exposición n°4
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UNIVERSIDAD DE LOS ANDES
FACULTAD DE HUMANIDADES Y EDUCACIÓN
ASIGNATURA; EDUCACIÓN ESTÉTICA
PROFESORA BETTY OSORIO
Integrante: Maryury I. Dugarte Ch.
C.I: 21.181.795.
Abril, 2015
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ÍNDICE
Introducción
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F.E: Formación estética auditiva
3-8
P.F.T
Sócrates 8-12 Platón
13-14
Aristóteles 14-16 A.T: Arte Antiguo
16-19
I.Y.T: Medios de comunicación arte y estética
19-22
T.C: Proyectos P.E.I.C Y P.A
22-28
Conclusión
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Bibliografía
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La manifestación de la música como manifestación artística es asociada
principalmente con el ritmo y el sonido, pues provienen de una gran variedad de
instrumentos (incluida la voz humana) que se interpretan armoniosa y
coordinadamente en el tiempo. En efecto, este tipo de manifestaciones se
transpolan a las artes escénicas como el teatro, la danza y los bailes
coreográficos. Además de añadirse a los ritmos visuales, las luces, el vestuario, la
posición y los movimientos de los participantes.
Es por ello y por muchas cosas más, que es necesario cultivar en el niño una
conciencia musical acorde con lo culto y lo armónico de la naturales, desterrando
todo concepto que convierta a la música en un simple desorden de partituras y a
una letra basura, sino aquella formación musical que nos permita recurrir a la
música como recurso para el aprendizaje memorístico, catarsis y elemento
retrospectivo de nuestra historia nacional. Sin embargo, no solo debe enseñarse al
niño a distinguir e inclinarse por géneros musicales cultos, son también a tener la
capacidad de discernir de sonidos que simplemente perturban su concentración
dentro del aula. Todo esto con la finalidad de seguir los preceptos de: Sócrates
(obra artística como influyente de la mente y el espíritu), Platón (Arte como medio
de expresión subjetivo) y Aristóteles (Arte como un todo).
Por último, nos propondremos conocer el valor de las obras artísticas a través del
estudio de las civilizaciones del mundo antiguo (Mesopotamia, Egipto, etc), las
cuales traen consigo los pilares fundamentales para el establecimiento de la
cultura moderna actual. Aunado a ello, se trabajara en la indagación de los medios
de comunicación en masas como medio de observación de la armonía artística,
cabe destacar que apoyamos el aprendizaje por proyectos de aprendizaje y con la
comunidad con los llamados P.E.I.C.
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Educación Auditiva
Hablamos de lo necesaria que es una correcta educación auditiva por el papel
fundamental que la música juega en la vida cotidiana y por la estimulación sonora
ambiental. Entre ellas destaca, el uso de la música en las campañas comerciales,
políticas, contaminación ambiental, etc. Las cuales, causan lo que ahora
conocemos como contaminación acústica en nuestra sociedad actual. Aunado a
ello, el órgano auditivo no es modificable, pero la actividad fisiológica, emocional e
intelectual sí puede ser estimulada y desarrollada por medio de la audición.
Entre las principales dificultades que encontramos a la hora de trabajar la
Formación Auditiva en Primaria se citan posibles defectos auditivos, distintos
niveles de discriminación dentro de un mismo grupo, falta de concentración y
también una posible presión competitiva que suele caracterizar el comportamiento
de los alumnos en este tipo de actividades. Los métodos para trabajar la
discriminación auditiva (capacidad de reconocer, analizar, clasificar, ordenar
sonidos, ruidos, timbres, etc.) suelen implicar el trabajo empírico (experimentando
con instrumentos o con su propio cuerpo), a través de la comparación o del trabajo
analítico. La discriminación puede trabajarse de las siguientes formas (Pascual,
2002):
Descubrimiento y uso de la voz.
Trabajo con instrumentos.
Descubrimiento del entorno sonoro.
Descubrimiento del orden de los sonidos.
Descubrimiento del oído armónico y del oído interior.
Lectura y escritura musicales.
Dictados musicales rítmicos y melódicos.
La danza.
Globalización con otras áreas de la Educación Musical desde la percepción
y la emisión.
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Hay que tener claro dos fenómenos diferenciados que suelen confundirse con
demasiada frecuencia:
Audición: forma en que el organismo interactúa con el conjunto de estímulos y
estructuras musicales. Viene determinada por la memoria auditiva y las
experiencias musicales previas (lo que nos lleva a la importancia de una correcta
educación musical en todos sus aspectos), así como por la motivación, la
inteligencia y otros factores. Muchos autores se han referido a la Audición como
factor fundamental de la Educación Auditiva. Así, Willems nos hablaba de tres
tipos de audición, sensorial, afectiva y mental, Martenot proponía la educación del
oído absoluto y Kodály resaltaba la importancia de la audición relativa, más que la
absoluta.
Percepción auditiva: es un fenómeno global, contrario por lo tanto a la audición,
puesto que ésta es selectiva.
El proceso que se debe seguir en una correcta educación auditiva ha de comenzar
con la percepción, la discriminación y el reconocimiento auditivo, para
posteriormente abordar en secundaria la audición según estilos y periodos
artísticos. El objeto de trabajo ha de ser ejercitar con los niños la actividad mental
que exige la audición. Por lo tanto, se propone trabajar una audición consciente,
inteligente, capaz de juzgar, y que eduque la interiorización de la música -
escucharla sin necesidad de que suene- (Pascual, 2002).
Psicología de la Audición Musical
El proceso madurativo del niño implicará también un proceso de selección en los
procesos mentales que se ponen en juego en sus audiciones: pasará de una
simple percepción global a una audición más selectiva. Asimismo, las respuestas
a la música variarán con la edad, partiendo en el estado inicial de respuestas
motrices (desde seguir el pulso, hasta expresar distintos estados de ánimo según
la audición). Conceptos tales como la estructura de la melodía, la Forma Musical,
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las estructuras rítmicas o aspectos estéticos de la audición deberán ser abordados
de forma progresiva y cuando la madurez del niño sea la apropiada para este
trabajo. Podemos resumir por lo tanto en los siguientes momentos:
De tres a seis años: principalmente audición con respuesta motriz. Pueden ser
comentadas con los alumnos.
