El Dibujo

El Dibujo Tecnico

El Dibujo Tecnico

Tipos de dibujo técnico.Con el desarrollo industrial y los avances tecnológicos el dibujo ha aumentado su campo de acción. Los principales son:

Dibujo arquitectónico: El dibujo arquitectónico abarca una gama de representaciones gráficas con las cuales realizamos los planos para la construcción de edificios, casas, quintas, autopistas, iglesias, fábricas y puentes entre otros. Se dibuja el proyecto con instrumentos precisos, con sus respectivos detalles, ajuste y correcciones, donde aparecen los planos de planta, fachadas, secciones, perspectivas, fundaciones, columnas, detalles y otros.

Dibujo mecánico: El dibujo mecánico se emplea en la representación de piezas o partes de máquinas, maquinarias, vehículos como grúas y motos, aviones, helicópteros y máquinas industriales. Los planos que representan un mecanismo simple o una máquina formada por un conjunto de piezas, son llamados planos de conjunto; y los que representa un sólo elemento, plano de pieza. Los que representan un conjunto de piezas con las indicaciones gráficas para su colocación, y armar un todo, son llamados planos de montaje.

Dibujo eléctrico: Este tipo de dibujo se refiere a la representación gráfica de instalaciones eléctricas en una industria, oficina o vivienda o en cualquier estructura arquitectónica que requiera de electricidad. Mediante la simbología correspondiente se representan acometidas, caja de contador, tablero principal, línea de circuitos, interruptores, toma corrientes, salidas de lámparas entre otros.

Dibujo electrónico: Se representa los circuitos que dan funcionamiento preciso a diversos aparatos que en la actualidad constituyen un adelanto tecnológico como las computadoras, amplificadores, transmisores, relojes, televisores, radios y otros.

Dibujo geológico: El dibujo geológico se emplea en geografía y en geología, en él se representan las diversas capas de la tierra empleando una simbología y da a conocer los minerales contenidos en cada capa. Se usa mucho en minería y en exploraciones de yacimientos petrolíferos.Dibujo topográfico: El dibujo topográfico nos representa gráficamente las características de una determinada extensión de terreno, mediante signos convencionalmente establecidos. Nos muestra los accidentes naturales y artificiales, cotas o medidas, curvas horizontales o curvas de nivel.

Dibujo urbanístico: Este tipo de dibujo se emplea en la organización de ciudades: en la ubicación de centros urbanos, zonas industriales, bulevares, calles, avenidas, jardines, autopistas, zonas recreativas entre otros. Se dibujan anteproyectos, proyectos, planos de conjunto, planos de pormenor.

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El DibujoArtistico

El Dibujo Artistico

"Cualquiera puede ser dibujante, pero no cualquiera puede ser un buen dibujante", es un dicho muy conocido entre los artistas, esto es debido a que quien quiera dibujar, debe conocer muy bien no solo las técnicas y procedimientos de dibujo sino su entorno y cada elemento que hay en él, por esto mismo hay que ser muy observador, pero sobre todo paciente, pues no todo dibujo sale a la primera. Se le llama:

Dibujante, aquel que tiene un propósito puramente estético, es decir, que su proposito fundamental es el de transmitir una idea o sentimiento surgida del mundo subjetivo del autor al observador.Dibujo, es la representación gráfica de lo que vemos, percibimos, recordamos e imaginamos.Dibujo Lineal, es la representación de algo ya sea real o imaginario utilizando distintas técnicas para plasmarlo. La característica principal de este dibujo es que se realiza con trazos o un delineado, no tiene color ni valoración tonal, es decir no está "sombreado". El dibujo lineal podría ser muy sugerido o bien detallado pero no posee el efecto de volumen.Psicología del dibujo artístico, el dibujante artístico dibuja aquello que no puede expresar con palabras, por decirlo así: "tele transporta su imaginación y pensamientos" a un lienzo que puede ser de papel u otro material. Todos los trazos hechos sobre el lienzo, en conjunto representan la idea del dibujante, la cual alcanza bastante aceptación si todo el delineado fue trazado con técnica, soltura y originalidad. Dicho delineado implica el saber manejar tanto el instrumento de trazo con que se está trabajando, como los trazos que se pretenden realizar, pues un buen dibujo se caracteriza por sus trazos seguros y sueltos. No existe un procedimiento establecido para aprender a dibujar, cada dibujante perfecciona su dibujo a su forma de pensar, pero cabe destacar que el arte del dibujo a mano alzada solo se consigue dominarlo con práctica y dedicación.1Dentro del campo del dibujo artístico, algunos críticos dividen a los dibujantes en dos grupos: aquellos que solamente copian un dibujo o modelo ya existente, los cuales hacen uso de su capacidad de observación y motricidad para copiar la imagen tal cual es; y aquellos que dibujan a partir de su capacidad imaginativa y creadora, los cuales desarrollan una alta relación entre cerebro-mano para poder plasmar las imágenes que conciben en la mente. Este último grupo es considerado como el de los verdaderos dibujantes, ya que abarcan famosos personajes de la historia y a aquellos que crean famosos personajes animados, mundos irreales, paisajes y seres de fantasía e incluso artefactos que podrían ser útiles en la vida real, aunque también son los más criticados y señalados a diferencia del primer grupo que es bien aceptado, sobre todo a aquellos dedicados al dibujo del retrato y paisajista.

