Esquema• EL RENACIMIENTO

Siglos XV al XVI (1400-20 a 1600)

• I) GENERALIDADES

• A) Contexto histórico-cultural La Europa del Renacimiento

Cosmovisión de época Aspecto Socio-Político-económico Los cambios Socio-Político-económicos

y su impacto en el arte

• B) Contexto del arte renacentista Figuras del arte renacentista

• C) Contexto Musical Géneros Musicales

Características compositivas generales Sistema Musical Análisis paramétrico de: Altura y duracion

• a)Altura Alturas en la sucesión (melodía)

Alturas en la simultaneidad ("acordes)

Digresión: La música ficta

• b) Duraciones El sistema de mensuración durante el Renacimiento

• Principales teóricos

• II) EL RENACIMIENTO MUSICALA Renacimiento Temprano (1400–1467)

“Manera inglesa” o “Sonido inglés”B Renacimiento Pleno (1467-1534)

El genio de JosquínC Renacimiento Tardío (1534 - 1600)

La Reforma Protestante y La Contrarreforma- El Concilio de Trento

EL RENACIMIENTOSiglos XV al XVI (1400-20 a

1600)

I) GENERALIDADES

A) Contexto histórico-culturalLa Europa del Renacimiento

• Renacimiento: resurrección de las antiguas civilizaciones de Grecia y de Roma. Revalorización de los antiguos escritos Griegos y Romanos.

• Tuvo origen en Italia donde se lo llama Quattrocento y Cinquecento. Existencia de referentes de la antigüedad clásica proporcionados por monumentos y demás legados en el suelo italiano. Además del contacto de mercaderes con el mundo bizantino.

Cosmovisión de época

• Antropocentrismo: Se pasa de una cultura Teocéntrica, a una Antropocéntricamente orientada. Contribuyen a esta cosmovisión:

– El Heliocentrismo: Copérnico y Galileo Galilei anuncian esta teoría en la que el sol es el centro del Universo y no la tierra.

– La expansión colonial : Cambio en la visión de la tierra (Cristóbal Colón y Fernando de Magallanes ampliando los límites de un mundo centrado en Europa)

Aspecto Socio-Político-económico• Se evoluciona del viejo sistema feudal al moderno estado jerárquico.

Establecimiento de monarquías autoritarias con burocracias eficaces y ejércitos permanentes. En España los Reyes Católicos. En Francia Los Borbones con Luís XIV. En Inglaterra los Tudor.

• Economía con base agraria. Estado lamentable de los campesinos debido a que debían mantener los gastos de los terratenientes.

• Prospera la clase burguesa, enriquecida con el comercio.

• Artesanos y personas con oficios se encuadraban en gremios.

• Desarrollo de instrumentos financieros.

• Expansión colonial

• Otras ideas políticas: Nicolás Maquiavelo (1469 - 1527) - Aunque nunca lo dijo, se le atribuye la frase "el fin justifica los medios", ya que resume muchas de sus ideas. Considerado como uno de los teóricos políticos más notables del Renacimiento, abre el camino a la modernidad en su concepción de la política y la reestructuración social. Considera que en toda comunidad el del pueblo y los poderosos (que quieren gobernar al pueblo), están en constante conflicto. Sostiene en los “Discursos” que el mejor régimen es una República donde contener el conflicto político dentro de la esfera pública.

Los cambios Socio-Político-económicos y su impacto en el arte

• La expansión colonial, cuyo objeto y resultado es una infame transferencia de riquezas desde las colonias a diferentes ciudades de Europa, hace posible un activo intercambio musical que genera los fundamentos de un estilo internacional.

• Aparece el mecenazgo. El incremento en la subvención del arte a través de cortes ricas, gobiernos de municipios e instituciones religiosas, contribuye al desarrollo en el arte, que se considera como medida del desarrollo del conocimiento y la cultura.

• Los cambios socio-políticos, el desarrollo de la cultura, de la vida urbana y los avances científico-tecnológicos abrieron nuevos horizontes que ya no podían satisfacer las ideas heredadas de la Edad Media. De ahí que se buscara inspiración en la antigüedad clásica.

En lo esencial, el sistema de valores

consolidado durante el Renacimiento,

continúa vigente en nuestros días.

B) Contexto del arte renacentista• Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y

Roma.

• Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.

• Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.

• Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les dan una validez permanente. 

Figuras del arte renacentista• Francesco Petrarca (1304 –1374) antecesor del renacimiento. Lírico y humanista

italiano, cuya poesía dio lugar a una corriente literaria que influyó en autores como Garcilaso de la Vega (en España), William Shakespeare y Edmund Spenser (en Inglaterra), bajo el nombre genérico de Petrarquismo. De concepción humanista, intentó armonizar el legado grecolatino con las ideas del Cristianismo. Predicó la unión de Italia para recuperar la grandeza del Imperio romano.

• Sandro Botticelli (1445– 1510) - Pintor cuatrocentista italiano bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, Su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas.

