Fotografia Manual Aspectos Basicos 2010 01-21-016

UNET, Dpto. Ing. Electrónica, Tito González, 21 Ene 2010, Fotografía, Aspectos Básicos. 1 / 101

Universidad Nacional Experimental del Táchira.Departamento de Ingeniería Electrónica.Autor: Tito González.San Cristóbal, Jueves 21 de Enero del 2010.

FOTOGRAFIAAspectos Básicos

INTRODUCCION.

Hoy en día, con el desarrollo tecnológico en la construcción de los sensores CCD, los servomecanismosde los sistemas ópticos, las tarjetas de memoria y los procesos de manufactura en el dispositivo final se logra unagran diversidad de modelos y relativo bajo costo para la adquisición de cámaras fotográficas. Sin embargo, lapremisa fundamental que debe tenerse presente es que: la fotografía no se encuentra en la cámara, se encuentraen quien observando por el visor busca la imagen y procede a capturarla.

En ese sentido, la pregunta es: ¿Que debo observar por el visor?. Obviamente la respuesta es tan ampliacomo lo que nuestros ojos pueden ver, sin dejar de tener presente que el dispositivo fotográfico, cualquiera quesea, solo puede tomar una parte o sección de lo que vemos y por tal motivo hay que buscar la manera deorganizar los elementos de la imagen (composición fotográfica), siendo allí donde realmente se encuentra lafotografía.

OBJETIVO GENERAL.

Poner a disposición del lector, de manera estructurada, una serie de conceptos básicos que le permitanorganizar ideas y definir un método propio de trabajo que se encuentre basado en las reglas fundamentales dela fotografía.


CONTENIDO.

1. Partes de la cámara. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 51.1. Los lentes de la cámara u Objetivos. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 61.2. Tipos y propiedades de los objetivos. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 61.3. La apertura de la lente. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 11

1.3.1. La profundidad de campo. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 111.4. El obturador. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 12

1.4.1. Tipos de obturadores. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 131.4.2. Velocidad del obturador y movimiento del objeto. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 14

1.5. Elemento de registro, de la Película al CCD. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 151.5.1. ISO Digital: la relación señal-ruido. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 171.5.2. ¿Mas pixeles es mejor?. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 18

2. Cuidados de la cámara. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 202.1. ¡Cámara al agua!. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 21

3. Accesorios. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 233.1. Cómo Elegir Bolsa para la Cámara Digital sin Morir en el Intento. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 24

3.1.1. ¿Cómo elegir el modelo de bolsa que se necesita?. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 253.2. Tarjetas de memoria. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 26

3.2.1. Algunos consejos para comprar tarjetas de memoria. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 283.2.2. Algunos consejos para el cuidado de las tarjetas de memoria. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 29

3.3. Batería o Pilas. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 303.3.1. Los componentes que más energía consumen en una cámara digital. . . . . . . . . . . . . . 323.3.2. Algunos consejos para que la batería dure más. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 32

3.4. Tripode. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 33

4. Configuración de la cámara, algunos símbolos. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 354.1. Luminancia, los modos de medición. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 37

4.1.1. Medición Puntual de la Luz (spot metering). . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 384.1.2. Medición Ponderada al Centro (average metering). . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 384.1.3. Medición Matricial (matrix or pattern, metering). . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 384.1.4. ¿Cuándo Utilizar cada Método de Medición?. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 38

4.2. Balance de Blancos. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 394.2.1. Por qué se necesita el balance de blancos. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 394.2.2. El Balance de blancos en las cámaras digitales. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 404.2.3. Los Modos del Balance de Blancos. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 404.2.4. Ajuste Manual del Balance de Blancos. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 40

4.3. Temperatura del color. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 41

5. Como sujetar la cámara. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 435.1. Cómo NO se debe sujetar la cámara. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 445.2. Cómo SI se debe sujetar la cámara. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 455.3. Qué hacer cuando se olvida el Trípode, o no hay. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 45


6. El enfoque. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 476.1. ¿Cómo enfocar?. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 476.2. Términos Relacionados con el Enfoque: Profundidad, Hiperfocal y Bokeh. . . . . . . . . . . . . . . . 486.3. Modos de enfoque: Los Modos Automáticos y el Modo Manual. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 49

6.3.1. Modo Automático, AF (Auto Focus). . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 496.3.1.1. ¿Como lo hacen?. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 496.3.1.2. Tipos. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 50

6.3.2. Modo Manual, MF (Manual Focus). . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 506.4. ¿Enfoque Manual o Automático?, ¿Cuándo Usar Uno u Otro?. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 506.5. La Importancia Del Enfoque: El Retrato. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 51

7. Exposición. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 527.1. ¿Qué es la Exposición?. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 527.2. La Luz, Principio Fundamental en Fotografía. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 52

7.2.1. Entendiendo la Exposición con Ejemplos. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 547.2.2. ¿Y la sensibilidad ISO?. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 547.2.3. ¿Cómo afecta el uso de cada parámetro?. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 54

7.3. Subexposición, Exposición Correcta, y Sobreexposición. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 547.3.1. Los 3 Factores que Determinan la Exposición. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 557.3.2. La Exposición. Relación entre los 3 Factores Determinantes. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 557.3.3. ¿Cómo Medimos la Exposición? El Histograma y el Exposímetro. . . . . . . . . . . . . . . 56

7.3.3.1. El histograma. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 567.3.3.2. El Exposímetro. Nuestro Experto en Exposición. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 57

7.3.4. Compensación de la exposición. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 587.3.5. En Resumen... . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 58

8. Iluminación, de nuevo la Luz. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 598.1. Factores que determinan la iluminación. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 59

8.1.1. Luz y Color. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 628.2. El uso del Flash. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 64

9. Como realizar buenas fotografías. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 669.1. La lectura de la imagen. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 66

9.1.1. Equilibrio. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 669.1.2. Proporciones. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 67

9.2. El centro de interés. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 679.2.1. Como atraer la atención del espectador. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 69

9.3. La composición fotográfica. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 709.3.1. Posibilidades de control sobre la imagen. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 70

9.3.1.1. El plano fotográfico. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 719.3.1.2. El Encuadre. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 739.3.1.3. El punto de vista y el ángulo de la toma. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 74

9.3.2. Composición en sí, la colocación de los elementos en la imagen. . . . . . . . . . . . . . . . 769.4. Reglas, y Directrices básicas de la composición fotográfica. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 78

9.4.1. Regla de los tercios. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 799.4.1.1. Norma del horizonte. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 80

9.4.2. Regla de la mirada. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 819.4.3. El equilibrio. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 819.4.4. Las lineas. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 82


9.4.4.1. Líneas Horizontales. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 839.4.4.2. Líneas Verticales. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 849.4.4.3. Líneas Diagonales. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 859.4.4.4. Las líneas convergentes. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 85

9.4.5. El patrón o Ritmo. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 879.4.6. La Forma y el Volumen. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 889.4.7. Tono, Contraste, y Color. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 899.4.8. La textura. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 919.4.9. Perspectiva. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 929.4.10. Profundidad de campo, Enfoque total o selectivo. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 929.4.11. El movimiento. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 939.4.12. Impares. El interés de los grupos de tres. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 949.4.13. El espacio negativo. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 95

10. El retrato. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9610.1. Las imperfecciones del acercamiento. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9610.2. El fondo del retrato. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9710.3. El retrato ambientado. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9710.4. Directrices específicas para retratos. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9710.5. El retrato de Niños. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 98

11. Almacenamiento de los archivos. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 10011.1. Algunas normas para la organización de archivos fotográficos. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 100


1. Partes de la cámara.

Cada cámara, reducida a sus componentes más básicos, es simplemente una caja con una apertura conun fin de admitir luz y un dispositivo al fin de retener película. La forma del cuerpo y los aspectos activos, sinembargo, varían con tipos diferentes de cámaras.

A excepción de las cámaras de agujero (pinhole), todas las cámaras modernas tienen una lente montadasobre el hoyo por donde penetra la luz, cuyo fin es tomar cuadros lo más intensamente posible con menos luz.Un dispositivo mecánico llamado contraventana controla la cantidad de tiempo que la luz se admite en la cámara.Algunos obturadores son operadas a resorte; otros se regulan electrónicamente. El disparador del obturador esuna palanca, o botón de estímulo que activa la misma.

Todas las cámaras tienen algún tipo de sistema de inspección u ocular: un sistema para el fotógrafo, paraque pueda ver el campo de vista planeada por la lente. Hay tres tipos principales de oculares: el visor, lente dereflejo simple, y lente de reflejo doble. El más simple y más fácil de operar es el visor y el lente simple pequeñode las cámaras reflex. El visor es comúnmente un sistema simple de lente; iluminado desde el objeto y pasandomediante un visor al ojo y mediante una lente diferente a la película. El lente simple de las cámaras reflex tienesistemas separados de visor e impresionador de película. Durante el encuadre, un espejo refleja la luz ascendenteque entra en la cámara y mediante un prisma que vuelve la imagen al derecho. Cuando se toma un cuadro, los


espejo se mueven hasta permiten que la luz impacte la película. El lente doble de las cámaras reflex posee dosespejos y dos de lentes, uno es el visor y el otro es para crear la imagen sobre la película. Las lentes se acoplanmecánicamente para estar en el foco simultáneamente.

Dependiendo de la cámara, la película puede ser avanzada a mano, por un enrollador eléctrico, o por lacámara automáticamente después de cada exposición.

1.1. Los lentes de la cámara u Objetivos.

El propósito de una lente de cámara está transmitir rayos de luz en la cámara y los enfocarlos para formaruna imagen intensa sobre la película. Con las cámaras más simples no se requiere ningún ajuste de enfoquemanual. Todos los objetos, desde unos pies en la frente de la cámara a una gran distancia, se registrarán en unaimagen razonablemente intensa. Las cámaras más avanzadas, sin embargo, tienen un control de enfoque queajusta la lente para que los objetos a una distancia dada desde la cámara estén en el foco en la película.

Con algunas cámaras los focos se toman simplemente por estimación del fotógrafo de la distancia alobjeto y colocando el enfoque en una escala en la cámara marcada en números o distancias. Con cámaras detelémetro el fotógrafo ajusta una aguja que se encuentra en la parte de arriba con respecto a otras dos fuera delobjeto. Con cámaras reflex la lente se ajusta hasta que la imagen sobre la pantalla del ocular aparezca en el fococon respecto a un pequeño círculo.

Algunas cámaras se equipan con un sistema de microprocesador, que enfoca utilizando señales ópticas,infrarrojas, o ultrasónicas. El fotógrafo activa el sistema al poner una leve presión sobre el disparador, y centrarel objeto mediante el ocular. El sistema de la cámara mide la distancia al objeto y automáticamente ajustaconsiguientemente las lentes para lograr el enfoque.

1.2. Tipos y propiedades de los objetivos.

El tipo más simple de lente es el menisco, un simple pedazo curvado de vidrio óptico o plásticomoldeado. Todas las lentes sufren de imperfecciones o aberración cromatica. Estas pueden ser su alcance ynitidez de imagen. La calidad mejora apreciablemente, al montar dos o más elementos de lente individuales comouna unidad. Las lentes más complejas pueden tener una docena o más de tales elementos. En la mayoría de laslentes de buena calidad, estos elementos se revisten con una capa delgada del fluoruro de magnesio o alguna otrasustancia para reducir reflejos internos.


Los objetivos tienen longitudes focales fijas. La longitud focal de una lente es la distancia desde el centroóptico de la lente al plano focal (en este caso, la película) detrás de la cual la imagen se forma más intensamentecuando la lente se enfoca en un objeto distante, se dice que esta enfocado en el infinito y por tanto se encuentrasobre su Hiperfocal, longitud focal de una lente se da a veces en pulgadas, pero usualmente se da en milímetros(mm) o centímetros (cm).

Para el trabajo fotográfico ordinario, las cámaras se equipan con una lente de longitud focal de "norma"o "normal" . Esta longitud es aproximadamente el valor de la diagonal del marco de la película. Las lentesnormales no equiparan comúnmente a la diagonal de la película exactamente. Por ejemplo, en la diagonal de unanorma 35 - mm el marco del negativo es 43.2 mm, pero las lentes con una longitud focal desde 38 mm a 58 mmson normales para este formato.


Algunas cámaras, incluyendo las 35 - mm tienen lentes intercambiables, las cámaras reflex (SLRS),permiten al fotógrafo cambiar las lentes. Aunque una lente de longitud focal normal puede llegar a sersatisfactoria en muchos casos, hay ocasiones en las que una lente de longitud focal más corta o más larga puedeser deseable.

Una lente que tiene una longitud focal considerablemente más corta que el de una lente normal se llamaun objetivo gran angular. Provee una imagen menor del objeto pero cubre un campo de vista más amplio. Se usafrecuentemente cuando el fotógrafo quiere incluir más de la escena original en el cuadro pero es incapaz de irmás lejos del objeto, como, por ejemplo, cuando tomando un cuadro en una sala pequeña. Un objetivo granangular puede dar también un cuadro con un efecto de perspectiva exagerada y de gran profundidad. Paracámaras de 35 - mm, los objetivos gran angular se encuentran disponibles con longitudes focales que van desde35 mm a 15 mm.


Las lentes con una longitud focal que es considerablemente más larga que la normal se llaman de focolargo u objetivos de acercamiento (teleobjetivos). Técnicamente estos no son idénticos. Las lentes de foco largoson abultadas; los objetivos de acercamiento se construyen para ser más compactas. En la práctica, sin embargo,las lentes de foco largo de todos los tipos son indiscriminadamente llamadas telefoto. Tales lentes proveen unaimagen más grande del objeto pero cubren un campo más estrecho de visión de lo que lo hacen las lentes delongitud focal más corta. Los objetivos de acercamiento pueden usarse para magnificar un objeto distante, poresto se usan frecuentemente en la fotografía de fauna silvestre. En el retrato, un objetivo de acercamientointermedio puede minimizar distorsión de perspectiva, y en la fotografía de paisaje un objetivo de acercamientopuede aplanar una escena para lograr un efecto más bidimensional.

Con una lente convencional la longitud focal es fija, pero una lente de zoom provee al fotógrafo una gamacontinua de longitudes focales. Hay zoom de ángulo ancho, zoom telefoto, y zooms versátiles que pasan deángulos anchos, longitudes focales normales, y la gama del telefoto.

Las macro y micro lentes están especialmente diseñadas para tomar fotografías de aproximación deobjetos. Las lentes ojo pescado son ultra anchas, son lentes angulares que dan una imagen de la escena deformadacomo si se encontrase en una "pecera".


1.3. La apertura de la lente.

Las cámaras ajustables se equipan con un diafragma de iris, un dispositivo ubicado en el objetivo, o muycerca de este que consiste en una superposición de láminas delgadas que se pliegan juntas para crear un hoyo detamaño continuamente variable. De esta manera la apertura puede ajustarse para admitir más o menos luz segúnse requiera. El diafragma se marca comúnmente con una serie de símbolos llamados paradas (stops), que sondesignadas por números-f (f/number, f/stop), tal como f/5.6 o f/8. Los números-f expresan la relación inversa quehay entre la longitud o distancia focal y el nivel de apertura del iris, de manera tal que un número-f grande indicauna apertura pequeña, mientras que un número-f pequeño indica una apertura grande, o mas iluminación.

Dentro de esta misma idea, debe indicarse que las secuencias de números-f son propias de cada objetivo,por sus dimensiones constructivas, y por tal motivo distintas entre modelos de lentes. Sin embargo,independientemente del fabricante y tipo de objetivo, hay una relación constante entre números-f contiguos devalor 2, ya sea de manera inversa o directa según sea el caso.

En ese sentido, cuando se dice "Parar" o "cerrar una parada" es colocar el control de diafragma en lasubsiguiente marca de parada de menor apertura, por ejemplo desde f/2 a f/2.8, o desde f/16 a f/22. Esto reducela cantidad de luz admitida a la mitad en cada caso. Por otra parte, "Abrir una parada" significa colocar elcontrolador del diafragma en la subsiguiente apertura más amplia: f/11 a f/8 o f/5.6 a f/4, por ejemplo. Estoduplica la cantidad de luz admitida en cada caso.

1.3.1. La profundidad de campo.

La apertura de la lente no solamente controla la cantidad de luz que entra en la cámara, también afectaotro aspecto fundamental de la fotografía como es la profundidad de campo. Esta se refiere al rango en frentey detrás del enfoque-objeto que incidirá en de los detalles que quedaran en la imagen final, es decir, los objetosadicionales delante y detrás del personaje o punto de interés que quedaran enfocados en la fotografía.

La profundidad de campo depende de la apertura del lente (apertura del diafragma, f/stop), la distanciade la cámara al punto de enfoque, y la longitud focal de la lente. Como se puede apreciar, es un aspecto con tresvariables a trabajar con lo cual desde este punto de vista se hace muy complicado.


Por regla general, se puede establecer que: Una apertura pequeña de lente ( f/stop grande) nos dará comoresultado una mayor profundidad de campo, mientras que: Una apertura grande del lente (f/stop pequeño) nosdará como resultado una menor profundidad de campo.

Otra manera de enunciar esta regla es: A veces los fotógrafos quieren tanta profundidad de campo comosea posible a fin del registrar objetos severamente claros desde las cercanías hasta la infinidad. En este caso sefijaría la apertura práctica más pequeña. En otras circunstancias se podría preferir una profundidad somera decampo para hacer que un objeto permanezca enfocado mientras el resto se encuentran sin definición, de lineassuaves o desenfocado. En este caso se usaría una apertura de lente amplia.

La principal ventaja en la fotografía de una profundidad de campo pequeña, es que refuerza la sensaciónde tridimensionalidad, mientras que para una imagen panorámica, lo más indicado es una gran profundidad decampo para que todos los objetos queden enfocados en la imagen.

1.4. El obturador.

El propósito del obturador es regular la cantidad de tiempo que la luz penetra en la cámara e incide sobrela película o CCD durante una exposición. En principio, se puede considerar al obturador como el elementomecánico que hace posible la fotografía ya que por una parte debe garantizar la obstrucción total de la luz parano velar la película o establecer una condición de registro “cero” en el CCD, y por la otra debe regular la cantidadde tiempo que la luz reflejada por los objetos a fotografiar incide sobre el elemento de registro sobre el cual se


fijará la imagen. En principio, el obturador funciona en un ciclo Obscuridad-Luz-Obscuridad, donde el tiempoque dura la fase “Luz” será el tiempo de exposición. Este dispositivo como tal viene fundamentalmente en dosformatos.

1.4.1. Tipos de obturadores.

Un tipo básico de obturador que se encuentra en muchas cámaras simples de 35 mm de objetivo fijo, esel que se parece a un iris compuesto de láminas de superposición para cierre total y que se ubica detrás de lalente. Las láminas abren y cierran totalmente durante la exposición para admitir la luz. Un segundo tipo seencuentra en cámaras de 35 mm de objetivo intercambiable, es el obturador de plano focal suspendido el cualse ubica en el dorso de la cámara y en frente de la película. En este tipo de obturador dos persianas opacas ocortinas barren el frente de la película. Las cortinas se desplazan a la misma velocidad pero se ajustan para creartajos o aberturas de diversos anchos los cuales determina el tiempo de exposición.

La mayoría de las cámaras proveen un método de velocidad o tiempo regulable de obturador, por mediosmecánicos o electrónicos. Las velocidades de obturador pueden oscilar desde un segundo a tan poco como1/4.000 de un segundo. Una gama promedio de escala velocidad de obturador para una cámara 35 mm SLR(Single Lense Reflex) podría ser tal como se como se indica a continuación: 1/2, 1/4, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125,1/250, 1/500, 1/700. Note que cada marca es aproximadamente el doble de rápida que la anterior y la mitad derápida que la siguiente.


Muchas cámaras también tienen o una T (para el tiempo) o B (para la bombilla o el memorial), quepermite al fotógrafo hacer exposiciones más largas de las que son provistas por la escala del obturador. Esteaspecto es útil para tomar fotografías en la oscuridad y crear efectos especiales. Muchas cámaras se equipantambién con un cronómetro. Los fotógrafos pueden poner la cámara sobre un trípode u otro apoyo, activar elcronómetro, el cual da varios segundos para ponerse a sí mismos en el cuadro antes que el obturador se active.Especial cuidado debe prestarse a la velocidad de obturación de 1/60 la cual se resalta en la figura anterior pormedio de una X, esta marca indica que esa es la velocidad que debe seleccionarse siempre que se utilice el flash,ya que al momento del destello, las cortinas estarán totalmente separadas de manera tal que el ancho de laabertura será del tamaño del cuadro de la película y por tanto toda su superficie estará expuesta al reflejo del flash

1.4.2. Velocidad del obturador y movimiento del objeto.

La velocidad del obturador determina cuan efectivamente un objeto móvil puede ser "parado" esto es,cuan correctamente puede reproducirse sin entorpecer o distorsionar la imagen final. Con una velocidad deobturador rápida, el obturador se abre brevemente y el objeto móvil tiene poco tiempo para cambiar su posiciónantes de la exposición sea completa. Por otra parte con una velocidad de obturador lenta, el obturador quedaabierta un tiempo relativamente largo.

Así, con una velocidad de obturador más rápida un objeto móvil aparecerá congelado o mejor definidosobre la imagen final. En cambio, con una velocidad de obturador más lenta el objeto aparecerá borroso omovido, siendo un caso especial el de los fuegos pirotécnicos ya que en la imagen se registrara la trayectoria delas luces.

Este principio también se mantiene para el movimiento de cámara. Con una velocidad de obturador másrápida, será menos perceptible cualquier sacudida de la cámara en la fotografía final. Esta es particularmenteconveniente cuando se esta sosteniendo una cámara mientras se esta tomando un cuadro con un objetivo deacercamiento. La lente magnifica el efecto de movimiento de la cámara, si la cámara se mueve ligeramentecuando el cuadro se esta tomando, la imagen final aparecerá borrosa. Para evitar esto, muchos fotógrafosseleccionan una velocidad de obturador más rápida que 1/125 de segundo para tomar fotografías con la cámaraen la mano, aunque algunos fotógrafos tienen éxito con una velocidad de 1/60 o 1/30 de segundo.

El obturador de la cámara debe parar la velocidad evidente del objeto o la velocidad a que su imagen semueve a través de la película, sin considerar el movimiento real del objeto en relación a los elementos en suentorno. Factores tales como la distancia, dirección de movimiento, y la longitud focal de la lente deben sertomados en consideración para fotografiar objetos en movimiento. Generalmente, cuanto más cercano seencuentre el objeto móvil a la cámara, mas difícil sera “congelar” la imagen, aunque los trazos borrosos refuerzan


la sensación de movimiento. Así, si se desea conseguir una imagen nítida, la mayoría de los fotógrafos evitanun acercamiento extremo a los objetos en movimiento.

En las imágenes en movimiento, la longitud focal también juega un papel importante en la imagen final.Una lente con una longitud focal larga magnificará la imagen y su movimiento aparente. El movimiento aparentees más grande cuando el objeto mueve en ángulos rectos a través de la línea de visión, y es menor cuando elobjeto mueve directamente hacia la cámara o se aleja de ella. La mayoría de las veces los fotógrafos desean deparar todos de movimiento para una imagen clara y nítida. Sin embargo, a veces, usan velocidades de obturadormás lentas para producir una expresión de movimiento.

1.5. Elemento de registro, de la Película al CCD.

La película es el material básico de fotografía. Consiste en una emulsión de cristales microscópicos dehaluro de plata que son sensibles a la luz, en función de su tamaño, y que se encuentran suspendidos en unagelatina a base de celulosa para evitar que se aglutinen. Esta gelatina se aplica como revestimiento en un plásticoflexible que es el material de apoyo. La película de color también incluye diversas tinturas, en capas, y otrosingredientes químicos por color, sin embrago, el principio es el mismo.

La película se abastece en una variedad amplia de formatos, o dimensiones, para adaptarse a los muchostipos de cámaras disponibles. La mayoría de las películas 35 mm poseen perforaciones en los bordes y songuardadas en cartuchos, pero es también esta disponible en volumen para quien prefiere cargar la película porsí mismos. La película de rollo es una película sin perforar, se encuentra en tiras enrolladas sobre carretes paraun gran número de formatos. Para cámaras profesionales medianas y grandes, las hojas individuales de películay los paquetes de films están disponibles.


La velocidad de reacción de una película a la luz se refiere como su sensibilidad para iluminar, lo cualindica que a mayor sensibilidad, mayor será el tamaño de los cristales de haluro de plata . Una película rápida,o altamente sensible, puede producir una imagen satisfactoria con menos luz que la que se requería por unapelícula más lenta o poco sensible. La sensibilidad de la película se designa por un índice de exposición ocantidad de luz, valor numérico que se encuentra establecido actualmente por la Organización Internacional deNormas (ISO), aunque previamente existían las normas ASA para Norte América, DIN para Alemania, apartede la escala Rusa.

Las películas de ISO 100 y menores se consideran poco sensibles, el valor de ISO 200 se la considerade sensibilidad intermedia, y la de valor ISO 400 se la considera de alta sensibilidad, y las de ISO 800 o más,se las considera películas ultrasensibles.

En las películas de elevado valor ISO , tiende a ser su imagen más granulada por el efecto del tamaño delos cristales, razón por la cual no se las utiliza para realizar fotografías que han de ser ampliadas. Este efecto degranulado se ocasiona tanto por el tamaño del cristal de haluro como por el efecto de agrupación de las partículasde plata durante el proceso de revelado de la película, de manera tal que en la imagen aparecen como unos granosmoteados o decorados diferentes. Naturalmente, cuanto más se amplía una imagen, más evidente es el grano. Así,para una mejor calidad de imagen, la mayoría de los fotógrafos siguen una regla general: "Escoger una películaque es suficientemente sensible para sus necesidades, pero no más de lo necesario".


En resumen, la sensibilidad ISO marca la cantidad de luz que necesita nuestra cámara para hacer unafotografía correctamente iluminada. Este concepto, que se trae de la fotografía convencional o analógica, semantiene en la fotografía digital, aunque sus fundamentos son algo diferentes. Con el paso a la fotografía digital,se conservó el concepto de sensibilidad ISO, aunque el funcionamiento del sensor no tiene mucho que ver en esteaspecto, y el resultado, tampoco.

1.5.1. ISO Digital: la relación señal-ruido.

Señal es toda información significativa para construir un mensaje. Ruído es cualquier otra informaciónque acompañe a la señal dificultando su transmisión, almacenamiento y comprensión.

En las cámaras digitales, el sensor o CCD es el chip encargado de la captura de la imagen. Estácompuesto por una malla de cientos de miles o millones de celdas fotosensibles o fotodiodos en las que se recibela imagen formada por el lente.

Cada una de esas celdas genera una corriente eléctrica en presencia de la luz. Esa corriente eléctrica seráluego convertida en datos numéricos que se almacenarán en forma digital binaria en la memoria de la cámaradando origen a un píxel. Cada una de esas celdas genera una cantidad más o menos fija de corriente eléctrica (ypor lo tanto de datos) al azar, aún en ausencia de la luz y en relación a la temperatura ya que se trata de ruidotérmico.

La sensibilidad de cada uno de los elementos del sensor es fija, con un valor aproximado equivalente a100 ISO. Los índices ISO superiores que nos ofrece la cámara digital se logran no por un incremento en lasensibilidad de los elementos fotodiodos, sino por una amplificación posterior de la señal que estos emiten.

Como estos elementos tienen una emisión de señal de base mas o menos fija, al capturar una señallumínica débil y amplificarla, estamos amplificando también una buena porción de la emisión de datos aleatoriadel chip por efecto del ruido térmico, con lo que se mezclará una cantidad de señal aleatoria sin contenido a laseñal correspondiente a la imagen.