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Las técnicas de trazado

y boceto

Las técnicas de trazado

y boceto

Alberto Durero (1471-1528) utilizaba <<punta de plata>> para conseguir dibujos muy sutiles, aunque tenia algunos inconvenientes por la necesidad de preparar la base. Por ello siguió buscando, para encontrar un medio de dibujo más inmediato <<el grafito>>.A lo largo de los siglos los artistas han utilizado el lápiz de diversas maneras, Ingres con mínimas líneas, Degas con mucha soltura, los estudios reflexivos de los Pre-rafaelistas, la definición y firmeza de Picasso...El dibujo de linea pura es la tecnica más dificil, como Matisse lo utiliza resolviendo tonos, colores ,texturas y formas en unas pocas lineas

El grafito es un carbono natural que, como el carbón se crea por la presiónde la tierra sobre la madera.El carbón se forma sólo por la presión, pero una combinación de presióny calor hace cristalizar el carbono amorfo en láminas de cristales de grafito.

[TIPOS]Lápices de dibujo.1. lápiz hexagonal estándar.2. lápiz redondo de dibujo.3. portaminas.4. lápiz hexagonal grande.5. lapiz de mina rectangular para bocetar.6. y 7. barra de grafito.

[SOPORTES]Preferiblemente papel blanco o colores claros.El tipo de papel depende de la absorción, peso o gramaje y textura.

[GOMAS DE BORRAR]El dibujo de caracteriza por su facilidad para borrar, para ello utilizamos diferentes tipos de gomas. Las mas comunes son Goma de pan Goma de borrar estandar1Alberto Durero (1471-1528) utilizaba <<punta de plata>> para conseguir dibujos muy sutiles, aunque tenia algunos inconvenientes por la necesidad de preparar la base. Por ello siguió buscando, para encontrar un medio de dibujo más inmediato <<el grafito>>.A lo largo de los siglos los artistas han utilizado el lápiz de diversas maneras, Ingres con mínimas líneas, Degas con mucha soltura, los estudios reflexivos de los Pre-rafaelistas, la definición yfirmeza de Picasso...El dibujo de linea pura es la tecnica más dificil, como Matisse lo utiliza resolviendo tonos, colores, texturas y formas en unas pocas lineas.

[COMPOSICIÓN]El tipo de lápiz, la presión en el trazo ,el papel, altera la calidad de la linea

[ MANCHA A LÁPIZ]La trama y lamancha se utilizapara crear escalastonales, quedependen del tipode lápiz y del papelutilizado.

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PASTELAunque ya en los s. XV y XVI se utilizabanpigmentos poco aglutinados para dibujar concolores, hasta el s. XVIII no se establece comotal el arte de pintar al pastel.Algunos de los primeros y mejores exponentestrabajaron en Francia del s. XVIII. La verdaderapionera es Rosalba Carriera, pintora venecianay una de las pocas mujeres que consiguieronfama artística en el s. XIX.La frescura y espontaneidad de los pastelesse acerca al espiritu impresionista, Degas esel principal pastelista entre los impresionistas.

[COMPOSICIÓN Y TIPOS]4Los pasteles son pigmentos en polvo, mezclados con la sufuciente goma de tragacanto o resinapara aglutinarse.Existen una amplia variedad con diferentes grados de dureza y formas.La variedad de tonos es muy importante para un buen resultado de color. Las barras más brillantesson mas blandas y frágiles.Se presentan como: barras redondas, barras cuadradas, Lápiz de pastel recubierto de madera

[SOPORTES]El color y la textura del soporte, sea papel, cartón o lienzo tiene una importante función en elresultado final.Papeles: se debe tener en cuenta el tipo de papel (peso, absorción y textura), la gama cromática,etc... El papel Ingres sería un papel adecuado, incluso los papeles de lija dan buenos resultadosya que agarran bien las partículas de pigmento.