• Piero della Francesca (1415 –1492) fue un pintor italiano del Quattrocento (siglo XV). Especialista en frescos, también matemático, maestro de la perspectiva y de la geometría euclidiana. Su pintura se caracterizó por su sereno Humanismo y el uso de las formas geométricas, particularmente en relación con la perspectiva y la luz. Es uno de los principales y fundamentales personajes del Renacimiento, aunque jamás trabajó para los Médicis y pasó poco tiempo en Florencia.

• Raffaello Sanzio conocido como Rafael (1483 – 1520). Fue un pintor y arquitecto italiano del Renacimiento pleno. Como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.

• Michelangelo Buonarroti (1475 –1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos

• Leonardo da Vinci (1452- 1519). Notable polímata del Renacimiento italiano (a la vez Pintor, anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista). Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I. Es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido. Sus pinturas más célebres, La Gioconda, La Última Cena y el Hombre de Vitruvio, Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse (entre ellos la máquina para medir el límite elástico de un cable), puesto que la mayoría no eran realizables aún en esa época. Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.Maquiavelo.

C) Contexto Musical

• Hay una consistencia estilística marcadamente uniforme. El dogma, "...el arte imita a la naturaleza", se traduce en una exigencia de naturalidad en la música.

• La aparición de la impresión en la música, permite un mayor acceso a partituras y tratados teóricos de música.

Géneros Musicales• Tres géneros musicales predominan en el

Renacimiento:

• Música Sacra: continuación de géneros anteriores como la Misa y los Motetes.

• Música Profana: nuevas formas generadas a partir de corrientes nacionales como por ejemplo el Madrigal Italiano o la Chanson Francesa.

• Música instrumental: favorecida en su desarrollo por la impresión musical.

Características compositivas generales

– En las texturas contrapuntísticas, todas las líneas tienen la misma jerarquía. El desarrollo melódico y la imitación, permiten la nivelación en grado de importancia de todas las voces.

– El acorde es producto de la superposición de líneas, pero a fines del siglo XVI comienzo, a percibirse como unidad y paulatinamente se impone la sonoridad triádica. A partir de aquí, la composición por estratos es reemplazada por la composición simultánea.

– Desarrollo de las Cláusulas, fórmulas de cierre: son importantes en la definición de la Tonalidad.

– La melodía es sencilla, balanceada en frases, y estructurada según la respiración humana.

– El ritmo es más fluido, suave, uniforme y menos complejo.– El canto gregoriano es sustituido como fundamento de la

composición, por melodías de canciones populares.– En la relación texto-música, el texto es en general tratado

indiferentemente en cuanto al significado, al ritmo y a la entonación de las palabras, pero en determinadas situaciones se busca reproducir su contenido expresivo.

– Idiomas_ Predomina el Latín en la Iglesia Católica, el Alemán e Inglés en la Iglesia Protestante, y los idiomas vernáculos en la música popular.

Sistema Musical• Sistema Modal, en común con la época anterior. Las diferencias aparecen

en el tratamiento particular de cada uno de los parámetros del sonido.

• Lenguaje escalístico Serie diatónica de sonidos: Do, re, mi, fa, sol, la, si.

• Cada modo tiene un sonido jerárquicamente más importante: la nota Final o Principal. Un segundo grado jerárquico es la quinta del Modo, nota Tenor, (salvo cuando recae sobre el Si en cuyo caso se traslada una 2da arriba). En los Hipomodos este sonido está una 3ra por debajo de su correspondiente modo auténtico, con la misma excepción para el Si.

• En el siglo XVI aparecen citados por primera vez por Glareanus, dos modos más: Eólico (sobre la) y Jónico (sobre DO). En la práctica los dos modos se usan desde mucho antes. El modo Locrio (sobre si) completa el sistema, pero no es utilizado por problemas cadenciales.

• Cada Final genera dos modos: Auténtico y Plagal, Modos e Hipomodos, de acuerdo al ámbito de la melodía: Dórico re - re, Hipodórico la - la, una cuarta más abajo.

Análisis paramétrico de: Altura y duracion

a) Altura

1. Alturas en la sucesión (melodía)

2. Alturas en la simultaneidad ("acordes)

3. Digresión: La música ficta

b) Duraciones

a) Alturas1) Alturas en la sucesión (melodía)

• El espacio musical (ámbito) del modo esta limitado a una octava, más un sonido agregado a cada extremo (a veces dos en un extremo, pero no en los dos). El máximo ámbito para una melodía es entonces una octava más una cuarta.

• Melodías con carácter eminentemente vocal, rara vez virtuosísticas, diatónicas (salvo en la obra de Gesualdo, que constituye una excepción), en un espacio musical reducido, cuidadosamente balanceada en sus movimientos ascendentes y descendentes, y en el tratamiento de los saltos. La ornamentación melódica es discreta y se concentra principalmente en las cadencias, sobre todo a partir de notas de paso y bordaduras. La línea del bajo, está igualmente jerarquizada que las superiores, aunque suele tener un poco menos de actividad rítmica. Participa en los pasajes imitativos con las restantes voces.

