ASIGNATURA:APRECIACIÓN DE LA PINTURA

CARRERA:MECATRONICA

ALUMNO:WELLINTONG ORLANDO SALAN PUNINA

NIVEL:TERCERO

TUTORA:MIRIAM GUADALUPE PEREZ ESCALANTE

PERIODO:MARZO 2014-AGOSTO 2014

ACTIVIDADES DE APRENDIZAJE

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 1.1.

1. Planteamientos Sintetice la definición de cada uno de los elementos que constituyen la obra de

arte (pintura): forma (color, técnica, composición, estilo) y contenido (temas). Dibuje un bodegón de frutas empleando la composición asimétrica.

2. Objetivos Analizar los elementos de la obra de arte (pintura). Aplicar los elementos de la obra de arte en el trabajo práctico.

COLOR

El color es una sensación visual producida al incidir en la retina los rayos luminosos difundidos o reflejados por los cuerpos. El color es luz. El mundo que vemos deslizarse ante nuestros ojos a lo largo de la jornada no es más que la reducción efectuada por el cerebro de las variaciones de los colores ocasionadas por la luz del día. ¿En qué consiste el color? Podemos decir que es simplemente un pigmento, aunque en realidad el color del pigmento no sea otro que el de la luz que refleja. Cuando afirmamos que un objeto es amarillo, verde o azul, queremos decir que la luz reflejada por ese objeto es amarilla, verde o azul, ya que los pigmentos tienen la propiedad de absorber algunas longitudes de onda de la luz y reflejar otras.

El color en pintura es algo más que un fenómeno físico y biológico, es un instrumento principal en la expresión artística que adquiere dimensiones psicológicas o simbólicas.

TÉCNICA

Son los materiales empleados por el artista para producir su labor pictórica. Las más utilizadas, cuya diferencia estriba, sobre todo, en el aglutinante empleado para disolver el color, son las siguientes:

La acuarela, que utiliza agua gomosa.

La aguada (gouache), cuyos colores no son tan transparentes como los de la acuarela, y que usa el mismo aglutinante.

El lavado deriva también de la acuarela, pero emplea una sola tinta.

El temple utiliza cola, aplicándola sobre una superficie cubierta de una capa de yeso.

El fresco se limita a los murales, previamente revocados con una capa de cal y arena, actuando como disolvente de los colores el agua.

El pastel se aplica con unas pastas en forma de lápiz.

La encáustica utiliza como aglutinante la cera, por lo que se debe mantener la temperatura de fusión apropiada.

El óleo es una técnica consistente en la mezcla de los colores con un aglutinante a base de aceite de linaza.

Lápices de colores son un conjunto de lápices con mina de diversos colores. Los lápices con colores diversos, se utilizan para dar color o bien para colorear dibujos realizados con diversas técnicas.

COMPOSICIÓN

El arte, para el artista, es, ante todo, una pasión y, como tal, tiene para él una enorme carga intuitiva y sentimental. Resulta que la norma básica y clásica para el arte de componer la dio Platón, el gran filósofo de la Grecia clásica (vivió entre los años 429 y 347 antes de Cristo), cuando daba a los escultores y pintores de su tiempo esta definición: Componer consiste en buscar, hallar y representar la variedad dentro de la unidad. Variedad de las formas, de colores y de ritmos, pero coordinados de tal modo que revelen una sola idea plástica inmediatamente asimilable por el espectador.

El artista, en sus composiciones, puede y debe crear formas distintas con colores distintos que despierten el interés del observador y le proporcionen el placer estético que busca en el arte. Al hablar de composición en pintura o escultura se hace referencia a la organización de todos los medios plásticos, materiales y formales, que constituyen la obra pictórica. En definitiva, la verdadera personalidad del artista se revela en la obra mediante la composición.

