EL MAQUILLAJE COMO UNA HERRAMIENTA FUNDAMENTAL PARA LA

CARACTERIZACIÓN EXTERNA DEL PERSONAJE

Presentado por: Julián Andrés Echeverry López

Asesoría:

José Félix Assad

Universidad Distrital francisco José de Caldas

Programa curricular Artes Escénicas- Actuación

Facultad de Artes – ASAB

Bogotá D.C

2015

EL MAQUILLAJE COMO UNA HERRAMIENTA FUNDAMENTAL PARA LA

CARACTERIZACIÓN EXTERNA DEL PERSONAJE

Presentado por: Julián Andrés Echeverry López

Universidad Distrital francisco José de Caldas

Programa curricular Artes Escénicas- Actuación

Facultad de Artes – ASAB

Bogotá D.C

2015

TABLA DE CONTENIDOS

Introducción………………………………………………………………………………...4

1. la caracterización del personaje teatral………………………………………………..7

1.1 La Caracterización interna del personaje teatral……………….……………….8

1.1.1 Monólogo Interno……………………………………………………...……..8

1.1.2 Circunstancias dadas………………………………………………..……….9

1.1.3 Súper Objetivo…………………………………………………………….10

1.1.4 Pausa Psicológica…………………………………………………………...12

1.2 La Caracterización externa del personaje teatral…………………………….. 13

1.2.1 El Vestuario Teatral………………………………………………………..13

1.2.2 Maquillaje Teatral…………………………………………………...……..16

1.2.3 Caracterización Corporal………………………………………….………18

1.2.4 Caracterización Vocal……………………………………………………....19

2. Análisis del personaje Andrés de la obra “ropa sucia”……………………………..21

3. Experiencia de la puesta en escena……………………………………………………22

4. Registro fotográfico de la puesta en escena………………………………………….23

Conclusiones………………………………………………………………………………26

Bibliografía………………………………………………………………………………..27

4

INTRODUCCION

Para el desarrollo de esta investigación será necesario sumergirse primero en el campo del

maquillaje y segundo en el campo de la caracterización física del personaje, para esto será

necesaria la investigación de los dos conceptos. Por el momento se definirá el maquillaje

como objeto de estudio, entendido como “Un elemento significante dentro de la

caracterización del personaje, que el actor debe representar. Consiste en la pintura de la

cara y/o el cuerpo para modificar o acusar rasgos que ayuden en la dicha caracterización”

(Del02) o también “El arte de realzar o disfrazar los rasgos naturales de los actores

mediante afeites, cosméticos, pinturas, cabellos, barbas, postizos, etc.” (Ruiz Lugo, 1983).

“Uno de los tres aspectos clásicos (junto al recitado y el vestuario) de la

interpretación. El autor crea los tipos de su obra psicológicamente; por sus

palabras y por las acotaciones se descubren su edad, situación social, grado

de cultura, profesión y otros aspectos. Después de que los actores han

estudiado la obra y han penetrado perfectamente la psicología del

personaje, los propios intérpretes, y en su caso el maquillador, idean la

composición del tipo, buscando la expresión fisionómica más adecuada.

Para ello se valen de pelucas, bigotes, barbas, narices y dientes postizos,

pinturas, anteojos y cuanto pueda contribuir a dar exteriorización física del

tipo” (Gómez García, 2007).

Teniendo en cuenta estas tres definiciones se puede concluir que el maquillaje consiste en

la modificación o realce de los rasgos naturales del rostro o del cuerpo que ayuden a la

caracterización de un personaje, siendo un elemento de suma importancia dentro de la

caracterización.

El maquillaje debe ser tan importante como las demás herramientas con las que cuenta el

actor para realizar su trabajo y crear la puesta en escena. Los actores deberán hacer uso de

éste de manera seria y responsable para que se convierta en un hallazgo y no en un

5

obstáculo para sí mismos. Así como se dedica tiempo y esfuerzo para entrenar la voz y el

cuerpo también se deberá dedicar el tiempo suficiente a las las técnicas de maquillaje para

así poder aprender y hacer uso de éstas de la forma más adecuada.

El arte de actuar esta significativamente ligado a esa parte interior de los seres humanos, al

sentir, el pensar y todo lo que como personas se puede expresar, es por esta razón que se

tiene un valor inmenso por el interior de los personajes, desvalorizando o dando un valor

secundario a la parte exterior del mismo, llegando a pensar que el interior es muchísimo

más importante que el exterior. Otra de las causas es el alejamiento que existe hacia la

práctica del maquillaje como tal, no se ejercita, no se explora una caracterización externa

basada en materiales artificiales, es por esto que en muchas ocasiones se puede ver que el

maquillaje no corresponde a la parte interna del personaje, no se establece el vínculo entre

lo interno y lo externo.

