LA BELLA AURORA - museo-cmc
32
Revista del Teatro Cuyás Nº 12 Enero/Febrero 2004 ZALAKADULA El musical de los niños en el que todo puede ocurrir ¡SE QUIEREN! Conflictos entre Amparo Larrañaga e Iñaki Miramón LA TIENDA DE LA ESQUINA La magia de un cuento ÑAQUE o de piojos y actores Otra historia del teatro COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA Nacho Duato: la parábola del baile LA CENA DE LOS IDIOTAS Adivina quién viene a comer esta noche BEST BEFORE Danza en los límites de la felicidad POR AMOR AL ARTE Maribel Verdú vuelve con una comedia EL LIBERTINO Teatro de la Abadía Entre la razón y la pulsión del deseo LA BELLA AURORA Una comedia mitológica de Lope de Vega
Transcript of LA BELLA AURORA - museo-cmc
Revista del Teatro Cuyás
Nº 12Enero/Febrero 2004
ZALAKADULAEl musical de los niños en elque todo puede ocurrir
¡SE QUIEREN!Conflictos entre Amparo Larrañagae Iñaki Miramón
LA TIENDA DE LA ESQUINALa magia de un cuento
ÑAQUE o de piojos y actoresOtra historia del teatro
COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZANacho Duato: la parábola del baile
LA CENA DE LOS IDIOTASAdivina quién vienea comer esta noche
BEST BEFOREDanza en los límites dela felicidad
POR AMOR AL ARTEMaribel Verdú vuelve con una comedia
EL LIBERTINOTeatro de la AbadíaEntre la razón yla pulsión del deseo
LA BELLA AURORAUna comedia mitológica
de Lope de Vega
Editorial1999-2004, cinco años de Cuyás
Lo primero que el Teatro Cuyás quiere hacerdesde esta tribuna es felicitarles a todosustedes el año 2004. Y desearnos para todosun año lleno de cosas buenas y de éxitos, yde entre esos éxitos, cómo no, los teatrales.
Parece mentira que el tiempo pase tandeprisa cuando sucede algo gozoso.Francisco Rabal inauguró esta casa en mayode 1999 con un recital titulado Queridospoetas. Desde aquel emotivo acto hastaahora han pasado cinco años; cincotemporadas tan llenas de actividad y debrega que se han ido en un suspiro, señalde que han estado plagadas de cosas buenas.Compartir esta sensación plenamente conustedes, con el público de Gran Canaria, eslo mejor a lo que tenemos que aspirar.
La mejor celebración de esos años Cuyásen el 2004 es la de seguir estando cerca deustedes. Mantener una programaciónmultidisciplinar y de calidad con la que sesientan identificados, que sea de su interéspor los valores de los textos, de los artistasy de las puestas en escena. Que sea de sugusto porque, sea drama o comedia, van asentir, a disfrutar y a participar. Que sea desu atención porque incorpore nuevasestructuras de creación con propuestasestéticas y de lenguaje que nos haganrespirar aire fresco. En pocas palabras hacermás suyo, si cabe, el Cuyás. Y eso pasatambién por mantener y mejorar el espacio:desde el patio hasta el escenario pasandopor el vestíbulo, la sala, los accesos, loscamerinos, la cafetería, etc. etc.
A través de esta revista ustedes recibeninformación periódica de la actividad delteatro. Existen otros cauces de informaciónigualmente importantes, unos másgenerales, como la página web, los anunciosen prensa, los dípticos trimestrales, losavances de programación, otros másespecíficos como las cuñas de radio, lacartelera y los programas de mano. Paratodos ellos, incluida la revista, sería muysaludable conocer cómo les gustaría a
ustedes recibir la información y quéinformación valoran más; en el caso de larevista por ejemplo, si tenemos que hacermás hincapié en la información literaria ohistórica o por el contrario si les interesanmás detalles del proceso de creación orecibir más información de los actores ydirector. Desde esta página les pedimos quenos den su parecer. Pueden utilizar nuestroe-mail, [email protected], o el fax delteatro 928 432182 o cualquier medio queesté a su disposición, desde una carta hastauna visita a nuestras oficinas para conocerpersonalmente lo que tengan quesugerirnos. El Teatro Cuyás quiere sabercómo quieren ustedes estar informados ycómo quieren recibir esa información.
Por último, pero no por ello menosimportante, resaltar una actividad que iniciael año 2004 y que tiene especial relevanciaen la celebración del quinto aniversario delTeatro Cuyás. Zalakadula El laberinto de lossueños es un espectáculo que se retomadespués de dos años en los que no tuvimosla suerte de poder continuar una tradiciónque ha hecho y hará felices a todos lospúblicos, en especial los más jóvenes, en laprimera semana del año antes de la festividadde los Reyes Magos. Pero no sólo es especialporque se recupera y mejora el espectáculo,sino porque se hace en colaboración entreel Ayuntamiento de Las Palmas de GranCanaria y el Cabildo de Gran Canaria.Iniciamos el año y la celebración del periodopasado logrando la coordinación ycolaboración de dos instituciones sin cuyoesfuerzo, pasión y entendimiento no sehubiera logrado alcanzar el resultado quetodos los peques están esperando. Desdeaquí el agradecimiento al Ayuntamiento dela capital por la generosidad y la visión queha demostrado.
Al cerrar estas líneas sólo nos queda desearque lo que aquí les transmitimos sigacreciendo y manteniéndose como objetivoprioritarios de un teatro, el Cuyás, de todosustedes.
La Luna del Cuyás
Edita Teatro Cuyás
Calle Viera y Clavijo s/n
35002 Las Palmas de Gran Canaria
Tel 928 43 21 80 Fax 928 43 21 82
Email: [email protected]
Web: www.teatrocuyas.com
Director
Manuel Gutiérrez
Director Adjunto
Gonzalo Ubani
Coordinadora de Redacción
Yolanda Saavedra
Jefe de Redacción
Francisco M. Lezcano
Fotografía
Productores de espectáculos
y Archivo del Teatro
Depósito Legal G.C.880-2001
Dirección de arte y Maquetación
La Peluquería
Imprenta
San Nicolás
El T
eatr
o Cu
yás
no s
e ha
ce re
spon
sabl
e de
los
cont
enid
os a
jeno
s a
la p
rogr
amac
ión,
ni d
e la
opi
nión
de
sus
cola
bora
dore
s. P
ublic
ació
n de
dis
trib
ució
n gr
atui
ta.
Cartel de la obra La bella Aurora
04 El laberinto de los sueñosLa Compañía Zalakadula entusiasma a los niños con su mágica fantasía
06 ¡Se quieren!Controversias matrimoniales para todos los gustos
08 La tienda de la esquinaUna foto de humanidad que nos reconcilia con la vida
10 Ñaque o de piojos y de actoresVisiones de Sanchís Sinisterra sobre el teatro del Siglo de Oro
12 Compañía Nacional de DanzaNacho Duato: un coreógrafo en plenitud
14 La cena de los idiotasUn eficaz mecanismo cómico
18 La bella AuroraVersos deliciosos de Lope de Vega para una historia mítica
20 Best BeforeCoreografías de Martín Padrón entre lo figurativo y lo radical
22 Por amor al arteUna comedia contemporánea sobre el amor
24 El libertinoDiderot se debate entre el sentimiento y la razón
26 El Teatro Cuyás: historias de un espacio centenarioMaría Dolores de la Fe rememora a Pepe Romeu
30 Avance Marzo-Abril 2004
Sumario
EL LABERINTO DE LOS SUEÑOSCompañía ZalakadulaDirección: Luifer RodríguezDías 2, 3 y 4 (a las 17.00 h. y 19.30 h.)de enero
Precios
Patio de butacas Adultos 15 eurosNiños hasta 14 años 12 euros
1er Anfiteatro Adultos 12 eurosNiños hasta 14 años 10 euros
2do Anfiteatro Adultos 8 eurosNiños hasta 14 años 6 euros
La Compañía Zalakadula regresa alescenario por Reyes tras dos años deausencia con una nueva edición de su yaaclamado musical infantil. La propuestapara esta ocasión, que será estrenada en elTeatro Cuyás en vísperas del Día de Reyes,tiene por nombre El laberinto de los sueños,y ha sido coproducida por el citado teatrodependiente de la Consejería de Cultura yPatrimonio Histórico del Cabildograncanario y el Ayuntamiento capitalino,a través de la Sociedad de Promoción deLas Palmas de Gran Canaria. El montajeque dirige el actor Luifer Rodríguez,propone a los más pequeños cerrar los ojospara dormir y poder llegar a un país en elque todo puede ocurrir; un lugar en el quenada es verdad y en cuyo mar de nubeshabita un dragón con cara de ratón.
El laberinto de los sueños viene a ser la últimaaportación de Zalakadula al panorama delas producciones musicales orientadas a losniños. Desde hace ya ocho años, la idea (quesurge a partir del espectáculo Fantasíasmusicales de ayer y hoy en el que tomó parteSonia Santana, la cantante del grupo Olé-Olé) se ha venido repitiendo con rotundoéxito por las mágicas y emblemáticas fechasnavideñas. Casi 40 mil personas handisfrutado de los sucesivos montajes(Fantasías musicales de ayer y hoy II, Habíauna vez otro circo, Érase una vez el bosqueanimado y Magia Potagia) que hasta la fechahan puesto en marcha los componentes deesta extensa trouppe de actores, músicos ybailarines, con una fórmula que conviertecada teatro en el que actúan en una auténticaguardería. Son muchos los niños canarios que
han crecido al son de las divertidas cancionesde Disney, explica Antonio Lorenzo,productor ejecutivo de esta propuesta cuyadirección musical asume Germán Arias. Lasestampas familiares se repiten desde 1996...Los niños crecen y los adultos se hacen cadavez más niños, dejándose llevar por sus instintosmás inocentes, explica Lorenzo, que defineEl laberinto de los sueños como un mágicoespectáculo de música, humor, luz y color, enel que el espíritu de Peter Pan siempre estápresente. En realidad pretendemos impulsarla idea de que es posible un mundo mejor; unmundo en el que la sonrisas sean capaces devencer a la fuerza y la amistad consiga hacergirar el planeta. Ese es nuestro principalobjetivo.
Luifer Rodríguez se ha rodeado de una bandaintegrada por cuatro cantantes y ochomúsicos experimentados del panoramacanario, así como por seis bailarinas, cincoactores y diez figurantes. Las marionetas deHooka y los vistosos vestuarios diseñadospor Chari Álvarez y Julio Vicente Artiles,completan el nutrido elenco artístico de Ellaberinto de los sueños.
La infancia no tiene tregua. ¿Qué lugarguarda mejor que ésta la memoria de lossentimientos que esa época que haescuchado nuestros anhelos y miedos? Lainfancia retiene y devuelve casi siempreimágenes, sonidos y emociones que son lahuella de lo pasado y que siguen sonandocon una melodía de lo que fuimos. Sólo elque reinterpreta esos ecos puede entenderlas dudas y sueños que guardan los días deadulto.
EL LABERINTO DE LOS SUEÑOS04 ARRIBA TELÓN / TEATRO
De Peter Pan a Bart Simpson
La Compañía Zalakadula estrena una nueva entrega de su esperado musical navideño,coproducido en esta ocasión por el Teatro Cuyás y el Ayuntamiento capitalino
La historia de El laberinto de los sueños narrala desdichada vida de una anciana mendiga,que en el transcurso de una noche seconvierte en niña. Felicia entrará entoncesen un mundo fantástico poblado por elduende de los grillos, la maga de la luna,Bart Simpson, Campanilla, Peter Pan oMicky Mouse.
Luifer Rodríguez, director del montaje Ellaberinto de los sueños de la CompañíaZalakadula, asegura que éste es unespectáculo para todos los públicos, aunquecon dos niveles de lectura, uno para los adultosy otro para los niños. Genera ilusionescolectivas porque está lleno de fantasía,ternura e intimismo. Recuperamos el espíritumusical de otros años con nuevos temas delos años 60, a través de la idea original de uncuento escrito entre Carmen Sánchez, AlexisRavelo y yo. Este montaje aglutina lospersonajes ligados a la infancia y al bagajecultural de los adultos, desde los papagüevosa los gigantes y cabezudos.
