pero no demasiado en serio... ▲

“No tiendo a adherirme a un medio. Prefiero

trabajar de manera más flexible y no me voy

a limitar a una forma particular de trabajo”

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“Soy una persona de campo, lo llevo en el

corazón, así que creo que necesito un lugar donde pueda tener un jardín y

estar lejos del ajetreo y el bullicio de la ciudad”

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“Gracias a mi presencia en Internet

me han surgido una serie de importantes

colaboraciones y oportunidades así que,

sin duda, animaría a los a artistas a compartir sus

trabajos en línea”

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Zev Hoover

Zev Hoover, más conocido en Flickr como fiddle oak, es un joven de Massachusetts que, con ape-nas 12 años, demuestra un gran dominio en el arte de la fotografía y la postproducción. Educa-do en casa por su madre, divide su tiempo libre dando paseos en bici, inventando origamis, to-cando la viola o creando los seres diminutos que ahora presentamos. Llama la atención cómo, durante la entrevista, uno comprueba que la profundidad de sus imágenes se intercalan con el espíritu libre de un niño que tiene toda la vida por delante y un mundo por descubrir.

DOZE Magazine: Teniendo en cuenta tu temprana incursión en el mundo de la fo-tografía ¿Qué fue lo que te cautivó de ella?Zev Hoover: Probablemente fuera debido a las cámaras fotográficas antiguas. Me resultaba adictivo y encantador el click mecánico de una vieja Nikormat que había por casa. En realidad, antes de empezar en esto de la fotografía, me dediqué más bien a manipular y trastear con los mandos de la cámara... Comencé a tirar fotos cuando me fijé en lo que hacía uno de mis hermanos mayores (que estaba muy metido en el tema), pero no fue hasta los ocho años cuando tuve mi primera cámara de verdad (una Canon S3 IS).

DM: ¿Quiénes son tus referentes en este campo del arte?ZH: Me siento enormemente inspirado gracias a los maravillosos amigos y fotógrafos que he conocido través de Flickr. Si no fuera por esta red social, no sé si estaría haciendo fotos en estos momentos ya que su comunidad me proporcio-na una gran motivación para seguir adelante. Por otro lado, mis padres son arquitectos, además, mi madre es artista del vidrio y tres de mis hermanos se dedican al mundo del arte. La


Cogemos la lupa para confirmar que lo pequeño

puede llegar a ser muy grande si se mira adecuadamente. Entre

la inocencia, el amor a la naturaleza y la idealización

del mundo, las fotografías de Zev Hoover nos transportan

a unos entornos idílicos caracterizados por una

belleza que se abre paso ante la fealdad que puedes

encontrar cada día.

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“RESULTA HUMILLANTE COMPROBAR EL MALTRATO QUE

SE EJERCE SOBRE EL ENTORNO NATURAL MÁS DIMINUTO”

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verdad es que tengo todo tipo de influencias en casa para continuar con mi trabajo.

DM: Los protagonistas de tus fotografías nos muestran un pequeño mundo idílico en el que destaca la belleza de los mo-mentos cotidianos ¿Es una fantasía de lo que te gustaría que fuera el mundo real?ZH: Realmente no creo que se deba tanto a cómo me gustaría que fuera el mundo, más bien es cómo lo entiendo yo si se observara desde muy cerca. Por otro lado, considero que es una manera interesante de apreciar la naturaleza ya que un campo abierto no es necesariamente más atractivo en fotografía que el diminuto rincón que puedes encontrar en la corteza de un árbol.

DM: ¿Por qué tus personajes solo miden dos pulgadas? ¿Es acaso una manera de

demostrar que el ser humano es insigni-ficante frente a la naturaleza?ZH: No en particular. Es más bien al contrario ya que, todo aquello que es pequeño y puede considerarse por algunos como algo normal o intrascendente, representa todo un mundo para otros. Además, teniendo en cuenta que la mayor parte de los animales del planeta son mucho más pequeños que los humanos, resulta humi-llante echar un vistazo y comprobar el abuso y maltrato que se ejerce sobre el entorno natural más diminuto.

DM: ¿En qué te inspiras para crear tus imágenes?ZH: Como cualquier otra persona me inspira el mundo que me rodea. Hay infinidad de elemen-tos y simientes a mi alrededor para conseguir fotos maravillosas. También me motiva lo diver-

tido que resulta el proceso en sí: desde buscar las localizaciones hasta las horas de edición pausa-da. Para mi no hay nada como la cada vez más maravillosa y satisfactoria sensación que tienes cuando compruebas que la imagen, en la que has estado trabajando durante un par de horas, ha llegado a ser algo que realmente te gusta.

DM: ¿Con qué equipo fotográfico traba-jas? ¿cómo es el proceso de producción de tus obras?ZH: En estos momentos utilizo una Nikon D7000 a la que llamo Betsy y un viejo objetivo Nikon 50mm f/1.4 AI, a ambos les he terminado cogien-do mucho cariño. La mayor parte de mis imágenes son una mez-cla de, al menos, dos fotografías (aunque, por lo general, suelen ser muchas más) y un montón de “monerías” en Photoshop. Para conseguir que los

Arriba: Because who’s to say we are the only ones?Debajo izquierda: And rose again to cradle the sea ▲ Debajo derecha: No more than the air

Derecha: Water, second of the four classical elements

“Espero tener un estilo propio pero hay una parte de mi que quiere probarlo todo y no dejar de evolucionar nunca”

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protagonistas de mis imágenes parezcan dimi-nutos, tengo que hacer una fotografía del fondo y otra de la persona; por supuesto, el ángulo, la dirección y la intensidad de la luz tienen que ser lo más parecidas posible entre ellas. Posterior-mente, tras un largo proceso de edición, me ase-guro de que las sombras o reflejos y los colores se igualen para que efecto simule una única toma.

DM: ¿Cómo es un día cualquiera en tu vida diaria? ¿Y cómo es un día en tu vida sin la fotografía?ZH: Yo soy un homeshooler (estudiante educado en casa) por lo que, a diferencia de la mayoría de los chavales de mi edad, no paso largas horas metido en el aula de un colegio. En realidad, su-cede todo lo contrario ya que nunca estoy en un aula. Mi madre se encarga de mi educación y, gracias a ello, dispongo de mucho tiempo libre para hacer aquello que me apasiona. Si un día no hago fotos, mi vida se resume, prin-cipalmente, en dar largos paseos en bicicleta por la colina y el arroyo, inventar origamis, tocar la viola, trepar por los árboles, leer tutoriales de Photoshop y, tal vez, pasando demasiado tiempo viendo vídeos de Youtube (sonríe).

DM: ¿Tienes nuevos proyectos fotográfi-cos a la vista?ZH: Actualmente no (estoy a punto de empezar a jugar con plastilina...), lo que sí que me gusta-ría es intercalar mis trabajos en fotografía con otros de vídeo.

DM: Con tan sólo 12 años ya demuestras un gran dominio de la fotografía ¿Qué esperas obtener de ella? ¿Dónde te ves dentro de 10 años?ZH: A lo largo de los últimos cinco años me he sumergido en estilos completamente diferentes. Al principio todo lo que hacía eran paisajes en HDR (y decía que nunca fotografiaría a personas). Luego me centré en los macros y, posteriormente, casi todo lo que fotografiaba eran animales de peluche. Actualmente, como podéis comprobar, me dedico a recrear personas en miniatura junto con algún que otro escarceo con los autorretratos. ¿Quién sabe si alguna vez encontraré mi estilo, si el año que viene estaré sin hacer nada, tirando panorámicas, editoriales de moda o seguiré recreando escenas en miniatura? En cierto sentido, en algún momento espero encontrar un estilo propio para llegar a ser tan bueno como sea posible; no obstante, hay otra parte de mi que quiere probarlo todo y no dejar de evolucio-nar nunca. ▲

Arriba: Inspecting ▲ Debajo: Storm has brokenArriba: You told us you were made of sky ▲ Debajo: Sometimes the summer whispers so loudly

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Lisandre St-Cyr Lamothe

TRANSPLANTARME

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Luces, colores, eslóganes, estereotipos, sonrisas, utopías, felicidad, metas... Todo cabe en este loco mundo de verdades absolutas en el que los mensajes corporativos se repiten hasta la sacie-dad en cualquier rincón de nuestras ciudades. La ideología del consumismo invade nuestra intimidad con la intención de llenar todo nuestro tiempo libre. Así nos evitan pensar. Así preten-den conseguir que la masa se decante por la opción fácil y recordemos tan solo las soluciones que ellos nos ofrecen (siempre y cuando pasemos antes por caja).Pero se olvidan de algo importante, no tienen en cuenta que cada uno de nosotros tiene la capacidad de renacer. En nuestras manos está la posibilidad de replantearnos todos los aspectos mundanos de la vertiginosidad actual y quedar-nos con lo básico, con una esencia que solo tiene en cuenta aquello que nos resulta verdadera-mente enriquecedor.Frente al desenfreno esponsorizado, podemos optar por volver a nuestras raíces; mirar en lo más profundo de nuestra memoria y encontrar el lado más humano. Una versión de nosotros mismos que se desprende de cualquier atadura y se asienta en unos principios que van más allá de las modas y tendencias pasajeras. En ese preciso momento es cuando uno puede recapacitar acerca de todo.La serie Transplantarme, de la canadiense Lisandre St-Cyr Lamothe, nos transporta a un

entorno carente de superficialidades. El hombre es libre de ser él mismo para moverse entre la neblina y las sombras de nuestra existencia. Las dudas pueden surgir sin miedo a perderse entre ese ruido artificioso que lo emborrona todo. La realidad se convierte en sueño y el sueño forma parte de nuestra realidad. Así, uno puede moverse entre el día y la noche para descubrirse y encontrar en la naturaleza aquello que no nos ofrece el bullicio de la ciudad. Estas delicadas imágenes surgen gracias a cómo Lisandre entiende la fotografía ya que, tal y como comenta el filósofo Alexis Hudon, para ella el arte no es una herramienta que le sirva para escapar de la vida, sino todo lo contrario, la lleva a sumergirse en el mundo para vivir más y hacerlo plenamente. Además, añade que su trabajo no es el del recolector que cosecha la imagen madura, sino el del cazador que espera, invisible, el momento de luz y que la escena se coloque.Esta artista de 24 años, natural de la provincia de Québec y residente en Lyon (Francia), con-siguió en 2007 el primer premio en la categoría de estudiante de los Premios Lux de fotografía, en 2009 pasó por el departamento digital de la agencia Magnum y, más recientemente, ha re-cibido una beca de El Invernadero, un proyecto del centro Puertas de Castilla de Murcia que pre-tende favorecer la creatividad y el desarrollo de proyectos personales en el ámbito fotográfico. ▲

