EsculturaSe llama escultura (del latín sculptūra) al arte de modelar el barro, tallaren piedra, madera u otros materiales. También se denomina escultura a laobra elaborada por un escultor.1

Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creandovolúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas lasartes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado. Dentro de laescultura, el uso de diferentes combinaciones de materiales y medios haoriginado un nuevo repertorio artístico, que comprende procesos como elconstructivismo y el assemblage. En un sentido genérico, se entiende porescultura la obra artística plástica realizada por el escultor.

Giorgio Vasari (1511-1574), empieza Le vite de' più eccellenti pittori,scultori e architettori con un prólogo técnico que habla de arquitectura,escultura y pintura, unas disciplinas agrupadas bajo la denominación de«artes del diseño». La obra es un tratado informativo y valioso sobre lastécnicas artísticas empleadas en la época. En referencia a la esculturacomienza así:

... el escultor saca todo lo superfluo y reduce el material a laforma que existe dentro de la mente del artista.

Desde tiempos remotos el hombre ha tenido la necesidad de esculpir. Al principio lo hizo con los materiales más simples y quetenía más a mano: piedra, arcilla y madera. Después empleó hierro, bronce, oro, plomo, cera, yeso, plastilina, resina de poliéster yplásticos con refuerzo de fibra de vidrio, hormigón, la cinética y la reflexión de la luz, entre otros. La escultura tuvo en suprincipio una única función, su uso inmediato; posteriormente se añadió una función ritual, mágica, funeraria y religiosa. Estafuncionalidad fue cambiando con la evolución histórica, adquiriendo una principalmente estética o simplemente ornamental yllegó a ser un elemento duradero o efímero.2

Historia de la esculturaEscultura de Europa

PrehistoriaAntigüedadEdad MediaEdad ModernaEdad Contemporánea

Escultura de ÁfricaEscultura de AméricaEscultura de Asia

MesopotamiaÍndia

La Victoria de Samotracia, pertenece a laescultura de la Antigua Grecia.

Índice

ChinaJapón

Escultura de Oceanía

Función de la escultura

Tipos de escultura

Canon de proporciones

MaterialesArcillaPiedraEstucoMetalMaderaMarfilHormigón

Técnicas

Esculturas de la antigüedad famosas y desaparecidas

Véase también

Referencias

Bibliografía

Enlaces externos

Las primeras manifestaciones escultóricas se remontan al Paleolíticoinferior, cuando el hombre cortaba el sílex percutiendo contra otra piedra.Posteriormente utilizó el grabado, el relieve en piedra y en huesos deanimales. Hace unos 27 000 y 32 000 años aparecen representadas unasexuberantes figuras humanas femeninas de piedra, en una exaltaciónartística de la fertilidad;3 son las «venus paleolíticas», como la Venus deWillendorf y la Venus de Lespugue.3 Durante el período Magdaleniense seutilizaron bastones y propulsores con motivos ornamentales. En el Paleolítico superior, los ejemplos más abundantes son tallas uobjetos grabados que evolucionaron desde una fase más primitiva, con decoraciones más esquemáticas, hasta llegar a larepresentación de figuras animalísticas que se adaptaban a la estructura del hueso.2 La arcilla también fue un material habitual.Las primeras piezas escultóricas que se conocen proceden de Egipto, China, India y el Cercano Oriente, lugares donde hacia el4000 a. C. ya existían hornos para fabricar objetos de alfarería.4

Uno de los avances más importantes en la historia de la escultura fue el poder trabajar el metal—primero el bronce y luego elhierro—, que sirvió para fabricar herramientas más eficientes y, además, obtener un nuevo material para realizar obrasescultóricas. El proceso de construcción de la obra primero en arcilla y luego vaciarla en bronce ya se conocía en las antiguascivilizaciones griegas y por los romanos, y es el sistema que actualmente, en el siglo XXI, todavía se utiliza.5 A partir del siglo Va. C., en el último periodo del Edad del Hierro, los celtas desarrollaron la cultura de La Tène, propagándose por toda Europa;representó una evolución del arte de la cultura de Hallstatt. En la decoración de todos sus objetos, espadas, escudos, broches y

Escultura contemporánea en aceroelaborada por Ibo Bonilla. Basada en elconcepto "Flor de la Vida" y "GeometríaSagrada", con 18m de alto es la más altade Costa Rica.

Esculturas de sal en Salinas Grandes,provincia de Salta (Argentina)

Historia de la escultura

Escultura de Europa

Prehistoria

diademas, se pueden observar motivos de animales, plantas y figuras humanas. A partir del siglo III a. C. se acuñaron lasprimeras monedas siguiendo los modelos helénicos, así como obras figurativas como el Dios de Bouray, realizado en chapa decobre repujada.6

Venus de Willendorf tallada en piedra

caliza.

Bisonte. Talla de asta de reno en el

extremo de un propulsor de dardos.

Bastón perforado, donde se ha

grabado un ciervo (Magdaleniense

Superior, Cueva del Castillo de Puente

Viesgo).

Pequeña escultura en bronce

representando un ciervo de la cultura

de Hallstatt datado entre el siglo VII y

VI a. C.

Del arte púnico y grecopúnico se conservan muchas estatuas, en general femeninas, y bustos de barro cocido, junto con unadiversidad de amuletos de marfil y de metal que se descubrieron en las necrópolis de Ibiza y Formentera. Se calcula que las másantiguas son obras del siglo VIII a. C. y su fabricación tuvo continuidad hasta muy avanzada la dominación romana. En cuanto ala escultura ibera las obras encontradas son de piedra y bronce y provienen de tres grandes áreas del sur, centro y el levante de laPenínsula Ibérica, destacando el excelente busto de piedra de la Dama de Elche, de inspiración griega.7

La estatuaria arcaica fue principalmente religiosa. Los templos se decoraban con imágenes de los dioses, de sus hazañas ybatallas, y las figuras eran poco realistas. Las korai y los kouroi no son retratos de personas concretas, a los rostros se les poníauna sonrisa ficticia, un gesto facial conocido en el mundo del arte como «sonrisa arcaica». De este periodo cabe citar la Cabezade Dipilón, fragmento de una estatua colosal de mármol del siglo VI a. C. y el Jinete Rampin (c. 560 a. C.) obra posterior que

Antigüedad

presenta un tratamiento más cercano al naturalismo.8 La escultura griega alcanzó un elevado grado de perfección, calidad quevenía impulsada por la búsqueda de una mejor expresión de la belleza de la figura humana; llegaron a establecer un canon conunas proporciones consideradas «perfectas». Desgraciadamente, el Auriga de Delfos, la pareja de los Bronces de Riace junto conla del Dios del cabo Artemisio forman parte de las pocas esculturas griegas en bronce que se conservan completas.9 Uno de losartistas más significativo del período clásico fue Praxíteles, autor del magnífico Hermes con Dioniso niño . Durante el períodohelénico se observa que en la creación de esculturas, hay una clara intención de intensificar el movimiento y acentuar lasemociones como se puede observar en el conjunto escultórico de Laocoonte y sus hijos.10

La escultura etrusca (siglo IX a. C.—siglo I a. C.) derivaba del arte griego, pero también realizaron obras con unas característicaspropias.11 La estatuaria vinculada a los contextos fúnebres es, la producción etrusca más abundante y el material de elección, porregla general, era la terracota, como el célebre Sarcófago de los esposos.12 Posteriormente, la escultura romana recibió lainfluencia de la etrusca y de la griega, y los artistas romanos llegaron a realizar numerosas copias de obras griegas. Cabe destacarlas esculturas conmemorativas, como las de la Columna de Trajano (114), donde se narran varias batallas en una espiral continuaque ocupa toda la superficie de la columna, o la Estatua ecuestre de Marco Aurelio.13 Pero uno de los tipos de escultura que másdesarrollaron fueron los retratos, obras realistas con un marcado carácter psicológico que se realizaron en todo el ImperioRomano.14

Dama de Elche (Museo Arqueológico

Nacional de España).

Laocoonte y sus hijos del período

helenístico (Pius-Clementino de los

Museos Vaticanos).

Las obras escultóricas más destacadas del Imperio Bizantino son los trabajos ornamentales de los capiteles; hay buenos ejemplosen San Vital de Rávena. Eran habituales los relieves en marfil aplicados en cofres, dípticos o la célebre Cátedra del obispoMaximiliano, una obra tallada hacia el año 550.15 Es característico del arte otoniano las pequeñas esculturas en marfil y bronce alas que se añadían incrustaciones de piedras preciosas. También de bronce son las puertas de la iglesia de San Miguel deHildesheim, una obra emparentada con el arte bizantino y el arte carolingio. Cabe destacar las imágenes de madera recubiertas deoro que se utilizaban como relicario. Entre estas, destaca el Crucifijo de Gero (siglo X), en madera policromada, que se encuentraen la catedral de Colonia.16

La escultura románica (siglo XI—siglo XIII) estaba al servicio de la arquitectura y se encuentran muchos ejemplos en torno a lasgrandes rutas de peregrinaje, como la del Camino de Santiago.17 Los escultores trataron diversas partes de las iglesias —tímpanos, portadas y capiteles con historias sobre temas bíblicos—, con un gran realismo. El Maiestas Domini y el Juicio Finalfueron los temas iconográficos más representados.18 El material más empleado fue la madera, que era usada para la elaboración

Edad Media

de imágenes de devoción como las «Vírgenes con Niño», muy representadas por toda Cataluña y por el sur de Francia. Pero, laimagen más importante del románico, fue el Cristo en Majestad, destacan el Volto Santo de Lucca, en la Catedral de Milán, ytambién el Cristo de Mijaran y la Majestad de Batlló en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.19

La puerta de la Catedral de Chartres (1145) es uno de los primeros ejemplos de escultura gótica, y en ella, entre otros personajes,están representados animales fabulosos que dan forma a las gárgolas. En Alemania, tanto en el exterior como el interior de laCatedral de Bamberg (siglo XIII) se encuentran unas esculturas muy significativas, un buen ejemplo es la Estatua ecuestre delCaballero de Bamberg. Una innovación son las esculturas sobre temas dramáticos, con escenas de la Pasión de Cristo y laPiedad. Al final del período gótico, en Alemania se realizaron unos magníficos retablos, ejecutados por artistas como TilmanRiemenschneider y Veit Stoss. En el reino de Castilla trabajaron los escultores Gil de Siloé y Alejo de Vahía.20 En cuanto al reinode Aragón, Aloi de Montbrai realizó el Retablo de los Sastres de la Catedral de Tarragona y Pere Moragues esculpió el sepulcrode Fernández de Luna, pieza que se encuentra en la Catedral de San Salvador de Zaragoza. También cabe destacar el relieve deSan Jorge del Palacio de la Generalidad de Cataluña ejecutado por Pere Joan.20 Claus Sluter, artista flamenco, realizó la portadade la cartuja de Champmol (Dijon) y un pedestal del pozo del claustro conocido como el Pozo de Moisés. En Italia, en Pisa ySiena, los escultores Nicola Pisano y su hijo Giovanni Pisano dejaron obras de gran calidad, donde ya anuncian el paso hacia unanuevo tipo de escultura.21 20

Díptico de marfil bizantino c. 506 a. C.

en el Museo del Louvre.