Partimos de una amplia selección decanciones de dibujos animados, comentaRodríguez. Las músicas de la factoríaDisney tienen un peso importante, peroel repertorio es muy variado y va desdeHay un amigo en mí, Mañana (del musicalAnnie), Over the rainbow, Es una lata eltrabajar, El baúl de los recuerdos, Bajo delmar al propio tema original del montajeescrito por Alexis Ravelo, El laberinto delos sueños. El espacio escénico, diseñadopor Hamid Blell, es sencillo y respeta elconcepto inicial de esta producción queno deja de ser un concierto animado. Porello la banda se mantendrá sobre elescenario que estará ocupado por tresgrandes escaleras. Los cambios escénicosson constantes y rápidos, lo que propiciasegún el director, el planteamiento oníricode la obra. Los espectadores pasan del espacioal mar sideral sin ninguna explicaciónaparente, como sucede en los sueños.Fantasía y música se unen al baile, a lasluces y al color para convertirse en un puzzlemágico donde las escenas nos presentan todoel universo de Zalakadula.
Unas treinta personas participan en Ellaberinto de los sueños. Entre todas ellasdestaca la figura de la niña de diez añosRocío Ruano, que desde hace tres añosfigura en el elenco artístico de la compañía.
UN PAIS DONDE TODOPUEDE OCURRIR
(Letra de la canción principal escrita por Alexis Ravelo para el espectáculo El laberinto de los sueños)
Si tú cierras los ojosy te echas a dormiry nadie te pellizcallegarás hasta un país donde todo puede ocurrir(no me despiertes, para poder verte)
Allí los grillos hablantodo cambia de fazy un hada despistadade la luna se caerápara empezar a jugar(y con navegantes que durmieron antes)
Brillarápor ti una estrellaalumbrando tu corazón.Te guiaráhasta el niño que estaba ahí,oculto en tu interior.
Estribillo
En el laberinto de los sueñosdonde todo puede ocurrir,en el laberinto de los sueñosdonde habita el niño que hay en ti.
Si la aurora nos dejapintaremos tú y youn nuevo universoun arco iris de colorque sea escenario del amor (porque la noche tiene otros colores)
Descubriren un mar de nubesun dragón con cara de ratón.Saber queel día no será nunca el fin,que todo empieza ahí.
¡SE QUIEREN!de Muriel Robin y Pierre PalmadeCon Amparo Larrañaga e Iñaki MiramónDirección: Esteve FerrerDías 9 y 10 (20.30 h.) y11 (19.00 h.) de enero
Precios en euros Inicial T. Verde T. Azul T. Blanca
Patio de butacas 17 14 12 8.501er Anfiteatro bajo 14 11 10 71er Anfiteatro alto 12 10 8 62do Anfiteatro 10 8 7 5
Donde hay una pareja hay conflicto, y donde hay conflicto hay teatro
¡SE QUIEREN!
Amparo Larrañaga e Iñaki Miramón protagonizan las discusiones de ocho parejas distintas enesta divertida comedia que llega a España precedida por su rotundo éxito en Francia
06 ARRIBA TELÓN / TEATRO
Interpretada por los actores AmparoLarrañaga (Canción de cuna, Mi nombre essombra, Media naranja y Periodistas) e IñakiMiramón (You are the one, El mar y eltiempo, Hotel Danubio, Siete vidas), llega alescenario del Teatro Cuyás la comedia delos autores franceses Pierre Palmade yMuriel Robin, ¡Se quieren!, cuya versiónespañola dirige Esteve Ferrer. Estrenada enFrancia en 1996 y protagonizada por elpropio Palmade y la actriz Michelle Laroque(acaba ahora de estrenarse en París lasegunda entrega con el título de ¡Ellos sequisieron!), la obra permaneció en lascarteleras teatrales francesas tres años. ¡Sequieren! aborda de manera recurrente eirónica una docena de historias distintasdesde la perspectiva de ocho matrimoniosdiferentes. El hilo conductor de las diversashistorias planteadas en la obra es ladiscusión, y su moraleja nos conduce apreguntarnos si existe para cada uno de los
cónyuges una vida llevadera después de laruptura matrimonial.
¡Viva la novia!, El permiso de conducir,Los padres, Estocolmo, Pareja gay, ¿Teimag inas? , la canción Amores deaeropuerto, Entrevista de María TeresaCampos, Acento catalán, Nada que decir,Gerardo y María Antonia y Reconciliación,son los títulos de los hilarantes sketchesque se irán sucediendo a lo largo de lahora y media en la que Larrañaga yMiramón no cesan de discutir desde elmismo día de su boda. Esta comedia queya han visto en España más de cien milespectadores, contiene innumerablesreferencias y giros que permiten a suadaptador, Miguel del Arco, no sóloacercarla a nuestra realidad cultural ysocial nacional, sino globalizarla en elámbito de un amplio sector social yprofesional de parejas. Esteve Ferrer,
director del que los espectadores delTeatro Cuyás pudieron disfrutar Atraco alas tres y Fashion, Feeling, Music, haapostado por un montaje dinámico y deritmo vivo, cuya neutra escenografía hadiseñado Antonio Belart.
Ambos actores vienen a demostrarnos quelas controversias matrimoniales no tienendiferencias de clase, que lo mismo lassufren las parejas de hecho que las dederecho, de izquierdas o de derechas, y quelas polémicas hay que resolverlas dentrode casa. Como mandan los cánones delmanual de supervivencia marital, lassituaciones de ¡Se quieren! están sometidasal pulso de la caricatura, al extremo de laironía encubierta al que las aparienciasobligan. Casi nadie duda de que las broncasdejan en evidencia nuestros propioscomportamientos y capacidades pararesolver conflictos en el seno de la pareja,problemillas cotidianos y desencuentros,pero también es cierto que nadie deseaperder la razón en cualquier litigio en elque esté en entredicho nuestra dignidadcomo individuos. En los actores yespectadores, la discusión despierta yejercita las cualidades propias y laconciencia de la condición humana: desdela ira a la comprensión, pasando por lavanidad o la compasión.
¡Se quieren! es una obra en la que se venreflejados buena parte de los mecanismosy comportamientos sociales.
Esta pieza posee un componente muy antiguo:la discusión en pareja. Robin y Palmade seha amparado en los tópicos más tópicos queson los que más se acercan a la realidad y ala generalidad. Es una crítica superficial al
estamento de la pareja convencional en formade comedia llevada a cierto punto de comic.
¿Comedia pura y dura?
En efecto, y por ello conecta tanto con elpúblico, que se ve reconocido en muchas delas situaciones que se abordan en la hora ymedia que dura ¡Se quieren! En esta épocamoderna de catarsis, donde la gente tieneproblemas, el público busca comedias.
Háblenos de los personajes que se sucedenen la obra
Paso de ser una chica ingenua a ser otra másdespistada, irónica o trastornada. Haydistintos tipos de mujer reflejados en estetexto, que es el que te lleva a las situaciones
que se desencadenan sobre la escena. Al finalde la función existe un guiño: cualquiersituación que haya acontecido a estas parejasha podido haber pasado en la nuestra. EntreIñaki y yo nunca la sangre llega al río.
¿Se puede conceptuar como una radiografíade las relaciones sentimentales?
Sí, pero muy tópica-típica. Que nadie esperever algo extraordinario ni con demasiadacarga profunda. Esto es un divertimento,una gamberrada contemporánea en la quese discute por la suegra, por el coche, loshijos, las vacaciones, el trabajo... Los másjóvenes se mueren de risa –aunque a ellosno les sucedan las situaciones- porqueencuentran esas discusiones como algopatético.
Según los expertos, el deporte nacional por excelencia es el fútbol.Pero me gustaría precisar que el deporte nacional, en mi humildeopinión, es discutir sobre fútbol.
La discusión forma parte de nuestros quehaceres cotidianos.Discutimos sobre todo: política, teatro, deporte ... todo lo quepuede ser susceptible de llevarnos la contraria. Aunque si tenemosen cuenta los antecedentes, no es de extrañar esta afición nuestra.Con el primero con el que discutimos en esta vida es con elginecólogo que nos trae al mundo, para sustituirlo a los pocosminutos con el pediatra. Luego vienen los compañeros de colegioy los profesores. Y en la adolescencia, qué les voy a contar de lasmíticas discusiones entre padres e hijos, para acto seguido pasara las más románticas de enamorados. Pero la madre de todas las
discusiones es, sin duda, la discusión de pareja.
Y en este caso, da igual que sean de hecho que de derecho. Enblanco y negro; de izquierdas o de derechas. La discusión despiertay ejercita entre nosotros cualidades propias de nuestra condiciónhumana: la ironía, el sarcasmo, la indignación, la tozudez, la ira o,resumiendo, cómo pasar de las más tierna de las conversacionesal cabreo más intenso en dos segundos.
Una muestra de ello es el espectáculo ¡Se quieren!. Aunque paraespectáculo, el que hemos organizado durante los ensayos losactores, productores y director, discutiendo cómo hacerles reír conalgo tan cotidiano y entrañable. Gracias por venir al teatro, aunqueello les haya supuesto discutir en la elección.
EL EJERCICIO DE LA DISCUSIÓN
ESTEVE FERRERDirector de ¡Se quieren!
AMPARO LARRAÑAGA:ENTREVISTA
Amparo Larrañaga regresa al TeatroCuyás tras su participación en elmontaje Las amistades peligrosas. Estavez con otro registro bien distinto, unacomedia en la que comparte escenariocon Iñaki Miramón, muy lejos de losduros papeles afrontados en obrascomo Defensa de dama, Cómo aprendía conducir y La habitación azul.
¡SE QUIEREN! ES UNA GAMBERRADA
TODO ES COPIA
Esta misma historia se volvió a utilizarposteriormente en el cine, bajo laadaptación de Nora Ephron, manteniendola máxima que le legó su madre, la guionistade Hollywood, Phoebe Ephron: Todo escopia. Una de las razones del éxito ha sidoel partir de un clásico de la comediaromántica: El bazar de las sorpresas, la deliciaque Ernst Lubitsch rodó en 1940, con JamesStewart y Margaret Sullivan. Trasladandola acción a los tiempos modernos se rodóTienes un e-mail, protagonizada por TomHanks y Meg Ryan, en la que ésta últimaposee una pequeña librería de literaturainfantil denominada La tienda de la esquina,título original de la película que Lubitschadaptó de la pieza teatral de Miklós László,autor de la novela.
De László han sido varias las adaptacionesde novelas que han sido trasladadas al cine;entre ellas cabe destacar: Tienes un e-mail(1998) y La tienda de la esquina (1940),ambas basadas en La Perfumerie, así comolos musicales In the good old summertime(1949) y Big City (1948).
LA TIENDA DE LA ESQUINAde Miklós LászlóDirección: Lander IglesiasCon María Adánez, Aitor Mazo,Francisco Vidal y Juanjo Cucalón
Días 16 y 17 (20.30 h.) y18 (19.00 h.) de enero
Precios en euros Inicial T. Verde T. Azul T. Blanca
Patio de butacas 17 14 12 8.501er Anfiteatro bajo 14 11 10 71er Anfiteatro alto 12 10 8 62do Anfiteatro 10 8 7 5
Esta hermosa y enternecedora historia, inspirada en una de las películas románticasmás logradas de Ernst Lubitsch, ha ganado cinco premios Molière en Francia yha sido representada durante tres años consecutivos
LA TIENDA DE LA ESQUINA08 ARRIBA TELÓN / TEATRO
La obra de Miklós László La perfumería yel clásico cinematográfico de Ernst Lubitsch,El bazar de las sorpresas, probablemente lamejor comedia romántica jamás filmada,constituyen la base del montaje que EvelyneFallot y Jean-Jacques Zilbermann hanconvertido en montaje teatral bajo elnombre de La tienda de la esquina. Suargumento cuenta la historia de unapeculiar tienda llena de sorpresas, dondelas personas que allí trabajan guardan unaamplia colección de emociones que se vandescubr iendo a medida que losacontecimientos se enredan, creándose todauna serie de situaciones inesperadas aliñadascon diálogos ingeniosos, humor discreto ysabia ironía.