• Cromatismo: Uno de los problemas que plantean en la práctica estas escalas, es el uso del trítono fa-si, por su difícil entonación (Diabolus in música). La solución es el descenso del Si a Sib, y más raramente el ascenso del Fa al Fa#. La coexistencia Si - Sib es la génesis del cromatismo.

2) Alturas en la simultaneidad ("acordes)

• Predominio de los intervalos de 3ras y 6tas en contraste a la sonoridad estática de 5tas y 8vas. Técnica del fauxbourdon.

• Composiciones a cuatro voces. Como norma, ya a fines del siglo XV. El punto de partida es la composición a dos voces de los siglos XI-XII con tenor gregoriano (cantus), y voz superior (discantus). Quedando establecida una configuración de cuatro voces con los siguientes componentes:– Discantus o sopranus: conductor de la melodía.– Contratenor altus o contralto, voz de relleno armónico.– Tenor, a veces con el cantus firmus, voz conductora de la composición.– Contratenor bassus o bajo: voz más grave, soporte armónico.

• Armonía tríadica pretonal: Armonía primariamente modal, no funcional salvo en las cadencias. Los picos de tensión y relajación son producto del movimiento de las voces. Consonancias a partir del bajo. Acordes muchas veces completos.

• Cláusulas, fórmulas de cierre: son importantes en la definición de la Tonalidad.

3) Digresión: La música ficta (Musica Falsa)

Se caracteriza por:

• Frecuentes sensibilizaciones sobre los modos (ascenso de la sensible) que comienzan a hacer derrumbar un sistema eminentemente diatónico. Las alteraciones usadas son: do#, fa#, sol#, sib y mib.

– Do#: sensible del Dórico. – Fa#: sensible del Mixolidio.– Sol #: sensible del Eólico. Usado a veces junto al Fa # (Fa#-Sol#-La).– Sib: en todos los modos evita el trítono, y también el efecto de sensible en una

secuencia ascendente (sol-la-si-do). En los modos transportados mantiene las relaciones interválicas originales del modo.

– Mib: para evitar el trítono en los modos transportados.

• Multimodalidad y Polimodalidad: diferentes secciones de una obra pueden aparecer en diferentes modos o, diferentes modos en diferentes voces.

• Son las únicas versiones cromáticas de estos sonidos hasta el siglo XVI aproximadamente (do# y no re b etc.). La ausencia de un sistema de temperamento igual, hace imposible el uso de los equivalentes enarmónicos.

• El uso de enarmonías en Gesualdo o en otros compositores, constituyen casos aislados, y quedan limitados a la práctica vocal.

b) Duraciones• Valores rítmicos: Máxima, Longa, Cuadrada (Breve), semibreve,

mínima, semimínima, fusa y semifusa.

• Condiciones métricas: predominio de compases de 4/2 (en menor medida 3/1). El pulso lo establece la blanca. Se considera acentuada la primera de cada dos blancas. El compás 4/2 en la Polifonía Renacentista es una referencia para la ubicación de disonancias, valores métricos, etc. En la práctica la acentuación agógica (duraciones largas con respecto a cortas) en conjunción con el texto, produce una métrica completamente irregular en cada una de las partes, no coincidente con el metro.

• Tempo: constante en toda la obra, con cambios producidos en nuevas secciones. Cambios siempre proporcionales. Metro [flujo regular de pulsos (tactus)]. La percepción del metro es variada. En las polifonías horizontales (música religiosa principalmente) la acentuación agógica, genera en forma natural una polimetría en el conjunto de las partes.

El sistema de mensuración durante el Renacimiento

Los primeros aspectos que se pueden detallar del sistema mensurable del renacimiento son aquellos elementos de la notación moderna que están ausentes en la escritura musical de los siglos XV y XVI.

• Ausencia de barras de compás. Las barras de compás aparecen cerca del año 1600, cuando las partituras comienzan a ser publicadas en forma vertical, mostrando la superposición entre las diferentes partes. Previamente las partes individuales se imprimen una a continuación de la otra, yuxtapuestas, no superpuestas.

• Ausencia de ligaduras de prolongación. Esto limita los valores posibles, a las duraciones del sistema y a las posibles con puntillos.

• Subdivisión ternaria. Actualmente cualquier duración tiene una división natural en dos duraciones menores. La subdivisión ternaria es producto de valores artificiales. En el Renacimiento tanto la subdivisión ternaria como la binaria son posibles. La Ternaria, incluso, se considera más importante (Ternaria = Perfecta, Binaria = Imperfecta).

• Los valores de las fiiguras, pueden variar. Por lo expuesto arriba, una figura puede en determinados momentos modificar su duración si pasa de una mensuración ternaria a una binaria. El Tactus, es el pulso. Significa golpe. Un Tactus de aproximadamente MM=70-80, es válido para la mayoría de las obras de este período.