La serie Transplantarme nos invita a no echar raíces sobre las realidades asentadas. Un viaje hacia lo más profundo de nuestro ser en el que nos

desprendemos de todo lo superfluo para encontrar

nuestras verdaderas fortalezas y debilidades. La

fragilidad se hace fuerte con unas imágenes que destacan por su esencia y sinceridad y

que se mueven a la perfección dentro de una realidad

ensoñadora.


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Estamos preparados para iniciar un viaje a otra realidad, la de Sarah Ann Lloreth. Fotógrafa autodidacta residente en New Hamp-shire (USA), Sarah explora, estudia y representa escenas cotidianas con la intención de mostrar al espectador una mirada que sobrepasa la barrera de lo habitual. Su intención es recrear, a través de imágenes, esa vida imposible que le gustaría experimentar y en la que cada día se sucede cargado de magia, poderes sobrenatura-les y emociones al límite.

▲▲▲▲▲▲ Con su cámara Canon 5D Mark II y un obje-tivo de 50 mm 1.2, la artista desarrolla su obra inspirada por la poesía confesional, los escena-rios naturales y las atmósferas donde predomina la oscuridad. Bajo la influencia de artistas como Sally Mann, Diane Arbus y Cindy Sherman, Sarah se inició en la fotografía en junio de 2010, cuando decidió por primera vez agarrar una cá-mara y, como ella nos cuenta, ésta literalmente se le quedó pegada a las manos. Su aprendizaje ha sido fruto de la experimentación personal y de su pasión por el arte, que compagina en sus ratos libres con su trabajo real a tiempo comple-to en un quirófano.

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Uno de sus pasatiempos predilectos es dormir y creemos que este hobby la ha ayudado enor-memente a desarrollar su técnica, basada en un estilo surrealista donde sueños, pesadillas y quimeras son los protagonistas. Sus obras se caracterizan por una riqueza plásti-ca muy intuitiva, explotando siempre la parcela emocional y transportándonos a lugares dónde lo inhóspito es materializable.

A sus 24 años y con una breve pero intensa trayectoria, Sarah ya cuenta con un suculento portafolio y te recomendamos que no la pierdas de vista porque estamos seguros de que seguirá sorprendiéndonos con cada nuevo proyecto. ▲

DEARDARKNESSSarah Ann Lloreth


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On fragile broken people

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Pág.ant: The standpoint of daily life

The terrible decay of living

Sleepwalking in the absence of you

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The watcher

On taking time

Pág. sig: Alive but barely breathing

ARTE EL RENACER DEL CREACIONISMOTEXTOEL HOMBRE CONFUSO

En el inicio de los tiempos reinaba la oscuridad. Criaturas desprovistas de ojos, auténticos seres de pura maldad, unidos por largas cuerdas de miseria y tristeza, invadían un universo todavía entre tinieblas. Ruidos de cadenas, gritos desgarradores, demonios forjados a fuego, rocas putrefactas y un intenso olor a muerte colapsaban todo atisbo de realidad. Entonces, el Hipster Supremo creó el cielo y la tierra. Las tinieblas fueron desterradas a la tierra, que se convirtió en algo informe y vacío, un reducto de tristeza y desesperación ajeno a la belleza que reinaba en el cielo.Preocupado por el sentimiento de derrota presente en la tierra, el Hipster Supremo dijo “hágase el arte”. Y el arte se hizo. Y vio que el arte era bueno y lo separó de las tinieblas. Cientos de formas y colores brotaron espontáneamente, recubiertos de luz y calor, oscureciendo, más si cabe, las malignas tinieblas. Así transcurrió el primer día, pero quedaba mucho trabajo por delante.El arte pronto se volvió inestable y caprichoso, construyendo y destruyendo disciplinas, provocando luchas internas, volviéndose cada vez más oscuro. El Hipster Supremo, vislumbrando el avance de las tinieblas, dijo “que haya un orden dentro del arte para que se establezca una separación que evite el caos” y así lo hizo. Reunió cada una de las disciplinas artísticas y las incitó a desarrollarse sin límites terrenales, buscando la auténtica belleza. Y así trascurrió el segundo día.Entonces, el arte explotó. Cada disciplina luchaba por materializarse, encontrar su forma de expresión, alcanzar su propia perfección, pero les resultaba imposible. El Hipster Supremo dijo “que el arte produzca resul-tados” y empezaron a brotar de la tierra cuadros y fotografías, esculturas, libros y más libros, poemas y preciosos vestidos, videocreaciones y delicio-sas músicas. Y vio que era bueno y dijo “que aparezcan en el firmamento las grandes musas que iluminen el arte y que ellas señalen el destino de cada disciplina”. Con las puntas de los dedos el Hipster Supremo diseñó a las nueve musas, diosas inspiradoras y caprichosas dispuestas a instalarse cómodamente en el cielo. Y así transcurrieron el tercer y cuarto día.Agotado ante tanta creación, el Hipster Supremo decidió darse un respiro y dejó momentáneamente en manos de la Madre Naturaleza la respon-sabilidad de seguir con la perfección del arte, instruyéndola en cada uno de los pasos que debía tomar. La obediencia nunca había sido una de las cualidades de la Madre Naturaleza, aunque la supo disimular suficien-

temente para, luego, salirse con la suya. Con voz pausada y amorosa dijo “que las aguas se llenen de una multitud de seres vivientes, que vuelen pájaros por el firmamento y que la tierra produzca toda clase de seres vivientes, ganado, reptiles y animales salvajes de toda especie”. En apenas unos segundos, el mundo se vio poblado de miles de criaturas que corrían, nadaban y vo-laban, nerviosas y asustadas, destruyendo toda manifestación del arte. Las risas histéricas de la Madre Naturaleza alertaron al Hipster Supremo, pero era demasiado tarde, ya había transcurrido el quinto día.Consciente de la fragilidad del arte y de lo costosa que estaba siendo su creación, el Hipster Supremo entendió que ésta no era tarea para un único ser. Necesitaba encontrar la forma de garantizar la perpetuación del arte a través del tiempo, sin que resultara un esfuerzo titánico. Y así, el sexto día, el Hipster Supremo creó al artista a su imagen y semejanza, ordenándole que fuera prolijo y llenara la tierra de belleza.El Hipster Supremo miró todo lo que había hecho y vio que era muy bueno. Orgulloso, decidió dedicar el séptimo día al descanso, a reflexionar sobre el nacimiento del arte, la creación de lo nuevo. ▲

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ARTE

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Y SE HIZO LA LUZTEXTO PABLO L. BARBERO

FOTO GUSTAVO SANABRIA

La calle como lugar de acción y la luz como condición para crear. A Luzinterruptus se les podría considerar como los precursores del arte lumínico, o como uno de los colectivos emergen-tes más ‘iluminados’ del arte urbano madrileño. Aunque ellos solo se consideran unos artistas urbanos más con la peculiaridad de que se sien-ten terriblemente atraídos por la luz artificial, lo cierto es que la singularidad y el calado social y artístico de sus obras les están otorgando un papel destacado en el panorama actual entre los artistas urbanos (donde cada vez resulta más difícil encontrar destellos de originalidad). El contraste entre luz y sombra es siempre el eje de sus intervenciones urbanas. ¿Qué iluminar? ¿Dónde y cómo hacerlo? ¿Hacia dónde enfocar? Luzinterruptus responde a estas cuestiones con una inspiración creativa sublime que no solo llama la atención de los viandantes nocturnos de Madrid -su lugar de acción por excelencia-, sino también de algunos de los referentes del arte internacional. “Hacemos instalaciones en los espacios públicos, usamos la luz como materia prima y la noche como nuestro lienzo”, declaran desde el más absoluto anonimato. No se sabe nada de ellos, ni cuántos son, ni su edad, ni sus inspiraciones. Nada trasciende más allá de lo que iluminan las bombillas de su estudio. Solo muestran su contacto con la sociedad a través de las efímeras instalaciones que dejan ver por las calles de la capital al menos una vez por semana.La idea detrás de cada intervención queda eficazmente resumida por uno de sus miembros: “queremos atraer la atención del viandante a través de la instalación de luces en lugares pú-blicos, de tal forma que pueda ser comprendida sin la necesidad de incluir instrucciones”. Todo ello con el uso de la menor cantidad de material posible y ocasionando un daño urbano y medio-ambiental nulo. La virtud de decir lo máximo con los mínimos recursos.