Como corolario de todo lo anterior se puede enunciar que: La mayor calidad de imagen con una cámaradigital se obtendrá usándola a su menor sensibilidad ISO equivalente. El uso de sensibilidades ISO mayores setraducirá en un aumento de pixeles distribuidos al azar o ruido, principalmente en las zonas de sombra de laimagen. El ruido, a diferencia del grano, no será proporcional en toda la imagen, sino que se manifestará deforma más evidente en las zonas oscuras.


Por otra parte, el ruido se manifiesta más en algunos canales o colores que en otros. Normalmente el canalazul suele ser el que contiene más ruido. Se puede editar este canal posteriormente con algún programa deedición para reducir el ruido mediante una aplicación de filtros adaptativos o de inteligencia artificial, en elprograma procesador o editor de imágenes.

1.5.2. ¿Mas pixeles es mejor?.

.- ¿Cuántos megapíxeles tiene la tuya?.

.- 6.

.- La mía tiene 7, te gané.

Esto que parece un partido de truco, donde el que más tiene gana, es lo primero que se fija la gentecuando va a comprar una cámara: la cantidad de píxeles. Más píxeles implica mayor resolución, lo que permiteimpresiones en papel de mayor tamaño. Hasta acá parecería que más píxeles es mejor, pero ¿qué pasa con lasensibilidad?. Todas las marcas sacan modelos nuevos año tras año, y siempre con más megapíxeles, pero nosiempre con un sensor más grande. O sea, muchas veces meten más píxeles en el mismo sensor del modelo delaño pasado. Esto debe ser motivo de cierto nivel de desconfianza, ya que más píxeles en el mismo área de sensorimplica que los píxeles son más chicos, y por lo tanto tienen menor capacidad para capturar luz. En definitiva,el sensor es menos sensible, y menos inmune al ruido en condiciones de baja iluminación. Y ojo que“condiciones de baja iluminación” no significa sacar una foto a la luz de una vela, significa que la luz disponibleno alcanza para sacar la foto que nosotros queremos en las condiciones existentes.

Esto de meter más píxeles en el mismo sensor se ve más frecuentemente en cámaras compactas, yjustamente es más crítico porque por ser compactas el sensor ya de por sí es pequeño. Es conveniente tomar comoreferencia que el sensor de una cámara compacta promedio tiene unos 7 mm de diagonal y una resolución de 6Mp. Si las especificaciones dicen por ejemplo que una cámara tiene 8 Mp en el mismo tamaño de sensor, ya esmotivo de desconfianza. O por lo menos, en el estado en que está actualmente la tecnología de los CCD y la


fotografía digital.

Como corolario de lo anterior, se puede indicar que la cantidad de megapixeles de la cámara fotográficano es lo importante a la hora de adquirirla, lo realmente relevante es la longitud diagonal del sensor CCD, parautilizar un solo número, y la tecnología con el que esta construido ya que las imágenes de 2 megapixeles sepueden imprimir perfectamente en papel común a tamaño carta (8.5 x 11 pulgadas) en impresoras comercialesde inyección de tinta sin mayor menoscabo en la calidad de la imagen.


2. Cuidados de la cámara.

Una vez que ya se tiene la cámara (digital o de rollo), lo que interesa es conservarla en el mejor estadoposible a lo largo del tiempo. A continuación se indican algunos consejos para que la cámara luzca (y funcione)transcurrido el tiempo como si fuera el primer día.

El componente más importante y delicado al mismo tiempo que la cámara es el lente u objetivo. Se tratade la ventana a través de la cual se ve el mundo, por lo que mantener su transparencia será vital para sacarinstantáneas de calidad. Si se raya, el daño será prácticamente irreparable, es por tal motivo que debe evitarsepor todos los medios el contacto directo de la lente con cualquier tipo de elemento. Especialmente los dedos, quea menudo, manchan de grasa y, a veces, rayan las capas protectoras y hasta el material de que esta hecho la lente.El objetivo debe limpiarse SI, Y SOLO SI esta sucio, lo ideal es utilizar kits de limpieza de lentes fotográficosque harán perfectamente el trabajo. En segundo lugar, es posible utilizar productos concebidos para la limpiezade los lentes correctivos, material que se puede encontrar en las ópticas. En tercer lugar, se podría utilizar alboholde 100º, preferiblemente, Y NUNCA UTILIZAR ALGODON, en su lugar debe utilizarse el papel de colar café,ya que este es microporoso con la particularidad de estar diseñado para atrapar particulas y no desmenuzarse niliberar hebras. En cualquiera de los tres casos, el movimiento del elemento limpiante debe ser circular y en unsolo sentido. A la lente, se la debe considerar tan delicada que solo debe ser tocada en caso de necesidad real.

Por otar parte, es necesario mantener el cuerpo de la cámara limpio y libre de polvo y arenilla. Para elloprocura guardar la cámara en una funda o bolsa siempre que no esté en uso. Si se ensucia podrás limpiarla conuna pera de goma para el soplado, un pincel de cerdas no muy duras, ideal con la pera, y con un paño suave yseco. Por lo que se refiere a la pantalla LCD puedes echar previamente un poco de vaho sobre ella para facilitarla tarea.

Es muy importante mantener perfectamente secas las cámaras digitales (excepto aquellas especialmenteconcebidas para ser resistentes al agua). Si accidentalmente se moja, apágala lo antes posible, extrae las bateríasy la tarjeta de memoria y déjala secar durante un par de días. Si transcurrido este tiempo la cámara no funciona,deberás contactar con el servicio técnico.

Además, se debe evitar exponer la cámara a elevadas temperaturas, como el carro o sobreelectrodomésticos de cocción, o dejarla al sol directo. Si no se va ha utilizar durante un tiempo considerable, sedebe extraer las baterías y la tarjeta de memoria, si es posible, almacenandola junto a algún sobrecito de sílicagel. Por último, si crees que las condiciones en que vas a querer tomar fotos son muy arriesgadas compra unacámara desechable. Mejor eso que perder una cámara digital.


2.1. ¡Cámara al agua!.

Esta es una situación que esperamos nunca tener que vivir y por tanto recurrir al siguiente procedimiento.Sin embargo, suceda o no, es importante saber que hacer y como hacerlo. Si alguna vez se cae la cámara al aguay logramos sobrevivir al posible infarto posterior hay un par de métodos para intentar salvar la cámara de lo quepodría ser una muerte más que probable de nuestra compañera inanimada. Lo más importante es no perder eltiempo y hacer todo con rapidez, razón por la cual se enuncian los pasos a manera de manual de operaciones.

• Sacar la cámara del agua lo antes posible y apagarla si estaba encendida. No quedarse como untonto viendo como hace glub, glub y esperando que toque fondo. Cuanto menos agua penetre enel interior mejor. Cada segundo cuenta, y podría ser que no estuviese todo perdido.

• Quitar las baterías de operación y la pila de memoria de fecha-hora (una pila plana tipo botón),si la usa, ¿Sabes donde está la pila de memoria?. De no ser así, estamos tardando en revisar elmanual de usuario..... Unos segundos más o menos puede significar que la cámara vuelva afuncionar o no.

• Quitar el objetivo (si es desmontable), extraer la tarjeta de memoria, y abrir todas las tapas quetenga la cámara.

• Si se ha caído al mar o en una piscina, sumerge la cámara en agua dulce (mineral de ser posible),para eliminar las sales. ¡Que más da!, ya está mojada, que cuesta volverla a mojar.

• Secar con una toalla, soplar con una pera de goma y luego volver a secar con bastoncitos para losoidos.

• Sumergir en alcohol de 100º , isopropílico en defecto, y agitarla suavemente para que penetre portodas las posibles ranuras y aberturas de la cámara.

• Volver a secar con una toalla, pera de goma, y bastoncitos, todo lo que podamos.

• Dejar secar al aire un par de días, más no expuesta al sol. Si se utiliza el secador de cabello, solocomo soplador, para evitar el recalentamiento y daño de la electrónica.

• Colocar las baterías de operación y la pila de la memoria. Rezar un par de avemarías o elequivalente en la religión local. Los no creyentes también, que nunca se sabe con estas cosas.....

• Cruzar los dedos y encender la cámara.


El alcohol isopropílico diluye el agua que pueda haber en el interior de la cámara y hace que la humedad(agua) disminuya. Una vez secada a mano, el alcohol que haya quedado dentro se evapora con facilidad y noacelera la corrosión y oxidación como lo hace el agua. Con un poco de suerte es posible recuperar la cámara. Encaso de que se moje con agua salada las esperanzas disminuyen bastante. El “problema” del método del alcoholes que cualquier pegamento que haya dentro pueda despegarse (es un disolvente) pero esto no debería echarnospara atrás ya que es un mal menor.

Durante la etapa de secado, se puede envolver la cámara en bastante papel de periódico, o se la puedemeter en una bolsa plástica con bolsitas o bolitas de sílica gel, pero estos métodos tienen menos garantías.


3. Accesorios.

Todo buen aficionado a la fotografía sabe que nunca es suficiente el dinero gastado en nuestro equipofotográfico. A medida que mejoramos nuestra destreza con la cámara y comenzamos a acostumbrarnos con losdistintos parámetros a tener en cuenta como la profundidad de campo, la abertura, el enfoque, etc … vamosapreciando en mayor medida la calidad de una pieza o lente.

Un buen aparejo de fotógrafo no se consigue en un solo día, y uno de los mayores alicientes de invertirdinero en ello es que en este segmento los cambios no se producen de la noche a la mañana, y esto se traduce enque un objetivo canon, por poner un ejemplo, del año 82 es perfectamente reutilizable en un moderna réflexdigital en la actualidad.

En verdad es muy caro mejorar y completar un equipo, ya que los materiales suelen ser de noble calidadcomo el cuero, aleaciones de metal, etc, o están formados por mecanismos muy precisos o lentes de extremacalidad, pero por otra parte, pocas cosas producen tanta satisfacción al obtener resultados.

Aún así, habiendo la disponibilidad económica y de mercado, lo anteriormente enunciado puede serresumido en la siguiente pregunta: Accesorios fotográficos; ¿Muchos o pocos?.

Como en todas estas cosas, la respuesta radica en varios factores ya que todos los accesorios de fotografíatienen su utilidad, pero el disponer de muchos o pocos depende fundamentalmente de dos aspectos: De la cámaraque utilicemos, y de lo que deseemos lograr con ella.

A continuación se enuncian algunos de ellos, detallando mas adelante los cuatro primeros que son deimportancia fundamental, ya que la lista es extensa.

• Bolsa o Maletín.• Tarjetas de memoria.• Baterías.• Trípode.• Objetivos.• Filtros.• Parasol.• Disparador.• Fotometro.• Flash.• Otros...


3.1. Cómo Elegir Bolsa para la Cámara Digital sin Morir en el Intento.

Uno de los principales inconvenientes de manejar una cámara de mediano tamaño (Bridge, aficionado)frente a una compacta (Compact, principiante) es el volumen que ocupa. Si vienes del mundo de las compactas,seguro que tenías resuelto este problema, pero es más que probable que la bolsa de tu antigua cámara te hayaquedado pequeña.

Y es que la cámara de mediano tamaño o una réflex (SLR, Profesional) no va a caber en cualquier bolsa.Aparte de que es un producto lo suficientemente delicado como para llevarla en cualquier lado sin la suficienteprotección. Si además te planteas adquirir algún accesorio o simplemente ya lo tienes, necesitarás huecosadicionales en tu medio de transporte.

Lo primero que vas a comprobar es que, al igual que las cámaras réflex no son baratas, las bolsas paratransportarlas tampoco lo son. Pero a medida que vayas conociendo las funcionalidades que tienen, descubrirásque su alto precio está por lo general más que justificado. Según su forma y tamaño existen distintos tipos debolsas.

Sheath (Funda): Es la bolsa más elemental que se pueda encontrar. Es la funda con la que vienen porlo general las cámaras compactas en el paquete de compra. Obviamente, solo cabe la cámara para unaprotección general y simple.

Holster (Pistolera): Es el modelo más sencillo de bolsa para una cámara de tamaño mediano. De hecho,su nombre es bastante descriptivo, puesto que, al igual que los "Vaqueros" en las películas del Oeste su"pistolera" les servía exclusivamente para enfundar su arma, en nuestro caso la cámara fotográfica, estetipo de funda sólo te permitirá guardar la cámara y, a lo sumo, alguna tarjeta de memoria o batería extra.Si lo que se busca es un modelo de bolsa sencillo, portable, y en el que básicamente quieres guardar tucámara, éste es el modelo más aconsejable. Si buscas guardar además otros accesorios como objetivos,filtros, y hasta un mini-trípode, este no es el modelo más conveniente.

Shoulder (Maletin de hombro): Como era de esperar, la bolsa o maletín (suave) de hombro es detamaño superior a la bolsa tipo holster. A diferencia de la anterior, te ofrece la posibilidad de guardar másaccesorios en sus diferentes compartimentos. El nombre viene, por supuesto, de la forma de portar estetipo de bolsa, pues tiene una cinta para llevarla al hombro. En este sentido es recomendable llevarlacruzada para evitar deslizamientos o caídas aparte de proteger la espalda, si es de tamaño considerable,durante largas caminatas. En este tipo de bolsas, al igual que en el resto hay que vigilar siempre que elgrado de acolchado de los compartimentos sea adecuado para proteger tu cámara y los distintosaccesorios que guardes en la bolsa.

Slingbag (Bandolera o Mochila de una sola correa): La principal ventaja que aporta esta variedad conrespecto a la anterior es una mayor comodidad a la hora de transportar los accesorios, al estar acolchadoel contacto con la espalda y ser más ergonómico. En tamaño y capacidad probablemente sean similares,si bien el hecho de contar con una sola cinta (a diferencia de dos como los morrales de toda la vida) haceque con un simple gesto se pueda acceder al compartimento principal, donde está tu cámara, y fotografiarrápidamente.

Backpack (Morral de las de toda la vida, dos correas): Las diferencias con respecto a la anterior sonbásicamente: mejor reparto del peso de cara a proteger nuestra espalda, al contar con dos correas, unapara cada hombro; mayor capacidad, precisamente, gracias a que al estar más repartido el peso es viableque el fotógrafo pueda llevar un mayor número de accesorios con cierta comodidad en una mochila más


grande. Su principal inconveniente con respecto a las mochilas de una correa, su contenido no esaccesible sin quitarte el morral. Si eres de los que les gusta llevar muchos accesorios y tus paradas parahacer fotos son largas, es probable que éste sea el modelo más apropiado en base a tus necesidades,aunque considera siempre el "incordio" de tener que quitarte la mochila para poder acceder a la cámara,si es que quieres llevar la cámara en la bolsa y no colgada al cuello o en el hombro como acostumbranmuchos.

Case (Maletín rígido): Como cabía esperar, en el campo de las bolsas también hay un apartado paraprofesionales o, al menos, para aquellos que, primero, tienen una gran cantidad de accesorios y, segundo,quieren llevarlos todos juntos. El modelo más adecuado para este tipo de fotógrafo al que le gusta llevarconsigo un equipo numeroso y voluminoso y que no les importa "cargar" a cambio un mayor peso,menor ergonomía y peor portabilidad, es el maletín rígido o mini-maleta que incluso vienen concompartimientos y separadores de nivel.

3.1.1. ¿Cómo elegir el modelo de bolsa que se necesita?.

Busca, Infórmate, Compara y Decide. Una vez que conoces la “amplia” variedad de categorías quepueden existen en el mercado local, lo primero que debes decidir es el tipo de bolsa que quieres. Ya se sabe queno ofrece las mismas posibilidades una de tipo Funda que un Maletín.

Así que en primer lugar, se debe decidir qué es lo que se quiere: llevar más accesorios, o llevar la cámaray que no resulte un auténtico "incordio", o, quizás, sea preferible quedarte en un término intermedio.


Una vez que se sabe lo que se quiere, o lo que se necesita, se entra en el maravilloso mundo de las“Marcas y las opiniones” de la gente que las ha probado, si es que las conoces. En resumen a este respecto,Nunca se debe dejar de revisar el acolchado y las costuras, aparte de que por supuesto quepan todas las cosas quedeseamos llevar en la bolsa.

3.2. Tarjetas de memoria.

Las tarjetas de memoria son esas piezas de las cámaras digitales que juegan el papel del conocido 'rollo',película o film en sus hermanas las cámaras analógicas. Dicho de otra manera: en las tarjetas de memoria sealmacenan las fotografías de las cámaras digitales. A continuación se describen los diferentes tipo de tarjetas dememoria y sus principales características, con el objeto de conocer las implicaciones que tiene el que una cámaraadmita uno u otro tipo de tarjetas.

CompactFlash (CF): Se trata de tipo de tarjeta que más se usa en la actualidad en el campo de lascámaras digitales, aunque también se usa con otros dispositivos, como las PDA's. Fue desarrollado porSanDisk en 1994 y existen dos modalidades de tarjetas CF: Type I de 3,3 mm de espesor y menorcapacidad. Type II de 5,5 mm y de alta capacidad, existe un modelo singular dentro de este grupollamado Microdrive. Las tarjetas CF son extraordinariamente robustas, aguantando golpes y condicionesadversas sin perder datos. Ademas tienen una gran capacidad de almacenamiento llegando hasta los 3GB (2004).

Microdrive: No es realmente una tarjeta, sino un disco duro en miniatura. Tenia especial sentido cuando,hace algún tiempo, las tarjetas no alcanzaban elevados volúmenes de almacenamiento. Al tratarse enrealidad de un pequeño disco duro, su velocidad de acceso es más reducida y su consumo eléctrico máselevado. Llega sin problemas a los 4 GB (2004).

MultiMedia Card (MMC): Es uno de los tipos de tarjeta de menor tamaño en la actualidad, comparablea un sello postal. También se trata de un ingenio de SanDisk que data de 1997. La capacidad que alcanzanestas tarjetas es de 512 MB (2004).

Secure Digital (SD). Es semejante en tamaño y aspecto a las MMC, y se viene usando cada vez másdesde su lanzamiento en el 2001. Se trata de un desarrollo conjunto de Matushita, SanDisk y Toshiba.Se usa en todo tipo de dispositivos de última generación como cámaras digitales, teléfonos móviles,agendas personales, reproductores digitales de música. Su capacidad llega hasta los 512 MB (2004).

xD Picture Card: Se trata de uno de los formatos de más reducido tamaño. Fue desarrollado en el 2002por Olympus y Fujifilm. La caracterizan su bajo consumo eléctrico y su elevada velocidad de lectura yescritura. Ello permite que ofrezcan excelentes resultados cuando las cámaras digitales operan en modoráfaga. Su capacidad llega hasta los 2 GB (2010)

Memory Stick (MS): Se trata de un tipo de tarjeta ideado por Sony en el 98. Inicialmente sólo era usadoen cámaras digitales Sony, pero gracias a los últimos acuerdos con diferentes firmas se pueden ver enequipos de otros fabricantes e incluso en otra gama de dispositivos como los reproductores de MP3.Sobre la base de las tarjetas MS se han elaborado variantes que se describen a continuación.

MagicGate Memory Stick (MG-MS): Se trata de una variante de la famosa MS que añadefunciones de seguridad sobre los datos almacenados.


Memory Stick Duo (MS-DUO): Nacida en el 2002 es la hermana de la familia MS que menortamaño presenta. Esto la hace especialmente indicada para dispositivos miniaturizados como losteléfonos móviles. Existen adaptadores que las hacen compatibles con las cámaras digitales conranuras MS

Memory Stick Pro (MS-PRO): Se trata de uno de los desarrollos más recientes que viene de lamano de SanDisk y Sony (2003). Eleva los límites de capacidad al orden del 1 GB (2004), y seha anunciado que llegará a los 32 GB. Al tiempo mejora considerablemente las velocidades deescritura y lectura, manteniendo funciones de securización de los datos almacenados.

SmartMedia (SM): Se trata de un formato en desuso. Del tamaño de las CF, aunque más pequeñas,alcanzan los 128 MB (2004) como cifra techo de almacenamiento. Se ha dicho en numerosas ocasionesque son frágiles y pierden datos con demasiada facilidad

Pero, ¿Cual tipo de cámara seleccionar por la tarjeta de memoria?, ¿Qué tipo de tarjeta es el mejor?: Eltipo de tarjeta o tarjetas de memoria que una cámara digital usa no está dentro de un catálogo de opciones. Cadamodelo viene con su tipo de tarjeta fijo y las diferencias entre los distintos tipos de tarjeta no es tan determinantecomo para dejar de elegir una cámara digital u otra. En cualquier caso, mira las vitrinas de los diferentes negociosdedicados al ramo y determina cual es el modelo de tarjeta que todos, o la mayoría tienen en inventario.

Las tarjetas de memoria propietarias tienen el inconveniente de tener un precio más elevado. Por lo quese refiere al tamaño, las cámaras digitales ultra-compactas suelen venir acompañadas de alguno de los tipos deformatos más pequeños. Por otro lado, por versatilidad, capacidad máxima y precio, las CF son una seria opcióna tener en cuenta.

¿Cuál cámara elegir?, si persiste la pregunta, en primer lugar se le deben dar más puntos a aquella cámaradigital que es capaz de utilizar un mayor tipo de formatos, después de esto, cual es el modelo de tarjeta dememoria más común en la localidad. Por otra parte, el tipo de memoria cuyo límite superior de máximacapacidad de almacenamiento sea más alto. A continuación se valonaría la variable precio.


3.2.1. Algunos consejos para comprar tarjetas de memoria.

Compra una tarjeta de memoria compatible con tu equipo: Existen distintos tipos de tarjetas dememoria: SecureDigital (SD), CompactFlash (CF), MemoryStick, xD Picture Card, SmartMedia, ...Dentro de esta clasificación de tarjetas de memoria, hay incluso subtipos. Por tanto, lo primero que hayque mirar a la hora de comprar una tarjeta de memoria es si es compatible con tu cámara o dispositivoen el que la vayas a utilizar. Revisa bien las especificaciones de tu aparato para ver que necesitasexactamente.

Identifica la capacidad máxima de la tarjeta de memoria a comprar: Las tarjetas de memoria estánaumentando continuamente su capacidad máxima, duplicando esta capacidad cada 6 mesesaproximadamente. Podrías tener algún problema de compatibilidad también en este aspecto por el cualtu dispositivo no reconociera la tarjeta o no fuera capaz de aprovechar todo el espacio de la memoria.Antes de comprar una tarjeta de memoria de capacidad demasiado alta, asegurate de que tu dispositivola va a reconocer.

No todas las marcas de tarjetas de memoria son iguales: Como ocurre con muchos otros productos,no todos los fabricantes de memoria son iguales. En el mercado encontrarás diferentes tarjetas dememoria con precios dispares a teóricas mismas funcionalidades. Lo cierto es que los niveles de calidadexigidos por los fabricantes en los procesos de fabricación y materiales utilizados varían, y eso puederepercutir en el precio final. Por regla general, la fiabilidd de la memoria dependerá de la fiabilidd delfabricante.

No te olvides de la velocidad de la tarjeta de memoria: Además de la capacidad, un dato importantees la velocidad de lectura y escritura de la tarjeta de memoria. Los dispositivos electrónicos en general,y las cámaras digitales en particular, son cada vez más exigentes en lo que a recursos de memoria serefieren. Más megapixels implican más memoria, y más memoria requiere mayores transferencias dedatos en lectura y en escritura. Una tarjeta de memoria lenta puede afectar al rendimiento de la cámaraen modo de disparo en ráfaga o continuo, o en el tiempo de respuesta de la cámara después de hacer unafoto. Asegurate del uso que quieres dar a tu cámara a la hora de elegir la velocidad de la tarjeta. Tampocotiene demasiado sentido pagar una diferencia de precio importante por una tarjeta demasiado rápida sino vamos a sacar partido de esa ventaja.

Compra en un sitio de confianza: No es recomendable comprar tarjetas de memoria por ofertas deInternet, ya que pueden ser tarjetas de memoria falsas. Son supuestas tarjetas de memoria ultrarápidasde fabricantes de primera línea que resultan ser tarjetas de menor calidad y velocidad de fabricantesdesconocidos, y a quien reclamas. Si quieres comprar una tarjeta de memoria de primera clase, aseguratede que el vendedor es de confianza.

Cuantas más tarjetas de memoria, mejor: Las tarjetas de memoria, como cualquier otro dispositivoelectrónico, pueden fallar. Es bueno disponer de varias tarjetas de memoria, por si falla alguna. Es unapena estar en medio de un viaje y quedarnos sin poder hacer fotos por no disponer de memoria suficiente,o que nuestra tarjeta se haya estropeado.

Mejor dos tarjetas de memoria que solo una del doble de capacidad: Por lo que acabamos decomentar. No suele existir mucha diferencia de precio a la hora de adquirir dos tarjetas de memoria deuna capacidad determinada y otra del doble de capacidad. Si compras un sola tarjeta con más capacidady se estropea, será como si se te hubieran estropeado las dos más pequeñas. Que se estropeen dos tarjetasde memoria por causas "naturales" es una situación bastante improbable.


El precio de la memoria baja rápidamente: Anteriormente se comento que la capacidad de la memoriase duplica aproximadamente cada seis meses. Con esta misma periodicidad bajan los precios de lastarjetas. Eso significa que muy probablemente puedas comprar dentro de unos meses la misma tarjeta queestas viendo hoy por la mitad de precio, o una tarjeta con el doble de capacidad con el presupuesto quetienes hoy. Mira bien que necesitas, porque tal vez puedas ahorrarte algo comprando una tarjeta conmenos capacidad y esperar unos meses para comprar otra.

3.2.2. Algunos consejos para el cuidado de las tarjetas de memoria.

Cuidado al introducir la tarjeta en la ranura: Los conectores de la ranura de las cámaras digitales sonpiezas delicadas. Por otro lado, sea cual sea la tecnología de la memoria, sólo existe un sentido válidopara la inserción; Hay que ser muy cuidadoso y no forzar en ningún caso para introducir la tarjeta. Siaprietas más de la cuenta, en el mejor de los casos se dañara la tarjeta, y en el peor de los casos se dañarairreversiblemente la ranura de la cámara, con lo cual se inutiliza la cámara.

Retira las tarjetas de la cámara cuando no este en uso: Es de buena costumbre retirar de la camarala tarjeta de memoria para que los puntos de contacto no se ensucien, deformen, o dañen la tarjeta. Debetenerse presente que la tarjeta encaja en una ranura o slot que ha sido diseñado para ser utilizado porvarias tarjetas de un mismo modelo, por esta característica, el contacto eléctrico es mantenido por mediode micro-resortes que se pueden deformar o perder la presión de contacto cuando la tarjeta de memoriadura mucho tiempo en la ranura, sobre todo durante el almacenamiento. De igual modo, debe evitarsea toda costa tocar con los dedos o con objetos metálicos los contactos de las tarjetas, el sudor contienesales que pueden causar un corto circuito entre contactos de la tarjeta con el consiguiente daño.

Retira las tarjetas del computador cuando puedas hacerlo de modo seguro: Evita tocar físicamentela tarjeta cuando estés subiendo las fotos a tu PC o en procesos de lectura/escritura. Si trabajas enWindows, no te olvides de usar 'Quitar hardware de forma segura'; si lo haces en OSX, haz clic con elbotón derecho en el disco asociado a la memoria y haz clic en 'Eject'. Evitarás pérdidas de datos o inclusodañar tu tarjeta.

Limita el Número de Borrados Desde la Cámara: La regla de oro es limitar al máximo el número deescrituras en la tarjeta, puesto que tiene un número máximo de usos útiles. Evita estar borrando cada dospor tres fotos de la memoria en la cámara: dispara sin miedo, y cuando se llene, usa otra tarjeta. Cuandolas hayas subido al PC, formatea la tarjeta. De este modo, sólo realizarás un proceso de borrado globalen lugar de varios puntuales. Ya tendrás tiempo en el PC de eliminar las que no te gusten.

Si Aparece Algún Error, Deja de Usar la Tarjeta: Si durante su uso en la cámara aparece algún tipode mensaje del tipo ”La memoria no puede ser leída”, aunque sólo sea temporal, reemplazalainmediatamente. Es un síntoma claro de que algo empieza a fallar. Es posible que todavía te encuentresa tiempo de salvar algunas fotos en el PC.