Imagen de la Majestad de Batlló.

Detalle de la puerta real de la Catedral

de Chartres.

Retablo de los Sastres de Aloi de

Montbrai (1368) (Catedral de

Tarragona).

Los historiadores de arte consideran que la escultura renacentista se inició con el concurso para realizar las puertas del baptisterio(1401) de la ciudad de Florencia, al que se presentaron Filippo Brunelleschi y Lorenzo Ghiberti.22 La nueva forma artística delrenacimiento se inspiraba en la escultura de la antigüedad clásica, buscando una total exaltación de la belleza. La matemática seconvirtió en su principal ayuda, con la aplicación en todas las artes de determinados principios y leyes como, por ejemplo, laperspectiva. Surgieron grandes mecenas, como los Médici de Florencia, los papas de Roma, además de cardenales, príncipes ytambién los gremios.23 En esta época la escultura prácticamente quedó desligada de la arquitectura y los personajes representadosmostraban expresiones llenas de dramatismo, se puede observar en esculturas de Miguel Ángel como, por ejemplo, el David.Durante las diferentes etapas del quattrocento y del cinquecento en Italia se realizaron las mejores obras del renacimiento graciasa la actividad de grandes escultores como Donatello, Jacopo della Quercia, Luca della Robbia, Andrea del Verrocchio y MiguelÁngel, el gran artista representativo.24 En el resto de Europa fue incorporándose el nuevo estilo un poco más tarde y porinfluencia directa de Italia y sus escultores. Muchos de ellos viajaron a otros países: Andrea Sansovino lo hizo a Portugal y PietroTorrigiano a Inglaterra, este artista fue más tarde a España, donde también trabajaron Domenico Fancelli y Jacopo Florentinojunto con los escultores de origen francés, Felipe Bigarny y Juan de Juni. Cabe destacar los trabajos de Bartolomé Ordóñez enBarcelona, en el trascoro de la catedral de la ciudad, y de Alonso Berruguete en Castilla. En los Países Bajos, Conrad Meit fue unespecialista de retratos y Jacques du Broeuq realizó numerosas obras y fue el maestro de Giambologna que desarrollaría su obraen Italia. En Francia se realizaron esculturas con gran influencia italiana, así, a Pierre Puget era considerado como el «Berninifrancés».25 Uno de los temas más habituales fueron los monumentos sepulcrales, donde la figura del yacente era tratada con ungran realismo; por ejemplo, el Memorial de René Chalon de Ligier Richier.26

Giambologna es el que presenta en su escultura, como El rapto de las sabinas , el estilo del manierismo. A finales delcinquecento, los escultores trataron las figuras alargando sus proporciones y mostrando unos posados artificiales y opuestos —mujer y hombre, vejez y juventud, belleza y fealdad—, y con la sinuosidad de unas formas en (serpentinata), una especie demovimiento de rotación de las figuras y los grupos escultóricos.27 El Concilio de Trento (1545 - 1563) marcó una nuevaorientación en las imágenes religiosas; Gian Lorenzo Bernini —autor de David, Apolo y Dafne y Éxtasis de Santa Teresa—, fueel escultor que más influyó en el escultura barroca, donde se buscabann efectos emotivos y dramáticos.28 En Francia destaca laobra de Simon Guillain y de Jacques Sarazin haciendo retratos de la nobleza, la tumba del cardenal Richelieu realizada porFrançois Girardon y las esculturas del jardín del Palacio de Versalles de Pierre Puget.29 En este periodo, la producción deescultura religiosa en España es sorprendente, con esculturas para interiores de iglesia, fachadas, devociones particulares, y paralas procesiones de Semana Santa; surgieron dos grandes escuelas: la castellana y la andaluza. Entre los escultores se puedendestacar a Gregorio Fernández, Juan Martínez Montañés, Francisco Salzillo, Pedro de Mena y Alonso Cano.30

A mediados del siglo XVIII, las orientaciones de Winckelmann «de alimentar el buen gusto en las fuentes directas y tomarejemplo de las obras de los griegos», hizo que muchos artistas se dedicaran a copiar en lugar de imitar; llegaba el neoclasicismo.La obra de Jean-Antoine Houdon, originalmente barroca, adoptó un carácter sereno y un verismo sin detalles anecdóticos, en unproceso para conseguir la belleza ideal de la antigüedad clásica; retrató muchos personajes del momento, como Napoleón, Jean dela Fontaine, Voltaire, George Washington. Pero el escultor más conocido e innovador fue el italiano Antonio Canova, un autormuy versátil, a caballo entre el barroco, el rococó y el neoclasicismo. Por su parte, la producción de Bertel Thorvaldsen siguió lalínea más ortodoxa del neoclasicismo, con una expresión más fría y estática.31 En Cataluña, se destacó Damià Campeny, queviajó a Italia i recibió la influencia de Canova, igual que el andaluz José Álvarez Cubero.32

Edad Moderna

Relieve de Esaú y Jacob en la Puertadel Paraiso por Lorenzo Ghiberti.

Detalle del rostro del David de Miguel

Ángel.

Apolo y Dafne por Bernini.

Psique reanimada por el beso del amorpor Antonio Canova.

A partir del siglo XIX los medios de comunicación tuvieron un papel cada vez más importante en la difusión del arte en todo elmundo. Los estilos se desarrollaban cada vez con más rapidez, ya fuera conviviendo, yuxtaponiéndose o enfrentándose entreellos. La palabra vanguardia artística se comenzó a emplear a finales del siglo XIX, y así se identificaba a los artistas quepromovían actividades que se consideraba que revolucionaban el arte, con la intención de transformarlo. Se caracterizaban por lalibertad de expresión y las primeras tendencias vanguardistas fueron el cubismo y el futurismo. La escultura podía dejar de imitarla realidad y valorar el vacío, los juegos de luz o el volumen en negativo, o podía añadir movimiento con acciones mecánicas ocon agentes atmosféricos. Cabe destacar también el uso de nuevos materiales como el acero, el hierro, el hormigón y losplásticos.33

Durante el romanticismo el artista aspiraba a la representación del entorno completo del hombre en «la obra de arte total» quehabía imaginado el pintor alemán Philipp Otto Runge. Sofia figueroa había declarado que «de todas las artes, la que menos sepresta a la expresión romántica es, sin dudar, la escultura ...». Es en Francia donde surgieron algunas obras románticas, como Lamarcha de los voluntarios de 1792 (oLa Marsellesa) de Sebastian Niño, ubicada en el Arco de Triunfo de París, y el artistaAntoine Louis Barye con obras sobre animales.34 Del impresionismo cabe destacar las esculturas de bailarinas de Degas, en elque refleja el instante gestual, o las obras de Auguste Renoir que reprodujo en relieves sus propias pinturas. Pero quien realmentefue un innovador fue Auguste Rodin el cual, como los impresionistas, despreciaba la apariencia externa del acabado.35 36 El

Edad Contemporánea

modernismo surgió entre el siglo XIX y el siglo XX. El estilo adoptó diferentes nombres según los países: Art nouveau enFrancia, Modern Style en Inglaterra, Sezession en Austria y Jugendstil en Alemania. En Cataluña, el (modernismo catalán) tuvoun gran auge, aunque fue en la arquitectura donde más sobresalió, constituyó un movimiento que englobó todas las artes y serealizaron esculturas tanto en monumentos públicos y funerarios como aplicadas a la arquitectura, destacando, entre otros losartistas: Agapito, Venancio Vallmitjana, Mariano Benlliure, Miguel Blay, José Limón, Eusebio Arnau y Josep Clarà.37 El italianoMedardo Rosso logró extraordinarios efectos originales con sus figuras en yeso recubiertas de cera. Aristide Maillol, incluido enlos escultores del simbolismo, realizó unas obras de desnudo femenino inscritas dentro de unos volúmenes geométricos con unagran vitalidad, este tipo de escultura se denomina mediterránea. En esta misma línea mediterránea entra también Manolo Huguéaunque con unos inicios más o menos cubistas.38

Picasso exploró la escultura cubista, descomponiendo el volumen en planos geométricos, en algunas obras empleó elementoscomo cuerda, alambre o madera sin cortar. Aleksandr Ródchenko —escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso—,Jacques Lipchitz y Constantin Brancusi, innovaron buscando el vacío, consiguieron la simplificación para llegar a formasperfectas a través de los materiales empleados.39 Umberto Boccioni, supo trasladar a la escultura temas del futurismo, como eldinamismo y la introducción de toda clase de materiales; sometido al arte figurativo, Formas únicas de continuidad en el espacio(1913) fue una de las obras clave de este movimiento.40 Marcel Duchamp, uno de los primeros escultores del dadaísmo, hacia el1913 realizó esculturas a partir de objetos vulgares, lo que se llamó el arte encontrado o ready-made, la primera obra fue unarueda de bicicleta sobre un taburete.41 El constructivismo fue un movimiento aparecido en Rusia después de la Revolución deOctubre de 1917; artistas como Vladimir Tatlin, los hermanos Naum Gabo y Antoine Pevsner influyeron considerablemente en elarte contemporáneo.42 El neoplasticismo (De Stijl), en la misma época (1917), buscaba la renovación estética y la configuraciónde un nuevo orden armónico de valor universal, con una estructuración a base de la armonía de líneas y masas rectangulares dediversas proporciones, destacando la obra de Georges Vantongerloo.43 Algunos pintores surrealistas, realizaron esculturasrelacionadas con sus ideas pictóricas; cabe citar a Max Ernst (Espárragos lunares, 1935) y Joan Miró, quien empleó cuerda ytrozos de metal combinados.44