Arte combativo vs. poesía visualLuzinterruptus consigue aunar en sus obras el compromiso político y social con el arte concebido como estética y belleza. Sobresalen en número las primeras sobre las segundas, aunque no necesariamente en calidad. Políticos

bajo vigilancia es una de sus instalaciones más reivindicativas, donde un cartel electoral era observado desde el suelo por 75 cámaras de vigilancia con luz roja encargadas de enfocar hacia la cara del político de turno retocada para la foto. El vigilante vigilado por los verdaderos guardianes: los mercados.En Los bares sin nombre de Madrid, el colectivo decidió denunciar la contradicción de que no se permita consumir alcohol en la vía pública mientras no hay reparos en beber en las terrazas y chiringuitos, donde se despacha alcohol a altos precios. Plagados de ironía, Luzinterruptus creó 10 bares portátiles en los que la cerveza de los vendedores ambulantes se paga a precios ajus-tados a cambio de consumirla en el suelo y con el cielo urbano como techo. Rótulos de cartón y leds de colores otorgaban el punto de distinción a cada esquina. Destaca la repercusión en las redes sociales de una de sus últimas acciones, Agua que has de beber déjala correr, con la que querían denunciar que en Madrid se hayan perdido, en menos de 30 años, más del 50 por ciento de las fuentes públicas en servicio, que ahora aparecen desmanteladas, rotas, sin grifo para beber o simplemente secas. Luzinterruptus encadenó cientos de frascos de cristal con una pequeña luz azulada dentro que, desperdigadas por el suelo, asemejaban el agua que hace años dejó de fluir por los surtidores municipales.De la misma forma que desarrollan performan-ces con un cargado carácter social y político, Luzinterruptus es capaz de alcanzar altas dosis de lírica mediante el poder de los fotones. El otoño bajo la luz de una farola se compone de sencillos conjuntos de hojas secas instalados bajo cada farola de una céntrica vía madrileña. Calles cubiertas de cemento gris sin identidad observan con añoranza las señales del otoño, que no llega al centro de la ciudad, a ese lugar sobrecivilizado que apenas goza de referencias climáticas ni estacionales. La farola, ese tronco erguido e iluminado que no da calor ni sombra, fue árbol por una noche.En la intervención Lo que perdimos en el 2011, con la que cerraron el pasado año, este colectivo se trasladó hasta un parque urbano retirado del centro donde se disfruta una de las mejores vis-

¿Somos conscientes de la insostenibilidad en nuestro modo de vida? ¿Nos paramos a pensar en aquello que nos

es ajeno o indiferente? Estas y otras cuestiones son las que nos plantea Luzinterruptus, un colectivo que hace de la luz su materia prima y que interviene en la vía pública

con la intención de encender nuestras conciencias para hacer del mundo un lugar más humano y habitable.

Fotocomposición de la intervención “Agua que has de beber...”

Luzinterruptus

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En la página anterior (de arriba abajo): “El otoño bajo la luz de una farola” y “Los bares sin nombre de Madrid”

En esta página: “Políticos bajo videovigilancia”

tas de Madrid. El acto consistió en dejar volar aquello que se había pedido y perdido a lo largo del último año. Miedo, fe, dinero, tiempo o inocencia, entre otras muchas palabras, se elevaron en el cielo de la capital en forma de grandes cometas de papel que ascendían mientras ardían para que, una vez consumidas, cayeran a la tierra en forma de cenizas.

Luminotecnia al servicio de las ideasLuzinterruptus ilumina su arte con una batería de valores que conforman la esencia de su arte. Conceptos cargados de significado como la autoges-tión, el reciclaje, el anonimato, la temporalidad y la acción colectiva crean una sólida base sobre la que sustentan toda su obra. Y es que, además del uso masivo de la luz, lo que hace que el trabajo de este colectivo sea dife-rente es que desarrollan sus intervenciones en la calle, de forma clandestina y espontánea, sin patrocinadores y usando materiales que encuentran en la misma vía pública. Otra de sus señas de identidad más interesantes es la de la fugacidad de sus obras. Sus creaciones tienen, no los días, sino casi siempre las horas contadas antes de morir. Están condenadas a dejar de existir en cualquier momento. De hecho, Luzinterruptus significa eso mismo: interrumpir la luz, “justo lo que le pasa a nuestras lámparas poco después de haberlas dejado en la calle”. El colectivo tomó la decisión de no depender del dinero de patrocinado-res para mantener vivo el proyecto. Los comienzos no fueron fáciles y no venderse al capital no ayudaba. Tuvieron que sobrevivir con el dinero que les da la luz, su luz, pero su resistencia les ha reafirmado en su lucha contra “un sistema de reparto de beneficios injusto y poco equitativo, con el dinero como gran dominador de las relaciones sociales”. Esta autonomía basada en la autogestión les seguirá proporcionando las condiciones nece-sarias para evitar que el proyecto se apague.Una batalla al mercantilismo que quisieron denunciar en su intervención El día que las paredes sangraron, de abril de 2010, en la que las paredes de las calles sangran en las zonas saturadas de anuncios publicitarios que

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mercantilizan el espacio público y esclavizan la mirada del ciudadano con una estética concebida únicamente para consumir.Luzinterruptus se erige además como mordaz crítico del espacio urbano: “Rezamos para que, al rehabilitar las plazas de Madrid, no las conviertan en grandes losas grises, sin un atisbo de verde en su superficie”. Hasta el momento sus plegarias no han surtido efecto, ya que los lugares por ellos añorados acaban convertidos en gran-des losas monocromáticas, “poco adecuadas para que los niños jueguen pero ideales para situar en ellas mercadillos, que convierten el espacio públi-co en descaradas zonas para el comercio”.Todas sus denuncias llegan desde el más absoluto anonimato, que guardan estrictamente no sólo para no desvelar sus identidades individuales sino también para reforzarse como grupo. Les ayuda a diluir el ego, fortaleciendo la acción común.Este colectivo no aspira a realizar obras de arte concebidas para perpetuarse y ser contempla-das, sino que buscan una experiencia de doble dirección que vaya más allá de lo puramente sen-sorial. Sus creaciones se erigen como instalacio-nes efímeras abiertas a una interpretación mucho más amplia, usando siempre los contrastes como significante y significado de su intervenciones. Son obras concebidas como una válvula de esca-pe de lo cotidiano, como un combate a muerte contra las rutinas diarias. Por suerte, siempre gana la luz. ▲

En esta página (de arriba abajo) “El día que las paredes sangraron” y “Despedida en Sol y retorno a casa”

En la página siguiente (de arriba abajo y de izquierda a derecha) “Fauna y f ora preservada”, “Lo que perdimos en el 2011”,

“Arte público que apetece tocar” y “Bajo una amenaza nuclear”l

ARTE

"siempre estoy receptiva. Nunca sabes cuando

puede surgir la inspiración"

Alba Ciordia


ARTE

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Alba es una joven madrileña lincenciada en Bellas Artes, una mente inquieta que ama el diseño y la comunicación y una soñadora que considera que una buena obra de arte es aquella que se gesta a través del conocimiento de diversas disciplinas. Hoy comparte con nosotros sus collages, piezas que nos hablan sobre las diferentes relaciones entre la moda y el cuerpo.

DOZE MAGAZINE: Cuéntanos como sur-gió en ti el interés por las bellas artes. ALBA CIORDIA: Desde niña he tenido mucha afición al dibujo y la pintura, iba a clases parti-culares por las tardes y mis asignaturas favoritas eran todas aquellas que implicaban trabajos ma-nuales o artísticos. Este interés fue aumentando con el paso de los años hasta que decidí estudiar bachillerato artístico. Pese a que las salidas profe-sionales no parecían muy favorables, finalmente opté por hacer bellas artes en Salamanca, pues al fin y al cabo lo más importante es hacer lo que te gusta y con lo que te sientes bien. No proven-go de una familia de artistas pero sin embargo las disciplinas creativas siempre me han llamado mucho la atención, es un ámbito donde me siento cómoda.

DM: Eres una artista multidisciplinar que ha profundizado en distintas ramas artísticas, entre ellas la ilustración, el di-seño gráfico y publicitario y el estilismo de moda. ¿Dónde te sientes más cómoda y qué sector crees que es el más idóneo para explotar tu creatividad? AC: Me resulta bastante complicado elegir solo una disciplina pues creo que todas se comple-mentan en cierta manera. El dibujo y la ilustra-ción son muy importantes a nivel compositivo, encuadre y proporción, el diseño gráfico aporta ese toque digital, la publicidad ayuda a desarro-llar otras formas de transmitir conceptos al es-pectador y el estilismo de moda, para mí, es una mezcla de todas ellas, pues no deja de ser una imagen final que intenta transmitir una idea o es-tética. Es otra forma de arte y considero que para poder desarrollar bien esta profesión se necesitan habilidades artísticas, una mirada diferente. Ac-tualmente he enfocado mi vida profesional en este campo de la moda, aunque no podría dejar de lado el resto de disciplinas, creo que elegir un solo camino es un error. No hay que cerrarse a nada, aunque puedan parecer piezas sueltas llega un momento que todo encaja, o eso espero.