Reformatea Periódicamente tus Tarjetas: Pero hay que tener de haber respaldado todas las imágenes.A veces, los sistemas de archivos de las tarjetas se corrompen, sobre todo si se usan en más de undispositivo al mismo tiempo. Reformatearlas, regenera el sistema de ficheros, así que es una buenarecomendación.

Formatea la Tarjeta en la Cámara en la que la Vas a Usar: A veces, el firmware de las cámarasintroduce ciertos elementos específicos que hacen que puedan producirse problemas de corrupción de


datos si no se tiene en cuenta en la lectura/escritura desde otro dispositivo. Por eso, formatea la tarjetaen la cámara antes de usarla, nunca en el PC.

Mejor Varias Tarjetas Más Pequeñas que Una Grande: Por varios motivos. Si se te llena (al final,hasta las más grandes se llenan) todavía tendrás otra con la que seguir disparando. Si se te estropea, tepasará tres cuartos de lo mismo. Además, a menudo es más rentable comprar varias que obtener el mismonivel de capacidad en una tarjeta.

Apaga la Cámara Antes de Extraer la Tarjeta: Puede parecer tonto pero, por si acaso, recuerden quees muy conveniente apagar la cámara antes de extraer la tarjeta. No lo pierdas de vista.

Cambia las Baterías Antes de que se Agoten Completamente: Si se agota la energía en un procesode escritura de datos (al tomar una foto), se puede producir una corrupción de datos y arruinar elcontenido ya almacenado. No hay riesgo de daños físicos, pero sí de pérdida de información, así que esconveniente reemplazar las baterías antes de que se agoten completamente.

Para su transporte, guarda la tarjeta en su funda: Si tienes varias tarjetas, siempre que no esténconectadas a la cámara, guárdalas en la caja que las acompañaban cuando las compraste. Las protegerasante caídas accidentales y, sobre todo, de la electricidad estática.

Si viajas, llévalas con el equipaje de mano: A finales de 2004, la Imaging Industry Association realizóun estudio en el que se concluía que las memorias de almacenamiento flash no se veían afectadas por losescáneres ni detectores de metales utilizados en los aeorpuertos. No obstante, los niveles de radiación alos que se somete el equipaje principal son superiores a los que se utilizan con los pasajeros, por lo que,como medida de seguridad, es recomendable llevar las tarjetas con el equipaje de mano.

Nunca olvidar realizar respaldos: Ante cualquier eventualidad y, siempre que te sea posible, haz copiasde respaldo. Por muy bien que trates tus tarjetas, pueden fallar; por muy bien que las cuides, no estaránlibres de los amigos de lo ajeno. Guarda copias backups para el caso en que todo lo demás falle.

3.3. Batería o Pilas.

Aquí no hay mucho de que hablar, si la cámara posee una batería de tipo propietario, es decir, construidasde manera especial para la marca y modelo de cámara, no hay más remedio que utilizarlas y rogar que seconsigan en el mercado local para reemplazar la que originalmente viene con la cámara al cumplir su vida útil.

Por otra parte, si la cámara utiliza pilas tipo AA, o tipo AAA, hay que estar más que feliz ya que son muycomunes y accesibles en casi cualquier mercado. Obviamente, es mas que recomendable la utilización de lasrecargables, en las que reina las de Niquel-Hidruro Metálico (Ni-MH) por su elevada capacidad de corriente, ypor el hecho de la elevada toxicidad del Cadmio.


Una pila Ni-MH, es un tipo de celda recargable que utiliza un ánodo de oxidróxido de níquel (NiOOH),como las de Níquel-Cadmio (Ni-Cd), pero su cátodo es de una aleación de hidruro metálico. Esto permiteeliminar el costoso (y medioambientalmente peligroso) cadmio a la vez que se beneficia de una mayor capacidadde carga (entre dos y tres veces la de una pila de Ni-Cd del mismo tamaño y peso) y un menor efecto memoria.Por contra, presentan una mayor tasa de autodescarga que las de Ni-Cd (un 30% mensual frente a un 20%), loque hace que estas se perpetúen en nichos de largos periodos entre consumo (como los mandos a distancia, lucesde emergencia, etc), mientras que son desplazadas por las Ni-MH en los equipos de consumo continuo.

Cada célula o pila de Ni-MH puede proporcionar un voltaje de 1,2 voltios y una capacidad entre 800 y2900 miliamperios-hora. Su densidad de energía llega a los 80 Wh/kg. Este tipo de batería se encuentra menosafectadas por el llamado efecto memoria, en el que en cada recarga se limita el voltaje o la capacidad (a causade un tiempo largo, una alta temperatura, o una corriente elevada), imposibilitando el uso de toda su energía. Losciclos de carga de estas pilas oscilan entre las 500 y 700 cargas, siendo su principal inconveniente las "altas"temperaturas que alcanzan en las cargas o en los usos.

¿Qué es el efecto memoria?: El efecto memoria es una pérdida en la capacidad de la batería debido arepetidas cargas y descargas que se efectúen en la batería sin haberla descargado por completopreviamente. Este efecto era un problema con las primeras baterías recargables de Níkel-Cadmio (Ni-Cd)que hacía que perdieran su duración útil mientras más se usaban, sin embargo, ya es un problema delpasado en las baterías de Níkel Metal Hidruro.

¿Cuántas veces puedo recargar una batería de Ni-MH?: Las baterías recargables están diseñadas paracargarse hasta 700 veces en condiciones adecuadas. Sin embargo, debe tenerse presente que el ciclo devida completo de una batería se altera debido las temperaturas de almacenamiento, rapidez de carga ydescarga, método de control de carga, exposición a sobrecarga, y condiciones varias. Con un uso normal,las baterías Ni-MH deberían durar años antes que el ciclo de vida comience a deteriorarse.

¿Qué es un cargador inteligente?: Un cargador inteligente es aquel que utiliza un microprocesador paramonitorear el estado de la carga de la batería. Esta información es utilizada por el cargador paradeterminar el momento más oportuno para terminar de cargar. Con un buen control de carga, loscargadores inteligentes pueden cargar la batería más rápido sin consecuencias negativas. El problema desobrecarga se minimiza y por ende se extiende la vida de la batería.

¿Por qué las baterías se calientan cuando las cargo?: Es normal que las baterías se calienten duranteel ciclo de carga. Esto es causado por la energía que el cargador coloca en la batería. En general mientrasmás rápido se cargue la batería, más caliente se pondrá. Los cargadores inteligentes tienen forma demedir y regular este calentamiento mediante un sensor que controla la temperatura. Si usas un cargadorgenérico sin control de temperatura hay que tener cuidado de no sobrepasar el tiempo de carga


recomendado para no dañar las baterías por excesiva temperatura. Aún más que en el caso de NiCd, loselementos de Ni-MH son sensible al calor: un sobrecalentamiento puede producir gases internos ysobrepresiones que dan lugar a escapes de electrolito y pérdidas o daños en la impermeabilidad,reduciendo la vida útil de las baterías. El estado de carga total es también más difícil de detectar en lasNi-MH, por lo que se recomienda el uso de cargadores que especifiquen su aptitud para cargar bateríasde Niquel-Metal Hidruro, evitando así sobrecalentamientos indeseados.

3.3.1. Los componentes que más energía consumen en una cámara digital.

La autonomía de las cámaras digitales ha crecido sobremanera en los últimos años gracias a la bateríade Ni-Cd, en un inicio, y a las de Ni-MH actualmente. Cada vez es posible realizar más y más fotos con la mismabatería (o las mismas pilas). Sin embargo, nadie esta libre de quedarse sin energía en el instante preciso, por loque resulta interesante saber cuáles son las acciones que más energía consumen, para conseguir que no nosquedemos sin batería en el momento crítico. Estos son los 3 componentes que más energía consumen en lascámaras digitales.

El monitor LCD: Uno de los factores más llamativos en la fotografía digital es la capacidad que tienenlas cámaras de visualizar la instantánea justo después de haberla tomado. Y uno de los grandes vicios(desde el punto de vista del ahorro de energía) consiste en utilizar la cámara digital como reproductor defotos, como medio para enseñar una y otra vez a los amigos y familiares las imágenes que acabamos detomar. Resulta que el monitor LCD consume mucha energía (más cuanto mas grande es éste) por lo queconviene hacer el mínimo uso posible del mismo, especialmente cuando nos estamos quedando sin pilas.

Los motores: La mayor parte de las cámaras digitales contienen elementos móviles. Típicamente, losobjetivos se despliegan en el momento de encender la cámara digital, y dicho despliegue (así como elrepliegue correspondiente) se realiza gracias a la intervención de pequeños motores eléctricos, queaunque pequeños, consumen una cantidad de energía nada despreciable. A la hora de encender y apagartu cámara, hay que tenerlo muy presente de cara a gastar la menor cantidad de energía posible.

El flash: Seguro que ya lo tenían presente. El flash consume mucha energía, pero ya no solo el hecho dedispararlo, los flashes entran en modo de precarga desde el instante en que nuestra cámara digital detectaque podría ser necesario su uso, y la precarga es un proceso que consume batería independientemente deque luego se dispare el flash o no. En consecuencia, siempre que sepamos que no vamos a necesitar elflash, conviene tenerlo deshabilitado, para evitar entrar en un ciclo de precarga.

3.3.2. Algunos consejos para que la batería dure más.

¡Seguro que ha pasado; y más de una vez!. Llega el instante crítico. Ves claro que se acerca un granmomento para inmortalizar. Sacas la cámara y... de repente la cámara se apaga ya que no hay batería. Por tantose ha perdido la gran oportunidad. Sin duda, es una de las cosas más molestas que les sucede a los fotógrafosaficionados. Tenemos una batería de repuesto, pero a veces no está cargada y otras, ésta también se agota.Afortunadamente existen una serie de consejos que se pueden seguir para que esto suceda lo menos posible ypoder sacar el máximo partido a la energía que pueden almacenar las pilas de la cámara.

Hay que evitar encender y apagar continuamente la cámara: Los procesos de inicialización de lossistemas de una cámara digital son exigentes en cuanto al consumo de energía. Especialmente en lascámaras de objetivo retráctil: el motor que lo despliega gasta mucho. Si prevees que vas a estar usando


la cámara de continuo, no la apagues.

Utilizar el monitor LCD lo menos posible: El monitor LCD de la cámara digital es uno de loselementos que más energía consume. Muchos modelos de cámara digital incorporan un botón que permiteapagarlo. Úsalo siempre que no vayas a utilizarlo para fotografiar.

Evita usar la cámara digital como álbum de fotos: Muchas veces, amigos y familia insisten en ver lasfotos que se acaban de tomar. U otras que, por un motivo u otro tienes almacenadas en la tarjeta. Comoya ha sido indicado, el LCD consume mucha batería, así que, resístete, en la medida de lo posible amostrar una y otra vez las fotos que tienes almacenadas en la tarjeta desde la propia máquina.

No mezcles distintos tipos de baterías: Para los modelos de cámaras digitales que usen pilas, evita usarsimultáneamente varios tipos distintos de pila como: Ion-Litio, Ni-MH, Alcalinas, Ni-Cd, etc. Laautonomía será mucho menor y, en algunos casos, puede reducirse la vida útil (número máximo derecargas) de las pilas.

Hay que cambiar la batería solo cuando esté “Totalmente” descargada: La gran mayoría de cámarasdigitales, por no decir todas, tienen indicación de que la batería está baja de carga, y al llegar esta a unvalor en el cual no se garantiza el correcto funcionamiento de la cámara, se procede al apagadoautomático. Este es el momento para retirarlas, colocar las de repuesto y seguir fotografiando. Por otraparte, toda batería posee energía de reserva o remanente que podrá estar disponible si se la dejadescansar, de manera tal que al agotarse las de repuesto puedes colocar las primeras y seguirfotografiando, ¡aunque no por mucho tiempo!. Atender a este consejo no solo mantiene la capacidad decarga de la batería sino que prolonga su vida útil. No debe olvidarse que la recarga debe ser de un sologolpe; una vez iniciado el proceso no se debe interrumpir, es decir, retirar las pilas de su cargador.

Desactivar el flash si no es necesario: A veces, cuando realizamos fotos en modo automático, aunqueestemos en pleno día, hacemos pasar la cámara digital por zonas de oscuridad. En ese tránsito, el modoautomático detecta que es necesario el uso del flash, y comienza la precarga del mismo. Este procesoconsume mucha batería, por lo que, conviene que fuerces el apagado del flash si no lo se va a usar.

Desactivar el modo de reducción de ojos rojos: Ni modo, se necesita el flash. Pero en esta ocasión noestás fotografiando gente, o no hay riesgo de que salgan con ojos rojos. Desactiva el modo de reducciónde ojos rojos. La razón es que, con el objeto de evitar la aparición de los ojos rojos, el flash de la cámaramanda varias ráfagas de luz antes del disparo definitivo (para que se cierren las pupilas y no se produzcanlos ojos rojos). Y estas ráfagas adicionales reducen la autonomía de las baterías. No debe olvidarse quecasi todos los programas de edición de fotografía digital poseen algoritmos u opciones para laeliminación de los ojos rojos, así que, si ya estamos bajos de batería, podemos arriesgarnos a que una queotra gente salga con este defecto en la imagen.

Si estás en casa, enchúfala a la corriente eléctrica: Cuando estés descargando las fotografías alcomputador, o cuando estés enseñando tus últimas fotografías en el televisor, siempre que tengasalimentador externo para la cámara digital y dispongas de un enchufe a mano, úsalo; no hay que gastarbatería si no es necesario.

3.4. Tripode.

Aunque no es un elemento fundamental, el buen aficionado a la fotografía sabe que la cámara requiere


una serie de complementos: batería o juego de pilas adicional, otra tarjeta de memoria, y un trípode. El trípodees necesario para evitar el efecto movido que se produce en fotos que requieren un elevado tiempo de exposición(rayos) o en condiciones de baja iluminación como al hacer fotos nocturnas (luces citadinas), también es útilcuando quieres tomar la clásica foto de grupo, en las que el fotógrafo nunca sale, y como tal quieres estar en ella.Como alguien o algo debe sostener la cámara, lo más indicado es el trípode y el temporizador de la cámara. Pero,¿qué características debe cumplir un buen trípode?. Existe la creencia popular de que cuanto más ligero ypequeño un trípode mejor es; nada más lejos de la realidad. A continuación algunos consejos para que aciertesen la elección del trípode.

Un trípode debe ser estable: La estabilidad es una de las principales propiedades que se le deben exigira un trípode. Es necesario comprobar su estabilidad con las patas completamente extendidas. Convienerevisar la robustez mecánica de los ajustes, tuercas o pinzas, y tratar de prever cual puede ser su estadodespués de muchos usos. Debes tener presente en todo momento qué tipo de cámara tienes: su peso y suvolumen. No se requiere el mismo trípode para una SLR con un importante objetivo que para la últimaultracompacta.

Cabezal: Se trata de la parte del trípode a la que se fija la cámara. Los trípodes de gama superior ofrecenla posibilidad de intercambiar los cabezales, mientras que los más económicos traen cabezal fijo. Echaun vistazo a los diferentes tipos de cabezales y decide si necesitas diferentes tipos o no. Una de las partesmás importantes del cabezal es la rótula, que nos permitirá conseguir diferentes inclinaciones, ejes de giroy ángulos. No siempre cuantos más ejes mejor: a veces es preferible tener un control más fino sobre losángulos de posición que otra cosa. Verás que las hay de diversos tipos: 3D, de cremallera, de bola, etc.a los que corresponden también diferentes precios.

Mini trípode (tabletop): En muchos usos y situaciones, en los que hay que reducir al máximo el equipofotográfico que debes llevar contigo, te puede ser interesante disponer de un mini-trípode. Típicamenteproporcionan a la cámara una altura no superior a los 40 cm, y como su propio nombre indica, estánpensados básicamente para sujetar la cámara en un ángulo determinado sobre una superficie de ciertaaltura (no el suelo). Los tabletop son recomendables como segundo trípode, para aquellos casos en losque no es viable llevar un trípode normal.


4. Configuración de la cámara, algunos símbolos.

Si se toman la molestia de leer el manual de la cámara, u observan cuidadosamente los símbolos que haysobre botones y perillas, verán que son letras o dibujos que están diseñados a manera de iconos y acrónimos, porlo tanto tienen funciones e incidencia específica en la forma como se configura la cámara a efectos de tomarfotografías. Es fundamental leer, revisar, entender y recordar el significado de cada uno de ellos ya que si bienalgunos son conocidos, genéricos, o comunes en otras marcas de cámaras, otros pueden ser de fácil intuición enla relación símbolo-función, mientras que algunos son muy propios del fabricante y fuera del manual no existeindicación de que hace, o como afecta a la cámara.

A continuación se indican los más comunes de ellos, y posteriormente se hace una descripción de los másimportantes a efectos de la calidad en la fotografía.

Automatic: Esta es la manera más fácil de tomar fotografías ya que los algoritmos de controlincorporados en la cámara ajustan todos los parámetros de manera automática. El modo pordefecto del aficionado.Programmed: Modo automático en el que el usuario modifica tanto la apertura como lavelocidad o tiempo de obturación para que siempre la fotografía tenga la misma exposición, ocantidad de luz, para un valor de sensibilidad ISO particular.

Shutter: Modo automático en el que el usuario solo puede modificar la velocidad de obturacióny los algoritmos de control seleccionan el valor de apertura del iris mas adecuado para un valorde sensibilidad ISO particular.

Aperture: Modo automático en el que el usuario solo puede modificar la apertura del iris, f-stops, y los algoritmos de control seleccionan el valor de velocidad o tiempo de obturación másadecuado para un valor de sensibilidad ISO particular.

Manual: Modo en el que el usuario define todos los parámetros de la cámara, de manera tal quetiene control absoluto sobre la exposición. Es el modo utilizado por los profesionales.

Macro: Configuración que le permite a la cámara enfocar a muy cortas distancias a efectos detomar imágenes de flores, insectos, u objetos muy pequeños.

Anti Blur: Modo automático en el que se selecciona una velocidad de obturación elevada, ose activa la estabilización de imagen para evitar las fotografías movidas.

Natural Light: Modo automático en el cual se configuran todos los parámetros de la cámarapara aprovechar al máximo la luz natural y evitar el uso del flash.

Portrait: Modo automático en el cual se configura la cámara para realizar retratos en los cualesse realza el tono de piel y se difuminan o suavizan los detalles.

Landscape: Modo automático en el que se configura la cámara para realizar fotografíaspanorámicas, de manera tal que exista una gran profundidad de campo con elevado contraste.

Night: Modo automático en el que se configura la cámara para realizar fotografías al atardecero nocturnas de manera tal que la velocidad de obturación es lenta y por tal motivo esrecomendable el uso del trìpode.

Erasing Frames: Borrado de una o más imágenes.


Protecting Images: Protección de la imagen(es) seleccionada de un borrado accidental. Sinembargo debe recordarse que nada protege del formateado de la tarjeta de memoria.

Image Rotate: Rotación de la imagen por pasos de 90º.

Print Options (DPOF): Opción para transferir la imágenes al papel, si la impresora escompatible con la opción o formato.

Playback: Opción para configura la reproducción de imágenes o videos.

Recording Voice Memos: Opción para anexar comentarios de voz a la fotografía tomada.

Recording Movies: Opción para acceder al menu de grabación de videos.

Exposure Compensation: Función que permite corregir el brillo, cantidad de luz, o exposicióncon las que se tomaran las fotografías.

Flash: Opción que permite activar o seleccionar los distintos modos de flash, o destello, de quedisponga la cámara.

Suppressed Flash: Opción para anular el flash, independientemente del modo en que seencuentre.

Red-Eye Reduction: Opción para reducir la posibilidad de que la persona en la imagen salgacon los ojos rojos al utilizar el flash de la cámara.

Slow Synchro: Opción que permite la utilización del flash con bajas velocidades de obturaciónde manera tal que el fondo salga claro. Se recomienda la utilización del trípode.

Red-Eye Reduction + Slow Synchro. Reducción de la posibilidad de ojos rojos encombinación con una baja velocidad de obturación.

Top 3-Frame Continuous Shooting: Opción de ráfaga, o secuencia, de fotografías en la quese almacenan las 3 primeras. Ideal para la fotografía de movimiento.

Final 3-Frame Continuous Shooting: Opción de ráfaga, o secuencia, de fotografías en la quese almacenan las 3 últimas. Ideal para la fotografía de movimiento.

Long-Period Continuous Shooting: Opción de ráfaga, o secuencia, de fotografías en las queel número almacenado dependerá de las características de la cámara.

Auto Bracketing: Opción que permite tomar la misma imagen con tres modos distintos deexposición. Una imagen se encontrará sobre-expuesta, otra expuesta, y la otra sub-expuesta.

ISO Sensitivity: Opción que permite seleccionar la sensibilidad ISO a utilizar.

Self-Timer: Opción que activa y permite seleccionar el tiempo de retardo para tomar lafotografía una vez presionado el disparador.

High-Speed Shooting: Opción que acelera el enfoque, adquisición, y procesado de la imagenpara reducir el tiempo de latencia, retardo, o reacción. Esta opción eleva el consumo de energía.


Photometry Multi (Matrix, Pattern): Opción que realiza un análisis de la luminancia en todala imagen para determinar los parámetros de exposición.

Photometry Spot: Opción que determina los parámetros de exposición por la luminanciaexistente en un área particular de la imagen.

Photometry Average: Opción que determina los parámetros de exposición por la luminanciapromedio existente hacia el centro de la imagen, en otros casos, es toda la imagen.

Auto Focus: Opción que permite seleccionar el tipo o modo de realizar el enfocado de laimagen.

White Balance: Opción que permite seleccionar el balance de blancos en función del tipo deiluminación de que se disponga al momento de fotografiar.

Custom White Balance: Balance de blancos ajustado por el usuario.

Sun White Balance: Balance de blancos para un día soleado o despejado.

Shade White Balance: Balance de blancos para un día nublado o de lluvia.

Fluorescent White Balance: Balance de blancos para iluminación artificial por luzfluorescente. Se puede anexar un número que indica el tipo de luz fluorescente.

Incandescent White Balance: Balance de blancos para iluminación artificial por luzincandescente. Se puede anexar un número que indica el tipo de luz incandescente.

4.1. Luminancia, los modos de medición.

De seguro que alguna vez se han fijado en unos símbolos que aparecen en la cámara parecidos a un punto,o círculo, dentro de un cuadrado. Es probable que estén en algún botón de la máquina y que incluso aparezca enel LCD cuando vas a hacer una fotografía. Son los distintos Modos de Medición de la cámara. ¿Sabes para quésirven y cuándo utilizar cada uno?. Es probable incluso que lo hayan cambiado de valor en alguna ocasión sinquererlo. Si no has leído el manual de instrucciones de la cámara (no te sientas mal, más del 95% de los usuariosno lo hacen nunca) seguro que han vuelto a pulsar el botón varias veces hasta que ha aparecido en la pantalla elvalor por defecto (AUTO).

Si, por el contrario, eres del 5% que se lee las instrucciones de la cámara (Enhorabuena, eres un valiente;sobre todo si tienes el manual de usuario de la cámara traducido al español; las traducciones suelen ser bastantemalas), sabrás que el significado de esos símbolos son los distintos modos de medición de la luz, luminancia,que hace la cámara. Suelen tener nombres como medición puntual (spot metering), medición promediada alcentro (average metering) o medición mediante matriz de puntos (matrix or pattern, metering). Aun sabiendoesto, es muy probable que no esté claro lo que significa cada uno de ellos.


4.1.1. Medición Puntual de la Luz (spot metering).

Lo que hace la cámara es medir la cantidad de luz que incide en una región muy pequeña del sensor.Coincide aproximadamente con el cuadrado que suele indicar el enfoque en el sensor, pero sóloaproximadamente.

La superficie sobre la que se mide depende de cada modelo concreto de cámara. En la Nikon D80, segúndatos del propio fabricante, únicamente se tiene en cuenta una superficie de 3,5 mm a la hora de medir la luz.Como es de esperarse, estos datos dependerán del modelo en sí y en cualquier caso son orientativos. Sólo hayque tener claro que es el método que permite un mayor control por lo ajustada de la medición de la luz reflejadapor la imagen. Es importante recalcar que sólo realiza la medición de la luz sobre esa zona, descartando cualquiervalor de la luz en el resto del sensor.

Pero cuidado. Esto no quiere decir ni muchísimo menos que sea el mejor. De hecho, normalmente seráel peor si no tenemos cuidado. Éste es el sistema que normalmente utilizan (o utilizaban) los profesionales paramedir la luz cuando tienen mucho tiempo y conocimiento de su equipo para poder hacer las fotos.

4.1.2. Medición Ponderada al Centro (average metering).

Con este método, también conocido como promediado al centro, lo que hace la cámara es equilibrar algomás los valores de medición. Da mucho más peso a la luz que mide en el centro (con el sistema puntual), perotambién tiene en cuenta los valores que recoge de la zona externa a esa superficie más interior. Con referenciaa la Nikon D80, toma un 75% del valor final de la región central, mientras que el 25% restante lo toma de fuera.

La diferencia fundamental sobre el método de medición central es que con este modo sí se tiene en cuentala luz que llega a toda la superficie del sensor, aunque tiene un mayor peso en el cálculo la luz de la zona central.Se podría decir que se trata de una medición puntual en la que se incluye cierto margen de error (para bien).

4.1.3. Medición Matricial (matrix or pattern, metering).

Es el sistema de medición más complejo de los tres, y el que funciona bien en el 90% de las situaciones.De hecho, es más que probable que sea el ajuste que traiga la cámara por defecto.

Lo que hace este método de medición es, a través de una matriz más o menos compleja de puntos, recogerlos distintos valores de luz para cada uno de esos puntos. Para cada toma recogida asigna un peso, y a partir deesos valores y esos pesos calculan el valor de exposición de la luz final.

4.1.4. ¿Cuándo Utilizar cada Método de Medición?.

Bueno, pues esa es una muy buena pregunta. Como decía, en la mayoría de los casos la mediciónmatricial funcionará muy bien.

El método matricial lo hará algo peor en situaciones de fuerte contraluz. En estos casos, entendiendo queno contamos con ninguna fuente de iluminación adicional tal como un flash, tendremos que elegir qué queremosque salga correctamente expuesto, si el fondo o el objeto que tenemos delante. Y es ahí donde la mediciónpuntual y ponderada nos permitirán medir la luz con mayor efectividad.


4.2. Balance de Blancos.

El balance de blancos (White Balance, WB) es un control de la cámara que sirve para ajustar el brillo delos colores básicos rojo, verde y azul (RGB) con el objeto de que la parte más brillante de la imagen aparezcacomo color blanco, y la menos brillante como negro. Este control, dependiendo de las cámaras, puede serautomático o manual. Si no tienes claro cómo funciona esta opción de tu cámara o, simplemente,nunca te hasplanteado su uso, lo que te voy a contar te interesa. En este artículo te explico qué es el balance de blancos ycómo configurarlo correctamente para mejorar notablemente el resultado de las fotos.

4.2.1. Por qué se necesita el balance de blancos.

Los colores registrados por la cámara digital dependen de la iluminación. La luz que entra por eldiafragma y registra el CCD no es siempre la misma. Puede ser natural o artificial, existiendo subtipos quedependientes de una serie de características diferenciadoras. Una de ellas es precisamente la temperatura decolor, que expresa la dominante de color de una fuente de luz determinada, que varía según la distribuciónespectral de la energía.

En condiciones de luz natural, la energía lumínica está distribuida de forma equilibrada en las trescomponentes de color Rojo-Verde-Azul (RGB). Sin embargo, con iluminación artificial una de las componentesde color suele prevalecer sobre las otras. Por ejemplo, en iluminación basada en bombillas incandescentes(tungsteno) el color rojo es predominante.