Representada consecutivamente durantetres años en el Teatro Montparnasse deParís, ha recibido los más prestigiosospremios de teatro que se otorgan en Francia:nada más y nada menos que cinco PremiosMolière en 2002.
La versión en castellano de La tienda de laesquina que ha realizado Juan José deArteche, llega ahora al Teatro Cuyás condirección de Lander Iglesias, con un repartoque incluye los nombres de María Adánez,Aitor Mazo, Francisco Vidal y JuanjoCucalón. La tienda de la esquina es unhermoso espectáculo, un milagro, como unbuen vino que posee bouquet. Kralik y Klara,son los protagonistas de esta enternecedorahistoria donde jugarán a lo largo de la obraal gato y al ratón, antes de reconocerse sucariño. Se mueven con delicadeza en unentorno frágil; con sutileza mantienen alespectador encantado hasta el cuento deNavidad final.
Uno podría temer lo peor cuando hurga enla memoria. El recuerdo de la película Elbazar de las sorpresas, de Lubitsch (1940),con James Stewart y Margarita Sullivan,que el tiempo ha convertido en película deculto, es una incómoda referencia. ¿Puedeuno competir con un recuerdo, un icono,una mitología en blanco y negro? Sí, laprueba está en la permanencia en carteldurante tres temporadas en el Teatro
Montparnasse de París.En la tienda se recrea al detalle el ambientehúngaro discretamente irrigado por elyíddish y la cultura de los judíos de Hungríaen el período de la posguerra, aliviado porel cine americano. A simple vista nada mássentimental y entrañablemente tradicionalque esta historia de relaciones entre losempleados de una librería ubicada en elcentro de Budapest. Viven envueltos en susproblemas diarios, sus rivalidades, sussueños y su bondad.
Este es un mundo que ha desaparecido, queresucita bajo nuestros ojos. Parecería queuno se queda en lo pintoresco, en laañoranza. No es así. La obra nosproporciona un encuentro con lairreflexión, también con la ternura: unafoto de humanidad que misteriosamentenos reconcilia con la vida, con el teatro.
La escenografía, una especie de ruedo, nostransporta de la tienda a la calle, de la calleal café, en un espacio ágil, cargado de ritmoy velocidad.
Se venden emociones y sorpresas
ERNST LUBITSCHUN GENIAL JUDÍO ALEMÁN
Está considerado como uno de los cineastasmás influyentes de estos cien años dehistoria del cine. Que cineastas de la tallade Billy Wilder y Joseph L. Mankiewicz lehaya reconocido públicamente como sumaestro es algo prácticamente irrepetible.Nadie que haya hecho comedia en losúltimos tres cuartos de siglo podrádeclararse ajeno a la personalidad y la obradel genial judío alemán. Lubitsch escribiójunto a guionistas que a su lado brillaroncomo nunca, entre ellos Hans Kräly, ErnestVajda, Samson Raphaelson, Walter Reisch,Henry y Phoebe Ephron, Ben Hecht, BillyWilder y Charles Brackett, y todos ellosreconocen que escribieron con él y no paraél, lo cual ya es mucho decir. A ellospodríamos añadir una lista enorme depersonalidades del cine que reconocen susinfluencias y su admiración por el granmaestro de la comedia. Sus coetáneos sinexcepción expresaron su respeto yadmiración por su trabajo: los Griffith, De
Mille, Sternberg, Chaplin, Lang, etc.Películas como Ser o no ser, Ninotchka, Elbazar de las sorpresas o El pecado de ClunyBrown hablan por sí solas de su genio milveces imitado.
Nació el 28 de enero de 1892 en Berlín, enel seno de una familia judía. A los 18 añosdejó el negocio familiar de sastrería paraconvertirse en actor profesional. En 1911se unió al teatro alemán de Max Reinhardt,en el que pronto haría papeles de carácterpara pasar a protagonizar cortometrajescómicos en 1913 y a dirigirlos desde 1914.Tuvo un éxito inmediato en su doble facetade actor y director, y continuó actuandopara Reinhardt. Fue el primero en asimilarel nuevo estilo estadounidense de hacercine, y sus películas se hicieron máselaboradas, incorporando al tiempo ideastomadas del teatro ligero de Reinhardt y dela opereta.
Su película Madame Du Barry (1919) fuela primera cinta alemana distribuida enEstados Unidos después de la I GuerraMundial, y su éxito llevó a Mary Pickforda llamarle a Hollywood para que la dirigiera
en Rosita, la cantante callejera (1923).Después de ésta, la Warner Brothers lecontrató para dirigir una serie deprestigiosas producciones, como Los peligrosdel flirt (1924), que le convirtieron en unode los directores más admirados deHollywood.
Casi todas sus películas posteriores fueronadaptaciones de comedias europeas, en lasque, con insinuaciones visuales, era capazde sugerir más sobre el sexo de lo que poraquel entonces estaba permitido mostrar.Entre las comedias que le hicieronmundialmente famoso y uno de los grandesdel género hay que citar La viuda alegre(1934), La octava mujer de Barba azul(1938), Ninotchka (1939), El bazar de lassorpresas (1940), verdadero tratado sobrela comedia, Ser o no ser (1942), una de lasmejores comedias de la historia del cine, yEl diablo dijo no (1943). Los últimos añosde su carrera se ocupó, como supervisorgeneral de la Paramount, en tareas deproducción, dando sus pr imerasoportunidades a directores de la talla deBilly Wilder o de Otto Preminger.
Una reflexión de Sanchís Sinisterra sobre el teatro, la interpretación y eltiempo histórico, a través de los ojos de dos comediantes del siglo XVII
ÑAQUE O DE PIOJOS Y ACTORES
10 ARRIBA TELÓN / TEATRO
El autor valenciano José Sanchís Sinisterraplantea en su montaje Ñaque o de piojos yactores, una lúcida reflexión que demuestraque la esencia del teatro reside en elencuentro entre el actor y el espectador, yque en ese momento no son incompatibleshumor y ternura, patetismo e inteligencia,pasión y reflexión. Estrenada en 1980 consu propia compañía, El Teatro Fronterizo,esta pieza que ahora dirige el dramaturgograncanario Rafael Rodríguez (Premio JoséLuis Alonso 1997 por la Asociación deDirectores de Escena de España), estáinspirada en El viaje entretenido, de Agustínde Rojas Villadrando, un clásico de nuestroSiglo de Oro.
Los jóvenes actores que se enfrentan a suprimer trabajo profesional, Víctor Nebot yAlexis Corujo, dan vida a Ríos y Solano,respectivamente, dos comediantes del sigloXVII que despliegan ante el público delsiglo XXI un sinfín de sucesos jocosos ydramáticos en forma de auto sacramental,romances, loas y entremeses, y colocan alespectador ante una verdadera y remotarepresentación de corral de comedias. SegúnRodríguez, director también de 2RCProducciones, empresa con la que produjoen colaboración del grupo La República, Elhacha, de Antonio Morcillo, la clave de estemontaje que posee un evidente significadopedagógico y cuya exhibición se haplanteado por el Teatro Cuyás en forma decuatro funciones concertadas para escolares
de tercero y cuarto de la ESO y Bachiller,permitirá de manera entretenida concambios continuos que van de laversificación a la prosodia, introducir a losalumnos en las claves del teatro barroco,sus formas, lenguaje y autores.
En torno a la dramaturgia de Sinisterra,el director canario explica que ésta proponeuna escenificación contemporánea quecuestiona la visión del teatro del Siglo deOro y, sobre todo, rompe con los moldestradicionales del teatro que sueledesarrollar tan sólo el plano literario obien el visual, pero que no vincula esosdos elementos para configurar un lenguajepuramente teatral o de acción. He indagadoen la esencia ingenua del texto, teatro en sumás pura esencia. El desfase temporal quese produce en la obra también permitió aSinisterra marcar ciertas tendenciasrupturistas con el realismo. La acción sesitúa en el tiempo actual, aunque laiconografía empleada pertenece al siglo deLope de Vega, lo que establece un juego deabsurdo muy cercano a las propuestas deBeckett. Me interesa el plano metateatralque integra al público en el propio montaje,reflexionando sobre el sentido del espectadoren el teatro y del actor sobre el escenario,apunta Rafael Rodríguez.
Según el director canario, se programa pocoteatro para jóvenes en Canarias. Todas lasapuestas que se planteen por difundir el teatroentre el público del futuro que son los niñosy los jóvenes son válidas. Hay que tenerpaciencia porque esa dinámica ofreceresultados a largo plazo y no se puedecontemplar desde la rentabilidad económica.Hay que trabajar desde la base estableciendosinergias entre las escuelas de teatromunicipales, los proyectos escolares,programas de ida y vuelta entre teatrospúblicos y escuelas, etcétera, concluye.
ÑAQUE O DE PIOJOS Y ACTORESde José Sanchís SinisterraDirección : Rafael RodríguezDías 20 y 21 (10.00 y 12.00 h.) de eneroFunciones escolares
21 (20.30 h.) de eneroFunción al públicoPrecio único: 12 euros
Precio único: 5 euros
DESTINO DE ACTORJOSÉ SANCHÍS SINISTERRA
Junto a la brillante dramaturgia de Lope,Tirso, Alarcón, Moreto o Calderón; juntoa la sólida fábrica del Corral de la Cruzo del Príncipe, de la Casa de la Olivera odel Coliseo del Buen Retiro; junto a lafama y el relativo bienestar decomediantes como los Morales, JosefaVaca, Juan Rana, María Calderón,Sebastián de Prado y otros, prolifera unaturbia caterva de poetastros y zurzidoresde versos ajenos, de faranduleros ycómicos de la legua, que vagabundeabacon su arte (?) a cuestas por villorrios,aldeas, cortijos y ventas: gente holgazana,mal inclinada y viciosa, y que por noaplicarse al trabajo de algunos de losoficios útiles y loables de la república, sehacen truhanes y chocarreros para gozarde la vida libre y ancha, en opinión de unfraile de su tiempo.
Para gozar de vida libre y ancha, sí; paraescapar de la estrechez represiva de unasociedad jerarquizada, inmovilista y beataque no podía aceptar sin gravesreticencias el incremento de unos gruposhumanos que optaban por arrastrar undestino incierto y que, sin resignarse aloscuro anonimato de los mendigos,pícaros y delincuentes que integraban laenorme masa de los desheredados,ostentaban su indiferencia a través deuna profesión equívoca y en nombre deun arte seductor.
Todos los estudiosos que se hanconfrontado al complejo problema de lacondición social del actor, coinciden enseñalar la ambigüedad y la ambivalenciade su status; admirando, envidiando,ensalzando e incluso glorificando, no porello logra conjurar la desconfianza, elmenosprecio o la franca hostilidad de lasclases dominantes o, simplemente,acomodadas. Mientras que el sistema -cualquier sistema- tiende a fijar ycodificar en mayor o menor grado, enuna u otra forma, a los individuos ygrupos que lo integran, el teatro ofrece asus miembros amplios márgenes deindeterminación y fluctuación: el
nomadismo, la improductividad, lapromiscuidad, el exhibicionismo, lasimulación... claves de un vivir anómaloque oscila perpetuamente entre la libertady la servidumbre, y que concita todos losfantasmas colectivos de la transgresión.
En torno a esta temática -lacondición del actor y su posiciónen la sociedad, concretada ensu relación con el público-gira, deambula y discurre latrama textual de Ñaque.Condición precaria, ya quesu debilidad y su fuerzadependen del encuentrofugaz y siempre inciertocon ese ser múltiple ydesconocido quea c e c h a e n l asombra de la salay, a p a re n te -m e n t e , s ó l omira y escucha.
El coreógrafo valenciano Nacho Duato, queoficia como director artístico desde hacetrece años de la Compañía Nacional deDanza, se presenta en el Teatro Cuyás contres coreografías: L’homme, Cuarteto nº 8 yTabulae. El primero de los títulos es unacoreografía del propio Duato, que utilizauna selección de las obras para piano a dosy cuatro manos de György Kurtágcontenidas en los volúmenes I a VIII de suserie Játékok, y tres de sus transcripcionesde J.S. Bach para piano a cuatro manos delvolumen Átiratok Machaut-tól J.S. Bach.
