Libro Imagen Digital

Diseño de imagen digital con software libre

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Ramirez Martinell, A., Fraire Quiroz, J., Montes Reyes, D., Oliva Mesa, O. G., García Esqueda, G., Mayo Castelán, S. D., Cornelio Vidal, I. G., Cruz Soto, M., Olan Cobos, S. J. (2011) Diseño de imagen digital con software libre. Red Iberoamericana para el Desarrollo Sustentable, A.C. México.

Coordinación de Diseño Editorial y Diseño GráficoD.G. Omar Gabriel Oliva Mesa

Coordinación de Revisión de EstiloLic. Indira Guadalupe Cornelio Vidal

La Red Iberoamericana para el Desarrollo Sustentable A.C. es una organización sin fines de lucro, que promueve el acceso e intercambio libre de conocimiento, la preservación de la cultura, el uso sustentable de recursos naturales y la profesionalización del trabajo de actores sociales.

Presidente del Consejo Directivo: Dr. Alfredo Alejandro Careaga Directora General: Lic. Gloria Águeda García García

Este libro fue realizado en el marco de trabajo del proyecto FOMIX Veracruz: Desarrollo de las capacidades institucionales e individuales en la elaboración de multimedios educativos en Veracruz, Fondo M0034, Solicitud 000000000128214

Las marcas y logotipos a los que se hacen referencia en este documento son propiedad de sus dueños y han sido incluidas en esta obra como referentes.

Coatepec, Veracruz, México 2011, Versión 1.2011.09.15

Este trabajo se encuentra bajo una licencia de atribución, no comercial y de licenciamiento recíproco 2.5 de Creative Commons México, por lo que puede ser reproducida, retransmitida y modificada siempre y cuando se respeta la licencia creative commons.

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AgrAdecimientosExpresamente queremos agradecer al Consejo Veracruzano de Ciencia y Tecnología; al Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología, a la Universidad Veracruzana y a sus institutos Instituto de Investigaciones en Educación y al Centro de Investigaciones Tropicales; a la Dirección General de Educación Indígena de la Secretaría de Educación Pública; y a la Secretaría de Educación del Estado de Veracruz. Nombrar a todos los que de alguna forma colaboraron con la elaboración de este material es difícil, pero haciendo un ejercicio de memoria y esperando no haber olvidado a nadie, extendemos nuestro agradecimiento a Dr. Víctor Manuel Alcaraz Romero, Dr. Asdrúbal Flores López, Mtra. Rosalinda Morales Garza, Dr. Raúl Arias Lovillo, Dr. Porfirio Carrillo Castilla, Dr. Gunther Dietz, Dr. Jorge Vaca, Dr. Ernesto Rodríguez Luna, Dr. Arturo Gómez Pompa, Dra. Clara Celina Medina Sagahón, Ing. Luis Álvarez, M. Marcela Etna Acosta, Dr. Víctor Arredondo Álvarez, Lic. Adolfo Mota, Profra. Xóchitl Osorio Martínez, Profr. Carlos Agustín Cueva Luna, Arq. Mario Fernández de la Garza, Profr. Valente Velásquez, Profr. Quintil Escobar, Dr. Enrique Calderón Alzati, Ing. José Cruz de León, Rodolfo Sánchez Villalobos, Rosy Laura Castellanos Mariano, Atticus Licona Ángel Ramírez, Ometeotl Hernández, Saúl Caballero, Verónica Castro, Verónica Mena, Yessica Valenzuela, Herminio Alonso, Rosalino Martínez, Alejandro Cerqueda, José Luis Montalvo, Omar Morán, Leopoldina de Jesús, Luis René Tavor, Sinaí García, Fabiola Nuño, Justiniano Domínguez, Liliana Negrellos, Zenaída Hernández, Oscar Montejo, Víctor Hugo López, Edoardos Fernández, Julio Salazar, Hernán Velázquez, Marcos Rafael Chan, Benito Cetina, Juan Gonzalo Moreno, Lidia Gúzman, Clotilde de Santiago, Martín Pérez, Nancy Gutiérrez, Joel Hernández, Javier Jiménez, Martiniano Hernández, Dinorath Alicia Luis Mejía, Emmanuella Cayetano, Javier García, Víctor Díaz, Justino Cruz, Juan Cabrera, Amada López, Alicia Carmona, Adolfo Gutiérrez, Noel Juárez, Alberto Martínez, Michelle García, Luis Norberto Torres, Artemio Fabián, Paulino Flores, Alverino López, Erika Hernández, Juan Ronquillo, Georgina Cruz, Miguel Ángel Tamayo, Edgar Fernández, Beatriz García, Gabriela Núñez, Ana Cortés, Pedro Cortés, Roberto Hernández, Eduardo Hernández, María López, Javelín Martínez, Cristina Martínez, Martín Morales, Ana Ramón, Rossana Ricci, Magali Suárez, Eduardo Sánchez, Vicente Grande, María Margarita Peredo, Nancy Castelán, Eduardo Morales, Irma Rivera, Juan Manuel Casanueva, Diana Montes, Víctor Manuel Hernández, Iván Gutierrez, Jimena Cajiga, Moisés García, Adriana Puente, Débora Carpenter, Yadira Pretrilli, Carmen Caramón, Macerla Delgado, Arturo Vázquez, Merlette Bello, Rosa M. Eusebio, Guillermo Guerrero, María de Lourdes Méndez, Carlos Montero, Daniel Pérez, Adelina Wong, Maricela Domínguez, Virgina Aguilar, María del Refugio Arellano, Alfredo R. Cerecedo, Martha P. García, Paola García, Rosalía Gómez, Uriel Hernández, María del Hoyo, José A. Luna, Angélica Meza, Consuelo Salazar, Blanca Estela Nava, Dagoberto Becerra, María Luisa Castillo, Norma Corona, Ana Estévez, Blanca Hernández, María de Lourdes Ortega, Daysi Mundo, Nancy Palacios, Alejandra Rivera, Maximiliano Saldaña, Landi Tienda, Jorge Munive, Benjamín Carrillo, Lizeth Guevara, Víctor Hugo Pérez, Pablo Olguín, Adriana Castro, Betzabé Pozos, José Roberto López, Verónica Mateo, Mirian Fernández, Elsy Ventura, Alejandro Rivera, Mariel Vázquez, José Luís Abreu, Pilar Cariño, Lilian Kravzov, José Pablo Marquina, Federico Mena, Julio Poisot, Erik Rivera, León Felipe Sánchez, Miguel Ángel de la Vega, Luisa de Gante, Mayra Mota, Frida Ocampo, Emilia Olivos, Elizabeth Tocohua, Viridiana Lobato, Angélica López, Salvador Chimal, Pablo Sánchez, Anaís Vignal, Ana Laura Vázquez, Mario Martín González, Gudalupe Tzopitl, Kathleen Parks Perry, Manuel Juárez, Tanya Notely y a la gente de Tactical Technology Collective.

