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Guía del Trabajo Práctico Final

Elaboración de un ensayo crítico

Desde las primeras clases iniciar la búsqueda de tema de interés vinculado al recorte temático

propuesto por la Facultad. El docente acompañará y orientará en esta búsqueda, promoviendo una

actitud reflexiva y crítica.

Los avances del Trabajo Práctico Final se desarrollan en el transcurso de la cursada mediante la

presentación de informes, que el docente articulará con los contenidos de los módulos.

Proyecto Pedagógico Ensayos sobre la Imagen.

Recorte temático:

El tema general planteado por la Facultad para este proyecto pedagógico es la exploración de

nuevas tendencias en el campo del arte y la creatividad. Se promueve el acercamiento y reflexión

académica sobre artistas, obras y creativos contemporáneos latinoamericanos. Es fundamental que

el estudiante analice y se acerque a aquello que es próximo a su profesión futura; logrando superar

la mirada ingenua de la realidad circundante para suplantarla por una reflexión personal que se

sostenga con documentación.

La tendencia es un mecanismo social que regula las elecciones de los sujetos. Se trata de un patrón

de comportamiento determinado por cada sociedad y su época. La idea es que el estudiante capte

acciones y aspectos subyacentes que puedan en un futuro convertirse en tendencias. De esta manera,

se fomenta un estudiante activo y atento a lo emergente dentro de su área; quien puede plantear un

enfoque audaz y detectar nuevas tendencias artísticas y creativas.

El ensayo puede enfocarse en dos líneas, por un lado el análisis de creadores contemporáneos que

planteen -o estén en vías de plantear- nuevas tendencias, o también se puede buscar la vinculación

de artistas contemporáneos con el período histórico tratado en la cursada. Por ejemplo, es viable

reflexionar e indagar sobre artistas que planteen una resignificación de la historia: puede ser una

nueva mirada a la joya barroca, una nuevo acercamiento a las vanguardias, etc.

El docente y su función:

El objetivo primordial de este proyecto es fomentar en el estudiante una mirada crítica y reflexiva

acerca de distintos aspectos y actores dentro del campo del arte y el diseño. Es fundamental que el

estudiante pierda el enfoque ingenuo, despertando nuevas capacidades intuitivas y reflexivas sobre

las tendencias emergentes. Se trata de incrementar su observación y talento para evaluar artistas,

obras y movimientos que “a su criterio” puedan generar cambios y movimientos futuros en su área

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de desarrollo profesional.

La función del docente es guiar cada paso del ensayo, proponiendo posibles bibliografías y

conexiones conceptuales. También se sugiere una supervisión constante en la redacción y

argumentación del estudiante, para que mantenga coherencia y cohesión en sus pensamientos. Otro

punto fundamental en manos del docente es crear en el estudiante responsabilidad en el uso de

documentos de segunda mano. Resulta indispensable que comprenda la gravedad del plagio y sus

consecuencias. Por eso, se necesita un control riguroso y sistemático para evitar que esto suceda,

brindándole las herramientas para que utilice la cita y el parafraseo como elementos básicos de un

texto académico. Es fundamental en la presentación del trabajo final respetar las normas APA para

el citado de fuentes bibliográficas y para el armado de la bibliografía.

Se sugiere que el planteo del ensayo y su concreción se vaya desarrollando a lo largo de la cursada,

paralelamente al programa correspondiente de cada asignatura.

Metodología de trabajo

1) Observar, cuestionar y pensar sobre el mundo circundante y sus tendencias:

En esta instancia el estudiante selecciona el tema y subtema a investigar (respetando las consignas

planteadas por la Facultad). El objeto de estudio se desprenderá de las preguntas que se vayan

formulando en la búsqueda de problemáticas novedosas y académicas.

2) Fuentes de primera y segunda mano:

El ensayo surge de la observación y reflexión, sustentando los enfoques a partir de textos y fuentes

de primera mano. Se sugiere al docente que estas fuentes de primera mano -que pueden ser

entrevistas al artista o algún personaje que enriquezca la mirada del autor, imágenes u otros

documentos pertinentes- sean analizados junto con el marco teórico como sustento de lo planteado

en el ensayo. De modo que en el desarrollo del trabajo en sí - reflexivo y original- se aplican

conceptos y análisis de las fuentes de primera mano junto con la contextualización teórica, histórica

y social que se necesite en cada ensayo en particular.

3) La voz del estudiante:

Resulta indispensable para todo ensayo que exista un enfoque personal que se desprenda de la

observación crítica del estudiante sobre la realidad a la vez que exista el análisis de teorías

históricas, sociales y/o artísticas cercanas a la problemática elegida. Es de suma importancia que el

estudiante plantee sus propias reflexiones sobre el objeto de estudio ya que es la premisa básica de

cualquier ensayo.

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4) Argumentar y compartir ideas:

En este momento el estudiante expone y argumenta sus ideas frente a su docente y compañeros de

aula. Es una instancia que despierta el debate en clase y la confrontación de diferentes miradas y

enfoques que enriquezcan a cada ensayo.

5) Recapitular:

Es la instancia en que el estudiante presenta las conclusiones finales en las que sugiere aportes y

nuevas problemáticas o temas a abordar.

Estructura del trabajo:

Extensión del Cuerpo B: entre 4 y 8 páginas. (Fuente Times New Roman, 12 pt, espaciado 1.5)

El estudiante debe entregar los tres cuerpos en papel y en formato digital. Por razones de costo, cada

estudiante decide si entrega cada cuerpo anillado de manera individual o si lo entrega en un mismo

anillado. En ambos casos, debe respetarse el contenido de cada cuerpo con sus respectivas carátulas.

Cuerpo A

1. carátula

2. guía del trabajo práctico final

3. síntesis del trabajo (entre 10 y 30 líneas, interlineado 1,5)

4. curriculum vitae (máximo una página)

5. declaración jurada de autoría (utilizar la ficha institucional)

Cuerpo B

1. Carátula

2. índice

3. introducción

4. desarrollo: capítulos

5. conclusiones personales

6. bibliografía (Normas APA)

Es donde se plantea el desarrollo del trabajo en sí. Estructura sugerida:

1) Título y subtitulo del ensayo

2) Desarrollo:

a) argumentación de la postura o el enfoque del autor sobre el objeto de estudio elegido.

b) marco teórico: conceptos y teorías que sustentan el objeto de estudio y lo vinculan

con el contexto social y cultural.

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c) análisis de la entrevista, de las imágenes seleccionadas o de otras fuentes de primera

mano vinculadas con la propuesta conceptual del autor.

d) conclusiones: en donde se reflexiona sobre el ensayo en su totalidad y se sugieren

aportes y nuevos planteos sobre la temática. Es sumamente importante el uso correcto

del lenguaje, académico y universitario, el cual debe ser supervisado por el docente a

cargo.

Cuerpo C (si corresponde)

carátula

trabajos de campo relevado (la interpretación va en los capítulos del cuerpo B)

Fotocopias de artículos periodísticos, imágenes y otros.

En este módulo deben agregarse las imágenes más representativas de las obras o trabajos del artista

o creativo, junto a la entrevista en bruto y otras fuentes de primera mano relevantes para la

investigación. Se sugiere que el trabajo cuente con un currículum breve sobre el artista o creativo

entrevistado.

Presentación del proyecto

Presentar anillado // Hojas A4 // Páginas numeradas // Fuente no superior a 12 pto. para cuerpo de

texto; libre para títulos y paratexto // Carátula con: Título del TPF, nombre y mail de los alumnos y

del docente, indicación de la carrera, materia, comisión y fecha de entrega.

Las normas para las citas bibliográficas son las vigentes para la presentación de todos los trabajos

académicos de la Facultad. Para ver la última actualización consultar la normativa para Proyecto de

Graduación (Escritos en la Facultad Nº 65) de las normas: http://www.palermo.

edu/facultades_escuelas/dyc/publicaciones/escritos/pdf/escritos47/escritos47.pdf

Este ensayo deberá ser presentado en formato papel y digital.

6) Fuentes documentales y bibliografía

a) Bibliografía Obligatoria

• Aumont, J. (1992). La imagen. Buenos Aires: Paidós. (152.14 AUM)

El papel del espectador (páginas 81-97) y El dispositivo como máquina psicológica y social

(páginas 195-200).

Plantea el papel del espectador considerando al sujeto con su bagaje de saberes, afectos y

creencias en su relación con la imagen distinguiendo constantes transhistóricas e

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interculturales para su análisis ofreciendo diversos enfoques.