Una cámara no tiene la capacidad de procesar la luz como lo hace nuestro cerebro, ya que está calibradade forma que el sensor identifica como luz blanca una luz con la temperatura del color de la luz del Sol. Paracompensar los efectos de la iluminación en la foto debemos ajustar en la cámara la ganancia de cada una de lascomponentes de color.


4.2.2. El Balance de blancos en las cámaras digitales.

La mayoría de las cámaras digitales trae incorporado al menos un sistema de balance de blancosautomático. Como hemos explicado anteriormente, lo que hace este sistema es ajustar la parte más brillante dela escena para que aparezca como color blanco, y la menos brillante como negro.

4.2.3. Los Modos del Balance de Blancos.

Algunas cámaras digitales disponen de configuraciones del balance de blancos con valores por defectoque se pueden seleccionar en sus menús. Estas configuraciones de balance de blancos suelen ser las siguientes:

Interiores o tungsteno: Se ajusta el balance de blancos asumiendo que se encuentra en un espacioiluminado por luz incandescente (bombillas) o halógena.

Soleado: Se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior con un tiempo soleado o nublado de granluminosidad.

Nublado: Se ajusta asumiendo que se encuentra en el exterior en condiciones de sombra o de cielo muycubierto.

Fluorescente: Se ajusta asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz fluorescente.

Estas opciones son mejores que el uso automático, pero todavía tendremos problemas con los términosmedios, durante el amanecer o el atardecer, en que la luz del sol debe atravesar una mayor longitud en las capasde la atmósfera que envuelven la tierra. Esto modifica la coloración de la luz, la cual pocas veces notamos yaque nos es demasiado cotidiano. En estos casos es muy util disponer de un modo de ajuste manual del balancede blancos.

4.2.4. Ajuste Manual del Balance de Blancos.

El ajuste manual del balance de blancos en las cámaras digitales actuales es bastante sencillo. Basta conenfocar un objeto de color blanco (un papel, por ejemplo) y pulsar el botón de calibración de blancos. De estemodo la ganancia de las tres componentes de color se ajustará automáticamente para dar el mismo nivel de señalbajo estas condiciones de iluminación, obteniendo de este modo en nuestra imagen unos colores próximos a los


reales de la escena fotografiada.

Algunos métodos para ajustar el balance de blancos son el uso de herramientas como el Expodisc o lacartulina de grises, y los métodos caseros del balance de blancos mediante el uso de un filtro de café o una tapade plástica de color blanco.

4.3. Temperatura del color.

Podríamos definir temperatura de color como la dominancia de alguno de los colores del espectrolumínico sobre los demás, de modo que altera el color blanco hacia el rojo o hacia el azul en dicho espectro.

La temperatura del color se mide en grados Kelvin, según una norma que sitúa en 5.500 K la luz del díateóricamente perfecta. Para días nublados, la temperatura del color sube (se produce una dominancia del azul)hasta los 12.000 K, mientras que en el interior de una casa con iluminación artificial esa temperatura baja a unos2.500 K, con una dominancia del rojo.

De hecho, la temperatura de color de la luz durante el día varía según el momento del día en que nosencontremos y las condiciones atmosféricas. Suele ser de color rosa por la mañana, amarillenta a primera horade la tarde, anaranjada en la puesta de sol, y azulada al caer la noche.

Normalmente, las cámaras digitales tienen una opción de configuración que permite indicar distintosmodos de balance de blancos, que varian la manera por la cual se percibe la temperatura del color, ajustando losniveles de los colores básicos (RGB - Red, Green, Blue), en función de distintas situaciones como pueden serfotografías a la luz del día con días soleados, días nublados, iluminación artificial por bombillas incandescentes(tulgsteno), o luz fluorescente.

Salvo por espectadores familiarizados con el concepto, no se suele apreciar a simple vista la temperaturadel color en una foto más que por comparación directa entre fotografías.

Hace años, una de las ventajas de utilizar el formato RAW era que los programas de postprocesado comoCamera RAW o RawShooter permitían ajustar la temperatura del color de una manera directa, cambiando elvalor de Kelvin de una foto. En la actualidad, programas como Lightroom cuentan con esta misma funcionalidadpara poder trabajar con imágenes en formato comprimido como JPG.


5. Como sujetar la cámara.

La foto está movida... ¡qué fastidio!... ¿por qué?. Mucha gente se queja de que muchas de las fotos quehacen les salen movidas. Y parte de ellos incluso le echan la culpa a su cámara, lo cual podría ser cierto en unmuy pequeño porcentaje debido al tiempo de latencia de la cámara, es decir, apenas presionamos el disparadorya estamos moviendo la cámara con lo cual no de damos tiempo para que realice su trabajo, en cualquier caso,¿Estás tú entre ellos?. Pues debes saber que uno de los motivos más frecuentes por las que obtenemos fotosmovidas es por no sujetar correctamente la cámara, y si el tiempo de latencia es significativo con mayor razón.¿No crees que el problema esta en la forma como “agarras” la cámara?. A continuación algunas recomendacionesque puedes probar para verificar como salen ahora las fotos.

El Secreto; Mantener la Cámara lo más Fija Posible: Las fotos salen movidas cuando se producemovimiento apreciable mientras el obturador de la cámara está abierto. Por eso cuando hay mucha luzes muy difícil obtener fotos movidas: porque el obturador permanece abierto muy poco tiempo (paraobtener una exposición adecuada) y el movimiento tiene que ser muy brusco para que quede registradoen la fotografía. Pero cuando las velocidades de obturación tienen que ser más lentas (generalmente, ensituaciones de mayor oscuridad) ya es otro cantar. Es necesario mantener la cámara lo más fija posible.Piensa que tu cuerpo debe actuar como trípode para tu cámara.

Empecemos Por los Pies: Para conseguir que tu cuerpo esté lo más estable posible, debemos empezarpor los pies. Mantenlos separados para evitar el balanceo. Procura evitar la flexión de las rodillas:conseguirás mayor estabilidad con las piernas totalmente extendidas. Si el ángulo que quieres tomar lorequiere, puedes arrodillarte, pero apoya la rodilla en el suelo: o totalmente extendido o arrodillado, peroprocura evitar posiciones intermedias.

Busca Apoyos Adicionales: Por curioso que pueda parecerte, se consiguen resultados sorprendentescuando apoyas tu cuerpo sobre la pared, una columna o cualquier otro objeto estable de gran tamaño. Siestás en un espacio abierto no tendrás muchas opciones, pero si tienes algo grande y fijo a mano, nodesaproveches la oportunidad. ¡Merece la pena!.

Los Codos contra el Cuerpo: Mantén los brazos lo más replegados posibles. Cuanto más extendidosestén, mayor movimiento. Procura apoyar los codos contra el cuerpo: evitarás vaivenes innecesarios. Esteconsejo es especialmente importante en fotografía digital, ya que el monitor LCD de las cámaras digitaleshace que tengamos la tendencia natural de alejar la cámara y extender los brazos.

Con las 2 Manos, Por Favor: La miniaturización en la electrónica de consumo alcanza límitesinsospechados. En la fotografía digital hace posible que podamos encontrar en el mercado modelos decámaras tan pequeños y ligeros que parece increíble. Por poco que pese tu cámara utiliza las dos manospara sujetarla. Piensa que el gesto de apretar el botón genera un movimiento considerable, mucho menorcuando sostenemos la cámara con ambas manos.

Tensa los músculos: Siguiendo las recomendaciones anteriores conseguiras colocar tu estructura óseade modo adecuado para conseguir la máxima estabilidad. Es momento de poner en juego tu sistemamuscular. Evita la flacidez. Tensa un poquito los músculos, pero no te pases. Se trata de evitarvibraciones innecesarias: si aprietas demasiado puedes provocar un ligero temblor, justamente lo quepretendemos evitar.

Contén la Respiración: Cuando la velocidad de obturación es reducida, oscilaciones como las que


producimos al respirar pueden provocar fotos movidas. Conviene contener la respiración para reducir losmovimientos al mínimo. Inspira, conten y dispara. O bien, expira, conten y dispara. Prueba ambos modosy decide cual es con el que más cómodo te encuentras.

Sostén la Cámara con la Izquierda, Controla con la Derecha: Si tu cámara es réflex o tipo réflex,sostén la cámara con la mano izquierda: pon la palma hacia arriba y sitúa la parte inferior de la cámarasobre ella; abraza con los dedos pulgar e índice el objetivo. Con la mano derecha abraza el lateral derechode la cámara, de modo que el dedo índice caiga de modo natural sobre el disparador, y que el pulgarabrace la parte posterior de la cámara, cerca de los controles principales. Y no olvides pegar los codosal cuerpo.

5.1. Cómo NO se debe sujetar la cámara.


5.2. Cómo SI se debe sujetar la cámara.

5.3. Qué hacer cuando se olvida el Trípode, o no hay.

Como ya se a visto, los trípodes se usan como plataforma de sujeción cuando se requiere una base establepara tomar una foto. En multitud de ocasiones, especialmente en condiciones de baja iluminación o cuando lavelocidad de obturación tiene que ser baja, la ausencia de trípode resulta en fotos borrosas o movidas, echandoa perder el trabajo (en el mejor de los casos), o perdiendo la oportunidad de capturar momentos únicos (en el peorde los mismos). Es altamente recomendable incluir siempre entre los elementos de nuestro equipo fotográfico,un trípode, pero ¿qué pasa si lo olvidamos, o si no lo hemos podido comprar?. A continuación se indican algunosconsejos para que se note en la imagen, lo menos, posible la ausencia de trípode.

Apoyar la cámara contra una superficie firme: El problema es que la velocidad de obturación de lacámara toma valores muy reducidos, por lo que es necesario que el sensor permanezca lo más fijoposible, evitando todo tipo de vibraciones o movimientos. Busca una superficie firme y apoya la cámaracontra ella. Una columna o una pared pueden servir. Apoya uno de los laterales contra la pared y presionael extremo opuesto con una de las manos; de este modo mantendrás fija la cámara. Trata de mantener laposición desde el momento del enfoque hasta que la fotografía ha sido tomada. Si no usas una pared ouna columna, comprueba previamente su estabilidad: es importante que esté bien fija.


Superficie horizontal: También puedes buscar una superficie horizontal: una mesa, una silla, un armario,etc. De este modo, todo el peso de la cámara estará soportado por un elemento firme. Si, para realizar elencuadre necesitas orientar el objetivo, busca pequeñas cuñas para conseguir el ángulo deseado.

Cuidado en el momento del disparo: Un momento delicado cuando no se dispone de un trípode es elinstante del disparo. La presión ejercida sobre el botón suele resultan en pequeñas vibraciones queprovocan el movimento justo para evitar que nuestra captura sea nítida. Un truco a utilizar en tales casoses hacer uso del temporizador: de este modo, entre el momento del disparo y de la captura de lainstantánea transcurrirá el tiempo justo para evitar vibraciones y que la cámara se haya vuelto aestabilizar.

Estabilizadores de imagen: En este tipo de circunstancias (cuando no se tiene trípode) es cuando setoma ventaja de elementos como los estabilizadores de imagen. Si tu cámara digital no lo tiene, pocopuedes hacer al respecto. Pero si estás pensando en cambiar de cámara, no olvides que es unafuncionalidad muy interesante que te puede sacar de más de un apuro.

Evita el tele o zoom máximo: Si no tienes trípode evita, en la medida de lo posible, usar el zoom. Todavibración que experimente la cámara se verá amplificada con el uso de zoom, por lo que, trata deacercarte lo más posible y, si no es estrictamente necesario no lo uses.

Sostén firmemente la cámara: No importa que tengas poco pulso, pero si no agarras convenientementela cámara lo tendrás peor aún. Ten presente que, si no tienes trípode, todo lo que hagas, suma.

Dispara todo lo que puedas: Por mucho que sigas todos los consejos que te podamos dar, nada funcionatan bien como un trípode así que, dispara todo lo que puedas; reduce la probabilidad de fallo todo lo quepuedas. Si algunas van a salir movidas que haya, al menos, alguna otra que salga en condiciones.


6. El enfoque.

¿Cuántas veces se ha oído decir: "esta foto no está bien enfocada", "el elemento enfocado no debía habersido éste, sino este otro", "deberías enfocar manualmente y no de forma automática", o...?. El enfoque es unaspecto muy importante a la hora de lograr una buena fotografía y por tal motivo comenzaremos por la definicióndel concepto con: ¿Qué Es El Enfoque? Una explicación óptica y otra práctica.

Desde un punto de vista óptico se llama enfocar a hacer coincidir los rayos de luz reflejados por el objetou objetos que pretendemos fotografiar con el foco de la lente sobre el plano focal, es decir, el elementofotosensible. Desde un punto de vista práctico, se puede decir que enfocar es lograr que el objeto de la escenasobre el que pretendes llamar la atención salga completamente nítido en la fotografía.

Una de las fotografías anteriores se ha llevado a cabo una técnica que se conoce como enfoque selectivo.Consiste, como se puede ver, en la presencia de un objeto claramente enfocado, en este caso la niña de metal,frente a un fondo de imagen claramente desenfocado, de manera que se centra la atención del que ve la foto enaquello que está nítido y definido en la imagen, es decir, el objeto enfocado.

En las cámaras compactas el enfoque es fijo, no hay que enfocar, en las SLR manuales se enfoca medianteuna rueda que hay en el objetivo, y en las SLR con autofocus el enfoque se hace apuntando con el cuadro deautofoco al sujeto y pulsando el botón de disparo suavemente, ya que apretando más se realiza el disparo. Porlo general este tipo de cámaras también permiten el enfoque manual.

Cada objetivo tiene una distancia mínima entre el lente y el sujeto, por debajo de la cual no es capaz deenfocar. Los zooms de largo alcance, por ejemplo: 70-300 mm, tienen una distancia mínima de 1.5 metrosaproximadamente, a diferencia de los objetivos de menor alcance, por ejemplo: 28-80 mm, que tienen unadistancia mínima de 40 cm aproximadamente.

Este valor de distancia mínima puede reducirse para fotografías de insectos o flores con la utilización defiltros Close-Up o de acercamiento, con el problema de incrementar la aberración cromática a medida que seincrementan las dioptrías.

6.1. ¿Cómo enfocar?.

Para evitar sorpresas, se recomienda que antes de hacer una fotografía se tenga claro cuál es el sujeto quese quiere enfocado, se le enfoque (apuntando directamente sobre él) y posteriormente se haga el encuadre de laescena. Realmente, cuando enfocamos un sujeto lo que hacemos es enfocar una distancia.

Si en el encuadre de la primera imagen a continuación, se hubiese enfocado al centro las jóvenes habríansalido desenfocadas. Para solventar este problema lo primero que se debe hacer es seleccionar a una de ellas y


luego se la enfoca (pues están a la misma distancia), después se compone la escena (reencuadrando) y finalmentese dispara. Con una cámara autofocus se apunta al sujeto, se presiona a la mitad el disparador para enfocar, serecompone la escena manteniendo el botón pulsado y finalmente se presiona completamente para disparar.

6.2. Términos Relacionados con el Enfoque: Profundidad, Hiperfocal y Bokeh.

Cuando se piensa en enfoque, rápidamente se le tienen que venir a la cabeza varios conceptos que ya hansido tratados previamente, pero de los que "toca" hablar una vez más como parte importante del concepto deenfoque.

El primero de los términos del que hay que hablar es de la profundidad de campo que, como se recordará,se trata de la zona de la escena fotografiada que sale claramente nítida en la fotografía. Es decir, aunque seenfoque a un determinado objeto, no sale nítido éste exclusivamente, sino que además de él hay otros objetossituados por delante y por detrás que también saldrán nítidos, es decir, profundidad de campo grande.

Por aclarar aún más las cosas; en realidad al enfocar, no se enfoca un objeto, sino que lo que se enfocaes una distancia, es decir, cualquier objeto situado a esa distancia, o dentro de la profundidad de campo de esatoma, aparecerá nítido.

Otro concepto relacionado con la profundidad de campo y, a su vez, con el enfoque es la denominadaDistancia Hiperfocal, que se puede definir como la mínima distancia a la que hay que enfocar para lograrextender la profundidad de campo hasta el infinito. Este es un concepto muy socorrido en fotografía de paisajesya que permite “meter” en foco a todos los elementos de la panorámica.

El último de los conceptos relacionados con el enfoque es el referido al término bokeh, cuyo significadoes antagónico al del enfoque. El bokeh define de alguna manera la bondad de un objetivo en función de la calidaddel desenfoque que produce. Suena extraño, a si que se tratara de explicar con un ejemplo.

Piensa en una foto tomada con gran amplitud de diafragma (la profundidad de campo será muy limitada),habrá objetos claramente nítidos y otros borrosos y desenfocados. Pues, precisamente, el bokeh del objetivo esuna medida de lo estético que resulta el desenfoque proporcionado por ese objetivo, es decir, el nivel de difusiónde lo que se encuentra desenfocado.


6.3. Modos de enfoque: Los Modos Automáticos y el Modo Manual.

En primer lugar debemos estar claros que existen dos modos básicos de realizar el enfoque con unacámara de fotos, el primero de ellos es el Automático y el segundo el Manual. A su vez dentro del modoautomático existen variantes que veremos a continuación.

6.3.1. Modo Automático, AF (Auto Focus).

Es un modo que está presente en todo tipo de cámaras digitales con más o menos opciones. Pero, encualquier caso, está presente en todas las cámaras. En esta ocasión es la cámara la que, como veremos acontinuación, se encarga de enfocar y hacer que salga nítido un determinado objeto u objetos de la composición.Para ello sabes que debes presionar el disparador de tu cámara hasta la mitad y esperar a que tu cámara te muestrede forma visual o sonora que ha enfocado.

6.3.1.1. ¿Como lo hacen?.

Lo primero que a uno se le viene a la cabeza es preguntarse cómo hace la cámara para saber qué objetoes el que quiero que salga enfocado en una composición. Pues bien, para eso la cámara lo que hace es seguir unostrucos: el de la distancia y el del contraste. Es decir, la cámara tratará de enfocar aquellos objetos que estén máscerca del objetivo y que ofrezcan cierto contraste. Si no crees, intenta enfocar una pared completamente lisa yblanca, a ver si consigues oír el pitidito de tu cámara diciendo que lo ha logrado.

¿Y qué sucede si prefiero enfocar un objeto que está situado más lejos que otro?, ¿la cámara directamentetratará de enfocar el más cercano?, ¿no puedo lograrlo salvo que haga uso de un enfoque manual?.

La respuesta a estas preguntas depende de la cámara. Existen cámaras que te permiten seleccionar la zonade la imagen que quieres enfocar y una vez dentro de esa zona aplicar el modo automático, independientementede que no sea la zona con el objeto más cercano al objetivo. Y que no se piense que esto es exclusivo de cámarasmuy avanzadas, de hecho muchas cámaras de mediano y hasta bajo rango lo permiten. Es decir, hay que leer ellibrito de instrucciones de la cámara y mirar como se puede activar esta opción.

Para poner un ejemplo, la cámara Nikon D60 ofrece tres áreas de enfoque (izquierda, centro y derecha),de modo que el fotógrafo pueda indicar a la cámara la zona de la imagen en la que desea que se realice elenfoque. Pero, por poner otro ejemplo, la Nikon D80 ofrece hasta 11 puntos distintos de enfoque entre los quepoder elegir para indicar a la cámara dónde quieres que trate de enfocar.


6.3.1.2. Tipos.

Además de lo que ya se ha dicho sobre modos automáticos de enfoque, todavía queda algo por decir. Yese algo es que algunas cámaras, fundamentalmente la mayoría de DSLRs actuales, ofrecen distintos tipos deenfoque automático. En el caso de Nikon, cuenta básicamente con tres modalidades de enfoque automático

AF-S (Auto Focus - Single Servo). Este método funciona muy bien con objetos estáticos, o condesplazamiento a muy baja velocidad, de manera que el fotógrafo presiona el disparador hasta la mitad,la cámara enfoca y ya se está en condiciones de reencuadrar para disparar cuando se estime oportuno.

AF-C (Auto Focus - Continuous Servo). Este método de enfoque lleva a cabo un enfoque continuomientras el usuario mantiene el disparador apretado hasta la mitad. Es muy apropiado para objetos enmovimiento, pues consigue que, mientras el botón está presionado a medias, la cámara lleve a cabo unproceso de enfoque continuo para adaptarse al movimiento del objeto.

AF-A (Auto Focus - Automatic). Es el modo automático, de manera que la cámara decide cuál de losdos modos anteriores, AF-S o AF-C, aplicar en función de las características de la escena que percibe.Parte de AF-S y si detecta movimiento pasa a AF-C.

Aunque éstos son los nombres utilizados por la marca Nikon para sus modos de enfoque, las grandesmarcas como Canon, Fujifilm, Olympus, Pentax, y otras ofrecen básicamente los mismos modelos de enfoque,aunque, como siempre, con nombres diferentes. En Canon, los mismos métodos que los vistos anteriormente sedenominan One Shot, AI Servo y AI Focus, respectivamente.

6.3.2. Modo Manual, MF (Manual Focus).

Este modo en principio es exclusivo de las cámaras réflex y, en este caso, como su nombre indica, es elfotógrafo el que se encarga de "mover" las lentes de su objetivo para lograr que salga nítido el objeto u objetosque desea en sus composiciones. Para ello, los objetivos incluyen un anillo de enfoque con el que el fotógrafoenfoca. Y si el objetivo es fijo, el enfoque manual de puede efectuar seleccionandolo de entre un menú yajustandolo posteriormente por medio de botones, o pulsadores a tal fin.

6.4. ¿Enfoque Manual o Automático?, ¿Cuándo Usar Uno u Otro?.

Con lo dicho en los apartados anteriores, parece claro que cuando se opte por el enfoque automático sedeberá tener en cuenta si se va ha retratar un objeto estático o en movimiento. Sin embargo, antes de decidir elmodo de enfoque automático concreto a emplear, se hace imperioso contestar una pregunta previa y ésta es:¿enfoque manual o automático?.

La calidad, de los mecanismos de enfoque automático es asombrosa y a medida que evolucionan lascámaras incorporando algoritmos de inteligencia artificial, cada vez es más sorprendente ver cómo la cámara escapaz de convertir una trama borrosa en una imagen nítida y clara como consecuencia del asombroso enfoqueautomático. Sin embargo, aún hay situaciones en las que merece la pena optar por el enfoque manual, las cualesse enumeran a continuación.

• Fotografía Macro (objetos pequeños). Podrás definir con el punto exacto que deseas enfocar.


• Fotografía de Retrato. Si quieres centrar la atención en una determinada característica de un rostro, elmodo manual será el más apropiado.

• Fotografía con poca luz. Si pruebas el enfoque automático de la cámara en condiciones de escasailuminación verás que le resulta difícil llegar a enfocar. De hecho, muchos modelos incluyen una luz deayuda para enfocar en estas situaciones. Pero, a veces, ni con esa luz son capaces de enfocar. Por eso, enestas situaciones es casi imprescindible pasar a modo manual.

• Fotografía con una reja o cristal delante. ¿Recuerdas que anteriormente se indico que el enfoqueautomático trabaja en función de la distancia? Si delante del objetivo hay un cristal o una reja y, sinembargo, quieres enfocar lo que hay detrás, entonces, ¡pasa a modo manual!.

• Fotografía con mucho movimiento. Si el objeto a retratar se mueve mucho, el enfoque automático no serálo suficientemente rápido, por eso es mejor que pases a modo manual, enfoques a la zona de movimientodel objeto y dispares.

6.5. La Importancia Del Enfoque: El Retrato.

Aunque suene repetitivo, se hace necesario recalcar de nuevo la importancia del enfoque. Un enfoquecorrecto puede ser clave en tu fotografía o, más bien, una foto desenfocada no suele funcionar en el 99.9% delos casos, por tanto, una de las cosas que se hace imperioso realizar es enfocar correctamente si buscas una buenaimagen.

Pero no sólo basta que una determinada foto tenga un objeto bien enfocado. No es suficiente para quela foto sea buena. ¡No! En muchas ocasiones lo que hace que una foto sea admirada es la elección como zonade enfoque de un punto de la escena en el que, "a priori", no habríamos centrado nuestra atención si no hubieseaparecido enfocado.

Hay que pensar por ejemplo, en fotografía de retrato. Si hay una máxima en ese sentido es ésta: “Enfocaa los Ojos". Y lo cierto es que la mayoría de retratos que ofrecen unos ojos correctamente enfocados logranresultados más que aceptables. Sin embargo, hay ocasiones en que, precisamente, lo especial de un retrato es queel fotógrafo ha huido de esta máxima y ha llamado nuestra atención sobre otro detalle distinto de los ojos.


7. Exposición.

Ha llegado el momento de agarrar la cámara y empezar a utilizarla para lo que realmente sirve: parahacer fotografías. Ya está bien de "destripar" nuestra cámara para conocer sus componentes o analizar losdistintos tipos de objetivos que existen, cuidarla, comprarle accesorios, configurarla, sujetarla. Pero antes dehacer cualquier fotografía, lo primero que uno ha de conocer es el significado y la importancia de un términoclave: la exposición.

Sin ese concepto, no hay imagen que valga, así se este utilizando la configuración automática. Por ello,ahondaremos en conceptos asociados para darle significado al término, se identificaran los factores que influyenen la exposición y se determinaran las pautas para que nuestras fotos aparezcan correctamente expuestas, aspectofundamental en el proceso de aprender a hacer mejores fotos.

7.1. ¿Qué es la Exposición?.

La exposición es la acción de someter un elemento fotosensible (en cámaras digitales el sensor) a laacción de la luz, que es la piedra angular de la fotografía. Por tanto, la correcta exposición de una fotografía(luminancia o cantidad de luz) será el primer paso para lograr una buena foto, al margen de una mejor o peorcomposición y de una mayor o menor belleza de lo retratado.

Por consiguiente, una mala exposición será el primer gran error que deberemos evitar cuandofotografiemos., de manera tal que comenzaremos por lo básico, La Luz.

7.2. La Luz, Principio Fundamental en Fotografía.

El pilar básico sobre el que se construye todo proceso de aprendizaje en fotografía consiste en tomarconciencia y reconocer la importancia que tiene el principal elemento que hace posible que disfrutemos y nosfascinemos ante tantas y tan buenas fotografías como a diario vemos en prensa escrita, televisión, distintosmedios publicitarios y, por supuesto, Internet.

Por supuesto, estoy hablando de la luz, verdadera base y motor de la fotografía, cuya importancia queda


reflejada incluso en el origen etimológico de la palabra, pues fotografiar es una palabra de origen griego quesignifica "escribir con luz".

El estudio del comportamiento de la luz y el conocimiento de las bases por las que se forman lasfotografías serán, sin duda, el primer pilar que deberemos asentar para mejorar nuestra formación comofotógrafos. Y es que la importancia de la luz es tal, que sin ésta sería imposible tomar una fotografía, del mismomodo que sin óleo no se puede pintar un lienzo, o sin la tinta de un bolígrafo no se puede escribir una carta(dejando al margen el concepto de e-mail, por supuesto).

Y no sólo la ausencia de luz evita que se tome una fotografía, sino que una cantidad de luz insuficienteo con escasa intensidad hace necesario el uso de elementos artificiales como flashes o esquemas de iluminaciónmás elaborados. Todo ello porque el primer elemento clave, y probablemente el más importante, para poderobtener una fotografía de calidad es, sin duda, la luz.

Para poder hacer fotos dependemos de la luz. Es la luz la que va a determinar que nuestra foto salga bieno no salga. Para que nuestra foto se haga como debemos necesitamos exponer un material fotosensible (esto es,sensible a la luz) en el interior de nuestra cámara.

Hasta la llegada de las cámaras digitales este material era una película o carrete. Con la llegada de lafotografía digital, estas películas se han sustituido por un sensor CCD. Pero el mecanismo de exposición esexactamente el mismo, y sigue dependiendo de tres factores.

