José Areán · El interés del maestro Manuel M. Ponce por contar con una agrupación orquestal en...

ORQUESTA SINFÓNICA DE AGUASCALIENTES1

Queridos amigos,

Me da un enorme gusto darles la bienvenida nuevamente a nuestra temporada en la OSA. Después de nuestros conciertos en la Feria, destacadamente nuestras participaciones en el Foro del Lago con un homenaje a Pedro Infante y otro, contrastante, a David Bowie, regre-samos a nuestras actividades con ímpetu renovado.

En esta segunda temporada, contaremos con tres directores huéspedes de alta calidad, un joven y talentoso pianista solista zacatecano de apenas 14 años; tendremos dos conciertos especiales: uno regresando al Teatro Bicentenario de León, otro, una gala operística que lu-cirá dos grandes voces mexicanas para cerrar con broche de oro nuestra temporada. Espero que nuestra programación sea de su agrado, y que continuemos ofreciéndoles lo mejor de la música de México y el mundo. Los esperamos!

José AreánDirector Artístico


CONCIERTO

UNOMayo 11,

Museo Espacio. 20:00 h

Juan Carlos Lomónaco: Director Huésped

PROGRAMA

1.-SINFONÍA NO. 40

EN SOL MENOR.K550

WOLFANG A. MOZART

I. Molto Allegro

II. Andante

III. Menuetto

IV. Allegro assai

I N T E R M E D I O

2.-SINFONÍA NO. 5 EN SI

BEMOL MAYOR, OP. 100

SERGEI PROKOFIEV

I.Andante

II.Allegro

III.Adagio

IV.Allegro

Juan Carlos LomónacoDirector titular de la Orquesta Sinfónica de Yucatán desde 2009, se graduó en el Curtis Institute of Music de Filadelfia, donde estudió dirección de orquesta con Otto-Werner Mueller. Asimismo, realizó estudios en la Pierre Monteux School con Charles Bruch y en la Universidad de Montreal. A los 23 años debutó con la Orquesta Sinfónica Nacional de México y desde entonces ha dirigido más de 50 orquestas en los siguientes países: USA, Canadá, Venezuela, Perú, Ecuador, Colombia, España, Portugal, Italia, Serbia, Montenegro, Macedonia, Bulgaria, Polonia, Rusia y Kazajistán. Entre las orquestas que ha dirigido destacan Orquesta y Coros Nacionales de España, Orquesta Simón Bolívar de Venezuela, Sinfónica Nacional del Perú, Ópera y Ballet de Bellas Artes de México, Sinfónica de Xalapa, Filarmónica de la UNAM y The Polish Chamber Orchestra entre otras. Ha sido director titular de las Orquestas Sinfónica Carlos Chávez, del Instituto Politécnico Nacional, Conservatorio Nacional de Música, así como director y fundador del México-Philadelphia Ensemble y Ensamble Iberoamericano. En México dirige frecuentemente las orquestas más importantes del país. Su extenso repertorio y versatilidad abarca desde ópera, hasta música contemporánea. Ha participado en los festivales internacionales de San Lorenzo de El Escorial, de Música Contemporánea de Treviso, de Gaia-Portugal y Cervantino en México. Ha acompañado a solistas, como Juan Diego Flórez, Alexei Volodin, Leticia Moreno, Vadim Brodski, Jorge Federico Osorio y Carlos Prieto. Su discografía con diversas orquestas, asciende a más de 20 grabaciones. Acreedor al Presser Music Award y las becas del FONCA en cinco ocasiones. Es seleccionado en 2010 por la revista LÍDERES MEXICANOS como uno de los 300 mexicanos más influyentes.


ORQUESTA SINFÓNICA DE AGUASCALIENTESLa tradición sinfónica de Aguascalientes se remonta a los comienzos del siglo pasado al ser creada en 1908 la orquesta del Teatro Salón ‘Vista Alegre’ que, pocos años después, se convertiría en la Orquesta del Teatro Morelos. El interés del maestro Manuel M. Ponce por contar con una agrupación orquestal en el estado lo llevó a interceder ante José Vasconcelos, el Secretario de Educación Pública en el gobierno de Álvaro Obregón, para fundar la Orquesta de Aguascalientes en 1922, dirigida en un primer momento por el maestro Manuel Macías Femat y posteriormente por Apolonio Arias. Este empeño, sin embargo, no fue muy exitoso y la orquesta debió reorganizarse en 1927 por iniciativa del maestro Alejandro Topete del Valle y dirigida por el compositor Arnulfo Miramontes. La nueva agrupación musical presentaba un concierto cada mes en el Teatro Morelos. Sin embargo, no se podía hablar de una situación de verdadera regularidad, por lo que se reorganizó en 1930 bajo la batuta del maestro Macías Femat para posteriormente pertenecer al Sindicato de Trabajadores de la Música y, en 1947, a la recién creada Academia de Bellas Artes. En todo caso, las presentaciones de la orquesta –dirigida, sucesivamente, por Ricardo García y José Ruiz Esparza Vega— eran muy esporádicas. En 1982, Filiberto Ramos asumió la dirección musical de un conjunto que, en 1988, adoptaría el nombre de Orquesta del Teatro de la Ciudad. La Orquesta Sinfónica de Aguascalientes (OSA) como tal, se constituyó formalmente en 1992 y su primer director musical fue el maestro Alfredo Ibarra. Sin embargo; la consolidación del conjunto orquestal como lo conocemos ahora, se debió al impulso que le dio el maestro Gordon Campbell, quien incrementó el número de plazas y elevó considerablemente el nivel artístico de la agrupación. La llegada del maestro Enrique Barrios contribuyó a la calidad musical de la OSA y sus producciones discográficas que enriquecieron decisivamente el legado de la orquesta. El maestro José Román Revueltas Retes tomó la batuta en el 2005, y bajo su dirección, la OSA incrementó el número de presentaciones hasta convertirse en uno de los conjuntos sinfónicos más productivos del país. Además de los conciertos de las temporadas regulares ofrecidas en el Teatro Aguascalientes, la orquesta ha establecido un programa para ofrecer conciertos en las zonas populares del estado y ha consolidado sus temporadas de conciertos didácticos para atender, cada año, a más de 13 mil estudiantes en la entidad. Del 1 de mayo al 15 de julio del 2017 fue nombrado director musical interino de la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes el maestro Iván López Reynoso y actualmente desde el 16 de julio del mismo año el maestro José Areán es el nuevo director musical titular de la orquesta.

La OSA es un organismo en constante movimiento –realiza conciertos navideños en las parroquias de la capital, se presenta los domingos en Palacio de Gobierno durante la Feria Nacional de San Marcos, lleva a cabo conciertos populares y funciones de ballet, cuyas líneas de acción se han establecido de manera muy puntual en el Instituto Cultural de Aguascalientes para atender a la población hidrocálida. El creciente número de asistentes a los conciertos y la constante presencia social de la orquesta en la comunidad aguascalentense, significan retos que fortalecerán todavía más la vocación de servicio de uno de los mejores conjuntos orquestales de México.