Atentamente, Dr. Alfredo Careaga Presidente del Consejo Directivo de REDDES

Dr. Alberto Ramírez MartinellCoordinador Editorial de la Colección


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PropósitoDescripción del libroMarco de referencia

Capítulo 1: Fundamentos teóricosForma: Elementos visuales para composición

Forma: Técnicas de comunicación visual Forma: Conceptos de la Psicología Gestalt

Forma: Composición Color: Combinación aditiva y sustractiva

Color: Dimensiones del color y contraste Color: Variables básicas y círculo crómatico

Color: Psicología del colorCapítulo 2: Fotografía

Iluminación: Interior y exteriorElementos para el control de la exposición

Cámara Fotográfica: Ajustes y Funciones básicas Composición de imagen: Encuadre, ángulos

Capítulo 3: Mapa de bits Digitalización de ilustraciones

Redimensión de imágenes Ilustración en GIMP

Retoque fotográfico con GIMP Filtros básicos de retoque fotográfico en GIMP

Capítulo 4: Imagen vectorial Inkscape: Manejo de capas en Inkscape

Inkscape: Agregar texto en Inkscape Modificar imagen en Inkscape

Degradados y Opacidad en Inkscape Generar Fomas en Inkscape

Realización de portadas y contraportadas en InkscapeCapítulo 5: Distribución

CD, SD y USB como medios de distribución Internet como medio de distribución

Anexo: Ligas, programas y videos

Índice78151719232731

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ProPósito del libro

El propósito del presente libro es compartir con el lector las experiencias que hemos adquirido en el uso de herramientas de software libre para la producción digital. Así como la adaptación de técnicas y aspectos a considerar durante la elaboración digital de material.

Este libro forma parte de una colección de materiales didácticos que fueron elaborados en el marco de un proyecto de Fondos Mixtos del Consejo Veracruzano de Ciencia y Tecnología (COVECyT) y la Red Iberoamericana para el Desarrollo Sustentable A. C. El objetivo de dicho proyecto fue consolidar la Red de Talleres de Producción Digital de Contenido Educativo y Cultural (RTPD) a través de la capacitación de productores en medios digitales, elaboración de productos digitales, desarrollo tecnológico y metodológico de la plataforma del proyecto y documentación del mismo.

La colección de libros producción multimedia con software libre está compuesta de cuatro títulos:

• Diseño editorial • Diseño de imagen digital• Producción de audio• Producción de video

Finalmente vale la pena mencionar que todos los libros de esta colección tienen como característica especial la descripción de prácticas con equipo de hardware accesible para el realizador y, como su nombre indica, el uso de software libre como herramienta de trabajo.


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descriPción del libro

El libro de Producción de video con software libre es un compendio de experiencias, técnicas y sugerencias, para la realización de video, ordenadas en cinco capítulos orientados de forma tal que el lector podrá ubicar las tareas por hacer según sea el momento de la producción.

El capítulo iinicial habla principalmente sobre la forma y el color de las imágenes digitales. Sobre el te ma de forma se abordan los conceptos de los elementos visuales para su composición,, las técnicas para la comunicación visual y conceptos de la psicología Gestalt . De igual manera se abordan temas de combinación de colores, dimensiones, variables y psicología del color.

Los siguientes tres capítulos hablan la imagen digital en tres de sus formas:

• fotografía• representación de mapa de bits de imágenes digitales• representación vectorial de imágenes digitales El último de los capítulos de este libro habla sobre las formas más comunes para distribuir imágenes digitales

Cada uno de los capítulos cuenta con una descripción general del tema y una serie de documentos informativos en los que se describen los procesos prácticos a seguir para la realización (o resolución) de una tarea específica. A estos documentos los hemos denominado guías.

Fundamentos Teóricos

Fotografía

Mapas de bits

Imágenes vectoriales

Distribución

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Las guías para la producción digital incluidas en este libro son documentos prácticos (cada guía presenta información y experiencias que coadyuvan para la resolución de problemas o tareas específicas), breves (proporcionan la información puntual y necesaria para la resolución del problema tratado) y modulares (cada guía puede ser vista como un componente de un sistema más grande en el que opera de forma independiente pero en el que contribuye de forma sustancial).

Estas tres características de las guías (prácticas, breves y modulares) facilitan el aprendizaje autodidacta, el diseño de cursos de capacitación y la escalabilidad tanto de la generación de más guías como de los cursos de capacitación existentes. Las guías para la producción digital están compuestas por cuatro secciones principales que dan cuerpo al documento; y tres secciones complementarias que proporcionan información adicional sobre la tarea a resolver. Dependiendo de las características de la tarea a resolver, la guía puede tener cuatro o hasta siete secciones.