ESTILO

En el modo de ser de la obra de arte intervienen causas históricas, religiosas, familiares, entre otros aspectos, que se reflejan en el estilo. Un estilo artístico es el conjunto de rasgos iconográficos, técnicos, compositivos... que dan carácter a la creación artística y permiten identificar las obras de una escuela o de una época histórica. Desde este punto de vista podemos referirnos al estilo románico, gótico, impresionista, etc., porque nos limitamos a  constatar una “fisonomía estética” que depende de “la moda” de una época. Si el concepto de estilo lo referimos a un artista determinado, deberemos considerar los rasgos de su personalidad, pero también todo aquello que refleja la cultura de su tiempo.

CONTENIDO

El contenido de una obra de arte son todas las cualidades o elementos artísticos que encierra o la conforman. El contenido artístico es, pues, esencialmente, una afirmación, una expresión sensible, un grito a la sensibilidad, una llamada imperiosa que penetra por los sentidos, invade la inteligencia, y resuena fuerte y dulcemente en el corazón. 

El contenido del arte vital de las gentes primitivas siente simpatía hacia la Naturaleza, adopta la curva orgánica, realza su vivacidad: es el contenido del arte de las playas templadas y las tierras fértiles. Es el contenido artístico de la alegría de vivir, de la confianza en el mundo. Las plantas, los animales, la misma forma humana, se reproducen con amoroso cuidado y, hasta cuando el arte se aparta de la imitación exacta, es en un sentido de realce del impulso vital.

TEMA

Los temas, son parte del contenido, en sí mismos, pueden tener un simbolismo y representar valores universales. Ésta es la razón por la que un tema que pertenece a una cultura se utiliza en otra sin ser ajeno a ella, pues el valor que representa o simboliza es un valor actual en esa cultura. Por ejemplo, el paisaje como tema puede tener un valor universal.

Dentro de la tipología de los temas, se encuentran los siguientes:

1. Religioso: Refleja un aspecto sociocultural de los pueblos en cuanto a la relación de

los seres humanos con la divinidad.

2. Mitológico: El mito es una narración oral o escrita generalmente poética, referente al

nacimiento, vida o hechos de los dioses, semidioses y héroes.

3. Histórico: Representa acontecimientos registrados por la Historia.

4. Bodegón: Tema pictórico que representa objetos, alimentos, frutas, flores, etc.

5. Cotidiano: Refleja escenas populares o comunes que se observan en una sociedad.

6. Paisajista: Representa elementos de la naturaleza. Se clasifica en paisaje urbano,

paisaje rural y paisaje marino.

7. Retrato: Representación pictórica de una persona.

Actividad de aprendizaje 1.2.

1. Planteamiento Explique la función ideológica, estética, mágica y didáctica. Luego, de

Internet seleccione y agregue cuatro pinturas que tengan esas funciones (una por cada función).

2. Objetivo Establecer las funciones de la obra de arte.

FUNCIÓN IDEOLÓGICA

Se transmiten los pensamiento de un movimiento (social, político, religioso...) a través de la obra de arte.

Puede ser los pensamientos del artista o los de quienes han encargado la obra. Puede encerrar muchos conceptos y desarrollar diversas connotaciones. Podemos utilizar una obra artística para dar una imagen de poder. Las obras manejan mensajes ocultos expresados con formas geométricas o

simbólicas.

FUNCIÓN ESTÉTICA

Cuando la obra de arte gira en torno al concepto de belleza como, por ejemplo, en la representación de ideales estéticos de la Antigua Grecia.

En la historia de las civilizaciones se le ha dado diferente valor a los mismos objetos, convirtiendo en obras artísticas cosas u objetos que en tiempos anteriores no lo fueron.

FUNCIÓN MÁGICA

Es el uso del arte ligado a los rituales mágicos para los que se produce. Se cree que ésta es la función principal del arte primitivo.