Cuarteto nº 8 está inspirada en la Sinfoníade Cámara en Do Menor, de Shostakovich,y en el cuadro de Rojo sobre marrón, delpintor expresionista norteamericano MarkRothko. Supone, ha supuesto, además, elestreno en España del coreógrafo suecoÖrjan Andersson. Estrenada por laNederlands Dance Theater en 2001, fuepresentada también por la CDN en el Teatrode la Zarzuela de Madrid hace tres meses.
Finalmente, Tabulae, se presenta bajo laf i r m a d e Na c h o D u a t o y e l
acompañamiento musical del compositorde bandas sonoras como Hable con ella,Lucía y el sexo o Todo sobre mi madre,Alberto Iglesias. Estrenada en 1994, en estareposición mantendrá intacto suplanteamiento cuidando el juego misteriosode las alternancias en esta pieza, que fijanlo poético tanto en la danza como en lamúsica. Iglesias ha mantenido con Duatoy la CDN una estrecha colaboración, paraquienes ha compuesto las piezas Cautiva(1992), Tabulae (1994), Cero sobre Cero(1995) y Self (1997).
L’HOMME, LA EFÍMERA EXISTENCIA
L´Homme comienza con una obraepigramática en el catálogo del compositor:Virág az ember... (Játékok VIII/I,3A: Flowerswe are, Mere Flowerers...). El título provienede un fragmento del escritor húngaro delsiglo XVI, Péter Bornemisza, al que Kurtágdedicó uno de sus más importantes ciclosvocales (op. 7). Tanto la flor musical que lacompone, como su texto, suponen una delas piedras angulares sobre el que seconstruye el mundo sonoro del compositor.Y es precisamente esta composición en laque Duato se inspira originalmente parahablarnos en su coreografía sobre el carácterefímero de la existencia, sobre la fragilidadhumana tan similar en su condiciónperecedera y en su brevedad a la quepudiéramos encontrar en el ciclo vital de
una flor. A continuación, las trestranscripciones para piano a cuatro manosde obras de J. S. Bach enmarcan a modo depilares las breves composiciones de Játékok,siguiendo el modelo de interrelaciónpropuesto por el mismo compositor y suesposa Márta en numerosos recitales y ensu grabación para el sello alemán ECM.
CUARTETO Nº 8, UNA OBRA VARIABLE
Desde que fue estrenada, Örjan Anderssonha revisado esta obra y desarrolladodiferentes versiones que utilizan desde loscuatro intérpretes originales hasta catorcebailarines en el escenario, habiendoestrenado el ballet en diferentes compañíasde danza tales como Skånes Danstheatreen Suecia, y su propia compañía AnderssonDance Company.
TABULAE, JUEGO DE AMBIVALENCIAS
Unos fragmentos poéticos de WallaceStevens son el punto de arranque de estacoreografía. Tanto Iglesias como Duatoinventaron a su manera las ambivalenciasescondidas/sumergidas que se hallan enesta pieza. Mientras uno llamaba a lo suyoimpulsar el otro lo llamaba acrecentar; y siuno decía rotar, el otro prefería decir colgarsede un punto. Y así tan cruzados podían estarlos sentidos que en un cuadro deambivalencias abrir sería olvidarse, cerrares repetir y nada es nada. Obsesión esobsesión y fuente de seda es algo que no se vepero que adquiere un dominio.
Nacho Duato radiografía el alma en clave expresionista
COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA
El coreógrafo, que acaba de obtener el Premio Nacional de Danza en el apartado de Creación,presenta al público grancanario L’homme, Cuarteto nº 8 y Tabulae
12 ARRIBA TELÓN / DANZA
Fotógrafo: Michael Slobodian
NACHO DUATO, UNA MARCA DE LACULTURA ESPAÑOLA
Dicen que comenzó a bailar muy tarde,pero que llegó enseguida a lo más alto. Enél se fijaron Maurice Bèjart, cuando cursabaestudios en su Mudra School de Bruselas;Alvin Ailey en el American Dance Centre,y Jiri Kylián, que lo convirtió en el primerbailarín del Nederlans Dans Theater y loinició en la coreografía. La armonía de susmovimientos y su enorme talento lehicieron plantearse su incursión hacia lacoreografía. La primera fue Jardí Tancat(1983), con música de María del Mar Bonet,con la que obtuvo el primer premio en elConcurso Internacional Coreográfico deColonia. Ahora, sus ballets forman partedel repertorio de las más prestigiosascompañías de todo el mundo, entre las quese encuentran el Cullberg Ballet, Les GrandsBallets Canadiens, Ballet de la Ópera deBerlín, Nederlans Dans Theater, AustralianBallet o el Royal Ballet y American BalletTheatre, entre otras. El valenciano NachoDuato trajo aire nuevo como directorartístico al Ballet Lírico Nacional, y más
tarde a la Compañía Nacional de Danza.Antes de recibir el Nacional de Danza 2003en la categoría de Creación, recibió en 1998la Medalla de Oro al Mérito de las BellasArtes, y el Venios de la Danse (2000), unode los galardones internacionales en elámbito de la coreografía más prestigiososque existen y que otorga la InternationalDance Associat ion, por su obraMultiplicidad. Luego vino Formas de Silencioy Vacío (1999) propuesta elogiada por lacrítica mundial y fuente de inspiración paraotros coreógrafos. Sin duda, su papel en laCompañía Nacional de Danza ha supuestoun cambio radical en la historia del ballet.Entre los últimos proyectos de Nacho Duatodestaca su coreografía L’Homme, estrenadaen abril en el Teatro Real, y Txalaparta, unavisión personal del creador de la músicatradicional vasca. En la actualidad prepara,además, un trabajo para el Liceo deBarcelona, dentro del programa del Fórumde las Culturas 2004, que será unaexploración por las culturas del mundo através de una banda sonora que se pasearápor diferentes sonoridades, así como otroencargo para la Compañía Nacional deDanza 2.
COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA
La Compañía Nacional de Danza fuefundada en 1979 con el nombre de BalletNacional de España Clásico, y tuvo comoprimer Director a Víctor Ullate. En febrerode 1983 se hizo cargo de la Dirección de losBallets Nacionales - Español y Clásico -María de Ávila, quien encargó coreografíasa Ray Barra, bailarín y coreógrafonorteamericano residente en España,ofreciéndole posteriormente el cargo de
Director Estable que desempeñó hastadiciembre de 1990. En diciembre de 1987fue nombrada como Directora Artística delballet, Maya Plisetskaya. La incorporacióndel renombrado coreógrafo y bailarínNacho Duato como Director Artístico dela Compañía Nacional de Danza, en juniode 1990, supuso un cambio innovador enla historia de la formación. Duato estabadecidido a hacer del ballet una compañíacon identidad propia, en la que, sin olvidarlos preceptos clásicos, se derivara hacia unestilo más contemporáneo. Con este fin seincluyen en el repertorio de la compañíanuevas coreografías creadas específicamentepara ella, junto con otras de contrastadacalidad reconocida en numerosascompañías internacionales. Asimismo,Duato aporta a la Compañía Nacional deDanza su trabajo como coreógrafo, alabadopor la crítica mundial y premiado por losespecialistas.
COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZADirector Artístico: Nacho Duato
L’Homme, Cuarteto nº 8 y TabulaeDías 23 y 24 (20.30 h.)y 25 (19.00 h.) de enero
Precios en euros Inicial T. Verde T. Azul T. Blanca
Patio de butacas 24 19 17 121er Anfiteatro bajo 21 17 15 10,501er Anfiteatro alto 18 14 13 92do Anfiteatro 15 12 10,50 7,50
Coreografía: L'Homme de Nacho DuatoFotógrafo: Fernando MarcosBailarines: Luisa Mª Arias y Dimo Kirilov
Coreografía: L'Homme de Nacho DuatoFotógrafo: Fernando Marcos
Bailarines: José Carlos Blanco y Rafael Rivero
LA CENA DE LOS IDIOTASde Francis VeberDirección: Paco MirDías 4 y 5 (20.30 h),6 y 7 (19.00 h. Y 22.00 h.)y 8 (19.00 h.) de febrero
Precios en euros Inicial T. Verde T. Azul T. Blanca
Patio de butacas 20 16 14 101er Anfiteatro bajo 17 14 12 8,501er Anfiteatro alto 14 11 10 72do Anfiteatro 12 10 8 6
Crueles intenciones alrededor de una mesa
LA CENA DE LOS IDIOTAS
La exitosa obra de Francis Veber, adaptada y dirigida por Paco Mir (Tricicle), denunciala práctica de la humillación como instrumento de poder y de relación social
14 ARRIBA TELÓN / TEATRO
Paco Mir, miembro de Tricicle, dirige laadaptación al castellano de la popular obradel director francés Francis Veber, La cenade los idiotas, que se ha convertido ya entodo un clásico de la más reciente comediaeuropea. Despiadadamente divertido y
repleto de los desatinos e imprevistos quecaracterizan a las comedias de enredo, eltexto de Veber ha sido considerado comoun eficaz e ingenioso mecanismo cómico;como una magnífica maquinaria en dondetodas las piezas de su engranaje estándebidamente lubricadas y operan al serviciode su inverosímil moraleja: la crítica a lamoral de la clase alta y la sátira de los másdeplorables comportamientos humanos.
La cena de los idiotas arranca de una situaciónya de por sí extravagante. Un grupo dehombres de negocios organiza cada semanauna cena a la que invitan a personajesdeslumbrantes, precisamente por suslimitaciones intelectuales o bien por susparticulares y excéntricas aficiones. Una deesas veladas toca turno a un funcionario deHacienda que tiene la meticulosa afición deconstruir en sus ratos libres grandesmaquetas con cerillas de madera. Cuandofalta poco tiempo para que tenga lugar eseritual humillante, el invitado llega a casa delejecutivo que se encargará de trasladarlo aldomicilio en el que se celebrará la peculiarcena. Pero no será posible porque minutosantes de su llegada sufre un doloroso ataque
de lumbago. Los instantes que siguen setraducen en un auténtico despropósito desituaciones encontradas y desatinos: el idiotade las maquetas consigue, sin desearlo, queel ejecutivo sea abandonado por su mujer,por su amante, por su médico y que, además,sufra una severa inspección de Hacienda. Elburlador queda finalmente burlado, y elpretendido destinatario de las burlas –elidiota- sólo provocará que las desgracias seencadenen lamentablemente sobre elejecutivo. A todo estos mecanismos hay queañadir naturalmente el equívoco, sobre todoel de carácter sexual, que crea incidentes deprobada eficacia cómica y que constituye unelemento que en la obra que dirige Paco Mirfunciona con habilidad.
No es la primera vez que Mir se acerca alregistro de la comedia. En 1996 dirigió yadaptó el texto de Ray Cooney, Políticamenteincorrecto, y en 1999 se atrevió con Lavenganza de Don Mendo, de Pedro MuñozSeca, a la que han seguido Vidas privadas,de Noel Coward, y la pieza teatral en unsolo acto No es tan facil.
La cena de los idiotas cuenta con un repartointegrado por Montserrat Díez, FernandoHuesca, Carlos Piñeiro, Jorge Calvo, JuanjoMartínez, Maribel Lara y Fermí Herrero.La escenografía de Joan Jorba es sencilla,pero acertada y eficiente.
FRANCIS VEBER,LA MIRADA DE LOS DEMÁS
El éxito de Francis Veber tiene pocos antecedentes en el cine francés. Guionista y director,posee tras de sí un gran trabajo que le acredita como un gran realizador de comedias, ungénero que en repetidas ocasiones le ha permitido explicar su particular visión de lasrelaciones humanas y la existencia. Su filmografía como director es extensa: su primerfilme fue La cabra (1981), y dos de sus últimas producciones de mayor éxito han sido Lacena de los idiotas (1998), y Salir del armario (2000). La versión teatral de La cena de losidiotas, que fue producida por Jean-Paul Belmondo, se estrenó en 1993 en el Teatro delas Variedades de París, en cuyo cartel se mantuvo dos temporadas consecutivas. Tras elrotundo triunfo, Veber se decidió a llevarla al cine en 1998 (como ya hiciera con otrostrabajos suyos como La cabra, Los compadres o Tres fugitivos), obteniendo el César alMejor Guión Adaptado. La mirada de los demás aparece sistemáticamente en los guionesdel autor galo: Vivimos con los demás. Son ellos quienes deciden quién eres, ha explicadoen alguna ocasión. Asimismo, la humillación como recurso (como sucede en La cena delos idiotas) se evidencia claramente en sus trabajos: la vida es una forma de humillaciónpermanente para un hombre. Esas bromas estúpidas que colocan a un ser humano en unaposición de continua degradación son del género idiota. Muchas veces persigo demostrar quelos verdaderos idiotas son los que te humillan.