Si tu cámara lo permite y quieres dejar de utilizar algún día el modo de disparo automático, necesitarásentender el concepto de exposición y conocer cuáles son estos factores y para qué sirve cada uno de ellos.

La mejor manera de explicar el concepto de la exposición es buscar una buena metáfora. Es por tal motivoque recurriremos a la metáfora del vaso de agua.

Imaginemos que tenemos un vaso. El objetivo es llenar de agua ese vaso. Necesitamos dejar el vaso llenojusto hasta el borde. Si pones poca agua, el vaso no saciará tu sed. Si pones demasiada, el agua se saldrá. Enfotografía, cuando ponemos poca agua decimos que la foto está subexpuesta (poca luz), y cuando se desbordaestá sobreexpuesta (demasiada luz). Los elementos de que disponemos para controlar la exposición en fotografíason:

• La apertura del diafragma• La velocidad de obturación• La sensibilidad ISO

La combinación de estos tres factores nos permitirá obtener una exposición correcta, aunque la medidaen que apliquemos cada uno de ellos por separado producirá unos resultados u otros.


7.2.1. Entendiendo la Exposición con Ejemplos.

Volvamos al vaso. Ya sabemos cual es la cantidad justa de agua que necesitamos. Ahora sólo hay quesaber cómo llenarlo.

Podemos conseguir la misma cantidad de agua de dos maneras. La primera es abriendo mucho el grifodurante muy poco tiempo. La segunda es abrir el grifo menos, y dejarlo durante más tiempo abierto.

En fotografía, la apertura del diafragma es el diámetro de la tubería por la que sale el agua, y la velocidadde obturación es el tiempo que mantenemos el grifo abierto.

7.2.2. ¿Y la sensibilidad ISO?.

Ésta es un poco más difícil de explicar con el ejemplo del vaso, pero se puede tratar de utilizar dosmetáforas.

La primera, piensa que tienes dos vasos. Uno con una piedra dentro y otro con una esponja. A la mismacantidad de agua, el vaso de la esponja rebosa antes porque la esponja se expande al contacto con el agua (es mássensible), mientras que la piedra no varía el volumen que ocupa dentro del vaso.

¿No convence? Pues entonces piensa simplemente que cuando cambiamos el valor del ISO lo queestamos haciendo es cambiar de vaso. Cuanto más alto el valor ISO, más pequeño el vaso, y menos agua necesitapara llenarse.

7.2.3. ¿Cómo afecta el uso de cada parámetro?.

Como se indico, podemos realizar distintas combinaciones en los valores de apertura del iris, velocidadde obturación o tiempo de exposición, y sensibilidad ISO que nos permitan conseguir una correcta exposiciónen la foto. Pero cada uno de estos elementos generará un efecto diferente en nuestra imagen como ya ha sidoexplicado anteriormente en apartados previos. Para refrescar, recordemos que la apertura del iris definirá laprofundidad de campo de nuestra imagen (las zonas nítidas y borrosas de la foto), la velocidad de obturaciónrecogerá, o congelará, el movimiento de la escena, y la sensibilidad ISO determinara tanto los valores de losparámetros anteriores como establecerá el nivel de ruido que tendrá la foto.

7.3. Subexposición, Exposición Correcta, y Sobreexposición.

En función del grado de exposición de una foto podremos hablar de tres situaciones: subexposición,exposición y sobreexposición, lo cual se podrá apreciar perfectamente en la siguiente imagen.

Con una imagen todo se ve mucho más claro, pero, por si acaso, vamos a describir brevemente cada unade las situaciones:

Subexposición: La fotografía presenta una carencia considerable de luz frente a la de la escena original.En pocas palabras, la fotografía "está oscura".

Exposición correcta: La fotografía recoge la cantidad de luz apropiada para representar fielmente la


escena fotografiada.

Sobreexposición: Se aprecia un exceso de luz en la fotografía frente a la escena retratada. De formasimple, la fotografía "está demasiado clara".

7.3.1. Los 3 Factores que Determinan la Exposición.

Vamos a repetir lo que ya ha sido enunciado anteriormente con otras palabras, a efectos de aprendizajeo refuerzo por lo importante del concepto, y enfocados en la influencia que tienen cada uno de estos factores enla exposición de la fotografía.

Apertura del diafragma: Determina la cantidad de luz que se deja incidir sobre el sensor de nuestracámara. Una mayor apertura supondrá una mayor cantidad de luz actuando sobre el sensor.

Velocidad de obturación o tiempo de exposición: Marca el tiempo durante el que la luz incide sobreel sensor. Un mayor tiempo y, por tanto, una menor velocidad darán lugar a que la luz incida durante unperiodo más prolongado sobre el sensor.

Sensibilidad ISO: Refleja lo receptivo que se muestra el sensor de nuestra cámara ante la luz que actúasobre él. Una mayor sensibilidad hará que, a igual cantidad de luz y tiempo de incidencia, el sensor sehaya excitado más y, por tanto, la fotografía tenga una mayor exposición.

7.3.2. La Exposición. Relación entre los 3 Factores Determinantes.

Como vimos en el esquema del punto anterior, la apertura, la velocidad/tiempo y la sensibilidaddeterminan la exposición. Pero el esquema no sólo representa eso, además representa una estrecha relación entreestos parámetros. Relación que hace que unos parámetros puedan "compensar" la acción de otros y lograr queconfiguraciones con distintos valores de los tres parámetros puedan originar una misma exposición.

Estas relaciones precisamente permitirán que siempre tengamos la posibilidad de obtener una foto en


condiciones de correcta exposición, si sabemos manejar la relación entre estos factores. De ahí la importanciade conocerla.

Lo normal será fijar el valor de uno de los parámetros y en base a este parámetro definir el valor de losotros dos para lograr que las fotografías estén expuestas de forma correcta. A continuación se indica cómo lograruna correcta exposición en caso de que fijes cada uno de los tres valores.

• Si se opta por una mayor apertura del diafragma, esto originará que el caudal de luz sea mayor.Por tanto, para lograr que la foto no salga sobreexpuesta, tendrás que reducir el tiempo deexposición y/o reducir la sensibilidad. Es decir, reducir el tiempo de incidencia de la luz y/oaumentar la luz que necesita el sensor para excitarse.

• Si, por el contrario, se aumenta el tiempo de exposición y deseas evitar que la foto salgasobreexpuesta por un exceso en el tiempo de exposición del sensor, tendrás que reducir laapertura del diafragma y/o reducir la sensibilidad del sensor. Es decir, reducir la cantidad de luzque se aplica al sensor y/o la sensibilidad del sensor.

• Si el valor que se desea fijar es una mayor sensibilidad, para evitar que se produzca unasobreexposición, deberás reducir la apertura del diafragma y/o aumentar la velocidad deobturación. Es decir, disminuir la cantidad de luz que incide sobre el sensor y/o el tiempo duranteel que prolongamos esta incidencia.

Como se puede ver, hemos tratado en los tres casos la forma de evitar la sobreexposición. Si, por elcontrario lo que deseas evitar es la subexposición de la fotografía, bastará con considerar las relaciones quehemos indicado pero a la inversa.

Por ejemplo, si se fija un valor reducido de apertura del diafragma, para evitar la subexposición deberásaumentar el tiempo de exposición y/o aumentar la sensibilidad. Es decir, para que un menor caudal de luz genereuna exposición correcta, será necesario que se incremente el tiempo de incidencia de la luz sobre el sensor y/oel grado de sensibilidad de éste.

7.3.3. ¿Cómo Medimos la Exposición? El Histograma y el Exposímetro.

A continuación dos elementos que están ampliamente relacionados.

7.3.3.1. El histograma.

Parece claro que cualquier fotógrafo, incluso cualquier proyecto de fotógrafo, podrá apreciar laexposición correcta o incorrecta de una fotografía tras haber realizado la fotografía y verla en el visor LCD desu cámara.

En cualquier caso, con la ayuda del histograma o sin ella, es obvio que "a posteriori", es decir, despuésde haber realizado la fotografía, resulta sencillo saber si está correctamente expuesta o no. Pero qué pasa antesde disparar, ¿podemos saber si estamos exponiendo correctamente antes de tomar una fotografía?. La respuestaes SÍ.

Y a quien debemos agradecer que esa respuesta sea afirmativa y no negativa es a un componente incluido


en nuestras cámaras que se denomina expoxímetro.

7.3.3.2. El Exposímetro. Nuestro Experto en Exposición.

El exposímetro, mal llamado "fotómetro" (término más genérico) por muchos, es el elemento encargadode estimar la exposición que necesita el sensor para producir un resultado correcto en cuanto a exposición, enbase a la luz reflejada por la escena y los valores de apertura, velocidad y sensibilidad seleccionados.

Este elemento resulta clave al disparar, por ejemplo, en modo automático, ya que será él quien le digaa la cámara la configuración de apertura, velocidad y sensibilidad que deberá utilizar para obtener una correctaexposición

Así mismo, en los llamados modos creativos (paisaje, retrato, nocturno...) en los que aparece fijado unode los parámetros, el exposímetro indicará a la cámara qué valores deben tomar los otros dos parámetros.

Por ejemplo, en el modo deporte, se fija un tiempo de exposición bajo para evitar la trepidación, por tanto,para que la imagen no aparezca subexpuesta, el exposímetro deberá indicar a la cámara un valor de apertura losuficientemente elevado como para que esto no se produzca.

Y, por último, en aquellos modos en que se da la opción al fotógrafo de priorizar y fijar uno de losvalores: de apertura (A, apperture priority) o de velocidad (S, shutter priority), además de indicar a la cámarael otro valor que deberá utilizar, velocidad de obturación y apertura del diafragma, respectivamente, indicará alfotógrafo el grado de exposición que ofrece la toma a través de la pantalla de su cámara y/o del LCD en funciónde si se trata de una compacta o una DSLR.


En la imagen anterior puedes ver la información que ofrece una Nikon D60 a la hora de realizar una toma,la parte que está sombreada con rojo es el indicador de exposición y proporciona al fotógrafo información sobreel grado de exposición que ofrece una toma.

Así, si estamos en situación de sobreexposición el indicador se desplazará hacia el signo "+", mientrasque si estamos en situación de subexposición, lo hará hacia el signo "-". Al ver cualquiera de estas dossituaciones, el fotógrafo deberá lograr equilibrar ese indicador poniendo en práctica lo que hemos dicho a lo largode estos parrafos. Para ello cuenta con la posibilidad de manipular hasta tres factores para lograr una correctaexposición.

7.3.4. Compensación de la exposición.

Los fotómetros o exposímetros no son muy fiables en casos en los que las mediciones de luz se salen delo normal, pues ellos ven en gris. Ejemplos muy habituales son las fotografías de objetos negros (que aparecengrises) o de fotografías en la nieve o la playa (que aparecen muy oscuras).

• Nuestros ojos ven la nieve de color blanco.• La cámara ve la nieve de color azul-gris.• Nuestros ojos ven la locomotora de color negro.• La cámara ve la locomotora de color gris.

Para solucionar este problema hay que compensar la exposición. La configuración de la compensaciónde exposición incluye una serie de números desde -3 hasta +3. Lo importante es saber cuándo y cómo hayque utilizar un número negativo y cuándo uno positivo.

También es difícil determinar qué cantidad de compensación utilizar. Sólo la práctica puede ayudarnos.Cuando se fotografíen escenas oscuras (objetos negros) utilizar un número positivo. Cuando se fotografíenescenas claras (nieve) utilizar un número negativo.

Con el ejemplo de la nieve. Si el día es muy nublado, ajustar la compensación en -1, si es nublado peroclaro en -2, y si es soleado en -3. Es cuestión de probar.

7.3.5. En Resumen...

A lo largo de este apartado, se ha pretendido dejar claro el concepto de la exposición y cómo influyenlos tres factores que determinan el grado de exposición de una fotografía. Apertura, Tiempo, y Sensibilidad. Sinembargo hemos dejado abiertos varios frentes, por ejemplo, saber no sólo cómo afectan estos factores a laexposición, sino también su importancia a nivel compositivo dentro de una fotografía. Es decir, saber cuándonos interesará en una fotografía abrir más o menos el diafragma o incrementar o disminuir la velocidad deobturación, independientemente del nivel de exposición de la toma.

Ese precisamente será el objeto de los siguientes puntos, descubrir qué efecto producen la apertura deldiafragma, la velocidad de obturación y también la sensibilidad ISO en nuestras fotografías. Por el momentobasta con que se entienda su importancia y su papel en lo que a la exposición se refiere.


8. Iluminación, de nuevo la Luz.

La luz es la base de las fotografías, lo cual a este nivel ya ha quedado perfectamente establecido. Es poreso que una vez compuestos los elementos en el área, el siguiente punto es la iluminación, esto se refiere al usode la luz artificial (bombillos, flash, lámparas, etc.) ya que pueden ser controladas en intensidad y direcciónsegún el gusto del fotógrafo y por tanto son las condiciones ideales para el retrato.

Por el contrario, cuando trabajamos con la luz del sol, debemos adecuar tanto el objeto a fotografiar comola posición de la cámara a la fuente de luz, aunque existe la posibilidad de manejarla un poco gracias a lassuperficies reflectantes, difusas o no.

8.1. Factores que determinan la iluminación.

Está perfectamente claro que sin luz resulta imposible ver los objetos a impresionar en el elemento deregistro, o fotosensible, para tomar la imagen. Por eso, no es usual fotografiar objetos con luz propia comolamparas en cualquiera de sus tipos de elemento luminiscentes, lo más normal es captar la luz que los objetosreflejan para formar la imagen. La luz puede provenir de fuentes naturales o artificiales, y en cada caso poseeuna serie de características.

Aparte de ser un factor físico imprescindible en el proceso fotográfico, la luz posee una función plásticade expresión y modelado que confiere un significado y un carácter tal, que muchas veces ella sola determina lacalidad de una fotografía. Los principales factores que determinan la iluminación son:

• El origen: Es el factor principal que determina el resto de los factores. Normalmente se divide en LuzNatural y Luz Artificial.

• Luz Natural: Es la que aporta el sol (aunque esté oculto por las nubes o tras el horizonte), laluna, las estrellas, e incluso el fuego. Estas últimas, a diferencia del astro rey, se caracterizan supoca intensidad, y por eso raramente se utilizan. En cambio, el sol posee una luz más intensa. Noobstante, la luz natural es más difícil de controlar porque cambia constantemente de intensidad,dirección, calidad y color; sin embargo es intensa, cubre grandes extensiones y es gratuita.

• Luz Artificial: En este tipo de luz, todos estos parámetros pueden controlarse, pero resulta máscostosa e incómoda de usar aparte de limitar la extensión de la superficie que se va a alumbrar.Es decir, tiende a ser puntual y de ahí su complejidad. Puede ser continua (bombillo) o


discontinua (flash).

• El número: O cantidad de fuentes influye sobre el contraste y el modelado de la imagen. Como normase recomienda utilizar el menor número posible de fuentes en aras a una mayor naturalidad en la foto,por lo general se emplea una luz principal y una luz secundaria o de relleno. Con la luz natural, puedeaprovecharse como luz de relleno, una pantalla reflectante o un destello de flash. Muchas veces la durezade las sombras de un retrato a mediodía, pueden mitigarse en parte, haciendo que el modelo utilice unsimple libro abierto como reflector bajo su cara.

• La dirección: De donde proviene la luz, la altura, y el ángulo desde la que incide tiene una importanciadecisiva en el aspecto general de la fotografía. Variando la posición de la fuente, pueden resaltarse losdetalles principales y ocultarse los que no interesen. De la dirección de la luz también depende lasensación de volumen, la textura y la intensidad de los colores. Psicológicamente también puedensugerirse tranquilidad o ambientes de atardecer si utilizamos la luz horizontalmente. Aunque lasposiciones de la luz respecto al motivo y la cámara, pueden ser infinitas, todas ellas pueden incluirse enmayor o menor parte en unos de los cuatro tipos siguientes:

• Luz Frontal: Este tipo de iluminación produce aplanamiento de los objetos, aumenta la cantidadde detalles pero anula la textura. Los colores se reproducen con gran brillantez. En personas y conla luz cerca del eje del objetivo, el riesgo de que aparezca el efecto "ojos rojos" aumentaconsiderablemente.

• Luz Lateral (derecha o izquierda): La iluminación lateral, incluyendo la luz lateral-frontal, olateral posterior, destaca el volumen y la profundidad de los objetos tridimensionales y resalta latextura; aunque da menor información sobre los detalles que la luz frontal y además aumenta elcontraste de la imagen.

• Luz cenital (luz del medio día): La iluminación vertical ya sea cenital superior, o inferior, aíslalos objetos de su fondo y el elevado contraste que da a la imagen les confiere un aire dramático.Especialmente en retratos, puede llegar a hacer el rostro tenebroso e irreconocible.

• Contraluz: (luz posterior): La iluminación a contraluz simplifica los motivos convirtiéndolosen simples siluetas, lo cual puede resultar conveniente para simplificar un tema conocido y lograrsu abstracción, a ello hay que añadir además la supresión que se consigue de los colores y laposibilidad de usarse como luz secundaria para marcar líneas brillantes que destaquen el motivorespecto a su fondo.


• La difusión o calidad de la luz: determina la nitidez del borde de las sombras y por tanto la dureza osuavidad de la imagen. Se nombran a continuación los tipos de iluminación.

• Luz Dura: Este tipo de luz procede de fuentes pequeñas y alejadas, como el sol y las bombillaso flashes directos, es decir, es altamente direccional. La distancia y el tamaño determinan el gradode dureza. la luz dura es idónea para destacar la textura, la forma y el color; y proporciona elmayor grado de contraste.

• Luz Suave o Luz Difusa: La luz suave es tan difusa, es decir, que proviene de todos lados o queno tiene dirección definida, de manera tal que apenas proyecta sombras. La fuente luminosa hade ser muy extensa como un cielo cubierto, o rebotarse sobre una superficie muy grande ypróxima, como el techo, pantallas reflectoras, etc. Esta iluminación es la menos espectacular detodas pero la más agradable y fácil de controlar, además de proporciona un contraste ideal parareproducción impresa.

• Luz Semidifusa: La iluminación semidifusa, es la combinación de las dos anteriores y procedede fuentes más grandes y/o próximas al objeto y aunque produce sombras definidas, ya no tienenlos bordes tan nítidos o demarcados como en el caso de la luz dura. La luz semidifusa destaca elvolumen y la textura, pero sin sombras negras y vacías y sin el elevado contraste de la luz dura,por tal motivo el color resulta más apagado.

• Luz plana: Al colocar una fuente de luz suave cerca de la cámara, se minimizan los detalles dela superficie al máximo. Este efecto es comúnmente denominado iluminación plana y aunquetiene ciertas aplicaciones, especialmente en primerísimos primeros planos de objetos donde lassombras oscurecerían detalles importantes, la iluminación plana deja "sin dimensiones" al sujetoy por tanto, cuando este tipo de iluminación se utiliza en una área grande, puede darle unaapariencia de árida y estéril.


• La intensidad y la duración: son factores que influyen casi exclusivamente sobre la combinacióndiafragma-obturador que ya hemos visto en apartados anteriores.

• El color: Factor que viene determinado por la longitud de onda de la luz y por el color intrínseco delobjeto, con la única excepción de las sustancias que emiten luz propia: fosforescentes, fluorescentes,biolouminiscentes, triboluminiscentes, etc.

En general, fuera del color, los factores anteriores influyen casi de la misma forma sobre fotografía enblanco y negro, o a color. Siendo por ello que veremos este último factor por separado.

8.1.1. Luz y Color.

Ya es conocido por las clases de Física del liceo que las longitudes de onda de la luz visible oscilanaproximadamente entre los 400 y 700 nanómetros. La luz solar combina homogéneamente rayos de todas estaslongitudes que en conjunto producen la luz blanca. Pero en realidad, las proporciones en que se combinan varíana lo largo del día, lo que implica un cambio de color en los objetos.

El color de un objeto depende fundamentalmente de su constitución fisico-química, del acabado de susuperficie y de la intensidad y longitud de onda de la luz que lo ilumina y, secundariamente, del color de lasreflexiones difusas de los objetos que lo rodean.

Basándose en lo anterior, en teatro, ilusionismo y seudo espiritismo se utiliza un viejo truco para, porejemplo, mover objetos por el aire sin hilos. La explicación consiste en que la escena se ilumina con una luzmonocromática (generalmente roja-naranja) y una persona totalmente vestida (enguantada y encapuchada) delcolor complementario (verde) puede tomar y mover los objetos dando la apariencia de que estos vuelan. Esto esdebido a que, con luz naranja un objeto aparece totalmente negro ya que esa luz carece del componente verdeque es el único que podría reflejar el objeto.

Por otra parte, La luz natural varía constantemente durante el día, fundamentalmente debido a lainclinación con que los rayos solares inciden en la atmósfera, desde el azul intenso hasta la naranja rojizo.

Cielo azul del mediodía: La combinación de longitudes de onda en la luz natural varía con la hora deldía debido al diferente grado de refracción de los rayos en la atmósfera. Al mediodía, al caer verticales,todos los rayos provenientes del sol, fundamentalmente, refractan por igual y la luz y esta luce blanca.Las moléculas del aire (generalmente aerosoles, vapor de agua y gotitas en suspensión) dispersan partede la luz, sobre todo las radiaciones más cortas que son las que más se refractan. Esta luz con abundanciade radiaciones azules dispersa en la altura gracias al vapor y a los aerosoles en suspensión es la causa deque veamos el cielo azul.

Cielo rojizo del ocaso o puesta de sol: Al atardecer, con el sol incidiendo de forma oblicua en laatmósfera, los rayos deben realizar un trayecto más largo y atravesar un capa más gruesa de aire y surefracción es mayor, tanto por el grosor a atravesar, como por el mayor ángulo de incidencia. Lasradiaciones más cortas (azules) se refractan tanto que giran y descienden pronto hacia el suelo. Las rojas,por el contrario, sufren una menor refracción y tiñen de rojo el cielo durante el ocaso. A esto hay queañadir el qué, los átomos de ozono, al tener una mayor absorción en la zona del UV, restan porcentajede azul a la luz de sol tiñéndola de rojo.


La intensidad de la luz como factor determinante del color, es únicamente una ilusión óptica debida a lapeculiar fisiología de nuestra retina.

Recordemos que los receptores luminosos de la retina son de dos tipos: conos y bastones. Los bastonesson mucho más numerosos (entre 75 y 150 millones por ojo) y más sensibles a la luz (tanto por su número, comopor su conexión en paralelo), pero sólo son capaces de ver en blanco y negro. Por el contrario, los conos, que sonde tres tipos distintos en función del color que los excite, son más escasos (entre 15 y 150 mil) y menos sensibles,pero distinguen perfectamente los colores. Al descender el nivel de iluminación, los bastones poco a poco vansiendo porcentualmente los responsables de la visión, con lo que la vista humana va perdiendo la capacidad dediscernir los colores.

Este efecto, o defecto (desplazamiento de Purkinje) que comienza con la extinción de los rojos y prosiguehacia los azules, este es el motivo por el que la imagen parece que va perdiendo color conforme el nivel deiluminación va descendiendo. De ahí lo de que: "de noche todos los gatos son pardos".


Sin embargo, la película ordinaria en color o los sensores CCD de las cámaras digitales no sufren esteefecto y es capaz de captar todo el colorido incluso a bajísimos niveles de iluminación (descontando eldesequilibrio cromático producido por el llamado fallo de no reciprocidad).

Como prueba de ello, podemos ver a la derecha una foto tomada por Luis Monje Arenas, España,(http://foto.difo.uah.es/curso/index.html, 29 Ene 2010) el plenilunio del 12 de diciembre de 1999 hacia la 1,15horas de la madrugada, usando como única iluminación la luz de la luna (excepcionalmente esa luna, llamadaluna negra, fue la mayor de los últimos 150 años debido a la conjunción del plenilunio, solsticio de invierno ymáxima aproximación de la órbita lunar a la Tierra) pero con luna llena y tiempo claro, pueden lograrse tomassimilares con sensibilidad ISO 100, tiempo de obturación de entre 1 y 2 minutos, con una apertura focal de f/1.4.

Si queremos expresar el valor de un color no podemos utilizar el de su longitud de onda debido a que laluz natural no es monocromática sino que está compuesta por la mezcla de muchas radiaciones de diferenteslongitudes de igual intensidad en el caso de la luz blanca, y en distintas proporciones en el caso de la luzcoloreada..

En fotografía se utilizan varias escalas para describir el color de la luz, aunque la más utilizada hoy endía es la ESCALA DE TEMPERATURA DE COLOR expresada en GRADOS KELVIN que, indica latemperatura necesaria para calentar un teórico cuerpo negro ideal hasta que emita una luz de color equivalente.Aspecto que ya ha sido tratado previamente.

8.2. El uso del Flash.

El flash es un dispositivo que nos permitirá aumentar la luminosidad de una escena. Podemos encontrarflashes integrados en la cámara o flashes independientes, y aunque los primeros son menos potentes no por ellodejan de ser útiles ya que un flash externo tiene reglas especificas de manejo para evitar las imágenes “lavadas”o sobre iluminadas. Por otra parte, algunas cámaras utilizan luces auxiliares de cierta potencia para lograr elautoenfoque en situaciones de mucha oscuridad, iluminando al sujeto para poder enfocarlo.


Realizar fotografías por la noche o dentro de algún edificio suele ser el uso más habitual del flash, ya quese hace necesario compensar la iluminación ambiental. Es muy importante tener en cuenta que el flash tiene unadistancia máxima, que si se supera deja al sujeto con una pobre iluminación, del mismo modo, tiene una distanciamínima por debajo de la cual deja sobre iluminado al sujeto. Para el segundo caso, es recomendable utilizar unzoom de bajo valor que permita alejar la cámara del sujeto a fotografiar, manteniendolo en la mayoría delencuadre por el efecto amplificador del zoom.

En muchas situaciones se quiere hacer una fotografía en un interior de una edificación en la que graciasa los ventanales hay luz natural. Sin embargo, por el nivel de difusión de la misma es muy poca para realizar lafotografía ya que la velocidad de exposición resultaría muy lenta (tiempo de exposición alto), con lo que se correel riesgo que la imagen resulte movida. En estos casos es útil apoyar a la luz natural con el flash para hacer lafotografía más rápida. O en su contraparte, el uso del flash evita la utilización del trípode, si se desea fotografiarun objeto estático, bajo las condiciones de iluminación antes indicadas.

El flash también puede ser utilizado como luz de relleno aún habiendo luz suficiente, día soleado, parahacer la fotografía. La utilización del flash bajo estas condiciones de excelente iluminación se debe a que hayzonas del sujeto muy oscuras y otras muy claras con lo cual en este tipo de iluminación natural se incrementael contraste por las zonas oscuras. Con la utilización del flash, las zonas claras de la imagen no se ven afectadaspor la luz de relleno. Este tipo de flash es muy útil en fotografías que tengan una luz intensa de manera lateral,cenital, o posterior (contraluz) de manera tal que se dejen zonas oscuras por el lado contrarío.

Para el caso de la iluminación a contraluz, donde el sujeto quedaría muy obscuro, se recomienda usar lamedición puntual del fotómetro (Spot metering) para evitar la sobreexposición del fondo, ya que al utilizar elflash se ilumina al sujeto y el fondo permanecerá inalterable.

Cuando se quiere hacer una foto nocturna con un sujeto secundario que se encuentre en el plano posteriory relativamente alejado, de manera tal que no tendría iluminación suficiente, se puede hacer la fotografía con unavelocidad de exposición lenta para que se imprima en el medio fotosensible el fondo y también se dispare el flashpara que en un instante concreto se capte al sujeto principal en el plano anterior.

Hay que tener presente que la luz del flash, por su intensidad, se refleja fácilmente en los vidrios,cristales, y espejos, razón por la cual hay que evitar las fotografías con estos elementos en posición perpendiculara la cámara. Cuando la cámara se sitúa en ángulo respecto de estas superficies, se elimina este defecto.