• Campi, I. (2007). La idea y la materia. Barcelona: Gustavo Gili. (745.2 CAM)

Propone un abordaje de la Historia del Diseño desde una perspectiva multifocal que

explicita su desarrollo como producto de la coyuntura de factores sociológicos, económicos

y técnicos decisivos en su proceso evolutivo desde mediados del siglo XVIII hasta el año

1914. Planteando un pasaje por el camino hacia la industrialización, del gusto Neoclásico al

Gothic Revival, los problemas estéticos y culturales del siglo XIX, el movimiento de las Arts

and Crafts, el Art Nouveau, el Taylorismo y el Fordismo.

• Eco, Umberto (1993). Obra Abierta. Buenos Aires: Ariel. (701.18 ECO)

La obra abierta en las artes visuales (páginas 193-216).

Explicita la interacción existente entre un producto estético y sus posibilidades

interpretativas respecto a las variadas lecturas que pudiere realizar el usuario, considerando

a su vez las relaciones recíprocas de la estructura de su trama.

• Marchán Fiz, S. (1997). Del arte objetual al arte de concepto: 1960-1974. Epílogo sobre la

sensibilidad "postmoderna". Antología de escritos y manifiestos. Madrid: Akal. (709.046

MAR)

Las tendencias y sus poéticas (páginas 11-12). Reflexión semótica (páginas 13). Innovación

y obsolescencia (páginas 13-14). Especificidad de sus lenguajes (página 15). Epílogo 1975-

1985 (páginas 433-440).

Comenzando con una reflexión de las tendencias y sus poéticas, recorre en diferentes

capítulos los movimientos que responden al arte objetual y de concepto, considerando la

importancia de su transición, y sintetizando en un epílogo sobre la sensibilidad de la

“posmodernidad” reflexiones acerca del gusto, el descrédito de las vanguardias y la utopía

de la sociedad del trabajo.

• Oliveras, E. (2006). Estética: la cuestión del arte. Buenos Aires: Ariel. (701.17 OLI)

(páginas 23-31)

La obra desarrolla una aproximación a la complejidad que presentan los conceptos de

Estética y Arte, exponiendo hitos de la historia de la Estética a través del pensamiento de

diversos autores, su distinción con la Teoría del Arte y su vinculación con otras disciplinas,

problematizando a la vez la noción de Arte y proporcionando elementos metodológicos de

análisis.

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• Oliveras, E. (2008). Cuestiones de arte contemporáneo: hacia un nuevo espectador en el

siglo XXI. Buenos Aires: Emecé. (701.17 CUE)

Capítulo V El Nuevo espectador. (página 123-150)

El público, el elemento menos conocido del arte, es situado en la compleja trama del arte

contemporáneo para analizar su relación con las obras en un campo de reorganización

contínua. La acción reflexiva en torno a la noción de arte, obra, institución y público es

acompañada con la explicitación de obras y citas de autores como Theodor Adorno, Jacques

Ranciére, George Dickie y Hans-Georg Gadamer, entre otros.

• Potter, N. (1999). Qué es un diseñador: cosas, lugares, mensajes. Barcelona: Paidós. (745.4

POT)

¿Qué es el diseñador? (páginas 13-18). ¿El diseñador es un artista? (páginas 19-25). El

artista. (páginas 88). El diseñador como artesano. (páginas 89-99).

Se propone como una herramienta de análisis que focaliza en la función social del Diseño y

el rol del diseñador, ofreciendo un panorama amplio respecto al planteamiento de la

problemática del diseño considerando diversas condiciones que lo convierten en un tema

abierto.

• San Martín, M. L. (1993). Breve historia de la pintura argentina contemporánea. Buenos

Aires: Claridad. (759.982 SAN)

Capítulo I. Pintores extranjeros en el Río de la Plata. (páginas 15-36). Capítulo II. Los

maestros de la modernidad argentina. (páginas 61-66 / 79-82). Capítulo IV. Período entre

guerras. (páginas 105-107). Capítulo V. Nuevas formas de arte no figurativo. (páginas 113-

134). Capítulo VII. Irrupciones en la Modernidad: el Informalismo y la Nueva Figuración.

(páginas 177-189). Capítulo VIII. El pop, los Happenings y el Arte Conceptual. (páginas

191-205). Capítulo X. El arte se cuestiona a sí mismo. (páginas 233-247).

Presenta un panorama introductorio de la pintura en Argentina desde la influencia de

pintores extranjeros en el Río de la Plata hasta la incidencia de la vuelta a la democracia en

la producción pictórica. En este trayecto histórico se destacan los aportes propios de la

región en conjunción con la influencia de otras latitudes, a través de una descripción que se

inicia en la vida y formación de artistas diversos hasta las características propias de sus

obras.

• Stangos, N. comp. (1981). Conceptos de arte moderno. Madrid: Alianza. (709.04 CON)

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Fauvismo. (páginas 13-28). Expresionismo. (páginas 29-44). Cubismo. (páginas 45-66).

Futurismo. (p.83-90). Dadá y Surrealismo.( páginas 95-116). Suprematismo. (páginas 117-

120). De Stijl. (páginas 121-134). Constructivismo. (páginas 135-142). Expresionismo

Abstracto. (páginas 143-174). Arte Cinético. (páginas 175-184). Pop Art. (p.185-196). Op

Art. (páginas 197-200). Arte Conceptual. (páginas 211- 222).

Presenta los principales conceptos y movimientos artísticos que surgen y se desarrollan

alrededor del 1900 hasta 1980 aproximadamente, ofreciendo mediante una selección de

destacados autores como Norbert Lynton, Edward Lucie-Smith y Kenneth Frampton, una

visión especializada sobre los conceptos del arte moderno.

• Cravino, Ana (2011) “Creatividad y paradigmas” en Reflexión Académica en Diseño y

Comunicación Nº XVI (ISSN 1668-1673º) Año XII. Vol 16. Buenos Aires, Argentina.

(páginas 93-98)

http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=2

70&id_articulo=6492

El presente artículo propone reflexionar respecto a la configuración de paradigmas en un

período histórico determinado, haciendo referencia a las vanguardias, tradición, y crisis,

entre otros, enunciando mediante citas a diversos autores que acompañan durante todo el

texto.

• Pombo, Mercedes (2011) “Arte y Nuevas tecnologías” en Reflexión Académica en Diseño y

Comunicación Nº XVI (ISSN 1668-1673º) Año XII. Vol 16. Buenos Aires, Argentina.

(páginas 144-146)

http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=2

70&id_articulo=6508

El presente texto indaga sobre las prácticas de arte multimediales y sus protagonistas,

redefiniendo las categorías de tiempo y espacio en su análisis sobre el universo virtual,

entrelazando los conceptos arte y tecnología.

• Di Bella, Daniela V. (2011) “Territorios de aproximación entre diseño, tecnología y arte” en

Reflexión Académica en Diseño y Comunicación Nº XVI (ISSN 1668-1673º) Año XII. Vol

16. Buenos Aires, Argentina.

(páginas 124-127)

http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_libro=2

70&id_articulo=6502

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Plantea el estado de situación actual del binomio arte-diseño en la construcción de un nuevo

paradigma cultural a raíz de la incidencia de la denominada revolución digital y tecnológica.

b) Bibliografía recomendada

• Selle, G. (1975). Ideología y utopía del diseño. Barcelona: Gilli. (745.2 SEL)

• García Canclini, N. (1997). Imaginarios urbanos. Buenos Aires: Eudeba. (307.76 GAR)

• García Canclini, N. (2005). Culturas híbridas: estrategias para entrar y salir de la

modernidad. Buenos Aires: Paidós. (306 GAR)

c) Referencias bibliográficas

• Arte al Día online

http://www.artealdia.com

Es un medio de difusión de arte focalizado en las artes plásticas contemporáneas

latinoamericanas. En sus diversas secciones se dispone de información referente a artistas,

curadores, críticos de arte, galeristas, coleccionistas y exposiciones.

• Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires

http://www.malba.org.ar

Sitio institucional del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, museo dedicado al

arte latinoamericano del siglo XX, en su colección permanente presenta pinturas, esculturas,

dibujos, grabados, collages, fotografías, instalaciones y objetos de artistas desde México y el

Caribe hasta la Argentina. Ofrece un variado menú de secciones con información de

actividades que realiza en diversas áreas: exposiciones, educación y acción cultural,

literatura, Malba cine, entre otras.

• Museo Nacional de Bellas Artes

http://mnba.org.ar

Sitio institucional del Museo Nacional de Bellas Artes, presenta información respecto a

exposiciones permanentes y temporales, visitas guiadas y acceso a biblioteca especializada.

• Museo de Arte Moderno de Buenos Aires

http://www.museodeartemoderno.buenosaires.gob.ar

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Sitio institucional del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, presenta información

respecto a exposiciones permanentes de su patrimonio -focalizado en arte

contemporáneo de las décadas de 1940, 1950 y 1960 y obras del campo internacional que

llegan hasta la actualidad-, exposiciones temporales, visitas guiadas, espectáculos, eventos

acceso a su biblioteca y centro de documentación.