Entre las dos guerras mundiales se produjo en Italia un movimiento escultórico fiel a la tradición de la figuración italiana,liderado por Arturo Martini. En este periodo también destacan Julio González y Pablo Gargallo, con unas primeras obras decarácter modernista pero a partir de 1927 realizaron ensayos con trabajos en hierro; Julio González innovó con la soldaduraautógena, un estilo experimental más en el abstracto.45 En esta época Henry Moore contribuyó a desarrollar el arte de vanguardia,a pesar de que su obra no pertenece a ningún movimiento determinado; creó imágenes figurativas y estudió el volumen en elespacio.46 Como Moore, el suizo Alberto Giacometti estuvo relacionado con el surrealismo, pero a partir de 1947, se decantó porla corriente figurativa con unas estructuras en donde dominan las figuras muy alargadas. Se pueden citar otros escultoresabstractos, como Barbara Hepworth, Alexander Calder, Alberto Sánchez Pérez, Pablo Serrano Aguilar, Jorge Oteiza y EduardoChillida.47 A partir de la década de 1970, aparecen nuevos movimientos artísticos, como el minimalista, el arte conceptual, eldenominado land art, el arte povera, el hiperrealismo, el performance o la postmodernidad, con artistas como David Smith, RoyLichtenstein, Donald Judd, Carl Andre, Dan Flavin, Sol LeWitt, Richard Serra, Dennis Oppenheim, Christo y Jeanne-Claude,Antonio López García y Yayoi Kusama entre otros.48

La Marsellesa, de François Rude

Danae, de Auguste Rodin

Sepultura (1920) en la catedral de

Barcelona, de Josep Llimona

Fuente, de Marcel Duchamp

Reclining figure, de Henry Moore

"Nemesis con dos cabezas", de Genco

Gulan.

Titan de Michele Oka Doner

Las nereidas de Lola Mora

Mi hijo de Chana Orloff

En el Antiguo Egipto utilizaron materiales más duraderos, como la piedra. Llegaron a realizar esculturas altamenteperfeccionadas, que permanecieron inalterables durante muchos siglos.49 En ellas, representaban divinidades, faraones y otrospersonajes importantes, aunque también realizaron, pequeñas piezas de figuras en las que quedaban reflejados los trabajosdomésticos. Muchas de estas obras se han encontrado en las cámaras sepulcrales. La escultura africana ha sido esencialmente decarácter religioso, del tipo animismo y por tanto su veneración ha sido en la creencia de espíritus de la naturaleza y veneración asus muertos, la muerte no supone su fin sino que vive en el reino de los espíritus. Esta creencia en la presencia de los espíritushace que se realicen rituales, donde las obras de arte hacen de médium. Estas obras en general son máscaras, esculturas exentasantropomórficas u otros objetos de culto. Los objetos de madera se realizaban a partir de un tronco o rama de árbol con la técnicade la talla directa, es decir, de una pieza cilíndrica que con herramientas primitivas iban rebajando y tallando. También hanutilizado la arcilla en Nigeria la cultura Nok, cerca de 500 a. C., la piedra o el marfil. En casi todo el continente se hacenmáscaras, los «baga» que ocupan la parte de Guinea usan una máscara con cabeza de cocodrilo y largos cuernos rayados. Haymáscaras recubiertas de una costra formada por sangre seca, tierra y zumo de semillas trituradas, máscaras con una gran nariz quese alarga hasta formar un pico; hay con adornos de conchas y cristales. En Ife y Benín, los yoruba trabajaron la terracota y elbronce para sus reyes desde el siglo XIII, en placas con relieves o en cabezas de tamaño natural. En Costa de Marfil los bauléademás de esculturas exentas y máscaras, tallaban los dinteles de las puertas de sus casas con motivos geométricos.50

Escultura de África

Máscara de madera con adornos de

conchas y cristal.

Máscara de Costa de Marfil.

Máscara con cabeza de cocodrilo.

Cabeza de rey realizada por los

yoruba.

El escriba sentado piedrapolicromada, de la dinastía V, deSaqqara (Museo del Louvre)

Escultura de América

La escultura exenta y los relieves constituyeron una importante manifestación artística de los pueblos americanos. Sobresalieronentre otras civilizaciones la de los olmecas, mayas y toltecas en México y los incas en Perú. Existen dentro de su diversidad unosrasgos comunes en la escultura de estos pueblos, su asociación a la arquitectura en el que las esculturas y los relieves adornanparedes y pilastras, y en su carácter religioso con escenas de dioses, demonios, ritos sagrados o guerreros. En la escultura olmecaresalta el intento de reproducir el rostro humano con gran realismo, en las enormes cabezas de La Venta se aprecian rasgosparticulares como la nariz amplia, los ojos oblicuos y la boca con grandes labios. Estas cabezas están todas realizadas en bloquesmonolíticos y alcanzan más de tres metros de altura. En Tollan-Xicocotitlan se encuentran los gigantescos guerreros de unoscinco metros de altura sobre una base rectangular, con vestiduras de guerra y cascos sobre las cabezas. Los mayas realizaronfiguras en jade y mayoritariamente la escultura se encontraba adosada en los templos de Palenque, Tikal y Chichén Itzá, de dondeprocede una de las más famosas esculturas el Chac Mool. Este tipo de escultura se ha encontrado en varios templos de influenciatolteca.51 La primera civilización del Perú, según los datos arqueológicos revisados por radiocarbono, se remonta hacia 1250 a.C. y es la llamada Chavin de Huántar, donde se ha encontrado lo que tuvo que ser el más grande templo de esta civilización. Elexterior del edificio está adornado con esculturas, la mayoría en bajorrelieve, habiéndose encontrado también estelas congrabados de serpientes y cocodrilos. Otra cultura nació en el período entre los años 900 y 1430, el pueblo inca en el sur de Perú,el cual hacia el 1200, fue adquiriendo gran poder hasta la llegada de los españoles en 1532. Hay poca escultura monumental, perofueron grandes trabajadores con dominio de la metalurgia principalmente en oro, donde incrustaban piedras preciosas.52

Cabeza colosal de la civilización

olmeca.

Guerreros toltecas representados por

las famosas estatuas de los atlantes

de Tollan-Xicocotitlan.

Una de las esculturas de Chac-mool

que se han encontrado en Chichén Itzá

Única cabeza de Chavín de Huántar

que sigue en su lugar original.

Esculturas de sal en Salinas Grandes,

provincia de Salta (Argentina)

En Mesopotamia, debido a la escasez de canteras, la escultura se realizófundamentalmente con arcilla, en las excavaciones de Ur (4000 a. C.) hanencontrado numerosas pequeñas estatuas de este material. Los sumeriosdesarrollaron y difundieron a otras civilizaciones el uso del ladrillo, en el que seesculpía un relieve y luego se esmaltaba. Algunos ejemplos bien representativosson los que adornan los palacios, también las superficies sepulcrales persas delpalacio de Persépolis y el Friso de los arqueros, una obra en ladrillo esmaltadoque se encuentra en el Palacio Real de Susa (404 - 359 a. C.).53

La historia de la escultura india se inició hacia el 2500 a. C. en una zona a lolargo de 1500 kilómetros sobre las cuencas de los ríos Ravi y Sutlej, dondeestaba establecida la cultura del valle del Indo. Sus principales poblacionesfueron Harappa y Mohenjo-Daro, donde en excavaciones arqueológicas del sigloXIX, se encontraron gran variedad de esculturas de terracota representandofiguras humanas con símbolos relacionados con la fertilidad, así como unapequeña Bailarina en bronce y un Busto de un rey-sacerdote en esteatita.54 Hacia el 1500 a. C. la cultura del Indo se extinguió y durante un largo tiempo seentró en un período sin manifestaciones artísticas conocidas, hasta el siglo III a.C., cuando se formó el imperio Maurya y durante el cual se colocaron unasgrandes columnas, algunas todavíain situ, de manera escultórica remataban en un capitel que sostenía una escultura de temaanimal, la más famosa es el Capitel los leones en Sarnath. De esta misma época hay esculturas con representaciones dedivinidades masculinas y femeninas, entre las que destaca la Iaksí del museo de Patna, que presenta una gran exuberancia de lospechos, amplias caderas y estrecha cintura, unos rasgos que se repiten en la demostración del ideal de la belleza femenina en lacultura india.55

Escultura de Asia

Mesopotamia

Esfinge de Darío I el Grande, en elPalacio Real de Susa, realizada enladrillo policromado.

Índia

Śivá Nataraja, Tamil Nadu, dinastía

Chola

Estatuilla de iaksí al Museo de Patna

Descenso del Ganges en

Mahabalipuram

Relieve erótico del Kama-sutra en

Khajuraho

Durante el Imperio kushan hubo un gran desarrollo cultural y se sumaron las tradiciones del budismo y el hinduismo en la regiónde Gandhara, cuyo arte se denomina «grecobúdico» por la influencia de la Grecia clásica en las imágenes de Buda realizadas eneste periodo.56

En el Imperio gupta se convirtió en un «arte clásico» donde se consiguieron líneas puras y formas de armonioso equilibrio, serepresentaron las divinidades Brahmá, Visnú y Shivá. En la escultura del sur de la India, se encuentran en Mahabalipuram, unostemplos excavados en la roca decorados con relieves magníficos, entre ellos el Descenso del Ganges de la época de la dinastía delos Pallava. Desde el siglo VIII el erotismo es tema principal de las escenas de muchos templos, donde se representa ilustracionesdel Kama Sutra. A pesar de la conquista musulmana, en la parte sur del país continuó la tradición de su escultura que se fuetransformando poco a poco en una fase clara de barroquismo vigente hasta el siglo XVIII.57

China

Detalle de algunos guerreros de

terracota de la dinastía Qin.