9. Como realizar buenas fotografías.

La formulación de la composición de imágenes como ciencia se basa en reglas similares a las que rigenla estructura de las frases. Las imágenes como las palabras, deben ordenarse de alguna forma si se pretende unacomunicación eficaz.

Conoceremos una medida griega de la belleza o de la armonía cuya razón entre longitud y anchura es de1.618, relación 8:5, usadas en composición y arquitectura. G.A. Gurdgief dice que para un artista el obtener unestilo propio basado en las leyes de la composición, esta es su gran limitación.

Conozcamos como son las lecturas de la imagen, cuales son las proporciones de equilibrio, las posicionesde la fuente de luz natural, las reglas de la composición, los accesorios más usados y otros temas relacionadospara dominar y así poder romper las reglas establecidas. Ya que solo el maestro puede romper las reglas.

A partir de este momento se abandona lo tangible de la cámara fotográfica para entrar en lo “duramenteintangible” del Arte.

9.1. La lectura de la imagen.

En nuestra cultura occidental, el sistema de lectura de una imagen, cuando los elementos están en unmismo plano, es siempre de izquierda a derecha y de arriba abajo. Una vez el ojo ha hecho estosdesplazamientos, analiza la figura en diagonal.

Una imagen compuesta de forma optima es aquella que permite al ojo caminar de elemento en elemento,con un cierto orden, para analizar todo el sujeto. En primer lugar y siguiendo las líneas dominantes sobre elelemento principal, permite ver el motivo fundamental, y después, los complementarios.

9.1.1. Equilibrio.

Manifiesta Rudolf Arnheim que: “el equilibrio es el estado de distribución de las partes por la cual todoha llegado a una situación de reposo. En una composición equilibrada, todos los factores se determinan entre síde tal forma que no parece posible ningún cambio y la totalidad manifiesta el carácter de necesidad de todas laspartes”. El peso de un elemento aumenta proporcionalmente a su distancia del centro de equilibrio. Un elementogrande pesará más que uno pequeño, un tono brillante más que uno oscuro y un elemento situado en la partederecha o arriba pesa más que uno colocado a la izquierda o parte inferior de la imagen. Estas consideracionesson básicas si queremos obtener un perfecto equilibrio, ya que una imagen mal equilibrada es generalmenterechazada por el observador y, por lo tanto, su misión de comunicar puede quedar anulada.


9.1.2. Proporciones.

La armonía de las proporciones es a veces material y evidente, pero otras es inmaterial e intuitivas. Losantiguos egipcios, al construir sus monumentos, lo hicieron siguiendo principios rigurosamente geométricos yrealizaron un triángulo rectángulo cuyos lados tienen una proporción de 3,4 y 5 que fue llamado más tarde“triángulo de Pitágoras”.

Existe el llamado “Rectángulo de oro” cuya razón entre longitud y anchura es 1,618. Esta proporciónrelaciona las partes con el todo y fue usada por la mayoría de los pintores del renacimiento, perdurando hastanuestros días. Existe un sistema más simple para lograr una composición asimétrica equilibrada. Se divide el áreaen tercios vertical y horizontalmente. La línea del horizonte deberá estar siempre situada en una de las líneas bienen el tercio superior o en el inferior, y lo que resalte en los puntos de intercepción.

9.2. El centro de interés.

Antes de realizar una fotografía deberíamos preguntarnos que es lo que pretendemos captar en ella. Encualquier motivo siempre existe un elemento que atrae más intensamente nuestra atención y que constituye elcentro de interés, entorno a él, ha de basarse todo intento de composición.

Y aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté enel centro de la foto, ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen. Es la primera regla de una buenacomposición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quierestomar la fotografía. Todo lo que hay que hacer a partir de ahí es enfocar el elemento sobre el que queremoscentrar el interés.

Por otro lado, cuanto más complicado sea el sujeto o centro de interés, más importante es determinar elpunto de vista y el ángulo de manera tal que se clarifique la imagen e ilustre exactamente que es lo que sepretende.

En cualquier caso, al avanzar en aspectos más creativos de la fotografía, lo primero que hay que recordares que la selección del sujeto no es sino el punto de partida, y deja abierta una enorme cantidad de posibilidadesque afectarán el impacto final de la imagen.

Por ejemplo, al fotografiar un grupo familiar típico frente a su casa, con solo cambiar el lugar y sinintroducir elementos nuevos, o cambiando la posición de algún sujeto son posibilidades infinitas decombinaciones y disposiciones diferentes a la convencional.

Es mucho más fácil componer una buena imagen si se tienen razones para hacerla, por tal motivo, loprimero será preguntarse que trata de expresar la imagen.


En un paisaje, por ejemplo: ¿Se trata de destacar algo en especial?, o ¿Es el sujeto en general loimportante?, ¿El ambiente es de grandeza, de soledad, o de abrigo y refugio?, ¿Que es lo que atrae?, ¿El ritmo,las formas y colores, las texturas?.

En muchas fotografías descriptivas el centro de interés es obvio, pero incluso al hacer un tema como elde una familia los enfoques pueden ser muchos: ¿Son las caras lo que interesa?, ¿Es el atuendo?, ¿El ambienteo estado de animo?, ¿El entorno?, ¿Las relaciones familiares?.

Por otro lado, En las composiciones complicadas, el centro de interés puede estar en las formas básicasdel conjunto, y cualquier motivo que coincida con las intersecciones de la regla de los tercios, llamarápoderosamente la atención.

Como primera medida para establecer el encuadre en función del centro de interés hemos de tener encuenta las siguientes normas:

• Cuando en una escena hay dos o tres motivos con la misma fuerza que el principal, se establece uncompetencia entre ellos que genera confusión en el observador y perjudica la fotografía.

• La situación, y el tratamiento que demos al centro de interés es, posiblemente, lo más decisivo en lacomposición fotográfica.

• Por lo general, lo más sencillo y efectivo para resaltar su importancia es situarlo en el fotogramaconforme a la conocida regla de los tercios.

• Si una persona o animal se fotografía de perfil, se debe dejar siempre más espacio por delante de su caraque por detrás, para que la mirada tenga “aire”. Regla de la mirada.

• De igual forma, al fotografiar objetos móviles, es muy importante captar los entrando en la foto y nuncasaliendo. Regla de la mirada.

• El fondo tiene una importancia decisiva a la hora de valorar el punto de interés, y por lo general, nuncadebe competir con el motivo principal. Para ello podemos recurrir a un fondo de tonalidad opuesta pararesaltar el objeto principal (objetos claros sobre fondos oscuros y viceversa) o, si está en otro plano,podemos simplemente desenfocarlo abriendo para ello el diafragma.


9.2.1. Como atraer la atención del espectador.

Ya se ha establecido la importancia de la ubicación del centro de interés dentro de la imagen en relacióna su entorno. Es por tal motivo que debemos buscar los mecanismos que harán que la vista de quien contemplela foto se dirija de manera incontrolable a un punto, independientemente de la posición y el tamaño que ocupedentro de la imagen. En principio, es la atracción de lo distinto.

Este mecanismo bien utilizado en nuestras fotos es una garantía de éxito seguro, pero mal aplicado, ointroducido sin nuestro control, también puede echar por tierra el trabajo, estropeando la foto. Los elementos queatraen la atención del espectador pueden ser los siguientes.

Un objeto que parece diferente al resto: En una composición con un conjunto de elementos, cualquierobjeto que sea diferente al resto llamará nuestra atención forzosamente. Una moto intercalada entre unaserie de coches, un coche descapotable aparcado entre coches con techo, ...

Un área brillante: La vista siempre tiende a ir a las zonas más brillantes o luminosas de la foto. Unreflejo de la luz en el agua o un brillo en una superficie metálica atraerán poderosamente nuestraatención.

Un objeto de diferente color: Dentro de una repetición de elementos, el que tiene diferente color atraenuestra atención. Un buen ejemplo puede ser una serie de flores en las que una de ellas es de un colordistinto al del resto. Nuestra vista se dirigirá a esa flor antes que a ninguna otra. Otro buen ejemplo podríaser una cesta de manzanas rojas con una manzana amarilla.

Un objeto con diferente forma: Podemos tener elementos del mismo color, con lo que no se cumpliríael punto de diferente color. A igualdad de color, la vista se irá al elemento de diferente forma. Siguiendocon el ejemplo de las manzanas, un platano dentro de una cesta de manzanas amarillas atraería nuestraatención por tener una forma diferente aunque comparta el mismo color.

Un objeto de diferente tamaño: El tamaño si importa. Da igual que sea grande o pequeño. Un elementode diferente tamaño al del resto, aunque sea más pequeño, atraerá la atención de la fotografía.

Un objeto que apunta a otra dirección: En cualquier imagen aparecen líneas rectas o curvas. Estasrectas son imaginarias, pero están ahí, e influyen a la atención y a la manera de recorrer la fotografía conla vista. Una hilera de barcas en las que una de las barcas está desplazada de su lugar, rompiendo la formaque definen el resto de barcas. Otro ejemplo muy claro puede ser un conjunto de lápices o pinturas enel que alguna de ellas apunta en otra dirección.

Un objeto con distinto nivel de enfoque: La vista tiende a dirigirse a la zona nítida de la fotografía.Jugar con la profundidad de campo nos permitirá centrar la atención en una zona concreta de lafotografía.

Algo que no encaja en la fotografía: Bien podría ser que estemos recogiendo información en nuestraimagen en la que simplemente algo no encaja. No se trata de la luz, ni del color, ni de la forma, ni de ladirección a la que apunta. Simplemente es algo que no tendría que estar allí. Cualquier elemento que noencaje en una escena convencional atraerá nuestra atención. Algo que se encuentre fuera de su entornonatural. Un animal salvaje en medio de una escena urbana, un kiosko en medio del desierto.....


9.3. La composición fotográfica.

Al igual que un pintor, de pincel, la capacidad de percepción y selección del fotógrafo le hará escogerlos componentes que más le agraden, existen ó informen. Según la experiencia, gusto y consideración del sujeto,el fotógrafo elegirá el punto de vista o plano, la cámara, la óptica, el valor ISO, y la iluminación.

Al encuadrar se excluye de la imagen cualquier zona o detalle que interfiera o sea extraña al sujetoprincipal. A veces puede colocarse el sujeto en relación con el entorno, en el que los muebles y elementosdecorativos se disponen en orden a lograr el mejor resultado. En cualquier caso, ésta siempre debe considerarsedesde la posición de la cámara, teniendo en cuenta la longitud focal u óptica empleada. Una vez tomada lafotografía, puede trabajarse la imagen durante el post-procesado para destacar aún más al sujeto, o centro deinterés.

La formulación de la composición de imágenes como ciencia se basa en reglas similares a las que rigenla estructura de las frases, sin olvidar que estas reglas no son rígidas respecto a la composición y mucho menoscon respecto a dónde deben colocarse los objetos dentro del encuadre, ya que como las frases, una idea se puededecir de varias maneras. Sin embargo, las imágenes como las palabras, deben ordenarse de alguna forma si sepretende una comunicación eficaz, por tal motivo, la composición es elemental, ayuda a comunicar el significadode la imagen con tanta efectividad como sea posible y de esta forma ayuda a obtener una respuesta emocionaldel espectador.

9.3.1. Posibilidades de control sobre la imagen.

Si consideramos la fotografía como algo más que una técnica, podemos mejorar la calidad y fuerza dela imagen cuidando también su aspecto artístico.

En fotografía la composición tiene muchas más limitaciones que en otros medios artísticos, pues en ellael motivo, o el entorno, condiciona en mayor grado el resultado que en pintura, en donde se parte de cero (lienzoen blanco). En ese sentido, los principales medios con que cuenta el fotógrafo para interpretar un tema se pueden


enumerar en:

• El plano fotográfico.• El encuadre.• El punto de vista y el ángulo de la toma..• Colocación de los elementos de la imagen, con la posibilidad de enfoque total o selectivo.• Elección del tipo, número, y dirección de las fuentes luminosas.

Aunque algunas fotografías tomadas al azar puedan resultar con una belleza intrínseca impecable, lonormal es que una buena composición haya tenido un periodo inicial de meditación y análisis, donde muchas delas normas aplicadas provienen del dibujo y la pintura. Es preferible una foto en 20 minutos y no tres fotos en5 minutos. En ese sentido, a continuación se realizará una pequeña descripción de los planos, el encuadre, y elángulo de la toma, ya que la parte de colocación de los elementos será tratada en un sección particular, mientrasque la parte de iluminación ya ha sido enunciada previamente.

9.3.1.1. El plano fotográfico.

Es de uso común en el léxico de fotografía y de cinematografía utilizar expresiones como: planoamericano, plano corto, plano medio, plano detalle, etc. Donde la mayoría de ellas están asociadas al retratofotográfico, y por tal motivo, en ocasiones es difícil establecer cual es cual por sus diferencias, sobre todo si sees neófito en esta área.

Lo cierto es que puede resultar un poco complejo, ya que la terminología varía de un autor a otro, y hayque tener en cuenta que tampoco se trata de reglas que se deben seguir al pie de la letra. Más aún cuando tenemosun Plano Principal que puede ser subdividido en muchos tipos de planos, y un Plano Secundario que si bien muyrara vez se subdivide, su función mas importante es complementar al plano principal, y en algunos casos lacomposición fotográfica impone que se ubique en él al personaje de la imagen, siendo el plano principal quiencomplemente al secundario.

En cualquier caso, las descripciones siguientes serán enfocadas desde el punto de vista del retrato, peroa efectos de fotografía, el cuerpo, al igual que sus parte, es el equivalente del motivo o centro de interés, ya quees este quien define el plano principal, en cuyo caso existe el plano anterior o frontal, y el plano posterior osecundario, comúnmente conocido como fondo.

Plano General: En retrato, éste es el plano en el que aparece todo el cuerpo. Por tanto, tendremos unplano entero o general si a quien o quienes estamos fotografiando aparecen completos, desde los pies ala cabeza, sin secciones, en nuestra foto. Este es el plano más lejano que podemos tomar. A partir de aquí,veremos como nos podemos acercar en nuestros retratos.

Plano Americano, o plano Tres Cuartos: Dicen que el nombre de plano americano viene de los tiemposen que triunfaban las películas del género Western, o de indios y vaqueros. En estas películas, eraimportante que las armas que llevaban los protagonistas en las cartucheras, a la cintura y un poco caídasse vieran suficientemente bien, y esto es lo que marcaba la línea de corte. Por otra parte, también recibeel nombre de plano tres cuartos ya que corta al protagonista aproximadamente a la altura de la rodilla opor el muslo. En función de si el protagonista está recostado o sentado, la tolerancia baja algo, llegandohasta un poco por debajo de las rodillas. Este plano es ideal para encuadrar en la fotografía a variaspersonas interactuando.


Plano Medio: El plano medio cubre hasta la cintura, recogiendo la línea de corte entre el ombligo hastacasi la entrepierna. En caso de estar sentado el protagonista, la tolerancia baja hasta aproximadamentela mitad del muslo. Este tipo de encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo humano, porlo que es un tipo de plano muy utilizado en fotografía de moda. También es adecuado para mostrar larealidad entre dos sujetos, como en el caso de las entrevistas.

Plano Medio Corto: El plano medio corto, también conocido como plano de busto o primer planomayor, recoge el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del pecho. Este plano nos permite aislar en lafotografía una sola figura dentro de un recuadro, descontextualizándola de su entorno para concentrar enella la máxima atención.

Primer Plano: El Primer plano, también llamado primer plano menor o de retrato, recoge el rostro y loshombros. Este tipo de plano, al igual que el plano detalle y el primerísimo primer plano que veremos acontinuación, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidadrespecto al personaje.

Primerísimo Primer Plano: El Primerísimo primer plano capta el rostro desde la base del menton hastala punta de su cabeza. Con este tipo de encuadre, el primerisimo primer plano consigue también dotarde gran significado a la imagen.

Plano detalle: El Plano detalle en el retrato recoge una pequeña parte del cuerpo, que no necesariamentese tiene por qué corresponder con el rostro. En esta parte se concentra la máxima capacidad expresiva,y los gestos se intensifican por la distancia mínima que existe entre la cámara y el protagonista,permitiendo enfatizar el detalle que deseamos resaltar.


9.3.1.2. El Encuadre.

En principio es ver, y fotografiar el motivo con cierto arreglo, pero desde el visor de la cámara y es estala razón por la cual se encuentra fuertemente relacionado con los planos fotográficos.

El ojo humano tiene un ángulo de visión muy amplio, tanto en la horizontal como en la vertical, adiferencia de la cámara en la cual el encuadre está limitado por cuatro lados. Por lo tanto es necesario elegir loque se quiere incluir y lo que vamos a excluir desde nuestro marco fotográfico, es decir dentro de nuestrofotograma.

En función de lo anteriormente indicado, se puede enunciar que el encuadre es aquello que el fotógrafositúa dentro de la fotografía, la porción de escena que elige captar. Ante un mismo motivo cada fotógrafo puedeelegir hacer una fotografía diferente captando unos u otros elementos. En esta selección de lo que se sitúa dentrode la fotografía y cómo se hace, aunque ninguna es norma estricta, existen algunas directrices que se puedentener en cuenta, a saber:

• En toda escena suele existir un motivo (aquello que deseamos destacar, el centro de interés) y fondo(aquello que rodea, decora y/o da sentido al motivo). Para resaltar el motivo el fotógrafo debe llenar elencuadre con él, esto es, hacer que ése sea el objeto principal en la escena; de este modo excluiremos delencuadre otros objetos que puedan distraer la atención del espectador sobre el que el fotógrafo haseleccionado.

• A pesar de lo dicho en el punto anterior, es importante en el encuadre dejar un cierto margen alrededordel motivo para no atosigar la imagen. Este margen actuará como marco del motivo y ello no implica quedeba ser igual por todos los lados de la fotografía.

• La línea del horizonte suele ser una referencia visual clave para el ser humano. Normalmente ésta debemantenerse recta, horizontal, y NO necesariamente al centro. La percepción de una línea del horizonteinclinada suele llamar la atención y, si no está justificada, da al espectador la sensación de que los objetosse vayan a caer hacia ese lado, lo cual no suele producir buenas sensaciones.

Otro factor comunicativo importante en fotografía es la elección del formato del encuadre. La mayoríade los elementos fotosensibles (películas o sensores de imagen) tienen un formato rectangular y habrá por tantola posibilidad de elegir un encuadre horizontal, vertical o inclinado, transmitiendo cada uno de ellos sensacionesdiferentes y por tanto tienen su campo de aplicabilidad.

• El encuadre horizontal, capta la escena como lo verían nuestros ojos, donde se resalta el espacio conproporciones agradables y bien equilibradas que sugieren quietud, tranquilidad y por lo tanto sueleutilizarse normalmente para paisajes y para retratos de grupo.

• El encuadre vertical, capta la escena añadiendole una sensación de profundidad y magnificencia, la cualsugiere fuerza, firmeza y por lo tanto es el más apropiado, normalmente, para retratos (entre otras cosasporque los seres humanos somos más altos que anchos).

• El encuadre inclinado o diagonal, aunque transmite dinamismo y fuerza suele utilizarse de manera muyocasional como recurso para resaltar estas cualidades en el motivo de la fotografía.


Por otra parte, el encuadre puede ser simple, es decir, todos los elementos se encuentran en un primerplano, aunque podemos añadir un elemento extra en la composición, enmarcando el tema principal dentro de unaforma del primer plano o del fondo. Un buen procedimiento, es disparar nuestra cámara a través de una ventanao similar, lo que aumenta la profundidad y el equilibrio de la composición, llegando a eliminar detallesinnecesarios y cubrir cielos o primeros planos vacíos.

El encuadre también puede ser compuesto, lo cual consiste en tratar de ilustrar una imagen dentro de otra,es decir, en la misma composición un elemento se encuadra con otro dentro de la fotografía, haciéndola destacardentro de la misma. Un ejemplo de ello sería colocar el elemento principal en el primer plano de forma que,exponiendo para un fondo, o segundo plano, mucho más luminoso se forme una silueta. Estos encuadres, suelenexigir cuidados de alineación entre un primer plano y el fondo.

9.3.1.3. El punto de vista y el ángulo de la toma.

Lo normal es fotografiar colocado frente al motivo, de pie, con la cámara a nivel de los ojos y con elplano focal perpendicular al suelo. El tema se puede captar así sin distorsiones y de forma clara y descriptiva,pero se obtienen imágenes estandarizadas y que no aportan ninguna originalidad.. Una de las formas de conseguirencuadres originales de temas vulgares, consiste en saltarnos esta norma a la torera y cambiar el punto de vista.

La variación del punto de vista aporta perspectivas diferentes con elementos inesperados que a menudocaptan más la atención. Es por esto que existen infinidad de recursos fotográficos en este sentido siendo ladirectriz general la de que el fotógrafo debe estudiar el motivo y la escena buscando puntos de vista innovadoresy/o más atractivos para el espectador.

Es por tal razón que un motivo puede encuadrarse desde diversos ángulos, acercándose o alejándose deéstos, desde arriba o desde abajo, donde las proporciones y el fondo modifican la composición.


Buscar un buen ángulo para la toma fotográfica, consiste en acechar a nuestra presa gráfica, y estar alertade que cualquier pequeño desplazamiento de poca distancia, puede generar composiciones diferentes que seránmás o menos afortunadas. En consecuencia, nos moveremos en torno a ella acercándonos y alejándonos si esposible, hasta conseguir un punto de vista adecuado y obtener en la mayor medida posible las siguientes cuatrocaracterísticas:

El sujeto principal de la escena: Quien debe mostrar hacia la cámara el lado que nos interesa tomar, elcual puede ser según la intención del fotógrafo, cualquiera de los muchos frentes que el tenga.

Buscar el ángulo de incidencia de la luz: este ángulo de incidencia debe ser el más pertinente para elconcepto que deseamos comunicar, siendo con alguna frecuencia la iluminación más apreciada, lasemi-lateral, pero pudiendo ser también cualquier otra, como la frontal en segundo lugar.

Elementos interfirientes: Los planos anteriores al motivo que queremos destacar, deben de estar limpiosde cualquier otro elemento sobrante que interfieran en su visualización, u ocupados por cuerpos que másbien suplementen o resalten a este.

Concordancia del fondo: Los planos más lejanos del encuadre, deben de ser concordantes, o por lomenos, neutros, con relación a la idea que queremos expresar.

Ahora bien, al margen de lo dicho y sin entrar en contradicción con ello, los ángulos de toma se dividenen cuatro tipos, según el nivel de altura con respecto al motivo desde el cual se realicen, teniendo cada uno deestos, su connotación particular que debe ser conocida por el fotógrafo, para su utilización consciente.

Toma en Nivel: Es cuando la fotografía se realiza desde el mismo nivel del objeto tomado, ni por encimani por debajo de él. Sirve para mostrar o describir algo de manera "natural" u "objetiva". Cuando la tomase hace a rás de suelo o del objeto, se sorprende al espectador con imágenes que un ser humano noacostumbra a ver ya que no se suele colocar en ese nivel de visión. Este ángulo se suele utilizar parafotografiar motivos pequeños en su entorno natural a los que no prestamos habitualmente muchaatención, como los insectos (sin recurrir a la macrofotografía).

Toma en Picado: Es cuando la imagen se toma desde una posición más alta que el objeto fotografiado,vista de pájaro o de arriba hacia abajo, con lo cual podemos excluir la línea del horizonte y utilizar elsuelo como fondo. Esto proporciona imágenes muy originales, en función del fondo pero, ayuda a resaltarlo pequeño de ciertos objetos ya que proporciona un punto de vista de superioridad. Debido a laperspectiva que se produce el motivo se ve disminuido en tamaño. Cuando se utilice sobre personaspuede connotar en algunos casos poca importancia, debilidad, o humillación. Razones más quesuficientes para indicar que de manera general es de uso contraproducente en fotografía de personas(especialmente niños) o animales precisamente porque ayuda a verlos como inferiores, les restaimportancia y, además, si se fotografía de cerca puede deformar las proporciones de la cabeza conrespecto al cuerpo.

Toma en Contrapicado: Es la perspectiva contraria al picado, es decir, consiste en fotografiar un motivodesde una posición más baja que el, de abajo hacia arriba o vista de hormiga. Si fotografiamos a niveldel suelo y hacia arriba, el horizonte e incluso el suelo pueden no aparecer en la foto. El sujeto, principalresalta mucho más que en el caso anterior debido a la perspectiva que se genera, apreciandoseengrandecido visualmente, puede en algunos casos connotar enaltecimiento, importancia, o poder. Paraeste caso hay que tener cuidado con la iluminación ya que pueden aparecer destellos, o luces parásitassi se utiliza iluminación cenital. En lineas generales la fotografía en contrapicado ayuda a resaltar la


grandiosidad de un elemento ya que crea un efecto más impactante y dinámico, motivo por el cual se lasuele utilizar para fotografiar edificios o monumentos, tiene como desventaja que deforma la perspectivaacentuándose este efecto cuanto más cerca se esté del motivo, siendo por tal razón totalmentedesaconsejada en retrato ya que destaca demasiado la mandíbula y los agujeros de la nariz.

Toma en Cenital: Es cuando la imagen se toma en un ángulo totalmente de arriba hacia abajo, enposición perpendicular con respecto al suelo, es decir, lo más extremo posible de una toma en picado.Produce una gráfica sin perspectiva, que puede ser muy descriptiva si se aplica a objetos pequeños, einusual e interesante si se usa con elementos grandes.

9.3.2. Composición en sí, la colocación de los elementos en la imagen.

Si hay algo en lo que debemos estar claros desde un principio, es que la cámara no hace alfotógrafo. Aunque hay una serie de elementos técnicos cuya aplicación depende de las prestaciones de la cámara,lo cierto es que hay varios factores clave, del lado exterior de la cámara, que mejorarán enormemente el resultadode las fotos con independencia de que se utilice de una cámara digital compacta de bajo coste o una réflex digitalprofesional de varios miles de euros o dolares.

Al mirar una escena solemos concentrarnos en lo que nos interesa ignorando lo demás. Pero a diferenciade la visión humana, la cámara muestra todo sin hacer distingos. Por eso los aficionados suelen sorprendersecuando aparecen elementos inesperados en la fotografía que no se habían tenido en cuenta por estar concentradosen el punto de interés.

Razón por la cual es fundamental aprender a mirar con la cámara. Por ejemplo, al fotografiar a un grupode amigos no basta con tener cuidado de que todos entren en el encuadre y nadie tenga los ojos cerrados, sinoque una vez organizado el grupo debemos mirar por el visor ignorando a los amigos y examinando el entornoya que un árbol bien podría parecer una pierna o brazo extra en las dos dimensiones que tiene la fotografía. Porotra parte, un muro con dibujos o colores muy aparentes detrás del grupo tal vez no ayude a un buen resultado.


Mediante un enfoque selectivo o cambiando el punto de toma se pueden evitar estos fallos tan comunes.

En relación a esto último, si bien puede pensarse que el encuadre y la composición son la misma cosa,lo cierto es que el limite que las separa es muy sutil. El encuadre se puede interpretar como la selección, parafotografiar, de un segmento de lo que vemos con nuestros ojos, mientas que la composición es la manera comose distribuyen los elementos dentro del encuadre. Obviamente, uno no puede existir sin el otro y por lo generalse dan al mismo tiempo.

Mientras el primero responde solamente al interés del fotógrafo, el segundo se encuentra regido poralgunas reglas, que veremos posteriormente, las cuales si bien NO son principios matemáticos, empleandolasadecuadamente notaremos como la imagen obtenida provoca, cuando la observamos, sensaciones de mayorintensidad.

Como tal, la composición es, básicamente, la distribución de elementos en una fotografía. Con unacomposición u otra lo que busca un fotógrafo puede ser: hacer que un elemento destaque por encima de otros,transmitir armonía y orden con distribuciones simétricas, mostrar desorden con distribuciones caóticas, o mostrarorden y armonía con distribuciones caóticas, etc.

