Índice Capitulo 1. Principios del Diseño...

Índice

Introducción

Capitulo 1. Principios del Diseño Gráfico

1.1 El Diseño Gráfico en la Antigüedad

1.2 La Barhaus Fuente Principal del Diseño Gráfico

1.3 El Diseño Editorial

1.4 El Diseño Gráfico en la Argentina

Capitulo 2. Diseño Fotográfico

2.1 Historia de la fotografía

2.2 La fotografía como diseño

2.3 La fotografía de moda

Capitulo 3. El diseño complementado con las fotografías

Capitulo 4. Revistas a la venta

4.1 El mensaje que se quiere transmitir

4.2 La publicidad para las revistas de moda

Capitulo 5. Análisis de Revistas de Moda Argentinas

5.1 Análisis de la revista Ohlala

5.2 Análisis de la revista Vanidades

5.3 Análisis de la revista Glamour

Conclusiones

Imágenes Seleccionadas

Lista de Referencias Bibliográficas

Bibliografía

Introducción

Hoy en día las maneras para lograr una comunicación entre las personas es algo que

esta al alcance de las manos de todos, en todo momento. Sin embargo, hay diferentes

tipos de comunicación. Cuando se quiere comunicar algo, se apela a diferentes

recursos que facilitan la manera de hacer llegar el mensaje que queremos transmitir.

El diseño gráfico tiene como principal objetivo comunicar. Es una actividad creativa y

técnica que consiste en transmitir ideas por medio de imágenes, en especial en libros,

carteles o revistas. Al ser una comunicación, es un proceso. En el cual debe haber un

emisor que transmita el mensaje hacia un receptor mediante un lenguaje que sea

común para ambos.

Se define al diseño editorial como la rama de diseño que se ocupa de la diagramación

de textos e imágenes que son incluidas en publicaciones. Estas imágenes son muy

importantes y logran complementarse con el diseño para llevar acabo lo que se

conoce como libros, periódicos o revistas.

Revistas. Aquellas que se encuentran en nuestros días, ya que nuestro país contiene

miles de kioscos de revistas que se multiplican por las calles de Buenos Aires. Una

revista es una publicación impresa que es editada de manera periódica, semanal o

mensual. Estas forman parte de los medios gráficos siendo un medio de

comunicación.

De esta base, el actual Proyecto de Graduación propone un análisis de la importancia

de la fotografía en el diseño editorial, centrándose en las revistas. Se plantea como

pregunta problema la siguiente duda ¿Puede llegar a existir una revista sin

fotografías?

Las fotografías hacen que la pieza editorial sea única, que tenga vida. Transmiten

conceptos, mensajes o simplemente logran reforzar una idea. Una fotografía bien

usada y de manera correcta para el mensaje que quiere transmitir, puede causar

mayor atención en el espectador, que el que puede llegar a transmitir un texto.

La fotografía disminuyo la necesidad de usar un texto. A la hora de comunicar, se

simplifica el mensaje. Si obtenemos una fotografía con texto, el mensaje se vuelve

más claro aun. Es esta razón por la cual el diseño grafico depende de la ayuda de la

fotografía y esta se apoya en su diseño para poder sostenerse y formar parte de una

pieza editorial.

El presente proyecto de graduación se inscribe dentro de la categoría de ensayo

vinculado al campo del Diseño Gráfico de la Facultad de Diseño y Comunicación de la

Universidad de Palermo. La razón por la cual este proyecto se encuentra en la

siguiente categoría es porque principalmente se centra en la escritura. Se cumple una

reflexión sobre el tema elegido, el autor logra aportar su visión desde el análisis a

llevar acabo de la importancia del diseño y de la fotografía en tres revistas elegidas. Al

ser un análisis, se necesita mucha creatividad reflexiva y se centra en la producción

escrita de esta misma, que eligiendo otra categoría no se podría realizar.

La línea temática en la que esta inscripto es medios y estrategias de comunicación, ya

que se analizara la manera en la que la fotografía logra vincularse con el diseño

gráfico y generar una comunicación visual que luego se transformara en una pieza

editorial. Esa revista, libro o periódico se convierte en un medio de comunicación, y el

cual tiene un mensaje a transmitir para cierto público.

El objetivo principal de este proyecto de graduación es el análisis del diseño grafico, y

la importancia de su vinculación con la fotografía dentro del ámbito editorial

centrándose en las revistas. Para llevar acabo el siguiente objetivo se elegirán tres

revistas dentro del área de moda, de industria argentina. En estas mismas, se

analizaran las fotografías que contienen, y el diseño que se vincula con las imágenes

y la pieza editorial en completo.

Los objetivos específicos que se encuentran en este proyecto son dar opinión acerca

si se le esta dando la importancia justa al diseño editorial o si la importancia la tiene la

fotografía. Se descifrara cual de los dos tiene mayor peso a la hora de diseñar una

revista de moda. Se analizara la manera en que las imágenes se logran

complementar junto al diseño, y este mismo se ajusta a la estructura que presenta una

foto. Una fotografía tiene mayor peso visual, y gran impacto que un texto. Sin

embargo, el texto en la fotografía la ayuda a que el mensaje se lea mas claro y lo

refuerza. Con la siguiente base de información se llevara a cabo el objetivo de

destacar cual de ellas es más importante a la hora de comunicar un mensaje.

Para el desarrollo del Proyecto de Graduación se tendrán en cuenta como herramienta

de apoyo, trabajos que fueron presentados por los alumnos de la Facultad de Diseño y

Comunicación de la Universidad de Palermo. Estos mismos logran obtener una base

de información para el tema a analizar. Se tomaron como referencia diez escritos

vinculados con el área de diseño grafico, la comunicación y la fotografía.