Secciones principales:• Introducción• Recomendaciones iniciales (también referido como Preparación

para la ejecución del proceso)• Desarrollo (también referido como Uso del programa; Uso del

equipo; Tratamiento y Desarrollo del tema)• Resumen

Secciones complementarias:• Antecedentes (también referido como Contexto; Marco de

referencia; o Estado del arte)• Equipo necesario (también referido como descripción del equipo e

Infraestructura)• Consideraciones iniciales (también referido como Antes de utilizar

el programa, Antes de utilizar el equipo)

Una guía compuesta por todos los elementos anteriormente mencionados tendría la siguiente estructura:


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• Introducción• Antecedentes• Recomendaciones iniciales• Equipo necesario• Consideraciones iniciales• Desarrollo• Resumen

IntroducciónSección en la que se le dice al lector qué es lo que puede esperar de la guía.

AntecedentesSección complementaria que en guías de temas teóricos presenta el contexto que enmarca el tema central de la guía. En esta sección el lector podrá encontrar el estado del arte del tema central, las circunstancias que lo rodean y su marco de referencia.

Recomendaciones inicialesEsta sección brinda información puntual sobre las implicaciones de realizar el proceso descrito en la guía. El estilo de redacción de esta sección es inminentemente práctico. Es aquí donde la experiencia de los productores multimedia y demás expertos involucrados en la redacción de la guía le dicen directamente al lector - con base en su práctica y experiencia - las consideraciones preparatorias para la ejecución del proceso que resolverá la tarea específica.

Equipo necesarioSección complementaria en la que se presenta, a manera de información, el equipo de hardware y software que se utilizó para la realización del proyecto presentado en la guía.

Consideraciones para antes de ejecutar el procesoSección complementaria en la que se mencionan las condiciones previas y requisitos generales que se deben tomar en cuenta antes de la ejecución de la tarea a resolver, ya sea mediante el uso de una herramienta digital o un equipo.

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DesarrolloSección central y comúnmente la más amplia de la guía, también referida como uso del programa; uso de la herramienta digital; ejecución del proceso; y tratamiento y desarrollo del tema.

ResumenÚltima de las secciones de la guía en la que se hace una recapitulación de los temas presentados, comúnmente en la sección de desarrollo.

Adicionalmente las guías para la producción digital tienen cinco elementos que pueden ser utilizados a lo largo del documento sin que tengan que estar apegados a ninguna de las secciones previamente descritas.

ConceptoEste elemento presenta información oportuna sobre un tema relacionado al tema central. Este elemento muestra de forma puntual conceptos a los que se aluden en el cuerpo del documento y que podrían resultar complejos.

Sugerencia Este elemento es utilizado para brindarle al lector conocimientos prácticos (tips, atajos, artificios, consejos, direcciones, enseñanzas o trucos) sobre los procedimientos que el lector desea realizar.

RecuerdaRecomendaciones, referencias a otras guías, procesos previamente descritos o contenido práctico.

EnlaceEl elemento de enlace se utiliza para presentar rutas de información relacionada con procesos informáticos e hipervínculos a páginas de Internet

Acceso rápidoEste elemento es utilizado - especialmente en guías de herramientas digitales - para indicar las rutas de acceso a comandos, funciones y/o menús del programa


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Asimismo el libro está acompañado por diversos códigos de barras de respuesta rápida o QR por sus siglas en inglés (Quick Response), que permitirán al lector acceder a sitios web de interés general y a videos en línea.

Código QR de la página de publicaciones de REDDES

Uso del código QR

• utilizar un dispositivo móvil• ubicar el código QR del libro• fotografiar el código QR • el programa de procesamiento de códigos QR del móvil decodificará

el contenido del código • y redireccionará a la página web que corresponda

Funcionamiento del código QR (imagen de Mhegen es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Taggingprozess.jpg)

Este texto fue elaborado por Alberto Ramírez Martinell y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito al autor, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica.

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Marco de Referencia

El mundo digital está cada vez más entrelazado con el mundo físico, por lo que el conocimiento de los canales de comunicación, las herramientas para el procesamiento de información y el uso de formatos y protocolos altamente compatibles con diferentes sistemas digitales son cada vez más necesarios para que los sujetos nos podamos desempeñar adecuadamente en ambos entornos.

El mundo físico y el mundo digital están separados únicamente por una pantalla. Lo que pasa en el mundo digital es, en muchos casos, el reflejo o la continuación de la vida en el mundo físico, y viceversa. La actividad digital es entonces una extensión de la dinámica del mundo físico, donde sus sujetos pueden ser alterados por lo que acontece a su vez de manera digital. Ambos mundos son reales. Ambos forjan al sujeto. La realidad de este tipo de sujetos es dual. El sujeto es pues un ser físico movido – en algunos casos – por su actividad digital.

Por su carácter digital, el sujeto físico a su vez es líquido, ya que puede, a través de este medio, llegar a diferentes destinos como un sujeto que se comunica sincrónicamente o como un sujeto plasmado en su actividad digital. Dicha actividad puede ir desde la inclusión de comentarios en sitios web, hasta el seguimiento de sus rutas, sus rastros de navegación o de su actividad social, o inclusive en sus documentos, en sus fotos, o en sus videos. Esta permeabilidad de las actividades digitales al mundo físico – y viceversa – generan la necesidad de manipulación digital de datos con el fin de amalgamar un objeto digital que ayude al sujeto a expresarse, a comunicarse, a interactuar con el otro.

El sujeto es plenamente libre de acceder a la información e incluso de manipularla como mejor le convenga. Y para hacerlo necesita de herramientas digitales para la edición de datos que por su carácter informático se pueden definir como información y por ende deberían de poder ser accedidas sin restricciones, tanto para su uso, como para la modificación de su código.


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El acceso irrestricto al software y a su código es el principio fundamental del software libre, que más allá de la gratuidad de la herramienta ve en este carácter de libertad su razón de ser. En Español no debería haber confusión. El software libre es gratis (free), pero no es libre por eso, es libre por que la gente es libre (free) de acceder a él, es libre de apropiarse de él como herramienta para la manipulación de datos. Es libre de modificar su código.