Marc MoncusíDirector de orquesta español formado en Barcelona, Madrid, Pittsburgh y Cincinnati, ha trabajado profesionalmente con los Maestros Jesús López Cobos, y en la Deutsche Staatsoper de Berlín de invitado por Daniel Barenboim (2001-2004).El año 2000 fue director asistente de Julius Rudel en Pittsburgh en la primera producción mundial en inglés de la ópera Die Bürgschaft de Kurt Weill, y en el 2011 fue director asistente en el Teatro de La Zarzuela de Madrid y en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona en el estreno mundial de la ópera Yo, Dalí de Xavier Benguerel bajo la dirección de Miquel Ortega. El año 2012 dirigió una nueva producción de Madama Butterfly en el Gran Teatro de La Habana en conmemoración del 50 aniversario de la fundación del Teatro Lírico Nacional de Cuba. Ha sido director huésped de la Orquesta Sinfónica del Estado de México, Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, Orquesta Sinfónica del Teatro Nacional Cláudio Santoro de Brasília y la Orquesta Sinfónica do Paraná en los conciertos conmemorativos de la Semana de Europa 2014 en Brasil, Orchestra da Camera Fiorentina, Orquesta Filarmónica de Silesia (Polonia), Orquesta Sinfónica Nacional de Chile, Orquesta do Norte (Portugal), Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza “Grupo Enigma”, Orquesta Sinfónica Provincial de Málaga, Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, Orquesta de Cámara de La Habana, Orquesta Sinfónica de Oriente (Santiago de Cuba), Orquesta Sinfónica de Villa Clara (Cuba), Orquesta Sinfónica de Matanzas, Orquesta Sinfónica del Gran Teatro de La Habana, Joven Orquesta Nacional de Cataluña, Orquesta de Cámara de Bellas Artes, Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba, Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil de Chile, Solistas de la Civic Orchestra of Chicago, así como diversos grupos instrumentales en los Estados Unidos y Europa. Marc Momcusí ha dirigido a solistas de renombre mundial tales como los Maestros: Abel Pereira, trompetista, la mezzosoprano Ana Häsler, los pianistas Raphael Lustchevsky, Zbigniew Raubo y Cecilio Tieles, el guitarrista Raúl Zambrano, los violinistas Evelio Tieles y Emanuel Salvador, el violonchelista Asaf Kolerstein, entre otros. El 2004 fundó el Barcelona Modern Project con el que tiene grabados 9 discos en su haber; Las óperas de cámara El Paradís de les muntanyes y URBS de Jesús Rodríguez Picó, unos monográficos de Xavier Benguerel, J.M. Mestres Quadreny, Anna Bofill y José Luis de Delás; un CD de primeras grabaciones mundiales de unos conciertos inéditos de L. Balada, J. Rodríguez Picó y J. Guinjoan; un disco grabado en vivo en diciembre del 2008 en el MNCARS de Madrid, así como un monográfico dedicado a la figura del compositor Cristóbal Halffter grabado en directo por Radio Bremen en la Sendesaal de Bremen en Octubre del 2010 y producido por el Instituto Cervantes. Marc Moncusí ha dirigido al Barcelona Modern Project en Viena (Festival Spanien Modern 2009 y 2011), Auditorio del MNCARS de Madrid en el ciclo del CDMC, Teatro Fortuny de Reus, Sala Mompou (SGAE / Barcelona), Auditorio Josep Carreras de Vilaseca, Auditorio de Caixa Catalunya (La Pedrera / Barcelona), Fundación Miró de Barcelona, Sendesaal de Bremen en el ciclo Polifonía de Compositores organizado por el Instituto Cervantes (Bremen 2010), Festival Aujord´hui Musiques 2010 de Perpignan, Teatro Nacional de Cataluña, etc. Entre sus próximos compromisos destacan la dirección musical de El Barbero de Sevilla en el Teatro Metropolitano de Medellín con la Orquesta Filarmónica de Medellín, una gira en octubre 2014 por México con las orquestas sinfónicas de la Universidad de Guanajuato, San Luis Potosí, del Estado de Michoacán y de Aguascalientes. Debut en diciembre 2014 con la prestigiosa Orquesta Sinfónica de Beijing, Orquesta Filarmónica de Wuhan (China), Opole Philharmonic Orchestra (Polonia), Orquestra Clássica do Sul (Portugal), Orquesta Sinfónica de Guayaquil, 25 Festival Internacional de Ballet de La Habana 2016 con el Ballet Nacional de Cuba, conciertos y grabaciones con el Barcelona Modern Project, así como una gira por las principales orquestas en México, entre las cuales se realizarán las grabaciones en vivo de obras de compositores mexicanos y música del siglo XX. Marc Moncusí es desde la temporada 2005/2006, director artístico de la Asociación de Conciertos de Reus establecida en el Teatro Fortuny.

CONCIERTO

DOSMayo 18

Museo Espacio. 20:00 h

Marc Moncusí: Director Huésped

PROGRAMA

1.-DON JUAN, OP.20.

POEMA SINFÓNICO

RICHARD STRAUSS

I N T E R M E D I O

2.-SINFONÍA NO. 9 EN

DO D944 (LA GRANDE)

FRANZ SCHUBERT

I.Andante - Allegro ma non troppo

II.Andante con moto

III.Scherzo. Allegro vivace

IV.Finale. Allegro vivace


CONCIERTO TRES

Junio 8Teatro Aguascalientes. 21:00 hrs.

José Areán: Director ArtísticoEli Manzo: Piano

PROGRAMA1.-OBERTURA MANFRED,OP.115

ROBERT SCHUMANN

2.- CONCIERTO PARA PIANO NO.2 EN RE MENOR, OP. 40

FELIX MENDELSSOHN

I. Allegro appassionato

II. Adagio

III.Presto scherzando

I N T E R M E D I O

3.-SINFONÍA NO. 3 EN MI BE-MOL MAYOR, “RENANA”, OP. 97

ROBERT SCHUMANN

I. Lebhaft

II. Scherzo: Sehr mäßig

III. Nicht schnell

IV. Feierlich

V. Lebhaft

Eli Manzo HernándezNacido en Zacatecas, Zacatecas. Es estudiante de tiempo completo en Música con especialidad en Piano en la Unidad Académica de Artes de la Universidad Autónoma de Zacatecas. Entre sus premios más importantes destacan: Premio Nacional de la Juventud 2017, Mención Honorífica y Tercer lugar en el Concurso Internacional de Piano Carmel Klavier en Indiana Estados Unidos en 2017. En 2016, fue ganador del Primer Lugar en la IX Bienal Internacional de Piano en Mexicali, Baja California, y en 2013, del Concurso Nacional Yamaha-Cedros en la Ciudad de México. A la corta edad de 9 años, debutó como solista de la Orquesta Filarmónica de Zacatecas en el Festival Cultural Zacatecas, 2013. Tres años después, fue becado para participar en el International Keyboard Institute & Festival en la Ciudad de Nueva York, donde tomó clases con diversos maestros de talla internacional como: Jerome Rose, Ilya Yakushev, José Ramos Santana, Nina Leichuk, Yuri Kim y Dmitry Rachmanov, entre otros. En octubre de 2016, tuvo la oportunidad de presentarse en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México como solista de la Orquesta Sinfónica Nacional, y posteriormente asistió como intérprete al marco del Festival Internacional Cervantino 2016 en el Teatro Juárez de la Ciudad de Guanajuato. En 2017, tocó con la Filarmónica de la UNAM en la Sala Nezahualcóyotl y con la Orquesta Sinfónica de Xalapa, siendo al día de hoy el solista más joven de México en presentarse junto a las Instituciones Sinfónicas más importantes de nuestro país. De la mano de su padre, busca ser un digno representante de México ante el mundo, así como, impulsar a los jóvenes de su edad compartiendo su música, no sólo en salas de conciertos, sino en espacios diversos como escuelas de educación básica, asilos de ancianos y centros de readaptación social con la finalidad de incentivarlos a que la música puede ser un factor de cambio positivo en nuestra sociedad. En febrero de este año, asistió a los cursos que imparte el maestro Matti Raekallio en la Juilliard School de Nueva York y en los meses subsecuentes se presentará con el Cuarteto José White y actuará como solista de las orquestas del Estado de Hidalgo, Filarmónica de Zacatecas y Filarmónica de Jalisco. En el mes de Marzo del presente año fue distinguido con el nombramiento “Embajador del Premio Nacional de la Juventud 2018”.


CONCIERTOCUATRO

Junio 15Teatro Aguascalientes. 21:00 h

Gordon Campbell: Director Huésped

PROGRAMA1.- OBERTURA

FESTIVAL ACADÉMICO, OP.80

JOHANNES BRAHMS

2.- DIVERTIMENTO

EN RE MAYOR K.131

WOLFGANG A. MOZART

I. (Allegro).

II. Adagio.

III. Menuetto. - Trio I. - Trio II.

- Trio III. - Coda.