El primer proyecto que brinda información es de Hoepner, D. (2014) Tecnología de

Cambio. El impacto de la aparición de nuevas tecnologías en el proceso de diseño y

uso de revistas de moda. . Proyecto final de grado. Analiza el mensaje que se ofrece

hoy en día, el cual tiene como objetivo persuadir, llamar la atención y principalmente

ser leído. Habla acerca de la tecnología y el proceso de esta misma dentro del diseño

editorial. El mismo tiene un gran vínculo ya que se analizan las revistas de moda, al

igual que el proyecto a presentarse. Logra aportar gran información, ya que se

analizan las revistas desde otro punto de vista, y como el mensaje es el protagonista a

la hora de vender.

El trabajo de Álvarez Correa, C. (2014) ¿Lo visualizado es lo aprendido?, Influencia

tecnológica en los procesos pedagógicos ofrecidos por el diseño editorial. Proyecto

final de grado. El siguiente proyecto tiene como objetivo analizar la temática que se

presenta hoy en día en la gente. La obsesión de no poder mantenerse alejada de las

redes sociales ni un minuto. Pone en problemática a las estrategias de comunicación

de diagramación editorial que se verán afectas en un futuro para llevar todo su diseño

a la web. Se logra vincular con este proyecto de gradación porque brinda aportes a la

importancia de la actualidad en los diseños editoriales, y como esta tiene que sufrir

para ser transportada de manera virtual.

Se le dio importancia al trabajo de Sivori, S. (2013) La Fotografía Publicitaria. La

retorica al servicio del diseño de piezas graficas para el éxito comercial. Proyecto final

de grado. El objetivo del proyecto elegido es comprender la estructura que presenta la

imagen publicitaria, sus elementos y herramientas con las que cuenta el mismo

creativo a la hora de diseñar una pieza. El proyecto a realizar tiene un gran enfoque

en la comunicación de las imágenes, estas mismas son la fuente principal de la

publicidad. El proyecto del alumno logra vincularse con ese tema, y la importancia del

diseño de esa comunicación, que va a ser el éxito a que la publicidad transmita su

mensaje.

En relación al tema de estudio del presente trabajo se destaco el proyecto de

Siemenson, Alan. (2012) El futuro del papel. ¿Extinción o supervivencia? Proyecto

final de grado. Se plantea la problemática de la cantidad de publicaciones que afectan

la actualidad, como los libros periódicos o revistas. Siendo estos mismos los que mas

se encuentran afectados por las nuevas tendencias del diseño editorial y sus

modificaciones gracias al avance de la tecnología. Se logra vincular con el proyecto,

ya que se analizan las piezas editoriales y su diseño. El cuanto este se ve afectado por

las tecnologías, y se ve forzado a cambiarse, mientras que el diseño preparado para la

impresión sigue tomando lugar en el día de hoy.

Por su parte, Vulcano, F. (2014) Ilustración vs Fotografía, La ilustración como medio

para comunicar una marca de moda. Proyecto final de grado. Si bien el autor plantea

un análisis de la ilustración de la moda actual, logra compararla con la fotografía de

moda. Explica las características de una técnica que logra combinar la fotografía y la

ilustración para poder crear un nuevo estilo de imagen. En el cuarto capitulo de este

proyecto se realiza un análisis sobre la comunicación de moda, desde diferente puntos

de vista. Habla de la fotografía de moda en nuestra actualidad y realiza un análisis a

destacar de un fotógrafo internacional, Mario Testino. El mismo, es reconocido como

uno de los fotógrafos de moda mas conocidos y cuya obra se logra destacar en

importantes revistas. Se relaciona con la temática que se presenta en este trabajo por

el punto de relación de la fotografía de moda, y el análisis que se realiza de esta

misma.

El proyecto planteado por Nuñez. J. (2014) La fotografía intervenida. El uso y abuso

del Photoshop. Proyecto final de grado. El alumno plantea la temática de la

manipulación de la imagen mediante el programa conocido como Photoshop.

Herramienta principal de retoque digital utilizado en las fotografías publicitarias de

mujeres. En la fotografía publicitaria, como en la de moda, esta herramienta se

encuentra en constante uso, ya que su objetivo es cautivar al público. Se logra

relacionar con el proyecto ha realizar, ya que analiza la fotografía de moda y los

medios que se toman para lograr un mayor impacto en el receptor.

A su vez, Leveratto. G. (2012) La moda a través del lente. Fotografía de moda de la

década de los años 20. Proyecto final de grado. La autora plantea la temática que

surge de la fusión de dos temas principales, la fotografía de moda en relación con la

década de los años 20. Se realizo una intensa investigación en ambos temas, tiene

como objetivo que la creación del siguiente proyecto ayude a futuro a aquel lector que

se encuentre interesado en el tema, y que logre comprender cuales eran las

características de la década del siglo 20. Este proyecto tiene una gran vinculación con

el trabajo a realizar, ya que presenta profunda información acerca de la fotografía

moda, área de fotografía que fue elegida para relacionarse con el diseño editorial.

Se encuentra relación con el trabajo de Cereceda. D. (2010) Adictos Gráficos. Nuevos

métodos de comunicación en el lenguaje de la moda. Proyecto final de grado. El

siguiente ensayo plantea una reflexión acerca de la identidad del diseñador de moda

con respecto a su papel, como comunicador visual. Se plantea a la moda como una

manera capaz de transmitir un mensaje, su manera de funcionar como un medio de

comunicación. Este tema se relaciona con el trabajo desarrollado en el siguiente

proyecto, ya que se plantea el lenguaje de la moda, y la comunicación visual que la

moda transmite.

Se ha encontrado de gran interés el proyecto de Lennone. P. (2010) Lo importante de

lo gráfico editorial en las revistas especializadas. Proyecto final de grado. El trabajo

presenta una reflexión con respecto a las revistas especializadas. Se destaco este

tema a realizar ya que la autora tenía un gran interés por la temática editorial. Se

observo el mercado de las revistas, con relación a la masificación de la televisión e

internet. Se vincula con el siguiente proyecto ya que ambos tienen como punto de

interés al diseño editorial, y la importancia del mismo, pero sin embargo los dos

proyectos están analizados desde diferentes puntos de vista.