De seis a diez: respuestas orales, escritas, o plásticas (musicogramas).
De diez a doce: audiciones desde un punto de vista más estructural (Formas
Musicales, estructuras cadenciales, etc.), así como relacionar con la historia de la
música (vidas de compositores, anécdotas relacionadas con la obra escuchada,
etc.).
Didáctica de la Audición Musical
Maneveau (1993) hace hincapié en lo importante que es el silencio precedente y
consecuente a la audición, así como el evitar que el profesor anule las respuestas
emotivas y expresivas del alumno al exponer como principios las suyas. El papel
del profesor durante la audición es la de animador, buscando siempre la
motivación del alumno. Tampoco se ha de olvidar que el repertorio de audiciones
debe seleccionarse según criterios diferentes en cada momento (por ejemplo, si
puede relacionarse con algún otro contenido de la Educación Musical que se esté
explicando en ese momento, o por su relación con una época determinada del año
o del curso escolar, etc.), pero siempre buscándole un objetivo y una
significatividad a la misma.
Algunas de las adiciones que se consideran imprescindibles para la práctica
docente en Primaria son las siguientes:
El Cascanueces (Tchaikovsky).
El Carnaval de los animales (Camille Saint-Saëns).
Picolo, Saxo y Compañía (André Popp).
Sinfonía de los Juguetes (¿Edmund Angerer? Durante mucho tiempo
atribuida a Leopold Mozart).
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Guía para la joven orquesta (Benjamín Britten).
La capacidad de concentración de un niño en tiempo es muy corta durante sus
primeros cuatro o cinco años. Además, necesitan más atención cuando trabajan
con lenguajes abstractos como la música que concretos. Irá aumentando con la
edad, siendo el niño capaz de atender durante más tiempo a este lenguaje
abstracto a partir de los once años. Por ello, se recomienda en un principio
relacionar la audición con otros elementos: programas, cuentos, imágenes, etc.
Progresivamente se irán eliminando hasta no existir la necesidad de ningún otro
apoyo.
No se debe abordar como procedimiento correcto de audición en primaria la
simple escucha de la pieza musical. Por el contrario, se pretende una Audición
Activa, es decir, aquella en la que el alumno ha de aportar una respuesta en
relación con lo que está escuchando, ya sea a la vez que se está realizando, o
bien a posteriori (ésta última suele estar más referida a contenidos globales o
estéticos). Se utilizará como un medio didáctico musical que permita una mejor
apreciación de la música. Si en una primera audición el alumno permanece ajeno
a la misma, no ocurrirá lo mismo tras la interiorización de sus elementos de forma
activa, precisamente por estar actuando la memoria musical.
Aaron Copland admite en su libro "Cómo escuchar la música" (1993) la existencia
de tres planos de la audición:
Sensorial o Sensual: escuchar la música por el mero placer que produce; suele
ir acompañando la realización de otras tareas.
Expresivo: relacionándola con sentimientos asociados a elementos
extramusicales (serenidad, triunfo, tristeza, etc.). Esta audición es subjetiva,
puesto que puede dar lugar a sensaciones diversas entre los oyentes. Este plano
es el más trabajado en primaria: el material descriptivo suele ser muy empleado, y
suele asociarse cuentos, datos biográficos, hechos históricos, etc. También se
interesante abordar la relación entre la música y el cine.
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Musical y analítico: plano intelectual de la música. Es observar y analizar las
cualidades del sonido y los elementos del sonido. Importante señalar que este
plano no excluye a los anteriores, así como que se da tanto de forma inconsciente
como consciente.
El objetivo final en Primaria será llegar a este último plano, sin excluir los
anteriores. Jos Wuytack (a quien debemos la existencia del Musicograma)
afirmaba que la receptividad no se obtiene por el estudio teórico, sino que se
aprende a través de la actividad. Por ello, propone la audición activa trabajando
los tres planos, siendo el principal objetivo conseguir que los niños descubran el
placer de escuchar música, desarrollar una actitud receptiva, participativa y a la
vez crítica ante la audición musical. Para ello es conveniente preparar previamente
la audición de la música con algunas actividades como las siguientes (Moreno y
Müller, 2000):
Juegos rítmico-corporales con las mismas fórmulas de rítmicas de la
melodía.
Aprendizaje de una pequeña danza o coreografía sobre alguna parte de la
música.
Acompañamiento con instrumentos Orff mediante ostinati, o improvisando
con glissandos.
Cuentos musicales que se narrarán simultáneamente con la música.
Tocar alguna de las melodías con la flauta dulce.
Cantar algún fragmento o melodía con sílabas o letra.
Aprendizaje de alguna prosodia con el ritmo melódico.
Algunas de las actividades que podríamos hacer tras aquellas primeras son las
siguientes:
Movimiento libre con brazos siguiendo la música y representando los
distintos elementos de la misma, o a imitación del profesor.
Marcar pulso, acento, y otros elementos rítmicos sobre la música.
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Explicación de instrumentos, así como datos históricos de la obra y del
autor.
Creación de texto para la melodía.
Reconocer elementos formales de la música.
Seguir el musicograma o la partitura con la audición.
Realizar actividades no musicales en relación a la audición (plástica,
corporal, etc.).
Representación escénica o dramatización.
Extraer de la obra los elementos teóricos a explicar.
Ampliar la información de la música, autor, estilo, etc.
Trabajar la utilización de la música en vídeos, poesías, publicidad, etc.
Asistencia a conciertos.
El Musicograma es una representación esquemática del desarrollo de la música
empleando signos inteligibles para los "no" músicos (colores, figuras geométricas,
etc.) siguiendo una codificación predeterminada. Los contenidos de la Educación
Musical que se pueden trabajar en los Musicogramas son muchos: formas y
estructuras, instrumentos, texturas, etc. Existirá un eje temporal, que puede ser el
compás. Un alumno (o el profesor) deberá ir guiando y señalando en la pieza el
transcurso de la misma. Un posible esquema de trabajo de la Audición con
Musicograma sería:
Introducción a la audición.
Una primera audición.
Explicación del fragmento musical.
Segunda audición, con musicograma.
Información sobre la obra y compositor.
Tercera audición con musicograma.
Actividades complementarias.