• Palais de Glace

http://www.palaisdeglace.org

Sitio institucional del Palais de Glace, centro de exposiciones focalizado en Artes Visuales,

en el mismo se encontrará información respecto al Salón Nacional de Artes Visuales,

exposiciones temporales, programas de cine, conciertos, visitas guiadas, acceso a biblioteca

y cursos.

• Revista digital de Artes Visuales

http://www.ramona.org.ar

Revista digital especializada en Artes Visuales, ofrece variada información de actualidad a

través de secciones diversas como ser: reseñas, espacios, muestras y convocatorias.

• Revista Lápiz

http://www.revistalapiz.com

Revista Internacional de Arte, de origen español, especializada en arte contemporáneo a

nivel internacional, presenta un panorama de las diferentes expresiones y escenarios del arte

contemporáneo. En el sitio se encontrará información respecto a su edición impresa.

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Síntesis del trabajo práctico final

En este ensayo sobre la imagen, correspondiente a la asignatura Taller de Reflexión

Artística, se buscó investigar la obra del artista plástico argentino contemporáneo Diego Gravinese

y relacionarlo con el estudio de las vanguardias europeas del siglo pasado.

Como marco del ensayo, se indagó en el papel de la fotografía desde su aparición, a

mediados del S.XIX hasta el día de hoy, y el papel crucial que ejerció dicha tecnología en las artes

plásticas, tanto como búsqueda de resemantización de la pintura como sinergia artística entre ambas

ramas. A tal fin, se analizó en profundidad el último período de la pintura de Gravinese (2009-2011)

por corresponder al estilo fotorrealista.

Además de dar con una nuevo papel entre fotografía y pintura, a manos de Gravinese, se

encontró en su metodología –tanto de elección de imágenes como en la técnica pictórica y el pasaje

de imagen al lienzo- similitudes con el modus operandi surrealista, descripto por André Bretón en

su Manifeste du Surrealisme.

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Aportes significativos

Mediante este trabajo práctico final, pude poner en práctica todo lo aprendido en la cursada

de la material Taller de reflexión artística I. Pude adentrarme en el mundo del arte, analizar su

evolución desde la prehistoria hasta la actualidad y, fundamentalmente, profundizar en las

vanguardias europeas del S.XX, movimientos fundamentales para definir el arte en su estado actual.

Además, tuve el placer de ponerme en contacto con artistas latinoamericanos

contemporáneos, embajadores de América Latina en todo el mundo, que marcan el pulso del arte en

la actualidad y aportan una mirada fresca y auténtica de las raíces de nuestra región.

Índice

Introducción………………………………………………………………………………....1

Ensayo…………………..…………………………………………………………………...2

Conclusión personal…...………………………………………………………………….....8

Bibliografía………………………………………………………………………………...10

1

Introducción

Desde su nacimiento, en 1839, la fotografía ha marcado el ritmo de las artes

visuales. Durante décadas, los artistas plásticos –desde impresionistas hasta la actualidad-

se vieron obligados a cuestionar la razón de ser de su obra, dado que el papel de captura de

la realidad (antes ocupado por la pintura) pasó a manos de la instantánea fotográfica.

Muchas han sido las razones filosófico-estéticas encontradas para que la pintura

conviva armónicamente con la fotografía. Asociados al pensamiento de filósofos de su

época, muchos artistas encontraron en sus pinceladas la expresión de una “energía vital”,

una voluntad de poder, la conexión entre el mundo real y el interior o –incluso, para los

surrealistas- la traducción misma del inconsciente.

Sin embargo, no fue hasta mediados del S.XX que fotografía y pintura encontraron

un refugio colectivo. Fue el estilo fotorrealista –manieristas reproducciones pictóricas de

imágenes fotográficas- que conjugó ambas ramas del arte a la perfección, sin posibilidad de

competencia sino más bien reunión del arte en pos de un resultado superador.

Siendo cuadro y fotografía idénticos, gracias al virtuosismo del artista, surgen

nuevos cuestionamientos sobre la validez del fotorrealismo, la realidad misma y el valor

que posee una pintura que muestra exactamente lo mismo que la película fotográfica. A

tales interrogantes responde el artista plástico Diego Gravinese, cuyo estilo redefine como

‘fotorrealismo del inconsciente’. Entremezclando el sueño con la realidad, el pintor

cuestiona –a la manera de André Bretón, autor del Manifiesto Surrealista- cuál es la

verdadera realidad y traslada, desde su inconsciente, imágenes oníricas que, al fin y al cabo,

no son más que instantáneas de la totalidad mente/cuerpo/alma del artista. Finalmente, en

una época en la triunfa el arte conceptual y su originalidad comienza a cuestionarse, Diego

Gravinese dio con un novedoso estilo, a la usanza de la vanguardia, que rescata de la

perdición a la búsqueda interior y de la belleza como valores supinos del arte.

La fotografía en el arte: Instantáneas del insconsciente

Diego Gravinese y una reversión del fotorrealismo

¿Por qué razón no he de otorgar al sueño aquello que a veces niego a la realidad, este valor de certidumbre que, en el tiempo en

que se produce, no queda sujeto a mi escepticismo? ¿Por qué no espero de los indicios del sueño más lo que espero de

mi grado de conciencia, de día en día más elevado? ¿No cabe acaso emplear también el sueño para resolver los problemas

fundamentales de la vida? Envejezco, y quizá sea sueño, antes que esta realidad a la que creo ser fiel, y quizá sea la indiferencia con

que contemplo el sueño lo que me hace envejecer.

Manifeste du Surréalisme, Andre Bretón, 1924.

El arte surgió con los inicios de la humanidad. Si bien las primeras evidencias de

actividad artística datan de la prehistoria, cuando –con ritos mágicos asociados a la caza-

los hombres coloreaban figuras animales en las paredes de las cavernas, resulta quimérico

dar con el edén del arte, aquella manifestación que originó la expresión. En cada período

histórico, numerosos estilos o corrientes, modos de realización disímiles, fueron puestos en

práctica por artífices que, hasta el Renacimiento (cuando surge el término ‘Bellas artes’, se

independizan y comienzan a separarse del mero técnico), ni siquiera fueron reconocidos

como artistas. Sin embargo, todos ellos –hasta el día de hoy- poseen un factor común: su

realización (llámese techné, ars o arte) es un producto de su época.

Desde la segunda mitad del S.XVIII, comenzó a gestarse en la Europa Continental la

Revolución Industrial, quizás uno de los avances más significativos de la historia y piedra

fundamental de la era moderna. La máquina de vapor, la división internacional del trabajo y

los primeros gestos del capitalismo fueron sus consecuencias más evidentes; junto con

ellas, una nueva forma de construcción y producción artística e industrial que no pudo más

que responder a la ebullición y celeridad de la ciudad, punto neurálgico de la civilización

industrial.

En este contexto, el año 1839 marcó el principio del fin de una etapa del arte. El

descubrimiento de la fotografía –captura de la imagen en movimiento, metonimia del

avance tecnológico y la necesidad de detener la velocidad del transcurrir de la vida en las

grandes ciudades emergentes- significó la necesidad de una resemantización de la pintura.

Giulio Carlo Argan, en “El Arte moderno”, ilustra:

Con la difusión de la fotografía, muchas prestaciones sociales pasan del pintor al fotógrafo (retratos, vistas de ciudades y de pueblos, reportajes, ilustraciones, etc.). La crisis afecta, sobre todo, a los pintores de oficio y va a elevar la pintura, como arte, al nivel de una actividad de élite (…) La obra de arte deja de ser considerada un bien de consumo normal y pasa a ser considerada un arte incompleto: en consecuencia, tiende a desaparecer. (Argan, Guilio Carlo. 1977, p.71)

Al contar con un sistema que proveía imágenes nítidas, precisas, concretas, veloces y a

bajo costo, ésta comienza a perder (en el imaginario colectivo) su razón de ser. A partir de

ese momento, el papel del arte, el artista y su accionar, junto al actor fotográfico se

transformó en el motor de búsqueda estético-intelectual de todo artífice. Sobre ese eje –y

sus soluciones, en particular aquella encontrada por el artista plástico Diego Gravinese-

versará este ensayo.

A cada escuela, una respuesta. Los simbolistas, corriente estética francesa de finales del

S.XX, sostuvieron la calidad espiritual del arte, irremplazable por medios mecánicos.