El ultimo proyecto ha destacar es de Manchado. M. (2014) Del papel al ipad. Un nuevo

diseño editorial. Proyecto final de grado. El siguiente ensayo trata el tema del uso de

tablets dentro del mercado editorial, y como el diseño editorial cambia para poder

formar parte de la web. Aporta gran información al proyecto ha analizar, ya que en el

primer capitulo habla acerca del diseño editorial impreso, dentro de estas impresiones

se encuentran las revistas. Medio grafico que se selecciono para examinar en el

trabajo a llevar acabo.

Como marco teórico se utilizaran diferentes autores ha destacar, El primer diseñador

gráfico ha destacar es Carson. Este gran diseñador es reconocido por su innovador

diseño de revistas, y su uso de tipografías experimentales. Fue el director de arte de la

revista Ray Gun, siendo el más influyente en la década de 1990. Carson es uno de los

diseñadores que realmente logran inspirar, sus diseños son únicos y logra tener otra

versión del diseño gráfico, por esta razón se selecciono como uno de los autores a

destacar para utilizar como base de información para el siguiente proyecto y su libro a

utilizar es Carson. D (1990). The End Of Print. Graphic Design David Carson.

El segundo autor que se selecciono fue Swann, quien dedico toda su vida profesional

al campo del arte visual y de diseño. Anteriormente fue Diseñador gráfico en

importantes periódicos y también director artístico de publicidad. Actualmente da

conferencias y escribe sobre temas relacionados con el diseño. Contiene tres últimos

libros que forman parte del Manual del Diseño. Para el siguiente proyecto se utilizara

Swann. A (1990). Bases del Diseño Gráfico. Este libro es de gran aporte para el

trabajo ya que de aquí se logra obtener la mayor información acerca de lo que es el

diseño y como su diseñador se enfrenta a la tarea de diseñar.

El tercer autor ha destacar para analizar su información en el siguiente proyecto es

Satué E. (1938). Diseñador español. Trabaja de diseñador gráfico en libros y revistas.

Ha publicado diversos libros relacionados con el Diseño Gráfico Uno de esos libros va

a ser de gran aporte para la historia del capitulo uno del siguiente proyecto. Satué E.

(1938).El Diseño Gráfico. Desde los Orígenes a Nuestros Días. Este libro va ser la

base de lo que se vera a continuación al empezar a leer el trabajo, ya que contiene

toda la información de manera sumamente detallada de toda historia y evolución del

diseño grafico, incluyendo el diseño editorial.

La fotografía de moda es nuestro tema a desarrollar y analizar. Es por esta razón que

para tener la imagen perfecta, debemos contar con el fotógrafo perfecto. Se eligió a

uno de los más importantes fotógrafos de moda de importantes revistas, que aporta su

visión a lo que sus ojos ven como fotografía editorial. Mario Testino, uno de los

fotógrafos peruanos más importantes y reconocidos del mundo de la moda. Trabajo

con todas las grandes revistas retratando a miles de figuras del espectáculo. Sus

fotografías tiene estilo propio y logran hablar por si mismas.

El siguiente proyecto de graduación contiene un total de cinco capítulos. En el primer

capitulo se mostrara el concepto del diseño grafico y su importancia en el campo

editorial. Se seguirá analizando con un segundo capitulo donde la fotografía tomara el

lugar. Se presentara la fotografía de moda, su evolución, su importancia y se

presentaran las características que requiere tener una fotografía para formar parte de

una pieza editorial.

El proyecto continuara con un tercer capitulo donde se llevara acabo un análisis de

como se logran complementar el diseño con las imágenes. Se destacara la manera en

la cual una complementa a la otra. Pueden funcionar por separado pero en este

capitulo se las tendrá en cuenta como una sola pieza.

Siguiendo con el desarrollo del proyecto se analizara la comunicación que estas

logran. En como el mensaje que se quiere transmitir es mas claro cuando se presenta

por medio de imágenes y texto. Se analizara la publicidad y los mensajes a transmitir

en las revistas de moda. Los objetivos que estas mismas presentan, destacándose por

medios de las fotografías. Como se logran vender estas revistas.

En el quinto y ultimo capitulo, se analizaran tres revistas de moda elegidas. Se tendrá

en cuenta cada fotografía, y como el diseño acompaña a estas mismas. A la hora de

estudiarlas se tendrán en cuenta todos los conocimientos adquiridos en los capítulos

anteriores y como estos logran complementarse para formar una perfecta pieza

editorial.

Capitulo 1. Principios del Diseño Grafico

En el siguiente primer capitulo ha desarrollar se introducirá al lector en los significados

del Diseño y el Diseño Grafico. Luego se marcara una reseña historia marcando

momentos del mismo como es la historia del Barhaus. Escuela que marca un giro

constante en el Diseño Grafico, así como también abarcando temas como el Diseño

Editorial y la importancia del mismo a lo largo de las épocas marcando su evolución.

¿Qué es el diseño?, Es importante tener en cuenta la respuesta a la siguiente

pregunta para poder entender mejor el proyecto. Un diseñador tiene como principal

objetivo resolver problemas de comunicación relativos a productos, conceptos,

imágenes e incluso organizaciones. Este mismo debe lograr hacerlo de una manera

original y precisa.

Como destaca Alan Swann ¨La base del diseño es la conjunción de diversos

elementos en una misma área con objeto de lograr una interacción que transmitirá un

mensaje dentro de un contexto determinado¨ (1990, p 7) Para lograr que el receptor

reciba de manera compleja el mensaje a comunicar se modificaran los elementos que

se utilizan dentro de la mesa de del área del diseño. Estos elementos que conforman

el trabajo serán palabras, fotografías, ilustraciones e imágenes graficas. Todos

combinados con una fuerza controlada entre si que se basa en blanco y negro o en

diferentes gama de colores.