IV. Allegretto.

V. Menuetto. - Trio I. - Trio II. - Coda.

VI. Adagio. - Allegro molto. - Allegro assai.

I N T E R M E D I O

3.- SINFONÍA NO.8 EN

SOL MAYOR, OP.88

ANTONÍN DVORÁK

Allegro con brio

Adagio

Allegretto grazioso – Molto Vivace

Allegro ma non troppo

Gordon CampbellDurante los últimos cuarenta años el maestro Gordon Campbell ha fundado orquestas profesionales en México y Paraguay. Actualmente es el director artístico de la Universidad del Norte de Asunción Paraguay; así como director titular fundador de la Camerata Campbell y el Coro de la Comunidad de Culiacán en Culiacán, Sinaloa; México.Es director emérito de dos orquestas por él establecidas, la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes (1992 – 2001) y la Orquesta Sinfónica Sinaloa de las Artes (2001– 2017). Por su trabajo al frente de ambas agrupaciones recibió en 2007 en el Palacio Nacional de Bellas Artes la Medalla Mozart otorgada por la embajada de Austria en México, condecoración que es hasta la fecha el galardón más prestigiado en la música clásica en el país. En 2006 obtuvo el premio de la Asociación de Cronistas de Teatro y Música en reconocimiento al trabajo desarrollado como fundador de la Orquesta Sinfónica Sinaloa de las Artes (2001), premiada como la más destacada del país 2005-2006. En 1991 le habían otorgado la misma presea como director orquesta, solista de corno y maestro de generaciones. Tiene el orgullo de haber llevado al Festival Internacional Cervantino a dos agrupaciones por él instituidas, la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes en 1997; y la Orquesta Sinfónica Sinaloa de Las Artes en 2012. Gordon Campbell se inició como director de orquesta en su pueblo natal Youngstown, Ohio; combinando esta vocación con su carrera como solista. Como cornista grabó los cuatro Conciertos para corno y orquesta de Mozart con el sello Ángel EMI Capitol; y bajo la dirección de Eduardo Mata el Concierto Brandemburgo no. 1 de J. S. Bach. Como director ha grabado varios discos, los que incluyen estrenos absolutos. Ha sido huésped de las orquestas más importantes de México, también ha dirigido en Dallas, Montevideo, Uruguay y Asunción, Paraguay. El maestro Campbell ha ganado adeptos a la música sinfónica fusionando los géneros programando compositores clásicos, latinoamericanos, y nacionales incluyendo el estreno de obras contemporáneas. Ha alternado con Paquito de Rivera, y Arturo Sandoval entre otros; ha realizado programas innovadores con repertorio de Big Band, Mariachi, Tango, Danzón, Beatles Queen, música tradicional. Ha incorporado música popular la del José Ángel Espinoza Ferrusquilla, y la que fuera interpretada por Pedro Infante. La crítica ha aplaudido su repertorio audaz y variado. Entre sus presentaciones más exitosas destacan la Consagración de la Primavera (Festival de Mayo de Guadalajara 2007); Suite el Mandarín Milagroso (Bellas Artes 2006); Caballería Rusticana (funciones en atrios de iglesias presentadas durante la Feria de las Artes 2005); La Boheme (Festival Internacional Tamaulipas 2004). Sin miedo a innovar, Every good boy deserves favor de André Previn con guion de Tom Stoppard una singular obra de teatro que incluye a la orquesta como parte del reparto. En enero de 2011 presentó en Alamos, Sonora la ópera mexicana la Mulata de Córdoba de Moncayo, en octubre de 2013 reincorporó al repertorio operístico nacional Falstaff de Verdi, ópera que llevaba 30 años sin presentarse en el país. En 2012 fundó La Camerata Campbell dedicada a la música de cámara; y creó con el apoyo de la empresa privada el Coro de la Comunidad de Culiacán. Ambas agrupaciones independientes, sostenidas por el Patronato Philomusica AC, la primera ofrece ciclos completos de repertorio barroco; el segundo está consagrado al repertorio vocal del mismo periodo.


CONCIERTO CINCO

Junio 22Teatro Aguascalientes. 21:00 h

Roberto Trainini: Violonchelo

José Areán : Director Artístico

PROGRAMA

1.-OBERTURA TRÁGICA, OP.81

JOHANNES BRAHMS

2.-CONCIERTO PARA CELLO Y

ORQUESTA OP.104, SI MENOR

ANTONÍN DVORAK

I. Allegro

II. Adagio ma non troppo

III. Finale. Allegro moderato

I N T E R M E D I O

3.-SINFONÍA NO. 4

EN MI MENOR, OP. 98

JOHANNES BRAHMS

I.Allegro non troppo

II. Andante moderato

III. Allegro giocoso

IV. Allegro energico e passionato

Roberto TraininiNacido en Bari, Italia en 1975, comenzó sus estudios musicales en Italia, con Vincenzo Caminiti (Violoncello principal de la RESO Dublín y de la Irish Chamber Orchestra) y con Pietro Bruno. En 1996 continuó sus estudios musicales en la International Menuhin Music Academy (Suiza) con una beca completa y como miembro de la Camerata Lysy. Estudió en varias instituciones de prestigio como son: la International Menuhin Music Academy, bajo la tutela de Radu Aldulescu. La Hochschule für Musik de Hamburgo, donde estudió con Wolfgang Mehlhorn (y obtuvo su posgrado con “summa cum laude” en 2003) El CNSMD de París bajo la dirección de Michel Strauss. Estudió también con Niklas Schmidt(Hamburgo) y Steven Isserlis (Prussia Cove, Inglaterra) Ha sido ganador de varias competencias internacionales de cello (4º. lugar en Markneukirchen Int. Wettbewerb 2001, 1er. lugar del Elise Meyer Hamburgo 2001, premio especial del Arturo Bonucci Roma 2003, 4º. lugar en Belgrado 2005) Se presenta regularmente como solista en Polonia, Alemania, Austria, Turquía,Sudáfrica, Rumania, Chipre, Italia, México, España y Portugal Colabora frecuentemente con la compositora rusa Sofia Gubaidulina (dúo para violín y cello, Sonnengesang para cello y ensamble) y con el director italiano Michele Santorsola Es miembro del ensamble Salzburger Solisten, un grupo de música de cámara que se presenta, interpretando desde dúos hasta octetos, alrededor del mundo con artistas de la talla de David Geringas, Karl Leister, Charles Neidich, Kolja Blacher, Joerg Demus, Jeremy Menuhin, Vladimir Mendelssohn y muchos otros. Fue miembro del Andé String Trio y el Scardanelli Quartet (ensamble que interpreta exclusivamente música contemporánea). Roberto es frecuentemente invitado a varios festivales de música de cámara tales como: Moulin d’Andé, Mecklenburg - Vorpommern Festspiele, Schloss Elmau, Salzburger Schlosskonzerte, etc. Es miembro fundador del Hamburger Streichsextett. Desde el 2012 es profesor de violoncello en el Conservatorio Claudio Monteverdi en Bolzano, Italia. Desde el 2015 es profesor de violoncello enla Academia de Arte de Florencia Roberto Trainini toca un violoncello de A. Ciciliati (Ferrara, 2009) y el Stradivarius del Vaticano en préstamo de la Academia de Arte de Florencia.


CONCIERTOSEISJunio 29

Teatro Aguascalientes. 21:00 hRomán Revueltas: Director Huésped

PROGRAMA1.-DONA NOBIS PACEM

ROMÁN REVUELTAS

2.- SINFONÍA NO. 94 “SORPRE-SA”, EN SOL MAYOR,HOB.I:94

FRANZ J. HAYDN

I. Adagio cantabile - Vivace assai

II. Andante

III. Minuet - Trio

IV. Finale. [Presto]

I N T E R M E D I O

3.-SINFONÍA NO. 1 EN FA MENOR, OP. 10

DIMITRI SHOSTAKOVICH

I. Allegro ma non troppo

II. Adagio con espressione

III. Allegro impetuoso

IV. Moderato

Román Revueltas RetesCompositor, director de orquesta y violinista, Román Revueltas Retes es el continuador de la tradición artística de una familia que ha dado grandes nombres a la cultura de México. Realizó sus estudios en Israel, Bélgica y Alemania. Sus obras sinfónicas han sido estrenadas por orquestas como la Filarmónica de la Ciudad de México, la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, la Filarmónica de Jalisco y la Orquesta Sinfónica del Estado de México. Ha sido solista al violín con todas las orquestas mexicanas y sus presentaciones en el extranjero lo han llevado a ciudades como Los Ángeles, San Francisco, Lima, Bogotá, Roma, Madrid y Barcelona, entre muchas otras. Ha grabado diversas obras de autores mexicanos. Entre sus interpretaciones destaca su participación al lado del violinista Henryk Szeryng en la interpretación del Doble Concierto de J.S. Bach. Es el primer violinista mexicano en haber presentado en recital los 24 Caprichos para violín solo de N. Paganini. Fue concertino de la Orquestra Ciutat de Barcelona y ha sido distinguido con el Premio Anual de la Unión de Cronistas de Música y Teatro. Como director, ha actuado al frente de diferentes orquestas mexicanas como la Orquesta Sinfónica Nacional, la Orquesta Sinfónica del Estado de México, la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, la Orquesta Sinfónica de Xalapa, la Orquesta Sinfónica Carlos Chávez, la Filarmónica de Acapulco, la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato y la Orquesta de Cámara de Bellas Artes. Ha tenido también presentaciones en Francia, Italia, Portugal, Sudamérica y China, dirigiendo la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina, la Orquesta Sinfónica Nacional de Ecuador, la Filarmónica del Veneto, l’Orchestre Symphonique de Mulhouse, la Baden Badener Philarmonie, la Orquesta Sinfónica de Shenzhen (China), la Orquestra do Norte (Portugal) y otras agrupaciones sinfónicas. Fue director musical de la Orquesta San Ángel, conjunto que fundó en 1995. Posteriormente fue director titular de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo y de la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de México. De 2005 a 2016 fue director musical de la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, uno de los mejores conjuntos orquestales de México.