Principales teóricos:• Johannes Tinctoris: "Liber de arte contrapuncti"

(1477)• Franchino Gaffurio: "Theorica musice" (1492)

"Practica musice" (1496) "De harmonia musicorurn intramentorum opus" (1518). Incorpora aspecto del saber "clásico" Griego en a la teoría musical.

• Heinrich Glareanus: "Dodekachordon" (1547) incorpora cuatro nuevos modos a los ocho existentes, el Eolio y el Jónico, cada uno con sus correspondiente hipomodos.

• Gioseffo Zarlino: "Le Institutioni harmoniche" (1558) expone reglas estrictas en el manejo de las disonancias, cadencias, etc.

II) EL RENACIMIENTO MUSICAL• El Renacimiento abarca la música de cerca 200 años.

• Durante este periodo la composición experimenta importantes cambios que se manifiestan en una gran variedad de estilos.

• El Renacimiento musical se divide en tres épocas:• Renacimiento Temprano (1400–1467) • Renacimiento Pleno (1467-1534) • Renacimiento Tardío (1534 - 1600)

• Mientras la música del Renacimiento temprano parece ser la continuación de la Edad Media, el Renacimiento tardío prepara el Barroco. El primer gran compositor del Barroco, Claudio Monteverdi, fundador de la ópera, inicia su carrera con madrigales renacentistas.

• En los siglos XV y XVI los géneros musicales más cultivados son la Misa, el Motete y las canciones sobre poemas profanos.

• En el siglo XV las composiciones todavía utilizan las fórmulas preestablecidas como el cantus firmus, el color y la talea. El paso más importante que caracteriza el nuevo estilo es el uso de la 3ª como consonancia. La textura vuelve más clara gracias a las tríadas.

• Nace la Misa cíclica: los cinco movimientos (Kyrie- Gloria- Credo- Sanctus y Agnus Dei) se relacionan a través de utilizar las mismas ideas.

• Durante la época del Renacimiento pleno los compositores se liberan cada vez más de las formulas preestablecidas. Aparece una nueva técnica compositiva que consiste en elaborar las obras mediante el desarrollo temático; nace el estilo imitativo –contrapuntístico. Esta técnica conlleva que por primera vez en la historia de la música, las voces se compongan simultáneamente.

• La técnica imitativa influye al aspecto tonal: la dimensión armónica adquiere cada vez más importancia cambiando el sistema modal al sistema tonal – funcional. Los compositores del Renacimiento tardío aumentan el cromatismo hasta el límite que aguanta el sistema de afinación natural.

• En el siglo XVI, por la influencia del humanismo italiano, la expresión del texto adquiere cada vez más importancia no sólo por su forma, sino por su espíritu.

• La música del Renacimiento nace en el Norte de Europa (Inglaterra, Flandes, Borgoña). Sin embargo, sobre finales del siglo XVI Italia recupera su papel dominante en el arte de la música.

El renacimiento temprano (1400–1467)“Manera inglesa” o “Sonido inglés”

• Según los contemporáneos, el nuevo estilo musical nace en Inglaterra por Dunstable y de allí pasa al

Norte del continente donde los compositores franco-flamencos Dufay y Binchois escriben obras

novedosas a la manera inglesa.

• “Manera inglesa” significa una sonoridad más rica en colores que en la música anterior. Esta sonoridad

es resultado de tres novedades técnicas:

1. nuevas consonancias como la tercera y la sexta que frente a las consonancias antiguas, son

variables

2. la utilización de la tríada como producto de las nuevas consonancias que produce una textura

más clara homofónica

3. esto produce a su vez el tratamiento cuidadoso de las disonancias

• La música Inglesa del siglo XV tiene una fuerte conexión con el estilo folclórico. Predomina una

tendencia hacia la tonalidad Mayor antes que a los Modos Gregorianos y a texturas homorrítmicas

(Polifonía vertical) antes que a líneas independientes. Hay que mencionar que la mayor claridad

de la textura va junto con una mayor claridad en la forma: las melodías son más sencillas pero

son elegantes; no están sobrecargadas de adornos y melismas que desdibujan su línea y ritmo.

Se contrastan las partes “tutti” y las partes solistas.

• Son características las composiciones politextuales

• Esta primera etapa es la de la técnica faburden, con la voz principal en el medio. Su

característica principal es un movimiento paralelo de voces formando acordes de 3ra-6ta,

ubicados entre acordes de 5ta-8va en los comienzos y finales. (No es difícil descubrir

en ello la herencia del organum).

• El principal compositor de este período es John Dunstable (ca. 1390-1453). Quedan de

él, registro de unas 70 obras, entre las cuales hay secciones del Ordinario de la Misa,

Motetes a tres voces (12 de ellos isorrítmicos) utilizando la técnica del faburden y

canciones profanas a tres voces.

• En el continente a esta técnica se la denóminó fauxbourdon (bajo falso), con algunas

diferencias compositivas: voz superior más ornamentada y rítmica, y canto llano en la

voz inferior.