El software puede entonces ser abierto o cerrado. Libre o propietario. El software libre, abierto, accesible y gratuito tiene su código en el dominio público, por lo que cualquiera que tenga los conocimientos necesarios, podrá ser capaz no solamente de utilizarlo, sino de modificarlo, si así fuera el caso. El software propietario por su parte es cerrado, privado y generalmente generador de un costo de adquisición. Su uso es restringido a quien ha cubierto una cuota y aún habiéndola cubierto su código permanece privado porque pertenece a un individuo, a un grupo, a una empresa.

El uso del software libre y de formatos abiertos va entonces más allá de la gratuidad y de la compatibilidad con determinado tipo de sistemas. Por supuesto que estas podrían ser características suficientes para considerar un cambio de uso de software propietario a software libre. No obstante, la quintaesencia del uso del software libre y de los formatos abiertos recae en el papel que juegan para el abatimiento de la brecha digital en grupos marginados y minorías. El uso de software libre es una actividad liberadora, ya que el usuario puede apropiarse de la herramienta incluso al grado de poder modificar su código fuente.

Por su parte, la producción multimedia es también una actividad liberadora, ya que el usuario común de tecnología digital, tiene en sus manos la posibilidad de colocarse en la silla del director, de asumirse como un creador de contenido y de presentarse ante una audiencia por medio de las habilidades de comunicación, técnicas y creativas que logre plasmar en sus productos. Mediante el uso de Software Libre - también llamado software con Licencia Pública General (GPL) - el productor multimedia podrá apropiarse de la herramienta no solamente por cuestiones económicas sino por cuestiones técnicas y legales. De esta manera logrará la realización de productos digitales con herramientas de código abierto, y formatos estandarizados altamente compatibles entre sistemas digitales.

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El uso de software libre para la producción multimedia es entonces una actividad doblemente liberadora que puede beneficiar también a su audiencia si el productor multimedia decide utilizar una licencia de autor flexible de atribución, no comercial y de licenciamiento recíproco como Creative Commons 2.5. Esto por un lado, le permitirá proteger su autoría y dotar al producto de ciertas limitaciones de uso (evitar el uso comercial por ejemplo) y por otro lado facilitará su difusión y reproducción. Cfr. Careaga, 2011.

El usuario como productor multimedia

La elaboración digital de contenido por parte de los usuarios es una etapa crucial en la historia de la evolución de la era digital o mejor dicho de la evolución del usuario común por su paso en el mundo digital. Antes, el usuario común de tecnología digital –específicamente de computadoras personales conectadas a Internet– iniciaba una sesión de trabajo ordinaria con una consulta, o con una búsqueda. En el mejor de los casos, terminaba con el hallazgo de una serie de sitios de Internet a los que podría acceder, para valorar si la información ahí encontrada era relevante o no para él. A esta etapa de la evolución del ser digital la llamaremos etapa de consumo de información. La etapa de consumo de información consiste entonces en la ubicación del usuario común en una esfera de actividades en la que sus tareas principales se limitan a la revisión de materiales, lectura de páginas Web y demás labores – usualmente de oficina– que suelen iniciar y terminar en su computadora o pueden ser enviados por correo electrónico a un número finito de personas. En esta etapa, la Web es prácticamente de sólo lectura, e históricamente –cuando esta etapa se daba por cuestiones tecnológicas y no actitudinales– la red se utilizaba para acceder a información de su elección, usualmente publicada por grandes empresas, medios de comunicación tradicionales que habían migrado al mundo digital o usuarios con los conocimientos suficientes para lograr publicar información en la Web.

En un segundo momento histórico de esta fugaz evolución, está lo que llamaremos la etapa de colaboración. La etapa de colaboración –también conocida como Web 2.0 o Web social– consiste el momento en la que el usuario común se conecta, mediante la Web, con otros usuarios con intereses similares a los suyos. Conexiones que van más allá de la


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comunicación privada mediante correo electrónico, y que permiten inclusive a otros usuarios ser partícipes de conversaciones electrónicas que quedan comprometidas en escaparates digitales de diversos tipos. Visto de otra forma, en la etapa de la colaboración, la Web deja de ser una Web de sólo lectura para volverse una Web de lectura y escritura.

Las actividades principales del usuario común de la etapa de la colaboración oscilan entre dejar constancia de preferencia o gusto en sitios o recursos de Web y la publicación de información personal en redes sociales. En la etapa de la colaboración, el usuario deja de solamente leer información de la Web, para comentar, vincular, publicar, compartir y en general para conectarse con otros usuarios.

El usuario de la etapa de colaboración, encuentra información en la Web y la relaciona con los intereses de sus contactos físicos o digitales sirviendo de vínculo entre la información encontrada y el posible interesado de la información. Este tipo de usuario trata de hacer eco a su actividad en la Web. Permite a los demás que vean los sitios que está visitando; los videos que está viendo o ha visto; la música –o listas de reproducción– que escucha; e incluso considera necesario la creación y atención a un perfil personal dentro de una red de contactos. El usuario de la etapa de colaboración es un ser digital social, que vive e interactúa en un mundo igualmente digital.

Por último, hablaremos de un tercer momento histórico de esta visión de la evolución del usuario de tecnología digital. A este momento lo llamaremos etapa de la construcción. El usuario común de la etapa de la construcción, es alguien que además de tener siempre presente la idea de colaborar decide crear sus propios objetos digitales para su difusión. Este usuario, no –solamente– consume sino crea; no busca, divulga; no es pasivo, es líquido. Busca las vías para que sus productos cobren vida y fluyan por la Web.

En esta esfera operativa, el usuario común de la etapa de creación y construcción, actúa consciente de la existencia del otro: su audiencia. Produce porque espera que ese otro se asuma –por al menos durante un instante– como consumidor de sus productos. El usuario creador tiene por definición implícita una relación creador-consumidor. Produce

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porque hay quien consuma, aunque sea él mismo quien mediante un cambio de rol actúa como consumidor de su obra para deleite personal. La relación creador-consumidor tiene implicaciones éticas, el creador puede manipular a su audiencia, la puede informar o desinformar. El usuario creador debe estar consciente del impacto de sus productos y de sus efectos. El usuario de la etapa de construcción crea mediante el uso individual o combinado de texto, audio, imagen o video.