DM: En estos momentos resides en Ma-drid. ¿Consideras que es una ciudad que ofrece posibilidades a los artistas emer-gentes? ¿Cómo te mueves para conseguir difundir tus trabajos? AC: Aunque nací en Madrid he vivido fuera de la capital casi toda mi vida. Volví hace un año y medio con la idea de realizar un máster aquí y desarrollarme profesionalmente, pues si quería probar con la moda no podía hacerlo en una ciu-dad más pequeña. Madrid es un foco de ebulli-ción constante, hay una oferta cultural amplia y tienes acceso a un montón de exposiciones, pue-des estar en contacto con el arte de forma más di-recta. Sin embargo, por el momento no considero que sea una ciudad fácil, es complicado hacerse un hueco, hay mucha gente que puede ofrecer cosas similares. Como en todo, lo importante es diferenciarse, pero el proceso es muy lento. Llevo tiempo planteándome la posibilidad de buscar una galería y presentar algunos de mis trabajos, es algo que me encantaría, es algo que tengo en mente. De momento, suelo intentar darme a co-nocer en publicaciones y en internet, a través de mi blog o de redes sociales.

DM: Nuestro número gira en torno al po-sitivismo visual, al resurgir de las ideas desde perspectivas diferenciadoras. ¿Qué crees que te diferencia del resto de artis-tas y qué es lo que más disfrutas cuando abordas una nueva producción artística? AC: Como dije anteriormente, para mí lo funda-mental es ser capaz de abarcar varias disciplinas, tener diferentes habilidades que enriquezcan el proceso creativo y por tanto el resultado final. No es lo mismo ser un dibujante magnífico, pero sólo ser bueno en eso, que poder fusionar diferen-tes estilos o medios. Vivimos en un mundo muy global y creo que es importante que eso también quede reflejado de alguna manera. A mí, perso-nalmente, es lo que más me enriquece, siempre estoy receptiva. Nunca sabes cuando puede sur-gir la inspiración.

Lo que más disfruto cuando abordo un proyecto nuevo es precisamente eso, la novedad. Me en-canta cambiar de ámbito, la rutina nunca es po-sitiva para la creatividad. Esa motivación por lo nuevo desarrolla el afán de superación y te obliga a abordar los trabajos desde puntos de vista dis-tintos, algo muy positivo.

DM: ¿Tu pasión por la moda ha sido el motor de inspiración para canalizar tu estilo artístico? AC: En gran medida sí, a parte de mi afición por las artes, la moda siempre me ha resultado muy atractiva. Desde pequeña pasaba horas enteras rodeada de revistas, razón por la cual decidí orientar mi proyecto final de carrera en este ám-bito, más concretamente sobre moda e identidad, desarrollando un proyecto teórico sobre los as-pectos más importantes de la moda como pue-den ser el género, la identidad, la sexualidad... y un acercamiento a las teorías sociológicas más importantes sobre el vestir, así como la relación que se puede establecer entre moda y cuerpo. A partir de ahí llevé a cabo una obra gráfica basada en la técnica del collage mediante recortes de re-vistas de moda que reflexiona sobre estos puntos anteriores y deconstruye las imágenes ofrecidas por dichas publicaciones.

DM: ¿Qué artistas o movimientos te han influído para desarrollar tu propio len-guaje plástico? ¿Hay algún artista que consideres excepcional y al que no le hayan concedido un merecido reconoci-miento? AC: Cuando comencé a crear mis collages bus-qué otros artistas que trabajaran en la misma línea gráfica pero sobre todo conceptual y la verdad es que me llevé una grata sorpresa. Fue uno de los motores que me impulsó a realizar un trabajo de investigación que recopilé en un libro, que yo misma maqueté y diseñé, titulado “Ser o parecer. Belleza envasada”, el cual recoge a los artistas que me resultaron más interesantes para

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“No provengo de una familia de artistas pero sin embargo las disciplinas creativas siempre me han llamado mucho la atención, es un ámbito donde me siento cómoda”

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abordar este proyecto. Muchos son los que han desarrollado el fotomontaje, como el que puede ser considerado su descubridor Raoul Haus-mann o Hanna Höch (una de las más destaca-das) que también reflexionaba sobre el género. Martha Rosler, referente del arte feminista, que también utilizó revistas de moda en algunos de sus trabajos; las composiciones sobre el cuerpo de Luciana Crepaldi, los montajes fotográficos de Isaac Montoya, que no dejan indiferente a nadie, Aziz + Cucher y sus reflexiones sobre la identi-dad y un largo etcétera. Imprescindibles para mí, los fotógrafos Inez Van Lamsveerde & Vino-odh Matadin, con sus trabajos de montajes fotográficos de los años 90 sobre el género o la sexualidad.

DM: Para esta edi-ción hemos querido destacar una selección de tus collages, piezas dónde fusionas el arte experimen-tal con la moda. ¿Qué pretendes expresar con estos trabajos? AC: Todo surgió cuando empecé a reflexionar sobre la veracidad o artificio de las imágenes ofrecidas por las publicaciones de moda y cómo el cuerpo se ha convertido en el templo de la identidad, donde la indumentaria y otros medios estéticos forman un eslabón importante. Se trata de un trabajo crítico y analítico sobre la moda y el cuerpo en la sociedad actual, cómo se nos presenta a través de las revistas u otros medios y cómo ello influye en la identidad individual. Creo que tanto moda y cuerpo junto con la identidad están íntimamente relacionados, además de ser algo que está muy cercano a nosotros y por lo tanto es merecedor de nuestra atención, análisis y reflexión. Forma parte de nuestro “yo”, de ese ser o parecer al que nos enfrentamos constante-mente, que a su vez tiene lugar en esta sociedad que defino como “belleza envasada”, estereoti-pos de belleza, estilos, formas de ser reflejadas a través de la indumentaria que se presentan “en-vasadas”, a modo de producto que nos incitan a consumir, en las páginas de las revistas de moda, televisión o Internet. Un juego en el que todo vale, donde los medios y la cultura es de todos, y es posible utilizar obras de otros artistas, o de los medios de masas, anuncios, carteles, etc. Una inagotable fuente de energía que sirve para transformar el mundo, recortándolo, fragmentándolo, superponiéndolo y, en definitiva, modificándolo. Obras genera-das es una mesa de trabajo o en un ordenador, que nos plantean una visión diferente, nos hacen reflexionar o nos sacan una sonrisa o una actitud de rechazo, demostrándonos una vez más que las cosas no siempre son lo que parecen. DM: ¿Podrías explicarnos el proceso téc-

nico para realizarlos? ¿Los elaboras ma-nualmente o con programas de edición digital? AC: En primer lugar siempre debo llevar a cabo una búsqueda intensiva de imágenes de moda que sean susceptibles de combinarse entre sí, que de una manera u otra me atraigan los colores, la expresión, la luz de la fotografía en cuestión, las proporciones o la perspectiva. Una vez, más o menos decidida la composición de la imagen, voy superponiendo los recortes, añado unos, qui-to otros, los cambio de sitio, los vuelvo a recortar,

busco en revistas alguna parte que me falte, un trozo de piel, una pren-da, hasta configurar finalmente el rostro o el cuerpo en cuestión. Todo el proceso es ma-nual, los rostros los rea-lizo en tamaño A3 y los cuerpos en un tamaño

mayor, sobre un papel de 50x70cm. DM: Té, café, tabaco, música... ¿Cómo es un día en tu quehacer creativo? AC: Lo más importante para mí es estar rodeada de un montón de papeles, estampados, revistas, anuncios, catálogos... Guardo todo lo que me llama la atención, a modo de panel de inspira-ción. La música siempre es esencial para crear ambiente. Y comida o bebida... no suelo pararme en ello, cuando estoy desarrollando un proyecto me gusta estar concentrada al 100%. Eso viene después, cuando considero que el trabajo está encaminado.

DM: Actualmente trabajas como asisten-te de estilismo en SModa ¿Qué proyectos tienes para un futuro cercano, te interesa el sector editorial? AC: Me apasiona el mundo editorial, llevo ya más de un año dentro de publicaciones de moda y cada día aprendo algo nuevo. De momento me gustaría seguir por aquí, intentando crecer como estilista pero sin dejar de lado la posibilidad de colaborar con algunos de mis trabajos gráficos o incluso de diseño. Tengo varios proyectos en mente, entre ellos, la posibilidad de desarrollar un magazine online. Me gustaría mucho probar en internet, el lenguaje es diferente, más direc-to, menos textual y más visual, con lo que me identifico mucho.

DM: Un consejo para los lectores de DOZE que están empezando... AC: En primer lugar intentar tener definido un objetivo u objetivos, ser muy constante y tener paciencia y sobre todo intentar aportar un punto de vista diferente. La suerte no viene sola, sino que se busca. Tarde o temprano el trabajo bien hecho tiene su recompensa. ▲

“No hay que cerrarse a nada, aunque puedan parecer piezas sueltas

llega un momento que todo encaja, o eso espero”

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“Moda y cuerpo: una inagotable fuente de energía que sirve para transformar el mundo, recortándolo, fragmentándolo, superponiéndolo y, en definitiva, modificándolo”

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Nacho Ormaechea es un director de arte y diseñador gráfico español que reside en París desde 2001. Se autodefine como independiente y se siente orgulloso de serlo ya que considera que ambos aspectos le permiten desarrollar sus proyectos con una gran libertad creativa. Ade-más de realizar trabajos personales como el que presentamos ahora, el día a día de este joven artista se mueve entre los encargos profesionales y la colaboración con diferentes organizaciones culturales e importantes instituciones francesas y extranjeras.