INCOMPRENSIBLE MUNDOPACO MIRDirector de La cena de los idiotas
En el mundo, como todo el mundo sabe, hay cosas que, para una inmensa mayoría, sonincomprensibles, como la luz, el funcionamiento de la bolsa, que abras un grifo y salgaagua –incluso caliente-, los transplantes, que aquel amor platónico no se diera cuentanunca de nuestros sentimientos, que el servicio de información de telefónica no sepadarte un teléfono que tú, más tarde, encuentras en la guía; los ordenadores, la sondaJúpiter, que continúen coronando los helados con guindas, si no gustan a casi nadie; quelas chicas digan que no cuando quieren decir que sí, que los aviones vuelen, la prensarosa, la venta de armas, que todos los Aries tengan una revitalización sentimental en suvida la misma semana; las mareas, que los actores de comedia tengan que acabar haciendoun papel serio para que su trabajo sea reconocido, el más allá, que cuando lleves el cocheal taller ya no haga ese ruidito, que la gente que utiliza teléfono móvil grite, que hayatantos camareros que desconozcan las virtudes del desodorante, que haya un negocio deventa de ensaimadas mallorquinas en las áreas de servicio de las autopistas, las instruccionesde funcionamiento de casi todo, que haya personas que tengan la necesidad de crear, deescribir, de representar obras sabiendo que se exponen a que los critiquen, que haya otrasque paguen una entrada para ver estas obras, que me haya tocado a mi el privilegio deadaptar, dirigir La cena de los idiotas y que, además, me paguen... En el mundo, comodecía, hay cosas incomprensibles.
Parece que el teatro haya descubiertoen el monólogo un recurso fácil ypróspero para cautivar al público. ¿Quéopinión le merece este formato queusted a definido como parateatral?
El monólogo ha sido siempre un género muydifícil y para el que muy pocos estánpreparados; me estoy refiriendo a un auténticomonólogo de más de una hora. Es cierto quenos están obligando a consumir monólogos(aunque cambiar de canal es una solución),y que éstos han llegado al teatro para que lagente pueda ver en directo lo que ya ve en
televisión. Hay mucha diferencia entre unGila o un Rubianes, y entre los monólogosfacilones de algunos de los espectáculos quetriunfan actualmente. Pero los modas vancomo van.
¿Cuál es su concepto del humor?
Yo intento crear situaciones lógicas o que,debido al tono empleado, puedan parecerlógicas. Intento no hacer humor tonto, que esaquel que obliga a hacer al personaje cosasque nadie haría en la vida real. Me gustabuscarle ocho o nueve pies al gato y darlevueltas a las cosas para explotar todo supotencial cómico. Creo que muchas veces haysutilidades que sólo me hacen gracia a mí.
¿En dónde radica a su juicio la virtudde la propuesta de Veber en el caso deLa cena de los idiotas?
Veber es un excelente constructor de lo que sedenomina la carpintería teatral, que es unacosa que parece peyorativa pero que muypocos llegan a conseguir con naturalidad. Lacena de los idiotas se basa en la fábula delregador regado y tiene una clave esencial enel mundo del humor: que nos reímos de lospoderosos; nos reímos del triunfador y nosreímos de un poderoso al que todos tememos:el inspector de hacienda. También nos reímosdel idiota, pero porque creemos reconocer
siempre a alguien que se le parece mucho, yque nunca es uno mismo.
Este país es muy dado a paralizarsepor los grandes acontecimientosconvencionales. ¿Hacemos agua entretanta anécdota?
El teatro siempre sufre el aleteo de la mariposade Hong Kong.
¿En qué nuevos proyectos trabaja PacoMir ahora?
Estas navidades repongo en Madrid lazarzuela Los sobrinos del Capitán Grant, yen febrero estrenaré Prosineckty, mi segundaobra de teatro en Barcelona. El próximo añome gustaría dedicarme a escr ibir.
¿Combina sin sobresaltos íntimos sufaceta como creador autónomo y suotra de integrante en lafactoría Tricicle?
Más o menos. Intento hacer mis escapadasen periodos vacacionales pero a veces mecoinciden con las actuaciones de Tricicle,como es el caso de la zarzuela o de lapostproducción de la película estrenada elpasado mes de noviembre con Carbonell deprotagonista, Lo mejor que le puede pasara un cruasán.
PACO MIR:ENTREVISTA
NOS ESTÁN OBLIGANDO ACONSUMIR MONÓLOGOS
Paco Mir, el director de La cena de losidiotas y miembro de Tricicle desde1979, nació en Barcelona en 1957. Sutrayectoria como actor y director secaracteriza por una polifacética carreradentro del mundo del espectáculo:adaptaciones teatrales, dirección deescena y guiones para cine y televisión.Mir también ha trabajado enpublicaciones de cómics, ha ilustradolibros y diseñado objetos.
El teatro es una escuela de llanto y de risa y una tribuna libre donde los hombres puedenponer en evidencia morales viejas o equívocasy explicar con ejemplos vivos normas eternas
del corazón y del sentimiento del hombre.
Fragmento de Charla sobre TeatroFederico García Lorca
Una comedia mitológica de aires rituales que tiene lugar entreel mundo civilizado y la inquietante naturaleza
LA BELLA AURORA
Noviembre Compañía de Teatro ha penetrado en el universo barroco de Lope de Vega a partir deluso del lenguaje de los símbolos y las imágenes
18 ARRIBA TELÓN / TEATRO
Noviembre Compañía de Teatro regresaal Cuyás con un texto de Lope de Vega,cuyas ra íces es tán directamenterelacionadas con los comienzos de lahistoria del citado colectivo, que se havenido caracterizando por una línea deproducción que lo señala como una de losmás estables e interesantes del teatroespañol contemporáneo. La bella Aurora,la primera de las doce comedias insertasen la parte veintiuna (póstuma) de lascomedias de Lope de Vega, fue publicadaen 1635 por su hija doña Feliciana deCarpio. Da asunto a esta pieza la fábulamitológica de Céfalo, Pocris y la Aurora,que Ovidio narró dos veces; la primera enel Arte Amatoria aconsejando a la mujerenamorada y celosa que no se deje engañarpor apariencias vanas, y la segunda en lasMetamorfosis, donde pone la narración enboca del mismo Céfalo. A juicio deEduardo Vasco, director de esta pieza, Labella Aurora es una obra con unaversificación tan deliciosa que sólo puedenegarse a su halago aquel que sea incapazde apreciar apenas la poesía.
Una comedia mitológica puede seguir enel teatro barroco español varias víasfundamentales de desarrollo dramático.Noviembre Teatro ha optado por la menostransitada, que no toma de la mitología loanecdótico y superficial, sino que penetraen la profundidad de la visión mítica paraconstruir desde ella un universo dramáticopersonal, que comparte con el mitológicosu trascendencia y el común uso del lenguajede los símbolos y las imágenes, en lo quetiene de universal y no de simple barniz
cultural. Según apunta Vasco, en La bellaAurora Lope de Vega opta decididamentepor un modelo de relaciones apoyados encategorías simbólicas y significativas, en lugarde las puramente funcionales, a partir de sudislocación de la versión tradicional de lafábula, tal y como la transmite Ovidio. Lopevio pronto en las viejas fábulas clásicas unmagnífico filón argumental para llevar a lastablas. En este sentido, es decir, como resultadode la transformación de la historia mítica,en fórmula dramática, creo que debeenjuiciarse cualquier comedia mitológica.
Interpretada por un amplio reparto deactores integrado por Laura Hernando(Pocris), Francisco Rojas (Céfalo), AntonioMolero (Fabio), Daniel Alvadalejo (PríncipeDoristeo), Fernando Sendino (Perseo),Maya Reyes (Aurora) José Vicente Ramos(Anteo) y Elvira Cuadrupani (Silvana), Labella Aurora posee escenografías de RichardCenier y un cuidado y exquisito vestuarioconfeccionado por Rosa García Andújar.
Para Eduardo Vasco, Lope de Vega, forzadopor continuas concesiones a su público, noduda en modelar la fuente original,inventando o suprimiendo personajes ypasajes, según las necesidades de su arte ycomo auténtico maestro en estos procesoselaborativos, con el objeto de ofrecer unasatisfactoria salida dramática a las historiasmíticas. La presencia de la figura del graciosotambién en obras de tema mitológico, inclusoen aquellas en que, como ésta, fue calificadade tragedia, muestra el proceso de adaptacióndel mito clásico a las necesidades de la escenadel siglo XVII.
LA BELLA AURORAde Félix Lope de VegaNoviembre Compañía de TeatroDirección: Eduardo VascoDías 13 y 14 (20.30 h.)y 15 (19.00 h.) de febrero
Precios en euros Inicial T. Verde T. Azul T. Blanca
Patio de butacas 17 14 12 8.501er Anfiteatro bajo 14 11 10 71er Anfiteatro alto 12 10 8 62do Anfiteatro 10 8 7 5
REVISITAR CON DESENFADO RESPETUOSO A LOPE DE VEGA
EDUARDO VASCODirector de La bella Aurora
La bella Aurora es un texto conocido pornosotros. Lo trabajamos en el año 1994, yfue el principio de nuestra ya fructíferarelación con Lope de Vega. El motivo derevisitarlo parte de cerrar nuestra etapadedicada al poeta, proponiendo unespectáculo totalmente distinto al quegeneramos entonces, hace ocho años, yaque hemos cambiado como personas ycomo artistas.
El trabajo hasta llegar a la versión definitivacomienza con un reordenamiento de laestructura del texto, tratando de aprovecharel material que la comedia original ofrece.Hemos eliminado las partes excesivas oredundantes de las escenas, los pasajesbasados en juegos de palabras o situacionesen las que Lope trataba de seguir la historiaoriginal una vez que había planteado lasuya. La incorporación de textos de otrascomedias como La fuerza lastimosa, Elhalcón de Federico, El marqués de Mantua,La quinta de Florencia o La viuda valenciana,y algunas de las comedias mitológicas, entreotras, se ha debido a necesidades quesurgieron al reconstruir la historia, que
fundamentalmente varía, como he dicho,en el final y gran parte del tercer acto. Heutilizado, además, los relatos que Pocris(Floris en la transformación de Lope) yCéfalo explicaban a Diana para comenzarla obra, la segunda parte en que divido elespectáculo y el final.
El amor se polariza en esta comedia: el amorconstante, el amor fingido, el amor tierno,el amor pesaroso, el amor imposible, elamor ilícito, el amor encubierto y sucio, elamor desdeñoso, el amor forzado por losobrenatural, el amor cruel y vengativo, elamor desesperado. El erotismo encuentrael caldo de cultivo idóneo, ebrio en eseambiente mitológico: Tebas, las selvasprofundas y oscuras, ninfas, faunos,encantamientos, etc. Esa sensualidad es lacoartada que Lope utiliza para sostener elrapto y fascinación mágica de Céfalo porAurora , e l asedio a una Pocr isinquebrantable y la locura colectiva basadaen el miedo a la pérdida o a la noconsecución del ser amado.