Muchos objetos, considerados en la actualidad como obras de arte, fueron hechos por alguna cultura para formar parte de rituales de fertilidad, funerarios, de cacería o de guerra

Se le atribuye a ese objeto poderes mediante los cuales se cumple el objetivo del ritual. Como por ejemplo de este tipo de obras citaremos a las Pinturas rupestres de la Prehistoria.

FUNCIÓN DIDÁCTICA

En algunas culturas iletradas, la imagen suple a la palabra cuando se busca instruir a las personas.

a través de las imágenes que utiliza, enseña a las persona algún aspecto de la realidad con el propósito de formarlas, diferenciándose de las imágenes que se hacen con el objeto de convencer a un grupo o sociedad a través de la función persuasiva.

las imágenes son simples, claras y se limitan al mensaje en forma directa, como en el caso de la pintura de las Catacumbas en Roma, donde se les enseñaba a los primeros cristianos pasajes de la vida de Cristo por medio de dibujos.

Actividad de aprendizaje 1.3.

1. Planteamiento Mencione los antecedentes y las características de la pintura griega.

2. Objetivo Determinar los antecedentes y las características de la pintura griega.

ANTECEDENTES DE LA PINTURA GRIEGA

El Arte griego es un conjunto de manifestaciones artísticas que se desarrollaron en Grecia y sus colonias entre los siglos XI y I a.C. Aunque esta cultura tuvo su origen en la civilización del Egeo, su evolución posterior la convirtió en uno de los periodos más influyentes de la historia del arte occidental.

La sociedad griega vivía bajo el síndrome de la belleza y la armonía. Cualquier obra tenía que ser bella y todos los actos armónicos con la ley y la conciencia; es decir, buenos y bellos. La belleza era el ideal de los artistas y en busca de la armonía trabajaban incansablemente hasta alcanzar la perfección porque perfecta era la obra de arte.

Grecia es, artísticamente la cuna de la proporción y de la belleza sobre todo el punto de arranque, el fundamento sólido de todo arte posterior y de toda la civilización grecolatina, mediterránea u occidental.

El Arte Griego marca un referente para la civilización occidental que perdurará hasta nuestros días. Los modelos griegos de la antigüedad son tenidos como clásicos y los cánones escultóricos y los estilos arquitectónicos han sido recreados una y otra vez a lo largo de la historia de Occidente.

La cerámica en la decoración de ánforas, platos y vasijas, era un negocio muy productivo en la antigua Grecia, donde pudo desarrollarse el arte de la pintura. “CERÁMICA GRIEGA CLÁSICA”

LA CERÁMICA CLÁSICA (S. V A.C.) PERIDO DE DOMINIO DE LA DECORACIÓN DE LAS FIGURAS ROJAS SOBRE FONDO NEGRO

Al comienzo los diseños eran elementales formas geométricas -de ahí la denominación de geométrico que recibe este primer período (siglos IX y VIII a. C.) que apenas se destacaban sobre la superficie.

Con el correr del tiempo, éstas se fueron enriqueciendo progresivamente hasta cobrar volumen. Aparecieron, entonces, los primeros dibujos de plantas y animales enmarcados por guardas denominadas "meandros". En un próximo paso, ya en el período arcaico (siglos VII y VI a. C.), se incluyó la figura humana, de un grafismo muy estilizado. En medio de las nuevas tendencias naturalistas, ésta cobró mayor importancia al servicio de las representaciones mitológicas.

Los artistas griegos empleaban colores al agua para pintar grandes murales o decorar vasijas. Los ceramistas modelaban las piezas en tornos de alfarero y cuando se secaban las pulían, pintaban y cocían.

De la pintura griega, que según numerosos textos alcanzó cotas magníficas de belleza sólo conservamos las copias deformadas que se encuentran en los mosaicos romanos. Los nombres de pintores que nos han transmitido la tradición son los de Polignoto, Patrasio, Zeuxis, Apeles y Demetrio.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA GRIEGA

El arte griego se caracterizó por la representación naturalista de la figura humana, no sólo en el aspecto formal, sino también en la manera de expresar el movimiento y las emociones. El cuerpo humano, tanto en las representaciones de dioses como en las de

seres humanos, se convirtió así en el motivo fundamental del arte griego, asociado a los mitos, la literatura y la vida cotidiana.