DOZE Magazine: Empecemos por el principio ¿Cuándo llegó tu pasión por la fotografía?Nacho Ormaechea: La fotografía siempre ha sido para mi un medio, no un fin. La considero una herramienta como pueden ser un lápiz, la pintura o el ordenador que me permite plasmar una idea y convertir un concepto en algo visible. Es uno de los puntos de unión entre mi trabajo como diseñador gráfico y como artista.

DM: La Ecole Supérieure Estienne des Arts et des Industries Graphiques, el Fashion Institute of Technology, la Universidad Complutense de Madrid, la Universidad del País Vasco… Tu forma-ción en el campo de las Bellas Artes es indudablemente amplia pero, ¿qué no te enseñaron estos centros educativos?NO: Todos los centros en los que he estudiado me han proporcionado las bases teóricas y

prácticas necesarias para encontrar soluciones en mi trabajo. Mis proyectos como diseñador gráfico siempre se han alimentado de esta formación en Bellas Artes y las técnicas aprendidas me han permitido emplear procedi-mientos plásticos que no habrían estado a mi alcance si mi formación se hubiera limitado al conocimiento de programas informáticos. Las relaciones con los clientes, cómo buscarlos y llevar un proyecto de prin-cipio a fin con la intervención de otras empresas, imprentas, envíos, etc. son temas que no se aprenden en las escuelas y frente a los que todos segura-mente nos hemos sentido “desamparados” más de una vez. La escuela que se necesita para esto no necesita matriculas y la formación se completa con masters y doctorados.

DM: Centrándonos en la serie que ahora nos ocupa, ¿quiénes son las personas a las que has fotografiado?NO: Los protagonistas de mis fotografías son transeúntes cualesquiera; personas con las que nos cruzamos y que, al igual que yo, se dirigen a un determinado lugar. Todos vamos por la calle absortos en nuestros pensamientos y no tenemos tiempo de mostrar la voluntad o la simple curiosidad de mirarnos los unos a los otros. Sin embargo, en solo un segundo, una instantánea es capaz de captar un fragmento de la mente y la fragilidad de un simple pensamiento. ¿Cuál es la historia de esta persona? ¿Puedo adivinarla? ¿Puedo llegar a intuir a qué gente conocen, los lugares a los que van, sus miedos o sus sueños? ¿Hasta qué punto podemos imaginar la vida de los otros con solo mirarlos? ¿El ojo de la cámara tiene la capacidad de plasmar sus historias con un simple disparo? Estas preguntas son las que enriquecen mi proceso creativo. A partir de ahí, salgo a buscar a esa gente de la que me gusta adivinar sus pensa-mientos y es entonces cuando, a veces, te das cuenta de que cubren dichas historias con “máscaras”. Es, en ese preciso instante, cuanto tengo mi fotografía.

DM: ¿De dónde salen las ilustraciones y fotografías que emanan de los protagonistas de la serie?

Imbuidos por las circunstancias del mundo

en el que nos ha tocado vivir, en numerosas

ocasiones no somos capaces de percibir todo lo que

esconden los transeúntes que, silenciosamente, se

cruzan por nuestras vidas. El proyecto personal de

Nacho Ormaechea juega con las intimidades de estos

desconocidos cotidianos para que seamos nosotros los que

elijamos su propio final.


"LA CIUDAD ES UNA JUNGLA

HUMANA Y EL LUGAR PERFECTO

PARA IR DE SAFARI"

En esta página: Untitled 40En la página siguiente: Untitled 10

Nacho Ormaechea

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“Vamos por la calle absortos en nuestros

pensamientos y no tenemos tiempo de

mostrar la voluntad o la curiosidad de mirarnos

los unos a los otros”

De arriba abajo y de izquierda a derecha:Untitled 13, Untitled 31 y Untitled 16

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NO: Estas imágenes también son mías, algunas pertenecen a mi álbum de fotos personal (un mercado de frutas y verduras de Marsella, el rostro de una virgen captada en una pared de Sevilla, un montón de juguetes de un rastro cualquiera...) y otras son de elementos y materia-les que busco por la calle. En cualquier caso, ele-gí o creé estas imágenes para que se adaptaran a una forma determinada y a un paisaje concreto. De esta manera, ambas se complementan y abren la fotografía a diversas interpretaciones. Por otro lado, también me parece interesante incluir instantáneas de mi vida personal (fiestas, viajes...) en estos proyectos como si fueran retales y/o retazos de unos “momentos” que son ajenos a mi mundo. Lo que persigo es que se genere una vibración de la que surjan nuevas historias a partir de este particular encuentro.

DM: ¿Qué es lo que pretendes transmitir con estas historias “enmascaradas”?NO: Como te comenté antes, mi intención no es contar historias específicas, de ahí que ninguna de las imágenes tenga título. Cada personaje tiene una historia que no conocemos y hasta es posible que no seamos capaces de imaginarla porque la imagen proyectada puede ser total-mente diferente de aquello que está sucediendo en su mundo interior. Lo que hago es simplemente reaccionar a un momento concreto y que me llega gracias a estos individuos. Me surge un sentimiento que aporta una nueva dimensión al paisaje urbano, con-tando historias que van más allá de los entornos fríos, modernos y mundanos de la ciudad para incorporarles un color diferente, un matiz algo más profundo y, tal vez, telúrico. Para mi, estos

“Estos personajes son un camino entre entre el hoy y el pasado, el mundo material y nuestra psique, entre la soledad y un sentimiento más colectivo y compartido”

Arriba: Untitled 19Abajo: Untitled 18

Arriba: Untitled 26 y Untitled 5Abajo: Untitled 30

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personajes son un camino entre entre el hoy y el pasado, el mundo material y nuestra psique, entre la soledad y un sentimiento más colectivo y compartido. El trabajo del espectador consiste en dotar a estas imágenes de su propio título.

DM: ¿De dónde surgió la idea de crear esta serie?NO: Llegó de forma natural. Siempre he presta-do atención a la gente con la que me cruzo por la calle. Para mi, observar es como una especie de juego secreto. Por otro lado, siempre me ha gustado la idea de transformar una realidad concreta para convertirla en un campo narra-tivo ilimitado con cientos de interpretaciones posibles. Me encanta que las fotos se enriquez-can con la mirada y la experiencia propia de los espectadores.

DM: ¿Qué podrías destacar del proceso de producción de esta serie?NO: Me resulta emocionante sentarme en un banco público o caminar por la ciudad y contemplar todo lo que me rodea. Nunca se sabe quién va a aparecer, qué escena va a tener lugar justo delante de ti, ni si la gente a la que fotografío (que lo desconoce) se va a dar cuenta y reaccionará de alguna manera (de momento no he recibido ningún puñetazo pero, si sucede, te mantendré informado).La ciudad es una especie de jungla humana y el lugar perfecto para ir de safari. Solo tienes que esforzarte un poco para ver lo que los demás te pueden contar sobre ellos mismos... Y al final, también algo sobre tu persona.De esta serie me gusta especialmente que sus protagonistas parecen estar posando cuando en realidad no es así. Por ejemplo, Untitled 16, con una puesta en escena cercana al western y con un “cow-boy” que enfunda unas botas de goma (es un trabajador de la construcción); él solo en medio de una calle de París con su sombra refle-jada en el suelo y dos letreros a sus espaldas que dicen “California” y “La Estepa”. Me parece un momento simplemente perfecto. En cuanto al tigre que sale de su pantalón... Bueno... ¡Tú me dirás!

DM: Hablando de tu trabajo en general ¿De qué manera te enfrentas a cada mue-vo proyecto?NO: Cada trabajo, bien sea un proyecto de diseño gráfico para un cliente o uno personal, tienen en común una sólida base conceptual. La búsqueda de esta idea es el elemento esencial que utilizo como hilo conductor en cada reali-zación. Es el punto de partida que me permite encontrar el motivo y el procedimiento gráfico adecuados en cada ocasión.

DM: Y por último ¿Qué esperas del futuro?NO: Espero que mi trabajo me siga dando la oportunidad de encontrar proyectos y personas interesantes que puedan ser enriquecedores desde diferentes puntos de vista y que, poco a poco, los proyectos personales, como la serie de imágenes de la que hemos hablado y otros futuros, se sigan desarrollando y aportándome tantas satisfacciones como hasta ahora. ▲

En esta página: Untitled 28En la página siguiente: Untitled 7 y Untitled 21

“Siempre me ha gustado la idea de transformar una realidad concreta

para convertirla en un campo narrativo

ilimitado con cientos de interpretaciones”

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ARTE

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Rune Guneriussen

Retrato del artista por Virgine Meigné

“EL ARTISTA DEBE CONETAR CON

EL ESPECTADOR Y EVOCAREMOCIONES MÚLTIPLES”


La mente creativa de Rune Guneriussen nos acerca a un entorno en el que los objetos genera-dos por el hombre se fusionan con la naturaleza para recrear paisajes únicos. Inició sus estudios

en Inglaterra en el Surrey Insitute of Art and Design y en la actualidad reside en su

Noruega natal.