[TÉCNICA]Los trazos deben ser confiados y libres, frotar demasiado con el dedo o con el difumino es unesfuerzo por mezclar los colores que da como resultado una superficie pulida.Se pueden alternar trazos espesos y finos, el borde afilado o plano, y podemos variar tambiénla presión.Podemos aplicar el pastel por capas fijando cada una de ellas como desarrolló Degas (impestocon pastel)

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SANGUINA Y SEPIALa sanguina fue una de las técnicas preferidas de losmaestros del Renacimiento, del Gran Siglo francés y dela época de las Fêtes Galantes.La sanguina del siglo XIX, en particular, fue utilizada pornumerosos dibujantes por la diversidad de sus matices.Para los artistas interesados por el color, sigue siendo elmaterial ideal para resaltar las formas y expresiones delcuerpo femenino, por ejemplo. Por esta razón la sanguinase utiliza con frecuencia para la realización de retratos,esbozos de desnudos, vestimenta o paisajes.

La sanguina es una variante del pastel, es decir, una barrita de pigmentos secos en polvo. Lo quela diferencia especto del pastel es el origen de los pigmentos que le dan ese color característico. Se trata de un óxido de hierro, conocido como hematites. La variedad de matices de esta piedra roja va del escarlata al carmesí, del rojo ácido al castaño o a un tono cercano al rojo ciruela. El color sepia se obtiene de la bolsa de tinta del calamar o sepia, dando unos matices de color marrón y terracotas oscuros. Con esta técnica se puede conseguir el efecto de crear una imagen a todo color con sólo tres,la sanguina, el blanco y el negro, llamada dibujo <<a tres couleurs>> se suele utilizar para retratos.Combinando el color d e las barras o lápices con el papel nos dará sensaciones diferentes de luminosidad en el dibujo. La calidez y suavidad que aporta la sanguina al dibujo es una de sus característicos principales ,por ello los artistas han utilizado esta técnica sobre todo para desnudos por su delicadeza

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LAPICES DE COLORES

En el pasado los artístas no utilizaban lápices de colores por su poca resistencia a la luz. En laactualidad esto se ha ido mejorando y también ha aumentado la posibilidad de elección introduciendotambién los lápices solubles en agua y los solubles en trementina. Entre los artístas contemporáneosque han trabajado con lápices de colores se encuentra David Hockney.[COMPOSICIÓN]

7Se fabrican de la misma forma que los de grafito, salvo que las minas no se calientan en un hornoporque destrozaría los pigmentos. Las barras de pigmento se sumergen en cera derretida paraque adquieran las propiedades necesarias para el dibujo.Está compuesta por:∙ Pigmento∙ Relleno (tiza, talco o caolín)∙ Aglutinante (goma de celulosa)[SOPORTE]

Los lápices de colores son muy sensibles a la naturaleza de la superficie del soporte. El papelprensado en frío (NO) da resultados diferentes al papel suave (H.P.). El papel blanco bien aprestadohecho con un 100% de trapos y la superficie H.P. es el mejor para su permanencia y detalle.[TÉCNICAS]

Se pueden crear efectos muydiferentes, desde bocetos en tonossuaves, a trabajos de gran detalle conuna amplia gradación tonal.

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PLUMA Y TINTA

L a tinta como medio para dibujar, se ha venido usando durante mucho tiempo. Los antiguosegipcios y romanos usaban plumas de caña para dibujar y escribir sobre pergamino y papiro.Europa en el siglo VII ya usaba plumas de ave, hasta que se inventó la plumilla de acero aprincipios del siglo XIX y se comercializó el papel de calidad, lo que permitió la experimentación.La marca de la pluma es una línea directa e inequivoca, que es fija y permanente, algunos delos muchos grandes artistas que utilizaron la pluma para relizar apuntes son Leonardo (1452-1519) , Rembrandt, Durero Holbein...