• A partir de las décadas que abren el siglo XV, se desenvuelve un proceso que

tuvo como resultado la emergencia de lo que hoy llamamos tríada o acorde

perfecto, conceptos por lo demás desconocidos por Dunstable, Dufay y sus

contemporáneos, quienes habrían analizado sus obras y enseñado a otros cómo

componer en términos de intervalos. La tríada pronto se convirtió en la base

del proceso compositivo y transformó el sonido en general.

• La principal fuente de música escrita del período es el "Old Hall Manuscript",

contiene 147 composiciones que datan del período 1370-1420. Dentro de

ellas hay más de un centenar de realizaciones del Ordinario, en el estilo del

Discanto Inglés, utilizando canto llano en voces interiores. El resto son

motetes, himnos, secuencias. Varias de estas composiciones son

isorrítmicas.

El “Quam Pulchra Es” de Dunstable

• No hay ejemplo mejor del “sonido inglés” que el Quam pulchra es, de John Dunstable

(ca. 1390-1453). ¿Qué hay en esta pieza que hubiera llamado la atención a los oídos

continentales de principios del siglo XV? Sin duda fue (utilizando una terminología

moderna) la cualidad triádica, casi de do mayor, de la pieza, o (en términos más

familiares para un músico del siglo XV) la preponderancia de las consonancias

imperfectas (terceras y sextas) y la disonancia estrictamente controlada. En efecto, no

hay una sola disonancia sin preparación entre dos voces cualesquiera en un pulso

que sea estructuralmente importante, característica que ha llevado a los investigadores

actuales a aplicar el término de “panconsonante” a esta obra y otras parecidas.

Tampoco hay ningún caso de consonancias perfectas paralelas (cuartas, quintas y

octavas), que seguían siendo toleradas por los compositores continentales

contemporáneos.

El Renacimiento pleno (1467-1534)

• El lenguaje, formado por Dufay, transformándose otra vez por la nueva generación del Norte, se forma el

lenguaje expresivo del Renacimiento. elmáximo representante del nuevo estilo es Josquin Desprèz

[Desprès o des Près (1440 – 1521)].

• Josquin a diferencia de Ockeghem, abandona las formas fijas, utiliza textos estróficos, y su

construcción textural, en vez de ser estratificada es uniformemente imitativa. Es el primer compositor

que domina todas las dimensiones de la composición tanto la melódico-lineal como la armónico-

vertical. Algunos teóricos opinan, con razón, que con Josquin comienza la impronta de la música europea.

• Josquin descubre el motivo y lo utiliza para desarrollar de ello las frases musicales. Para ello inventa la

técnica imitativa, fuente del contrapunto, que establece la independencia e igualdad de las voces. Por

primera vez en la historia de la música, las voces se componen simultáneamente. Cada frase de la

obra se desarrolla de un motivo diferente formando una estructura libre. Los diferentes tipos de imitación

sirven para formar texturas contrastantes: textura que se aumenta de solo a tutti por la entrada

sucesiva de las voces.

• Josquin recibe su formación contrapuntística en el Norte. Sin embargo, se traslada a Italia

donde descubre una música de carácter popular y de textura homofónico – acórdica. El

compositor consigue unir el estilo contrapuntístico del Norte y el estilo homofónico,

del Sur.

• Los instrumentos participan cada vez más en la interpretación duplicando o

sustituyendo las voces.

• La obra de Josquin comprende misas, motetes y canciones profanas. La mayor parte de

sus obras se editaron después de su muerte. En una época en que no se interpretaron

más que música actual, la popularidad de las obras de Josquin después de su muerte

es un hecho notable. Su fama fue tan grande que Lutero le llamó "maestro de las notas”.

• Sus obras más destacadas son los motetes, cuya forma libre posibilita la realización de

las ideas más extravagantes del compositor.

• El nuevo estilo, formado sobre todo por Josquin será confirmada cerca 50 años más tarde

por el Concilio de Trento (1545 – 1563) como el estilo oficial (stile antico) de la iglesia.

Fuentes de manuscritos: los Códices de Trento

• Siete volúmenes que actualmente se hallan en la

biblioteca del Museo Nacional en el Castello del

Buonconsiglio de Trento, y que contienen en total

más de 1600 composiciones escritas entre

1420 y 1475 aprox. Las transcripciones de éste y

otros manuscritos de este periodo se han

reimpreso en ediciones modernas.

RENACIMIENTO TARDÍO (1534 - 1600)La Reforma Protestante y La Contrarreforma- El Concilio de Trento

La Reforma Protestante

• El Cristianismo experimenta un nuevo cisma iniciado por Martín Lutero,

que indignado particularmente por la Venta de indulgencias, la noche antes del

31 de octubre de 1517, clavó en la puerta de la Iglesia de Wittenberg, sus 95

tesis académicas.

• Las nuevas ideas que se empiezan a extender por Europa (Calvinismo,

anglicanismo,…) tienen en común la falta de reconocimiento de la autoridad

del Papa.