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La obra de Rune se centra en la transición entre la fotografía y la instalación y, sin un

espacio físico concreto, busca en la naturaleza su particular habitáculo itinerante. El montaje

de estructuras artificiales aisladas se trasnforma en instalaciones que el espectador no puede ob-servar en directo, sino a través de las fotografías que toma. Esto convierte a sus obras en objetos atemporales e intocables, en monumentales te-

soros que sólo el artista puede observar y palpar físicamente para mostrarlos al mundo desde la

imagen plana.

Rune Guneriussen cree firmemente que el arte en si mismo debe cuestionar y desconcertar al espectador, en

oposición a lo condescendiente y a las restricciones. Como artista conceptual, no pretende dictar un camino hacia la compresión de su obra, sino guiarte para que interpretes

cada una de sus historias

Fue en el año 2005 cuando Rune Guneriussen empezó a interesarse por la reproducción de instalaciones a través de lámparas, mesas y sillas, entre otros objetos. Piezas que ha ido ensamblando y fotografiando a lo largo y ancho de toda Noruega, siempre buscando exhaus-tivamente la localización adecuada para cada montaje con una intencionada narrativa con-ceptual. Su objetivo es aproximarse al equilibrio entre la naturaleza y la cultura y, además, en la realización de una lectura múltiple de cada una de sus historias visuales.

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Cada proyecto requiere una compleja elabo-ración, tanto por el traslado y el montaje de los objetos como por el tiempo que emplea el artista ya que, curiosamente, lo realiza todo en solitario.Sin dejarse llevar por las tendencias actuales, Rune no pretende dictar un camino hacia la comprensión de su arte, sino guiarte hacia la interpretación de una historia. Sus fotografías han sido exhibidas en múltiples galerías en instituciones como la Casa de la Fotografía en Oslo o la Galería Nacional de Bulgaria, entre otras. Algunas de sus obras también han estado presentes en exposiciones abiertas al púbico, como en la Nuit Blanche de 2009 en París con la instalación “Don t leave the lights on” y “An electric field”, su proyecto más amplio realizado en Noruega.

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Rune Guneriussen nos abre la puerta de su imaginario y comparte con nosotros su concep-ción del arte. Para esta nueva edición hemos tenido el placer de contar con sus trabajos y ha respondido a algunas preguntas personales para conocer un poco mejor al artista que se encuen-tra detrás de estas obras.Abnormal growth of gluttony

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DOZE MAGAZINE: ¿Cuál es tu palabra favorita?RUNE GUNERIUSSEN: Amor. Una palabra que no utilizo con bastante frecuencia, pero pre-cisamente por eso es la que considero más impor-tante.

DM: ¿Con qué adjetivo te definirías?RG: Perfeccionista

DM: ¿Cuál es tu mejor momento del día?RG: Cuando todo el mundo se va a la cama o cuando viajo en tren.

DM: ¿Y el peor?RG: Entre las 15:00 y las 16:00 horas.

DM: ¿Un artista favorito?RG: Esto cambia de vez en cuando. Pero después de haber visto la instalación de Anish Kapoor en el Grand Palais el año pasado la tengo que men-cionar. Normalmente es Joseph Beus.

DM: ¿De qué proyecto personal te sientes más orgulloso?RG: También esto cambia constantemente. Pero ahora se trata de uno inédito: “En lampe på Bor-det Brenner”.

DM: ¿Te has planteado alguna vez hacer una instalación con seres humanos?RG: No, no es una opción en este período de mi vida.

DM: ¿Qué proyecto te ha resultado más difícil de realizar? ¿Prefieres el día o o la noche para disparar?RG: Yo diría que “A charged meadow”. Fue un proyecto realizado de un modo completamente diferente en ese momento. 300 metros cuadra-dos de césped real, 250 lámparas de lectura y

20 toneladas de grava. Dos semanas de trabajo constante. Yo prefiero los detalles de las tomas diurnas, pero por las noches se pueden utilizar mayores aper-turas de lente.

DM: ¿Cuál es tu equipo de trabajo?RG: Yo siempre trabajo solo en cada localización y no me gusta que haya gente cerca cuando se trata de realizar mis obras de arte. Los proyectos surgen de mí y me gusta llevarlos a cabo entera-mente por mí mismo.

DM: ¿Qué conceptos consideras esencia-les para la realización de una buena obra de arte?RG: El artista debe conectar con la mente del espectador y provocar emociones múltiples. Se podrían escribir libros enteros sobre este tema en función de los diferentes criterios exigidos. Así que me quedo con que evocar emociones en el espectador es la base conceptual esencial.

DM: ¿Puedes compartir con nosotros al-guna anécdota divertida en tu carrera como artista?RG: Suelo decir que puedo hacer el 10 por ciento y dejar que la naturaleza haga el resto. Esto me ocurre una y otra vez. Yo estaba fotografiando globos en una playa de piedras en la parte oc-cidental de Noruega hace unos años. Fui allí para evitar la nieve, ya que rara vez nieva en este lugar. Sin embargo, unos minutos antes de que la luz estuviera en el ángulo idóneo, empezó a nevar. Esta es una zona de Noruega donde no nieva prácticamente nunca. Sorprendentemente, el panorama cambió por completo y, sin ningu-na intención por mi parte, terminé helado en el polo norte. Se trata de una gran contradicción y no hay realmente ninguna explicación terrenal para ello.

DM: ¿Un consejo para los lectores de Doze que se están iniciando en el mundo del arte?RG: ¡Pensar duro y trabajar duro! ▲

“Yo siempre trabajo solo en cada localización y no me gusta que haya gente

cerca cuando se trata de realizar mis obras de arte”

Connections

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An upward displacementAlong with the weather they came

Evol

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Its common knowledge

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ARTE

BLUR THE WAR

WARMichael Peck

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Hay artistas que buscan en lo negativo un brote de esperanza. Este es el caso de Michael Peck, un pintor que lleva al límite el realismo gráfico para conceptualizar la belleza a través de su paleta monocromática. Sus imágenes evocan sentimientos enfrentados entre los recuerdos dolorosos del pasado y la ingenuidad de la infancia.

Michael Peck es un artista australiano nacido en Melbourne, Victoria. Sus pinturas, magistral-mente elaboradas, se concentran en la sensación de desorientación y desarraigo que está presente en el mundo contemporáneo.

El artista muestra especial interés en cuestio-nes relacionadas con la pérdida de identidad cultural, conceptualizando esta experiencia de la condición humana a través de individuos (principalmente niños) pertenecientes a grupos minoritarios que residen en las periferias de las ciudades dentro de una sociedad pluralista.

Michael representa este cambio constante de los valores y creencias en la cultura de masas, que tiene como consecuencia un sentimiento de incertidumbre y de desconcierto de pertenencia.

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Sus trabajos nos transportan a lugares perdidos dónde se percibe calma, tranquilidad y sosiego, dentro de un marco inquietante cargado de recuerdos dolorosos, que el artista dulcifica con la intensidad e inocencia de sus protagonistas: los niños.

Una experiencia significativa en su trayectoria como artista es la historia que su abuelo le contó cuando tenía 19 años, acerca de un avión que se

estrelló durante la Segunda Guerra Mundial a causa de un aterrizaje forzoso y que, con el paso del tiempo, los niños de la zona usaron como habitáculo de juego. Es interesante la yuxta-posición de conceptos y como se transforma el significado inicial de un objeto, diseñado para un fin cruel, y utilizado posteriormente como vía de diversión infantil.

Su técnica plástica nos hace recordar tiempos pasados. Haciendo uso de un realismo puro y del blanco y negro con virajes en sepia, las pie-zas de Michael Peck se asemejan a las fotogra-fías antiguas, lo que enfatiza este sentimiento de desubicación entre culturas y etapas históricas.

Pero si hay algo que nos ha cautivado por completo es esa pincelada emocional que puede apreciarse en cada uno de sus trabajos. Los personajes que aparecen en sus pinturas representan la libertad, la pureza y, en parte, el desconocimiento de un mundo terrorífico dónde la maldad no tiene cabida.

Michael Peck nos invita a descubrir un nuevo resurgir de la esperanza tras el túnel negro de la guerra y la muerte. Sus niños son como las flores frescas que han crecido tras una batalla sangrienta para alimentar nuestros sentidos y nuestra creencia en la posibilidad de un mundo más positivo. ▲


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RECUPERAR LA ESENCIATEXTORUTH MARTÍN

“No es más asombroso nacer dos veces que una sola, pues todo en la natu-raleza es un permanente renacer” (Voltaire).Dicen que en tiempos de crisis es cuando la creatividad tiene menos miedo a hacerse visible. Cuando la imaginación resurge como un caballo desbocado porque, en el fondo, no hay mucho más que perder. Podría verse como una completa contradicción porque el miedo sí hace acto de presencia en una sociedad llena de incertidumbre. No importan cómo sean las crisis: económicas, físicas, existenciales, amo-rosas... De todas ellas siempre hay una lectura positiva porque el optimis-mo, la vitalidad y la ilusión emergen. Todos en algún momento de nuestra vida hemos tenido que reinventarnos y seguramente tengamos que seguir haciéndolo. Es así y además es sano porque de cada hundimiento recuperamos parte de nuestra esencia. Está claro que cuando nos perdemos, cuando nos hundimos, cuando tenemos que luchar para volver a asomar la cabeza en la superficie es porque nos damos cuenta de que la esencia ha desaparecido o se está desvaneciendo. La moda es esencia, es historia, es cultura, es tantas cosas que se podría tardar horas en enumerarlas. Nada de lo que hoy vemos sobre las pasa-relas o en los escaparates de tiendas de toda índole es nuevo. Todo tiene un pasado, unas bases, unos pilares que, con el paso del tiempo, se van reinventando.Todos los momentos de crisis provocan lo que actualmente estamos viviendo: una mirada a tiempos que quizá fueron mejores. Pero, ¿estamos seguros?Hoy la moda mira hacia los locos años 20 con ojos de deseo. El glamour de una época en blanco y negro que ha pisado fuerte las pasarelas del circuito. Incluso los Oscar han recuperado ese tiempo que, a la vez que fue maravilloso, sufrió una de las mayores crisis económicas del siglo XX: el crack del 29. Pero el mundo siguió girando y emergiendo de nuevo. La moda no murió, se reinventó incluso cuando llegaba la Gran Guerra. La austeridad impues-ta dio paso a una de las siluetas más femeninas de toda la Historia de la Moda: el New Look, de Dior. Ahora todas queremos vestirnos como lo harían nuestras abuelas en los 40 y 50. Ahora todas queremos lucir talles altos y faldas de vuelo, y más si series de televisión, llamadas vintage/retro como Mad Men, nos ayudan a diseñar nuestros estilismos.