Con esto se llega a la pregunta esencial de la investigación ¿Puede el uso del maquillaje

potencializar la caracterización, para poder suscitar en el espectador el interior del

personaje Andrés de la obra Ropa Sucia (adaptación libre de la obra “Los signos del

Zodiaco” de Sergio Magaña) dirigida por Glaucio Machado Santos?

Para dar respuesta a esta pregunta lo primero será realizar el análisis del personaje, su

contexto, circunstancias, carácter, objetivos y demás aspectos que den cuenta del mismo,

todo esto será basado en la teoría de la actuación de Stanislavski haciendo énfasis en la

caracterización de un personaje, y para esto se hace hincapié en el libros “ La Construcción

del Personaje” de Stanislavski y “El ultimo Stanislavski” de María Osipovna Knebel en

donde se puede encontrar que la caracterización no es solo un factor externo del personaje

si no que debe ir estrictamente ligado a los aspectos internos del mismo, Stanislavski dice

que el actor no debe preocuparse por hacer visible la parte exterior del personaje y que por

el contario esta parte solo aparecerá cuando de verdad hayamos entendido la sicología del

personaje a representar. Y para la realización del maquillaje como tal se tendrán en cuenta

los libros “La Técnica del Artista del Maquillaje para el Cine, la Televisión y el Teatro” de

Vicent J.R. Kehoe y “Caracterización para Teatro, Circo y Carnaval” de Martha Vázquez

Loyo

6

El objetivo general de esta investigación será el estudio de la puesta en escena como

experiencia propia del personaje, además se deberá aprender a hacer uso de las técnicas de

maquillaje utilizando como metodología la teoría y la práctica. Teniendo en cuenta lo

anterior se puede decir que esta investigación tendrá un análisis sobre la práctica autónoma

ya que estará basada en una experiencia propia donde el investigador será la única persona

involucrada en el proceso.

7

LA CARACTERIZACIÓN DEL PERSONAJE TEATRAL

El personaje teatral no es más que la imitación de los seres humanos, y la caracterización

del personaje teatral en la puesta en escena es un factor fundamental en el proceso de

creación. La caracterización posee dos aspectos fundamentales para la creación, el primero

de estos tiene que ver con la parte interna del personaje, su psicología, ideología, objetivos,

creencias, sentimientos, deseos y demás factores que un personaje pueda tener en su parte

interior, el segundo aspecto de la caracterización es la parte externa del personaje; el

vestuario, el maquillaje, el cuerpo y la voz con la forma de hablar y de caminar, su forma

de moverse y expresarse harán parte de lo externo, y entre estos dos aspectos del personaje

debe existir un vínculo inquebrantable.

Para la caracterización en la creación de un personaje no solo se deben tener en cuenta los

aspectos internos y externos del mismo, también se debe de tener en cuenta su historia, los

demás personaje de la obra, el lugar donde vive y en donde creció, las circunstancias de su

vida etc. Todo esto ayudará a entender mejor el personaje y así hacer una caracterización

verídica de lo que es y ha sido el personaje, porque no solo se plasma lo que el personaje es

en tiempo presente y lo que quiere llegar a ser en un futuro sino que también se debe dar

cuenta de cómo ha sido toda la vida de este personaje desde su nacimiento.

8

La Caracterización interna del personaje teatral.

La caracterización interna del personaje es la que considera como su nombre lo dice la

parte interior del personaje, es decir todo lo que está relacionado con su ser y las

características personales que lo muestran tal como es, en otras palabras es todo lo que

encierra el aspecto psicológico, como su vida sexual, la moral por la que se rige, su

actitud frente a la vida, sus ambiciones, intereses, temperamento, complejos, cualidades

y defectos, fobias y trastornos.

A diferencia de la caracterización externa que se puede realizar por otras personas, la

caracterización interna solo puede ser efectuada interiormente por el actor, tal vez es la

parte más difícil de la creación, es adentrarse en la psicología de otra persona y

empezar a actuar como ella, despojarse todo lo que se es como ser humano para dar

vida a otra persona.

Monólogo Interno.

En la vida una persona piensa ininterrumpidamente. Piensa percibiendo la

vida que lo rodea, piensa percibiendo cualquier reflexión dirigida a ella.

Piensa, discute, rechaza, coincide no sólo con lo que lo rodea, sino consigo

misma, su pensamiento siempre es activo y concreto. (Ósipovna, 1998, pág.