• Ante esta situación, la Iglesia reaccionará afirmando sus principales dogmas

y tratando de depurar usos y abusos que habían caracterizado su última

época (Concilio de Trento y Contrarreforma).

La Contrarreforma- El Concilio de Trento

• Fue un concilio ecuménico de la Iglesia Católica Romana desarrollado Trento

(ciudad del norte de la Italia), en periodos discontinuos durante 25 sesiones, entre el

año 1545 y el 1563, que abarcaba todas las cuestiones de la iglesia, incluida la música

litúrgica.

• Las decisiones tomadas y expresadas por decretos adquieren el nombre de

contrarreforma.

• El concilio de Trento decretó que las artes y la música deberían de ser más accesibles

a los no educados, a la masa.

• El arte y la música deberían tener como único objetivo servir y aclarar la fe cristiana.

Por eso se fue dejando el manierismo, que se consideraba elitista y deliberadamente

complejo.

Música Religiosa protestante del Renacimiento tardío - Alemania

• Martín Lutero que admira la polifonía religiosa y sobre todo la de Josquin, fue un excelente tañedor de laúd y cantante. El personalmente pondrá en marcha esta nueva forma de entender la Música Religiosa:

• Toma su base en el Gregoriano con influencias de los trovadores alemanes y la polifonía franco flamenca.

• En las misas los himnos alemanes sustituyen la mayoría de los cánticos del Ordinario, siendo sustituido el latín por el alemán para ser cantados por el pueblo . Los textos proceden de la Biblia que el propio Lutero se atreverá a traducir al alemán.

• La música se simplifica con respecto al decorativismo y virtuosismo imperante en el periodo Ars Nova.

• Se cristalizará en una nueva forma compositiva creada por el propio Lutero: El Coral Protestante. Una música sencilla, regular rítmicamente y con una polifonía sencilla que se pone al servicio de la letra.

• La música protestante, a partir de la sencillez del Coral, dará ricos frutos musicales en el Periodo Barroco con figuras como Bach.

Formas musicales luteranas• El Coral Luterano: es un himno congregacional estrófico, cuyos elementos

primarios son el Texto y la melodía. Son melodías simples para cantar al unísono, sin acompañamiento, ni armonización.

• Coral Polifónico: Johann Walter (1496-1570), el principal colaborador musical de Lutero, publica un volumen con 38 Corales Polifónicos y 5 Motetes Latinos. Son corales para coros casi profesionales, no para congregaciones. En la ejecución se alternan el coro y la congregación cantando al unísono. Los instrumentos en algunos casos duplican las partes corales.

• Contrafactura: "Parodias" de canciones profanas en las que se retiene la melodía, pero se modifica el texto. La adaptación de canciones profanas o polifonía profana para ser utilizada en la Iglesia es una práctica común en el siglo XVI.

• Estilo cancional: acórdico, rítmicamente sencillo, con la melodía principal en la voz superior.. Principales compositores: Hans Leo Hassler (1564-1612), Michael Praetorius (1571-1621), Johann Hermann Schein (1586-1630).

• Motete Coral: es un desarrollo de fines del siglo XVII. Los compositores luteranos comienzan a utilizar melodías tradicionales como material compositivo. Los principales compositores son: Hans Leo Hassler, Johannes Eccard (1553-1611), Leonhard Lechner (1553-1606), Michael Praetorius.

La música de la Reforma fuera de Alemania

• De todos los reformistas, el más radical en cuanto al uso de la música en los servicios religiosos fue Jean Calvin (1509-1564). De sus reformas, que excluían cualquier tipo de referencia a música de origen católico, surge el Salterio Francés con melodías compuestas por Loys Bourgeois (1510-1561). Realizaciones de los Salmos hay de los compositores: Claude Goudimel (1505-1572), Claude Le Jeune (1528 o 1530 –1600 ) en Francia y J.P. Sweelinck (1562-1621) en los Países Bajos.

II) La música religiosa Católica del Renacimiento tardío

• La música religiosa y Católica del Renacimiento tardío se

arraiga en los preceptos emergentes del Concilio de Trento

también llamado contrarreforma, con el que la iglesia

respondía a las reformas realizadas por Martín Lutero,

La iglesia católica orientada por la contrarreforma señaló

como modelo para la composición el “stile antico”, el

estilo Josquin Despréz.

Giovanni Pierluigi da Palestrina (Italia), Orlando di Lasso

(Países Bajos), William Byrd (Inglaterra) y Tomás Luis de

Victoria (España) son los compositores de música Sacra

más importantes de este período.

Compositores católicos del Renacimiento tardío• Giovanni Pierluigi da Palestrina (ca. 1525-1594)

Cuando el obispo de Palestrina accedió al trono papal con el nombre de Julio III, le nombró maestro del coro

de la Cappella Giulia del Vaticano. Giovanni Pierluigi da Palestrina fue el máximo representante del estilo

requerido por el Papa.