¿Y los 60 y el mayo del 68?, ¿y el avance del hip-pismo?, ¿y los 80? Quizá el mundo no vivió una de sus grandes crisis, pero sí sufrió uno de sus grandes cismas. ¿Por qué nos asustamos ahora?, ¿de verdad pensamos que será el final? Esto no ha hecho más que empezar. La moda necesita nuevos valores, necesita unión para emerger, necesita que se crea en ella como un valor fundamental en la sociedad. La moda tiene que ser vista y entendida además de comunicada. La moda necesita ser vivida y, para ello, debemos apostar, debemos dejar que cada uno siga su camino, porque en cada uno de los pasos que demos –todos los que formamos parte de este sueño- llegaremos a la esencia de la que volver a partir. ▲MODA

MODA

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El arte de cortar y pegar, o collage, proveniente del término francés coller (pegar), son composi-ciones de formas diferentes que configuran una nueva imagen estética. Combinación de elemen-tos aparentemente dispares entre sí para mostrar un nuevo punto de vista; distintos materiales y texturas que se fusionan para dar rienda suelta a la imaginación.Así se presenta la nueva colección de Alberto Puras para primavera / verano 2012, remitién-donos al cubismo como uno de los orígenes de esta técnica. Inspirado en los viajes, como él mismo comentaba antes del desfile, influencias y experiencias acumuladas dan lugar a una ori-ginal propuesta para el hombre contemporáneo. Ya era hora de romper la monotonía en el vestir masculino con un toque de aire fresco que los hombres más trendy no dudarán en incorporar a su armario.Prendas muy geométricas de líneas limpias que se mezclan con volúmenes, tejidos vaporosos, chaquetas metalizadas y camisas que se abren mostrando la piel. Looks innovadores que pue-den adaptarse a la calle aunque sea de manera

desglosada con sus trench, blazers o tops. Colores planos junto con amarillo flúor y camisas ador-nadas con collares de abalorios multicolor. El conjunto final es una composición de prendas superpuestas a modo de puzzle con un aparente desorden en una imagen estudiada a la perfección. Un sin fin de posibilidades, como él mismo dice, de la misma manera que una persona combina diferentes elementos para decorar su casa. El juego de la moda con una apetecible, arriesgada pero innovadora muestra que no dejará indiferente a nadie. Un must: el jersey efecto colcha amarillo limón para las noches de verano. ▲

Alberto PurasLlega el coller, coller!

TEXTO: ALBA CIORDIA ▲ FOTOGRAFÍA: FALKWYN

MODA

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DOZE Magazine: ¿Podríais definirnos cuál es estilo de Isaacy-Manu?IsaacyManu: Es ecléctico y va evolucionando y creciendo con cada nueva colección, tomamos ideas de nuestras vivencias y de lo que ocurre en el mundo dentro de un contexto urbano.Hay una clara influencia de aquello que vivimos como adolescentes en nuestras pandillas en los 90, nos interesa especialmente el momento en el que creas tu propia identidad y tu forma de vestir quiere decir algo.Cada colección lleva un mensaje dirigido al mundo, es nuestra forma de comunicar con nuestro trabajo.

D.M: En las anteriores colecciones jugabais con la geometría, sin embargo, en Hope, os ha dado por las armas y el patriotis-mo ¿Por qué?IyM: El nexo de unión en nuestro trabajo no está ni en las formas, ni en los tejidos, ni en las técnicas; lo que unifica nuestras colecciones es el concepto, unido siempre a esa etapa teenager que llevamos dentro; este es el mundo en el que vivimos y así lo vemos nosotros.En realidad Hope trata de desdramatizar la realidad, de descontextuali-zar conceptos unidos a objetos como las armas, las drogas o la violencia y dar una nueva visión Hope. Es una creencia positiva en la superación del ser humano, en cómo da igual de dónde vengas. El ser humano tiene la capacidad de soñar y, con ella, la de mejorar, superarse a si mismo y ganar.IsaacyManu juega continuamente con todo lo que nos preocupa y rodea, en París reaccionamos al gris y “lo correcto” con una explosión geomé-trica de color y formas, y en Hope hablamos del chico que se pone guapo

delante del espejo en un edificio colmena, se repeina y sale a bailar a la disco con su bomber llena de pastis que son sus armas, y baila... y olvida...

D.M: ¿No os da miedo el uso de la bandera española como eti-queta de vuestra nueva colección? ¿De qué manera entendéis el patriotismo? IyM: No, no nos da miedo, la bandera era imprescindible para completar la prenda, sabemos perfectamente que es algo que puede afectarnos pero creemos que ya es hora de cambiar las ideas negativas a una bandera que representa a todo un país maravilloso. Nos gusta la bandera y nos gusta España.La bandera en Hope solo quiere romper con las absurdas etiquetas menta-les; puedes amar tu país y no asociarlo al fascismo, sentirte español y no sentir vergüenza; queremos hacer pensar a la gente sobre estas ideas...

D.M: Comenzasteis en París, luego siguió Madrid y Marbella, y ahora recaláis en Nueva York ¿Dónde os encontráis más a gusto? ¿En qué lugar os gustaría asentaros? IyM: Cada sitio nos ha dado visiones distintas y vivir fuera te hace relativi-zar tus conceptos mentales, hay mil maneras de hacer y ver las cosas.Ahora mismo el sitio que más nos apetece es EEUU, nos encontramos muy a gusto y queremos asentarnos aquí para una larga temporada, de momento NY es lo más fácil para empezar pero hay muchas otras ciudades que nos gustaría conocer.

D.M: ¿Creéis que vuestra marca tiene más oportunidades para consolidarse en la Gran Manzana? IyM: Hemos decidido venir aquí para crecer como personas y artística-mente, pero ha sido más un proyecto personal con respecto a nuestra vida que por la marca. Isaacymanu es un proyecto de vida y, allá donde vaya-mos, vendrá con nosotros. De hecho, vivamos donde vivamos, nos gustaría trabajar por el mundo.Desde luego NYC es un sitio con muchas oportunidades y creemos que puede ser un buen lugar para desarrollar nuestra marca.

D.M: Madrid Fashion Show, Mercedes Benz Fashion Week, 080, Valencia Fashion Week... ¿Creéis que en la unión está la fuerza o consideráis oportuno el surgimiento de nuevas pasarelas? IyM: En la unión está la fuerza sin duda, creo que España tiene que encon-trar su lugar, unirse y trabajar para crecer, tanto las instituciones como los diseñadores.

D.M: ¿Entendéis la moda como una expresión artística? ¿Dónde termina ese concepto para convertirse en un mero producto mercantil? IyM: Pensamos que cabe todo, hay diseñadores que son más artistas que diseñadores, otros hacen ropa que sienta bien y luego otros como nosotros que cabalgan entre una cosa y la otra, a nosotros nos gusta hacer ropa con la que la gente se sienta bien y lo envolvemos todo con la parte más artística de IsaacyManu; con los videos, fotos y gráficos para que la persona que las porte lleve el mensaje en su cabeza.