115)

Cuando se habla de monologo interno se dice que todo personaje en escena debe tener

un pensamiento continuo al igual que los seres humano en la vida diaria, así como lo

menciona María Ósipovna explicando que los seres humanos piensan todo el tiempo,

nunca dejan de pensar y su cerebro está en funcionamiento en todo momento, se

piensan cosas más profundas, algunas más elementales, algunas por un largo tiempo y

otras tan solo por un instante, pero siempre se está teniendo un pensamiento que se

convierte a una reacción de lo que sucede alrededor de cada persona en el mundo

exterior. El pensamiento es la reacción a los estímulos exteriores relacionados con cada

uno de los sentidos del ser humano.

9

Así mismo debe suceder en la escena, el actor debe estar pensando como el personaje

de acuerdo a la situación en la que esté, puede ser que el personaje que no tenga ni un

solo texto en la escena pero su pensamiento estará reaccionando a lo que dicen y hacen

los demás personajes, es a este pensamiento constante al que se le llama monologo

interno.

Si el actor tiene esos pensamientos, si de verdad piensa como es debido, eso

no puede dejar de reflejarse en sus ojos. El espectador no sabrá que palabras

pronuncia usted, pero sí acertará con el estado interno del personaje, con su

estado espiritual, estará cautivado por el proceso orgánico, que crea la línea

continua del subtexto. (Ósipovna, 1998, pág. 128)

Circunstancias dadas.

¿Qué son las circunstancias dadas? Es la fábula de la obra, sus hechos,

sucesos, época, tiempo y lugar de acción, condiciones de vida, nuestro

concepto de la obra como actores y directores, lo que añadimos de nosotros

mismos, el movimiento, la puesta en escena, los trajes, la iluminación, los

ruidos y sonidos y todo aquello que se propone a los actores tener en cuenta

durante la creación. (Ósipovna M. , 2005, pág. 29)

Como dice Ósipovna las circunstancias dadas son los hechos y sucesos que atraviesan

toda la obra, y las que determinan el comportamiento y pensamiento del personaje,

actúan como parámetros de comportamiento que delimitan todo en cuanto es un

personaje. Hay que tener muy en cuenta que las circunstancias dadas están presentes en

todo momento de la vida de un personaje, es decir que éstas no solo se deben tener en

cuenta en el momento presente del personaje, sino que son parte fundamental del

pasado y por supuesto del futuro del personaje, así como lo menciona Ósipovna en su

libro El Último Stanislavski en donde cita las siguientes palabras de Stanislavski.

Es imposible que el presente exista no sólo sin pasado, sino sin futuro. Dicen

que éste no lo podemos conocer ni presentir. Sin embargo desearlo, tener

una visión de él, no sólo es posible, sino necesario…

Si en la vida no puede haber presente sin pasado ni futuro, en la escena,

reflejo de la vida, ha de ocurrir lo mismo. (pág. 32)

10

Las circunstancias dadas pueden ser el primer paso para que un actor comprenda su

personaje, haciendo el análisis minucioso, y acercándose a algunas preguntas básicas

sobre su personaje como: ¿Qué? ¿Dónde?, ¿Cuándo?, ¿Por qué? ¿Para qué? y ¿Cómo?

Respondiendo a cada una de ésta preguntas podrá determinar y comprender su

personaje en un primer acercamiento. Aunque pueden existir ocasiones en que el autor

de la obra no determine las circunstancias del personaje con claridad, entonces será ahí

cuando la imaginación del actor defina las circunstancias del personaje, en este caso en

el que el actor propone las circunstancias del personaje debe ser muy cuidadoso al

hacerlo, debe comprender que con cada circunstancia que se le dé al personaje, podría

cambiar el personaje por completo.

Súper Objetivo.

El súper objetivo del personaje debe ser uno de los principales intereses del actor a la

hora de la representación, el súper objetivo no es más que la meta del personaje, a

dónde quiere llegar y el propósito que desea cumplir, así entonces para el actor, éste

debe tener la mayor claridad posible, no pueden existir dudas del súper objetivo del

personaje, ya que todo lo que se hará a lo largo de la obra conducirá siempre a ese súper

objetivo.

En una obra, la corriente total de objetivos individuales, menores, todas las

líneas imaginativas, sentimientos y acciones del actor convergerán para

lograr el súper - objetivo del argumento. La unión común debe ser tan

fuerte que hasta el pormenor más insignificante, si no está relacionado con

el súper – objetivo, se destacará como superfluo o equivocado.

También ese ímpetu hacia el súper – objetivo debe ser continuo a través de

la obra. Cuando su origen es teatral o superficial, dará a la obra una

dirección sólo aproximadamente correcta. Si es humano y dirigido hacia la

realización del propósito básico de la obra, será como una arteria importante,

que provee de alimento y vida tanto a la obra como a los actores.