Buda en las Grutas de Yungang en

Datong.

Escultura de la dinastía Tang de

Bodhisattva.

Antiguo león guardián de piedra en el

museo de Shanghái.

Durante la dinastía Tang (618-907) los chinos fabricaron gran cantidad de terracotas realizadas a presión por medio de moldes. Ytambién en China se encontraron los siete mil guerreros en tamaño natural de la dinastía Qin, que aunque las caras son todasdiferentes, y por tanto modeladas a mano, para los cuerpos parece que se utilizó un molde; datan aproximadamente del año 200 a.C..58 Cuando el budismo se introdujo en China, hubo la necesidad de hacer unas representaciones escultóricas. La más antiguaque se conoce es una de bronce dorado fechada en el año 338 y se cree que fue una réplica de una de Gandhara. Se fueronconstruyendo santuarios con estatuas colosales de Buda en las Grutas de Yungang en la ciudad de Datong. En la última etapa dela dinastía Tang las obras de figuritas de cerámica con variados temas, hacen tener una nueva visión en la escultura diferente ydistante de la budista. A partir de aquí, la escultura entra en una clara decadencia, aunque en la dinastía Ming, en sus obrasarquitectónicas se instalan imágenes de grandes dimensiones como «guardianes» de las puertas de los grandes palacios ocomplejos funerarios, sigue siendo en las pequeñas esculturas de jade o cerámica donde pueden encontrarse las mejoresrepresentaciones. En el siglo XX y por transformaciones ideológicas de sus dirigentes, la escultura monumental se volvió arealizar con marcado estilo realista para exaltar las hazañas de la Revolución.59

Japón

Imagen de Maitreya en bronce.

Gran Buda del período Nara en Tōdai-

ji.

Detalle de una imagen de Buda en

Osaka.

Máscara del Teatro no japonès.

Del período Jōmon, cerca del siglo VII a. C., junto con la cerámica se han encontrado pequeñas estatuas religiosas o funerariascon decoración geométrica y posteriormente hacia finales del siglo III en unas tumbas del período Yayoi unos ídolos de terracotaen forma de animal llamados haniwa. Fue en el periodo Asuka y con la llegada del budismo que la escultura alcanzó una granimportancia, fue cuando el escultor Kuratsukuri Tori, de ascendencia china, entró al servicio del emperador. Otros escultoresaportaron influencias coreanas y todos trabajaron con el bronce, madera y terracota en imágenes de Buda, que en Japón adquierenombres propios como el de Maitreya. En el período Nara cambió poco la escultura, la madera se trató con laca y yesopolicromado. En el siglo XI, durante el período Kamakura, el escultor Jochi consiguió un gran renombre y tuvo numerososdiscípulos, que formaron talleres donde realizaban divinidades con aspecto terrible, con el fin de asustar a las fuerzas maléficas.La escultura tuvo una aplicación cada vez menor debido al auge que adquirió por aquellos tiempos la pintura. En el períodoAzuchi-Momoyama, se realizaron algunas esculturas de monjes zen y máscaras para actores del Teatro no.60

El arte de los nativos australianos está restringido a sus tradiciones y los materiales que disponen, como la madera, corteza deárbol y punta de sílex. Los escudos los decoran con líneas geométricas, realizan las «churingas» constituidas por piedras planasde carácter totémico donde graban motivos con relación a sus antepasados.

Escultura de Oceanía

La creación de obras por parte de los melanesios tiene una gran variedad deestilos y formas. Nueva Guinea se destaca por los diseños de sus objetos, hayalgunos de carácter sagrado que sólo pueden ser vistos por los «iniciados»,existen unas casas para uso exclusivo de los hombres donde todos los troncosque forman los pilares que sostienen el techo están tallados representando serestotémicos, en estas casas se guardan las tallas que representan a sus antepasados,máscaras y asientos completamente grabados con decoraciones de figurashumanas o animales.61

En las Nuevas Hébridas la escultura está relacionada con las ceremoniasreligiosas, las estatuas representan figuras de sus muertos y las máscaras sonutilizadas para ceremonias funerarias. En Nueva Irlanda existe una granabundancia de objetos, también de madera tallada donde se insertan conchas,cortezas de otros árboles y piedras, que están relacionados con actos rituales. Enlas islas Salomón, aunque realizan máscaras, lo más destacado son las figurashumanas o de animales. En las islas Marquesas, se llegó a un gran virtuosismoen la construcción de canoas donde la proa y la popa estaban adornadas conprofusión de tallas, en estas islas antiguamente se esculpían imágenes con piedravolcánica en las islas Cook las imágenes veneradas mostraban unos rostros con

grandes ojos y boca y el resto del cuerpo de una proporción muy pequeña.62

Los maoríes de Nueva Zelanda, construyeron casas con un gran frontón completamente decorado con figuras antropomorfas deexpresión amenazadora, así como colgantes de nefrita tallada (hei tiki). En la isla de Pascua se encuentran las moai, enormesfiguras antropomorfas de 4 a 5 metros de altura, realizadas en toba volcánica procedente del volcán Rano Raraku, donde seencuentran algunas figuras en diferentes etapas de construcción, por lo que se cree que se trabajaban in situ, desde allí y sesupone que arrastradas utilizando cuerdas, se distribuyeron por los diversos puntos de la isla.63

Los pueblos de la prehistoria hicieron las primeras esculturas enarcilla representando figuras humanas o de animales, las secaban alsol y se utilizaban, probablemente, con finalidades religiosas omágicas.4 A veces eran simples amuletos o figuras votivas, que hansido encontradas en algunas civilizaciones y culturas, en lassepulturas o en templos como exvotos.64 Entre los medios para rendirculto a las personas que ya se habían ido de este mundo, cabe destacarlos cráneos humanos encontrados en Jericó (7000 a. C.), convertidosen soporte para la reproducción, en yeso, del difunto como unamascarilla, añadiéndoles conchas que representaban los ojos.65

Los egipcios, creían que para que el faraón viviera después de sumuerte, necesitaba una imagen con su representación para favorecerla pervivéncia del alma.66 De la misma manera, se utilizabansímbolos con un fuerte sentido en la estructura y la claridad delmensaje que se quería transmitir: la armonía y el orden debíanmantenerse, ya que cualquier desviación repercutía en la otra vida, la jerarquía social se representaba, entre otras formas, con losdiferentes tamaños para diversos personajes, así el faraón solía ser la mayor figura, por ejemplo, Ramsés II en el Gran templo deAbu Simbel.

Moai en Rano Raraku, Isla dePascua, Chile.

Función de la escultura

A la izquierda Augusto de Prima Porta y a laderecha Augusto de via Labicana con lasfunciones respectivas de máximo poder military máximo poder religioso.

Las representaciones romanas del emperador Augusto, más que retratos personales, tenían la función de presentarlo al pueblo conel símbolo de imagen de poder supremo, como la conocida escultura de Augusto de Prima Porta, donde ejerce la función demáximo poder militar y en otro retrato del mismo emperador, en Augusto de via Labicana, se le viste con una toga que le cubre lacabeza, de acuerdo con el Pontifex Maximus.67

Posteriormente durante la Edad Media, en la época del arterománico, la escultura románica tuvo una estrecha relación con laarquitectura y cumplió, además de la función estética, una funcióndidáctica o pedagógica, para explicar al pueblo determinadospasajes o conceptos. Así, era frecuente referirse a los relieves delos tímpanos de las pórticos como «catecismos pétreos» o «bibliasen piedra», ejecutados para ilustrar y explicar historias a lapoblación analfabeta. Un ejemplo es el Pórtico de Santa María deRipoll.68 En esta función religiosa la creación de imágenes hatrascendido en la apariencia que se ha de dar a la escultura con lacreencia de confundir la imagen con la propia del diosrepresentado, así ha sucedido desde la imagen de Buda hasta la deCristo.67

La función ornamental puede estar ligada a alguna de las otras funciones, aunque a veces puede ser el objetivo principal, comoocurre con la decoración vegetal o la geométrica. En los estilos anicónicos, como el islámico o el hebreo, cumple un papelfundamental. La función práctica es cuando su utlidad es par algún uso especial, así se ve en los altares portátiles y desde muyantiguo, en los dípticos de relieves de marfil, que se vaciaban ligeramente en su parte interior, para poder poner una capa de ceradonde se grababan mensajes y se cerraba una hoja sobre la otra, para enviarlo a su destinatario. Como la cera era fácil de borrar yvolver a escribir, el mismo díptico se utilizaba para la contestación.69

Otra función de la escultura es el coleccionismo, que empezó a ser importante a partir del renacimiento, cuando los noblesadquirían obras de escultura para el adorno de sus palacios o jardines. Más adelante, a partir del siglo XVIII, los monarcas, loshombres de negocio, burgueses y coleccionistas lo emplearon como medio de inversión económica, satisfacción propia y formade prestigio.70

A la izquierda Pórtico de Santa María de Ripollcon la función de representar la Biblia y a laderecha Buda sentado (Gandhara) con la funciónde representatr la imagen del dios del budismo.

Tipos de escultura

Estatua bulto redondo: Apolo delBelvedere en los Museos Vaticanos.

Bajorrelieve: en el templo de Kom

Ombo en Egipto.

Busto:Voltaire por Jean-Antoine

Houdon.

Torso: de Auguste Rodin.

Escultura cinética: Mòbil en Stuttgart

de Alexander Calder.

La escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y la escultura ornamental, según represente la forma humana y expreselas concepciones suprasensibles del hombre o se ocupe en reproducir artísticamente los demás seres de la naturaleza, animales ovegetales. La primera lleva con propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal propio, desempeñando la segunda un papel

secundario al servir de auxiliar a la primera y a la arquitectura.