Gustave Courbet (1819-1877), padre del naturalismo y precursor del pensamiento marxista,

“no creyó nunca que el ojo humano pudiera ver más y mejor que el objetivo. Aquello que

para él no podía ser sustituido por un medio mecánico no era la visión, sino la manufactura

del cuadro, el trabajo del pintor” (Argan, Guilio Carlo. 1977, p.73). Para los bohemios

posimpresionistas, la razón de ser del artista fue un tópico fundamental en su obra, un

motor que en algunos casos, como el de Vincent Van Gogh, logró alienarlos hasta la

pérdida de la razón misma. Paul Gauguin, por su parte, trabajó a la pintura como

comunicación, pinceladas de relatos de pueblos originarios, ingenuos y ajenos a la

podredumbre de la ciudad; también Paul Cézanne, que le otorgó solidez ontológica al acto

de pintar ejecutándolo en un estado de consciencia individual, propio de cada artista y, en

definitiva, disímil al acto fotográfico.

Ya entrado el S.XX, las vanguardias artísticas –movimientos rupturistas en respuesta a

una sociedad completamente industrializada y racionalista que había conducido a las

atrocidades de la guerra, tensiones sociales y opresión de la creatividad- siguieron

intentando encontrar respuesta al mismo interrogante. Además de su progresivo alejamiento

del motivo, evidente diferenciación entre su pintura y la fotografía, todas ellas dieron con

corrientes filosóficas que allanaron el camino en la búsqueda de una razón de ser de su arte,

quizás motivadas por sus predecesores posimpresionistas: Henri Bergson (1859-1941) y su

“impulso vital”, fuerza que causa la evolución y funcionamiento de los organismos,

sustentó el Fauvismo; la voluntad de poder Nietzcheana, a Die Brücke, la corriente

expresionista alemana; Filippo Marinetti (ideólogo italiano y autor del manifiesto Futurista)

y su exaltación de la velocidad y el dinamismo universal (ausente en la fotografía); y el

psicoanálisis de Sigmund Freud, cuyo estudio inspiró a André Bretón a declarar –en el

manifiesto surrealista- al arte como proceso de transcripción automático para revelar el

inconsciente. Sin ser las únicas, estas revelaciones terminan de confirmar potente impulso

creador y de autoconsciencia que generó en el arte la aparición de la fotografía.

Casi un siglo tuvo que pasar hasta que los artistas encontrasen una alternativa efectiva

que conciliase su arte con la fotografía, sin posibilidades de competencia ni caminos

antagónicos sino más bien una convergencia creativa. A finales de los 60, en Estados

Unidos, nació el estilo fotorrealista (término acuñado por Louis K. Meisel en 1968),

evolución del Pop Art y el Hiperrealismo que pugnaba en contra del expresionismo

abstracto y minimalismo imperantes en la década. Luego de un medio siglo dominado por

las vanguardias, alejadas completamente del motivo y cuestionándose sobre –valga la

redundancia- el carácter “real” de la realidad, el arte inició una contrarrevolución y se

volcó por completo a la reproducción manierista y exhaustiva de una escena, transcripción

de la información visual de la fotografía al lienzo del cuadro.

Siguiendo la línea de pensamiento hasta aquí operada, podría pensarse que el debate

entre fotografía y pintura habría llegado a su fin, ya que ambas reproducen –en su propio

lenguaje- una escena idéntica. Sin embargo, Diego Gravinese, artista contemporáneo

argentino fotorrealista, cuyas pinturas al óleo reproducen fotografías tomadas por su lente-

asegura encontrar diferencias, dando con una novísima versión del estilo. “’¿Por qué pintar

algo que hoy podés conseguir con otra tecnología?’ En realidad es una premisa falsa. El

engaño es pensar que la fotografía es una representación cabal de lo real”, declaró el artista

al diario Página/12 el 16 de agosto de 2012.

El inicio de cada una de sus obras no difiere del modus operandi de cualquier

fotorrealista. Imágenes tomadas con una cámara pocket, escenas ensayadas y

meticulosamente pensadas por Gravinese, son luego proyectadas sobre lienzos de gran

tamaño para comenzar a realizar un boceto en lápiz. Con su estudio en completa penumbra,

música y un sahumerio Nag Champa del Sai Baba, pasa luego a rellenar las bases de la

composición en acrílico, para finalmente –con pinceles de 1, 2 o 3 pelos- completar los

detalles al óleo. Sin embargo, la particularidad de su estilo radica en la composición de sus

cuadros y el pasaje de la realidad fotográfica a aquella que capta su mirada, una

observación librada a merced de su inconsciente más que retineana:

Hoy me atrevería a decir que realizo un fotorrealismo del inconsciente. De hecho la serie nueva nació a partir de un sueño, así que esa definición no sería demasiado errada. La técnica del óleo me permitió llevar el fotorrealismo hasta un punto que nunca consideré iba a querer llevarlo. Pintaba fotos sacadas con mi cámara pocket, escenas sin ningún tipo de planificación. Ahí volvió el óleo y se produjo todo otro cambio. Pero la mirada se quedaba en la escena, que para mí era sólo el pretexto para la obra. Y entonces vino la pregunta clave: si la anécdota de lo representado se llevaba el cuadro, ¿entonces para qué insistir por ese camino? Sentí que se perdía algo importante oculto detrás de la capa brillante del estilo fotorrealista. Así que eso abrió una fase nueva, donde estoy ahora: integrando mundos usando esta técnica que aprendí en años recientes. (Gravinese, Diego. 2010)

De este modo, lo onírico y la realidad fotográfica, bajo la mano de Diego Gravinese, se

combinan para dar con imágenes –a primera vista- realistas, que en una observación

detenida denotan características seudo mágicas mediante la inclusión de elementos

ilusorios, de fantasía, propios del espectro del sueño. En “La duración de las promesas”,

óleo sobre tela que data del 2009, queda evidenciada esta fusión: al centro de la

composición, una pareja de amantes –con manierismo retratados- se entrelazan sobre una

cama en una habitación ordinaria, delante de un ventanal y un aire acondicionado. Mas,

rodeando la tierna escena, el artista colocó prismas y estalagmitas de cristal, como si de una

caverna se tratase. También en “Hércules”, un segundo óleo sobre tela contemporáneo al

anterior, se sugiere la presencia del elemento onírico. Como si de un cuadro de René

Magritte se tratase, dos universos aparecen entrelazados y alineados en perspectiva (la

realidad visible y la realidad intuida), confundiendo al espectador. Por un lado, una mujer

de espaldas sobre un peñasco, observando al infinito. Más allá, aquello que pareciese ser

una escena de guerra, con un planeador disparando proyectiles hacia la superficie.

En base al análisis de estas piezas y las declaraciones del pintor, ambas correspondientes

al último período de su pintura (2009-2011), puede entreverse una clara referencia al

surrealismo. Ya desde su método de trabajo, lo inconsciente en el arte –leitmotiv

surrealista- toma protagonismo en Diego Gravinese, utilizando estados de consciencia

alternativos (como ser el sueño) para plasmar escenas de la vida cotidiana. André Bretón,

mencionado previamente como artista y teórico encargado de sentar las bases de dicho

movimiento al redactar su manifiesto, explica al respecto:

Todavía vivimos bajo el imperio de la lógica. Sin embargo, en nuestros días, los procedimientos lógicos tan sólo se aplican a la resolución de problemas de interés secundario. La experiencia está confinada en una jaula, en cuyo interior da vueltas y vueltas sobre sí misma, y de la que cada vez es más difícil hacerla salir. A este respecto, debemos reconocer que los descubrimientos de Freud han sido de decisiva importancia. Con base en dichos descubrimientos, comienza al fin a perfilarse una corriente de opinión, a cuyo favor podrá el explorador avanzar y llevar sus investigaciones a más lejanos territorios, al quedar autorizado a dejar de limitarse únicamente a las realidades más someras. Quizá haya llegado el momento en que la imaginación esté próxima a volver a ejercer los derechos que le corresponden. Si las profundidades de nuestro espíritu ocultan extrañas fuerzas capaces de aumentar aquellas que se advierten en la superficie, o de luchar victoriosamente contra ellas, es del mayor interés captar estas fuerzas, captarlas ante todo para, a continuación, someterlas al dominio de nuestra razón, si es que resulta procedente (Bretón, André. 2001 p.16)

Y en cuanto a los sueños en particular, agrega:

El hombre se convierte, cuando deja de dormir, en juguete de su memoria que, en el estado normal, se complace en evocar muy débilmente las circunstancias del sueño, a privar a éste de toda trascendencia actual. Al despertar, tiene la falsa idea de emprender algo que vale la pena. Por esto, el sueño queda relegado al interior de un paréntesis, igual que la noche. Y, en general, el sueño, al igual que la noche, se considera irrelevante (…) Pero estoy obligado a considerar al estado de vigilia como un fenómeno de interferencia (…) El sueño le inclina a no ser tan rígido, produce el efecto de aislarle durante un segundo del disolvente en que se encuentra sumergido, de depositarle en el cielo, de convertirle en el bello precipitado que puede llegar a ser, en el bello precipitado que es. Quisiera entregarle la llave que le permitiera penetrar en estos pasadizos. Creo en la futura armonización de estos dos estados, aparentemente tan contradictorios, que son el sueño e la realidad, en una especie de realidad absoluta, en una sobrerrealidad o surrealidad, si así se puede llamar. Esto es la conquista que pretendo, en la certeza de jamás conseguirla, pero demasiado olvidadizo de la perspectiva de la muerte para privarme de anticipar un poco los goces de tal posesión (Bretón, Andre. 2001, p.18-20)

Una vez explicada la teoría de la sobrerrealidad bretoniana, queda comprobada la

utilización –a mano de Gravinese- de la metodología surrealista. Y corolarios sus trabajos,

trama perfectamente acabada entre su universo real y el onírico. Más allá del concepto,

también la manufactura de sus obras habla de una empatía con dicho período artístico. La

ambición por el detalle, la utilización del óleo (que, luego de años de haber sido relegado

por experimentales técnicas cubistas y dadaístas, los surrealistas retomaron con

virtuosismo), la descontextualización (inclusión de elementos de otros ámbitos, visto en

Magritte y Salvador Dalí) y la investigación fotográfica –ligera alusión a Man Ray y su

“laboratorio” de imagen- enlazan al artista con la vanguardia francesa. En referencia a este

último, puede mencionarse también, como broche de color, la obra “Pool side” de

Gravinese, en la cual utiliza como centro de la composición a una mujer desnuda, sentada

de espalda hacia una piscina, con su parte baja al descubierto, clara alusión a la fotografía

“L’Violon d’Ingres” de Man Ray.

Llegado a este punto, con el ulterior repertorio de Diego Gravinese como culminación

del proceso, una nueva relación se ha trazado entre la fotografía y la pintura. En esta década

en la que la que, gracias a los avances tecnológicos, la imagen fotográfica ha llegado a

límites de nitidez y definición nunca antes imaginados, el literal fotorrealismo pareciera

estar destinado al olvido. Sin embargo, el valor agregado del artista en la traslación del

papel al lienzo resulta fundamental para conservar el último bastión de ambas disciplinas en

reunión. Con magistral inventiva y sensibilidad, Gravinese ha sabido desarrollar un estilo

que conjuga métodos del siglo pasado, incursiones –casi espiritistas- en su universo del

sueño, con estados de plena consciencia. Su culminación resulta una pintura moderna y, al

mismo tiempo, atemporal, que escapa al arte contemporáneo (conceptual y abstracto, lo que

Yves Michaud supo definir en “El arte en estado gaseoso” como una pérdida de la obra de

arte a favor de un éter estético, que aplica a desde tragos de diseño hasta instalaciones

incomprensibles para un espectador neófito) para rescatar la experimentación y búsqueda

estética de la vanguardia y destacar, entre sus coetáneos, como el embajador de un valor,

muchas veces, olvidado en la escena artística actual: la búsqueda de la belleza.

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Conclusiones personales

Como estudiante de una carrera relacionada a la imagen, siempre me consideré una

persona devota de lo bello. El arte, de más está decir (y en cualquiera de sus

manifestaciones), ocupó y ocupa un espacio fundamental en el transcurrir de mis días.

Muchas veces me he encontrado diciendo que, luego de Marcel Duchamp y sus Rady

Mades, gesto fundamental de la estética moderna, el arte había muerto. ¿Dónde está la

belleza en objeto industrial, burla de la institución artística, cuya sola firma ya implica la

pertenencia al sistema? Estoy segura, ha sido una acción paradigmática, que viene

desconcertando espectadores desde hace más de medio siglo.

“Ya está todo hecho”, solía pensar al revisar la historia del arte y deslumbrarme con

el virtuosismo de los renacentistas, la belleza fugaz impresionista o la sensibilidad y

expresión de Van Gogh y sus coetáneos. El arte conceptual, a mi humilde entender,

sustituía el valor fundamental de lo bello por pretenciosas interpretaciones que superaban al

espectador, una práctica onanista del artista en virtud de su propio intelecto más que una

hechura magistral.

Inclusive el fotorrealismo, estudio de mi ensayo y estilo que supera con creces el

manierismo de alabados períodos del arte de antaño, puede pecar por su simpleza, la mera

reproducción o la rendición ante un arte (la fotografía) que ha alcanzado cotas supinas de

mímesis con la realidad.

Sin embargo, tuve el agrado de adentrarme en la obra de Diego Gravinese y darle

una nueva oportunidad al arte contemporáneo. En este artista, no solo la belleza –por la

elección de escenas, adonis femeninos envueltas por paisajes majestuosos o en escenas de

harto valor sentimental- o la excelencia de la hechura deslumbran, sino también la

conjunción con el espíritu espiritista y bohemio de vanguardia, que lo lleva a indagar en lo

más profundo de sus sueños y el inconsciente para desarrollar escenas realistas de fantasía,

conjunción de paisajes terrenales con brumas oníricas.

Es por esto que agradezco la posibilidad de haber realizado este ensayo sobre la

imagen y recomendaría a cualquier simple espectador, a partir de hoy, la revisión de la obra

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de Gravinese. Ya se ve en este humilde trabajo práctico: nunca es tarde para darle una

nueva oportunidad al arte.

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Bibliografía

Argán, G. (1975). El arte moderno. Del Iluminismo a los movimientos contemporáneos.

Valencia: Ed. Arte y Estética.

Bretón, A. (2001). Manifiestos del Surrealismo. Buenos Aires: Ed. Argonauta.

Cravino, Ana (2011) “Creatividad y paradigmas” en Reflexión Académica en Diseño y

Comunicación Nº XVI (ISSN 1668-1673º) Año XII. Vol 16. Buenos Aires, Argentina.

Gadamer, H. (2006). La actualidad de lo bello. Buenos Aires: Ed. Paidós.

Michaux, Y. (2007). El arte en estado gaseoso. Buenos Aires: Ed. Fondo de cultura

económica.

Oliveras, E. (2006). Estética: la cuestión del arte. Buenos Aires: Ariel.

Read, H. (1984). Breve historia de la pintura moderna. Madrid: Ed. Del Serval.

19 de agosto de 2010, Conga Mag.

Everyone needs a Gravinese “¿Todavía no pensó en tener su Gravinese? ¿Qué está esperando, pues, amigo/a coleccionista de imágenes reales o virtuales? Abra el catálogo y elija YA (de modo real o ficticio, ¡qué más da!). Déjese pescar por esas imágenes brillantes, inmediatas y espontáneas, de gran impacto visual en el espacio hiperrealista de su tela, donde el mundo de la publicidad, la sociedad de consumo, el dibujo animado, las referencias pop, y las fotografías que retratan historias nuestras y suyas, construyen un juego de develamientos y apropiaciones, tanto con el microcosmos de lo más personal y cotidiano, como con la exploración del macrocosmos a modo Carl Sagan. ‘Como en un sueño estoy poniendo cosas que pertenecen a diferentes niveles de la realidad en un mismo plano. Lo mismo que ocurre en nuestro discurrir mental permanentemente: las cosas se integran sin una costura aparente, diferentes escalas y diferentes mundos conviven como en un fluido. Y en eso están mis pinturas nuevas’”.

De este modo, como artista-metafísico enlazador de mundos hiperrealistas y oníricos que es, Diego Gravinese (seguidor del culto a Franz Gertsch; acérrimo amante de la pesca, el sushi, y la cerveza Little Creatures; fiel lector del I-Ching y de los textos de divulgación científica; fotógrafo-amigo de músicos y artistas varios; hombre de buen gusto y gran sensibilidad; melómano y nerd confeso; querido, admirado y respetado dentro y fuera del ambiente; ¡ah!, y dueño del pequeño felino Bongo) nos invita a zambullirnos de cabeza en su obra única que lo convierte en uno de los grandes del siglo XXI. Pase, mire, disfrute y (¿por qué no?) compre.

Para los que poco y nada sabemos de técnicas pictóricas, ¿cómo describirías tu estilo?

Supongo que el estilo es el fotorrealismo. Pero hoy me atrevería a decir, un fotorrealismo del subconsciente. De hecho la serie nueva nació a partir de un sueño, así que esa definición no sería demasiado errada. La técnica del óleo me permitió llevar el fotorrealismo hasta un punto que nunca consideré iba a querer llevarlo. Pintaba fotos sacadas con mi cámara pocket, escenas sin ningún tipo de planificación. Ahí volvió el óleo y se produjo todo otro cambio. Pero la mirada se quedaba en la escena, que para mí era sólo el pretexto para la obra. Y entonces vino la pregunta clave: si la anécdota de lo representado se llevaba el cuadro, ¿entonces para qué insistir por ese camino? Sentí que se perdía algo importante oculto detrás de la capa brillante del estilo fotorrealista. Así que eso abrió una fase nueva, donde estoy ahora: integrando mundos usando esta técnica que aprendí en años recientes.