(Stanislavsky, 1960, pág. 263)

11

Para lograr el súper objetivo, el personaje tiene un conjunto de objetivos específicos que

deberá ir cumpliendo con el paso del tiempo en la escena, éstos están relacionados

directamente con lo que desea el personaje, es decir que en el momento en que el actor

tenga total claridad del súper objetivo del personaje a representar, podrá establecer

cuáles serán los objetivos del mismo, con cada objetivo que el personaje cumpla estará

más cerca de llegar a ese súper objetivo. Si los objetivos específicos del personaje no

indican o no van en dirección hacia el súper objetivo será muy difícil comprender el

personaje, cada acción, cada texto y cada cosa que se haga en el escenario debe dar

cuenta de lo que el personaje quiere, hacia donde se dirige y cuáles son sus intereses.

Stanislavski en su libro Preparación del Actor hace un dibujo que se muestra a

continuación para comprender el súper objetivo y los objetivos específicos.

Objetivo Objetivo Objetivo

Especifico. Especifico. Especifico.

Figura 1.

Para concluir se utilizará las palabras mencionadas por Ósipovna en El Último

Stanislavski en donde dice que el súper objetivo o la “supertarea” como ella lo llama es

la esencia, las arterias, los nervios y el pulso de toda obra. (pág. 51)

EL SÚPER - OBJETIVO

12

Pausa Psicológica.

La pausa dramática es una herramienta de comunicación y su precisa justificación es

extremadamente importante en el campo del habla escénica. Pero la pausa debe tener su

razón de ser, no puede aparecer de forma gratuita sin ninguna explicación, la pausa se

hace directamente en el texto pero no en el monólogo interno, es ahí, en la pausa

precisamente donde el actor muestra el monólogo interno del personaje, cuando no hay

texto y existe la pausa, el monólogo interno debe ser claro para que el espectador

comprenda con exactitud por qué el personaje se detuvo en su dialogo y que es lo que

está pensando.

La pausa es imposible sin el monólogo interno. Precisamente el monólogo

interno, complemento del texto del autor, descubridor del resorte interno de

la acción, impulsa al actor a revelar sus sentimientos por medio de la pausa.

(Ósipovna, 1998, pág. 173)

La pausa psicológica apunta directamente hacia el objetivo del personaje y por su

puesto deber mantener la atención del público, sin embargo se debe tener mucho

cuidado con las pausas prolongadas que son inútiles en la escena, y se convierten solo

en la pausa por la pausa que el espectador solo puede entender como una simple espera

del actor. (Stanislavski, 1999, pág. 178)

La pausa actúa también como apoyo en el texto, ya que es en la pausa cuando se da

tiempo para que el espectador digiera con mayor facilidad lo que está ocurriendo en la

escena, es decir se le proporciona ese instante de silencio para entender completamente

lo que está sucediendo, si en la escena no existe ninguna pausa psicológica va a ser

más difícil para el espectador comprender. En cada escena se deberían hacer las pausas

adecuadas en el momento preciso, lo mismo sucede en la vida diaria, cuando se habla,

se hacen pausas en un punto específico del dialogo, ya sea para pensar en lo que se está

diciendo, en lo que se va a decir o bien en la espera de una respuesta de quien escucha.

13

Caracterización externa del personaje teatral.

La caracterización externa es el complemento a la parte interna del personaje, ésta

caracterización puede ser realizada por el mismo actor o por otra persona que ayude a su

ejecución. Es la apariencia física del personaje y que por supuesto debe estar relacionada

con la parte interna, es el resultado del contenido interior, para la caracterización externa el

actor puede hacer uso del maquillaje para transformar su rostro y cuerpo, al igual que el uso

de vestuario, accesorios, pelucas o demás elementos que complemente la caracterización,

por tratarse de elementos externos para los actores se hace más fácil tomar la decisión de

incluirlos o no en dicha caracterización, (Kowzan, 1997) pero se debe tener mucho cuidado

a la hora de la elección ya que cada elemento que el actor decida poner a su personaje

tendrá un significado para el público, es por esto que no se deberían llevar objetos ni

maquillaje que solo cumplan la función de adorno, todo debe tener un significado para el

personaje, cada accesorio deberá suscitar algo en el espectador.

El Vestuario Teatral.

El vestuario es el conjunto de prendas, calzado, accesorios y demás utilizados en la

escena para definir y caracterizar el personaje. Está estrechamente relacionado con

el maquillaje, ya que actúan como complemento el uno del otro en la puesta en escena.