Las estatuas son las esculturas aisladas que representan una entidad específica tridimensional. Según supresentación hay diversas formas de llamarlas: bulto redondo; sedente o sentada; yacente estiradageneralmente representando la figura de un difunto; orante o arrodillada; oferente u ofreciendo presentes yecuestre o a caballo.Los relieves son las esculturas talladas a partir de un fondo o unidas a él. Los tipos de relieve se dividen en laforma en la que se reduce la profundidad de las figuras u ornamentación representadas: bajorrelieve cuando setalla recortando la imagen en el fondo del material que le sirve de soporte y altorrelieve en la que las formasescultóricas resaltan y salen del plano donde se tallan.Busto, son esculturas de la cabeza y la parte superior del tórax que normalmente representa retratos.Torso, que representa el tronco humano sin cabeza, ni brazos ni piernas.Criselefantina es el término dado a un tipo de imagen de culto que tuvo un gran prestigio en la Antigua Grecia.Las estatuas criselefantinas se construían sobre una armadura de madera que quedaba totalmente cubierta, porbloques tallados de marfil, representando la carne, láminas de oro para representar las vestiduras, la armadura,el pelo y otros detalles. En algunos casos se usaba cristal, piedras preciosas y semi-preciosas para detallescomo los ojos, las joyas y las armas. Se conocen ejemplos del II milenio a. C. de esculturas hechas con marfil yoro.71 La escultura arquitectónica es un término que se refiere a la utilización de la escultura por arquitectos y/oescultores en el diseño y la construcción de un edificio, un puente, un mausoleo o cualquier otro monumento. Laescultura está en general relacionada con la estructura de la construcción. También se llama «esculturaembutida» a cualquier estatua colocada en una obra arquitectónica.72 La escultura cinética implica aspectos de la física de movimiento, como las fuentes o móviles.

El canon es el conjunto de proporcionesideales de la figura humana y sus reglas decomposición, muy utilizadas por los antiguosartistas egipcios y griegos. Representa enescultura y en pintura lo que el módulo enarquitectura.

Los egipcios tenían una norma para larepresentación del cuerpo humano en losrelieves, llamada el canon de perfil. El modeloera la figura derecha y los módulos guardanrelación con la mano y el brazo, el puñocerrado, la anchura de la mano y el codo(longitud del codo al extremo del pulso). Elcuerpo en pie medía 18 puños, o 4 codos o 24anchuras de mano. De la frente al cuello dospuños; del cuello a las rodillas 10; de lasrodillas a la planta de los pies 6, igual que la anchura de los hombros. En el Periodo tardío de Egipto la figura llegó a medir unos21 puños de altura.73

Los artistas griegos del siglo de oro (siglo V a. C.) tuvieron ya su canon atribuido principalmente al escultor Policleto y aunquedesde entonces ha ido experimentando variaciones en manos de los antiguos y modernos artistas, como Alberto Durero que ensus últimos años de vida se dedicó a recopilar estudios teóricos que había hecho sobre el canon humano en el Tratado de lasproporciones del cuerpo, que se editó de manera póstuma en 1528,74 y Leon Battista Alberti que se mostró constantementeinteresado por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artistas; en sus obrasnombra algunos cánones, por ejemplo, en De statua, expone las proporciones del cuerpo humano.75

Canon de proporciones

Dibujo para el tratado de AlbertoDurero.

Canon de Leonardo da Vinci.

Finalmente quedó bien establecido por el pintor Leonardo da Vinci, a finales del siglo XV, adoptándolo la mayoría de los pintoresy escultores. La medida fundamental del canon florentino, tomada del hombre bien constituido, está en la cabeza. Ésta seconsidera, en altura, como la octava parte de todo el cuerpo, siendo la cara la décima parte del mismo y de altura igual a lalongitud de la mano. Estando el hombre en pie y extendiendo los brazos, determina un cuadrado perfecto con las líneas que bajana plomo y pasan por los extremos de las manos y las que horizontalmente se tienden sobre la cabeza y debajo de los pies. Lasdiagonales de este cuadrado se cortan en la última vértebra lumbar y fijan en el centro de toda la figura. Trazando una horizontalpor dicho punto central se divide el hombre en dos partes iguales y cada una de éstas en otras dos, por líneas paralelas queatraviesen por la mitad del pecho y por las rodillas. La cabeza se divide a su vez en cuatro partes iguales, siendo una de ellasaltura de la nariz.76

Los materiales empleados en escultura determinan un resultado del aspecto y textura de la obra con el que adquiere tambiéndiversas características. Con el uso de una piedra blanda es más difícil un resultado minucioso, por su desmoronamiento, con unmaterial más duro como el granito, se requiere un mayor esfuerzo físico. Los detalles de formas delicadas y con calados seconsiguen mejor con el uso de la madera, como lo demuestra, por ejemplo, los retablos góticos. El trabajo en arcilla permitediversos acabados desde el más fino y pulido a dejarlo con las señales propias de los dedos del artista. Finalmente es el escultor ysu propósito el que consigue sacar del material la forma y la textura deseada.

Es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre, por ser fácil demodelar y no necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizarsimplemente las manos. Con el barro se pueden sacar moldes para despuéstrabajar con otros materiales o hacer reproducciones. Si es empleado comomaterial definitivo debe cocerse; en este caso recibe el nombre de terracota. Parala preparación del barro, los procesos de industrialización han modificado yaligerado el trabajo manual de prensado y desmenuzamiento de la arcilla. Seencuentran ya en el mercado bloques preparados para el uso de los escultores.64

Los tipos de arcilla más comunes son:77

Arcilla natural: extraída donde se ha formado. Se utiliza sin ningúnañadido.Arcilla roja: normalmente contiene hierro y es bastante suave, muyadecuada para el modelado en el torno y el efectuado con losdedos.Arcilla de bola: se utiliza para dar plasticidad al unirse a otro tipo dearcilla, es de color muy oscuro cerca del negro y se contrae bastantedurante su cocción.Arcilla bentonita: es blanca y muy fina con origen de cenizas volcánicas. Se utiliza para dar plasticidad a otrasarcillas.Arcilla refractaria: tiene una fuerte resistencia al calor, hay bastantes variantes y acostumbran a ser ásperas ygranulosas.Arcilla de gres: tiene un color gris, es de grano fino y soporta altas temperaturas para su cocción.

Este material es usado desde la antigüedad por encontrarse abundantemente en la naturaleza. Para trabajar la piedra se necesitanherramientas especiales. La piedra fue empleada en las Venus paleolíticas, en estatuas griegas y las posteriores copias romanes,las obras de grandes escultores de la renacimiento como Michelangelo, Donatello o Bernini y es utilizada desde hace mucho

Materiales

Arcilla

Retrato de Niccolò da Uzzano enterracota policromada por Donatello

Piedra

tiempo en monumentos públicos, prácticamente en todos los países.78

Las piedras más comunes en la escultura son:

Piedra caliza: roca sedimentaria blanda y fácil de trabajar; seemplea en labores minuciosas. Su conservación depende mucho dela calidad de las canteras. Se ha utilizado mucho en esculturamonumental, como la Gran Esfinge. La piedra caliza fue una de lasmás empleadas en Egipto, la mayor parte del valle del Nilo estáexcavada en esta clase de piedra y con la cantera de Tura es con laque se realizó las estructuras de la necrópolis de Giza y la mayorparte de las esculturas encontradas en ella.79 Mármol: piedra caliza metamórfica, de grano fino y compacto. Sutratamiento de la superficie puede ser muy variado, obteniendodistintas texturas, como tersura, morbidez, aspereza, etc. Por ser unmaterial bastante perdurable fue uno de los preferidos por losgrandes artistas de la Antigüedad y el renacimiento. El mármolblanco se impuso desde la época clásica, ya que con un buen pulidopuede alcanzar un aspecto translúcido y con una gran brillantez ypor ser una piedra que no presenta grandes fisuras, por lo que elescultor puede esculpir con plena libertad, ya que los golpes en unapiedra que no sea compacta puede llegar a producir una fractura enla piedra y obligar a cambiar el bloque de mármol.80 Arenisca: roca sedimentaria muy fácil de trabajar en cantera, conhumedad natural; se emplea en labores minuciosas. Tiene laparticularidad de hacerse más dura y frágil con el paso del tiempo.Se ha utilizado mucho en escultura de capiteles románicos. Es muyporosa y normalmente no se puede pulir. Actualmente no se sueleemplear esta piedra en escultura.81 Alabastro: es un mineral de yeso (aljez), de color amarillento,parecido al mármol a simple vista. Es frágil y quebradizo, pero muyfácil de trabajar. Ligeramente translúcido.82 Granito y diorita: son rocas ígneas mucho más duras que el mármoly están formadas por enfriamiento de materiales volcánicosfundidos. Su calidad es excelente una vez trabajado y pulido y seencuentra en gran cantidad de colores. Ha sido muy usada desde laescultura egipcia hasta nuestros días.83 Esteatita: es una roca metamórfica formada por talco en granproporción. De hecho es un esquisto de talco. Es muy blanda y fácilde tallar.84 85 Admite un buen pulido. Expuesta al exterior seendurece con el tiempo. Al tacto se asemeja al jabón (de ahí elnombre en inglés «soap stone». Los inuit acostumbraban a hacertallas tradicionales empleando esteatita. Las capas exteriores delCristo Redentor de Río de Janeiro son de esteatita. En la Índia hayalgunos templos con esculturas de esteatita (por ejemplo en Belur).Cuarzo: se trata de un mineral de gran dureza, difícil de trabajar. Apesar de lo cual hay ejemplos de esculturas muy elaboradas,talladas en cuarzo.86 Jade: con este nombre se denominan dos piedras la jadeíta y lanefrita ambas muy parecidas aunque con el aspecto más«orgánico» la nefrita y más vidrioso la jadeíta. Tienen un colorido que va desde el verde casi blanco hasta elverde muy oscuro casi negro. Son minerales muy duros y por eso es muy dificultosa su talla, para su pulido seutiliza actualmente el carborundo y el corindón con arena en mezcla acuosa. Aunque los jades trabajados estándatados desde hace más de cinco mil años, en la China, Mesoamérica y Australia, ha sido en China donde seha desarrollado más.87 Los maorís de Nueva Zelanda realizan unas figuras llamadas Hei tiki con nefrita.88

Moisés de mármol por Miguel Ángel.