Interesado en el arte desde sus primeros recuerdos (“creo que dibujaba antes de hablar, así que crecí con eso como algo natural, y después eso creció en mí”), el muchacho platense nunca pensó que iba a dedicarse a eso. Pero, una vez finalizado el colegio secundario, “el arte me eligió a mí”, y se anotó en arquitectura y diseño gráfico. Sin

embargo, concentrarse en los estudios no era lo que quería hacer. Pateó, literalmente, el tablero y se fue directo a la Escuela Superior Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyyredón, “donde tuve la suerte de hacer amigos como Leandro Erlich. Dejamos juntos – ¡a mitad de primer año! – y él me presentó a Ana Eckell. Ella fue mi verdadera maestra. Con Ana fue como empezar de cero y fue ella quien despertó algo en mí”.

El autodidacta Gravinese empezó a pintar, sin respiro ni reparo, enormes cuadros en acrílico, en principio para él mismo hasta que se atrevió a mostrarlos entre expertos en la materia. Fue así como ¡los veintiún años! lo encuentran presentando su primera exposición con la serie “Mi primer Sopena” en Espacio Giesso. En consecuencia, la galería Ruth Benzacar le propone trabajar con ellos, y al año siguiente (1993) presenta “Herencia” en el Casal de Catalunya.

¿Cómo se fue dando tu experimentación en diferentes técnicas de trabajo hasta llegar a la estética de tus actuales obras?

En el taller de Ana Eckell hacía dibujo, pero por la velocidad que ella imponía en los ejercicios, el óleo (que era lo único que yo conocía hasta entonces) me resultaba poco práctico para lo que estaba surgiendo. Probé el acrílico y no volví a tocar un óleo por más de diez años. Al principio hacía unas pinturas más gestuales, con collage incluido (que descarté enseguida) en las que de a poco empecé a incluir recortes de escenas fotográficas (de revistas y libros primero y de diapos después). De a poco esas partes fotorrealistas fueron ganando peso y empezaron a ocupar más y más espacio en la tela, hasta que todo el aspecto expresionista de mis primeras pinturas se fue reduciendo a formas abstractas pero mucho más acotadas y precisas que se superponían a las imágenes hiperrealistas hasta, de a poco, desaparecer. La técnica fue siempre subsidiaria a la composición. Y la composición a un estado mental: al principio mis pinturas eran casi manifiestos punk, después tomaron un aspecto más conceptualizado. Cuando entendí que el arte era el mensaje y que no había necesidad de hablar de nada en particular, la pintura empezó a cobrar su verdadera importancia. Eso me llevó a limpiar la composición de superposiciones y fraccionamientos, y de a poco fui llegando al cuadro clásico: una sola imagen en cada tela. Pensaba que sólo era cuestión de dar con la imagen adecuada. Entonces la narrativa se volvió personal e inmediata.

Así como la experimentación constante, guiada por la curiosidad y la intuición (“como todo lo demás en la vida no hay un mapa que seguir, excepto lo que tenés ganas de hacer: no hay mejor guía.”) lo llevaron a cambiar de estilo, de técnica y de taller, las vías naturales hicieron que su obra se importara de Buenos Aires al resto del mundo. A partir de 1993, sus series hiperrealistas se exhiben en muestras individuales y colectivas en Nueva York (donde estuvo un tiempo radicado), Chicago, Los Ángeles, Milán, Madrid, Berlín, Praga, Barcelona, y una infinidad de etcéteras. De entre ellas, el artista destaca la

muestra del ’94 en el ICI, Buenos Aires, (Everyone needs a Madonna), la del ’99 en NY (All Smiles) y la del 2008 (Cometa Raketa). Y con las muestras llegan, como no podía ser de otra forma, los premios y distinciones.

¿Dónde encontrás inspiración para crear?

En casi todo. Me interesa la luz y todo lo que implica (que es prácticamente el universo conocido con nosotros en el medio). Así que cualquier cosa puede disparar ideas que eventualmente pueden cobrar cuerpo en forma de pinturas. Visualmente mis influencias más grandes son las diapos familiares y las enciclopedias de ciencia. Una combinación de esas dos cosas. Imaginate un photoshop mental: eso se acerca bastante a la forma de mis pinturas de hoy en día (risas).

Tus cuadros poseen claras referencias del arte pop, el hiperrealismo, y los medios de comunicación. ¿Qué te llama la atención de la publicidad y de la incidencia de la misma en la vida cotidiana, en la sociedad de consumo, y cómo se vuelca esto en el espacio de la tela?

Los medios de comunicación son síntomas de un viejo paradigma que al contrario de lo que cree la mayoría, creo que va a caer pronto (aunque esto signifique décadas). Es un paradigma obsoleto, basado en esta sociedad de consumo berreta que fundamos sobre ideas abstractas (¿qué representa, por ejemplo, Lady Gagá?), y mitologías del dinero que nos inculcaron como verdades absolutas a falta de algo mejor. Sí: el PopArt tuvo influencia en mi, pero el pop art original, harto de una sociedad que había perdido todo rumbo. No me interesa para nada el pop amigable de hoy en día que es cada vez mas establishment friendly y tan vacío como las propagandas que los primeros artistas pop desgarraban con alma casi punk. Mi hiperrealismo no tiene nada que ver con esto ya. Es más acerca de la percepción: ¿qué es la realidad?, ¿por qué pensamos que una foto es lo real?, y asuntos similares.

La “realidad actual” lo encuentra trabajando en una serie nueva, acerca de la cual nos arrojó un guiño cómplice en esta nota; colaborando con otros artistas, con quienes “el intercambio de información es fenomenal en el sentido más literal de la palabra: nunca antes había habido este nivel de actualización de lo que ocurre en todos lados”; haciendo fotos; escribiendo textos; y participando en proyectos de diferentes escalas que atraviesan fronteras gracias a la Santa Web (“ ¡Internet cambió todo! Por ejemplo: hoy compran obras coleccionistas de cualquier lugar del mundo sin siquiera pasar por una galería. O se arman muestras colectivas, incluso libros entre artistas de todo el mundo que hace solo unos años jamás hubieran llegado a conocerse en la vida, quizás. Entonces las ferias, y las galerías van a tener que responder a esto que pasa. Hay una sensación de caos, pero es parte del cambio que viene”). También nos adelanta una muestra en Nueva York para el año que viene en el Margaret Thatcher Projects. Pero si de sueños se trata, Diego se imagina dentro de un par de años en su casa con estudio, cerca de un lago cristalino “donde ir a pescar todos los días”. Que así sea.

Abril de 2012 - Revista Pul

Diego Gravinese Diego Gravinese, rodeado de las pinturas con las que convive, nos contó su proceso evolutivo a partir de los noventa y cómo traslada su espiritualidad a la composición de su obra superando líneas figurativas. Compartimos algunos fragmentos de la entrevista que le hizo Melina Ruiz Natali para Pul.

La fotografía de la que tomaste la imagen ¿Cómo sucedió? ¿Las fotos que usás son casuales o posadas?

Particularmente en La duración de las promesas le pedí a una amiga de hacer la foto así que esa está armada. Pero más o menos hasta principios de los noventa usé diapositivas familiares que había sacado mi viejo. Alrededor del 96 empecé a usar diapositivas propias que sacaba con mi cámara automática. La llevaba a todos lados y tiraba fotos a cada rato con la idea de conseguir una para trabajar. Pero hasta el 2002 jamás hice posar a nadie. Ahí, en ese año, empecé con una serie que después no terminé, de chicas en ambientes caseros, un poco íntimos, en las que sí, ya sacaba la foto que quería y con la que sabía que iba a laburar.

¿Cómo surgió la utilización de la foto como disparador en tu producción artística?

En mi familia, mi papá era un muy buen fotografo amateur y tenía una diapoteca bastante organizada. Así que siempre nos hacía posar, y luego teníamos sesión de diapositivas todos los fines de semana con pantalla gigante y proyección. Mi infancia está muy marcada por eso y también con el recuerdo de que me acercaba a la pantalla del proyector y me quedaba mirando muy de cerca cómo se difuminaban los bordes y cómo algo que de lejos se veía bien, de cerca se volvía granulado. Me acuerdo mucho de esa sensacion tan linda de estar cerca de la pantalla y observar esa distorsión.

Además, crecí rodeado de enciclopedias con esas imágenes que de chico copié miles de veces.