El vestuario tiene una gran función dentro de la representación, pues capta de forma

inmediata la mirada de los espectadores transmitiendo así un primer esbozo de lo que es

el personaje, al igual que en la vida diaria el vestuario, en este caso la ropa, da una

primera impresión de lo que somos como personas, de nuestra historia, gustos, edad y

entorno social. El vestuario con su textura, tamaño, color y forma puede convertirse en

14

el primer elemento que impresione al público entendiendo el carácter del personaje más

fácilmente.

Para la elección del vestuario se debe hacer un minucioso análisis previo del personaje

y la obra, ya que el vestuario puede funcionar como una máscara del cuerpo ayudando a

la lectura de la situación, a enfocar la atención del espectador y a reforzar el mensaje

verbal, además el vestuario cumple las funciones de la ropa en la vida cotidiana,

haciendo que el actor transforme su cuerpo en el momento en que use la ropa del

personaje.

El color es una parte sumamente importante y representativa del vestuario ya que es un

poderoso estimulo visual, así como lo explica Eva Héller en su libro Psicología del

Color en donde explica que cada color en el diario vivir tiene una significación para

quien lo observa, tan solo con ver los colores que lleva una persona, los que se usaron

en una publicidad, los colores de las mesas de un restaurante, o cualquier color que

veamos en la calle, nuestros cerebro inmediatamente nos proporciona la información

que está establecida por el entorno socio-cultural y la percepción que se tiene de ellos.

(Heller, 2004)

A continuación se mostrará una tabla que contiene algunos de los colores básicos y sus

significados.

COLOR SIGNIFICADO

Azul El color de la lejanía, la fidelidad, la

Inmensidad y a las personalidades serenas.

Rojo El color de las pasiones y emociones intensas,

transmite calidez y energía por excelencia.

Representa el amor y la furia.

Amarillo Por una parte el color de iluminación y

entendimiento, optimismo, alegría, pensamientos

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positivos, representa las deidades

Por otro lado representa la envidia, los celos, la

inseguridad y la avaricia.

Verde La naturaleza por excelencia, el símbolo de la vida

y la salud, la primavera, los negocios y la fertilidad.

Negro Representa la elegancia, la muerte, la negación y el

fin de las cosas, la ilegalidad e incluso la violencia.

Blanco La espiritualidad y los comienzos, la perfección, la

luz, la resurrección, la limpieza y pureza, el

equilibrio espiritual.

Anaranjado Dirige a lo extrovertido, lo exótico, inalcanzable,

incitante, exhibicionista.

Morado La realeza, la magia, el feminismo, poder

económico, la vanidad y la sexualidad pecaminosa.

Rosa Asociado a las cualidades femeninas; el encanto, la

Amabilidad, la ternura, el erotismo, los desnudos.

Oro La fama, el lujo, el materialismo y la arrogancia.

Plata La modernidad, el dinero, la astrología, la luna, la

perfección, la elegancia y el frio.

Café Se asocia con lo viejo, los sabores fuertes, los

espacios acogedores, el carácter dominante.

Gris El color desapercibido, el olvido y la vejez.

Tabla 1.

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Maquillaje Teatral.

Al igual que el vestuario, el maquillaje ayuda al espectador en la composición de la

primera impresión de la caracterización. Los rasgos del personaje producen diferentes

efectos en el público, quien recibe el maquillaje y el vestuario como un conjunto que

forma al personaje. Hay que entender que el maquillaje en el teatro se convierte en uno

de los principales elementos cuando hablamos de una caracterización física.

El actor debe tener en cuenta todo los aspectos que rodean a su personaje y por supuesto

la obra en la que está el personaje, para así poder realizar un maquillaje adecuado para

la caracterización, no se trata de inventar o poner cualquier tipo de maquillaje.

“Maquillarse como un joven, como una señora joven y hermosa o de edad mediana o

bien como un viejo común, sin lograr la expresión de su mundo interior, no es construir

un personaje, sino crear una pura y vacía exterioridad” (Trastoy, 2006, pág. 116)

El maquillaje en el teatro es frecuentemente más utilizado en el rostro que en el cuerpo,

es por esto que se deber ver el rostro no como una totalidad sino como una parte del

cuerpo que contiene otras tantas como son los ojos, nariz, cejas, dientes, labios,

pestañas, pómulos, mandíbula, frente, orejas, parpados, barba y bigote. Para esto se

podría estudiar a fondo la Morfo psicología que es la ciencia que estudia de manera

muy precisa, el carácter, el modo de conocer y comprender a las personas, sus actitudes

y aptitudes por medio de la observación del rostro y los rasgos que lo componen,

aunque el estudio de esta ciencia no sea indispensable sería de gran utilidad para

entender que con tan solo una pequeña modificación de los rasgos naturales del rostro

el actor podría verse de forma distinta a la de su cotidianidad, el actor debe conocer

muy bien los rasgos y formas de sus rostro para así cuando quiera modificarlos sepa

que es lo que debe hacer para lograr la transformación. Los seres humanos también

están condicionados por estándares culturales en lo que a la belleza se refiere es por

esto que se cita la definición de Beatriz y Perla acerca de lo que transmite cada rostro

con sus rasgos y formas.