CONCIERTOSIETE

Julio 6Teatro Aguascalientes. 21:00 h

Iván López Reynoso: Director Huésped

PROGRAMA1.-OBERTURA SUEÑO DE

UNA NOCHE DE VERANO FELIX MENDELSSOHN

2.-PRELUDIO Y MUERTE DE AMOR DE TRISTÁN E ISOLDA

RICHARD WAGNER

I N T E R M E D I O

3.-SINFONÍA NO. 4 EN FA MENOR, OP.36

PIOTR I.TCHAIKOVSKY

I. Andante sostenuto - Moderato con anima

II.Andantino in modo di Canzona

III. Scherzo. Pizzicato ostinato. Allegro

IV. Finale. Allegro con fuoco

IVÁN LÓPEZ REYNOSONació en Guanajuato en 1990. Relizó sus estudios de violín con la maestra Gellya Dubrova, de piano con el maestro Alexander Pashkov y de dirección de orquesta con el maestro Gonzalo Romeu, titulado con mención honorífica de la Escuela de Música Vida y Movimiento. Además, ha tomado clases magistrales con los directores Alberto Zedda, Jean Paul Penin, Jan Latham-Koenig y Avi Ostrowsky. Ha dirigido a la Oviedo Filarmonía, la Filarmonica Gioachino Rossini, la Orquesta Estatal de Braunschweig, la Orquesta Filarmónica de la UNAM, la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, la Orquesta Filarmónica de Jalisco, la Orquesta Sinfónica Nacional, la Orquesta Sinfónica de Xalapa, la Orquesta Sinfónica de Minería, Coro y Orquesta del Teatro de Bellas Artes, la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato y la Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata, entre otras. Ha trabajado con destacados artistas como Brigitte Fassbaender, Ildar Abdrazakov, Javier Camarena, Michael Barenboim, Yulianna Avdeeva, Gabriela Montero, Conrad Tao, Abdiel Vázquez, Oxana Yablonskaya, Alex Klein, Ryu Goto, Stephen Waarts, Eric Silberger, Lourdes Ambriz, Andeka Gorrotxategui, Rebeca Olvera, Alfredo Daza, Rubén Amoretti, Íride Martínez, Fernando de la Mora y Octavio Arévalo, entre otros. La versatilidad de Iván López Reynoso, considerado como una de las más importantes batutas jóvenes de México, lo ha llevado a dirigir distintas disciplinas y estilos como ópera, ballet, danza contemporánea, música antigua y música contemporánea. Su extenso repertorio operístico incluye más de una veintena de títulos, entre los cuales destacan Aida, Amahl y los visitantes nocturnos, Bastián y Bastiana, La bohème, Las bodas de Fígaro, La flauta mágica, El gato con botas, El conde Ory, El viaje a Reims, La cenicienta, Werther, Don Carlo, Tosca, Hansel y Gretel, El elíxir de amor, Madama Butterfly, La Traviata, Rigoletto y El barbero de Sevilla, así como el estreno en México de Viva la mamma de Donizetti. Su especialización en el repertorio rossiniano lo ha llevado a presentar recientemente el rescate de algunas de sus obras raramente interpretadas en México, como la versión orquestal de la Petite Messe Solennelle y el Stabat Mater, así como talleres de interpretación y el estreno de las óperas Le comte Ory, Il viaggio a Reims y de la cantata Il pianto d’Armonia sulla morte di Orfeo con el tenor Javier Camarena. En agosto de 2014 realizó su debut internacional en el prestigiado Rossini Opera Festival en la ciudad de Pesaro, Italia, concertando la ópera El viaje a Reims de Rossini, convirtiéndose en el primer mexicano en dirigir en dicho festival. También se ha presentado con aclamado éxito en las ciudades de Berkeley, Pittsburgh, Oviedo, Bilbao y Braunschweig. Ha dirigido en los máximos recintos culturales de México, como la Sala Nezahualcóyotl, el Teatro Degollado, el Teatro del Bicentenario y el Palacio de Bellas Artes. Durante el primer semestre del 2017 trabajó como Director artístico interino de la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, y actualmente funge como Erster Kapellmeister del Teatro Estatal de Braunschweig, Alemania.


CONCIERTOocho

Julio 13Teatro Aguascalientes. 21:00 h

José Areán, Director ArtísticoLeticia de Altamirano: Soprano

Alan Pingarrón Reynoso: TenorJosé Areán: Director Artístico

PROGRAMAGALA DE ÓPERA

ELISIR D’AMORE GAETANO DONIZETTI

1. Una parola o Adina

2. Una furtiva lagrima

LUCIA DI LAMMERMOOR GAETANO DONIZETTI

3. Regnava nel silenzio... Quando rapito in estasi

LA TRAVIATA GIUSEPPE VERDI

4. Preludio 5. Un dì felice

6. Lunge da lei… De’ miei bollenti spiriti 7. È strano...Sempre libera

I N T E R M E D I O

ROMÉO ET JULIETTE CHARLES GOUNOD

8. Ah, lève-toi soleil9. Va, j’ai te pardonné… Nuits d’hyménée

10. Dieu! Quel frisson court dans mes veines!... amour ranime mon courage

11.INTERMEZZO DE CAVALLERIA RUSTICANA

PIETRO MASCAGNI

LA BOHÈME GIACOMO PUCCINI

12. Che gelida manina 13. Mi chiamano Mimi

14. O soave fanciulla

LETICIA DE ALTAMIRANO Actualmente es una de las voces líricas más importantes del país. Fue nombrada “Voz del Bicentenario” por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes en 2010. Hizo su debut con la Ópera de Bellas Artes en 2007 como Soeur Constance en Dialogues des Carmelites de Poulenc, en una producción del Teatro Colón de Buenos Aires. Regresó al Palacio de Bellas Artes en 2011 con gran éxito interpretando a Marie en La fille du Regiment de Donizetti y posteriormente en el papel estelar de Violetta Valéry en La Traviata de Verdi. Poco tiempo después también interpretó a Micaela en la Carmen de Bizet, Musetta en La Bohéme de Puccini y Gilda en el Rigoletto de Verdi así como La Música, Euridice y la Esperanza en el Orfeo de Monteverdi/Maderna. En el estreno en México de la ópera Beatrice et Benedict de Hector Berlioz, hizo una brillante interpretación como Héro, con la Orquesta Sinfónica de Minería. Recientemente, Leticia recibió una gran ovación en su debut como Elvira en I Puritani de Vincenzo Bellini, la cual cantó con el afamado tenor Javier Camarena. El pasado mes de junio cantaron juntos nuevamente una gala dentro del marco del Festival de Smetana en el castillo de Litomysl, República Checa. Se ha presentado en importantes eventos masivos como el festejo del Bicentenario de la Independencia de México en el Zócalo Capitalino en 2010 y la gala de celebración de 100 años del Ejército Mexicano, con la Sinfónica Nacional. En el Auditorio Nacional, con un lleno total cantó el concierto “Las Voces del Bicentenario le cantan a México”. Cantó con el tenor Ramón Vargas el concierto inaugural del Festival Internacional de Campeche 2011 así como en la gala homenaje a sus 30 años de carrera. Más recientemente, ha estado acompañando en los escenarios al legendario tenor catalán José Carreras en conciertos realizados en diversas ciudades. Fue ovacionada por su extraordinaria interpretación de Lucia en Lucia di Lammermoor de Donizetti en Manaus, Brasil. Se ha presentado en recitales en los Estados Unidos de América, Brasil y Colombia. Ha participado de forma constante en diversos festivales internacionales incluyendo al Cervantino, Festival Cultural de Mayo en Guadalajara, Festival Internacional Tamaulipas, así como el Internacional del Amazonas, Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México, Festival Internacional de Música Antigua, FAOT, 5 de Mayo en Puebla, entre otros. Leticia se ha presentado con las orquestas más importantes de México cantando galas, homenajes y diversas obras de oratorio. Estudió canto bajo guía del maestro Gabriel Mijares, formando parte de su taller lírico en la Ciudad de México. Fue becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y de la SIVAM (Sociedad Internacional de Valores Artísticos Mexicanos). Entre sus futuros compromisos internacionales destaca su debut en Francia en el papel estelar de la ópera Beatrix Cenci de Ginastera en marzo 2019.