Palestrina marca la culminación del estilo polifónico. Su música, prácticamente toda ella de carácter sacro y

a cappella, sin acompañamiento instrumental de ningún tipo, se distingue por su belleza pura, su profunda y

serena espiritualidad y su severidad constructiva. No fue un autor innovador como su contemporáneo Lasso, sino

más bien un tradicionalista que, a partir de los procedimientos y las técnicas usados antes que él, llevó a

su culminación más perfecta y ortodoxa un arte que tenía sus raíces en la Edad Media, de tal manera que

su obra representa el paradigma de tal proceder.

Palestrina fue un compositor prolífico en el que cantidad y calidad no están reñidas. Las misas son las obras en

que más se evidencia la maestría del músico. Unas veces construidas sobre un cantus firmus de procedencia

gregoriana, otras basadas en temas procedentes de motetes o madrigales, tanto propios como de otros autores

contemporáneos o, incluso, de canciones populares.

• William Byrd (1543-1623)

Es el último gran compositor, ejecutante y maestro católico del siglo XVI. Escribe 3 Misas (para 3, 4 y 5 voces

respectivamente), oficios anglicanos incluyendo el Gran Servicio , 60 anthems anglicanos, piezas para teclados y

Motetes. Pasó parte de su niñez como cantor de la Chapel Royal, bajo la dirección del gran Thomas Tallis.

Entre sus discípulos más famosos podemos mencionar a Thomas Tomkins y Thomas Morley.

• Orlando di Lasso (1532-1594)

Luego de trabajar en Nápoles y Roma, viaja a Francia e Inglaterra. En 1555 vuelve a los Países Bajos, donde publica sus

primeros trabajos. Un año después, se une a la corte del Duque Albrecht de Baviera, quien intentaba crear un centro musical

en Munich (donde permanecerá por el resto de su vida).. Lasso ganó fama en Europa, y los compositores iban a Munich a

estudiar con él, como los músicos de la Escuela Veneciana Andrea y Giovanni Gabrieli (Ver La Sonata y la Escuela Veneciana).

Entre 1570 y 1580 hizo varias visitas a Italia, donde se puso en contacto con los géneros musicales y las tendencias más

modernas de la Escuela polifónica veneciana.

Fue uno de los más prolíficos, versátiles y universales compositores del Renacimiento tardío, especialmente evidenciado su

talento en sus variados y exquisitos motetes. Escribió más de 2000 composiciones, incluyendo música vocal con

textos en latín, francés, italiano y alemán, en todos los géneros conocidos en su época . Esto incluye motetes,

madrigales, villanellas, chansons francesas, y lieder alemanes. Algunas de sus misas, muestran la influencia de la

Escuela polifónica veneciana, particularmente en el uso del género policoral (por ejemplo en la “Missa osculeter me”, a ocho

voces, basada en sus propios motetes). Tres de estas Misas son para doble coro, y deben haber influenciado a su vez en los

venecianos. Aunque Lasso usó el género sonoro veneciano, su lenguaje armónico permaneció conservador,

adaptando la textura veneciana a sus propios fines.

No se conoce música suya estrictamente instrumental.

Es uno de los compositores del género conocido como música reservata. El significado exacto del término es motivo de

debate, aunque existe consenso entre los musicólogos que implica una disposición de los textos intensamente expresiva,

cromatismo, y lo que podría explicarse como música para conocedores.

Un famoso ejemplo es su serie de 12 motetes titulados Prophetiae Sibyllarum (Profecías de la Sibila), plenos de un amplio

cromatismo que recuerda a Gesualdo.

Tomás Luis de Victoria (1548 – 1611)• Nació en Ávila donde inicia sus estudios musicales de teoría del canto llano,

contrapunto y composición, ejercitándose también en la práctica del teclado. En 1567

emprende viaje a Roma. Ingresó en el Collegium Germanicum, fundado por los jesuitas,

donde pudo recibir lecciones de Giovanni Pierluigi da Palestrina, de quien tuvo

influencias muy notables en sus primeras composiciones, En 1573 sucedió a

Palestrina en el cargo de maestro de capilla del Collegium Romanum.

En su música, enteramente religiosa, usa un lenguaje dramático que se arraiga en el

tratamiento expresivo del texto. Frente a la fluidez meditativa de la música de su

maestro Palestrina, Victoria siempre está dispuesto a interrumpir el contrapunto

fluido para destacar una palabra o frase, sus melodías abundan de saltos, la

línea melódica no osa de equilibrio, sino de expresión. Tal dramatismo

también se manifiesta por el contraste de diferentes texturas: Victoria

utiliza una gran variedad de tipos de imitación consiguiendo de esta manera un

cambio constante de la densidad de la textura. También son frecuentes las

frases homofónicas intercaladas entre las contrapuntísticas.

La obra de Victoria es poca en comparación con la de sus coetáneos: 20 misas, 45

motetes y otras composiciones de función litúrgica: himnos para todo el año litúrgico,

Magnificats, Salmos. Una de sus mejores obras es el Oficio de Semana Santa.