Utilizaré a la compañía como un coro deintérpretes que, de hecho, interpretaránvarios papeles, dando a la representación unaire ritual. El coro, situado a lo largo del foro,
utilizará diferentes instrumentos depercusión que aportarán el matiz tribalnecesario en esta historia trágica, una tragediaaunque Montiano opine que no tanto, en laque el destino viene marcado desde muyarriba. Este estado de somnolencia quepreside gran parte de la obra y que nosotrostrataremos de potenciar nos lleva a plantearla escena final como si fuese una pesadillacolectiva, así que a partir del momento enel que Aurora, haciéndose pasar por Diana,entrega a Céfalo el dardo con el que éste,involuntariamente, mata a su esposa, seromperá la convención formal utilizadadurante casi todo el espectáculo y los actorestransitarán por otro lugar, más idóneo paraninfas, sátiros y deidades, donde el hombrese encuentra indefenso y despiertatrágicamente, como Céfalo, con su amadamuerta en los brazos, ladrando de impotenciaa un cielo que no alcanza a comprender. Elplano cómico, que corresponde a lasandanzas de Fabio, llegará a límites grotescoscuando el gigante, interpretado por el coroentero, cante instrucciones al criado medianteuna jota que cuadra con el verso.Pretendemos que la historia transcurra entreun mundo civilizado y frío (Tebas) y otroincierto y plagado de inquietante naturaleza(la selva de Diana).
Tratado sobre la felicidad a suelo raso
BEST BEFORE
Textos escritos y hablados, cuerpos en movimiento, imágenes de vídeo y diseño sonoro, sonlos ingredientes de la última propuesta concebida por el coreógrafo tinerfeño Martín Padrón
20 ARRIBA TELÓN / DANZA
La felicidad es el instrumento cohesionadoralrededor del que gira la creación BestBefore, concebida por el coreógrafo ybailarín Martín Padrón y Gregorye Auger.Padrón, que toma como punto central desu propuesta al ser humano, su cuerpo,contexto cultural y conciencia depertenencia al mundo, ha creado unoscuadros escénicos que transitan entre lodramático y lo cómico, el pesimismo y lavitalidad, el idioma y el movimiento. Elpunto de partida para una frase coreográficaes la simple conciencia de un cambio de pesode una pierna a otra, de un brazo a otra partedel cuerpo, el enrolle de la zona cervical denuestra columna, el desplazamiento del coxisde un plano a otro, un fémur que rota haciaadentro y que repercute en otra parte delcuerpo... disponibilidad, sentido cinestético...la ética produce la estética, explica Padrón.
La palabra forma parte de la expresión enla puesta en escena de Best Before: losbailarines hablan, los idiomas se cruzan yse mezclan. La creación videográfica deJuanjo Peceño, Juan Manuel Arteaga y elpropio Padrón, donde cohabitan imágenesdel cielo, del Bamby de Walt Disney, lasTorres Gemelas del fatídico 11 de septiembreo múltiples palabras llenas de simbolismo,está orientada en esta producción a crearconciencia sobre algo que nos preocupa a
todos, la felicidad, añade el bailarín tinerfeño.Quizá por ello Martín Padrón coincide conel concepto de evolución vital que proponeGeorge Santayana al advertirnos de que elpunto culminante de la vida no es otro quela comprensión de la existencia. Textosescritos y hablados, cuerpos en movimiento,imágenes en soporte digital, diseño sonoro,vestuario, escenografía... todos son para estebailarín y pedagogo ingredientes de unapuesta en escena cuidada en dondeconceptos e ideas están al servicio del gestoartístico de la creación.
La propuesta musical de Best Before ha sidoelaborada por el compositor e ingeniero desonido francés Vincent Puglia (Nori),creador con el que Padrón ha venidocolaborando en los últimos cincos años. Lapartitura consta entre otros elementos demúsica en vivo obtenida gracias a captoresespeciales que son capaces de leer elmovimiento y traducirlo en sonido. Losbailarines que participan en esta últimapropuesta del coreógrafo son, entre otros,el propio Padrón, Gregorie Auger, BethBartholomew, Claudia Faci, Fidel Orrilloy Frederic Six.
MARTÍN PADRÓN,DE LO NARRATIVO A LO CONCEPTUAL
El coreógrafo, pedagogo y bailarín tinerfeñoMartín Padrón (1963) se interesó desdejoven por la creación de vanguardia (OscarDomínguez, John Cage, Juan Hidalgo,Bauhaus, Mark Rotko...) y por toda unasuerte de referencias estéticas opuestas quecohabitaron en su cultura, hasta que ingresaen la prestigiosa escuela del Ballet deFlandes, en Amberes (Bélgica). Su inquietoespíritu se traslada luego a París, en dondese siente atraído por la escuela clásicaacadémica francesa y los trabajos deRaymond Francheti y Gilbert Mayer.Paralelamente a la búsqueda, interpretacióny entrenamiento en las disciplinas de danzaclásica académica y contemporánea, seinteresa por las técnicas descendientes dela cultura oriental como el do-in, shiatsu yyoga. En la década de los noventa crea suprimera coreografía, siendo bailarín de laÓpera Real de Wallonie. En 1993 funda su
propia compañía en París con el apoyo delMinisterio de Cultura francés, con la queafronta distintas giras por Europa ySudamérica. En las obras de Martín Padrón,la esencia de la danza clásica, de la cualprocede, está presente. Los coreógrafosAshton, Balanchine, Cranko y Tudor, sonartistas que han influido en su estilo, queasimismo se ha visto motivado por otroscomo Ek, Forsythe y Kilián.
Sus propuestas han experimentado unaevolución que se ha trasladado desde lonarrativo y figurativo, hasta cierta estéticade lo fragmentario y conceptual, creandocol lages en movimiento con unasimultaneidad de expresiones que operansin una lógica aparente. En el terreno de lapedagogía, su experiencia y reflexión sobrelos fundamentos de la danza lo hananimado a la formación de profesoresalrededor del concepto de lo que éldenomina la sensación antes de la forma.Actualmente comparte su tiempo entre laFacultad de Bellas Artes de la Universidadde Elche, en Altea, donde es responsable dePedagogía de la Danza, y La Gomera, dondedirige el Centro Coreográfico que lleva sunombre y la Escuela Municipal de Danzade San Sebastián de La Gomera.
Fotógrafo: Vallinas
Fotógrafo: Vallinas
BEST BEFORECentro Coreográfico de La Gomera Martín PadrónDías 17 (10.00 h. y 12.00 h.) y 18 (10.00 h.) de febreroFunciones escolaresPrecio único: 3 euros
18 (20.30 h.) de febreroFunción al públicoPrecio único: 12 euros
Best Before es el resultado de una evolución artística que viajaentre lo figurativo y la abstracción, el barroco y lo radical
MARTÍN PADRÓN:ENTREVISTA
¿Cuál es el espíritu y concepto como propuesta creativa deBest Before?
Todos los hombres buscan la manera de ser felices. La felicidad esel motivo de todos los actos de todos los hombres, hasta de aquellosque se ahorcan. Best Before es un collage integrado por distintosmodos de expresión, acciones y conceptos. ¿Hablamos de un espíritudadaísta? En esta propuesta creativa, textos escritos y hablados,cuerpos en movimiento, vídeo, diseño sonoro, iluminación, idiomas,conceptos e ideas se cruzan y se mezclan creando una obra de arteen movimiento.
¿Qué conexiones tiene esta obra con sus otros trabajosanteriores y qué cree que aporta a los lenguajes expresivosde la danza?
En efecto es la tercera pieza del tríptico configurado por las obrasSi no sí, Axón y Best Before. Existe una conexión porque las trestratan del hombre, de su educación infantil y de la felicidad. BestBefore es el resultado de una evolución artística que viaja entrelo figurativo y la abstracción, el barroco y lo radical. Exige a losbailarines una conciencia corporal elevada, un conocimiento dela danza clásica académica y una compresión del sentidocontemporáneo de la presencia. Esta propuesta de lenguajecoreográfico es la unión de tradición y de contemporaneidad. Losconceptos cuerpo, tiempo y espacio están tratados teniendo encuenta el pasado y el presente de la historia del ballet y de la danzacontemporánea. La palabra forma parte de la expresión en estapuesta en escena. Bailarines que hablan, idiomas que se mezclan.
Usted incorpora el vídeo como un instrumento más decreación en Best Before.
Así es. La imagen puede funcionar sola fuera de Best Before. Deseomostrar varios puntos de vista simultáneamente, varios modos deexpresión sin otorgar más importancia a unos que a otros.
¿Cuál es su concepto de la felicidad? ¿Es posible aún lafelicidad en la sociedad adulterada del bienestar?
Según el diccionario, felicidad es una situación del ser cuyascircunstancias vitales son tal y como las desea. Lo social, lo moral, locultural, lo ético... el tiempo, tener tiempo, tomar tiempo, ganartiempo, darse tiempo, perder el tiempo... sociedad, felicidad, occidente,la tierra, el universo, el deseo... el progreso social es algo que notermino de entender: ¿La felicidad de unos permite la felicidad deotros? ¿Estamos en una sociedad de bienestar o de mejor estar?¿Queremos siempre lo mejor? ¿Bien, es suficiente?
Usted lleva tiempo instalado en La Gomera y desde laperiferia desarrolla su proyecto artístico. ¿Le preocupa esahipotética desconexión con los centros neurálgicos deexhibición y producción cultural?
Vivir en La Gomera me garantiza tener una mirada del exterior,ver lo relativo, analizar esta realidad en la que todosevolucionamos que llamamos Humanidad. Me permite tambiénmás claridad y reflexión sobre valores más universales y éticos.La creatividad es algo que tiene más relación con el estado denuestros órganos que con el contexto cultural que nos rodea. Hevivido veinticinco años en centroeuropa, sigo saliendo de LaGomera con frecuencia y hoy en día puedes estar conectado conel resto del planeta si lo deseas.
Fotógrafo: Vallinas
Versión invertida y cruel del mito de Pigmalión
POR AMOR AL ARTE
El cineasta Gerardo Vera dirige a Maribel Verdú, Juanjo Artero, Cristóbal Suárez y BeatrizSantana en esta ácida comedia contemporánea, que plantea el sentimiento amoroso comola forma más sutil de apoderarse de la intimidad del otro
22 ARRIBA TELÓN / TEATRO
POR AMOR AL ARTEde Neil LabuteDirección : Gerardo VeraCon Maribel Verdú, Juanjo Artero,Cristóbal Suárez y Beatriz SantanaDías 20 y 21 (20.30 h.) y22 (19.00 h.) de febrero
Precios en euros Inicial T. Verde T. Azul T. BlancaPatio de butacas 17 14 12 8.501er Anfiteatro bajo 14 11 10 71er Anfiteatro alto 12 10 8 62do Anfiteatro 10 8 7 5
Tras cinco años alejado de los escenarios,el realizador Gerardo Vera retoma el pulsoteatral con la dirección y adaptación enclave de ácida comedia contemporánea, dela obra del cineasta norteamericano NeilLabute, Por amor al arte. Una puesta enescena brillante y sugestiva, acompañadapor una magnífica y sólida dirección de uncompleto elenco de actores que integranMaribel Verdú, Juanjo Artero, BeatrizSantana y Cristóbal Suárez, convierte lamencionada pieza en una radiografía de lascontradicciones de la sociedad moderna.Labute nos habla del amor como la formamás sutil de apoderarse de otro ser humanoen todos sus múltiples aspectos. La acciónde Por amor al arte transcurre en uncontexto universitario y en diferentesespacios que van mutando en escena a unavelocidad de vértigo, hasta alcanzar un finalimprevisto que no sólo hace comprenderal espectador muchas de las claves que seproducen a lo largo de la representación,sino transformar la visión que hastaentonces había mantenido de cada uno delos cuatro personajes.
El montaje que dirige Vera, director entreotras películas de La niña de tus ojos, Unamujer bajo la lluvia, La Celestina o SegundaPiel , nos permite indagar en lasdesconcertadas almas de sus cuatroprotagonistas, creando una brutal fotografíade la sociedad actual, de la ética profesionalcomo fundamento de la dignidad humanay del sentimiento amoroso como agresióna la intimidad del otro. Labute ha eludidocrear la típica comedia romántica provistade componente didáctico o pedagógico enla que el hombre utiliza toda las estrategiaspara seducir a una mujer, y se ha decantadopor alterar el orden de las cosas. Marta(Maribel Verdú), una manipuladora ycalculadora escultora que prepara sudoctorado en Bellas Artes, decide esculpiruna obra viva: la materia prima será el jovenAdam (Juanjo Artero), un introvertidofilólogo que se gana la vida como agente deseguridad en un museo de una pequeñalocalidad de provincias. Labute despliegaentonces una intrigante inversión de
papeles: convierte a Marta en un personajemasculino y dominador, y a Adam, en unofemenino y frágil, capaz incluso deautodestruirse y mostrar sus miserias porlograr el amor de la artista. Alrededor deellos también se desarrollan las dos vidasde la vulnerable Sara (Beatriz Santana), laprometida de Tony (Cristóbal Suárez), unser iracundo e inestable, excompañero depiso de Adam. Rota la amistad y el amor,cada uno deberá comenzar en soledad uncamino diferente.