Escultura de esteatita en el templode Belur.

Estuco

Es una pasta conseguida a base de cal, polvo de mármol, arena y cola de caseína.Se empleó ya en la antigüedad en Grecia y Roma para hacer moldes. El arteislámico lo empleó tallándolo como adornos mocárabess que se pueden ver en laAlhambra de Granada. En el renacimiento volvió a resurgir su aplicación paravaciados de yeso del natural, es decir, sobre diversas partes del cuerpo humano ypara hacer mascarillas de los difuntos, que después, sus familiares las guardabancomo recuerdo. Pero quizá fue en el barroco donde más se utilizó, como motivodecorativo en los techos de palacios. En siglo XX escultores como George Segalo Claes Oldenburg han realizado obras figurativas en yeso.89 90

Las planchas de cobre, bronce, oro y plata se pueden utilizar en la técnica deelaboración directa, que se trabaja con martillo, buriles o punzones. Con piezaspequeñas o de bajorrelieves se usa el repujado. Para la realización de unaescultura exenta y en mayor tamaño se utiliza un cuerpo duro normalmente demadera que se cubre con betún para la mejor adhesión de las chapas que se fijancon clavos o con costuras por medio de hilos metálicos, hay que ir golpeando elmetal y para seguir el trabajo, hay que calentar las láminas conseguido asíelasticidad al metal. Después de esta primera parte, la obra se retoca con losburiles y los punzones. Antiguamente estas esculturas se realizaban mucho parasu uso como relicarios, dejando el interior vacío para la custodia de reliquias.91

Oro.Junto con el cobre fue uno de los primeros metales utilizadospor el hombre, por su belleza y porque se puede trabajar fácilmente.Se han encontrado yacimientos arqueológicos en Ur, Troya yMicenas que demuestran que ya se usaba en el neolítico.92 Losescitas trabajaron en una amplia variedad de materiales pero dondese distinguieron más fue con el oro, en piezas de influencia griega ycon utilidad decorativa para adorno de sus caballos, vainas dearmas y objetos de joyería. Estas pequeñas esculturas, fueronrealizadas con gran precisión y muy detalladas.93 Bronce. El bronce, normalmente una aleación de cobre y estaño, esel más utilizado para la fundición de modelos de escultura. Losbronces «pobres», es decir, los que contienen un alto porcentaje decobre, pueden ser trabajados en láminas y esculpidos en frío con eluso de cinceles, sin embargo, las coladas aparecen bastantedefectuosas. En cambio, las aleaciones con mayor contenido deestaño o de zinc, cuando se funden tienen un grado más importantede fluidez y son mucho más utilizadas en la reproducción del molde;adhieren mejor a las caras internas y su reproducción permitealcanzar los mínimos detalles. Normalmente, para la finalización delas esculturas en bronce, se aplica una capa de pátina que unifica elcolor.94 Hierro. Es uno de los metales que se utiliza para hacer esculturas yque se trabaja por medio de diferentes técnicas.Acero corten. Este tipo de acero está fabricado con una composiciónquímica que hace posible que su oxidación quede más protegidaante la corrosión atmosférica, por ello, muchos artistas lo utilizancomo uno de los materiales más adecuado para exponer su obra ala intemperie. También se valora su característico color rojizoanaranjado, que es el resultado de un alto contenido en cobre,cromo y níquel. Entre los numerosos escultores que lo han utilizado se encuentran Eduardo Chillida, RichardSerra, Jorge Oteiza, Pablo Picasso o Josep Plandiura.

Mocárabe de estuco en la Alhambrade Granada.

Metal

Topos V obra en hierro de EduardoChillida.

Detalle de la puerta del MuseoDiocesano de Barcelona en acerocorten de Plandiura.

Es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas ybuenos resultados. Hay muchos tipos de madera y en función de su cualidadpuede dejarse la escultura en su color natural o por el contrario teñir con anilinasal agua o alcohol, policromarse o protegerla con goma laca. Las maderasllamadas nobles suelen dejarse en su color natural, protegidas con una ceraneutra. Son el nogal, roble, haya, cedro, caoba y otras.95

La madera se corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la estaciónde invierno cuando la savia está en las raíces y de esta manera se consigue queesté bien seca y sin dar lugar a descomposición de la materia. Los árbolespresentan unos troncos con diámetros más o menos limitados y eso obliga, apreparar piezas diferentes según las necesidades de la obra. Habitualmente lamadera se adquiere en tablones, que previamente al encolado han de cortarsesegún la dimensión de la pieza a realizar; para conseguir un bloque ancho de unmismo tablón han de colocarse los diferentes trozos uno encima del otro en elmismo sentido que el tablón original. A menudo, las esculturas de madera sealigeran haciendo un hueco su interior.96

La escultura en madera policromada ha ocupado un lugar importante dentro de laimaginería religiosa. Una vez tallada la pieza, se cubría con una capa de yeso, o bien con una tela fina sobre la que se ponía yesocomo preparación y se pintaba con colores al temple o al óleo, a veces dorándolas con hojas de pan de oro.97

El marfil se obtiene de los colmillos de varios animales, particularmente de los elefantes. Seha trabajado en todos los países, principalmente de África, Japón, China, India, el áreamediterránea y la Europa continental. El uso ornamental del tallado ya se producía en elAntiguo Egipto y Mesopotamia. Es fácil de cortar y si se quieren obtener superficies planas secortan los colmillos longitudinalmente y se sumergen en una mezcla de aceite de almendrascon vinagre, al absorber este líquido se ablanda y puede modelarse ligeramente.98

Tuvo un gran desarrollo en la época románica en zonas de influencia carolingia. Los trabajosen marfil se aplicaban en objetos litúrgicos, en cubiertas de libros o placas para los frontalesde los altares. Los olifantes eran instrumentos de viento tallados con unas delicadas miniaturasy elaborados con colmillos de elefante, que formaban parte de los utensilios de caza de loscaballeros durante la Edad Media. Se cree que el crucifijo de don Fernando y doña Sancha,fechado hacia el año 1063, fue el primero realizado en Hispania que contiene larepresentación de la imagen de Cristo.99 Son famosas las tallas de marfil realizadas enMalinas, Rubens llegó a diseñar esculturas que fueron talladas en este material por LucasFaydherbe (Malinas, 1617-1697), que trabajó durante tres años en el taller del pintor.100

El uso del hormigón en la escultura es relativamente nuevo y ha adquirido más importancia a medida que ha aumentado su uso enlas fachadas arquitectónicas de los edificios. Sobre el hormigón se pueden conseguir texturas diferentes con el uso de cinceles olimas. Es un material económico y permite su exposición al aire libre. Henry Moore lo empleó en varias obras.101 Se utilizahaciendo un vaciado sólido dentro de un molde de yeso empapado en agua, para evitar que al poner la mezcla de hormigón,

Madera

Sheik-el-Beled, escultura de madera(Museo Egipcio de El Cairo).

Marfil

Crucifijo de donFernando y doñaSancha, una pieza demarfil.

Hormigón

chupe el agua que esta mezcla lleva. Es conveniente que la masa del hormigón sea lo máscompacta posible para que mantenga su densidad homogénea y para evitar burbujas de aire alfinal. Se pueden utilizar moldes realizados con cajones de madera previamente untados congrasas o aceites.102

Para la realización de un vaciado, el molde de yeso debe aislarse con capas de goma laca. Elhormigón debe ponerse en capas y con trozos de fibra de vidrio adaptándolo a la forma finalde la escultura, y hay que dar dos o tres capas intercaladas.103

También el hormigón puede ser modelado sobre una carcasa realizada normalmente con varasde acero dulce y una red metálica. Esta armadura se cubre con una mezcla espesa dehormigón, reforzándola con fibra de vidrio. Cuando esta capa está casi seca se modela sobresuyo, con otra masa más espesa de hormigón, hasta la finalización de la obra.104

Los escultores suelen preparar su obra construyendo un pequeño modelo de la figura, de arcilla o yeso.78 Este modelo equivaleal esbozo del pintor o plano del arquitecto. El procedimiento fundamental y el más clásico es el esculpido, sirviéndose de escoplo,buril o cincel según las necesidades, incluso los procedimientos de fundir y moldear requieren retoques de cincel en los detalles.Además, se usan otras acciones como el modelado o vaciado, el cincelado, el repujado, el embutido, el grabado y el estampado otroquelado. Es interesante darse cuenta de lo poco que han cambiado con el paso del tiempo las técnicas del modelado y la talla,en comparación con los cambios que se han producido en otras técnicas de bellas artes. Sólo en el siglo XX se empezaron aintroducir nuevos métodos de trabajo.105

Esculpir, consiste en sacar partículas al bloque ya desbastadohasta obtener la figura deseada. Antiguamente la talla se efectuabacon instrumentos de hierro, que por su blandura se deteriorabanpronto. En algunas esculturas aún se observa la señal de punzonesy cinceles. Actualmente, además de las herramientas tradicionales,se utiliza el disco de diamante para la piedra y los discos de widiapara la madera.106 Para reproducir, la misma medida, las formas delmodelo sobre materiales como la piedra o madera se utiliza elmétodo de sacar puntos con la ayuda del puntómetro o «máquina desacar puntos». Es un artefacto con una combinación de varillasmetálicas articuladas terminada en una aguja de sección triangularafilada en punta, con el que se miden los puntos determinados enun modelo y se traspasa esta medida al material donde se hace laescultura definitiva. La aguja se desplaza por una guía para buscarla profundidad del punto y se fija con un tornillo.107 Modelar. Es dar la forma deseada a una pasta, añadiendo osacando porciones de la masa.