La plasmaron en la cerámica utilitaria que usaban para los banquetes.

En la cerámica, la tendencia progresiva hacia el naturalismo, se manifiesta según dos estilos: Pintura negra sobre fondo rojo y figuras rojas sobre fondo negro.

Representaban escenas mitológicas, combates de gigantes, escenas familiares; etc.

Cuando representaban la figura humana, empleaban el canon de ocho cabezas, donde la libertad de movimiento era total y existía una gran estilización.

La pintura mural la ejecutaron en el interior de los templos. Es posible según información de los escritores griegos, que la pintura griega mural se iniciase con artistas egipcios llevados especialmente a Grecia.

Emplearon la técnica del fresco, la témpera y la encáustica.

Antropocentrismo: el cuerpo humano se convierte en el objeto del arte. No solo de la pintura o de la escultura sino también de la arquitectura. Se abandona el colosalismo y la monumentalidad de Oriente. No se debe olvidar que estamos ante una sociedad antropocéntrica donde todo gira en torno al hombre.

Búsqueda de la belleza: armonía, claridad, equilibrio y proporción en las formas, son cuatro características básicas. Para los griegos todo debía poseer una estructura geométrica y matemática. El arte debe mantener estos principios a través de la proporción y la simetría. La belleza se consigue a través de la armonía, considera como la relación numérica entre el todo y las partes. Los criterios racionales definen su modelo de belleza. Solo es bello si está bien proporcionado.

Idealización: búsqueda de un modelo ideal a través de la perfección técnica y un acabado pulcro. Es importante tener en cuenta el concepto de naturalismo idealizado. Se imita la naturaleza, pero se escoge lo más bello de ésta.

Urbano: debemos identificar el arte griego con el nacimiento de la polis. No se puede entender el arte griego sin su marco de formación que es la ciudad griega. Su carácter principal es el religioso y público. También se debe tener en cuenta que, aunque no había una unidad política, sí existía una conciencia unitaria denominada la Hélade, gracias a una lengua, una religión antropomórfica, unos mitos y unos ritos comunes.

Actividad de aprendizaje 1.4.

1. Planteamientos Cite los antecedentes de la pintura del Neoclasicismo. Realice un cuadro comparativo sobre las características, estilos y temas de la

obra de Jacques Louis David y las características, estilos y temas de la obra de Jean Auguste Dominique Ingres.

2. Objetivos Señalar los antecedentes de la pintura del Neoclasicismo. Diferenciar las características, estilos y temas entre la obra de Jacques Louis

David y la obra de Jean Auguste Dominique Ingres.

ANTECEDENTES DE LA PINTURA DEL NEOCLASICISMO

Estilo artístico que se desarrolló especialmente en la arquitectura y las artes decorativas; floreció en Europa y Estados Unidos aproximadamente desde el año 1750 hasta comienzos de 1800 y se inspiró en las formas grecorromanas. Más que un resurgimiento de las formas antiguas, el neoclasicismo relaciona hechos del pasado con los acontecidos en su propio tiempo.

Los artistas neoclásicos fueron los primeros que intentaron reemplazar la sensualidad y la trivialidad del rococó por un estilo lógico, de tono solemne y austero. Cuando los movimientos revolucionarios establecieron repúblicas en Francia y en América del Norte, los nuevos gobiernos republicanos adoptaron el neoclasicismo como estilo oficial porque relacionaban la democracia con la antigua Grecia y la República romana. Más tarde, cuando Napoleón I subió al poder en Francia, este estilo se modificó para servir a sus necesidades propagandísticas.