Vera, que ha confesado habersereencontrado con el teatro para dedicarsea él de manera definitiva, también haadmitido que el texto de Neil Labute –queha producido Pedro Larrañaga, marido deMaribel Verdú-, le ha reconciliado con ladramaturgia. A partir de ahora el cine serápara el director una actividad esporádicacon la que pretende realizar un largometrajecada año y medio. El director ha apostadopor una escenografía sencilla y un juego deluces transversales de diferentes colores. EnPor amor al arte, Gerardo Vera ha logradoextraer los matices psicológicos ydramáticos de cada personaje; ha sido fiela la subversión de los roles masculino yfemenino y a la alteridad del orden de lasprioridades propuesta en el texto originalde Neil Labute.
BRUTAL RADIOGRAFÍA DE NUESTRA SOCIEDADGERARDO VERA
Si me preguntasen de qué trata Por amor alarte, una de las comedias más inteligentesque han caído en mis manos, diría que esuna comedia sobre el amor. Del amor contodos sus adjetivos, y con una estupendanovedad: habla del amor como la mejor ymás insensible manera de apoderarte deotro ser humano en todos sus aspectos. Esosí, con una variante excepcional.
Neil LaBute altera el orden de las cosas ynos plantea una situación nueva en la queuna mujer, una joven de su tiempo, la quedecide enamorar, conquistar y reducir(nunca mejor dicho) a su objeto de deseo:un hombre joven y tímido, ofreciéndosecomo un Pigmalion cualquiera paraeducarle y modelarle a su antojo. A lo largode la obra va adquiriendo una nueva,atractiva y distinta personalidad.
La acción no puede ser más simple. Pormedio de rápidas y diferentes escenas vemosa los personajes entrar en los aspectos másíntimos del alma humana. Neil LaButeconstruye un verdadero tour-de-force para
cuatro actores. Es un ring de boxeo dondecuatro seres humanos, en clave de comedia,empiezan a sentir el dolor de enfrentarse aellos mismos a partir de situacionescotidianas y dentro de una gran aparienciade normalidad.
Es una comedia con una agresividad nadamoralista, sino rabiosamente contempo-ránea. Nada es obvio ni gratuito. Neil LaButebucea en las almas desconcertadas de loscuatro personajes y crea una brutalradiografía de nuestra sociedad. Nos habladel amor como agresión a la intimidad delotro, de la relación entre el arte y la vida yde la ética profesional como base de ladignidad humana. Y en un sorprendentefinal, cuyo contenido no voy a desvelar, NeilLaBute da un giro valiente y profundamenterevelador y nos vuelve a descolocarhábilmente, obligándonos sin piedad aenfrentarnos a nosotros mismos utilizandoel personaje de Marta como un espejodonde se reflejan nuestras propias miserias.
Los cuatro protagonistas con el directorGerardo Vera (centro).
Juanjo Artero y Maribel Verdú.
Diderot se entrega a los placeres carnales
EL LIBERTINO
Teatro de la Abadía nos acerca a un episodio de la apasionante vida del autor de la Enciclopedia,tras el que se trasluce una profunda e irónica reflexión sobre la moral y la contradicciónentre sentimiento y pensamiento
24 ARRIBA TELÓN / TEATRO
La versión castellana de la obra del francésEric-Emmanuel Schmitt, El libertino, quefue estrenada hace seis años en París ytrasladada al cine hace tres, llega a losescenarios españoles por vez primeradirigida por Joaquín Hinojosa en unacuidada producción del Teatro de la Abadía.La divertidísima e inteligente comedia deenredo que recrea un episodio de laapasionante y apasionada vida del filósofo,matemático y ensayista Denis Diderot, autorde la Enciclopedia, explora la personalidadhedonista de este ilustre pensador delperiodo de la Ilustración en la que confluyensu visión empírica de la vida y una ideologíavital que se debate entre sentimiento ypensamiento ateo.
Schmitt presenta a Diderot (Andrés Lima)pasando unos días en el pabellón de cazaque a puesto a su disposición Paul HenryDietrich, barón de Holbach, donde MadameTherbouche (Ana Otero), una fascinante yprovocadora pintora de dudosa reputación,propone retratarle desnudo. La única manerade evitar el retraso de la impresión del últimotomo de la Enciclopedia, es que Diderotacometa el capítulo pendiente queinesperadamente Rousseau renunció aescribir sobre la moral. Pero sus buenos
propósitos se ven interrumpidos por laincesante visita de personajes femeninos–incluida su esposa (Miriam Alemany)-, queint roducen c ie r ta s par adojas ycontradicciones en sus conceptos sobre elmatrimonio, los celos, el vicio, el sexo comoelemento de poder, la seducción, la virtud yel libertinaje, en ese deseo de conciliar loinconciliable, de lograr una mediación entrelas exigencias de la felicidad individual y lamoral corriente, así como las dudas paraaunar razón y deseo. Finalmente Diderotrenunciará a escribir dicho capítulo: la moralle conducirá a la ética y la ética a la moral.
El autor francés (que estudió filosofía y en1987 elaboró su tesis doctoral sobre el librepensador del Siglo de las Luces), deambulaentre los personajes históricos paratranscribirnos una crónica cotidiana de lamentalidad y las contradicciones íntimasde Diderot, que quedan extrapoladas paraidentificarse como las de una época y unaforma de cultura surgida en el siglo XVIII,tras largos años de oscuridad e ignorancia,simbolizados por la alianza entre la Iglesiay la monarquía. La estructura de El libertino–insertada con sarcástica precisión en lastres unidades de acción, lugar y tiempo, enconcordancia con el canon teatral de la
época en que transcurre la historia-, esperfecta; la alternancia de situaciones, deuna eficacia maquiavélica; el desarrollo dela trama, pleno de sorpresas que, apenasplanteadas, se imponen con aplastantelógica y verosimilitud.
Joaquín Hinojosa, director adjunto de LaAbadía durante dos años, y actual directorde los Teatres de la Generalitat Valenciana,destaca de El libertino, que define como unexquisito artificio escénico, el ingenio y lafuerza de sus diálogos, el vigor de lospersonajes, el irónico e inteligente humorde las situaciones, que se evidenciaigualmente el vibrante y ágil estilo del textode Schmitt, tras el que se agazapa unaprofunda e irónica reflexión sobre la moraldel individuo y la contradicción entre vidae ideas, sentimiento y pensamiento, quepropicia el disfrute de todo tipo deespectadores, ya que sus múltiples nivelesde lectura y entendimiento la hacenaccesible a todas las sensibilidades culturales.Verdad histórica y ficción teatral sonintercambiables en esta propuesta de LaAbadía caracterizada por un humor plenode inteligencia a la búsqueda de un placerno menos inteligente.
EL LIBERTINOde Eric-Emmanuel SchmittTeatro de La AbadíaDirección: Joaquín HinojosaDías 27 y 28 (20.30 h.) y29 (19.00 h.) de febrero
Precios en euros Inicial T. Verde T. Azul T. Blanca
Patio de butacas 17 14 12 8.501er Anfiteatro bajo 14 11 10 71er Anfiteatro alto 12 10 8 62do Anfiteatro 10 8 7 5
PULSIONES DEL SEXO Y FASCINACIÓN POR LA BELLEZA
Es una obra muy entretenida, muy distraída, más cómica que filosófica,más teatral que veraz, pero de las que dejan al espectador la buenasensación de haber entendido algo difícil.
Eduardo Haro Tecglen, El País
El libertino tiene elementos de vodevil, de intriga, de doctrina ylibrepensamiento. Y riquísimas contradicciones entre la moral personaly la colectiva que es lo que, en definitiva, le da encarnadura escénica.(...) Bajo el prisma general del humor, Hinojosa tiene que articularvarios elementos: pulsiones del sexo, fascinación por la belleza,compromiso intelectual y racionalización del mal como expresión deuna belleza maldita y vengadora.
Javier Villán, El Mundo
Hinojosa realiza un limpio ejercicio de dirección atento a servir laslíneas de tensión de la obra. Una estupenda e inteligente comediacuyo desarrollo salpica constantemente las risas del público.
Juan Ignacio García Garzón, ABC
El libertino demuestra un instinto y un olfato dramático altamentesugestivos. Hinojosa dirige una vitalista puesta en escena y vuelca enlos intérpretes sus mayores mimos creativos.
Juan Antonio Vizcaíno, La Razón
El libertino logra algo que está al alcance de muy pocos: conmoverel pensamiento y provocar la risa (...) Si lo que buscaban, tanto autor,como director y actores, era placer estético, intelectual y emocional,lo han conseguido.
Álvaro Vicente, Revista Salir Salir Madrid
Esta obra de Schmitt es divertida, ingeniosa, inteligente y profunda.No es fácil combinar todas estas virtudes a la vez, sobre todo el quela profundidad de los diálogos no resulte densa ni pesada. Los actoresque encarnan a los personajes están tan en su papel que lo hacen conla gracia y la desenvoltura adecuadas para que todo el escenario seconvierta en un trasunto verosímil de la situación que representan.
Ladevéze, La Gaceta de los Negocios
El desafortunado siniestro sufrido en1908 por el Circo Cuyás terminó conuna etapa de su historia e inició otra enla que el Séptimo Arte ostentó unabsoluto protagonismo. A los pocosmeses del incendio el arquitectoFernando Navarro confeccionó dosanteproyectos que debían de servir depauta para la edificación del nuevo circo.El primero consistía en un trazado deteatro cerrado en el que se seguía la líneaarquitectónica habitual en este tipo deinmuebles. Sin embargo, el segundo eraun diseño dominado por un salónsemiabierto rodeado de jardines con laposibilidad de alojar toda clase deespectáculos. Mientras se decidía quémodelo elegir, hecho que nunca seprodujo, fue construido un circoprovisional que, inaugurado el 20 dediciembre de 1908, actuó comoalternativa a los espectáculos existentesen aquel momento en la ciudad.
El cine volvió a este provisional Cuyás en1910. En esta ocasión regresó con unanotable mejora. El 13 de enero fuepresentado ante el público capitalino elcinefono, consistente en la combinaciónde un cinematógrafo y un fonógrafo. Fuepresentado como un aparato nunca vistoen Las Palmas de Gran Canaria, pero locierto es que meses antes había sidoexhibido en el Pabellón Colón, local deespectáculos instalado en la mismaciudad.