ALAN PINGARRÓNOriginario de la Ciudad de México, inicia sus estudios de canto en 2001 y continúa su perfeccionamiento de técnica vocal con el profesor Leonardo Mortera. Ingresó a la Escuela Nacional de Música de la UNAM en 2003 bajo la dirección de Rufino Montero. Fue galardonado con la medalla Gabino Barreda al término de sus estudios de la Licenciatura en Canto. Ha interpretado Misa del Credo y Réquiem de Mozart, Misa solemne de Santa Cecilia de Gounod, Il Matrimonio Secreto de Cimarosa, Poema Sinfónico independencia de Luis Jordá, Novena Sinfonía de Beethoven, el Mesías de Haendel y el Réquiem de Verdi. Participó en diferentes concursos como el Francisco Araiza obteniendo segundo lugar; invitado especial en la final de la segunda y tercera edición del Concurso Nacional de Canto Opera de San Miguel obteniendo el Premio Artesana como artista con extraordinario potencial; y en Opera Prima Las voces del Bicentenario, obteniendo el segundo lugar y una beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca--Conaculta) y el premio del público. En 2010 participó en el Auditorio Nacional, en el festejo del Bicentenario en el Zócalo de la ciudad de México y en el concierto de reapertura del Palacio de Bellas Artes, alternando con artistas de la talla de María Alejandres, Jorge Lagunes, José Luis Duval entre otros. Invitado por Eugenia León en el recital “Eugenia León canta por las Mujeres” en el lunario del Auditorio Nacional. Se ha presentado en diversas ocasiones en el Palacio de Bellas Artes, en los más importantes teatros y festivales de México, participó en la Opera El Emperador de la Atlántida, estreno en México, nueva producción del Festival Internacional Cervantino. Ha colaborado con directores como; Sergio Cárdenas, José Areán, Enrique Patrón de Rueda, Enrique Barrios, Carlos Spierer; colaborando con las principales orquestas del país como la Filarmónica de la UNAM, Sinfónica de Xalapa, Filarmónica de Yucatán y Orquesta de Cámara de Bellas Artes, Sinfónica de Minería entre otras. Ha trabajado repertorio con Rufino Montero, Teresa Rodríguez, Marioara Trifan, Corradina Caporello, Claude Corbeil, Katherine Ciesinski, Cesar Ulloa, Morin Oflyn y Joan Dorneman. Interpretó el papel de Rodolfo en la Opera “La Boheme” y Nemorino en El Elíxir de amor con la compañía de Ópera de Morelos. Y es sus actividades más recientes participó en Operalia Placido Domingo 2016 en el teatro Degollado en la ciudad de Guadalajara y con la Orquesta Estanislao Mejía en el festival Young Euro Classic en la ciudad de Berlín y en el Sonora International Opera Competition Francisco Araiza 1st Edition donde obtuvo el lugar primer lugar de Zarzuela, 55 Edición Francisco Viñas en Barcelona.

GALADE ÓPERA

NOTAS AL PROGRAMA

ORQUESTA SINFÓNICA DE AGUASCALIENTES

PRESENTACIONES ESPECIALESCONCIERTO ESPECIALMayo 25, 20:00 h. / $ 70 a $ 390TEATRO DEL BICENTENARIOLeón Gto.José Areán: Director Artístico

1.-LAS BODAS DE FÍGARO, OBERTURA WOLFGANG A. MOZART

2.-UNA PEQUEÑA SERENATA NOCTURNA, K.525 WOLFGANG A. MOZART

I. Allegro

II. Romance: Andante

III. Menuetto: Allegretto

IV. Rondo: Allegro

3.-SINFONÍA NO. 7, OP.92 LUDWIG VAN BEETHOVEN

I.Poco sostenuto - Vivace

II.Allegretto

III.Presto

IV.Allegro con brio

Petipa Y EL ROMANTICISMO EN EL BALLET

Mayo 31, junio 1 y 3 Teatro Aguascalientes. 21:00 h y 12:00 h / $180, $150, $100

Personal y Alumnos de la Universidad de las Artes de la Coordinación de la Licenciatura en Danza Clásica y bailarín invitado

Orquesta Sinfónica de Aguascalientes / José Areán: Director Musical

Victor Marius Alphonse “Petipa” Bailarín y coreógrafo francés, formado en la escuela francesa, influenciado por los bailarines italianos bajo su dirección. Petipa desarrolla al máximo la técnica clásica tradicional que servirá de base a la Escuela Rusa. Creador del repertorio más importante y representativo del periodo romántico de fines del siglo XIX. Los ballets de Petipa son imponentes frescos románticos en donde la acción se desarrolla lentamente haciendo de los ballets un divertimento espectacular con la música de Tchaikovsky y Minkus.

El Instituto Cultural de Aguascalientes a través de la Universidad de las Artes celebra como en todo el mundo el 200 aniversario de su natalicio con un espectáculo integrado con una selección de sus obras más representativas y de tema diverso, como: La Bayadera, Acto III “El reino de las sombras” (1877); La bella durmiente del bosque, Acto I El cumpleaños de la princesa Aurora (1890) y “Paquita” reposición con su versión en (1881).

GALA DE BALLET 2018

NOTAS AL PROGRAMA


CONCIERTO UNO CONCIERTO DOS

WOLFGANG AMADEUS MOZARTSINFONÍA NO.40 EN SOL

MENOR K. 550Sin la menor duda, la Sinfonía 40 de Mozart es una de las más conocidas del robusto corpus de 41 sinfonías creadas por el genio de Salzburgo. La terminó el 25 de julio de 1788 y muy probablemente fue estrenada el 16 de abril de 1791. Se le identifica con el nombre de La gran sinfonía en sol menor, con el fin de distinguirla de La pequeña que es la número 25 y ambas escritas en la misma tonalidad, por cierto, estas dos son las únicas que Mozart compuso en tonalidad menor, está una obra de juventud escrita en la menor, se le conoce con el nombre de Sinfonía Odense y no hace mucho que se descubrió, pero los estudiosos de la música de Mozart no están convencidos de su autenticidad. La gestación de la penúltima sinfonía de Mozart corresponde a un periodo de intensa actividad del compositor, esto corresponde al verano de 1788, en unas cuantas semanas compuso también su sinfonía 39 que la terminó el 26 de julio de ese mismo año y la 41 que la terminó el 10 de agosto, es decir, sus tres últimas sinfonías fueron compuestas en período de tiempo muy corto en donde el espíritu creativo fluyó de manera natural y sin restricciones. Algunos musicólogos han especulado que la velocidad con la que trabajo en este breve período de tiempo obedece al hecho que planeaba un viaje a Inglaterra que nunca pudo realizar. Como sucedió con la Sinfonía 41, no existe ninguna evidencia de que la obra se llegara a estrenar en vida del compositor, pero tampoco estamos en condiciones de negar este hecho, la casi inevitable especulación nos hace pensar que es muy probable que sí se estrenó en vida del compositor, sobre todo si consideramos en hecho de que un poco antes de la muerte de Mozart, se solían organizar conciertos con su música, afortunadamente se conservan algunos de los programas de estos conciertos en donde podemos ver programada una sinfonía desconocida sin ofrecer mayores datos de número de catálogo o tonalidad en que está escrita, pero tenemos la certeza de que esa sinfonía desconocida se programó, por lo menos, en tres ocasiones: la primera el 14 de abril de 1789 en Dresde, una segunda ocasión fue el 12 de mayo de 1789 en Leipzig durante la misma gira de la primera fecha. Una tercera ocasión debió haberse realizado el 15 de octubre de 1790 en Fráncfort del Meno. Además se cuentan con copias de un cartel que anunciaba un concierto en 1791 en el Burgtheater de Viena que fue dirigido por Antonio Salieri, la primera obra

ejecutada en aquella ocasión se menciona como “una gran sinfonía compuesta por Herr Mozart”. La orquestación de la Sinfonía 40 tiene dos versiones, la primera sin trompetas ni timbales, se cuenta únicamente con la cuerda, flauta, dos oboes, mismo número de fagotes y dos cornos. En la segunda orquestación, Mozart reescribe la parte de los oboes y añade dos clarinetes.

SERGEI PROKOFIEV SINFONÍA NO.5 EN SI BEMOL,

MAYOR, OP. 100Prokofiev, seguramente junto con Rachmaninov, el último gran compositor que al mismo tiempo era un virtuoso del piano, escribió su quinto capítulo sinfónico en la tonalidad de mi bemol mayor en la Rusia soviética en el verano de 1944 y le corresponde el Op. 100 dentro de su catálogo de música. Esto sucedió 14 años después de haber terminado su Sinfonía No.4 en do mayor, quizás esta sea una de las razones por la que la sinfonía es especial, representa su retorno al lenguaje sinfónico después de haberse alejado de él. La Segunda Guerra Mundial estaba en sus momentos más crudos. En esos meses tan complicados para Europa, el compositor declaró que en su sinfonía pretendía: “Un himno al hombre libre y feliz, a sus grandes poderes y a su espíritu puro y noble”, y agregó: “No puedo decir que elegí este tema deliberadamente, nació en mi y clamaba por expresarse. La música maduró dentro de mí, me llenó el alma”. El estreno de la Sinfonía No.5 en si bemol mayor, Op. 100 tuvo lugar el 13 de enero de 1945 en la Gran Sala del Conservatorio de Música de Moscú con la Orquesta Sinfónica Estatal de la Unión Soviética en un concierto que fue dirigido por el mismo compositor. Desde el estreno, gozó de la aceptación tanto de la crítica especializada como del público melómano. La primera grabación la realizó en 1946 el maestro Serge Koussevitzky al frente de la Orquesta Sinfónica de Boston que al mismo tiempo fueron responsables del estreno de la sinfonía en Estados Unidos. Hasta la fecha la Sinfonía No.5 se considera una de las obras más importantes de Sergei Prokofiev.