Estas tres C´s (Consumo, Colaboración y Construcción) (Ramírez Martinell, 2010, p.194) son momentos evolutivos del ser en el mundo digital, más que momentos de la evolución del mundo digital mismo. El cambio entre cada una de las etapas se da a partir de dos aspectos: convicción y competencia.

Convicción en el sentido de que una persona puede ser un usuario colaborativo o más participativo en la esfera social-digital si así lo quisiera. Sin embargo, por cuestiones de escepticismo, apatía o aberración –entre otras– opta por utilizar a la web como una fuente de consulta y por convicción se coloca en la etapa de consumo de información o de colaboración limitada.

Competencia en el sentido de que una persona tiene o no los conocimientos suficientes para afrontar una tarea específica, y procede a realizarla por el simple hecho de que es capaz de hacerlo.

El usuario como generador de imágenes digitales

La producción de video por parte del usuario común, es decir, por parte de un sujeto con formación limitada o nula en temas de producción de video es un fenómeno que desde 2005 ha inundado Internet con videos de calidad y contenidos diversos producidos por usuarios con capacidades, herramientas de software y equipo para la producción igualmente diversos. Un grupo de este tipo de productores es el de los entusiastas que llevados por el interés, la motivación y el gusto, se embarcan en proyectos de realización de video de temas distintos pero relevantes para ellos como: eventos sociales, culturales, video tutoriales, videos musicales, reseñas, críticas, anuncios o inclusive de carácter hilarante.


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En este contexto, entendemos por productor a la dupla de personas que en la industria de los medios se les conoce como director o realizador y productor. En la industria de los medios el director o realizador es aquel que se encarga de coordinar a las personas que aparecen a cuadro y el tipo de tomas y la secuencia en que se utilizarán. El productor, por su parte, es el que se encarga de la logística, del equipo para la grabación, de permisos y licencias y de las finanzas en general. En el contexto ajeno a la industria de los medios, que es el que aquí nos compete, se utiliza el término de productor para designar a la persona que dependiendo de la situación, se encarga de ambas labores e incluso en algunos casos también se llega a ocupar del trabajo de cámara.

Las tareas involucradas en la realización de video pueden ser tan variables que podrían abrumar incluso al más experimentado de los productores si no son ejecutadas de forma estructurada y organizada. Entre las tareas de producción más comunes podemos mencionar las siguientes:

• Planeación de la producción • Elaboración de guión literario• Elaboración de guión gráfico

• Preparación del equipo de grabación• Grabación

• Dirección del equipo humano de la producción• Operación de cámara• Aparición a cuadro

• Transferencia y conversión de video • Edición del video• Revisión de la edición• Exportación y conversión del video final• Distribución del video• Monitoreo de actividad en línea

El nivel de exposición que pueden tener los videos del usuario en Internet es de tales magnitudes que incluso cuando el video sea pobremente visto una docena de personas podrá encontrarlo e incluso hasta le dedicarán tiempo y atención a su contenido, situación prácticamente imposible de lograr sin la existencia de Internet.

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La producción de video con equipo de grabación accesible para el usuario común, con herramientas de software libre en un equipo de cómputo convencional y su fácil publicación en medios electrónicos (desktop publishing), es una actividad que hoy por hoy se encuentra al alcance de cualquier usuario de computadoras.

Es cierto que la construcción de objetos digitales no es una labor que esté en el interés de todas las personas. Sin embargo, tampoco es innegable que la producción de video es una actividad eminentemente atractiva, que permite al usuario actuar como:

• Planificador de proyectos, • Operador de cámara, • Actor de sus propios videos, o como todo lo anterior a la vez.

Como planificador de proyectos, el usuario podrá proyectar la creación de contenido relevante para sus necesidades. Asimismo podrá administrar los recursos con los que cuenta para hacer la grabación, a las personas que participarán en el evento, elegir las locaciones, la duración del video y su estilo visual.

Como operador de cámara, el usuario podrá encuadrar el mundo a su gusto. A través de la lente podrá ver a sus objetivos en los ángulos y a la distancia que le parezcan adecuados y además podrá compartir dicha visón de su entorno con su audiencia.

Como actor, el usuario podrá colocarse frente a la cámara para actuar o para hablar directamente hacia ella. El resultado de esta actividad aunque obvio –un video en el que se presenta al usuario a cuadro– representa una experiencia extra corpórea, en la que el usuario podrá verse en una perspectiva privilegiada y poder ser crítico con su desempeño frente a la cámara.

Cualquiera que sean las actividades de producción del usuario – incluso la suma de ellas – el tratamiento de la realización de video como un proceso, en lugar de ver únicamente al video como un producto, replantea la relación entre el sujeto y el medio de comunicación, abriendo nuevos canales de expresión, de comunicación y de proyección.


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Fundamentos teóricos


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elementos visuAles básicos PArA comPosición

En su forma más simple, los componentes del proceso visual son los mismos para cualquier clase de experiencia, objeto, material o mensaje visual: punto, línea, contorno, dirección, tono, textura, proporción, dimensión y movimiento.

A partir de ellos se proyecta y elabora toda declaración visual, amparado en el actuar de las técnicas de comunicación visual que manipulan los elementos visuales con un énfasis cambiante relacionado directamente con el mensaje a emitir y el carácter del diseño que se encargará de dicha emisión.

Estas técnicas tienen como principal objetivo conectar la intención con el resultado y ofrecer al comunicador visual varias posibilidades de expresión del contenido. El criterio utilizado en su elección determinará el impacto que cause en el receptor, y la reacción de éste será la principal forma de medir la efectividad.