Una vez finalizadas las sesiones delcinefono se constituyó una sociedad quese planteó como único objetivo reedificarel circo, empleando el cemento armadocomo material constructivo con lafinalidad de que no siguiera los pasos desu predecesor. Mientras este proyecto eraultimado, la empresa continuó utilizandoel circo provisional en el que el cine hizoacto de presencia una vez más el día 21
de abril de 1910. Finalmente, el nuevocirco reformado, cuyo amplio escenariofue decorado por el pintor Néstor MartínFernández de la Torre, acogió elcinematógrafo el primer día del mes deseptiembre de 1910. A lo largo de la nuevadécada el Séptimo Arte continuó presenteen el Cuyás, si bien todavía se mostrabacomo complemento de actuacionest e a t r a l e s o m u s i c a l e s . E s t ecomportamiento fue habitual hasta elfinal del decenio, sobre todo desde elmomento en que el incendio padecidopor el Teatro Pérez Galdós en 1918 privóa la ciudad de su primer coliseo,adquiriendo el Circo de la calle Viera yClavijo todo el protagonismo escénico.El año 1930, con la llegada del sonido alos cinematógrafos, dio comienzo unnuevo episodio en la Historia del Cine y,por lo tanto, también en la exhibicióncinematográfica en la capital grancanaria.A lo largo de los meses de septiembre yoctubre de 1930 la empresa ExclusivasPlaja presentó, temporalmente y demanera promocional, en la sala del CircoCuyás el primer aparato sonoro instaladoen Las Palmas de Gran Canaria,revelándose esta primera y exitosa tomade contacto como un anticipo de los
De circo de variedades a moderno cine de líneas racionalistas
EL TEATRO CUYÁS (II)
Las artes musicales y teatrales se complementaron en su escenario con el Séptimo Arte,
tras el incendio acaecido en el Teatro Pérez Galdós en 1918
26 REPORTAJE
FERNANDO BETANCOR
Interior de la antigua gallera del Cuyás(Archivo de la FEDAC)
sonoros nuevos tiempos. La irrupción deesa nueva realidad impulsó a lospropietarios del local a poner en marchauna nueva transformación del mismo.Así, con la proyección de las películasTrípoli y El primer beso, el 18 de octubrede 1931, se produjo el final definitivo de
la historia del antiguo Circo Cuyás, dandopaso al comienzo de la trayectoria de unnuevo local de espectáculos queabandonará la antigua denominación decirco, convirtiéndose en un verdaderocine. No obstante, mantendrá suemblemático, histórico y célebre Cuyás,
como homenaje a aquel decimonónicoestablecimiento, y posiblemente porrazones empresariales, puesto que era unnombre que ya formaba parte de lamentalidad colectiva.
El Cine Cuyás, promovido por DomingoPérez Medina, fue proyectado en el año1931 por el arquitecto grancanarioMiguel Martín Fernández de la Torre,presentando las sobrias y severas líneasarquitectónicas racionalistas aplicadaspor el facultativo en esta etapa. El nuevoinmueble fue diseñado para ocupar elmismo solar interior sobre el que hastaentonces había permanecido instaladoel antiguo circo. Por lo tanto, quedabaaislado de la vía pública por un edificioecléctico de tres plantas que, aunqueproyectado en 1924 por el propioarquitecto, quedó inconcluso. Tras esteinacabado edificio fue erigido uno delos cinematógrafos más importantes ycélebres de la capital, convirtiéndosedesde su inauguración en la medida delos restantes, al considerarse el primercine moderno de la urbe. Esta ...orgía dearte y armonía... en la que ...Miguel
Sala del Cine Cuyás(Archivo de la FEDAC)
Vista de la calle Viera y ClavijoFachada del Circo Cuyás
(Archivo de la FEDAC)
28 REPORTAJE
Martín se ha superado a sí mismo..., comohacían referencia al mismo las crónicasde la época, fue inaugurado, tras superaruna jornada de huelga que afectó a losempleados de locales de espectáculos, eldía 1 de marzo de 1933. El públicoasistente, además de contar con laposibilidad de disfrutar con cintas talescomo El último varón de la tierra o unNoticiario Fox, tuvo la oportunidad derecrearse ante la s e sp léndidasinstalaciones del nuevo local. Un amplioy sobrio vestíbulo, dominado pormármoles negros, espejos y vitrinas deexhibición, daba paso a una sala concabida para 640 espectadores, 40 de ellosacomodados en 8 palcos independientessituados frente a un escenario, sobre elque permanecía instalada la pantalla de
proyección. El emplazamiento de lapantalla fue calculado con sumo cuidado,ante todo por el hecho de que el Cuyáscontaba, no sólo con un anfiteatro de360 butacas sino con un palco generalen el que podían acomodarse 160espectadores, tratándose del primer salónde proyecciones que poseía un perfil tancomplejo en la ciudad. El tratamientode la acústica fue uno de los grandesretos a los que se enfrentó el arquitecto,solucionándolo por medio del empleode materiales especiales como cartón ocelotex-tapizel, y eludiendo los planosen los paramentos truncándolos pormedio de diedros o curvas. Un aparatode proyección Klangfilm, que reproducíauna perfecta armonía sonora, hacía elresto. Las citadas condiciones, así como
la rotunda modernidad de sus sobriaslíneas arquitectónicas, hicieron del CineCuyás -tal como afirmaban los críticosde la época-, ...un teatro modelo..., un...templo digno del dios Cinema....
Aunque la inauguración del Cine Cuyásauguraba el floreciente inicio de unaetapa de auge para la exhibicióncinematográfica, con el estallido de laGuerra Civil en 1936, ésta experimentóuna notor ia ra lent ización. Lasproyeccciones cinematográficas nodesaparecieron. Sin embargo, laspelículas-reportajes, en las que sepresentaba el avance de las tropasnacionales en el frente de batalla, rodaronpor la práctica totalidad de las pantallasinsulares. Del mismo modo, se
Cafetería del Cine Cuyás(Archivo de la FEDAC)
UNA PEQUEÑA ANÉCDOTADEL CUYAS DE ANTES
MARÍA DOLORES DE LA FE
Actuaba la compañía del actor Pepe Romeu. En un principio, el éxito estuvo asegurado;seguramente se debía a la natural novelería del público de entonces, tirando a pachorrientomás que a verdadero interés por el teatro, salvo las honrosas excepciones de siempre.
Bueno, por lo que quiera que fuese, la realidad no podía ser menos alentadora: apenascubrían gastos, lo que significaba que la taquilla necesitaba urgentes inyecciones detónico económico. Alguien del ámbito del Cuyás sugirió a Pepe Romeu una idea quepareció luminosa: ¿Por qué no ponen en escena el eternamente atractivo Tenorio?Fue aceptada la sugerencia, no sólo por la esperanza última de agarrarse al tópicoclavo ardiendo, sino también porque como la compañía incluía en su repertorio lasempiterna obra de Zorrilla, para salvar la apurada situación económica, apenasnecesitaron requilorios de decorado, ensayos, etc. para anunciarlo a bombo y platillo.
En efecto, el Cuyás, la noche del estreno estaba lleno lo que se dice hasta la bandera.Señoras emperejiladas hasta más allá de sus posibilidades efectivas; caballeros estrenandocorbata; jovencitas con sobrecarga de brillantina en sus repeinadas cabelleras... en fin,panorama absolutamente halagüeño, incluso desde el punto de vista taquillero.
Y empieza la función. Todo iba bien. Hasta la gente que abarrotaba el gallinero (que,según tradición teatral, solía ser la más entendida en el tema, pero al mismo tiempola más temible, porque no dudaba en manifestar a gritos su sincera opinión, así sobrela marcha), hasta ese público, digamos elevado, permanecía en elocuente silencio.
Pero... llegó una escena cumbre, cuando Don Juan intenta levantar en sus brazos aDoña Inés. Ni dando pujíos conseguía su teatral empeño. (Romeu ya no era un mozo,todo hay que decirlo). En medio de un silencio sobrecogedor, uno de esos silenciosque hay quien afirma que podía cortarse con un cuchillo, Don Juan hizo un últimointento de cargar con la aspirante a monjita... Nada. Imposible. Y entonces, atravesando,vibrante como un dardo, aquel impresionante silencio, brotó del gallinero una potentevoz en ayuda de Don Juan, aconsejándole con el más puro acento canario: ¡Chaacho...!¡Llévala de dos ves...!
organizaron sesiones con carácterbenéfico, a través de las que lose m p r e s a r i o s c i n e m a t o g r á f i c o scontribuían al sostenimiento del ejércitonacional. Entre esas funciones, lacelebrada el 13 de agosto de 1936 en elCine Cuyás adquiere un especialsignificado, no sólo por las películasproyectadas -cedidas gratuitamente porlos representantes de Cifesa, CésarDunant, y de Paramaunt, BartoloméGuerrero- sino por el hecho de que ellocal ofreció a los espectadores unaimagen poco habitual. El numerosopúblico asistente que acudió a socorreral ejército que "...se ha ofrendado parasalvar a España de las garras delComunismo...", asistió a la proyecciónen un local decorado con los colores dela enseña nacional, en evidented e s p l i e g u e p r o p a g a n d í s t i c o ,recaudándose 3.210 pesetas.
Los propietarios del Cine Cuyás siempred e m o s t r a r o n u n a d i n á m i c apredisposición a incorporar todo tipode mejoras e innovaciones técnicas, conla finalidad de no perder el lugar dehonor que habían ostentado en elh o r i z o n t e d e l a e x h i b i c i ó ncinematográfica. De esta manera, en julio1936 el salón de la calle de Viera y Clavijofue el marco adecuado para dar aconocer, con gran éxito de público, laaudioscopia, precedente de lasproyecciones en tres dimensiones.Asimismo, las reformas arquitectónicasno se hicieron esperar. En 1958 fuereparada la techumbre de la sala,precedente de la reforma profundaemprendida a mediados de la década delos sesenta.
Edificio y patio del Teatro Cuyás(Archivo de la FEDAC)
MARZO-ABRIL
AQUÍ NO PAGA NADIE, de Dario Fo26, 27 y 28 de marzo
Dario Fo y sus obras se siguen representando en todo el mundo. Sus farsas conducen hábilmente al espectador a la carcajada liberadora,pero también al poso posterior de una reflexión sobre las injusticias y desigualdades de nuestros estados del bienestar. Dirigida porEsteve Ferrer y protagonizada por Silvia Marsó, Jordi Rebellón, Lluvia Rojo, Fran Sariego y Pedro Casablanc, el montaje Aquí no paganadie, se plantea como una burlona propuesta de vodevil social, en donde el discurso satírico y político de Fo posee un fresco, punzantey dinámico sentido dramatúrgico.
EL REY SE MUERE, de Eugène Ionesco2, 3 y 4 de abril
Teatro de la Abadía regresa al Cuyás con uno de los Ionescos más clásicos que, desde su estreno en 1962, cada generación ha reinterpretadoa través de innumerables y diferentes puestas en escena. El rey se muere, que dirige uno de los grandes de nuestra escena nacional, JoséLuis Gómez, es una de las más profundas meditaciones sobre la condición humana que ha hecho el teatro, a través de la dramatizaciónpoética de la muerte anunciada del rey Berenguer I, -que podría ser la de cualquiera de nosotros-, que ineluctablemente ocurrirá altérmino de la representación. Una progresión psicológica, -plena de suspense-, de angustia, rebeldía, impotencia y resignación, queconlleva una búsqueda ontológica de superiores niveles de conciencia y percepción tras el despojamiento de la voluntad, de lassensaciones y de los recuerdos. Una obra y un personaje con los que se han batido, en obligado duelo, los mejores directores y actoresdel teatro mundial, en una ceremonia que transcurre ante nuestros ojos a través de un velo de inteligentísimo y negro humor. Teatrode La Abadía prosigue con esta producción su rico proceso de indagación -iniciado la pasada temporada con El Rey Lear- sobre la edady el trono, el tiempo y el poder.
LA CASA DE LOS SIETE BALCONES, de Alejandro Casona9, 10 y 11 de abril
La evocación por parte del autor Alejandro Casona de su querida y añorada Asturias, es el eje de la puesta en escena de la comediadramática La casa de los siete balcones, obra que llega al Teatro Cuyás de la mano del productor Juanjo Seoane, con dirección de AngelFernández Montesinos. En torno a distintos personajes se vive una intriga llena de ambiciones, en las que incide la propuesta que dirigeMontesinos, porque según asegura en esta versión escénica se han potenciado los sentimientos, las pasiones de los personajes y el climay misterio que envuelve a la historia. Alejandro Casona escribe en torno a estos personajes una hermosa comedia dramática, llena deambiciones, egoísmo e incomprensión, pero al mismo tiempo plena de ternura, nostalgia y desesperada búsqueda del amor. La casade los siete balcones es uno de los últimos éxitos que alcanzara Alejandro Rodríguez Álvarez, verdadero nombre de Alejandro Casona,que adoptó ese apellido por haber nacido en la casona donde vivía su familia, la principal de la localidad asturiana de Basullo. Estedramaturgo, que ejerció de modesto maestro de escuela, adoptó el apellido en 1933 cuando ganó el premio Lope de Vega con su comediaLa sirena varada, que fue estrenada al año siguiente en el Teatro Español.
30 AVANCE
Dario Fo
Alejandro Casona
Eugène Ionesco
31