El primer desafío de todo diseñador siempre va a hacer poder volcar en aquella hoja

en blanco lo que contiene en la mente. A veces es muy difícil este proceso, ya que uno

no siempre logra hacer exactamente visible lo que si esta en sus pensamientos. Aun

así, el diseñador tendrá que armarse de todas las herramientas posibles para poder

llevar a cabo esta actividad, y tener como resultado la pieza grafica real que vio,

previamente en su cabeza. Un diseñador debe comprender e identificar el espacio y

las formulas que aplicara para la colocación de los elementos dentro de este mismo.

Según Alan Swann, antes de cualquier trabajo de diseño grafico, la primera

consideración a realizar, es tener una comprensión sumamente detallada de la tarea

que se tiene entre manos a elaborar. Este objetivo se logra mediante lo que se conoce

como una Agenda de Diseño. Esta Agenda va a estar repleta de ideas e información

que son un fuente de herramientas para el diseñador que le facilitaran a realizar su

trabajo con aun mas facilidad. Swann afirma ¨El diseñador debe ser tenaz, persistente

e incansable en su disposición a experimentar¨. (1990, p 7)

En el momento del proceso del diseño, el autor de la obra tendrá que decidir que

elementos son esenciales o creativamente deseables, como componentes del mismo

trabajo. Muchas de las mejores obras ideadas son aquellas que contienen en su

campo visual, gracias a la plena utilización, visual y creativa de un número limitado de

elementos de diseño. Más es Menos. Nunca hay que utilizar mas elementos porque si,

siempre hay que examinar y justificar el porque se encuentran ahí, justificar su aporte

al trabajo.

¨La finalidad del Diseño Gráfico es transmitir ideas, mensajes y afirmaciones visuales y

en ocasiones, estética pura¨ (1990, p 63) El diseño se desarrolla alrededor de la venta,

en generar un mensaje visual que pueda persuadir al receptor, que logre llamar la

mayor atención posible del mismo. Se centra en la promoción de un producto o un

servicio a vender. Hoy en día la competencia entre productos es cada vez mayor, por

esta razón se trata de lograr el mejor diseño posible para captar más las miradas de

todos aquellos seguidores del producto, para mantener su presencia y convocar a

nuevos seguidores. Al ser un diseñador grafico se deben tomar ciertas decisiones,

pero esta será siempre subjetiva, nunca errónea. Se debe realizar lo que es mejor

para el cliente y que lo ayude al máximo en su beneficio. Por este motivo, un buen

diseñador siempre tiene que tener más de una opción a realizar. Así lograra satisfacer

las necesidades que el cliente quiere, y lo dejara con una gran sonrisa.

1.1 El Diseño Gráfico en la Antigüedad

Cualquier pretensión historiográfica con respecto al Diseño Gráfico debe centrarse en

la relación de los medios que se utilizaron en su desarrollo y del efecto que estos

mismos provocaron. Se destaca que a veces se trata de medio a la información visual

que se presenta como el único causante de la comunicación. Es decir, desde el siglo

XV el diseño gráfico ha sido condicionado por el mismo proceso de la evolución de lo

que se conoce como tecnología. Esta misma es lo que llevo a elaborar los distintos

procesos de impresión. Base de poder para el Diseño Gráfico. Antes de la aparición de

cada etapa histórico cultural se destaco en poder lograr su propia estética sistemática

con el objetivo de informar, persuadir o convencer de una manera adecuada a sus

propósitos ayudándose con distintos medios dependiendo de la dimensión y

complejidad de las masas receptoras.

La evolución tecnológica, conocida como el Arte de Imprimir y la aplicación de los

grupos receptores se inicio a mediados del siglo XV, momento en el cual se desarrollo

la Revolución Industrial. Esta industria tomo conciencia de la utilidad del diseñador

gráfico como un Agente Embellecedor. El diseño, asienta sus pies sobre los dominios

de la escritura y de la imagen, lo cual hace que forme parte de la historia del arte, así

como también a la de la escritura.

Se considera a las formas visuales establecidas antes del Renacimiento como fieles

antecedentes históricos de lo que hoy se conoce como diseño grafico. Se destaca

según Satué como ¨ Un lenguaje de figuras o signos mínimamente convencionales, al

servicio de una necesidad informativa intencionada, ya fuera política, religiosa,

comercial o cultural¨ (1992, p 12)

Diferenciando la idea de lo que hoy entendemos como diseño grafico en su medio de

producción más común, la industria de la impresión, se centra en las etapas anteriores

y el descubrimiento de la tipografía. El acto de poder proyectar imágenes de manera

simbólica atreves de procedimientos de repetición o multiplicación. La disciplina

tipológica griega es la que lleva a cabo ciertos puntos. Lo demuestra por medio de la

repetición de los modelos arquitectónicos que toman como modelo canónico la

relación proporcional y simétrica del cuerpo humano. De esta manera la escritura

desde sus principios primitivos hasta la aparición del alfabeto fenicio, centrándose

alrededor del año 150 antes de nuestra era, fue reconocido como un sistema de

comunicación altamente selectivo.

Una de sus mayores aplicaciones con intenciones estéticas se encuentra en el libro.

Estos mismos escritos a mano contenían una composición de diseño dentro de ellos,

en lo que se indica en la información que contenían en una composición de bloques

caligráficos y la armonía de los signos entre estos mismos.

Sin embargo, donde la escritura alcanzaba mayores niveles se encuentra en lo que se

conoce como epigrafía. Esta misma se añade al diseño de la letra y a su tipología.

Quiere decir la belleza del diseño del tipo, la relación de las formas y la proporción

entre las letras, la alineación de estas mismas, el espaciado, la interlinea y la armonía

en composición del bloque de texto. Logran en su unión articular una sintaxis de

manera formal y expresiva, de manera solida. Podemos concluir que sin duda el

antecedente mas importante del diseño tipográfico es la escritura lapidaria griega. Esta

razón se destaca ya que para lograr la tipografía adecuada sobre papiros se debía

recurrir previamente a un boceto.