RICHARD STRAUSSDON JUAN

La gran producción musical de Richard Strauss se centra fundamentalmente en la ópera y los poemas sinfónicos. Difícil determinar cuál es su obra más importante o representativa, pero sin duda una de ellas es la que en esta ocasión nos ocupa, el poema sinfónico Don Juan que Strauss compuso en 1888 tomando como punto de partida el poema Don Juan de Nikolaus Lenau y que se estrenó el 11 de noviembre de 1889 en Weimer con la Orquesta de la Ópera de esta ciudad, que es, por cierto, uno de los centros culturales más ricos, no sólo de Alemania, sino de toda Europa. El mismo compositor dirigió el estreno, en ese momento era el Kapellmeister de la corte, es decir, el maestro de capilla, éste era el nombre que recibía el músico compositor que tenía a su cargo la dirección de los cantantes e instrumentistas y de gestionar todo lo relacionado a la música, ya sea de la Iglesia o de la corte. El poema sinfónico Don Juan fue realizado cuando el compositor contaba sólo con 24 años de edad y no pasó mucho tiempo antes de que se convirtiera en un éxito. Más allá de la aceptación de esta impresionante partitura, Don Juan representa para Strauss el descubrimiento de su estilo y el lenguaje tonal del compositor. Sobre esta obra, el propio Strauss comentó: “Bueno, Don Juan fue un gran éxito, sonó maravillosamente. Desató una tormenta de aplausos, poco usual para Weimar”. La versión posterior para piano a cuatro manos fue publicada por la editorial de Jospeh Aibl en Leipzig en 1890 después de que la reconocida editorial Breitkopf & Härtel rechazó la publicación de este trabajo. En esta misma casa editorial también publicó Muerte y Transfiguración y Así hablaba Zaratustra. Don Juan es una obra con una serie de dificultades técnicas y pasajes de alto nivel de exigencia, se considera una obra virtuosa que la hace ser una aduana frecuente en muchas de las audiciones para diferentes instrumentistas. Estamos hablando de la primera obra de importancia de Strauss, aunque en su catálogo de obras encontramos ya una generosa producción apegada al lenguaje tradicional. Este poema sinfónico lo compuso en un momento importante de su vida, acababa de alejarse de la casa paterna lo que representa romper con el dominio de su padre, un cornista de excelente nivel y con esta ruptura se emancipó, quizás involuntariamente, de las obras de música pura de Brahms o Schumann y se acercó más a las tendencias de la música de programa, es decir, descriptiva, de Wagner o Liszt. Don Juan es el tercer poema sinfónico de Strauss, se trata

Por: Rodolfo Popoca Perches

NOTAS AL PROGRAMA


CONCIERTO TRES

de la historia de aquel legendario seductor que encuentra su vida vacía y sin sentido, la historia de sus interminables seducciones que invariablemente terminan por dañar a alguien. Finalmente, en medio de ese insoportable tedio, se siente poderosamente atraído por la muerte que la encuentra en el duelo final, en donde el compositor, a través de un poderoso y convincente discurso descriptivo, nos hace ver que el protagonista se entrega voluntariamente a la espada de su contrincante. Hay muchas versiones de este mítico personaje. Richard Strauss eligió la versión inconclusa del poeta alemán Nicolaus Lenau, quien por cierto, había muerto en 1850.

FRANZ PETER SCHUBERTSINFONÍA NO.9 EN DO D. 994

LA GRANDE. La Sinfonía No.9 en do es la que cierra el corpus sinfónico de Schubert, se conoce con el nombre de la Grande y los estudiosos de la música de Schubert creen que se escribió entre 1825 y 1826 y realizó una revisión en marzo de 1828, lo que sí sabemos con certeza es que se estrenó el 21 de marzo de 1839 en un concierto que fue dirigido por Felix Mendelssohn once años después de la muerte del compositor. Cuando Schubert presentó la partitura a la Comisión de Amigos de la Música fue rechazada de inmediato, los músicos que hicieron un frustrado primer ensayo se quejaron de las dificultades técnicas de la partitura, además de la longitud de la obra, una ejecución promedio, dependiendo del tempo del director, dura aproximadamente 50 minutos, con amargura, el compositor se llevó la partitura sin conseguir estrenarla. A finales de 1838 y principios de 1839 Schumann visitó la tumba de Schubert acompañado por Ferdinand, hermano del compositor, también dedicado a la composición aunque su fama la debe, sin duda, a que fue él quien eligió la lápida para la tumba de Ludwig van Beethoven y que actualmente ese encuentra en el Cementerio Central de Viena. Pues fue justamente en la casa de Ferdinand en donde Schumann descubrió la partitura de la Sinfonía No.9 que apareció en medio de una inmensa cantidad de manuscritos, inmediatamente se interesó por la obra e hizo las gestiones necesarias para estrenarla con la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig aquel equinoccio de primavera de 1839. Desde este primer momento la sinfonía se vio favorecida, tanto por el público, como por la crítica especializada, la Neue Zeitzchrift, o la Nueva Revista, dijeron de la obra que “fue reconociéndose merecidamente su verdadero valor. En la Sinfonía No.9, La Grande encontramos reminiscencias de otras obras del


mismo Schubert, imposible no encontrar aquí recursos utilizados en otras sinfonías como la sexta, séptima y octava, además del célebre octeto en fa mayor, o la Sonata en do para piano a cuatro manos, pero también encontramos con firmeza elementos de otros compositores, como de Mozart en su ópera Don Giovani o el final del cuarto movimiento de la Sinfonía novena de Beethoven. Respecto a la numeración de la Sinfonía, existen ciertas controversias, en los países en donde se habla alemán, se le suele identificar como la número 7, algunas versiones del catálogo realizado por Otto Erich Deutsch la ubican como la octava y en los países angloparlantes se le conoce como las novena. Por otro lado, y con el fin de distinguirla de la No.6, también escrita en la tonalidad de do mayor, se le agregó el apodo de la Grande, mientras que aquella se conoce como la Pequeña.

ROBERT SCHUMANNOBERTURA MANFRED OP. 115.

La música para Manfred fue compuesta entre 1848 y 1849, el propio compositor dirigió el estreno de la obertura en Leipzig el 14 de marzo de 1852, ese mismo año se presentó la obra completa en Weimar, Alemania en medio de graves padecimientos en los que Schumann sufría serios desequilibrios mentales. Con frecuencia solía sentirse impulsado por hostigaciones internas que no le permitían descanso hasta concluir una composición, es el caso de esta obra que fue compuesta en estas difíciles circunstancias en donde el compositor escuchaba constantemente voces interiores que a decir de algunos musicólogos y biógrafos de Schumann, éstas no cesaron hasta que concluyó la partitura. Lo cierto es que Schumann sintió un gran apego a la historia de Manfred escrita por Lord Byron, se trata de un héroe melancólico lleno de turbulencias interiores. Sin duda el compositor se veía reflejado en aquel Manfred que Lord Byron coloca en la punta de un peñasco alpino desde donde lamenta haber destruido a una mujer cuyos errores realmente eran los de él, de repente se distrae por “un bello sonido, una voz vivida, una armonía palpitante”, según nos dice el texto de Byron. Manfred entonces contempla la posibilidad de escapar saltando desde el peñasco considerando que si no lo hace, quizás se vea sumergido en la demencia, finalmente evita ambas formas de autodestrucción.Félix Mendelssohn – Concierto para piano y orquesta en re menor, Op. 40, No.2 Mendelssohn escribió su segundo concierto para piano en 1837 y lo estrenó en el Festival de

Brimingham de ese mismo año en un concierto en donde también se estrenó su oratorio de San Pablo. Ya anteriormente Mendelssohn había escrito un concierto para piano en la menor con acompañamiento de cuerdas en 1822 además de dos conciertos para dos pianos entre 1823 y 1824 y su primer concierto para piano en gran formato en la tonalidad de sol menor y al que le corresponde el Op. 25.Contrario a lo común en Mendelssohn que solía componer con cierta rapidez, este concierto No.2 le representó un gran esfuerzo y mayor inversión de tiempo. La rudeza del proceso de composición de esta obra resulta elocuente por el hecho de que existen más fuentes autógrafas para esta obra que cualquier otra composición para piano y orquesta de Mendelssohn. La composición de su Concierto para piano No.2 le llevó de abril hasta principios de septiembre de 1837, no obstante, se sentía seguro de su trabajo, al menos esto lo podemos saber por el hecho de que se permitió comentar con su editor los progresos de su concierto. Finalmente lo terminó con ciertas presiones por el tiempo, sólo seis semanas antes de que fuera estrenado en el Festival de Brimingham. La segunda interpretación del concierto se realizó en la célebre Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, Alemania a principios de Noviembre, sin embargo el compositor siguió trabajando en la partitura todo ese mes hasta que finalmente entregó a sus editores la obra terminada el 12 de diciembre de ese mismo 1837. Finalmente el concierto para piano No.2 fue publicado en el verano de 1838 aunque en realidad Mendelssohn no quedó satisfecho con el trabajo final, y una de sus inconformidades es que la portada estaba en francés y no en alemán.