[TIPOS DE PLUMAS]1. Pluma de ave.2. Pluma de caña.3. Pluma cartográfica.4. Pluma de dibujo de acero.5. Pluma de escribir ,con plumillade punta.6. ,con plumilla plana.7. ,con plumilla redonda.8. Pluma técnica.9. Rotulador10. Rotulador de punta de fibra.8Además de las tradicionales plumas de ave o de caña y ampliagama de plumillas de acero existen nuevos tipos, que podemosclasificar en: plumas de mojar, plumas fuente y plumas deposito.Algunas plumillas, especialmente las de acero, son muy flexiblesy permiten variar la anchura a lo largo de la línea.Las plumas técnicas crean un trazo uniforme.Las plumas de caña hacen una línea gruesa y suave.Las cartográficas producen una línea aguda y encrespada.La ligereza es la característica principal de una pluma de ave.Plumas de mojar> son baratas, con una gran variedad de puntas.La pluma se llama plumilla y el mango palillero.Plumas fuente> la mayoria solo funcionan con tintas de escribir,con menos variedad de plumillas que la anterior.Plumas depósito> la tinta se vierte en el deposito en lugar deabsorverse como las plumas fuente.

[TINTAS Y SOPORTES]Tintas para dibujo. Hechas para los artístas, a prueba de agua. Se secan en una película dura ybrillante que permite aplicar más capas encima. La más utilizada es la tinta china (tinta de dibujoo negra).Tintas no resistentes al agua. Son similares a acuarela diluida, penetran en el papel más que lastintas de dibujo y son mate.Papeles. Se necesita un papel algo grueso (120gr), que acepta lavados, acuarelas y correciones.Deben evitarse las superficies porosas y absorbentes, pero cierto grado de absorción puede serútil. Para realizar una línea precisa y definida, necesitamos un papel de superficie dura

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LaPerspectiva

LaPerspectiva

Ya en las pintura del Antiguo Egipto se concebía una dimensional de la superficie a pintar, sin sugerir estrictamente una idea de concepción espacial. Disponían los personajes en mayor tamaño, cuanto mayor importancia tuvieran, Es lo que los historiadores del arte denominan perspectiva jerárquica o teológica. Posteriormente y hasta llegar al final de la Baja Edad Media, los intentos de conseguir una cierta idea de perspectiva se encuentran en la perspectiva caballera, donde los objetos más alejados se sitúan en la parte superior de la composición y los más cercanos, en la inferior.

El artista que se considera el antecesor del renacimiento italiano, el pintor gótico Giotto (1267-1336), comenzó a dotar de tridimensionalidad a sus composiciones pictóricas. Los artistas empiezan a buscar la sensación espacial a través de la observación de la naturaleza. Con las obras de Fra Angelico (1390-1455) —como en La Anunciación— y sobre todo con las de Masaccio —en su Trinidad (h. 1420-1425)—, se logra la sensación de espacio mediante el uso metódico de la perspectiva cónica, donde las líneas paralelas de un objeto convergen hacia un determinado punto de fuga. Las figuras se van reduciendo en función de la distancia, lo que provoca la ilusión óptica de profundidad. Entre los años 1416 y 1420, Filippo Brunelleschi, artista y arquitecto florentino del renacimiento italiano, para poder representar los edificios en perspectiva, realizó una serie de estudios con la ayuda de instrumentos ópticos, como algún tipo de perspectógrafo. Con ellos, descubrió los principios geométricos que rigen la perspectiva cónica, una forma de perspectiva lineal basada en la intersección de un plano con un imaginario cono visual cuyo vértice sería el ojo del observador. Los objetos parecen más pequeños cuanto más lejos están.

Además, pictóricamente, tienen colores más tenues, poseen contornos más difusos y menos contraste.

La ciudad ideal (1475), atribuido a Piero della Francesca.La codificación de la perspectiva humanista europea se desarrolla en Umbría, a mediados del siglo XV, bajo la influencia de la obra de Piero della Francesca: de la mera intuición y los medios técnicos, la perspectiva se hace teoría matemática. También fue el primer pintor en llevar a cabo un estudio científico de la luz en la pintura. Leon Battista Alberti, en su tratado De Pictura (1436) (De la pintura) teoriza sobre las imágenes que se inscriben en el interior de una "ventana" de un cubo abierto por un lado y hace alabanzas sobre "los caras que en las pinturas dan la impresión de salir del cuadro, como si estuviesen esculpidas". Para ello, "a un pintor se le debe instruir, en la medida de lo posible, en todas las artes liberales, pero (...) sobre todo, en la geometría", definiendo así las premisas de una teoría de la perspectiva.