D.M: ¿Qué creéis que es lo que está por venir en la moda? IyM: Creemos que cada uno viste acorde con su personalidad, la moda tiende al eclecticismo ya que cada uno coge de cada estilo lo que le gusta y crea el suyo propio; hay mil tendencias que subsisten a la vez y esto cada vez irá a más... Aunque no nos quitamos de la cabeza las películas futuristas en las que todo el mundo viste un mono de lycra deportivo. Nos encantaría pero, de aquí a que lleguemos a eso, la moda tiene mucho que decir... ▲

IsaacyManu

TEXTOALEJANDRO MEITÍN

MODA

matadoraDOZE Magazine presenta a HELENA BARQUILLA en:

Fotografía: Antonio Cordero ▲ Dirección de Arte y Estilismo: Abraham Gutierrez ▲ Grooming: Pablo Robledo para GHD y L oreal Paris ▲ Caracterización: Elena García para Temptu ▲ Asistente de Fotografía: Pablo Lecroisey y Ángel Caballero ▲ Asistente de Estilismo: Aroa Sansano ▲ Asistente de

Grooming: Alberto Pastrana ▲ Asistente de Caracterización: Raquel Gallardo ▲ Modelos: Helena Barquilla (Happy Mondays) y Jhonatan Sevillano ▲ Agradecimientos: www.casayustas.com

MODA

Chaqueta y falda: It-Spain ▲ Peep toes de raso bordados: Christian LouboutinMontera: Casa Yustas ▲ Sortijas tigre y tigre mini con cuarzo fumé y colgante serpiente mini todo en oro amarillo: Carrera y Carrera ▲ Collares de cadenas,

pendientes y pulseras : Vintage ▲ Capote: La Tua Pelle

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Chaqueta y fajín: Gucci ▲ Culotte: La Perla Black Label ▲ Clutch de raso bordado: Christian Louboutin ▲ Montera: Casa Yustas ▲ Sortijas tigre y tigre mini con cuarzo fumé, colgante serpiente mini, pulsera águila y pendientes de luces con diamantes, todo en oro amarillo: Carrera y Carrera ▲ Pulsera de cadenas en oro: Vintage

Vestido con pedrería: Juana Martín ▲ Peep toes de raso bordados: Christian Louboutin Montera: Casa Yustas ▲ Pendientes: Fahoma ▲ Sortijas tigre y tigre mini en oro

amarillo y cuarzo fumé: Carrera y Carrera ▲ Capote: La Tua Pelle

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Chaqueta: La Tua Pelle ▲▲ Camisa con lazada: Moschino ▲ Culotte: La Perla Black Label Peep toes de raso bordados: Christian Louboutin ▲ Montera: Casa Yustas

Pendientes: Fahoma ▲▲ Capote: La Tua Pelle

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Vestido de volantes: Vicky Martín Berrocal ▲ Peep toes de raso bordados: Christian LouboutinMontera: Casa Yustas ▲ Pendientes: Fahoma ▲ Pulseras: Vintage ▲ Capote: La Tua Pelle

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Vestido de pailletes: Bibian Blue ▲ Peep toes de raso bordados: Christian LouboutinPendientes: Fahoma ▲ Capote: La Tua Pelle

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Corsé y mangas: Bibian Blue ▲ Braga: La Perla Black Label ▲ Collar y mantilla de encaje: La Tua PellePeineta: It-Spain ▲ Pendientes: Fahoma ▲ Rosario: Vintage ▲ Capote: La Tua Pelle

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Chaqueta: La Tua Pelle ▲ Culotte: La Perla Black Label Sortijas tigre y tigre mini con cuarzo fumé, pulsera águila y pendientes de luces con diamantes, todo en oro amarillo: Carrera y Carrera ▲ Pulsera de monedas de oro y cruz de madera: Vintage

Capote: La Tua Pelle ▲ Montera: Casa Yustas Peep toes de raso bordados: Christian Louboutin ▲ Banderillas: Vintage

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Fotografía: Ale Burset ▲ Estilismo: Milva Russo ▲ Realización: Endi RuizProduccion: F16 producciones ▲ Maquillaje: Mercedes Peralta ▲ Hair: Marcos Bustamante Modelo: Juli para Code Models ▲ Retoque: Diego Speroni / F16 producciones Zapatos: Magliano ▲ Joyería: Azanza ▲ Anillos: Oleana

MODA

IT’S ALLIN YOUR HEAD

la couche de peau

Fotografía: Juan BorgognoniAsistente de fotografía: Maira Sibretti Producción & Estilismo: Polo Graña

Asistentes de producción: Martina Radonjic, Facundo BettencourtMaquillaje y peluquería: Roxana Berezowski para Estudio Fridman

Modelo: Josefina Casal

Blazer oversize: De Crisci

Maxi vestido calado: De Crisci

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Modelo de la izquierdaBlazer calado: De Crisci

Collares dorados: VendavalZapatos: Pilo

Modelo de la derechaVestido de seda natural y organza: De Crisci

Blazer: De CrisciCola Less: BurdelEsclavas doradas: VendavalZapatos: Melissa by Vivienne Westwood

Modelo de pieVestido de seda Blanco: Fernanda Ferrer Vazquez Atelier ▲ Sudadera Calada: De CrisciCollar con cruces: Lithium ▲ Zapatos: Melissa

Modelo sentadaShort y Blusa calada transparente: De Crisci ▲ Zapatos: MelissaCollar con cruces: Lithium

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VISION OF QUICKSAND

Fotografía: Alexandra Waespi ▲ Estilismo: Matthew Peach ▲ Modelo: Marc para On1 model management

Sombrero del modelo ▲ Chaqueta: Ecko ▲ Bandana: Coach

MODA

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Cazadora: Emporio Armani ▲ Collar: Vintage ▲ Camiseta y pantalón del modelo

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Chaqueta del modelo ▲ Palestino: Vintage ▲ Collar: Estate Family Guild ▲ Bufanda: McQ by Alexander McQueen

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Suéter: H&M ▲ Pañuelo: Vivienne Westwood ▲ Sombrero y gorra del modelo ▲ Collar: Vintage

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Cazadora: Emporio Armani ▲ Collar: Vintage ▲ Camiseta y pantalón del modelo

MODA

Fotografía: Rocío Montoya ▲ Estilismo: Maya Kaloyanova ▲ Ayudante de estilismo: Alejandro Meitín ▲ Peluquería y Maquillaje: Luzia N. ▲ Modelo: María Osuna ▲ Ayundante de fotografía: Alejandro Bazal ▲ Producción: DOZE Magazine Agradecimientos: American Market

FADE AWAYAND RADIATE

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Botas: Dr. Martens ▲ Cinturón: Assaad Awad ▲ Mono vintage

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Collar: Assaad Awad ▲ Cazadora y falda vintage

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Gafas: Rayban ▲ Vestido vintage Col

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Ass

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Caz

ador

a y

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inta

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Total look vintage

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Corona de espinas: Assaad Awad ▲ Cazadora vintage

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Collar: Assaad Awad ▲ Camiseta, falda y medias vintage

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Collar: Assaad Awad ▲ Blusa y falda vintage

MODA

CO

LOR

PAIN

T

Fotografía: Mariano GarciaEstilismo: Ellen Pande

Maquillaje y peluquería: Junior QueirosModelos: Silvia & Alosian from UNO @DeeBee studios

Traje: Custo BarcelonaPolo: Lacoste Gafas de sol: Gucci

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Camiseta: Custo Barcelona ▲ Falda: Angel Schlesser

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One piece by Etxeberria Chaqueta y pantalón: Etxeberria ▲ Camisa: Ana Locking

Cam

isa: W

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ler ▲

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Dol

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k: M

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ANNANueva colección cápsula de Paolo Coppolella ▲ Fotografía: Rita Lino www.Editorial.Ritalino.Com ▲ Modelo: Sandra

Marcos ▲ Producción: Rita Lino & Pedro Maia ▲ Peluquería y Maquillaje: Alexandra Lopes www.Xanalopes.Com Agradecimientos: Pedras & Pessegos www.Pedrasepessegos.Com

Paolo Coppolella, diseñador italiano afincado en España, presenta ANNA,

su nueva colección cápsula.

ANNA, inspirada en los recuerdos de la infancia del diseñador y, en particular, en

los momentos que pasó con su hermana mayor, consta de un vestido de algodón en 3

colores: rojo, negro y gris, con un patrón ideal, moderno y elegante y un diseño simple y muy

innovador.

Esta última colección de Coppolella se puede encontrar en boutiques exclusivas como "Le Fate

ignoranti" en Roma, la tienda inglesa "de MS-RL", y en la página web del diseñador: www.paolocoppolella.com.

A continuación podrás descubrir la colección a través de

esta serie de fotografías realizadas en colaboración con la fotógrafa Rita Lino que, gracias a su maravillosa sensibilidad

y talento, ha sabido rescatar la esencia de las prendas en una campaña inmejorable.

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118 ▲ Antonio Corderowww.antoniocorderofotografo.com132 ▲ Ale Bursetwww.aleburset.com142 ▲ Juan Borgognoni www.flickr.com/people/sjohnsy150 ▲ Alexandra Waespi www.waespiphotography.com166 ▲ Maya Kaloyanovawww.mayakaloyanova.com182 ▲ Mariano García www.iloveshoot.com190 ▲ Rita Lino www.ritalino.com142 166132 150 182118 190

INDEX

014 ▲ Mathieu Grac www.mathieugrac.com020 ▲ Louis Fry www.flickr.com/photos/louisfry030 ▲ Troy Stainswww.troystains.com036 ▲ Sarah Marshall www.marshallsarah.com046 ▲ Zev Hoover www.flickr.com/people/fiddleoak052 ▲ Lisandre St-Cyr Lamothe www.lisandre.net060 ▲ Sarah Ann Llorethwww.sarahannloreth.com

068 ▲ Luzinterruptuswww.luzinterruptus.com074 ▲ Alba Ciordiawww.albaciordia.daportfolio.com084 ▲ Nacho Ormaechea www.ormaechea.eu092 ▲ Rune Guneriussen www.runeguneriussen.no102 ▲ Michael Peck www.michaelpeckart.com

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Agradecimientos:

▲ Abraham Gutiérrezwww.abrahamgutierrez.es ▲ Alberto Puraswww.albertopuras.com▲ Falkwyn de Goyenechewww.falkwyn.com▲ Francisco Iglesiaswww.franilustracion.blogspot.com.es▲ IsaacyManu www.isaacymanu.com

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DOZE Magazine Remerge Primavera | Verano 2012 | Número 9

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