Hay mucho del dibujo casi científico en tu obra más temprana

Sí, y también los bordes que separan zonas de imágenes en mis obras también son tomados de la composición de la enciclopedia.

Entonces, una vez que tenés elegida la fotografía ¿Cómo la llevás a la tela?

Durante mucho tiempo usé el proyector sobre la tela para esbozar las líneas. Luego, corría el proyector unos centímetros y lo usaba como modelo escala uno en uno. Ahí revivía esa sensación de cuando era chico de ver todo ese detallismo en la apreciación desde cerca de la tela. Esa manera de trabajar la empecé a usar en el 92 con la obra Instrucciones para crear un complejo y la seguí usando unos diez años más. Era muy loco eso porque necesitaba todo el estudio a oscuras.

Después lo que me cambió la manera de laburar fue poder imprimir las imágenes que quiero. Mando a hacer la diapositiva de la foto, la proyecto para trazar contornos y después imprimo algunas partes de la imagen ampliadas para usar como guía.

¿Qué te hace elegir una foto entre otras?

Simplemente hay algo que me hace clic. La pinto en la tela y de ahí me dispara más cosas que me permiten jugar con esas variaciones en la composición que me enseñó Eckell.

¿Tenés un orden para trabajar? ¿Por qué lugares empezás?

En primer lugar, música y el sahumerio Nag Champa del Sai Baba. Ahí arranco con el dibujo por lo general a oscuras. Después, ya con luz, paso a la pintura en donde casi siempre empiezo con acrílico porque es lo que uso desde los noventa y tengo más incorporado. Intento hacer así una base lo más precisa posible y luego uso el óleo. Si hay rostros en la imagen, es lo primero que hago. Lo que más puede errarse es un gesto en una cara. Un ojo o una pupila corrida cambia absolutamente todo. Así que me concentro muchísimo en esa parte que trabajo con pinceles de uno o dos pelos. Siempre sigo el mismo orden: Primero pupilas, luego cejas y pestañas con gran minuciosidad, luego fosas nasales y después la boca.

¿Qué sentís siendo pintor en la contemporaneidad en donde surgió con tanta fuerza el arte conceptual y se utilizan medios tan diversos como la fotografía, el video o la instalación?

Pintar es una especie de resistencia. De todas formas yo pinto porque amo pintar pero siempre es la idea la que debe generar un efecto acertado. Es ahí donde hay validez. Todas las obras, trabajes como trabajes tienen que tener ese algo que las hace obra de arte.

16 de agosto de 2012. Página/12

Diego Gravinese: “Tengo una relación natural con el rock” “Hay mucho de Spinal Tap en esto”, dice Diego Gravinese sobre la portada de Hot Cakes, el tercer disco de The Darkness. Que para referirse a su obra, el artista plástico mencione la que es considerada la mejor película rock de la historia, no es para nada descabellado. Para empezar porque The Darkness mismo suele ser linkeado con aquel grupo que parodiaba el sonido y los excesos del Heavy Metal; porque el trabajo en sí incluyó situaciones risibles y, obviamente, por la estética en la que un trío femenino se recuesta sobre panqueques calientes y chorreantes de una sustancia melosa. Casi una reversión de Smell That Glove, la placa de ST en la que una chica con el cuello encadenado era obligada a oler un guante. Frankie Poullain –bajista de The Darkness– definió la portada como algo “literal”, un homenaje a la parafernalia de Roxy Music con “esa cosa sexy y loca” a la que le adosaron algo de los calendarios eróticos de los ‘70. “Queríamos capturar la dulzura, mezclarla con el rock & roll, que es música seductora, o debería serlo al menos. Creo que las modelos estuvieron un buen tiempo sobre los panqueques, lamentablemente no pudimos volar para allá (por Argentina)”, detalló.

La polémica sobre la cosificación de la mujer comenzó con amigos artistas de Gravinese que le plantearon sus inseguridades sobre cómo sería leído el mensaje. “Entiendo que sea una tapa hot pero es parte del chiste, ¡es The Darkness! Es tan obvio que es una fantasía sexual –el mismo cantante muestra su ambigüedad–, creo que hay una búsqueda glamorosa más que porno, al menos el porno de ese entonces tenía un mayor cuidado por la mujer.”

¿Cómo es que quienes fueron un suceso mundial con su debut –Permission to Land– reclutaron a un artista argentino para la tapa de su Opus 3? La respuesta es simple: Internet. A Gravinese le llegó un mail donde alababan su estilo hiperrealista (“pinta casi como una fotografía”, definió sin más el bajista) y hacían el pedido. “Decía que la banda era The Darkness. ¿Son los de ‘I Believe in a Thing Called Love’?”, dudó Gravinese, que cliqueó un link y eran ellos. “No soy fan, de hecho cuando los vi por primera vez me parecieron un desastre, después entendí la broma, son unos deformes y les tuve cariño”, confiesa. Las directivas eran básicas: tres chicas en bikinis doradas sobre panqueques y le especificaron que no fuese pura explotación. A Gravinese el desafío le gustó y de forma express puso manos a la obra. En pocos días convenció a las modelos, dos artistas amigos (Emiliano Miliyo y Elena Dahn) lo ayudaron con las fotos, y cuando ya tenía maqueteado el cuadro, los del grupo quisieron que las chicas llevaran anteojos de sol. Gravinese se puso firme, hizo las paces vía digital y terminó la tapa de uno de los discos más esperados para agosto según la New Musical Express. En la publicación inglesa recalcan que la imaginería del grupo de Justin Hawkins (soportes de los shows de Lady Gaga en nuestro país) suele ser más consistente que sus falsetes y guitarras épicas.

La música siempre estuvo presente en la vida de Gravinese, y para alguien que no hace muchas demarcaciones entre vida y obra (una de sus exhibiciones se llamó ¿Todavía No Pensó en Tener un Gravinese?) la ecuación es más que simple. “Tengo una relación natural

con el rock”, apunta. Antes de que se decidiera por la plástica, junto a su hermana Alejandra (ex integrante de Rigidez Cadavérica y de la primera versión de Attaque 77), recorría el circuito under de los ‘80 y hasta fantaseaba con cantar en una banda. “Pero no se me dio el don para hacer música, sí, en cambio, para escucharla mientras pinto.” ¿Alguna recomendación para hacer las dos cosas juntas? Sin dudar, Gravinese menciona a Fever Ray de Karin Dreijer Andersson (en su estudio está colgada la tapa de ese celebrado proyecto solista de la cantante de The Knife).

A los Victoria Mil los llevó a tocar a la Galería Ruth Benzacar y por su amistad con Leandro Fresco, tecladista de la banda de Gustavo Cerati, acabó haciendo la cubierta de Siempre Es Hoy. “Además de su retrato, iban a suceder cosas en simultáneo, y si ves bien el trazado, está la cara de una nena con un chupetín, pero a los del sello, o de la distribuidora, les pareció que iba a haber una lectura rara”, y se percibe un dejo agridulce en su voz. “Con Gustavo decidimos centrarnos en la parte de la boca”, grafica sobre el cuadro que finalmente adquirieron unos fans colombianos del músico. “El mejor lugar donde puede estar”, agrega. ¿Cuál es su sueño al hacer un arte de tapa? “Todavía no me pasó lo de Andy Warhol con los Rolling Stones y la Velvet Underground. Que una banda que te encante te dé rienda suelta para crear.”

En sus 11 exhibiciones, hasta la fecha, hubo distintas fases (del collage al hiperrealismo, de tópicos infantiles a una sensualidad abierta), lo que se mantiene de su estilo es el topetazo de la fantasía con la realidad, a partir de la fusión permanente entre lienzo y fotografía. “¿Por qué pintar algo que hoy podés conseguir con otra tecnología? En realidad es una premisa falsa, el engaño es pensar que la fotografía es una representación cabal de lo real”, explica. “Para mí el hiperrealismo es una capa más de composición, no es la obra ni la finalidad, lo que te pasa con mis cuadros está en otro lado. Sé que sigo pintando porque ya no hay un parámetro claro de qué es arte y qué no”, recapitula. Lo cierto es que sus imágenes lo llevaron a ser muy valorado por galeristas extranjeros, sobre todo en la Nueva York de finales de los ‘90. Aunque tras el atentado a las Torres Gemelas decidió volverse. “Lo mejor de la ciudad desapareció, salió lo peor de cualquier sociedad asustada.” Y algo de esa época todavía signa el presente. En uno de sus últimos cuadros, Hércules, un avión lanza unas bengalas contra una mujer que observa un lago. “Me gusta juntar cosas inconexas. Es angelical y amenazante. Insisto, los héroes de mis pinturas son heroínas. Me encanta la imagen de una chica enfrentando un mundo turbulento.”