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Las principales aportaciones de Sócrates a la estética se agrupan
en 5 tesis fundamentales:
1- La representación de la Naturaleza por el arte, Sócrates fue uno
de los primeros filósofos que intentaron delimitarlos rasgos
peculiares del trabajo del artista. Concretamente del pintor y del
escultor, es decir, intentó establecer los rasgos que distinguen las bellas artes
de otras actividades humanas. Sócrates explicó que mientras las otras artes,
como las del herrero o el zapatero eran objetos que la naturaleza no produce,
la pintura y la escultura repiten lo mismo que ya existe en la naturaleza, es
decir, la pintura y la escultura tienen un carácter imitativo y también
representativo que las diferencias de las otras. (Texto: “pintura es una
representación delo que se ve....”).
En efecto, esta idea era evidente para los griegos, pero carecían del concepto de
creación artística y éstos veían en el arte tres factores:
• El concebido pro la naturaleza: el material.
• Lo transmitido por la tradición: conocimiento.
• Lo que procedía del artista: el trabajo.
No conocían un cuarto factor, la creatividad individual, por lo que no valoraban la
originalidad por ello la idea de Sócrates fue, por tanto, aceptada y llegó a ser
fundamental en los primeros grandes sistemaséticos de Platón y Aristóteles.
Mimesis
Sócrates hablaba del concepto de mimesis pero no utilizó el término en sí. Este
punto de vista socrático de la mimesis se diferencia mucho de la mimesis de
Demócrito. Cuando éste habla de mimesis se refiere a que el arte en general debe
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imitar a la naturaleza en sus maneras de obrar, la de “remedar”. Éste es un
concepto más amplio que el de Sócrates, porque no hay que olvidar que Sócrates
se refiere exclusivamente a las artes de la representación. Aquí hay un problema
semántico.
Al principio de la cultura griega el término mimesis se utilizó para referirse a la
manifestación de los sentimientos, la expresión de las creencias vividas y todo ello
mediante gestos, sonidos y palabras. Es muy probable que el término mimesis
surgiera en relación al culto dionisíaco donde dominaba la mímica, el canto y las
danzas rituales de los sacerdotes. Todas esas cosas permitían la liberación de los
sentimientos y la purificación (música, danza, mímica...- triúnica choreica: sólo con
el tiempo se separan).El principio de mimesis se aplicaba a la triúnica choreica,
pero nunca a las artes plásticas. Demócrito da un nuevo significado a la palabra
mimesis, para él es remedar, imitar la naturaleza pero en todas las artes (“a la
araña en el tejer...”). Sócrates lo utiliza de una manera diferente. Lo utiliza en el
sentido de reproducir la realidad externa y lo aplica a la pintura y la escultura, pero
no utiliza la palabra mimesis.
2- La idealización del arte: En su diálogo con Parrasio, Sócrates decía: “al
reproducirlas figuras hermosas....”. Teoría de la idealización de la Naturaleza que
completa y modifica la teoría de la representación de la naturaleza por el arte. Con
estas palabras Sócrates nos dice algo importante: el arte no imita la Naturaleza,
sino que la mejora, la idealiza. El arte griego representa la realidad, pero no
exactamente, porque tenía un elemento de idealización.
3- La belleza espiritual: Afirma que el arte no representa sólo el cuerpo sino que
representa también el carácter del alma, es decir, se refiere a lo no visible, las
actitudes o disposiciones mentales, el sentimiento. Él decía que eso estaba por
encima de las posibilidades del arte porque el alma no tiene ni simetría ni color,
que son los elementos de los que se sirve el arte representativo. Esta idea es ya
una modificación realizada frente a una concepción puramente representativa del
arte.
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Es importante tener en cuenta esto: idealización del arte y cómo el arte no
representa solo el cuerpo sino también el alma, lo no visible. Las teorías de
Sócrates, por tanto, están presentes en el arte realizado en Grecia en esa época.
Para Sócrates, esa representación del alma lleva consigo el concepto de belleza
espiritual: concepto importante porque se aparta de la concepción pitagórica de
una belleza formal. A diferencia de los pitagóricos la belleza dependía de la
proporción, de la medida y el número, pero para Sócrates dependía también de la
expresión del alma, es decir, de la expresión de los sentimientos y emociones.
Esta teoría socrática establecía una conexión más estrecha entre la belleza y el
hombre, mientras que la concepción pitagórica buscaba la belleza en el cosmos
antes que en el hombre.
4- La belleza y su adaptación al fin: Para Sócrates la belleza de una cosa reside
en que se adapte a su fin. Cada cosa es hermosa si sirve bien a su fin, si hay
correspondencia entre el objeto y su propósito, por eso un escudo es bonito
cuando cumple bien su función, proteger. Sócrates identifica, por su parte, la
belleza con el bien. Sócrates identifica la belleza con el bien al igual afirma que
todo lo que es bueno es también bello.
Esa identificación era natural para los griegos y estaba presente en su tradición.
Primero porque encontraban bueno aquello que cumplía su función, además
porque consideraban la belleza en un concepto muy amplio, que incluía también
valores morales: belleza era aquello que gustaba y despertaba admiración.
Sócrates afirma que todo lo que es bello y bueno es, a su vez, útil, lo que se
adapta al fin. Además, Sócrates pensaba que tan sólo puede gustar lo que sirve al
objeto, lo bueno. La identificación de la belleza como adaptación al fin, y de la
belleza como lo bueno. Se resume con la última frase del texto: “todas las cosas
son buenas y hermosas para lo que vayan bien y malas y feas para lo que vayan
mal” .La belleza de la adaptación al fin, Sócrates la denominó con una palabra que
provenía de la misma raíz de armonía: armotton.
Sócrates aplicó especialmente a la arquitectura su idea de belleza como
adaptación al fin: “habrá de ser considerada con justicia la vivienda más
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hermosa....en la que el hombre se cobije mejor”, donde el propietario se encuentre
mejor, donde pueda dejar sus pertenencias con la mejor seguridad, sin importar la
cantidad y cualidad de escultura y pintura que tenga. Si cumple su función será
bueno y bello, sino no será apropiado. La tesis de adaptación al fin nos parece
relativista, porque habla de conveniencia. La diferencia es fundamental porque
para Sócrates un objeto es bello cuando se adapta a un fin, mientras que para los
sofistas el objeto es bello (útil) cuando se adecua, cuando conviene al gusto del
que lo mira. La postura de Sócrates era funcional, mientras que la postura de los
sofistas era subjetiva. La de Sócrates estaba condicionada a la función que el
objeto tenía que cumplir, mientras que para los sofistas era aquello que gustaba.