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El rostro perfecto es el ovalado; en cambio, el alargado se asocia con el

trabajo intelectual, con la delicadeza, la nobleza, pero también con la

hipersensibilidad y la ineptitud para los trabajos físicos. Una persona de

rostro redondo aparenta se benévola, jovial, franca así como violenta y

cambiante, en tanto una cara cuadrada parece corresponder a un individuo

tan enérgico y voluntarioso como duro y obstinado. La sutileza y diplomacia

unidas al nerviosismo y el capricho se asocian a los rostros triangulares,

mientras que la indolencia y apatía se atribuyen a los rostros en forma de

triángulos invertidos. De manera similar, los ojos pequeños parecen

corresponder a una persona sensible y con vitalidad intelectual; los redondos,

a los apasionados y coléricos; los alargados, a los crueles; los sobresalientes,

a los brutales, y los hundidos, a los taciturnos y melancólicos. Si los ojos

están muy distantes uno del otro se asocian con la memoria y el optimismo;

en cambio, separados, connotan tristeza e irritabilidad. En cuanto a las cejas,

las delgadas indican carácter soñador y pasivo; espesas y tupidas se asocian

más con lo masculino que a lo femenino y por lo tanto a la fuerza y a la

autoridad; de línea muy redondeada indican falta de capacidad de

concentración; ascendente, inteligencia y espiritualidad; descendente,

pesimismo y egoísmo. Alejada de los ojos, ingenuidad, debilidad e

indolencia; cercanas, voluntad, concentración y energía. En forma de acento

circunflejo, ardor, actividad, fuerza; derechas, audacia, actividad, alegría;

agachadas, tendencia a la angustia y gusto por el secreto. Muy juntas

connotan celos, pasión, susceptibilidad; cortas, carácter caprichoso,

inestable; largas, capacidad de esfuerzos prolongados y, si faltan,

disminución de la voluntad. Asimismo, la nariz y la boca conllevan una

fuerte expresividad. En el primer caso, la recta llamada griega, es la que

confiere mayor distinción; si es pequeña, parece indicar un carácter

susceptible; respingada, espiritual aunque sin demasiada elegancia; aguileña

connota impulsividad; chata, cólera y bestialidad; mientras que una nariz

larga y grande jamás corresponde a un rostro realmente bello. Finalmente

una boca grande indica franqueza, malicia, apetitos materiales; chica, buen

gusto y capacidad de elección pero también cierta tendencia a la crítica

malintencionada, los labios delgados señalan insensibilidad y maldad, y los

gruesos, glotonería y sensualidad.

Entendiendo lo que cada una de las partes de nuestro rostro proyecta con su posición

tamaño o forma se puede hacer uso del maquillaje para la modificación de las mismas y

así crear el aspecto necesario para la caracterización del personaje a representar.

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Caracterización Corporal.

Para el actor el cuerpo es la herramienta que expresa las ideas creadas en el escenario,

es por esta razón que cuando se inicia el estudio de las artes escénicas generalmente el

primer trabajo que se hace sobre el cuerpo es reconocimiento del mismo, el actor debe

tratar de conocer su cuerpo a cabalidad ya sea por medio de la auto exploración o de

otros ejercicios.

Un actor que conoce su cuerpo y que lo ha trabajado con dedicación tiene la posibilidad

de componer nuevos cuerpos, es decir con cada entrenamiento que dedique de manera

consiente a su cuerpo ira ganando conciencia de lo que tiene, sus habilidades y

dificultades como actor, de lo contrario su cuerpo siempre será el mismo ya que no

tendrá la capacidad de transformación necesaria para la representación. No se pueden

llevar a escena las dificultades corporales que se tenga como actor.

A la hora de la caracterización del personaje el cuerpo es una parte fundamental para la

transformación del actor, el cuerpo debe ser apropiado a lo que es el personaje, es un

elemento de caracterización externo que debe ir ligado a la parte interna del personaje,

es decir que el cuerpo se comporta de acuerdo a la psicología de cada personaje, en su

forma de caminar, de mover sus manos, los gestos de su rostro, la postura sus hombros,

se puede ver todo lo que el personaje es en su interior.