Como productor multimedia (PM) la meta es construir materiales que apoyen al aprendizaje de un determinado tema, al realizar esta tarea te conviertes en un comunicador visual. Mediante los productos mantienes una comunicación constante con las personas que los utilizan e interactúan con ellos. La teoría que se revisará a continuación servirá al momento de realizar productos multimedia, ya que es de gran importancia que se conozca los elementos visuales básicos de toda composición.

Antecedentes

Forma. Todo lo que pueda ser visto posee una forma que aporta la identificación principal en nuestra percepción, pero en este sentido no es sólo una forma que se ve, sino una figura de tamaño, color y textura determinados.

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Los elementos visuales del diseño son: forma, color, medida y texturaTodos los elementos visuales constituyen lo que generalmente llamamos forma.

La manera en que una forma es creada, construida u organizada junto a otras formas, es a menudo gobernada por cierta disciplina a la que se denomina estructura.

El punto, la línea o el plano, cuando son visibles se convierten en forma, es decir, tienen una figura, un tamaño, un color y una textura determinada.

Por regla general, a la forma se le ve como ocupante de un espacio, pero también, puede ser vista como un espacio en blanco, rodeado de un espacio ocupado. Cuando se le percibe como el ocupante se le llama “positiva”, cuando el espacio es blanco se le llama “negativa”.

Las formas pueden encontrarse entre sí de diferentes maneras, creando diferentes formas de interrelación, como: distanciamiento, toque, superposición, penetración, unión, sustracción, intersección y coincidencia.

Funciones de la forma son:• sintetizar los puntos, las líneas y los planos en algo que se considera• unido, ya que se puede unir• crear lo figurativo (parecido con lo real)• crear dinamismo o tensión (crear diferencias entre las cosas)• crear profundidad• crear jerarquías de lectura

Punto

La mayoría de las personas tienden a visualizar los puntos como formas redondas que no muestran ninguna dirección; también pueden establecer direcciones alineando los puntos o colocándolos de tal modo que sugieran líneas ocultas .

El punto es un elemento geométrico adimensional y señala una posición en el espacio; es la unidad más simple e irreductible del discurso visual.

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De ahí que una de las características fundamentales del punto sea imperceptible e inmaterial, es decir, que no es necesario que el punto esté representado materialmente en la imagen. No importa que se vea para que éste actúe plásticamente en la composición.

Funciones

Los puntos son aprovechables para comunicar con eficacia. Las funciones del punto son:• concentrar y aislar : concentran y dirigen la vista• inducir profundidad: tan sólo los materiales• inducir la forma: principios de semejanza y continuidad, que nos hacen ver un triángulo. El principio forma sobre fondo nos hace ver los puntos como forma

Línea

Articular de la forma, trayecto o camino de un punto a otro, puede ser recto o curvo.

“Cuando los puntos están tan próximos entre sí que no pueden reconocerse individualmente, aumenta la sensación de direccionalidad y la cadena de puntos se convierte en otro elemento visual definitivo: la línea -D.A. Dondis-”

La línea es el elemento plástico que puede adquirir más funciones en la representación, aunque dos son las esenciales: señalar y significar, como en el arte. Lo mismo que el punto, no requiere la presencia material en la imagen para existir.

Las funciones de las líneas son: • estructurales: separan el espacio, lo organizan y delimitan• formales: modelado (crean volumen, la línea deja de ser trama y• empieza a ser textura); profundidad (mediante la perspectiva); creación de forma (es el elemento creador de forma)

La línea, otro de los elementos básicos de la imagen, se puede definir como la huella de un punto en movimiento o como una sucesión de puntos contiguos sobre un plano.

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Esta línea creadora de forma puede ser interna o endotópica; o externa o contorno.

Contorno

La línea describe un contorno. Hay tres contornos básicos; el cuadrado, el círculo y el triángulo equilátero; cada uno con un carácter específico y rasgos únicos, por lo que se les atribuyen gran cantidad de significados. Unas veces mediante asociación, otras mediante una adscripción arbitraria y otras a través de percepciones psicológicas y fisiológicas. Así, al cuadrado se le asocian significados de torpeza, honestidad, rectitud y esmero; al triángulo, la acción, el conflicto y la tensión; al círculo, la infinitud, la calidez y la protección, sólo por poner un ejemplo.

Sucesiones de puntos creando una línea que a la vez crea contornos

Dirección

La dirección es el movimiento dentro de la composición, carácter del contorno.

Los contornos básicos expresan tres direcciones visuales básicas:• cuadrado, la horizontal y la vertical• triángulo, la diagonal• círculo, la curva

Cada una de las direcciones visuales tiene toda una serie de asociaciones y constituye una herramienta valiosa a la hora de crear y comentar mensajes visuales. Así, la referencia horizontal-vertical del cuadrado se asocia a la tranquilidad, estabilidad y el equilibrio. Mientras que las formas

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triangulares implican riesgo, desafío o emociones. La diagonal es, por el contrario, la fuerza más inestable, y por ello, también la más provocadora y amenazadora. Las curvas tienen significados que se asocian a la repetición, al movimiento, pero también a la calidez y la sensualidad.

Contornos básicos, cuadrado, triángulo equilátero y círculo

Tono

El tono es presencia o ausencia de luz dentro de la composición.

El término tono se confunde a menudo con el color, pero hay una diferencia: las variaciones de un único tono producen colores diferentes. Por ejemplo, un tono rojo puede ser rojo-claro, rojo-oscuro, rojo apagado o brillante, y éstas son variaciones de color dentro del mismo tono.

Color

El color es una experiencia sensorial que se produce gracias a tres factores:• una emisión de energía luminosa. El color está directamente relacionado con la luz (es evidente que sin luz no se perciben los colores). Aún existiendo luz y dependiendo de las características, se puede apreciar de manera distinta los colores de los objetos• una interacción entre la luz recibida y la superficie de los objetos que, por su composición física, absorben unas radiaciones y reflejan otras. Las reflejadas son las que percibe nuestra retina• la recepción de la retina. El ojo humano contiene tres tipos distintos de receptores del color, que son sensibles a la luz roja, verde y azul, ¿te suena familiar RGB?