Sonsus tesis, por tanto, diferentes. Uno busca la utilidad mientras que los otros
buscan que les gustara particularmente.
5- Euritmia (Buenas proporciones). Sócrates habla de que la belleza se adapta al
fin, que tiene que ver mucho con el que la utiliza, no es la belleza en abstracto. La
belleza que se adapta al fin es la más perfecta para Sócrates. Con esta opinión,
Sócrates llevó esta doctrina al extremo. Para él las cosas feas pueden ser bellas si
son útiles, por ejemplo: decía que sus ojos eran feos pero eran bellos porque se
movían y podían mirar de frente, a los lados, y por eso eran bellos, porque eran
útiles. Los romanos tradujeron armotton (belleza adaptada al fin) por decorum o
aptum, distinguiendo dos tipos de belleza:• Decorum o aptum las cosas bellas por
su utilidad u objetivo. La belleza de lo adecuado.• Pulchrum las cosas bellas por su
forma. La belleza de la proporción. Por otra parte, Sócrates empezó a utilizar
términos que más tarde los griegos emplearían con mucha frecuencia. Por
ejemplo, la euritmia, las proporciones eurítmicas que estaban determinadas por la
existencia de unas medidas y unos ritmos adecuados. La palabra euritmia llegó a
ser un término básico para designar la belleza con un sentido restringido.
Actualmente se define como la buena proporción y correspondencia de las
diversas partes a una obra de arte. La relación armónica de unas partes con otras
y de éstas con el conjunto, por ejemplo Vitrubio, el escritor romano, diría que la
euritmia es la relación de unas partes con otras y de éstas con el todo.
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Para Platón el arte es una imitación, el artista copia lo que
percibe que a la vez es una imitación de la Forma verdadera.
De manera que un artista está alejado dos veces de la Verdad.
Platón valoraba las obras artísticas del hombre, como las
pinturas y las esculturas, pero su interés por la Verdad lo
llevaba a menospreciar el trabajo artístico.
En lo que se refiere a la pintura señalaba que un pintor se limita a ver nada más
que lo que percibe desde un solo punto de vista, el de él, que está lejos de lo
Verdadero.
Con respecto a la música, nos dice que produce solamente una sensación física
de goce , considerando que sólo se puede considerar como buena música a la
que imita el bien, porque también en la música hay que buscar la Verdad y no
quedarse solo con lo que la sensibilidad disfruta.
Por lo tanto, tanto la música como la pintura son copias de la Forma siempre que
sean reproducidas de la mejor manera posible.
A pesar de este concepto sobre el arte, Platón veía con buenos ojos que el Estado
diera lugar al arte no solo para educar sino también para el sano esparcimiento.
Un buen crítico sería, para este filósofo, aquel que tiene conocimiento de la
Verdad para poder evaluar con justicia si esa imitación es fiel a ella, más que
prestar atención a la calidad de su ejecución, o a los sonidos.
Una obra artística revela la imaginación creadora de un artista, en cuanto a que es
imitación de la Verdad, para conmover emocionalmente al público.
En este sentido afirmaba que hay que tener cuidado porque las emociones del
hombre pueden ser beneficiosas pero también dañinas.
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Esta concepción de Platón sobre el carácter imitativo del arte, evoca los dichos de
Mozart, quien afirmaba no tener la necesidad de hacer ningún esfuerzo para crear
su música porque podía captar la totalidad de la obra, en un solo instante como si
en su momento creativo estuviera fuera del tiempo.
Beethoven era sordo, discapacidad que a un compositor, se puede suponer,
debería inhabilitarlo para crear música, sin embargo, sin poder escuchar
absolutamente nada, pudo componer sus mejores obras. Decía que las escuchaba
en su mente.
Sin embargo, Platón reconocía que el arte ocupaba un lugar singular en la
actividad del hombre que según su punto de vista no se tenía que reducir a la
contemplación estética sino que debería estar al servicio de la educación y la
moral.
Platón no acepta de ningún modo la opinión de la gente común de que el objetivo
del arte sea proporcionar placer, sin por eso querer desdeñar complacerse con la
satisfacción que produce.
En el estado ideal Platón propone un estricto control y una censura rigurosa del
arte en cuanto se refiere a las expresiones que no tengan en cuenta los valores
morales.
Si el arte no es fiel reflejo de la Forma verdadera para Platón no vale nada porque
no sirve a los efectos de la educación.
De esta manera define el arte Platón, como una simple imitación de la Verdad
cuando es bueno y como una doble imitación, cuando copia la realidad que el
artista percibe, que a su vez Platón considera que es una copia de la Forma
verdadera.
En la antigua Grecia la estética estaba delimitada por dos conceptos
cuya importancia oscilaba dependiendo de la importancia que diera a
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cada uno en el filósofo de turno. Nos estamos refiriendo, claro está, a la belleza y
al arte. Así, mientras Platón consideraba al arte apenas un juego, siendo la belleza
lo realmente importante, formando parte junto al bien y la verdad de la tríada por la
que según el pensador ateniense se debía regir todo; a decir de Aristóteles el arte
era mucho más interesante que la belleza, por lo menos es lo que se puede
deducir de los textos sobre el tema que nos han llegado de él, que recordemos tan
sólo son una mínima parte del total, puesto que la mayoría se perdieron y no han
llegado hasta nuestros días.
El arte para Aristóteles
La concepción del arte aristotélica fue francamente dominadora durante muchos
siglos, todavía vigente en muchos aspectos, hasta el punto de que su obra
cumbre, la Poética, debiera ser de lectura obligatoria para, por ejemplo, cualquier
escritor. Es, por decirlo concisamente, un clásico.