Arcilla. Normalmente para el trabajo de las esculturas en arcilla,muchas culturas utilizaron las mismas técnicas que para laalfarería, con rollos, placas o tubos de arcilla. También se hautilizado la presión; la arcilla húmeda se comprime en moldes debarro previamente cocidos. Esta técnica fue empleada por losgriegos ya en siglo III a. C., como se observa en unas figuras conocidas con el nombre de Tanagra.58 Laarcilla, una vez modelada y antes de su cocción en el horno, debe mantenerse en contacto con el aire o enun ambiente seco, para su desecación para que adquiera consistencia y evitar deformaciones.108

Monumento a NarcísMonturiol en hormigón ycobre, de Subirachs.

Técnicas

Máquina de sacar puntos, útil para lapiedra y para la madera.

Cera. La cera se modela como material auxiliar para larealización de bocetos, estos sirven al escultor ya sea como guíapara visualizar su obra final en otro material, o como matriz parael vaciado posterior en bronce. Más recientemente se hautilizado para la creación de personajes que se exponen ennumerosos museos de cera. A nivel decorativo se hacendiversos objetos como imitaciones de frutas en cera. Como en elmodelado con arcilla las manos del artista son la primeraherramienta a tener en cuenta, pero puede ayudarse conespátulas, rascadores y limas. La sustancia puede ser ceravirgen de abeja o cera industrial que se puede encontrar en elmercado con varias durezas. Para construir la base para montarla cera es necesaria una armadura que puede ser desde unsimple alambre de cobre, para piezas pequeñas, hasta otrasmás complicadas cuando la obra es de mayor envergadura.109 Plastilina. Se modela con las manos o pequeñas espátulas,prácticamente igual que la cera, y sirve como boceto para laobra escultórica. La plastilina encuentra también un lugardestacado en animación. Nick Park es un promotor de su uso,que ganó dos premios Óscar con los cortometrajes de Wallace yGromit (1992-1995).

Vaciar es obtener el positivo de un molde, o negativo. La técnicaque se refiere a la elaboración de los moldes se denominamoldeado. Se pueden hacer piezas de yeso, pero no son valoradasya que el material es pobre y fácil de sufrir rupturas; de resina sola,o combinada con otros materiales para aportar a la pieza unaspecto, color o textura determinados; de metal; etc.Cera perdida. El método de la cera perdida es el más extendidopara los metales como el bronce, el cual se cuela dentro del moldeen forma líquida y así llega a todos los rincones. Cuando sesolidifica se consigue una copia completamente fiel al modelo delmolde. Históricamente se conoce el uso de la fundición a la ceraperdida ya en estatuas de gran tamaño desde el siglo II en Egipto yMesopotamia y su uso sistemático desde el siglo V en Grecia.Desde entonces la escultura en bronce se ha realizado con estemétodo ya que permite la reutilización de los moldes y por tanto lareproducción en serie de la escultura.110 Cincelar es retocar con cincel las figuras obtenidas por el vaciado ytambién formar bajo relieves con el cincel en una láminametálica.111 Repujar es producir en una lámina de metal a fuerza de martillosobre algún molde los relieves y los huecos necesarios paraconseguir la forma que se pretende.112 Estampar o troquelar es imprimir sobre una lámina de metal o depasta un cuño o troquel con las figuras en hueco para que éstasresulten de relieve.Soldadura eléctrica: la soldadura eléctrica se utiliza fundiendo unelectrodo de hierro en las superficies que se desean unir, por obra del paso de corriente eléctrica. Se caracterizapor efectuar una unión sumamente sólida y rígida. Esto permite unir objetos de hierro diversos (chatarra, piezaspreformadas mediante el repujado o la forja, etc.).Soldadura autógena: este tipo de soldadura permite generar una escultura por aporte, técnica similar a la quese practica con arcilla. La fortaleza de la soldadura es menor que aquella lograda por la soldadura eléctrica, perotiene la ventaja de permitir la creación de obras más plásticasEmbutir es aplicar sobre un molde duro una delgada chapa de metal precioso para que a fuerza de golpes tomesu forma y después, al retirar la chapa y unir sus bordes, quede una estatua u objeto artístico hueco pero conapariencia maciza. También se llama embutido e incrustado el resultado de introducir algunas piezas en lasabertura o surcos practicados en otras.72 Galvanoplastia. El descubrimiento de la galvanoplastia se produjo en la primera mitad del siglo XIX. Consisteen depositar por electrólisis cualquier tipo de metal sobre la superficie interior de un molde sacado en negativode una pieza original.113 Al principio se utilizaron moldes de metal como buen conductor eléctrico, más adelantese utilizaron moldes de plástico resistentes a la acción química del baño electrolítico, consiguiendo que fueranconductores de electricidad cubriéndolos con polvo de grafito o cualquier otro metal que el punto de fusión fuera

Gubias para la talla de la madera.

Amasado de la arcilla.

Bronce líquido volcado dentro demoldes.

inferior al del metal que debía depositarse para conseguir la pieza final.114 Las reproducciones salen bastantebaratas, pero al poder ser muy numerosas pierden un poco el valor de obra de arte, empleándose más paraobjetos industrializados.114

Sistemas en la elaboración de esculturas:

MÉTODO MATERIAL TÉCNICA

Agregando Arcilla, metal, maderaModelado,soldadura,encolado

Quitando Piedra, madera Esculpido, talla

Vaciado Escayola, hormigón,metal, plásticos -

115

Coloso de Rodas. Fue una estatua de bronce, de tamaño gigantesco que se supone realizada entre los años303 y 280 a. C. Se atribuye al escultor griego Cares de Lindos, discípulo de Lisipo. Medía 30 metros de altura yestaba situada a la entrada del puerto de Rodas, visible para los barcos que se aproximaban a la isla. Seconsideró por los antiguos como la sexta maravilla del mundo. Los escritores romanos hicieron una descripciónde esta obra. Se erigió para conmemorar la victoria de los habitantes de Rodas contra el general de MacedoniaDemetrio Poliorcetes.Atenea Partenos de Fidias.El Zeus Olímpico de FidiasColoso de Nerón en Roma.

Arte modernoArte contemporáneoBajorrelieveHistoria de la esculturaDesnudo (género artístico)Talla en jadeEl contenido de este artículo incorpora material de una entrada (http://enciclopedia.us.es/index.php/Escultura) de la Enciclopedia Libre Universal, publicada en español bajo la licencia Creative Commons Compartir-Igual3.0 (https://creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0/deed.es).

1. escultura. (http://buscon.rae.es/drae/srv/search?id=NykU5KWnnDXX2bTRszHk%7CDRAE:)

2. Sureda 1988 Vol. I: p.263. La Gran enciclopèdia en català

20044. Midgley 1982: p.325. Midgley 1982: p.136. Bozal 1983: p.50

7. Bozal 1983: p.538. Bozal 1987: p.90-929. Bozal 1983: p.126-127

10. Bozal 1983: p.14111. Honour, Hugh & Fleming, John

(2005). «A world history of art» (http://books.google.com/books?id=qGb4pyoseH4C&lpg=PA1&hl=ca&pg=PA1#v=onepage&q=&f=false) (en inglés). Laurence King

Publishing. Consultado el 23 denoviembre de 2010.

12. Grummond, Nancy Thomson(2004). For the Mother and forthe Daughter: Some thoughts ondedications from Etruria andPraeneste (http://books.google.com/books?id=jQHyDKEsJ5wC&pg=PA352&dq=%22etruscan+art%22&lr=&as_drrb_is=b&as_minm_is=1&as_miny_is=1970&as_m

Esculturas de la antigüedad famosas y desaparecidas

Véase también

Referencias

axm_is=12&as_maxy_is=2009&as_brr=1&hl=pt-BR#v=onepage&q=%22etruscan%20art%22&f=false). Charis: essays in honor ofSara A. Immerwahr Volum 33 deHesperia (en inglés). In Chapin,Anne Proctor. p. 351-370.Consultado el 23 de noviembrede 2010.

13. Bozal 1987: p.306-31114. Bozal 1987: p.284-28515. Sureda/Barral 1989: p.105-10616. Sureda/Barral 1989: p.39217. Sureda 1988 Vol. IV: p.10018. Sureda 1988 Vol. IV: p.14819. Barral; Duby; Guillot, 1996: p. 9120. Sureda 1988 Vol.IV: p.370-37221. Bozal 1983: p.188-19122. Bozal 1983: p.19223. Sureda 1988 Vol. V: p.20-2124. Ceysson 1996: p.70-7125. Alcolea Gil 1988: p.334-33526. Ceysson 1996: p.158-15927. Geese 2007: p.27428. Geese 2007: p.28629. Geese 2007: p.30430. Geese 2007: p.354-36631. Bornay 1988: p.96-10332. Bornay 1988: p.392-39433. Suárez/Vidal 1989: p.8-1034. Bozal 1983: p.260-26235. Gombrich 2002: p.52836. Bornay 1988: p.36637. Suárez/Vidal 1986: p.12-5238. Bozal 1983: p.27039. Suárez/Vidal 1989: p.142-14640. Bozal 1983: p.27641. Heard Hamilton 1989: p.38842. Bozal 1983: p.28343. Suárez/Vidal 1989: p.22144. Heard Hamilton 1989: p.43745. Suárez/Vidal 1989: p.28846. Suárez/Vidal 1989: p.30647. Bozal 1983: p.29448. Suárez/Vidal 1989: p.370-38949. Midgley 1982: p.11850. Bozal 1983: p.354-36051. Bozal 1983: p.347-34852. Historia Universal del Arte 1984:

p.538-54353. Bozal 1983: p.94-9754. Bozal 1983: p.30855. Bozal 1983: p.31056. Bozal 1983: pág. 314

57. Bozal 1983: p.31958. Midgley 1982: p.1859. Bozal 1983: p.330-33760. Monreal y Tejada 1988: p.370-

38361. Huera 1988: p.84-9162. Huera 1988: p.91-10063. Huera 1988: p.101-11064. Maltese 2001: p.8565. Bozal 1983: p.3866. Gombrich 2002: p.7067. Borrás Gualis, Gonzalo M. Istmo,

ed. «Introducción general alarte» (http://books.google.es/books?id=AkeCF9eAAowC&printsec=frontcover&dq=Introducci%C3%B3n+general+al+arte.&source=bl&ots=4CoZ8UtFLz&sig=rPJYd5NDFxHgzlHTLTNmoVWENfM&hl=es&ei=sQnwTPnLH9GGhQfqsrGmDA&sa=X&oi=book_result&ct=result&resnum=3&ved=0CCgQ6AEwAg#v=onepage&q&f=false).Madrid. p. p.187. ISBN 84-7090-107-9. Consultado el 26 denoviembre de 2010.