El gran diseñador Gráfico Jan Tschichold proclamo la columna de Trajano como el

mejor catalogo de letras existentes. Durante el mandato del emperador romano

Trajano se presento una inscripción grabada en piedra de mármol con una tipografía

que se destacaba por su belleza, armonía y claridad. Este mismo fue calificado como

el prototipo perfecto de la tipografía que fue desarrollada hasta hoy en día en el mundo

occidental. Por el siguiente suceso todo lo que reconoce como el diseño tipográfico

desde el siglo XV hasta hoy tuvo de base esta inscripción para las creaciones de todos

los caracteres agrupados bajo la familia tipográfica que se reconoce como romana. La

otra gran rama de la tipografía se encuentra en las que son de palo seco, pero esta

misma no se produjo hasta la segunda década del siglo XX. Luego de cierto tiempo

los romanos introdujeron la cursiva, como la base de la minúscula.

Durante el siglo XV, y a lo largo de todo el Renacimiento se destaca la disciplina

editorial, en ella el libro. Este fue una de las mayores maneras de transmitir

información en la cultura occidental. Dentro de los primeros 50 años el libro logra

destacarse consiguiendo un valor de absoluta plenitud.

Alrededor del año 1440 se inventa en Alemania un nuevo procedimiento de impresión

a base de tipos móviles, intercambiables y reutilizables que logro una gran revolución

a lo que se conocía como la escritura manuscrita.

Se empiezan a tener en cuenta la perspectiva, la proporción, el orden, las relaciones

armónicas y simétricas, como la geometría. Temas que se destacan hoy en día en el

Diseño Gráfico.

Volviendo a la gran invención de Alemania se destaca ya que se encuentra

estructurado con el conjunto de piezas que se combinan entre si, y que contienen

operaciones exactamente proporcionales, modulares y armónicas. Las piezas que

contienen las pequeñas letras logran encajar unas a otras así como todo el resto del

material tipográfico. Todas juntas dan como resultado geométrico final una forma que

será rectangular o cuadrada, dependiendo del marco de cada prensa que se inserte en

un solo bloque en la platina que determina el molde que se imprimirá.

El libro en sus principios conservo las características principales que contenían los

manuscritos, hasta que se fue inspeccionando en las diferentes maneras de

encuadernación con las que el libro impreso adquirió una entidad mucho más formal,

totalmente distinta al modelo histórico tradicional que era.

Los libros que eran ilustrados se presentaban en blanco y negro, era coloreado a

mano posteriormente por los iluminadores de manuscritos.

Se puede sintetizar aclarando que la técnica tipográfica se logra reducir a dos

elementos fundamentales, los tipos móviles y la prensa de imprimir.

Los primeros libros creados por Gutemberg no llegaban a conseguir las características

viejas y el objetivo que se lograba anteriormente, en donde se encontraban dos

bloques de columnas por página. Estas características se logran ver progresar en la

edición de la famosa Biblia de 42 líneas, la cual fue editada entre 1452 y 1455 en

Mainz, donde Gutemberg era el que corregía los espacios entre líneas de los primeros

libros impresos.

En Italia el diseño del libro impreso es introducido en un tiempo en el que las formas

visuales eran reconsideradas por un análisis racionalizador que el Renacimiento

proponía. Tan incondicional fue el apoyo para la producción de los libros que Venecia

en tan solo 30 años, fue considerada como el mayor centro impresor de Europa

conteniendo cerca de 200 talleres tipográficos.

Dentro del ámbito Tipográfico se debe destacar según Satué al diseñador francés

Nicolas Jenson. Mientras Gutember ayudaba a realizar las ediciones de la Biblia,

Jenson, el cual es grabador, tipógrafo y editor, no solo diseño sino que también fundió

un tipo conocido como Jenson, el cual ha sido comercializado hasta el siglo XX. Para

lograr su excelente trabajo se baso en la inscripción prototípica de la columna Trajena,

anteriormente mencionada en este proyecto. Se baso en la letra mayúscula y de la

carolingia para la minúscula creando un nuevo tipo de letra romana con una altísima

claridad, tanto en una sola letra, como en toda su composición.

¨Jenson representa el origen de una actitud estética y racional en el tratamiento de la

pagina impresa¨ (1992, p 37) Desde Gutemberg hasta Jenson se aumento la

perfección de conseguir en el producto la estética perfecta para la impresión del

mismo. No solo de impreso visualmente sugestivo, sino de técnica intacta y

filosóficamente armónico. Estas características llevaron a impresores, grabadores e

incluso editores a perfeccionar un producto que iba a alcanzar en Italia una

importancia extraordinaria.

Durante el Humanismo Renacentista se logro algo que no se habia logrado

previamente. Se considero la presencia de una armonía en relación entre el diseñador,

el grabador de tipos, el tipógrafo, el impresor, el encuadernador y el editor.

Aldo Manuzio es otro filósofo a destacar para la siguiente etapa. Este señor, yerno de

Jenson, edito los clásicos griegos y latinos con una calidad formal a destacar. Con

este mismo hombre nació la tipografía que se conoce como cursiva o inclinada a la

que hoy en día en el hablando gráficamente se conoce como itálica. Su autor destaco

que la creo para poder ahorrar espacios, ya que es mucho mas estrecha que la

tipografía original. Al ser mas estrecha, lograba entrar más espacios impresos sobre el

papel dentro del bloque. Con esta información se concluye que la especialidad del

Diseño Grafico no queda concluida hasta la segunda época de la Barhaus, casi

quintos años mas tarde.

1.2 La Barhaus fuente principal del Diseño Grafico

Bauhaus fue la responsable del mayor cambio que sufrió el diseño grafico, así como el

industrial y la arquitectura dentro de la década de los años veinte donde el diseño va a

sufrir varios cambios. Para poder entender estos cambios se debe recordar que en

Europa la renovación del diseño se produjo en los campus del diseño tipográfico y en

la evolución y la aplicación de la fotografía como un medio de representación en la

comunicación de carácter publicitario. Se destaca en esta gran etapa a Gropius, quien

pertenece al grupo de intelectuales. Tenia como objetivo establecer un contacto con la

producción industrial y así formar jóvenes en el ámbito de trabajo manual y mecánico.