Sin embargo, no es ni mucho menos una concepción, cuando él la formuló,
innovadora o transgresora, ya que partió de la idea de arte que de manera intuitiva
los griegos contemporáneos suyos hacían uso. Su verdadero mérito es coger esa
masa informe, intuitiva, de conceptos, y sistematizarla, de manera que se pudiera
elaborar una teoría, que se lo que él mismo llevó a cabo.
Quizás por eso, al contrario que su maestro Platón que trató de imponer sus
propias teorías, Aristóteles tuvo tanto éxito.
El filósofo estagirita aseguró que «del arte proceden las cosa cuya forma está en
el alma», asumiendo claramente que la obra artística es una creación humana, lo
que, como ya hemos visto en artículos anteriores, era una opinión generalizada en
el mundo griego.
Al estar en la mano del ser humano el ser producidos o no, no surgen de la
necesidad, como así ocurre con los creados por la naturaleza.
El arte es producción
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Aristóteles consideraba tres diferentes actividades humanas: investigación,
actuación y producción. Todo lo que realiza o puede realizar una persona entrará
sin remisión dentro de una de estas actividades. En este caso, el arte pertenecería
a la última, la producción, que a diferencia de las dos anteriores, tiene como rasgo
esencial el que produce, nos deja un producto final tangible, que podemos tocar,
ver y/o usar.
Pero que todo arte sea producción no significa que toda producción sea arte. Para
ello el producto debe ser fruto de «una producción consciente, basada en el
conocimiento».
Este énfasis en el conocimiento no es baladí puesto que aleja al arte de la
inspiración de las Musas, los poetas ya no serían los voceros de los dioses, sino
que su trabajo dependería de su conocimiento, de su experiencia, de su
conciencia artística que se debería fundamentar en una serie de reglas a seguir
por el artista.
Se considera como la división de la historia del arte que se
centra en su estudio e interpretación formal, técnica,
estructural, e ideológica (iconográfica, iconológica) y en su
explicación histórica; aunque la arqueología es la ciencia
histórica cuyo objeto es la cultura material de la que las
obras de arte son la manifestación más valiosa, y es la
encargada de su descubrimiento y análisis contextual.
Va desde el comienzo de la Historia hasta la caída del
Imperio Romano de Occidente(siglo V).
Al contrario que la civilización occidental, las civilizaciones africanas, extremo-
orientales y americanas no experimentaron la marcada discontinuidad que el arte
occidental presenta entre el arte antiguo y el arte medieval; con lo que éste último
concepto no suele aplicarse a estas civilizaciones.
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Arte del Antiguo Egipto
Una de las características del Antiguo Egipto es su singular arte, con obras
monumentales que generalmente tenían carácter simbólico funerario o religioso.
Aunque el concepto de Arte es moderno, es perfectamente utilizable en la
arquitectura, escultura, pintura y joyería egipcias, siendo muchas de sus
realizaciones obras de arte y no simples trabajos de artesanía.
Gracias al seco clima de Egipto y a ser enterradas por la arena del desierto (o por
sus propietarios, para gozar de ellas en la "otra vida") nos han llegado en
aceptable estado de conservación multitud de auténticas obras de arte, a pesar de
la utilización de los monumentos como canteras, las guerras o los innumerables
saqueos de tumbas y templos.
· Pintura: Se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en
planos superpuestos. Las imágenes se representan con criterio jerárquico, por
ejemplo: el faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los enemigos
que están a su lado.
· Escultura: Comienza a representarse a faraones y dioses. Predominaba la "ley
de la frontalidad", que consistía en concebir las figuras de reyes y dioses para ser
vistas de frente, idealizadas y con fuerte simetría. Las representaciones de los
cortesanos siempre eran más reales.
· Arquitectura: se caracteriza por su monumentalidad a partir del Imperio Antiguo,
con el empleo de piedra, en grandes bloques, sistema constructivo adintelado y
sólidas columnas. En la arquitectura civil se empleó profusamente el adobe en
viviendas, palacios, fortalezas y murallas.
Arte de la Antigua Grecia
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Estilo elaborado por los antiguos artistas griegos, caracterizado por la búsqueda
de la “belleza ideal”, recreando el “mundo ideal” del modelo platónico, o mediante
la «imitación de la naturaleza» en el sentido de la mimesis aristotélica.
La cultura establece los fundamentos de la cultura occidental. De ella surgieron los
conceptos y principios del arte, la filosofía y el saber posterior.
El arte antiguo griego ha perdurado en la forma de esculturas y arquitectura;
también en artes menores como el diseño de monedas, el grabado de alfarería y
gemas. Los griegos, como la mayoría de las culturas europeas, consideraron la
pintura como una de las formas más altas de arte.
Los pintores griegos trabajaron generalmente con paneles de madera.
De las obras maestras de la pintura griega tenemos solamente algunas copias
realizadas en las épocas romanas, la mayoría de ellas son de una calidad inferior.
Las pinturas en cerámica, de la cual han sobrevivido muchas piezas, sobre todo
del período arcaico, dan un cierto sentido de estética a la pintura griega. Muchas
esculturas de dioses paganos fueron destruidas durante la era cristiana.
Desgraciadamente, cuando se calcina el mármol se produce la cal, y ése era el
destino de muchas obras de mármol griegas durante la Edad Media. Durante ese
mismo período, debido a la escasez de metales, la mayoría de las estatuas de
bronce eran fundidas
· Arquitectura: caracterizada por las elegantes columnas de piedra y los frontones
triangulares esculpidos de los tres estilos arquitectónicos que se desarrollaron
entre el 600 y el 300 a. Estos estilos fueron creados para construir templos a los
dioses. Esculpidos en mármol. La gran mayoría de edificios griegos no han
perdurado, debido a varias razones: fueron destruidos en guerras, saqueados para
obtener materiales de construcción o abatidos por terremotos.
1. Dórico: es el más antiguo y el más simple, con columnas firmes y frentes
cubiertos con esculturas que, podían pintarse de rojo o azul para generar impacto
(El Partenón)
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2. Jónico: apareció alrededor del mismo tiempo en las ciudades más ricas de Asia
Menor. Sensación de más ligereza y es más decorativo, con columnas esbeltas
destacando volutas ensortijadas en cada esquina. Alcanzó su apogeo en el
Templo de Artemis en Efeso, fue considerado una de las Siete Maravillas del
Mundo (Templo de Atenea Nike en Acrópolis).