En la corporalidad del actor no solo está involucrado la forma del cuerpo, también se

debe tener en cuenta el tempo-ritmo que según Stanislavski define como “Tempo es la

rapidez o lentitud de pulsación de cualquier clase de unidades establecidas, de igual

duración, en cualquier medida prefijada y Ritmo como la relación cuantitativa de

unidades (de movimiento o de sonido) con las unidades de duración establecidas en un

tempo” (Stanislavski, 1999, pág. 227) y las calidades de movimiento que se dividen en

cinco partes.

Fluido: Es el movimiento circular, infinito, redondo y fluido.

Staccato: Es el movimiento lineal, definido, finito.

Caos: Es la combinación del movimiento fluido y del staccato a mayor velocidad.

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Lírico: Es un movimiento liviano, frágil, sutil y de poco esfuerzo.

Quietud: Es la ausencia de los anteriores movimientos concentrando la atención en la

respiración.

Teniendo en cuenta el tempo-ritmo y las calidades de movimiento, el actor puede llegar

a hacer su caracterización y encontrar la corporalidad adecuada para su personaje, estas

dos herramientas tienen la capacidad de influir en el estado de ánimo, es decir que

alguna acción que se realice a mayor velocidad y con algún tipo de movimiento

despertara en el actor distintas emociones que si realiza la misma acción con una

velocidad menor u otra calidad de movimiento. (Chejov, 1955).

Caracterización Vocal.

La voz ocupa un importante lugar en la creación actoral, es una de las herramientas en

las que el actor puede adquirir una mayor diversidad, pero para llegar a esto el actor

debe tener un trabajo constante de lo que hace con su voz, debe ser cuidadoso a la hora

de usarla en escena, de no lastimar o hacerse daño por hacer uso inadecuado de la voz.

Una voz bien trabajada se puede transformar y llegar a potencializar la caracterización

de un personaje, se debe explorar la voz del personaje, tener horas de ensayo hasta

conseguir la voz adecuada. “Es cierto que la voz debe estar bien colocada y educada si

se la quiere someter a cambios, en caso contrario no será posible mantenerla durante un

cierto tiempo en sus tonos más altos o más bajos”. (Stanislavski, 1999, pág. 28)La voz

cuenta con distintos factores involucrados a la hora de la emisión, con los cuales se

puede trabajar y así cambiar la forma natural de hablar para encontrar la forma natural

en el personaje.

Algunos de los aspectos importantes son la entonación que se refiere a los distintos

movimientos relacionados al tono de la voz, se pueden ver diferentes tipos de

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entonación como enunciativa de forma afirmativa o negativa, exclamativa, imperativa e

interrogativa además también existe la pausa que es la interrupción del sonido, la

primera razón es fisiológica que se hace cuando se necesita respirar o lingüística que es

para indicar el final de una oración, además las pausas se pueden dividir en

psicológicas, lógicas, afectivas o respiratorias, por otra parte está el ritmo y el énfasis

que es lo que se hace al acentuar en lo que se tiene más interés. También está el timbre

que es el sonido que caracteriza cada voz, la intensidad que es la fuerza que se emite en

el sonido, además de esto la articulación que es la adecuada pronunciación de cada una

de las letras emitidas y por último la velocidad, estos son algunos aspectos importantes

de la voz.

El actor debe encontrar la forma adecuada de utilizar la voz en el escenario, debe

hacerlo de una manera consciente y ensayar cada palabra y frase para que sea emitida

de la forma en que se quiere transmitir y así el espectador pueda recibir el mensaje de

forma correcta.

El actor tiene, sin falta, que estudiar cómo pronunciar cualquier discurso, sin

dejarlo a la casualidad o, como se dice, a la naturaleza, porque la naturaleza

del personaje y la mía son totalmente contrarias y al dotar al papel con su

propia persona se perderá la fisionomía del personaje representado.

(Ósipovna, 1998, pág. 20)

Hay que tener en cuenta que la voz está sometida a diferentes circunstancias, como los

espacios en donde se lleva a cabo la representación, todas las veces no se cuenta con un

espacio adecuado para que la voz se escuche perfectamente, pueden haber escenarios

donde la acústica perjudique la voz del actor y el público no escuche nada de lo que se

está diciendo, o también un espacio al aire libre donde los demás sonidos del entorno

hagan que la voz se vuelva mínima y de igual forma el espectador no pueda escuchar

absolutamente nada. En estos casos la primera labor del actor es hacer que todos los

espectadores escuchen perfectamente lo que se dice, sin pasar por alto ninguna palabra

ni sonido, y para esto el actor debe estar preparado para tener una buena respiración, es

decir que debe emitir la voz desde el diafragma y no desde el pecho para usar la voz de

forma correcta y cumplir su labor como actor en la caracterización del personaje.