Estos mismos luego pasaron a ser los objetivos a cumplir que proponía la Barhaus.

Para lograrlo Walter Gropius reúne a un increíble plantel de personalidades artísticas a

destacar para que formen parte como profesores de la escuela.

Como primer objetivo de Gropius, de aplicar el arte a la producción industrial y de esta

manera al consumo, el diseño grafico pasó a destacarse y a ocupar un lugar esencial

en el marco de la escuela. Durante la primer etapa de la Barhaus, y hasta la

incorporación en 1923 de Moholy-Nagy, el diseño grafico no se destacaba como una

asignatura. El húngaro Moholy-Nagy es un artística teórico y experimental, muy

vanguardista cuya importancia altera de manera impactante la estructura de la

Barhaus. Lo que destaco la escuela con la llegada de esta persona es que se tuvieron

en cuenta a destacar todos los errores que se presentaban en la tipografía hasta ese

momento. Por este motivo lo que realizo la Barhaus fue resolver todos lo problemas

que ellos habían encontrado. El mismo lo afirmo con sus propias palabras diciendo ¨La

Bauhaus ha profundizado todos los problemas que conciernen a la tipografía y ha

reconocido justas las argumentaciones aducidas en favor de la escritura unitaria¨

(1992, p 152)

La Barhaus desarrollo ciertos proyectos probando diferentes aspectos para solucionar

los problemas de las tipografías. Muchos de ellos, fueron intentos fallidos, hasta el que

acertaría Paul Renner, creando el alfabeto bajo el nombre de Futura. Este mismo

alfabeto esta basado en los origines del alfabeto griego. El papel que jugo esta

tipografía abrió puertas para que la tipografía tuviera un cierto cambio. Fue cuando

Kurt Schwitters uno de los grandes miembros del movimiento del Dadaísmo, diseño un

1927 un alfabeto fonético, en el cual había una mezcla importante entre mayúsculas y

minúsculas. El resultado de este mismo se definió como caótico, aun así era uno de

los alfabetos mas atractivos para observar gráficamente.

La fotografía se destaca en este proyecto de graduación, es así como también se logro

destacar y tuvo su cierta importancia dentro de la Barhaus. Tras todo lo que fue la

revolución grafica lograda por la fotografía y la tipografía, se han convertido en los

tipos de lenguajes de comunicación visual en ese momento. Eran utilizados ambos por

la escuela como el exponente visible que mostraba toda forma de renovación y

modernización de la grafica publicitaria.

Se conoce al movimiento denominado La Nueva Fotografía que se destaco en 1927,

llevo como cabeza a profesores de la Barhaus, especialmente con la participación del

propio Moholy-Nagy. Lo que el mismo proponía era la manera de poner obtener una

fotografía en ausencia del uso de un lente, la fidelidad al negativo. El veía a La

fotografía como un instrumento técnico y mecánico de ilimitadas posibilidades.

Este mismo autor siguió logrando varias características que aportaron gran

importancia a la evolución de la tipografía. En 1929 publico un artículo en una revista

editada, donde destaco sus pensamientos con respecto a las letras. Dentro de estos

aspectos se destacan algunos. ¨Se empezó a tener en cuenta el hecho de que la

forma, formato, color y disposición de los materiales tipográficos, siendo letras y signos

poseen una gran eficiencia visual¨. (1992, p 157)

El mismo sabía que la introducción de la fotografía en los carteles de vía publicitaria

iban a causar otro impacto, que las tipografías solas no podían causar. ¨La inclusión

de la Fotografía en el diseño de carteles traerá consigo un cambio radical¨ (1992, p

158) Decía que un cartel debía transmitir todos los puntos básicos que tenia una idea,

el futuro dependía de la fotografía y de sus usos de técnicas de retoque para

proporcionar un mensaje con más claridad. Dentro de estos retoques se podrían

destacar negativo, sobreimpresión, distorsión, ampliación, entre otros.

Se puede concluir que los dos recursos con mayor importancia del nuevo arte del

cartel son, la fotografía, esta misma ofrece amplios y poderosos métodos de

comunicación al tan solo verla. El segundo recurso va a ser la Tipografía donde al

tener esta variaciones en su composición llamara mas la atención con el uso del color.

Se puede analizar que la Barhaus fue una de las escuelas que marco al Diseño

Grafico. Fue algo que lograron muchos diseñadores juntos, aportando sus ideas y su

visión, ese aporte es hoy en día gran parte de todo lo que nosotros destacamos del

Diseño Gráfico. Con las propias palabras de Gropius se puede comprobar. ¨El

individuo aislado n puede lograr ese objetivo, solo en la colaboración de muchos

puede hallarse la solución que, por encima de lo individual, conserva validez a través

de los años¨(1992, p 164) La Barhaus constituyo el parámetro de toda escuela que

sea de arquitectura, diseño industrial y diseño grafico. Lo que logro la escuela fue

ordenar una actividad que estaba desordenada, descubrieron lo mejor de ella y la

hicieron brotar en su mayor esplendor haciéndola y convirtiéndola en una actividad

totalmente profesional y de manera especifica.

1.3 El Diseño Editorial

La creatividad Norteamericana no se destaca precisamente en el libro. La mayoría de

los diseñadores grafico o ilustradores han brindado su tiempo ha realizar ediciones

especiales o diseños de cubierta, donde los libros de consumo siempre se

mantuvieron como productos gráficos convencionales.

Los americanos lograron hacer algo que los europeos no podían lograr. Estos mismos

lograron que revista se convirtiera en un producto de consumo de masas con un nivel

de exigencia estética elevado y un planteamiento grafico sumamente audaz.