3. Corintia: Se caracterizaba por intrincadas hojas espinosas de acanto,
esculpidas en los capiteles de las columnas, que puede reflejar la influencia del
Medio Oriente. Estilo arquitectónico favorito de la Roma Imperial.
· Cerámica: para uso cotidiano, o de carácter fúnebre, donde se emplearon
grandes jarrones muy bien provistos.[ Estos jarrones estaban ornamentados con
representaciones lineales, y motivos relacionados con la muerte, como batallas
marítimas o terrestres. La mayor parte de la alfarería está compuesta por piezas
domésticas, de las que perduraron recipientes tales como las ánforas, pequeñas
cráteras e hidrias. Por otra parte, de la cerámica funeraria se han encontrado
varias urnas. También se fabricaron figurillas en barro cocido, principalmente para
ser depositadas como ofrenda en los templos.
Entre los años 550 y 480 a.C el arte en cerámica sufrió una gran transformación;
además, los autores incluyeron sus nombres, el nombre del alfarero o del pintor
que decoraba aquellas piezas (también existían algunos artistas que practicaban
ambos labores). La alfarería ateniense y Corintia destacaron por sobre las demás.
Atenas creó las primeras representaciones del estilo bello; recipientes con figuras
rojas sobre fondo negro. Medios de comunicación en arte y estética.
Existen dos medios audiovisuales a través de los cuales se puede educar, divertir,
informar y contribuir en el desarrollo cultural de un pueblo. Ambos medios son
considerados una expresión del avance tecnológico de la humanidad, son una
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forma de conocer otras culturas, pueblos, y una forma moderna para la expresión
artística.
El Cine
Tiene como principio captar imágenes en movimiento que posteriormente serán
proyectados sobre una pantalla mediante la cámara de proyección
cinematográfica. El aspecto artístico del cine se observa en las creaciones de
escenarios, calles, viviendas, paisajes, vestuario, maquillaje, actuación de los
personajes, trabajo de los camarógrafos, iluminación de escenas, color, sonido,
efectos especiales, dirección general de la película, entre otros. Por esta razón se
ha considerado el cine como el "séptimo arte", porque hacer buen cine es crear
una obra de arte.
Técnicas utilizadas en el cine
El close up: consiste en el acercamiento sobre un detalle con el fin de poder llamar
la atención sobre el mismo.
El primer plano: se obtiene cuando se enfoca un detalle o un objeto para que se
destaque del conjunto que hay a su alrededor.
Visión panorámica: consiste en captar la mayor cantidad de elementos naturales,
culturales y humanos que existen en el ambiente donde se realiza la filmación.
Las ilusiones o trucos: el cine se vale de muchos artificios por medio de los cuales
se crean diferentes ilusiones que hacen creer al espectador que lo visto es
auténtico y real, por ejemplo, escenas de guerra, crímenes, ciencia - ficción, entre
otras.
Es importante señalar que el rodaje de una película es muy costoso en tiempo,
dinero y recursos humanos, y que después de un largo proceso donde que hay
que repetir escenas o episodios, la película es comercializada y puede exhibirse
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en las salas de cine.
El cine ha abordado todo tipo de temas, para identificarlos han sido clasificados
en una serie de géneros, algunos de estos son:
Tabla 1.-
Género
Cinematográfico
Características
Cine de Terror Se vale de personajes monstruosos, fantasmas, brujas,
vampiros, para inspirar miedo.
Cine Religioso Películas donde predominan historias bíblicas o de
Cristo.
Cine Policíaco Sus tramas tienen relación con crímenes, policías,
detectives.
Cine de Dibujos
Animados
Se basa en dibujos o muñecos que adquieren vida en la
pantalla. El gran impulsor de este género fue el genial
Walt Disney.
Cine Musical Destacan canciones, danzas e interpretaciones
musicales.
Cine de Dramático Representa las pasiones humanas, conflictos familiares
o sociales.
Cine Cómico Situaciones creadas de manera artificial, que provoca la
risa de los espectadores.
La Televisión
Este medio de comunicación y recreación
ha pasado a ser "uno más de la familia".
Es un medio poderoso que presenta
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semejanzas y diferencias con el cine. A continuación la descripción de algunas
semejanzas y diferencias.
Bajo una sola dirección general, en ambos medios intervienen diferentes
directores: de interiores, exteriores y fotografía, entre otros.
Existe una dirección técnica encargada de supervisar las actividades de
camarógrafos, luminotécnicos, electricistas, fotógrafos, maquilladores,
escenógrafos y muchos especialistas más.
Cuenta con artistas principales y secundarios que intervienen en la producción.
Trabajan ayudantes y obreros encargados de transportar materiales y equipos
hasta donde se necesiten, o para la construcción de escenarios artificiales.
Utilizan las mismas técnicas de filmación: close up, primer plano, visión
panorámica, u otros.
Diferencias:
La televisión tiene mayor fuerza de comunicación. Se
obtienen informaciones completas porque presentan al
autor o testigo de los acontecimientos, en especial
cuando hay transmisiones "en vivo y en directo".
Ofrece una comunicación sin fronteras (hasta los
astronautas se comunican con la tierra).
Establece un contacto con el público televidente que participa visual y
emocionalmente con lo que se transmite: espectáculos, artistas, competencias
deportivas, de conocimiento, entre otros tipos de programas.
La televisión está directamente incorporada a la cultura del mundo actual, es
importante tener presentes algunos "inconvenientes" de la televisión que causan
serios problemas si no son tomados en cuenta, estos son:
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Su atracción es tan fuerte que puede inducir a la inactividad, al descuido de
los deberes escolares y hasta aislar a los integrantes de la familia.
Enseña de todo sin atención a los diferentes grados de madurez y
emotividad de los espectadores, esto conlleva a imitar formas de ser y de
comportamientos que no están acordes con la moral y buenas costumbres.
La publicidad (cuñas), acaparan la mayoría de sus espacios, con palabras que
ofrecen lo mejor y con imágenes atrayentes que invitan a adquirir los productos,
llevando a las personas a consumir cosas que realmente no necesitan.
P.E.I.C: Es un instrumento que permite definir las estrategias de gestión escolar,
en la búsqueda de alternativas de solución a las problemáticas o debilidades que
afectan directamente el quehacer educativo.