21

ANÁLISIS DEL PERSONAJE ANDRÉS DE LA OBRA “ROPA SUCIA”

Andrés es un joven de aproximadamente veinte años que vive con sus padres en una

vecindad de estrato dos de la ciudad, por sus condiciones económicas él solo pudo terminar

sus estudios escolares, y desde que terminó el colegio Andrés ha dedicado su vida a trabajar

para ayudarle a sus padres con los gastos del hogar.

Se caracteriza por ser un joven alegre y divertido que saca provecho de cada momento de

la vida, para él lo más importante es la parte espiritual y no material, es por esta razón que

piensa que cada persona debería hacer lo que lo haga feliz sin importar lo que pueda opinar

la sociedad.

Andrés cambió su empleo en una fábrica de cerillos por el empleo de payaso callejero, él

quisiera alguna vez trabajar en un circo y poder llevar alegría a las personas.

Por su condición homosexual Andrés desde hace algún tiempo tiene problemas con su

madre ya que ella no lo acepta por ser así y mucho menos está de acuerdo en que él sea un

payaso, ella prefiere que él trabaje en una empresa donde pueda tener una estabilidad

económica.

Además su madre ha dedicado la vida entera a complacer y darle lo mejor a su hija Sofía,

hermana menor de Andrés, sin importa que su hijo también tenga necesidades, sin embargo

Andrés siente un gran amor por su hermana y trata de apoyarla en todo lo que ella quiere.

Andres lo único que quiere es poder presentar su novio llamado Popoca ante sus padres, y

poderles decir que encontró una persona que lo hace feliz, sin saber que su madre ha

elegido a Popoca para concederle la mano de su hija Sofía.

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EXPERIENCIA DE LA PUESTA EN ESCENA

La puesta en escena de la obra “Ropa Sucia” dirigida por Glaucio Machado Santos fue una

experiencia en donde se pudo mostrar el personaje Andrés, tanto su parte interna como

externa, y por supuesto el maquillaje fue uno de los elementos utilizados para la

caracterización externa del personaje. Este maquillaje suscitó en el espectador lo que es el

personaje en su interior, es decir cada color, forma y textura represento algún aspecto

importante.

Por una parte el personaje Andrés utilizaba el maquillaje de payaso, ya que ese era su

oficio mostrando así que para él la vida tiene un sentido más espiritual y menos material.

Los colores utilizados para el maquillaje fueron el azul, rojo, amarillo, verde y blanco, que

representaba la alegría y el optimismo de Andrés al enfrentar la vida porque para él, a pesar

de todos sus problemas económicos y dificultades con su madre la vida cobra otro sentido

si se hace de los sentimientos lo más importante para vivir, es decir el dinero no es la

felicidad para Andrés, para él encontrar una persona a quien amar es poder llevar una vida

llena de satisfacción.

También las formas geométricas del maquillaje en el rostro que resaltaban los rasgos

naturales como las cejas muy acentuadas, ojos expresivos, boca desmesurada y demás

mostraban el desparpajo de Andrés al momento de enfrentar situaciones de su vida.

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REGISTRO FOTOGRÁFICO DE LA PUESTA EN ESCENA

Figura 2. Figura 3.

Figura 4. Figura 5. Figura 6.

Figura 7. Figura 8.

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Figura 9. Figura 10.

Figura 11. Figura12.

Figura 13. Figura 14.

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Figura 15. Figura 16.

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CONCLUSIONES

Para concluir este trabajo se podría hablar de lo importante que resulta el maquillaje

escénico para el actor en la creación de un personaje y la puesta en escena.

Solo cuando el mismo actor comprenda su personaje de manera eficaz podrá hacer uso del

maquillaje para representar dicho personaje, es decir que el maquillaje servirá como

medio de comunicación para suscitar en el espectador la parte interna del personaje por

medio del maquillaje.

Con el montaje “Ropa Sucia” se logró comprender que cada aspecto del personaje, por

muy pequeño que sea, se puede representar por medio del maquillaje, teniendo en cuenta

los colores, formas y texturas.

El maquillaje en la puesta en escena debe cobrar el valor que se merece al igual que la voz,

el cuerpo, la escenografía, la iluminación y en fin todas y cada una de estas herramientas,

no se debe dejar para lo último y mucho menos a la improvisación, para que así el

maquillaje se convierta en algo que aporte a la creación.

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BIBLIOGRAFÍA

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