Manierismo

• A finales del siglo XVI, acabando el

Renacimiento, se desarrolló un estilo

manierista radical. En música profana,

especialmente en el madrigal, había una

tendencia hacia la complejidad y hasta el

cromatismo extremo (como se observa en

las madrigales de Luzzaschi, Marenzio, y

Gesualdo). El término "manierismo" se

deriva de la historia del arte.

La escuela Borgoñona - los compositores franco-flamencos

• El ducado de Borgoña (Flandes), es un feudo que florece como centro cultural en el siglo XV y desaparece en el año 1477, cuando el condado de Flandes pasa a la dinastía de los Habsburgo. Comprende lo que actualmente es Holanda, Bélgica, Luxemburgo y nordeste de Francia. Es el centro de la escena musical del siglo XV. Su capital fue Dijon. El arte franco-flamenco de esta época se considera un nuevo Ars Nova a partir de 1430.

• El predominio de los músicos del norte, que se había iniciado a comienzos del siglo XV queda claramente ilustrado por las carreras de sus principales compositores y ejecutantes entre 1450 y 1550. La mayoría de esos hombres pasaron gran parte de sus vidas al servicio del rey de Francia, del papa o del Emperador del Sacro Imperio Romano (servicio éste que podía llevarlos a España, Alemania, Bohemia o Austria). En Italia, las cortes o ciudades de Nápoles, Florencia, Ferrara, Módena, Mantua, Milán y Venecia eran los centros principales de los compositores franceses, flamencos y neerlandeses.

Géneros musicales borgoñones• Los tipos principales de composición de la escuela de Borgoña fueron Misa, Magnificat, Motete y Chanson

(canción popular con texto en francés).

• Misas: El siglo XV, es el comienzo de la tendencia hacia las Misas Cíclicas con el din de de lograr cohesión en la obra completa, en las que los 5 movimientos del Ordinario (Kyrie- Gloria- Credo- Sanctus y Agnus Dei) están unificados basando cada uno de ellos en el mismo material preexistente utilizando el mismo tenor en todos los movimientos (Misa de Tenor o Misa de Cantus Firmus). El tenor puede no ser litúrgico y a l igual que en los motetes, el tenor (canto-llano) pasa a ser la voz inmediata a la inferior.

A mediados del siglo XV la distribución usual es a cuatro voces y con los siguientes componentes: bajo (contratenor bassus), tenor, contralto (contratenor altus) y soprano (discantus o sopranus = superior).

Las primeras misas cíclicas las escriben los compositores ingleses. A partir de 1450, se extiende el género entre los compositores continentales.

• El magníficat es un género de música polifónica vocal religiosa, similar a la cantata, pero de menor extensión, basado en un pasaje bíblico de Evangelio de Lucas que comienza «Magnificat anima mea Dominum» (engrandece mi alma señor) y que no pertenece al año litúrgico. El magníficat era interpretado antes de las misas en festividades religiosas extraordinarias.

• Motetes: al igual que las misas se escriben a la manera de la chanson con una parte melódica en la voz superior melódicamente libre, acoplada a un tenor y a un contratenor completando las tres partes. La voz superior (treble) es nueva o un canto llano ornamentado. En los motetes borgoñones el canto llano debía ser reconocido. Y algunos todavía hacen uso de la isorritmia. En el motete medieval, el canto llano estaba en el Tenor, la voz más grave. En el siglo XV, la voz inferior queda libre para funcionar como fundamento armónico, sobre todo en las cadencias. Por lo tanto el tenor pasa a ser la voz inmediata a la inferior y tiene el canto-llano.

• La chanson es cualquier realización polifónica de un texto francés. La temática principal es el amor y sobre todo el amor frustrado. Su estructura principal es el rondeaux.

• La Chanson y las formas fijas (Les formes fixes)

Los motetes de los años 60 del siglo XV eran composiciones muy diferentes de las de los años 20. La canción profana francesa, en comparación, daba la impresión de permanecer invariable.. Esto fue el resultado de la tenacidad con la que las llamadas formes fixes (Formas fijas trovadorescas) -rondeau, virelai y Ballade- mantuvieron su interés en la imaginación de poetas y compositores. En efecto, durante los dos siglos que van desde 1300 a 1500, estas tres formes fixes definieron la forma de la canción profana francesa.

Características compositivas de la Escuela Franco-Flamenca

• Melodía: es más redondeada, fraseada, respetando la respiración, claramente articulada, con frecuentes terceras mayores y formación de tríadas.

• Ritmo: predominio del metro triple (equivalente a un 3/4) y de proporciones sencillas por influencia de la danza.

• Armonía: la resultante del fauxbourdon.•• Densidad polifónica: en los comienzos 3 voces. Desde mediados

del siglo XV la norma son 4 voces.

• Estructura de la composición: formación de períodos simples. Imitación y variación como recursos de repetición o reiteración. Alternancia de partes similares o no, incluyendo contrastes en la densidad textural como forma de articulación (alternancia de partes escritas para 1, 2, 3 o 4 voces).