Si se tendría que elegir un referente que sea bueno o malo en esa época de todas las

publicaciones editadas entre los treinta y sesenta, la revista Life se toma como

referencia. Esta misma ofrece extremos, desde adictos a la droga hasta monstruos

prehistóricos. La próxima página es siempre impredecible, uno nunca sabe con que se

puede llegar a encontrar. El éxito de esta revista sugiere que ¨El ojo absorbe la pagina

como un todo¨ (1992, p 290). Se dice que no solo la pagina, sino que toda la revista en

si se convierte en una Gestald única en la cual la relación parece viviente.

La revista Life es un clave símbolo de que el diseño en una revista no es un elemento

de venta. En total competencia a esta se encuentra la revista Look , esta contaba con

el mejor grupo de diseñadores de ese momento. Esta gran revista estaba en manos de

Haurtburt, quien confiesa no haber utilizado la retícula para la creación de su

estructura. La retícula es la que permite facilitar la composición de la revista, es la que

logra estructurarla. Sin embargo el autor no tenia la misma visión para esta, ya que

decía que si la utilizaba le quitaba rapidez y libertad a la hora de diseñar.

Equire fue una de las revistas que se destaco como una de las más interesantes por

su diseño dentro de los años cincuenta y sesenta. Henry Wolf estaba a la cabeza

como director artístico, quien se unió a su creador George Lois. Wolf sintió que la

primera vez que se encontró con la revista esta misma se destacaba por ser única y

decía que había marcado su mente ya que tenia una identificación automática entre

todas, le aportaba felicidad y energía.

Mientras Wolf se encontraba al mando de Equire utilizo una superficie que se destaca

por su impreso, el cual estaba hecho en un lujoso papel estucado. Se destaco por

manejar una mezcla de creatividad y de conocimiento que dejaba pasos a marcar.

Se produjo una gran competencia entre todas las revistas que existían para ese

entonces. Donde la importancia por tener más seguidores era el gran objetivo. No se

podía aceptar el hecho de perder ninguno, es por esta razón que durante ese tiempo

todos los autores dedicaban su atención al diseño grafico.

Para lograr una mayor atención, a este grupo de grandes diseñadores se les sumo

una gran cantidad de fotógrafos e ilustradores cuya obra le aporto una objetiva calidad

a las publicaciones. Muchas de las revistas se convirtieron en fuente de las fotografías.

Estas mismas eran las que atraían a los seguidores. La fotografía que se encontraba

en cada publicación era la que determina la línea temática que la revista seguía. Se

puede entender mejor lo explicado dando ejemplos. Una de las revistas a destacar es

la National Geographic, la cual por su fotografía se convirtió en un gran documento de

consulta y archivo de los profesionales de la estética comercial. Del mismo Estilo se

pueden destacar la Playboy, Fortune, Sports Ilustrated, Seventeen entre otras.

Dos factores que contribuyeron a la renovación de la grafica editorial fueron la

tipografía suiza y el Cinemascope. Por la vía de la tipografía se dio paso a la retícula

estructural, se dio paso a la imaginación de los diseñadores gráficos e ilustradores del

momento.

La renovación tipográfica, y la fantasía de los diseñadores e ilustradores fueron los

que llevaron acabo la cuestiones del espacio en las paginas de cada revista. Donde la

retícula era la protagonista, regulando la estructura de manera modular, dándole

armonización y equilibrio a la composición. Composición que estaba construida por

medio de tipografía, ilustraciones o fotografía y espacios blancos. Fue la gran calidad

de los fotógrafos americanos comerciantes, publicitarios o de modas los que aportaron

en gran medida a dignificar un producto cuyo trazado grafico no es del todo

beneficioso.

Como ejemplar de lo destacado se toma como ejemplo a la revista Vogue se centra en

la fuerte personalidad del fotógrafo Richard Avedon. Este mismo logro marcarla como

una gran publicación por sus fotografías mas allá de su diseño grafico y de su

compaginación. Se destacan la habilidad que tenia para manejar las zonas de luz y

sombras, la manera en que sus fotografías se caracterizaba por la sobriedad personal

que aportaban sus fondos, la calidad de blanco y negro que presentaban. Siempre

sorprendía al modelo con actitudes inéditas, sacando algo de ellos mismos en cada

retrato. Estas características son aquellas que marcan la singularidad de las

fotografías de un fotógrafo comercial que ha marcado una gran huella en generaciones

de todo el mundo.

Al lado de Avedon, varios profesionales se han destacado y han situado a la fotografía

comercial y periodística de los estados unidos a la cabeza del Rankin de manera

mundial.

En el influyente campo de la moda se encuentra la revista Vogue la cual mantiene el

mismo diseño grafico desde sus orígenes. Aun así su diversificación en sucesivas y

autónomas ediciones, teniendo americana, inglesa, australiana, francesa, italiana y

española. El diseño entre ellas es familiar, eso hace que se unifiquen. Obtiene

brillantes diseñadores que hacen que sea una de las revistas más especiales. Uno de

ellos es Roman Cieslewicz, este le aporta a la publicación su diseño que hace que sea

una fuente de identidad. Roman no fue el único en hacer historia, lo acompaño Alexey

Brodovitch, director artístico de la Harper´s Bazaar. Este hizo época como también lo

hicieron las revistas Time y Life, pero estas sobresalieron por su acierto temático y

periodístico mas que por su destacado diseño.

Los productos de los años setenta son más efímeros en la consideración con respecto

al público. Se tenía un publico caprichoso, se hablaba de un exceso de diseño, de

desmerecía el producto editorial, que empezaba a parecerse a un folleto publicitario.

Parecen mucho más efímeras en los años ochenta, donde no solo se creaban

lenguajes propios, obtenidos atreves de la fotocomposición como por ejemplo The

Face revista británica con Neville Brody donde se recrea el protagonismo de la imagen

y el gran formato. Algo que logro mediante Andy Warhol al crear Interview.

La manera científica de todos estos valores históricos encontrados en el diseño de las

revistas se debe a la previa elaboración de la estructura reticular. Esta predetermina y

subdivide el espacio. Se define el tamaño tipo de las columnas de texto, así como el

de las fotografías o ilustraciones y la relación de blancos entre unas y otras.