Ahí reside la magia de la composición. Dos fotos de una misma escena, con los mismos elementos yparámetros de la toma, pero en las que varíe la distribución de los elementos, pueden transmitir mensajescompletamente opuestos.

Esa es, precisamente, la grandeza y la “dificultad” que encierra la composición. Y por ello debemosconocerla para poder dominarla. En ese sentido, se podría pensar que para dominar la composición bastaría contener una regla para destacar un elemento, otra regla para mostrar armonía, otra para desorden, otra para...... Pero,claro no es tan sencillo. No existe una regla maestra o un conjunto de reglas que te aseguren siempre el éxito enlas composiciones. Simple y llanamente: No existe una regla maestra, pero sí hay pautas o directrices.

Y como es de esperarse, la idea de seguir estas pautas es que permitan “preparar” las fotos de modo quela respuesta de aquéllos que las observan sea la mejor posible. Sin embrago, no debemos dejar de pensar en que,como muchas veces se dice en fotografía, las reglas están para romperlas.

En relación a la idea anterior, las directrices aseguran el éxito de una foto en el 99% de los casos, perosiempre existe un 1% que se sale de la norma y que puede llegar a gustar incluso más que las fotos que siguena rajatabla el conjunto de reglas de composición. A continuación se indican, como en el caso del encuadre, lostipos básicos de composición.

La composición simétrica: Muchos de los temas que se fotografían habitualmente tienen uno o variosplanos de simetría. Personas, animales, objetos, incluso la linea del horizonte pueden actuar en talsentido. La imagen resulta agradable si los motivos situados a ambos lados del eje de simetría tienen elmismo "peso visual". Por ese motivo, la composición simétrica es sencilla, solemne, formal, y da laimpresión de fuerza, equilibrio y estabilidad; pero es fría y demasiado mecánica.

La composición asimétrica: Son numerosas las variantes que pueden incluirse en este apartado. Se lasconoce con el nombre de las formas de letras o figuras que adoptan. Las más utilizadas son la triangulary las realizadas en forma de S, L, o C, que parece ser que son las que más a gusto recorre nuestra vistapor la sensación de irregularidad, agilidad y dinamismo. En cualquier caso, se trata de la armonía deldesequilibrio, donde por irregulares que parezcan, hay un centro de gravedad.


9.4. Reglas, y Directrices básicas de la composición fotográfica.

Estos principios formales de composición visual fueron utilizados de manera elemental desde la máslejana antigüedad, tanto en el Viejo Mundo como en América, como puede observarse en los murales egipcios,mesopotámicos y aztecas, entre otras culturas.

Sin embargo, las informaciones más lejanas que tenemos hoy en día sobre su teorización ysistematización se las debemos a los griegos de la edad clásica, entre los siglos V y III antes de Cristo, quieneslos usaron en pintura, escultura y arquitectura.

Posteriormente, durante el Renacimiento Europeo, en los siglos XV y XVI, los grandes maestros de esaépoca hicieron bastante uso de estos parámetros, legándonos algunas de las más bellas imágenes que tiene elpatrimonio mundial.

En los tiempos modernos han sido criticados en varias oportunidades debido al surgimiento de corrientesartísticas muy cuestionadoras, pero nunca han perdido su vigencia, siendo actualmente de uso común no soloen las artes gráficas sino también en los medios de comunicación social como la fotografía, el cine, la televisióny la publicidad.

Pero estas reglas no son para seguirlas al pie de la letra, son normas que nos pueden ser muy útiles paracomenzar a componer partiendo de ellas, y que podemos emplearlas o no según nuestro criterio y su adecuaciónal tema que se esta trabajando. Una buena práctica, es realizar varias versiones de una misma imagen, respetandoestas leyes en unos casos y en otros no, para luego comparar los resultados.


9.4.1. Regla de los tercios.

Es la norma más clásica en la composición, tanto en pintura como en fotografía y por tanto es el primerrecurso compositivo que se aprende, ya que su aplicación mejora drásticamente la composición fotográfica poruna distribución del espacio dentro de la imagen que genera una mayor atracción respecto al centro de interés.

Se basa en dividir el formato rectangular en tres bandas iguales, tanto vertical como horizontalmente.Existen variantes más complejas basadas en la utilización de la sección o relación áurea clásica (1.618), o en lasdiagonales ortogonales, pero sus resultados son similares.

Las dos líneas verticales u horizontales, con que imaginariamente dividimos el encuadre, determinan laposición principal de los elementos alargados (horizonte, edificios, etc.), y en los cuatro puntos de intersecciónde estas líneas se sitúan los puntos de interés de la imagen alejando éste del centro de la fotografía. No esnecesario ocupar todas las lineas ni los puntos, sino situar sobre cualquiera de ellos el elemento principal o centrode interés que se desea destacar.

Cada uno de estos cuatro puntos de intersección se denominan puntos fuertes. Cuando estemos haciendouna foto, si solo existe un único punto de interés, es preferible situarlo sobre/alrededor de uno de los cuatropuntos de intersección mencionados en lugar de hacerlo directamente en el centro de la foto. Esto suele generarmayor atracción en el espectador que cuando el centro de interés esta en el mismo centro de la fotografía.

De esta regla se desprende la conocida norma en fotografía de paisajes, de no situar nunca el horizonteen el centro del fotograma, la cual veremos dentro de esta sección.

Como se indico anteriormente, las líneas que determinan estos tercios se cortan en puntos estéticamenteadecuados para situar el centro de interés que deseamos resaltar dentro de la composición, con lo que evitamosque éste, al estar situado en el centro de la imagen resulte estático.

Esto último, ocasiona un arreglo asimétrico de la imagen, pero equilibrado, con el polo de máximo interésvisual encontrándose sobre, o muy cerca de, alguna de las cuatro líneas o de sus intersecciones, con lo cual elárea central de la gráfica queda ocupada por elementos secundarios.

¿Y si tengo varios centros de interés?. En caso de en el entorno hubieren dos o más centros de interésfactibles para composición en la imagen debe recordarse que en fotografía: menos es más; ya que no hay queatosigar la foto. Posiblemente la simplicidad sea la más importante de todas las reglas. Un único centro deatención es siempre mejor que dos. Si se está viendo una escena en la que interesan varios centros de interés, lomás conveniente es pensar en si no es mejor hacer varias fotos, cada una de ellas con un único centro de interés.Intentar enseñar muchas cosas a la vez raramente consigue su objetivo, es mucho más probable que no se consigaenseñar ninguno. En cualquier caso, si se insiste en mostrar o componer con varios centros de interés en el planoprincipal, lo más recomendable es utilizar un máximo de dos y opuestos formando una diagonal en la fotografíapara crear simetría dinámica. Por otra parte, se pueden utilizar dos planos ubicando un centro de interés en elprincipal y el otro en el plano secundario, de manera tal que se complementen.

¿Cuándo se aplica la Regla de los Tercios?. Lo normal es aplicarla al hacer la foto. No hay de quepreocuparse si al principio no se identifica bien a través del visor o la pantalla de la cámara dónde se encuentranesos puntos imaginarios. Es normal que al principio cueste un poco, pero con el tiempo y práctica se mejora ensu estimación.

Algunas cámaras réflex traen líneas guías en el propio visor que ayudan a tomar referencias, y en algunas


digitales hay la posibilidad de seleccionarlas, o activar su aparición, por menú. Por otra parte, hay quien pegaen la pantalla una calcomanía transparente sobre la que hace unas marcas. Como ayuda puede ser útil, pero esuna medida “espartana” que impide el desarrollo de la estimación de ubicación, aparte de posiblemente hacerestorbo y ser un elemento distractor, después de un tiempo.

Otra opción, solo recomendable en ciertos casos, es realizar un reencuadre posterior con programas deretoque fotográfico como Photoshop. Pero esta actividad entra en el post procesamiento de la imagen.

Las Reglas están para romperlas. No obstante, recuerde siempre que las reglas de composición estánhechas para romperlas, ¡después de dominarlas!. Y en particular esta regla ya que no tiene aplicación en todoslos casos, y en ocasiones, aún pudiendo aplicarse es contraproducente.

En resumen: Según la división por tercios de una escena, la confluencia de los tercios marcan unospuntos donde se hacen llamativos los objetos, llamados puntos fuertes, y aunque el centro es un punto fuerte pornaturaleza, es recomendable hacer coincidir los objetos con los puntos correspondientes a los tercios, por lasensación de dinamismo que infunden.

9.4.1.1. Norma del horizonte.

Se indica, que en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente y con una afinidad, tres líneashorizontales de igual anchura, tanto si se esta trabajando en posición horizontal o vertical, y en la gran mayoríade las ocasiones, darle alrededor de dos bandas a la zona donde se encuentra el motivo principal, y más o menosuna banda a la zona secundaria.

Generalmente, la amplitud de ambos espacios dependerá de la mayor o menor importancia de cada unode estos, pudiendo ser casi iguales si la relación entre el motivo principal y el secundario no es tan desequilibradoen nuestro fotograma, hasta reducirse la zona secundaria a solo un pequeño borde si el motivo principal es muydestacado.

Es importante remarcar, que esta regla no solo se aplica cuando esta presente el horizonte, fotografía depaisajes, sino en toda imagen que tenga una línea más o menos horizontal, aunque sea invisible, que divida a lacomposición en dos espacios significativamente diferenciados, ya que independientemente de los accidentesgeográficos, hay una línea imaginaria que marca el horizonte.


9.4.2. Regla de la mirada.

La mirada de un ser humano traza una línea dominante imaginaria en la foto de gran fuerza expresiva quedebe ser respetada y resaltada por el fotógrafo. Cuando la persona retratada está mirando hacia algo debe abrirseel encuadre situando a la persona a un lado y dejando un espacio libre delante de ella para ser ocupado por sumirada.

Lo anteriormente establecido, es el principio rector de la “Ley de la mirada” y en que toda persona,animal o cosa, dentro del recuadro fotográfico debe de tener más espacio libre hacia su parte frontal que lo queocupa su parte trasera, independientemente de la amplitud de lo abarcado en el encuadre de la toma. Inclusopodemos recortar el borde del recuadro fotográfico, la parte del elemento gráfico en cuestión por su parteposterior, si este se encuentra en un plano cercano a la cámara o es de dimensiones muy grandes.

Siguiendo la pauta de esta reglaley, concederemos mas o menos espacio a nuestro objetivo principal, (elindividuo, personaje, o plano) según la importancia del campo que tengamos delante, siempre que seadirectamente proporcional entre el valor de lo mostrado y el espacio que nos ocupa.

9.4.3. El equilibrio.

Una fotografía resulta tanto más agradable, cuanto más equilibrada sea la situación de los elementos quela componen, lo cual no implica que sea simétrica. En ese sentido, la distribución de los elementos ha de hacerseposicionando los objetos según su "peso visual", conforme los colocaríamos en una balanza cuyo centrocoincidiese con el del fotograma. Según esto, los elementos de mayor masa visual se colocarán más al centro,y los más ligeros hacia los márgenes. El concepto de "peso visual" se toma en un sentido de mancha o masa, ytambién como el del volumen y el peso que intuitivamente asociamos a cada elemento.

El equilibrio también se extiende a las composiciones verticales, por ello inconscientemente, la foto nosresulta más natural si se sitúan los objetos más pesados más abajo que los ligeros. Recurriendo al símil de labalanza, si buscamos una composición simétrica y equilibrada habrá que imaginar la escena como una balanzade dos platillos y distribuir los elementos en consecuencia. Si perseguimos un equilibrio asimétrico losdistribuiremos imaginando una balanza romana.

En fotografía en color, la noción de equilibrio, se extiende también a la intensidad y al contraste de loscolores. Una imagen mal equilibrada es rechazada mentalmente por cualquier observador, con lo que el resto de


su mensaje puede ser totalmente inútil.

9.4.4. Las lineas.

Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas ycontornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra. Como tal, las líneasson uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos haciadonde queremos que mire, y por eso se las llama “Líneas Dominantes”. Las líneas horizontales, verticales,diagonales, ya sean convergentes o divergentes son elementos compositivos que aportan significado a lasimágenes ya que todas transmiten alguna sensación al observador.

Ese efecto de guiar o dirigir el desplazamiento de la mirada del espectador con líneas es lo que se definecomo “Flujo”. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio queconvergen hacia el cielo, o pueden ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capazde recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen por el seguimiento estás líneas.

El flujo tiene la característica de crear la ilusión de movimiento (o ausencia de este si se desea), dondedesde el punto de vista compositivo, a las líneas diagonales se las consideran, generalmente, más "dinámicas",mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran más "estáticas". Un equilibrio cuidadoso deelementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a las imágenes.

Por su parte, las líneas dominantes pueden estar presentes en la imagen o existir implícitamente uniendosus elementos constituyentes. En una composición, las líneas pueden actuar haciendo penetrar nuestra visión enla fotografía, guiando nuestra mirada por la imagen hasta el centro de interés, o haciendo salir nuestra miradade la foto lo más suavemente posible.

Debe tenerse presente que al cortarse las líneas dominantes con uno de los lados de la fotografía éstaparece interrumpirse bruscamente, mientras que al llevar una línea a una esquina da la sensación de continuidad.Recordemos que la mirada de un ser humano traza una línea dominante imaginaria en la foto, de gran fuerzaexpresiva que debe ser respetada y resaltada por el fotógrafo. Cuando la persona retratada está mirando haciaalgo debe abrirse el encuadre situando a la persona a un lado y dejando un espacio libre delante de ella para serocupado por su mirada.

Por otra parte, una persona u objeto en movimiento también describe una línea dominante imaginaria quees su trayectoria y que también puede tener gran fuerza expresiva. Cuando el motivo esté entrando en la escenaes conveniente abrir el encuadre nuevamente y dejarle un espacio libre delante para que sea ocupado por sutrayectoria y resaltar el efecto de movimiento.

Las líneas dominantes deben centrar la atención, no desviarla. Se puede hallar una línea casi en cualquier


cosa, como en un camino o en una sombra. Una de las normas más populares de la composición se basa en larepetición de las líneas y objetos, especialmente cuando el tema es una estructura. Las líneas pueden ser,horizontales, verticales, curvas u oblicuas.

Las líneas horizontales, suelen expresar armonía, paz, y tranquilidad, mientras que las verticales limitanla profundidad y actúan como barreras entre la fotografía y la vista, es decir subrayan la grandiosidad del motivo,en cambio las diagonales indican profundidad, desplazamiento, dinamismo, y mejoran la perspectiva.

Las líneas curvas y amplias dan una sensación de belleza y gracia, aportando movimiento a lacomposición. La vista recorre la línea de manera pausada y natural. Producen una sensación de paz ytranquilidad. Las curvas en S, son otra forma de composición bella y armónica, y también una de las máscomunes. La vista sigue suavemente la curva hasta alcanzar el principal centro de interés, centro que debemosasegurarnos que exista.

9.4.4.1. Líneas Horizontales.

Como se indico anteriormente, las líneas horizontales transmiten normalmente sensaciones de estabilidad,calma, o descanso. Elementos como el horizonte, el mar, un árbol caído, una persona durmiendo, etc. sonelementos que dibujan de forma más o menos clara líneas horizontales y que transmiten sensaciones depermanencia, inalterancia ante el paso del tiempo, calma.

Los horizontes son el tipo de línea horizontal más común que nos podemos encontrar en una fotografía.Lo normal es que actúen como el punto de división de la imagen, a partir del cual se componen las dos seccionesde la foto. Si se desea acentuar el efecto de calma que transmite la línea del horizonte sobre la foto, una técnicaque resulta normalmente muy efectiva es mantener un encuadre horizontal (apaisado) de la foto, de modo queel ancho de la foto sea mayor que el alto, aunque también es posible enfatizar las líneas horizontales manteniendoun encuadre vertical.

Los horizontes planos pueden dar a nuestras imágenes un aspecto demasiado estático o aburrido. A eserespecto, en fotografía de paisajes es una buena práctica utilizar algún elemento del paisaje que queramosfotografiar tal como una montaña, una casa, algún árbol, para romper la monotonía del horizonte, situandolocomo punto de interés, buscando los puntos que nos marcan la regla de los tercios.

La norma del horizonte recomienda que éste no parta la fotografía en dos secciones iguales. En lugar deeso, es preferible dar al cielo un tercio o dos tercios de la foto, en función de la zona que consideremos másimportante de la imagen. En ocasiones, las capas que forman las líneas horizontales pueden crear ritmo opatrones en la imagen que por si solas se conviertan en el centro de interés de la fotografía.

Por último, cuando se componga la foto hay que asegurarse de que las líneas horizontales y los ángulosrectos que aparecen en la fotografía son eso mismo, líneas horizontales y ángulos rectos. No hay nada másfrustrante cuando se mira una fotografía que comprobar que el horizonte no está recto ¡esta ladeado! Si te ha


ocurrido, no te asustes, tiene solución. Pero en el futuro, procura que el horizonte salga recto en la foto.

9.4.4.2. Líneas Verticales.

Así como las líneas horizontales transmiten sensaciones de estabilidad, calma o descanso, las líneasverticales son capaces de hacernos llegar sensaciones de fuerza y poder (piensa en los edificios de oficinas yrascacielos de las grandes ciudades) y crecimiento (los árboles).

Al igual que las líneas horizontales pueden ser acentuadas mediante el encuadre horizontal de la foto, laslíneas verticales toman más fuerza cuando sostenemos la cámara para hacer las fotos con un encuadre vertical.El poder disponer de imágenes con el alto mayor que el ancho permite enfatizar la altura de los elementos quecontienen las líneas verticales.

Existe la opción de romper esta regla y realizar un encuadre horizontal de la foto, con el objetivo deconseguir la sensación de que nuestra foto no puede contener el objeto. Esto es especialmente efectivo cuandolas líneas verticales son muy fuertes.

Y Al igual que ocurría con el horizonte en las líneas horizontales, es extremadamente importante quetratemos de mantener las líneas verticales de la fotografía completamente paralelas a los lados de la foto. Muchasveces nos será imposible, sobre todo si estamos realizando la foto desde abajo, con lo que las líneas se empezarána estrechar según subamos en la imagen. En ese caso, debemos tratar de que en el centro de la imagen las líneasse encuentren paralelas a los bordes.

Una vez más debemos tener en cuenta la Regla de los Tercios, y evitar en la medida de lo posible situaruna única línea vertical en el centro de la imagen dividiendola en dos partes iguales. Suele resultar más efectivodesplazarla hacia uno de los lados, salvo que queramos expresamente dividir la imagen en dos para unacomposición simétrica.

En ocasiones es posible que nos encontremos situaciones que nos permitan recoger líneas verticales que,por repetición, definan patrones que podremos usar creando un gran impacto visual, sobre todo si contrastan conotras formas y líneas que vayan en direcciones diferentes.


9.4.4.3. Líneas Diagonales.

Las líneas diagonales suelen funcionar muy bien a la hora de dirigir la mirada del espectador a través dela fotografía. Crean puntos de interés cuando se produce una intersección con otras líneas y generan profundidaden la imagen sugiriendo una perspectiva. También pueden añadir una sensación de acción en la imagen y aportanun aspecto más dinámico.

Al momento de tomar la foto es importante considerar cómo se pueden utilizar las diagonales para guiarel ojo al centro de interés principal de tu foto. Como ya se indico anteriormente, existen diferentes estudios sobrecómo las personas ven las imágenes, y muchos de ellos afirman que el modo natural en el que se ve una imagenes trasladando la vista de izquierda a derecha, partiendo de la parte inferior izquierda a la parte superior derecha.Por ello, una diagonal que describa ese recorrido será muy útil y natural en nuestras fotos.

Por supuesto, no se trata de que dividamos en dos nuestras fotografías a través de esa diagonal. Podemosbuscar formas y patrones en nuestro entorno que describan ese recorrido de un modo natural. Otra opción esbuscar, en lugar de una línea diagonal que cruce de una esquina a otra de la foto, una línea que parta de la zonacentral de la imagen y vaya a una de las esquinas.

Debe recordarse que distintas líneas apuntando en varias direcciones y cortando con otras líneas puedenañadir dinamismo y acción a tu foto, pero si el número de líneas es elevado pueden acabar creando confusióny caos. Al igual que ocurre con las líneas horizontales y las líneas verticales, una serie de líneas diagonalesrepetidas pueden ser en sí mismas el tema de la foto, creando patrones interesantes.

9.4.4.4. Las líneas convergentes.

Como ya se indico anteriormente, uno de los principales elementos compositivos con los que se cuenta


a la hora de hacer una foto son las líneas. Y un tipo concreto de líneas son las que se denominan líneasconvergentes.

Cuando estamos haciendo fotografía de paisajes, uno de los elementos que más utilizamos a la hora decomponer la foto, muchas veces sin darnos cuenta, son las líneas convergentes. Y es que las líneas son uno delos elementos visuales más fuertes de los que disponemos en la naturaleza para ayudarnos a dar más interés ala imagen. Y si además contamos con varias líneas que conducen al mismo punto, dispondremos de unaherramienta infalible para conducir la atención del espectador.

Un ejemplo clásico de lineas convergentes son las lineas blancas de guía en una carretera. Si nosubicamos al lado, o en el centro, de una carretera que conserve sus líneas de separación (comprobando antes queno vengan vehículos en ninguna dirección) y se mira en la dirección de la vía, se observa como estas líneastienden a unirse, o fusionarse, según se alejan en el horizonte hasta perderse en el infinito donde se unen en unpunto.

Realmente, sabemos que estas trascurren paralelas pero el efecto óptico que se produce es que las líneasse unen en un punto de convergencia, que si queda fuera del encuadre se le llama; Punto de Fuga. Si la fotografíade rieles o vías de tren se le enseña a alguien, la reacción natural será siempre la misma; seguir con la vista lasvías en la dirección que convergen. Este efecto se va a producir siempre con cualquier ejemplo de líneas quetranscurran paralelas hasta converger en un punto en la lejanía: carreteras, peldaños de escaleras, vallas, etc. acontinuación se indican algunos consejos sobre el uso de líneas convergentes.

Experimentar con la Posición: Una posibilidad es, sobre el ejemplo de las vías del tren, situarte en elcentro de las líneas convergentes, haciendo que el punto de unión de las líneas se pierda en el infinito,hacia el centro de la fotografía. Otra opción es situarte a un lado de las líneas convergentes, de modo queéstas crucen la fotografía. Un buen recorrido sería que partieran de una de las esquinas inferiores y fuerana converger en la esquina superior opuesta, cruzando toda la foto. Esta disposición diagonal de las líneasgenera una imagen más dinámica. Tanto la ubicación simétrica como la diagonal crea un impactobastante fuerte en la imagen, aunque las líneas diagonales están más asociadas a la idea de movimiento.

Utilizar el zoom mínimo o un lente gran angular: El uso de diferentes objetivos en fotografía puedehacer variar completamente el impacto de las líneas convergentes en una foto. Por experiencia, el uso defocales cortas suele ser especialmente útil a la hora de utilizar el recurso de la convergencia de las líneas.Este efecto es especialmente notable cuando nos situamos entre las dos líneas. El motivo es debido a quela percepción de la distancia existente entre las líneas en el punto de partida es mayor de lo que realmentees cuando utilizamos un campo de visión amplio, mínimo zoom o un gran angular. Al exagerar ladistancia entre las líneas crea un mayor impacto en la fotografía.

Posicionando la convergencia: Uno de los elementos a tener en cuenta cuando se trabaje con líneasconvergentes es que, como ya se ha explicado, dirigen la atención de la vista hacia el punto en el queconvergen. Por tanto, ese punto será, salvo excepciones, el centro de interés de la foto. Cuando se estehaciendo la foto, hay que detenerse a pensar cual es la mejor posición de ese punto en el encuadre de lafoto. Hay que tener en mente elementos compositivos como la Regla de los Tercios, buscando que elpunto de convergencia se encuentre en una de las cuatro intersecciones que forman los tercios al aplicarla regla.

Añadir interés al punto de convergencia: Muchas veces lo que se busca es añadir interés al puntodonde se unen las líneas. Como el ojo se va a dirigir a la convergencia, es un buen recurso para situar ahíel elemento central de la fotografía. Puede ser un tren que se acerca, una persona, un vehiculo, o una casa


que se encuentra en un camino, etc. Las líneas conducirán la mirada a ese punto irremediablemente. Siademás se sitúa el punto aplicando la regla de los tercios, tienes captado el centro de atención con unefecto magnético que hará que no se pueda retirar la mirada de ese objeto.

9.4.5. El patrón o Ritmo.

El denominado efecto patrón o de ritmo, consiste en la repetición de elementos gráficos como líneas,formas, volúmenes, tonos, colores, etc, que como motivo aumenta la armonía de una escena. El ritmo ademáspermite conectar los diferentes elementos de la imagen para conferirles unidad y fluidez, de manera tal que comoresultado de esa repetición de elementos podemos hablar del mosaico, el cual se encuentra compuesto por lasucesión de líneas y formas que crean un motivo mayor.

Cuando se esta en presencia de una repetición “simple” en la imagen, para evitar que cause monotoníaal observador se deben incluir elementos secundarios, lo cual se logra con un motivo de menor tamaño oimportancia, o en su lugar se puede jugar con los tonos, luces, y sombras para resaltar la composición delconjunto fotográfico. El mosaico rompe su monotonía en el motivo mayor que crea, de forma tal que si ocupatodo el encuadre, el impacto se acentúa. Los mosaicos se encuentran en todo nuestro alrededor, entre laspersonas, observando paisajes, sombras etc.

Para realizar este tipo de toma, es preciso tener mucha atención y visualizar atentamente, tanto elencuadre como a la iluminación. En ese sentido, las composiciones con ritmo excesivamente rígido, como lasolas, cartones de huevos, campos de dunas, terrenos de cultivo, etc, conviene romperlas con algún pequeño objetodiscordante que atenúe su rigidez y proporcione un centro de interés, como ya se indico previamente.

Las repeticiones de formas se encuentran en la propia naturaleza, animales, árboles, objetos, etc. a nivelde la obra humana, donde mas comúnmente se halla una repetición de elementos o elemento común, es en elcampo de la arquitectura, en ventanas, tejados, ladrillos, por la simetría de los mismos la cual puede ser utilizadade manera repetitiva, lo que induce la sensación de textura.


9.4.6. La Forma y el Volumen.

Muchas veces la forma es el aspecto más importante de una fotografía. Nos basta con la silueta o el perfilde un objeto para reconocerlo. En ese sentido, el control de la luz y el color por parte del fotógrafo es unaherramienta poderosa a la hora de transmitir sensaciones que van más allá de la percepción visual y para dirigirla atención.

La cámara, a diferencia de nuestra vista ve en un sólo plano y por tal motivo la imagen fotográfica esbidimensional, por lo que si queremos destacar la forma de un objeto habrá que conseguir que llame fuertementela atención por medio de la iluminación, el contraste tonal y cromático (conjunto de luces y sombras) de maneratal que resaltan los volúmenes. La luz puede aplanar o crear fuertes sombras, llegando a fundir formas entre sí,donde la forma viene también modificada por el punto o ángulo de la toma.

Así, por ejemplo, para resaltar el motivo es conveniente buscar un contraste de tono y/o color entre elmotivo y el fondo. También es conveniente simplificar la composición, buscar fondos uniformes y pocos coloresmuy marcados en la foto; evitar los fondos llenos de detalles que puedan distraer la atención. En general es másimpactante una fotografía con pocos elementos y pocos colores muy contrastados que una fotografía con muchoselementos en los que ninguno resalta especialmente sobre el resto.

Con relación al volumen, un fondo monocromático contrastante, resalta la forma del motivo. Los objetosque se reflejan en el agua, duplican su volumen llegando a formar imágenes espectaculares. Las formas puedenutilizarse para marcar un encuadre dentro de otro. El perfil de un rostro curtido, las ramas secas y retorcidas deun árbol contra el cielo, el cuello de un cisne, el radiador de un Cadillac, etc, son formas que atraenpoderosamente nuestra atención.