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El color en la imagen, con su enorme capacidad de comunicación, nunca es un adorno. Produce sensaciones y sentimientos, adquiere simbologías (piensa en banderas o en colores que identifican, por ejemplo, grupos sociales). Cada color tiene un significado y expresa una sensación agradable o desagradable, fría o cálida, positiva o negativa. El estudio de la influencia psicológica de los colores, se aplica a diferentes campos disciplinarios por la importancia que puede tener, no sólo en la vida diaria sino también en la publicidad.

El color está cargado de información y es una de las experiencias visuales más penetrantes que todos vivimos, aunque debemos tener en cuenta que puede cambiar su significado dependiendo del país y su cultura. Como ejemplo, el blanco es el color de las novias en nuestra cultura como símbolo de pureza, el mismo significado tiene el negro para las novias musulmanas.

Composición cromática

Textura (óptica y táctil)

Textura es el carácter superficial de elementos visuales.

La textura táctil se refiere a las características palpables de la superficie de una figura. Toda figura tiene una superficie y toda superficie debe tener ciertas características que pueden ser descritas como suave o rugosa, lisa o decorada, opaca o brillante y blanda o dura.

La textura óptica se refiere al efecto visual que se percibe como textura, simulando un material que realmente no está presente y por lo tanto, no se puede comprobar por medio del tacto. Este efecto se desarrolla en un objeto, debido a la luz que recibe y refleja, las sombras y la información interpretada por nuestro cerebro.

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Textura táctil

Mediante el uso de puntos, se representa una textura que no está físicamente pero que se percibe como tal

Escala

Escala, es la proporción, tamaño relativo y medición. La relación matemática entre las dimensiones reales y el dibujo en un plano.

Todos los elementos visuales tienen capacidad para modificarse y definirse unos a otros, es decir, no podría existir lo grande si no existe lo pequeño. Este proceso es el elemento que se denomina escala.

La escala suele utilizarse en planos y mapas para representar una medición proporcional real. A pesar de que la medición es un factor integrante de la escala, más importante es la yuxtaposición, es decir, lo que se coloca junto al objeto.

El factor más decisivo a la hora de establecer la escala es la medida del hombre mismo. Existe una proporción ideal, el hombre medio, pero existen también infinitas variantes que nos convierten a cada uno en un ser único. Estas evidencias son obtenidas de manera diferente en el diseño. Por ejemplo: mientras en la producción en serie se tiende a utilizar el estándar medio, en la ropa o el calzado se opta por el reconocimiento de la diversidad y se fabrican múltiples tallas.


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Aprender a relacionar el tamaño con el propósito y el mensaje es fundamental en la comunicación visual.

Dimensión y movimientoDota de expresión a la composición.La dimensión existe en el mundo real, se puede sentir y ver, pero en ninguna de las representaciones bidimensionales de la realidad, sean imágenes fijas o en movimiento, existe un volumen real.La ilusión se refuerza de muchas maneras pero el artificio fundamental para simular la dimensión es la perspectiva. La perspectiva tiene fórmulas exactas con numerosas y complicadas reglas. Usa la línea para crear efectos, pero su intensión última es producir sensación de realidad.

Resumen

En esta guía aprendiste el uso de las formas básicas y los efectos que se le pueden dar a una imagen mediante la composición de los elementos visuales básicos:

• punto• línea• contorno• dirección• tono• color• textura óptica y táctil• escala• dimensión y movimiento

Este texto fue elaborado por Diana Montes Reyes y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito al autor, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica

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teorÍA de lA FormA:técnicAs de comunicA-ción visuAl

Estas técnicas tienen como principal objetivo conectar la intensión con el resultado y ofrecer al comunicador visual varias posibilidades de expresión dentro del contenido. El criterio utilizado en su elección determinará su alcance en el receptor, y la reacción de éste será la principal medición de su efectividad.

Existen muchas técnicas para la obtención de soluciones visuales. En general, todas se ordenan en pares opuestos. Se trabaja con ellas a veces extremándolas, o promediándolas, dependiendo siempre del objetivo de comunicación perseguido.

Antecedentes

Todos los elementos visuales constituyen lo que generalmente se llama “forma”. Todo lo que pueda ser visto posee una forma que aporta la identificación principal en la percepción, pero en este sentido no es sólo una forma que se ve, sino una figura de tamaño, color y textura determinados.

La manera en que una forma es creada, construida u organizada junto a otras formas, es a menudo gobernada por cierta disciplina a la que se denomina estructura. El punto, la línea o el plano, cuando son visibles se convierten en forma, es decir, tienen una figura, un tamaño, un color y una textura determinada.

Como productor multimedia (PM) se tiene un papel muy importante también como comunicador y una de las formas de transmitir el conoci-miento es de manera visual.

recuerda


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Por regla general, a la forma se le ve como ocupante de un espacio, pero también puede ser vista como un espacio en blanco, rodeado de un espacio ocupado. Cuando se le percibe como el ocupante se le llama “positiva”, cuando el espacio es blanco se le llama “negativa”.

Contraste – Armonía

Las técnicas vienen expresadas en parejas especialmente para poner de manifiesto la enorme importancia que el concepto de contraste tiene para todo medio de expresión visual.

Al hablar de tono, existe un ejemplo tan evidente, como que vemos lo oscuro por que está próximo o se superpone a lo claro y viceversa. Todo significado existe precisamente en el contexto de esas polaridades: contraste/armonía.

El contraste

Es una poderosa herramienta en la comunicación, un medio para intensificar la expresión y simplificar la comunicación. Se puede hablar de tipos de contraste: contraste de tonos, colores, contornos y escala. Además, juega un papel importante en la composición.

Contraste de tonos

La oscuridad-claridad relativas establecen la intensidad en el contraste tonal. El mayor peso tonal lo tendría el elemento con mayor oscuridad o intensidad tonal, de modo que si se elimina el tono al elemento perdería fuerza y dimensión dentro de la composición.