Perspectiva aérea en Velázquez con Las Meninas, (1656). Para Alfonso Pérez Sánchez, «la maestría de su luz hace sentir como verdadero el aire de la habitación.»A finales del siglo XV y XVI se perfecciona la perspectiva bajo la aportación de Leonardo da Vinci en su Tratado de la pintura (1680) con la perspectiva del color, donde los colores se difuminan según va aumentando la distancia y la perspectiva menguante, donde los objetos o figuras van perdiendo nitidez con la distancia.

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Alberto Durero

Alberto Durero

(Albrecht Dürer; Nuremberg, actual Alemania, 1471-id., 1528) Pintor y grabador alemán. Fue sin duda la figura más importante del Renacimiento en Europa septentrional, donde ejerció una enorme influencia como transmisor de las ideas y el estilo renacentistas, a través de sus grabados. Se formó en una escuela latina y recibió conocimientos sobre pintura y grabado a través de su padre, orfebre, y de Michael Wolgemut, el pintor más destacado de su ciudad natal.

Detalle del Autorretrato de 1498

Como era habitual en la época, al concluir sus estudios realizó un viaje, que lo llevó a diversas ciudades de Alemania y a Venecia (1494), ciudad a la que regresaría entre 1505 y 1507 y en la cual recibiría las influencias de Mantegna y Giovanni Bellini, además de asimilar los principios del humanismo. Previamente había contraído matrimonio y abierto un taller en su Nuremberg natal, donde se dedicó a la pintura (Retablo Paumgärtner) y sobre todo al grabado.

A esta época pertenecen las series de grabados El Apocalipsis, La Gran Pasión y la Vida de la Virgen, convencionales en cuanto a temática pero revolucionarios por lo que se refiere a su concepción y su complejidad técnica. Las figuras, plenas de expresividad, son esculturales y están definidas por una multitud de detalles. La minuciosidad es precisamente uno de los rasgos destacados del estilo de Durero, carácter que es probable que heredara del oficio paterno.

Después de su segunda estancia en Italia, pintó algunas obras de grandes dimensiones como El martirio de los diez mil, en las que incorporó la riqueza del colorismo veneciano en composiciones de gran dinamismo y repletas de figuras. También por entonces pintó las figuras de tamaño natural de Adán y Eva, pieza clave de su creación artística.

Adán y Eva (1507), de DureroTal era su fama que fue nombrado pintor de corte del emperador Maximiliano I (1512); también Carlos I lo reclamó. De Maximiliano realizó retratos de carácter, animados por la riqueza y variedad de las texturas, que rivalizan en perfección con los Autorretratos, quizá lo más conocido de su obra pictórica. Alberto Durero gustó de retratarse a sí mismo desde la temprana edad de trece años y mantuvo siempre esta costumbre, reflejo del nuevo interés renacentista por el hombre, y en especial el artista.

Durante los últimos años de su vida, Durero se centró en la ejecución de un retablo para su ciudad natal: Los cuatro apóstoles. Esta obra, de grandes dimensiones e intenso colorido, refleja el trabajo de toda una vida, en particular los numerosos estudios que había hecho sobre las proporciones y la monumentalidad de la figura humana.

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Grabado en madera

y cobre.

Grabado en madera

y cobre.

El grabado en madera es una técnica de grabado que experimentó un gran apogeo en el siglo XIX.1 Hay diferencias esenciales de características entre un grabado en madera y una xilografía. Mientras que una xilografía se realiza sobre una plancha de madera blanda usando gubias u otros elementos de corte, en un grabado en madera el artista realiza la "matriz" "esgrafiando" un bloque de madera con un buril en lugar de usar las mencionadas herramientas de corte, llegando a crear un dibujo muy sofisticado (dentro de lo posible), produciendo por lo general un resultado de trazo más grueso. Los grabados en madera son generalmente pequeños y alcanzan una escala de grises con gran "eclosión”

El grabado es una disciplina artística en la que el artista utiliza diferentes técnicas de impresión, consiste en dibujar una imagen sobre una superficie rígida, llamada matriz, dejando una huella que después alojará tinta y será transferida por presión a otra superficie como papel o tela, lo que permite obtener varias reproducciones de la estampa.

Dependiendo de la técnica utilizada, la matriz puede ser de metal (tradicionalmente cobre o cinc), madera, linóleo o piedra, sobre cuya superficie se dibuja con instrumentos punzantes, cortantes o mediante procesos químicos. Actualmente también se utilizan placas de diferentes materiales sintéticos que se pueden grabar de manera tradicional con punzones o mediante procedimientos fotográficos, digitales o láser.

Se denomina también grabado a la inscripción de texto realizada en una plancha, piedra o metal, aunque no tenga por fin realizar copias.

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