Para conseguir tomas impactantes de objetos con formas atractivas conviene tener en cuenta las siguientesrecomendaciones:

• Abstraer las formas del objeto principal, eliminando al máximo los detalles (por ejemplo realizando uncontraluz que destaque únicamente su silueta.

• Acercarnos al encuadrar, de forma que aislemos la formas de un sólo elemento del motivo.

• Utilizar un fondo lo más uniforme posible y que no distraiga la atención.

• Buscar el máximo contraste de tono entre la forma principal y el fondo.

• Utilizar al máximo las normas de composición, ritmo y equilibrio para destacar la forma.

• Recordar, que los distintos tipos de luz solar pueden producir distintos tipos de sombras y maticesafectando a la percepción de las texturas y los volúmenes.

En relación a este último punto, la luz del mediodía es una luz dura, intensa y que incrementa el contrastede las sombras, lo cual afecta negativamente a la percepción del volumen y los matices de la superficie de losobjetos. En general no suele ser buena para la fotografía. La luz de la mañana ilumina con tonos frescosapastelados y difumina normalmente los detalles lejanos. La luz del atardecer ilumina lateralmente y con tonosdorados y cálidos produciendo sombras tenues y sutiles que resaltan la textura de los objetos y su volumen.

En esa misma idea, según las estaciones la luz también es ligeramente diferente y ello afecta a estos


parámetros, y por supuesto el tiempo metereológico también es crucial en este aspecto. Lo importante es que elfotógrafo sea consciente de la iluminación de que dispone en cada momento y su efecto sobre la fotografía demodo que pueda aprovecharla al máximo, intentar contrarrestarla (iluminación artificial, filtros polarizadores,...) o simplemente cambiar de lugar o de punto de vista para realizar la toma en mejores condiciones.

Si observamos fotografías de objetos corrientes en sus perspectivas habituales, nos resulta fácil deducirel volumen que tienen, pero si el ángulo de toma es rebuscado, o los objetos son poco corrientes, nos resulta muydifícil captarlo. A veces se puede solucionar esto introduciendo objetos conocidos que actúen como referenciade tamaño.

Un método excelente para resaltar las formas consiste en utilizar algún elemento de la imagen paraenmarcar el motivo (un pórtico, el marco de una ventana, arreglos vegetales, ramas de arboles, ...) Ubicandoloen el plano principal, mientras que nuestro centro de atención se ubica en el plano secundario o segundo plano.

Por ejemplo, si se aprovecha el arco de entrada a algún monumento para enmarcar el sujeto principal,tanto si disparamos de dentro a fuera, como al revés, el tema principal quedará rodeado con un tono opuesto querealza la fuerza del motivo. Cuando este marco es negro, o de color obscuro, la expresividad es mayor pues noscausa la sensación de estar inmersos en la escena, ya que permite establecer una establecer una comparación devolúmenes.

Otros elementos actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso delas señales de tráfico o las ramas de los árboles. Cualquier elemento que "encierre" el centro de interés nospermitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.

En cualquier caso, para que un objeto tridimensional captado en una copia bidimensional, tengacorporeidad y ofrezca sensación de volumen, además de su forma habrá que captar también su sombreado (tono)y los detalles de su superficie (textura).

9.4.7. Tono, Contraste, y Color.

Se entiende por TONO a la brillantez visual de una zona de una imagen que puede distinguirse de otraspartes más claras o más oscuras, de manera tal que en blanco y negro, estos colores y toda la gama de grisesconstituyen su GAMA TONAL. Cada tono está íntimamente relacionado con el color y con la luz. Un trozo decarbón situado bajo una luz intensa, puede tener un tono más claro que un huevo colocado en una sobra muyoscura.

En muchas ocasiones, la gama de tonos de la escena es superior a la que puede captar la película. Encambio, para la fotografía digital ese problema esta resuelto en función de la cantidad de bits utilizados pararepresentar un pixel lumínico (profundidad de baits). Mientras que en un paisaje iluminado por un sol intenso,


la relación de luminosidades puede exceder la proporción 1000:1, en una copia perfectamente realizada nuncasobrepasa el rango 60:1.

En el caso de las diapositivas, o de las copias impresas, el intervalo tonal que aceptan es algo mayor perotodavía distan mucho de la gama tonal real. Este problema se puede resolver haciendo que concuerden los tonosde luces y sombras, tanto en el motivo como en la copia, y comprimiendo la escala tonal intermedia. Rembrandtya utilizaba este método en su pintura al dar un gran valor a las luces y a las sombras, en detrimento de los tonosmedios.

Se entiende por CONTRASTE a la diferencia de tonos que hay entre las distintas zonas de la imagen. Unaimagen resulta visible gracias a su diferencia de contraste respecto a los valores de los tonos que la rodean. ELINTERVALO DE LUMINOSIDADES, equivale al contraste máximo entre las zonas de una fotografía, sean ono contiguas.

Si imaginamos una escala de grises de nueve densidades incluyendo desde el blanco = 9, hasta el negro= 1, una escena que cuente únicamente con los tonos 1y 9 (blancos y negros), tendría el mismo contraste que laque incluye además los grises intermedios. Sin embargo, subjetivamente, el contraste nos parece mayor en elprimer caso. De cualquier manera, las fotos con poco contraste, con carencia de tonos intensamente negros ocopias sin blancos limpios, producen siempre sensación de bajo contraste.

En ocasiones se busca intencionadamente utilizar sólo la parte alta de la escala (del 9 al 5), estas copiasde tonos altos y blancos se denominan HIGH-KEY, y sugieren frescura, inocencia, libertad, etc, por su bajocontraste. Por el contrario la táctica llamada LOW-KEY, emplea los tonos bajos de la escala (del 1 al 4 ó 5). Esteestilo sugiere drama, misterio, obsesión, etc, por su elevado contraste.

El color también es importante, ya que siempre dice algo y por tanto puede ser utilizado como otrorecurso expresivo más. Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos. Los rojos, naranjas, y amarillosforman parte de la gama de colores cálidos, mientras que los azules, verdes, y violetas forman parte de la bandade colores fríos.

Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules seconsideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respectode la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante enla composición.

En relación a esta última idea, e independientemente de que sean cálidos o fríos, la saturación de colorevoca intensidad mientras que los tonos suaves evoca tranquilidad. La cantidad de colores y su gama afectatambién a la percepción del espectador y a las sensaciones que en él se pueden inducir.

Por su parte, la fotografía en blanco y negro es también muy impactante y ayuda a resaltar mejor loscontrastes y las variaciones tonales (por ejemplo de la piel). Además ayuda a que el color no distraiga de otrosrecursos expresivos (como la forma, la textura, la expresión de una cara) que el fotógrafo desee primar, razónpor la cual, la fotografía en blanco y negro es una manera muy acertada de evaluar la pericia fotográfica.

Además de la luz y del color de los objetos, influyen también sobre el tono y el contraste:

• La sensibilidad ISO utilizada, ya que a menor sensibilidad mayor contraste.

• La calidad del objetivo, o lente, por su revestimiento. En los objetivos de inferior calidad se producen


más reflexiones, distorsiones, y una menor absorción que provoca un aumento del velo y disminuye elcontraste.

• Cuando en el post-procesamiento de la imagen digital no se tiene correctamente calibrado el monitor demanera tal que se incremente o disminuya el brillo y el contraste de manera inadecuada.

9.4.8. La textura.

Por textura se entiende la estructura de la capa superficial de un material, la cual podría ser áspera eirregular, o suave y brillante, entre otras. La textura revelada por una fotografía, nos dice lo que se sentiría si lasuperficie se pudiese tocar. El motivo debe transmitir una sensación táctil y de profundidad, como por ejemplola rugosidad de una corteza o la suavidad del terciopelo.

Como se indico anteriormente, una foto con una textura muy resaltada, confiere realismo a la imagenporque estimula nuestro sentido del tacto. La textura, junto con el tono y la forma, transforman los motivosplanos en imágenes con fuerte sensación tridimensional.

Entre todos los factores que pueden resaltar la textura, el más importante es, con mucha diferencia, lailuminación. La luz, es la clave para fotografiar la textura. La mejor suele ser oblicua, dependiendo de la calidadde textura que se desee lograr.

Las superficies compuestas de muchos detalles en forma de patrón regular o no, se deben iluminar conluz direccional oblicua y difusa. Mientras que los objetos iluminados con luz dura, intensa y rasante, desvelanuna textura imperceptible por cualquier otro método ya que se destacan las superficies irregulares, siendo estofundamental en fotografía forense, arqueológica, numismática, etc.

En referencia a esto, el momento idóneo para realizar fotografías, con iluminación natural, de texturasinteresantes es al amanecer o al anochecer.


9.4.9. Perspectiva.

La representación de la profundidad en una superficie plana siempre fue y és el problema de dibujantesy pintores ya que nunca dejará de ser una sensación, y por tanto es puramente ilusoria, pero constituye unatécnica de composición muy importante.

El procedimiento más conocido, la perspectiva lineal, utiliza una serie de principios geométricos paralograr las proporciones correctas entre objetos a medida que su tamaño aparente disminuye al aumentar ladistancia o profundidad de la imagen, haciendo a su vez que las líneas paralelas parezcan converger a medidaque se alejan.

La cámara tiene la propiedad de producir estos efectos de manera natural en función del encuadre y elpunto de vista. Aparte de que en el caso de no poder utilizar este recurso, el enfoque selectivo de sujetos endiferentes planos logra también este efecto o sensación de tridimensionalidad.

Hay veces en que basta cambiar un poco el encuadre, o el ángulo de la toma para incrementar aún másla sensación de la perspectiva lineal por medio de lo que se conoce como punto de convergencia o punto de fuga.Debe tenerse presente, que hacia dicho punto se dirigen las líneas paralelas a medida que se alejan en la distanciaaparente, de forma tal que puede encontrarse dentro (convergencia) o fuera (fuga) del fotograma.

Pero las dos técnicas anteriores, no son la única manera de lograr perspectiva ya que las condicionesclimáticas y atmosféricas (humo, neblina) producen la sensación de profundidad por la amortiguación gradualde los colores y la tonalidad de la imagen según aumenta la distancia, razones por las cuales los diferentescambios cromáticos facilitan a que la perspectiva aérea sobresalga y destaque.

9.4.10. Profundidad de campo, Enfoque total o selectivo.

El enfoque es otro de los elementos fundamentales para dirigir la atención del espectador y resaltar losmotivos de nuestras composiciones. Tanto el anillo de enfoque como el sistema automático de la cámarafotográfica nos permite enfocar a distintas distancias en función de la posición del motivo y el nivel de zoom,donde los algoritmos de control de exposición seleccionaran la apertura y obturación adecuada. Pero, si hay laoportunidad de controlar o configurar, además, la apertura del diafragma y el tiempo de exposición, se puedeconseguir mayor o menor profundidad de campo en la imagen y por tanto podemos realizar enfoques selectivos,aspecto que es conocido como Efecto Bokeh.

Como tal, El primer gran recurso artístico del enfoque selectivo en la composición es claro: resaltar elelemento enfocado (el motivo) frente a todo lo demás que está desenfocado (fondo), permitiendonos crear lasensación de profundidad al dotar de tridimensionalidad a la foto, con solo dos dimensiones, y aislando el centro


de interés de la fotografía de otros elementos perturbadores o distractores al mantener zonas nítidas y otrasborrosas, con lo cual se facilita al espectador el entendimiento de la distancia al objeto, al situar partes de la fotoa distancias diferentes. Por demás esta decir que este recurso es muy poderoso a la hora de fijar el centro deinterés de la fotografía y todo buen fotógrafo hace uso profuso de él.

Técnicamente, La profundidad de campo depende de varios factores tales como: la distancia al sujeto uobjeto que queremos fotografiar, la distancia focal de nuestro objetivo, y la apertura del diafragma que utilicemospara hacer la foto. De todas ellas, la que de una manera más directa nos permite jugar con la profundidad decampo es la apertura del diafragma.

El enfoque selectivo no deja de ser una aplicación de una reducida profundidad de campo. En fotografíade paisajes, en general, es preferible una gran profundidad de campo para abarcar todos los detalles con nitidezen todas las zonas de la fotografía. No obstante, para el retrato, la fotografía del detalle y muchas otras ocasionessuele ser preferible una profundidad de campo limitada para que sólo aquello que interesa al fotógrafo aparezcanítido.

9.4.11. El movimiento.

Como se indico anteriormente, una persona u objeto en movimiento describe una línea dominanteimaginaria que es su trayectoria y que también puede tener gran fuerza expresiva. Si hay algo en la fotografíaque parezca estar en movimiento, ¡Tiene una dirección en la que se mueve!, y es por tal razón que cuando elmotivo esté entrando en la escena es conveniente abrir el encuadre para dejarle un espacio libre delante de ladirección de movimiento, para que sea ocupado por su trayectoria y resaltar el efecto de movimiento. Se puedeconsiderar esta última indicación como otra forma de aplicar la regla de la mirada.

El movimiento es uno de los principales motores de expresividad en la fotografía ya que los seres yobjetos fotografiados a menudo están en movimiento mientras que la fotografía es eminentemente unainstantánea congelada en la que nada se mueve.

La expresión del movimiento se consigue fundamentalmente actuando sobre el obturador, el diafragma,y combinando estos elementos con otros como el enfoque selectivo. Los dos efectos más habituales con respectoal movimiento son:

Congelación de movimiento: Es decir, conseguir que una imagen de alto dinamismo en pleno


movimiento aparezca como congelada en medio de ese movimiento de modo que proporcione alespectador la visión de un instante que normalmente el ser humano no capta de forma separada y estática.Ejemplos típicos de este efecto puede ser una fotografía de las gotas de un arroyo cayendo o un patinadoren el aire en medio de un salto, etc.

Desplazamiento del motivo: Es decir, ajustar un tiempo de exposición suficientemente lento en lacámara como para que el movimiento del motivo a fotografiar, que está en movimiento, aparezcadesplazado (movido) dentro de una foto en la que todo lo demás aparece nítidamente (no movido). Delmismo modo también se puede conseguir (con un barrido fotográfico perpendicular al motivo) captar unainstantánea en la que el motivo permanezca nítido mientras que todo lo demás en la foto aparezcamovido. Este efecto resalta de un modo espectacular el movimiento de los objetos y puede ayudar inclusoa captar la atención hacia el motivo si bien su consecución requiere muchas veces de habilidad con loscontroles de la cámara y seguramente con un trípode.

9.4.12. Impares. El interés de los grupos de tres.

Si bien no se la puede considerar una regla, como la de la mirada, se ha establecido por consenso de queexiste un factor de belleza especial asociado a las composiciones con un número impar de elementos similares.Tal vez sea la sensación de desequilibrio, o la relación que tienen con la regla de los tercios, en cualquier caso,no hay aún una explicación que se considere acertada por el gran número de teorías que suenan consecuentes.

En relación a lo anterior, parece existir una percepción especial de los números impares en fotografía,y en particular de los grupos de tres elementos. Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, condos elementos una foto puede quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultardemasiados para distribuir. En cambio con 3 elementos, suele funcionar su agrupación como un centro de interésúnico.


9.4.13. El espacio negativo.

En la mayoría de las ocasiones, cuando hacemos una fotografía, tendemos a rellenar todo el encuadre conel objeto elegido como punto de interés. De hecho, esta es una de las recomendaciones más básicas decomposición en fotografía. La aplicación del espacio negativo es una excepción a esta sugerencia.

El espacio negativo es un elemento compositivo que nos permite reforzar el tema de una imagen.

Como tal, consiste en mantener un fondo uniforme, sin elementos distractores, situando el centro deinterés en alguna parte de la fotografía. Al mantener este fondo uniforme, la vista se centra en el centro de interés,al igual que si nos hubiéramos acercado con el zoom al objeto fotografiado. A la hora de identificar el centro deinterés, el cerebro consigue identificar rápidamente cual es el tema de la fotografía, realzando el motivo.

Sin embargo, el alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de esteespacio muerto transmite una información adicional: soledad, aislamiento o calma. Algunas de las imágenes mástípicas donde se utiliza este recurso son, por ejemplo, una planta en medio del desierto o una roca en el mar.

La clave de un uso correcto del espacio negativo es eliminar el fondo de cualquier elemento distractorque pueda atraer la atención del espectador al observar la fotografía, situando el centro de interés en la zona deatención marcada por la regla de los tercios, y aunque no es un recurso que se utilice habitualmente, no está demás conocerlo.


10. El retrato.

El retrato es uno de los grandes géneros de la fotografía ya que toma al propio ser humano y sucomplejidad como centro y motivo de la imagen. Como tal, es una temática muy recurrente a la vez quecomplicada. Conseguir retratos sublimes es algo al alcance de muy pocos, ya que el proceso es bastante máscomplejo de lo que pueda parecer en un principio, sin embargo, las capacidades expresivas de este género soninmensas, si bien es preciso que el fotógrafo sea capaz de transmitir las cualidades que desea resaltar utilizandoapropiadamente todos los elementos a su disposición, no pueden hacerse retratos sin tener en cuenta el carácterni el aspecto del individuo o sujeto.

Un buen retrato debe transmitir el estado de ánimo del sujeto en el momento de la toma. Esimportantísimo observar, y hasta entender, a la persona que se pretende retratar.

La regla de oro en las fotografías de retrato, es que los ojos queden perfectamente enfocados. En el rostrohumano, no hay nada mas expresivo que la mirada.

10.1. Las imperfecciones del acercamiento.

Al fotografiar a personas es muy importante que se les vea bien. Hay muchas formas de resaltar lafisonomía del personaje jugando con la luz, el fondo, la perspectiva y la composición.

En el caso de la luz, es importante que el sujeto tenga sombras en la cara que resalten sus facciones, sino es así, aparecerá una cara "plana" sin relieve. Una luz lateral puede ser de mucha ayuda.

En el caso del fondo, es recomendable quitarle importancia haciéndolo borroso. De esta forma se resaltaráal sujeto. Para ello hay que contar con una profundidad de campo pequeña. Hay dos formas de disminuir laprofundidad de campo, aumentar la apertura de diafragma (número-f bajo), y aumentar la distancia focal (zoomalto).

Aumentando la distancia focal con el zoom, modificamos también la perspectiva acercando el fondo yhaciendo la imagen más plana. De esta forma evitamos deformar la cara del sujeto.

En cuanto a la composición, depende de si se quiere hacer un primer plano o no. En cualquier caso hayque tratar de que el sujeto ocupe buena parte de la imagen, siendo aconsejable hacer coincidir la línea de los ojoscon la linea horizontal superior cumpliendo con la regla de los tercios.

El objetivo perfecto para el retrato del rostro es de longitud focal igual al doble de la diagonal del formatodel fotograma, (80-100mm para el formato 24x36, estándar 35mm). El objetivo focal largo, evita las distorsionesde la perspectiva (la nariz o mentón pronunciados) provocadas por el acercamiento excesivo de la cámarafotográfica hacia el rostro.

En los primeros planos una nitidez acentuada puede poner en relieve posibles defectos de la piel delsujeto, y por tal motivo se hace necesario suavizar la imagen con la utilización de un filtro filtro difusor, queaporta al retrato, un aire romántico permitiendo disimular las imperfecciones del rostro. Por lo general en losretratos la cara ocupará casi toda la escena, sin embargo, es recomendable que se vean al menos los hombros dela persona por un aspecto de proporciones.


10.2. El fondo del retrato.

Es muy importante escoger y elegir con cuidado el fondo de la imagen, tanto si se trabaja en estudio,como si se hace en casa del sujeto. En el retrato no deben aparecer elementos que disturben o líneas queatraviesen el fotograma. El fondo debe ser neutro, para que no se confunda el motivo principal.

En las fotografías exteriores se recomienda, muros, el cielo o fondos monocromáticos. El individuo nodebe permanecer muy cerca del fondo para evitar que se formen sombras innecesarias y violentas.

10.3. El retrato ambientado.

El fondo debe ser reconocible para crear una composición armoniosa con el sujeto principal. El espacioque rodea al personaje puede oprimir al plano por exceso de información, es decir, debe permitir comprenderel momento que está viviendo, dentro del ambiente elegido.

Los objetivos que mejor se prestan para el retrato ambientado son los normales o gran angulares. Conel gran angular quedan enfocados todos los planos y se dispone de una gran profundidad de campo, pero se correel riesgo de opacar al sujeto principal.

10.4. Directrices específicas para retratos.

Desde el punto de vista de la composición existen múltiples directrices comunmente aceptadas, y lascuales se nombran a continuación:

• En general, no se debe cortar una foto de una persona por las articulaciones, ya que esto puede dar lasensación de que esa persona tiene un miembro amputado.

• Del mismo modo, tampoco debe cortarse un retrato por la barbilla. Si se va a llenar encuadre con la carade una persona es preferible cortar por la frente o por la frente y la barbilla al mismo tiempo.

• Debe manejarse muy bien el primerísimo primer plano frontal ya que por las imperfecciones yaberraciones del objetivo utilizado se corre el riesgo de que se deformen las proporciones faciales de lapersona retratada.

• Debe evitarse cortar las manos o los pies de las personas retratadas ya que son elementos expresivos muyfuertes en el ser humano.

• Como ya ha sido indicado, para fotografiar a niños no deben hacerse picados, es mejor bajar a la alturade sus ojos ya que así obtendremos imágenes más realistas y proporcionales.


10.5. El retrato de Niños.

Las fotos de niños pueden dar mucha creatividad, obteniendo fotografías llenas de frescura yespontaneidad, y es preciso e dispensable que el fotógrafo sepa captar el momento en el que expresan mayorespontaneidad y dinamismo. La presencia de la madre infunde seguridad a los pequeños.

Se recomienda no utilizar flash y aprovechar la luz natural. En algunas ocasiones el flash de relleno puederesultar útil.

Hay que implicar a los niños explicándoles el funcionamiento de la cámara y del flash. De esta formaconseguiremos que no se asusten y entablarán amistad con el fotógrafo. Lo más importante es ponerse a su altura,es decir podemos realizar la toma fotográfica en cluquillas para manternernos a la misma altura, evitando así lasfotografías por encima de sus cabezas.

Los primeros planos pueden ser espectaculares. Se pueden aplicar los conceptos de la técnica de retratos.

Es importante que actúen de forma natural, que estén haciendo algo. Para no hacernos notar serecomienda utilizar un zoom y fotografiar desde lejos. Los niños suelen ser muy cariñosos con los animales, locual proporciona una excelente oportunidad para fotografiarlos de manera natural.

Los niños suelen aburrirse rápido, por lo que no se les puede hacer esperar y que estén posando durantemucho tiempo. Hay que dejarles moverse libremente para captar sus expresiones y movimientos espontáneos,que suelen durar instantes o segundos.

Cualquier juguete puede resultar de gran ayuda para entretener al niño, y hacerle más natural. Las tomasfotográficas en el exterior suelen ser más fáciles de lograr, ya que el niño se olvida de la cámara y actúa connaturalidad.

Por otra parte, los bebes son excelentes para la fotografía, ya que son expresivos y no se preocupan porla cámara. No debemos empeñarnos en hacerlos posar, se sienten magníficamente en los brazos de su madre,entre sus juguetes, o sobre la cama, pero debemos tener paciencia para captar una expresión. Suelen sentirseincómodos bajo el calor de las luces y la sesión debe hacerse lo más breve posible.


11. Almacenamiento de los archivos.

Uno de los principales atractivos de la fotografía digital es la capacidad que ofrece de tomar infinidadde instantáneas sin el miedo de tener que dejarte el sueldo en el revelado. Con la creciente capacidad dealmacenamiento de las tarjetas y de los discos duros en el PC ya no hay miedo de tomar tantas fotografías comoquieras, pero... ¡cuidado! Si metes en el PC todo lo que toma tu cámara fotográfica tal cual, corres el riesgo deconvertir tu archivo fotográfico en un cajón de sastre donde es prácticamente imposible encontrar nada. Acontinuación se indican algunas recomendaciones al respecto.

Quédate sólo con las mejores fotos: Crea una carpeta en tu PC que se llame, por ejemplo, Descartes,y lleva allí todas las fotos que sean oscuras, estén borrosas o carezcan de interés por cualquier tipo dedefecto. Si tienes múltiples copias prácticamente idénticas de la misma instantánea, quédate con las 2 o3 mejores. Procura hacerlo siempre que descargues las fotos de tu cámara al PC: ahorrarás mucho tiempoposterior de gestión y revisión de tu archivo fotográfico.

Decide tus criterios de archivado: Piensa en el criterio de archivado que funciona mejor para ti:cronológico, por evento, por temática... Y crea carpetas en consecuencia: bien carpetas convencionales,bien carpetas dentro de tu programa de almacenamiento de imágenes favorito, bien tags si es que elsistema de almacenamiento que usas está basado en tags.

Datos adicionales en tus criterios: A menudo resulta útil añadir información temporal (por ejemplo, mesy año) porque ayuda a localizar las fotos. Muchas veces te acuerdas del momento en que tomaste esafotografía, y si has tenido en cuenta la fecha a la hora de archivar, te resultará más fácil recuperar aquellainstantánea.

Haz copias de seguridad: No olvides que, desafortunadamente, los PC's se estropean. O se infectan convirus. También pasa que a veces borramos directorios y archivos por error. Es imprescindible realizarfrecuentes copias de seguridad y si es posible hay que utilizar una grabadora de DVDs por la elevadacapacidad que tiene.

Sé constante: El tener un mejor o peor archivo fotográfico, más que del software que utilices (se puedetener un buen archivo sin usar ningún programa), depende de lo constante y organizado que seas.Especialmente si tomas muchas, muchas fotos. Sé constante: es más sencillo mantener el orden cada vezque realizar grandes trabajos de organización cada 12 meses y que el desorden impere la mayor parte deltiempo.

11.1. Algunas normas para la organización de archivos fotográficos.

* Se evalúan las fotos para enderezarlas y eliminar aquellas que no califiquen.

* El nombre del Directorio debe ser lo más sencillo posible (evitando la atomización temática o la sobre-diversidad de archivos en su interior) y a su vez debe ser explicito (evitando nombres muy largos), donde laanidación no debe superar los dos (2) niveles. Encontrandose definido para:

* Lote de Fotos.Concepto: Actividad realizada en una misma fecha.Formato: Nombre_Año_Mes.Donde: “Nombre” Es la actividad bajo la cual se obtuvieron las imagenes.


Donde: “Año_Mes” es en números, y 4 dígitos para el año.

* Area temática.Concepto: Lugar, Tema, o Personaje retratado en las fotos.Formato: Nombre. Donde: “Nombre” tiene que ser el Lugar, Tema, o Personaje y siempre que sea posible en

plural.

* El formato de nombres de Archivo dentro del directorio se rige por:

* Las fotos se organizan por fecha y hora para asignar el número de identificación.

* Nombre de los archivos:Concepto: Actividad, Lugar, Tema, o Personaje de la foto.Formato: Nombre_Año_Mes_Día-Número_Secuencia.Donde: “Nombre” Puede ser la Actividad, Lugar, Tema, Personaje, y siempre que sea

posible en plural.Donde: “_Año_Mes_Día” Es en números y 4 dígitos para el año. Donde: “-Número” Es el identificador, y son 3 dígitos consecutivos que se inician en 000.Donde: “_Secuencia” Es un indicador alfabético secuencial para las imágenes editadas o

panorámicas. Las imágenes compuestas llevan el nombre de la última fotoutilizada.

* Aquellas imágenes en un lote de fotos que califiquen para un área temática especifica, SE COPIAN en eldirectorio que corresponda y se les adecua el formato de nombre de archivo, respetandose la fecha de toma.

* Para las imágenes de otro fotógrafo, se debe incluir en “Nombre” alguna referencia del autor.

* Ejemplo General: Pico_Bolivar_JoseM_2007_05_08-012_C.jpg

Fotografia Manual Aspectos Basicos 2010 01-21-016

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