ROBERT SCHUMANNSINFONÍA NO.3 EN MI BEMOL

MAYOR, OP. 97 RENANA Schumann escribió su tercera sinfonía a finales de 1850, él mismo dirigió el estreno el 6 de febrero de 1851 en Düsseldorf y el sobrenombre con el que la conocemos, Renana, le fue aplicado prácticamente desde su estreno, aunque como sucede con frecuencia, el compositor no tuvo nada que ver con este apelativo. Posiblemente se trate de la sinfonía más brillante y positiva de Schumann quien se esforzó mucho porque su obra se viera favorecida por la aceptación de la opinión pública, de hecho, así se lo hizo saber a su editor, Wilhelm von Wasielewski, que quería “que los elementos populares” dominaran la obra. De hecho el carácter melódico, e incluso muy cercano a elementos folclóricos, ayudo a que esto fuera una realidad, de esta manera la Renana no tardó en convertirse en uno de los éxitos más

NOTAS AL PROGRAMA


sonados de Schumann. La sinfonía tiene una estructura de cinco movimientos, rompiendo el esquema tradicional de cuatro movimientos, aunque Schumann se apresuró a precisar a su editor que a pesar de ese movimiento extra, la obra no era una sinfonía pesada larga o pesada, de hecho, la brevedad de los movimientos tercero y cuarto nos dan la impresión de unidad, como si se tratara de un solo movimiento.

JOHANNES BRAHMSOBERTURA DEL FESTIVAL

ACADÉMICO, OP. 80En el año de 1879 Johannes Brahms recibió el título de Doctor Honoris Causa de parte de la Universidad de Filosofía de Breslau , para corresponder con esta distinción, el compositor dedicó a la universidad una obertura que escribió en 1880 y que estrenó el 4 de enero de 1881. Es conocido el hecho de que durante el trabajo de composición de esta partitura, tuvo la inspiración para escribir otra partitura diametralmente opuesta, el mismo compositor llegó a definirlas como: “una que llora, otra que ríe”, así surgió la obertura del Festival Académico y la Trágica. En realidad la obertura del Festival Académico es una obra apegada a circunstancias, como una fantasía en la que Brahms echa mano de una serie de motivos diferentes, entre ellos, una serie de cantos estudiantiles que hacen que la obra termine con jocosa solemnidad.

WOLFGANG AMADEUS MOZARTDIVERTIMENTO

EN RE MAYOR K. 131Después del año de 1761, la música empezó a fluir de una manera asombrosa en el genio creativo del pequeño Wolfgang, la música brotaba de sus pequeñas manos. Inevitablemente, a pesar del asombroso talento del niño prodigio _”todos los que he escuchado dicen que su genio es incomprensible”-, escribió Leopold cuando su hijo apenas tenía 6 años, muchas de las primeras obras de su catálogo son, si acaso, un juego de niños, sin embargo, en medio de estos ejercicios de composición, no tardaron en surgir verdaderos signos de su implacable talento y ese regalo único que es el talento empezó a surgir cada vez con mayor nitidez. Al igual que muchos de los primeros esfuerzos de Mozart cuando presentaba sus obras en audiciones públicas, no se sabe mucho acerca de la ocasión para la cual estaba escribiendo determinada obra, el hecho es que algunas de las obras que el compositor etiquetó como divertimento, serenata, nocturno,

CONCIERTO CUATRO


etc, sólo pretendían buscar una gratificación instantánea y si acaso se representaron una sola vez, posiblemente en alguna ceremonia pública o algún evento aristocrático para después pasar al olvido, no es difícil comprender que mucha de aquella música desapareciera irremediablemente, por lo que debemos considerarnos afortunados que este divertimento haya logrado sobrevivir hasta nuestros días. En 1757, un año después del nacimiento de Wolfgang, Leopold, su padre y también compositor se jactaba de haber escrito poco más de treinta serenatas, aunque de hecho sólo una descubierta recientemente se puede acreditar a él. Más notable aún resulta el hecho de que el Divertimento en re mayor, al que Mozart no le daba más vida más allá de la fecha de su estreno, fue escrito con la finura, la invención y la elegancia que prefería prodigar a sus óperas y obras de gran formato. Alguno estudiosos de la música de Mozart afirman que se trata de su primera serenata. Maynard Solomon, reconocido biógrafo de Mozart y de Beethoven, sugiere que esta Serenata en Re mayor debió haber sido escrita para una boda, considerando que el movimiento lento tiene el carácter de una canción de amor propia de la serenata.La partitura no ofrece algún otro indicio en cuanto a sus orígenes o funciones específicas. La palabra Divertimento escrita en la partitura, ni siquiera es de puño y letra del propio Mozart.

ANTONÍN DVORÁKSINFONÍA NO.8

EN SOL MAYOR, OP. 88 En el año de 1880, Antonín Dvorák compró una modesta villa en un hermoso valle llamado Vysoká y situado más o menos a unas 150 millas de la ciudad de Praga, ahí solía pasar los veranos en donde despreocupadamente se dedicaba a la colombofilia, es decir, la cría y adiestramiento de palomas, una de sus grandes aficiones, además, claro, de dedicarse a la composición. Fue justamente en este lugar en los meses del verano de 1889 en donde escribió su Sinfonía No.8. A pesar de la indiscutible belleza de esta obra, no se suele programar con la misma frecuencia que la novena que conocemos con el sobrenombre de Desde el nuevo mundo, sin embargo, no podemos cuestionar su magnífica elocuencia llena de sugerencias al folclore bohemio tan amado por el compositor. La Sinfonía No.8 en sol mayor, Op.88 se estrenó el 2 de febrero de 1890 en un concierto dirigido por el propio compositor, un año después se estrenó en la ciudad de Londres aprovechando uno de sus viajes a Inglaterra al ser nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cambridge.

CONCIERTO CINCO

JOHANNES BRAHMSOBERTURA TRÁGICA

Brahms compuso simultáneamente sus oberturas Trá-gica y del Festival Académico en 1880, la Trágica está en la tonalidad de re menor y se estrenó el 27 de noviembre de 1881 en Meiningen en un concierto dirigió por el propio compositor. La estructura de la obertura está en forma sonata en tres secciones per-fectamente definidas: I) Allegro ma non troppo, II) Molto piú Moderato, y III) Tempo primo ma tranqui-llo. Esta obra, cuya construcción tiene una estructura más sólida y definida que su hermana, ha sido consi-derada, sin duda erróneamente, como una obra de ca-rácter programático, sin embargo, debemos entender, como sucede en casi la totalidad de la producción mu-sical de Brahms, es simplemente música pura, aunque eso sí, muy representativa de su temperamento nórdi-co, se trata de una obra ruda, uraña y ocasionalmente fogosa.

ANTONÍN DVORÁKCONCIERTO PARA

VIOLONCELLO Y ORQUESTA EN SI MENOR, OP. 104

Antes de la composición de este auténtico monumen-to concertante, Dvorák ya había iniciado en 1865 la composición de un concierto para cello pero abando-nó el intento después de terminar las partes del solista y un acompañamiento para piano que nunca llegó a orquestar. Tuvieron que pasar 30 años para que Dvo-rák finalmente terminara un concierto para cello y or-questa. La composición de su opus 104 la inició el 8 de noviembre de 1884 y la terminó el 9 de febrero de 18 de febrero de 1895, lo cual nos indica que lo escribió durante los últimos meses de su estancia de tres años en los Estados Unidos al haber aceptado la invitación que le hizo Jeanette Thruber a dirigir el Conservato-rio Nacional con sede en la ciudad de Nueva York. El concierto se estrenó en Londres el 19 de marzo de 1896 con la batuta del mismo Dvorák y contando con la participación de Leo Stern como solista. Se ha re-lacionado la historia de esta impresionante pieza con-certante con un episodio en la vida del compositor. Al enterarse éste que su cuñada Josefina Cermakova estaba enferma de gravedad, problema del que final-mente murió, decidió incluir en la obra un fragmento de la canción Lass’ mich allein, tema favorito de su cuñada, de quien por cierto, él estaba profundamen-te enamorado, de hecho ya le había dedicado uno de sus primeros ciclos de canciones. Ella, sin embargo, se casó con un rico aristócrata y un poco más tarde Dvorák se casó con Anna, hermana de Josefina. El he-cho es que Dvorák cita esa tonadilla al final del tercer movimiento con el fin de expresar su profundo dolor por la muerte de quien fue su amor de juventud

NOTAS AL PROGRAMA


mentalidad tradicionalista del Conservatorio, Shos-takovich no tuvo la oportunidad de conocer la música de Stravinsky hasta algunos años después, pero una vez que la conoció, el impacto que tuvo sobre él fue defi-nitivo. Algunos comentaristas sugieren que la primera sinfonía del joven Shostakovich tiene mucho de Pe-trushka de Stravinsky no sólo por la orquestación que de por sí ya resultaría revelador, sino por el carácter satírico en la primera parte de la sinfonía.