El estilo Neoclásico se desarrolló tomando como punto de referencia la excavación en Italia de las ruinas de las ciudades romanas de Herculano en 1738 y de Pompeya en 1748, la publicación de libros tales como Antigüedades de Atenas (1762) de los arqueólogos ingleses James Stuart y Nicholas Revett y la llegada de la colección Elgin a Londres en 1806.

Ensalzando la noble simplicidad y el gran sosiego del estilo grecorromano, el historiador alemán Johann Winckelmann instó a los artistas a estudiar y a imitar su eternidad y sus formas ideales. Sus ideas encontraron una entusiasta acogida dentro del círculo de artistas reunidos en torno a él en el año 1760 en Roma.

La pintura neoclásica se centró en Roma, donde muchos pintores expatriados se agruparon en torno a la figura del historiador alemán Johann Winckelmann.Dado que la escultura en Europa ha estado muy influida por las formas clásicas desde el Renacimiento, los principios neoclásicos han sufrido menor impacto que en otras manifestaciones artísticas. En general, los escultores neoclásicos tienden a plasmar poses contorsionadas en mármoles de colores característicos del último barroco o del rococó, preferentemente contornos limpios, una reposada actitud y formas idealizadas ejecutadas en mármol blanco.

El estilo Neoclásico se extendió también a las artes decorativas. Alrededor del año 1760, Robert Adam realizó muebles con motivos grecorromanos. Introducido en Francia, este estilo simple y clásico empezó a ser conocido como estilo etrusco y fue favorecido por la corte de Luis XV.

En cerámica, el estilo Neoclásico lo hallamos en la cerámica de Josiah Wedgwood en Inglaterra, para la que Flaxman realizó muchos diseños, y en la porcelana de Sévres en Francia.

PINTORES NEOCLÁSICOS Jacques Louis David (1748-1825) Jean Auguste Dominique Ingres (1780-

1867)

“NAPOLEÓN CRUZANDO LOS ALPES” "EL BAÑO TURCO"

CUADRO COMPARATIVO

NOMBRES JACQUES LOUIS DAVID JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES

CARACTERÍSTICAS

Algunos de sus temas son sacados de fuentes antiguas, basándose en las formas y la gestualidad de la escultura romana.

Dramatismo en la utilización de la luz, las formas idealizadas y la claridad gestual.

Sus temas son la antesala del Romanticismo.

Pureza del dibujo.

Sensibilidad para la expresión del carácter.

Sus desnudos femeninos fueron su gran especialidad, los cuales  poseen una gran sensualidad.

ESTILOS Realismo, Neoclasicismo. Realismo, Neoclasicismo.

TEMAS Histórico, mitológico, retrato. Mitológico, alegórico, retrato,

desnudo.

Actividad de aprendizaje 1.5.

1. Planteamiento Realice un mapa conceptual sobre los antecedentes de la pintura del

Realismo.

2. Objetivo Determinar los antecedentes de la pintura del Realismo.

ANTECEDENTES DE LA PINTURA DEL REALISMO

El Realismo en arte y en literatura, supone el intento por describir el comportamiento humano y su entorno, o por representar figuras y objetos tal y como actúan o aparecen en la vida cotidiana. Esta tendencia ha existido periódicamente a través de la historia en todas las artes.

CARACTERÍSTICAS

El pintor francés Gustave Courbet

Creía que el artista debía ser realista y pintar los

acontecimientos cotidianos de la gente común.

Honoré Daumier

Pintó pequeños lienzos realistas sobre la vida en las

calles de París

La pintura realista de Estados Unidos

* Incluye la obra de William Sidney Mounts

* Los retratos del pintor Thomas Eakins así como los

trabajos colectivos conocidos como la Ash-can

School o de los Ocho

PINTORES REALISTAS

GUSTAVE COURBET (1819-1877)

JEAN - FRANCOIS MILLET (1814-1875)