A diferencia de las revistas en el campo de la prensa diaria, la intervención de un

diseñador grafico es mucho más escasa, por la problemática especifica que tiene el

medio. La metodología que tiene un diario en su estructura se impone por la urgencia

y por esta razón el diseñador no suele hacer mas allá de una retícula minuciosa.

Muchos diarios a lo largo de la historia han tratado de cambiar su estructura para

lograr un diseño más efectivo y con un campo visual de alto impacto. Característica

que logro el diario The New York Times, en algunas de sus secciones.

1.4 El Diseño Gráfico en la Argentina

Se podría afirmar que no es tan clara y de mayor nivel la influencia que aporta

Argentina hacia otros países del continente. Aun así la coherencia cubana en la

ornamentación de las cajas de tabaco, es lo que se transforma en Argentina como una

constante y renovación. Se puede decir que el diseño grafico contemporáneo no lo

desempeña ni México, ni Argentina, sino Brasil. Un país que se convirtió en el líder

vanguardista, proporciono la enseñanza del Diseño Gráfico a nivel universitario, en

1963. Esto le proporciono poner en marcha a mecanismos pedagógicos y críticos para

ser llamado como un país como un puro profesionalismo y esperanzador.

Retomando al Diseño Grafico en nuestro País. En 1705, en la provincia de Misiones

dio su aparición un libro del padre Nieremberg que se titulaba La diferencia entre lo

temporal y lo eterno. Este libro forma parte de la primera realización del arte grafico en

suelo argentino.

Se tuvo que realizar la invención de los tipos móviles, correspondientes a los fonemas,

de manera que se los tallo, y fundió y se compusieron para el fin de imprimir en una

prensa el libro que el mismo autor había construido la forma de impresión. Una vez

realizado los tipos móviles se pudo imprimir el libro titulado La Biblia de Gutemberg de

América Latina.

En 1801 dio su aparición el primer periódico Argentino. El Telégrafo Mercantil. En 1833

aparecen en Buenos Aires unos dibujos de plumas litográficos producidos por un

equipo de resonancias francesas.

El cambio del siglo es el que provoca la aspiración argentina por formar parte al

conjunto de naciones modernas y al cultivo dentro de las actividades artísticas. Entre

ellas se destaca el Diseño Gráfico. Luego del gran desfile de carteles publicitarios en

Europa, Argentina organiza por primera vez lo que se conoció como la primer

exposición universal de Carteles Comerciales.

Se destaco la industria de cigarrillos, realizada por Manuel Malagrida, quien era un

catalán que se estableció en Buenos Aires, con motivo a la gran inmigración española.

Malagrida convoco a un concurso de carteles para mostrar la marca Paris. Concurso

que se realizo en 1900, y tuvo mayor éxito. En este mismo concurso se obtuvieron tan

solo 31 fallidos entre los 555 concursantes. Por esta razón este concurso se ubica

entre los más importantes de la historia del cartel comercial.

El instituto Torcuato Di Tella, se fundo en 1958 en un honor a un ingeniero que creía

profundamente en la virtualidad de Argentina. Los diversos estudios se centran en

bellas artes, música, medicina, ciencias sociales y economía. Disponen también de

biblioteca, como de casa editora y un gran servicio de becas. ¨ Todas estas áreas,

dirigidas por especialistas de prestigio, sienten la necesidad de dar un nivel a los

trabajos de diseño gráfico que precisan, no solo desde su servicio funcional, sino

también como representación de un diseño vanguardista¨ (1992, p 420)

Juan Carlos Distefáno, quien logro sus estudios en la Escuela Industrial de Artes

Gráficas y en la Academia de Bellas Artes, perfeccionando sus conocimientos en Italia,

es el maestro de la imagen gráfica del Instituto.

Fue el director del Centro De Diseño Gráfico del Instituto entre otros puestos

importantes. Se sabía que en esa época no existía escuelas que enseñaran diseño,

por esta razón se encontraban dificultades de poder encontrar un buen diseñador

grafico que fuera argentino. Encontramos a Ronald Shakespear. Un sociólogo que

puede estar en la base de la enorme estructura de dificultad que obtiene un

profesional del diseño grafico argentino.

En los años sesenta Argentina era la primera potencia de América Latina en lo que

destaca la edición de libros y otros tipos de materiales de lectura. Conociéndose como

diarios, en el cual el que conocemos como Clarín se destacaba, por su gran tirada,

postulándose a la cabeza de todos los periódicos impresos en castellano de todo el

mundo y la conocida revista Billiken, la cual llegaba con gran éxito a España.

Al centrarse en las ilustraciones del diseño de cubiertas e ilustraciones que estas

contienen de libros hubo la gran posibilidad de establecer una tendencia. Muchos de

los profesionales europeos que emigraron a Argentina luego de la segunda guerra

mundial contribuyeron en ella una base fija y llena de excelencias por donde poder a

desarrollar ciertas identidades editoriales. El diseño editorial de los años setenta se

recuerda con firmeza, ya que se estableció la edición argentina, dando nacimiento a

varias editoriales conocidas como Losada, Nueva Visión y Ediciones Infinito.

Fue asi como la Argentina gracias a ciertas personalidades logro desarrollar el Diseño

Gráfico y destacarse en ello.

En conclusión del primer capitulo del siguiente Proyecto de Graduación, se tiene ahora

una mayor visión de la historia del Diseño. Tomando herramientas de gran

conocimiento para poder entender aun mas con mas detalle los siguientes capítulos

del mismo trabajo. La historia, es un proceso una evolución. Lo que hoy conocemos

como Diseño Grafico o Diseño Editorial es un reflejo de todos aquellos momentos de

su principio y se sabe que en todo momento se esta haciendo historia. La tecnología

va avanzando cada día mas, dando pasos y creando un nuevo Diseño Grafico.

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