FELIX MENDELSSOHNOBERTURA SUEÑO DE UNA

NOCHE DE VERANOMendelssohn compuso su obra Sueño de una noche de verano basándose en la obra literaria del mismo nombre del dramaturgo inglés William Shakespea-re en diferentes momentos de su vida. Al inicio de su carrera, entre el 8 de julio y el 6 de agosto de 1826 y con sólo 17 años de edad, escribió una ober-tura de concierto Op.21 y se estrenó el 20 de febrero de 1827, después de algunos años, en 1842, de hecho unos años antes de morir escribió la música incidental que catalogada como Op.61 con el fin de ejecutarse en una obra de teatro. Para esta ocasión incluyó aquella obertura de juventud haciéndola parte de la totalidad de la obra. Aunque es inevitable percibir un intenso aroma romántico en el transcurso de toda la obertu-ra, es también evidente que el compositor incorpora algunos elementos del clasicismo, por ejemplo, tiene la estructura tripartita de la forma sonata. Otra de las características de la obertura es que destacan asom-brosos efectos instrumentales en los que se desarrolla un discurso musical descriptivo, por ejemplo, con el correteo de los pies de las hadas al comienzo y el re-buzno como el de un asno. También es evidente, den-tro de este mismo carácter descriptivo o programáti-co, lo que encontramos en los cuatro acordes iniciales de la obertura y que se ha convertido en uno de los pasajes más evocadores en la música de Mendelssohn. Heinrich Edward Jacob, biógrafo del compositor, nos dice que estos acordes los había garabateado el maes-tro al escuchar el crujido de las hojas al moverse con la brisa de la tarde en el jardín de la casa de su familia.

RICHARD WAGNERPRELUDIO Y MUERTE DE AMOR

DE TRISTÁN E ISOLDAEste Preludio ocupa un lugar muy significativo en la historia de la música, estamos hablando de una de las obras más influyentes del género, entre otras cosas, por su audaz empleo del cromatismo y de la modu-lación. Tristán e Isolda es una ópera en tres actos del compositor alemán Richard Wagner basado en una leyenda de origen celta. Fue compuesta entre 1857 y 1859 y su estreno tuvo lugar en Münich, Alemania el 10 de junio de 1865 con la dirección del maestro Hans von Bülow. Algunos comentaristas y estudiosos de la obra de Wagner afirman que Tristán e Isolda es el inicio del fin de las armonías tradicionales y de la música tonal, así como el punto de partida de alguna

CONCIERTO SEIS

CONCIERTO SIETE


ROMÁN REVUELTAS DONA NOBIS PACEM

En un primer momento, esta obra se iba a llamar sim-plemente ‘Interludio para orquesta’. No era tampo-co un nombre muy apropiado porque esas piezas, los interludios, se interpretan sobre todo entre episodios musicales más voluminosos, como una suerte de pausa para transitar de un capítulo al siguiente. Pero, en fin, fue así como comencé la escritura de la partitura. No tenía otra idea ni otra intención que la de presentar so-nidos y atmósferas –como siempre lo hago— aunque esta vez quise explotar deliberadamente los colores de la orquesta para crear una textura un tanto mágica. Terminé así una primera sección y luego, con una idea que surgió repentinamente, se apareció un segundo tema interpretado por las flautas que, tras de un desa-rrollo bastante dramático terminó, sin habérmelo yo propuesto al comenzar la composición, en un instante apacible y sereno. Ese ambiente de dulce quietud –si es que puedo yo mismo referirme a una obra mía en estos términos— me llevó a imaginar que todo aquello, las atormentadas violencias de lo anterior, nos conducía a ese momento supremo en que los hu-manos, desamparados y temerosos, suplicamos la paz del Señor. La música, creo yo, es una de las voces del alma. Espero que ese ambiente sonoro que he inten-tado crear al final de la obra encuentre una resonancia en ustedes, amables amigos de la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes.

Descripción por Román Revueltas.

FRANZ JOSEPH HAYDNSINFONÍA NO.94

EN SOL MAYOR LA SORPRESA Se conoce con el nombre de La Sorpesa o el Toque de timbal a la sinfonía No.94 de Franz Joseph Haydn, a quien, por cierto, se atribuye la paternidad de la sin-fonía. La compuso en 1791 y se trata de una de sus obras más conocidas. Debe su nombre, y en parte su reconocimiento, al segundo movimiento, un tema con variaciones ya que durante el desarrollo del movi-miento, y después de un inicio piano, se escucha un vigoroso acorde fortissimo que evidentemente genera una sorpresa para el oyente desprevenido. Su estreno tuvo lugar en Londres el 23 de marzo de 1792 con un enorme éxito, tanto de la crítica especializada como del público en general.

DMITRI SHOSTAKOVICH SINFONÍA NO.1

EN FA MENOR, OP.10 Shostakovich escribió la primera de sus 15 sinfonías entre 1924 y 1925 y se estrenó en Leningrado, hoy San Petersburgo bajo la dirección del maestro Niko-lai Malko el 12 de mayo de 1926 con la Orquesta Fi-larmónica local, hoy en día, una de las mejores del mundo. La partitura fue parte de las exigencias de gra-duación que tuvo que presentar el joven Shiostakovich en el Conservatorio de Música de San Petersburgo contando tan solo con 19 años de edad. Debido a la

de las revoluciones musicales más importantes del si-glo XX.Este preludio funciona como un movimiento sinfónico de enorme originalidad y un poder evoca-dor demoledor. Se trata de una forma libre que desafía todos los esquemas preexistentes acerca de la forma musical, ya que la tonalidad es ambigua además de inestable y los elementos temáticos resultan ser breves y muy poco contrastados y quizás por esta razón, entre algunas otras, encontramos que la obra no encaja den-tro de la perspectiva de la formalidad.

PIOTR ILICH TCHAIKOVSKYSINFONÍA NO.4

EN FA MENOR, OP.36 Tchaikovsky escribió su cuarto capítulo sinfónico entre 1877 y 1878.Durante la gestación de la obra, el compositor escribió a su mecenas, Nadezhda von Meck que deseaba dedicarle esa partitura y que en la portada de la obra escribiría: “Dedicada a mi mejor amiga”. La sinfonía se estrenó en la ciudad de San Pe-tersburgo el 22 de febrero de 1878 en un concierto dirigido por el maestro Nikolái Rubinstein. Esta sin-fonía está muy ligada a la vida del compositor, la es-cribió en un momento muy difícil de su vida en la que intentaba huir de los escándalos, cada vez más fuertes, sobre su homosexualidad, su matrimonio con la joven Antonina Milukova termina por ser un verdadero fra-caso y en su desesperación huye a Suiza. Fue en medio de todas estas difíciles circunstancias que Tchaikovsky logra escribir una de sus más bellas e impresionantes sinfonías.

GALA DE ÓPERASe le conoce como el arte total, en esta disciplina convergen todas las ramas de las bellas artes y exis-te desde la época del renacimiento con las evidentes modificaciones con que en tiempo y las exigencias de los grandes compositores de ópera se han ido presen-tando. Sabemos que la ópera surgió en la ciudad de Florencia, en Italia alrededor del año 1617 teniendo como base la tragedia griega del siglo V a. C. con escri-tores como Esquilo, Sófocles y Eurípides y recreando todas aquellas dramáticas historias que los griegos so-lían representar en sus teatros, con la variante de que en el caso de la ópera se hacía a través de la actuación y del canto. Según lo que nos dice la historia de la mú-sica, la ópera, como género musical, surge al interior de un grupo de amantes de las artes que se agrupaban bajo el nombre de la Camerata de Bardi o también la Camerata Florentina, todos ellos convocados por el conde Giovanni de Bardi, de ahí su nombre. Ellos sostenían que la música de su época se había corrom-pido y que era necesario regresar a las formas de la Grecia clásica, sostenían, por ejemplo, que la tragedia griega tenía muchas partes cantadas, específicamen-te el corifeo, no sabemos en realidad cuánta verdad habría en aquella afirmación, lo cierto es que de ese intento por recuperar las formas clásicas en el arte, específicamente en la música y el drama, surge este nuevo modelo musical que hoy damos el nombre de ópera, el arte total.

José Areán · El interés del maestro Manuel M. Ponce por contar con una agrupación orquestal en...

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