Participantes: Docentes, estudiantes, administrativos, consejos comunales
obreros y obreras padres, madres, representantes organizaciones comunitarias y
bajo el principio de la corresponsabilidad bajo la dirección del director (a).
Finalidad: Es establecer de manera sencilla y precisa los aspectos filosóficos que
orientan la misión de la escuela. Implica tener claro cuál es nuestra finalidad,
quiénes somos y hacia dónde vamos.
La formación de un ser integral social, solidario, critico, creativo y
autodidacta.
El ejercicio de una cultura para la paz.
La participación democrática.
La creatividad y las innovaciones educativas.
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El empleo de las T.I.C.
El trabajo productivo y liberador.
La consolidación de valores.
La conciencia ambientalista.
El desarrollo endógeno.
La Identidad local, regional y nacional.
El rescate de los valores históricos.
La valoración de la interculturalidad y la diversidad cultural.
Los medios de comunicación alternativos.
El PEIC se desarrolla en cuatro fases:
Fase i: diagnóstico situacional
1. Reseña de la comunidad.
2. Reseña de la institución datos de identificación. Reseña histórica. Su evolución.
Matricula. Estructura física. Ubicación. Dotación. Recursos con que cuenta. Redes
que le apoyan. Misiones que trabajan en ella. Misión y visión. Se aplican técnicas
e instrumentos de recolección de información para establecer un diagnóstico de la
comunidad.
Reseña de la institución los estudiantes: origen, características sociales,
económicas, costumbres, manifestaciones culturales, actividades deportivas,
necesidades educativas, estilos de aprendizaje, condiciones físicas y mentales,
valores, actitudes. Personal docente, administrativo, obrero, personal directivo,
principales organizaciones: toda la información posible… la escuela: reseña
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histórica, todo lo relativo a infraestructura y mobiliario; los recursos tecnológicos y
didácticos, entre otros…. Condiciones sanitarias, ambientales y de seguridad, los
servicios básicos y generales. La comunidad: reseña histórica, caracterización de
las necesidades sociales, culturales, deportivas, de salud entre otras….
Organizaciones existentes se conforman comisiones de trabajo para el desarrollo
colectivo. Se culmina con una síntesis de la información a través de la elaboración
de la matriz foda.
Fase ii: matriz foda
A partir de la matriz total se construye la nueva misión, visión y finalidades de la
escuela misión: son los fines de la institución durante un periodo escolar.
Visión: es la proyección y los alcances a largo plazo.
Finalidades: son consideradas por áreas de acción o ejecución: pedagógica,
cultural, deportivas, socio-comunitarias, socio-productivas, apoyo educativo.
Fase iii: plan de acción área: pedagógica, cultural, deportivas, socio-comunitarias,
socio-productivas, apoyo educativo.
Finalidad: (qué se persigue) meta actividades tareas fechas responsables
recursos observación
Áreas de ejecución pedagógica: se refiere a los proyectos de aprendizaje a
ejecutar en el año escolar. Cultural: festivales, actos culturales, aniversarios, voz
del representante…. Deportivas: juegos inter grados, inter escuelas,
campeonatos……. Socio-comunitarias: jornadas de salud… talleres para padres,
socio-productivas: proyectos de aprendizaje escolares, huertos escolares,
manualidades, periódicos escolares…. Apoyo educativo: gestiones para el
mantenimiento de la infraestructura, dotaciones…..
Fase iv: ejecución y evaluación se lleva un control y seguimiento de las acciones
que se han propuesto para poder saber los objetivos que se han logrado
Proyectos de aprendizaje (P.A)
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Son una herramienta de planificación pedagógica, que parte de un diagnóstico
realizado en el aula y permite la organización de los aprendizajes, a través de un
conjunto de acciones que se deben complementar con el objetivo general del
P.E.I.C.
Se centra en la investigación acción.
Orienta y direcciona el proceso de aprendizaje.
Enfatiza la estructura constante y dinámica del saber.
Promueve el trabajo cooperativo.
Está orientado hacia la transformación social, mejorando las condiciones de
vida.
Debe ser abordado de una forma creativa.
Finalidades de los P.A .
Contribuir a que los estudiantes desarrollen sus capacidades para crear,
producir, reflexionar y valorar.
Desarrollar las capacidades para resolver problemas de manera reflexiva y
critica.
Favorecer una actitud investigativa y constructiva.
Indagar diferentes ámbitos de la sociedad.
Promover el trabajo en colectivo.
Formar para la vida.
Garantizar la contextualización de los aprendizajes relacionándolos con la
realidad histórica y social de los estudiantes.
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¿De dónde se origina el p.a.? Conocimientos habilidades potencialidades
necesidades intereses comunitarios temas del contexto P.E.I.C. Experiencias
Pasos para elaborar el p.a. I. Identificación datos de la institución. Nivel grado
docente lapso de ejecución. Titulo
Ii. Finalidad anteriormente llamados objetivos. Son los resultados que se esperan y
quieren lograr con la ejecución del p.a. Debe ser clara y precisa. Se consideran los
aspectos del diagnóstico.
Matriz integradora necesidades del diagnóstico intencionalidades y pilares:
aprender a crear: creaciones literarias. Cuentos. Aprender a convivir y participar:
trabajo en pareja, trabajo cooperativo. Aprender a valorar: desarrollar el sentido de
pertenencia por su entorno. Aprender a reflexionar: análisis reflexivo. Ejes
integradores: ambiente y salud integral interculturalidad. Tecnología de la
información y comunicación trabajo liberador título finalidad del P.E.I.C
contextualizado en la redacción de las actividades se debe evidenciar la inserción
de las intencionalidades
III. Plan de trabajo áreas : finalidad: actividad estrategia componentes contenido
intencionalidad ejes integradores recursos ambiente y salud integral
interculturalidad. Tecnología de la información y comunicación. Trabajo liberador
IV. Evaluación, áreas, indicadores, técnicas, instrumentos, forma y tipo:
Autoevaluación Coevaluación, heteroevaluación, Diagnóstica Formativa y
Sumativa
Clase participativa: es una forma de organización de los procesos de aprendizaje
en la que interactúan maestros, maestras y estudiantes, y éstos últimos entre sí,
tomando en cuenta los siguientes momentos : inicio, desarrollo y cierre. Recursos.