68. De Vecci/Cerchiari, 199969. Historia Universal del Arte 1984:

p.111470. Revistaarte (ed.).

«Coleccionistas. De Grecia alSiglo XXI» (https://web.archive.org/web/20070604022736/http://www.revistaarte.com/numero83/enportada.html). Archivado desdeel original (http://www.revistaarte.com/numero83/enportada.html)el 4 de junio de 2007.Consultado el 27 de diciembrede 2010.

71. Bozal 1987: p.16072. Fatás/Borrás 1982: p.9273. Sureda 1988 Vol. I: p.19174. Sureda 1988 Vol. VI: p.35675. Sureda 1988 Vol. V: p.5676. Biaggi 1983: p.437-44777. Midgley 1982: p.36-3778. Fuga 2004: p.15379. Sureda 1988 Vol. I: p.20580. Maltese 2001: p.2481. Midgley 1982: p.12282. Midgley 1982: p.12383. Serra Subirà 1982: p.5484. Frederick Hartt (1 de mayo de

1989). Arte: historia de la pintura,escultura y arquitectura (http://books.google.com/books?id=4-PE1IzhRiMC&pg=PA145). EdicionesAKAL. pp. 145-.

ISBN 9788476004111. Consultadoel 21 de noviembre de2010.Escultura de esteatita.

85. Ralph Mayer (1993). Materiales ytécnicas del arte (http://books.google.com/books?id=xkQqs7-b03wC&pg=PA635). EdicionesAKAL. pp. 635-.ISBN 9788487756177. Consultadoel 21 de noviembre de 2010.

86. Julian Doyle; Bruce Dickinson(30 de mayo de 2008). ChemicalWedding (http://books.google.com/books?id=nOhWmImmc1MC&pg=PA40). Troubador PublishingLtd. pp. 40-. ISBN 9781906510909.Consultado el 21 de noviembrede 2010.Crani maia tallat enquars(en inglés)

87. Maltese 2001: p.78-8088. «Maori of New Zealand:Maori

Tiki» (http://www.maori.info/maori_tiki.htm) (en inglés). Consultadoel 17de noviembre de 2010.

89. Midgley 1982: p.14190. Fuga 2004: p.16791. Fuga 2004: p.158-15992. Maltese 2001: p.163-16493. Sureda/Barral 1989: p.2694. Maltese 2001: p.42-4495. Medina Ayllón 2006: p.2196. Medina Ayllón 2006: p.4297. Maltese 2001: p.2098. Fuga 2004: p.15099. Gómez Moreno 1947: p.162

100. De los Ríos 2007: p.31101. Midgley 1982: p.160102. Midgley 1982: p.165103. Midgley 1982: p.166104. Midgley 1982: p.164105. Historia Universal del Arte 1984:

p.1202106. Historia Universal del Arte 1984:

p.1204107. Medina Ayllón 2006: p.50-53108. Maltese 2001: p.91109. Subirachs 1983: p.14110. Maltese 2001: p.41111. Fatás/Borrás 1982: p.61112. Fatás/Borrás 1982: p.205113. Subirachs 1983: p.21114. Maltese 2001: p.59115. Lajo Pérez, Rosina (1990).

Léxico de arte. Madrid - España:Akal. p. 72. ISBN 978-84-460-0924-5.

Alcolea i Gil, Santiago (1988). Historia Universal del Arte. España y Portugal Volum VI. Barcelona, EditorialPlaneta. ISBN 84-320-8906-0.Barral, Xavier; Duby, Georges; Guillot de Suduiraut, Sophie (1996). Sculpture. The Great Art of the Middle Agesfron th Fifth Centurey to the Fiteenth Century (en inglés). Colonia: Taschen. ISBN 3-8228-8556-8.Barral i Altet, Xavier (1987). Historia Universal del Arte. Volum II. Barcelona: Planeta. ISBN 84-320-8902-8.Biaggi, Carlo Felice (1983). Leonardo Da Vinci: La anatomía artística. Barcelona: Teide. ISBN 84-279-8710-2.Bornay, Erika (1988). Historia Universal del Arte. El siglo XIX Volum VIII. Barcelona: Editorial Planeta. ISBN 84-320-6688-5.Bozal, Valeriano (1983). Historia del Arte. La escultura, Tomo II. Barcelona: Carroggio. ISBN 84-7254-313-7.Ceysson, Bernard (1996). La Escultura. Siglos XV-XVI El renacimiento. Barcelona, Carroggio. ISBN 84-7254-245-9.DDAA (1984). Historia Universal del Arte. Volum VIII. Madrid: Sarpe. ISBN 84-7291-596-4.DDAA (2004). La Gran enciclopèdia en català: volum VII. Barcelona: Edicions 62. ISBN 84-297-5435-0.De Vecchi, Pierluigi; Cerchiari, Elda (1999). I tempi dell'arte, volum I (en italiano). Milà: Bompiani. ISBN 88-451-7107-8.Fatás, Guillermo; Borrás, Gonzalo (1993). Diccionario de Términos de arte. Madrid: Alianza-Edicioneds delPrado. ISBN 84-7838-388-3.Fuga, Antonella (2004). Técnicas y materiales del arte. Barcelona: Electa-Mondadori. ISBN 84-8156-377-3.Geese, Uwe (2007). El Barroco. Arquitectura. Escultura. Pintura. Colonia: Tandem Verlag. ISBN 978-3-8331-4659-6.Gombrich, Ernst (2002). Història de l'art. Barcelona: Columna. ISBN 84-8300-768-1.Gómez Moreno, María Elena (1947). Mil Joyas del Arte Español. Barcelona: Instituto Gallach.Heard Hamilton, George (1989). Pintura y Escultura en Europa 1880-1940. Madrid: Cátedra. ISBN 84-376-0230-0.Infiesta, Josep Manuel (1986). Modernisme a Catalunya (en catalán). Escultura. Barcelona: Edicions de Nou ArtThor. ISBN 84-7327-124-6.Maltese, Conrado (2001). Las técnicas artísticas. Madrid: Cátedra. ISBN 84-376-0228-9.Medina Ayllón, Juan María; Pascual, Eva (2006). La talla en madera. Barcelona: Parramón. ISBN 84-342-2888-2.Midgley, Barry (1982). Escultura, modelado y cerámica. Madrid: Hermann Blume. ISBN 9788487756290.Monreal y Tejada, Luis (1988). Historia Universal del Arte. Extremo oriente Volum X. Barcelona, Editorial Planeta.ISBN 84-320-6690-7.Semenov, Serguei A (1981). Tecnología prehistórica. Estudio de las herramientas y objetos antiguos a través delas huellas de uso. Madrid: Akal Editor. ISBN 84-7339-575-1.Serra Subirà, Eduard (1992). Materials i eines de l'escultor (en catalán). Barcelona: Universitat de Barcelona.ISBN 84-475-0148-5.Suárez, Alícia; Vidal, Mercè (1989). Historia Universal del Arte. El siglo XX Volum IX. Barcelona: EditorialPlaneta. ISBN 84-320-8909-5.Subirachs, Josep Maria (1983). Historia del Arte. La escultura, Tomo II: Presentación. Barcelona: Carroggio.ISBN 84-7254-313-7.Sureda, Joan (1988). Historia Universal del Arte. Las primeras civilizaciones Volumen I. Barcelona: EditorialPlaneta. ISBN 84-320-6681-8.—; Barral i Altet, Xavier (1989). Historia Universal del Arte. Edad Media Volum III. Barcelona: Planeta. ISBN 84-320-8903-6.— (1988). Historia Universal del Arte. Románico/Gótico Volum IV. Barcelona: Editorial Planeta. ISBN 84-320-6684-2.— (1988). Historia Universal del Arte. El quattrocento italiano Volum V. Barcelona: Editorial Planeta. ISBN 84-320-8905-2.— (1988). Historia Universal del Arte. Alemania y Países germánicos Volum VI. Barcelona: Editorial Planeta.ISBN 84-320-8906-0.

Wikimedia Commons alberga una galería multimedia sobre Escultura.

Wikcionario tiene definiciones y otra información sobre escultura.

Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Escultura.

Bibliografía

Enlaces externos

Biblioteca de escultura en www.escultores.com (http://www.escultores.com/escultura.php?g2_itemId=6523)Nuevas formulaciones de materiales de relleno multicomponentes empleados en intervención de esculturacontemporánea de exterior (artículo en ph investigación) (http://www.iaph.es/phinvestigacion/index.php/phinvestigacion/article/view/97)

Esta obra contiene una traducción derivada de Escultura de Wikipedia en catalán, concretamente de estaversión (https://ca.wikipedia.org/wiki/Escultura?oldid=6613385), publicada por sus editores (https://ca.wikipedia.org/wiki/Escultura?action=history) bajo la Licencia de documentación libre de GNU y la Licencia CreativeCommons Atribución-CompartirIgual 3.0 Unported.

Obtenido de «https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Escultura&oldid=118863510»

Esta página se editó por última vez el 2 sep 2019 a las 23:32.

El texto está disponible bajo la Licencia Creative Commons Atribución Compartir Igual 3.0; pueden aplicarsecláusulas adicionales. Al usar este sitio, usted acepta nuestros términos de uso y nuestra política de privacidad. Wikipedia® es una marca registrada de la Fundación Wikimedia, Inc., una organización sin ánimo de lucro.