Imágenes más representativas de Diego Gravinese

La Duración de las Promesas ~ The Duration of Promises óleo s/tela ~ oil on canvas 180 x 140 cms ~ 71 x 55.2 inches

Hércules óleo s/tela ~ oil on canvas 180 x 140 cms ~ 71 x 55.2

Pool Side óleo s/tela ~ oil on canvas 130 x 180 cms ~ 51 x 71 inches

CV Diego Gravinese

Nació el 28 de octubre de 1971 en La Plata, Bs As, Argentina.

Estudios

1990 Fine Arts School Prilidiano Pueyrredon, BsAs.

1992 Ana Eckell’s studio.

Exhibiciones individuales

2008 Cometa Raketa,AMIA art space, BsAs.

2005 Cita, ZavaletaLab gallery, Bs.As.

2003 GRAVINESEPUNGA™, Ruth Benzacar gallery,Bs.As.

2000 Garden of Delights, De Chiara|Stewart gallery, New York.

1999 All Smiles, De Chiara|Stewart gallery, New York.

1997 Surfer, Ruth Benzacar gallery, Bs.As.

1996 Banco Patricios Foundation, Bs.As.

1995 Todavia no penso en tener un Gravinese?, Recoleta Cultural Center, Bs.As.

1994 Everyone needs a madonna, ICI, Bs.As.

1993 Herencia, Casal de Catalunya, Bs As.

1992 Mi Primer Sopena, Giesso Space, Bs As.

Exhibiciones grupales

2010 Lovemarks, Saatchi gallery, Toronto, Canada.

Summer Show, Margaret Thatcher Projects, NY

Armory, Margaret Thatcher Projects, NY

Childhood, miaumiau gallery, BsAs

2009 DNA, permanent mural intallation, BsAs.

ArteBA 2009, Zavaletalab, BsAs

PH, BsAs, Argentina

2008 ARCO, Madrid, Spain.

ArteBA, BsAs.

Grandes Fracasos, curated by Maxi Jacoby, C.C. Rojas, BsAs.

2007 Los Papiros arden y las letras florecen, curated by Elio Kapszuk, AMIA, Bs.As.

ArtBO, Bogota, Colombia

ARTE BA ’07, art fair, ZavaletaLab gallery, Bs.As.

2006 Preview( large format photo exhibition), Alcorta Space, BsAs.

Paintings for the ’06 collection, Patio Bullrich, BsAs.

ARTE BA ’06, art fair, ZavaletaLab gallery, Bs.As.

ARCO, ZavaletaLab gallery, Madrid, Spain.

2005 Colectiva ’05-, ZLab, Bs.As.

Mamushka, curated by C. Delgado, Cocoliche space, BsAs.

ARCO, ZavaletaLab gallery, Madrid, Spain.

13 artistas de la galeria, ZavaletaLab, Bs.As.

2004 Fishing in International waters, Jack S. Blanton Museum, Austin,Texas.

Nuevos territorios,ARCO, ZavaletaLab, Madrid.

Arte argentino contemporaneo", MACRO, Rosario

2003 Project Argentina, fundacion Tantica, Miami. Coleccion Vergez.

Basel Miami, Ruth Benzacar, Miami.

Ultimas Tendencias, artistas de los 90, Museum of Modern Art, BsAs.

2002 ARCO, Ruth Benzacar Gallery, Madrid, Spain

Art In General, 11th annual artist’s studio tour", De Chiara, NY.

Selected, galeria Müllerdechiara, Berlin.

Landscapes, curated by Fabian Burgos, Bs. As.

2001 Slice of Life, De Chiara Gallery, New York.

Wattage and Friendship, curated by David Hunt, mullerdechiara, Berlin, Germany

Summer Show, Sandroni Rey Gallery, Venice, California

ARCO, madrid, Spain. Ruth Benzacar gallery.

2000 Panoramix, PROA, Bs As, Argentina

Arte B.A. art fair, Bs As.

Independence Day, Tornasol Space. Bs As.

ARCO, Ruth Benzacar Gallery and De Chiara|Stewart, Madrid, Spain

1999 My own private sky, Belleza y Felicidad Space, Bs As.

All I need is…, (video installation), Il Mercosur Biennale, Porto Alegre, Brazil

Artforum Berlin, De Chiara|Stewart, Berlin, Germany

Whippersnappers, Vedanta Gallery, Chicago, IL

Culturama, Gen Art, New York, NY curated by Vanessa Hattoum

The new collage, Pamela Auchincloss Project Space, New York, NY

Spaceship Earth, Art in General,New York.

1998 Premios MNBA-Universidad de Palermo, Museo Nacional Bellas Artes, Bs As.

As noches muchachos (tribute to Nini Marshall), Bco. Patricios Fund, Bs As.

Arte Argentino Actual, Fine Arts Museum of Resistencia, Chaco

Contemporary Argentine Art, traveling to Budapest, Prague and other cities

50 years: Argentines & Israel, Centro Cultura. Borges, Bs As,.

Premios Bodegas Esmeralda, Museo Nacional Bellas Artes, Bs As.

12 Artistast Argentinos Contemporaneos, Traveling in Argentina

1997 1997 Bahia Blanca Biennale, Fine Arts M. of B. Blanca, Bahia Blanca, Argentina

200 x 200 x 200, Centro Cultural Recoleta, Bs As, Argentina

Premios Constantini, Museo Nacional Bellas Artes, Bs As.

C.F.P.(painted bodies), El Odeon, Bs As,Argentina

Premios Gunther 1997, Museo Nacional Bellas Artes, Bs As.

A la Nueva Pintura 1997, Palais de Glace, Bs As,Argentina

Premios Novartis, Museo Nacional Bellas Artes, Bs As,Argentina

1996 Premio Fundacion Mayorazgo, Museo Nacional Bellas Artes, Bs As.

Salon Hugo del Carril, Museum of Modern Art, Bs As,Argentina

La Ciudad Agredida, Museo Nacional Bellas Artes, Bs As.

LXXXV Salon Nacional de Artes Plasticas 1996, Fine Arts Museum, Rosario

Salon Manuel Belgrano, Sivori Museum

70-80-90, 70 artist from the 80′s and 90′s, Centro Cultura. Borges.

Premio Bco. de La Provincia de Bs. As., the Jauretche archives.

Energia de Mujer, Llao-Llao Hotel, Bariloche, Argentina

1995 Fin de Siglo 1999, Bco. Patricios Fund., curated by Elena Oliveras

Arte Argentino hoy, Asociación Argentina de Criticos de Arte, Bs As.

V Premio Gunther, Gold Medal, Centro de Arte Y Comunicaciones, Bs As.

Periferia Urbana, curated by J. Glusberg, Museo Nationale Bellas Artes, Bs As

Milan Triennale, Milan, Italy

Premio Bco. Mayorista del Plata, Museo Nacional Bellas Artes, BA.

Premio Fundacion Fortabat 1995, Centro Cultural Recoleta, Bs As.

V Chandon Biennale, Museo Nacional Bellas Artes, Bs.As.

1994 20 instalaciones, (video installation), Museo Nacional Bellas

Artes, BA,Argentina

Premio Braque, mention of the jury, Fundacion Banco Patricios,. Bs As.

Young artists of the gallery, Ruth Benzacar Gallery, Bs. As.

11 x 11, Fine Arts Museum of Tucuman, Argentina

Premio Cayc-Klemm, Centro Cultural Recoleta, Bs As.

Argentinos en la Bienal del Cairo, Centro de Arte Y Comunicaciones, Bs As.

Premio de Premiados, Nuevo Mundo Fundacion, Museo Nacional Bellas Artes

Jeune Peinture, Espace Eiffel-Branly, Paris, France

1993 = < 30, multimedia exhibition, Del Borde, Fundacion Banco Patricios,. Bs As.

Premio Gunther ’93, mention of the jury, Centro de Arte Y Comunicaciones, Bs As.

Pintango Madriz, Centro Cultural Galileo, Madrid, Spain

Instalaciones, propuestas para el fin de siglo, (video installation)

A la Nueva Pintura 1993, First prize Museo Nacional Bellas Artes, Bs As.

Un punto per Piero, curated by Grazia Chiesa, Centro de Arte Y Comunicaciones

1992 Las Voces Emergentes , curated by J. Glusberg,Feria de Arte Buenos Aires,BsAs.

Premios

1997 2nd Purchase Prize, "Premio Gunther 1997", MNBA

2nd Purchase Prize, "A La Nueva Pintura 1997", Palais De Glace

1995 Medalla De Oro, V Premio Gunther

1994 Mencion del Jurado, Premio Braque

1993 Mencion del Jurado "Premio Gunther 93"

Primer Premio a "La nueva pintura", Nuevo Mundo Foundation

"Artista Iniciacion", award from Argentine Critics Association