Técnicas e instrumentos de evaluación. Observaciones.
Plan integral es la forma para planificar componentes en áreas de aprendizaje que
no se abordan con los p.a. Debido a su complejidad o naturaleza, se integran a los
pilares y a los ejes. Éstos se desarrollan en una o dos clases.
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Finalidades:
Desarrollar potencialidades que son esenciales en el logro de mayor
complejidad.
Profundizar aspectos abordados sutilmente que requieren niveles más altos
de apropiación y abstracción.
Las Situaciones Vivenciales de Formación (S. V .F), son una herramienta
fundamental para el desarrollo del aprendizaje integral.
Las S. V. F. contiene una serie de contenidos,
conocimientos y momentos entre los cuales están:
Situación Inicial Natural (S. I. N.), Situación Genésica
Conceptual (S. G. C.) esta incluye la Situación Genésica
Procedimental (S. G. P.); finalmente está la Situación
Post - Vivencial (S. P. V.)
Se busca que los niños y niñas de un grado de Educación Básica, comprendan de
manera lúdica algunas nociones básicas del área en estudio, relacionándolos con
la elaboración de la formación estética; con esto se pretende generar un
aprendizaje integral en los niños (as), ofreciéndoles situaciones significativas para
proporcionar nuevos conocimientos.
Da la oportunidad de brindarle al niño (a) un desarrollo en las áreas. Siendo el
maestro generador de problemas y el animador pedagógico, para así poder lograr
en el niño (a) un desarrollo integral en todos los aspectos que puedan contribuir
satisfactoriamente en su vida diaria. El estudiante comprenderá y analizará un
problema o situación determinado haciendo uso de sus conocimientos, esto le
permitirá hacer predicciones, comparaciones, análisis, observaciones y
exposición de argumentos acerca de las interrogantes que se le presentarán en
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torno a los contenidos, a la vez procurará darle una respuesta de acuerdo al nivel
de comprensión que haya logrado.
En esta situación, se pondrá de manifiesto el conocimiento previo que tiene el
niño (a) a través de textos de completación y relación, ya que el generador de
problemas que es el docente da inicio al diseño con las diferentes dificultades o
problemas, esta situación le permite al estudiante enfrentarse a una serie de
incógnitas reflejadas a través de sus procesos cognitivos en donde el alumno
hará uso de su potencial creativo e imaginativo para el desarrollo de sus
estructuras de conocimiento previo y a las adquiridas en base a las nuevas
experiencias que le permitirán construir nuevos modelos y diseños donde se
destaque la productividad de sus trabajos.
Tipo de conocimiento: aquí el niño(a) pone de manifiesto el conocimiento
espontaneo a partir del cual forma y construye algo como él mismo piensa, es
decir su propia voluntad o impulso interior sin indicación de otro.
Momento o Parte: 1era Parte
En esta parte o momento de la Situación Vivencial de
Formación el alumno(a) confronta el conocimiento
previo con sus compañeros, ya que el animador
pedagógico o docente les presenta las actividades
planteadas en la situación inicial natural para que
ellos construyan conocimientos lógicos formales
sobre el tema ordenando y estructurando su conocimiento.
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Tipo de Conocimiento: Esta situación consiste en darles al niño y la niña las
posibles soluciones de las actividades preliminares y que las confronte con su
labor realizada para obtener el conocimiento ordenado y estructurado, con el
objetivo de que el niño(a) exponga su punto de vista, de forma individual, además
defienda su opinión para que pueda llegar a construir su propio conocimiento, lo
internalice y quede como un aprendizaje significativo.
Momento o Parte: 2da Parte
Se pone de manifiesto el conocimiento lógico formal adquirido a través de la
realización de lo expuesto, es decir, el (la) niño (a) pone en práctica sus nuevos
conocimientos, en el aula de clases.
Tipo de conocimiento: aplicado-práctico
Momento o parte: 3era parte
En esta situación los alumnos (as) transfieren a
la comunidad, escuela, amigos y familiares los
conocimientos adquiridos, ya que estarán en
condiciones de ejecutar otras praxis que le
permitirán resaltar y elevar el conocimiento de
acuerdo a la realidad contextual en la que
está inmerso. Cabe resaltar que el éxito del conocimiento que
transferirá dependerá de las estrategias que utilice para que ese conocimiento
llegue a la comunidad y así crear una cadena de aprendizajes que se
multipliquen.
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Con la fusión de los conceptos previstos en el desarrollo del trabajo, como
docentes nos hacemos de una cantidad de conocimientos en cuanto estrategias
para enseñar principalmente el arte y la estética, su historia (mundo antiguo) y la
flexibilidad que tiene para adaptarse a distintas maneras de enseñarlo, como lo
son: proyectos de aprendizaje (desarrollo de una aptitud reflexiva con respecto al
conocimiento y el aprendizaje cooperativo), proyecto integral comunitario ( se
refiere a ponerse en contacto con las personas que hacen vida dentro del contexto
de la institución, además aprovechando el poder intelectual que habita en dicha
comunidad), medios de comunicación (utilizando la TV y el cine para expresar el
rimo y el sonido), situaciones vivenciales de formación (compuesta por: situación
inicial natural, situación genésica y situación genésica procedimental, las cuales
permiten evaluar paso a paso la investigación y el progreso obtenido por el
estudiante), entre otras.
Los fundamentos conceptuales a la hora de llevar a cabo dichas estrategias, son
los aportes de: 1- Sócrates: Quien afirmaba que el arte constituye una
representación o imitación de la naturaleza y también de la parte subjetiva del
autor, además la obra artística tiene que moverse dentro de unas proporciones y
debe cumplir un propósito para poder ser bella. 2- Platón: Este exponente filósofo
pensaba que el arte no era tan importante para el ser humano pues no llevaba a la
verdad, sin embargo, afirmaba que la música y la obra artística se hacía desde la
subjetividad para el disfrute de la estructura física del hombre. Por último,
Aristóteles, quien consideraba al arte como un producto de hombre, muestra de
hacer tangible su conocimiento subjetivo.
Frase: “del arte proceden las cosa cuya forma está en el alma”. Aristóteles.
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