Contraste de colores

El tono tiene mayor fuerza que el color a la hora de establecer el contraste. Dentro de las dimensiones del color (el matiz, el tono y saturación) el tono domina. Después del contraste tonal, el contraste de color más interesante es el que se establece entre colores cálidos (rojos-amarillos) y fríos (verdes-azules). Según la teoría de Munsell, el color complementario es el que se sitúa en el lugar exactamente opuesto de la rueda de colores.

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Contraste de contornos

Unos contornos irregulares, imprevisibles acaban llamando más la atención que otros más regulares y sencillamente resueltos. Así, una forma abstracta centra más nuestra atención que una forma geométrica conocida. Igualmente, las texturas distintas o los trazos diferentes se intensifican cuando se yuxtaponen, es decir, cuando se contrastan.

Contraste de escala

La distorsión de la escala puede contradecir las expectativas que la experiencia nos ha ido creando. Esta contraposición de elementos a diferentes escalas, distintas de las reales, e incluso irreales, crea una percepción nueva, inusual, y, por lo tanto, sorprendente.

La armonía

Armonía es el estado nivelado del diseño visual. Generalmente tendemos a buscar el equilibrio, el sosiego, la armonía; tendemos a reducir la tensión. Sin embargo, desde el punto de vista expresivo, el uso sistemático de la armonía corre el riesgo de llegar al aburrimiento, y el espectador necesita constantemente sorpresas y estímulos visuales.

La regularidad consiste en favorecer el desarrollo de un orden en relación, no admite desviaciones. Su opuesto es la irregularidad que aboga más por lo inesperado, lo insólito, lo que, aparentemente, no se ajusta a un plan descifrable.

Regularidad-Irregularidad


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Equilibrio

El equilibrio, es dentro de las técnicas visuales, la más importante tras el contraste. Se trata de una estrategia de diseño en la que hay siempre un centro de gravedad entre dos partes o pesos.

El equilibrio puede ser simétrico o asimétrico. Por el contrario, la inestabilidad es la ausencia de equilibrio y resulta visualmente muy provocadora e inquietante.

Inestabilidad – Equilibrio

La técnica de la economía es una ordenación visual frugal y juiciosa en la utilización de elementos. La economía es visualmente fundamental y realza los aspectos conservadores y reticentes de lo pobre y lo puro. La profusión está muy recargada y tiende a la presentación de adiciones discursivas, detalladas e inacabables al diseño básico que, idealmente, ablandan y embellecen mediante la ornamentación. Es visualmente enriquecedora y va asociada al poder y la riqueza.

Economía – Profusión

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Nuestra experiencia visual y natural de las cosas es el modelo del realismo en las artes visuales, cuyo empleo puede recurrir a numerosos trucos y convenciones calculadas para reproducir las mismas claves visuales que el ojo transmite al cerebro, aunque para ello es necesario generalmente recurrir a ilusiones ópticas. La distorsión fuerza el realismo y pretende controlar sus efectos desviándose de los contornos regulares y, a veces, también de la forma auténtica. Es una técnica que, manejada correctamente, puede producir respuestas intensas.

Distorsión – Realismo

Si el equilibrio puede ser simétrico o asimétrico, la simetría es el equilibrio axial. Esta entonces ante formulaciones visuales totalmente resueltas en las que a cada unidad situada a un lado de la línea central corresponde exactamente otra en el otro lado.

La asimetría era considerada por los griegos como un mal equilibrio. Puede conseguirse variando elementos y posiciones, de manera que se equilibren los pesos. Una composición asimétrica suele tener mayor impacto expresivo, provoca sorpresa en el espectador y puede resultar más ágil y dinámica que una simétrica.

Asimetría–Simetría


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Yuxtaposición y singularidad

Resumen

En esta guía se aprendió las diferentes soluciones visuales que se pueden aplicar con respecto a la armonía y el contraste de la forma, los temas que revisaste son:

• irregularidad-regularidad• inestabilidad-equilibrio• economía-profusión• distorsión-realismo• asimetría-simetría• yuxtaposición-singularidad

La yuxtaposición expresa la interacción de estímulos visuales situando al

menos dos claves juntas y activando la comparación relacional.

concepto

La singularidad consiste en centrar la composición en un tema aislado e independiente, sin ningún otro apoyo o estímulo visual, sea particular o general con lo que se transmite un énfasis específico.

concepto


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teorÍA de lA FormA:concePtos de lA Psico-logÍA gestAlt

La mente configura a través de ciertas leyes, los elementos que llegan a ella por medio de los canales sensoriales (percepción) o de la memoria (pensamiento, inteligencia y resolución de problemas).

En nuestra experiencia del medio ambiente, esta configuración tiene un carácter primario por sobre los elementos que la conforman, y la suma de estos últimos por sí solos no podría llevarnos, por tanto, a la comprensión del funcionamiento mental.

Antecedentes

Los elementos visuales del diseño son: forma, color, medida y la textura.Todos los elementos visuales constituyen lo que generalmente se llama “forma”. Todo lo que pueda ser visto posee una forma que aporta la identificación principal en nuestra percepción, pero en este sentido no es sólo una forma que se ve, sino una figura de tamaño, color y textura determinados.

La manera en que una forma es creada, construida u organizada junto a otras formas, es a menudo gobernada por cierta disciplina a la que se le denomina “estructura”.

El punto, la línea o el plano, cuando son visibles se convierten en forma, es decir, tienen una figura, un tamaño, un color y una textura.

Por regla general, a la forma se le ve como ocupante de un espacio, pero también puede ser vista como un espacio blanco, rodeado de un espacio ocupado. Cuando se le percibe como el ocupante se le llama “positiva”, cuando el espacio es blanco se le llama “negativa”.Las formas pueden encontrarse entre sí de diferentes maneras, creando diferentes formas de interrelación, como: distanciamiento, toque, superposición, penetración, unión, sustracción, intersección y coincidencia.


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Pregnancia

Pregnancia es la capacidad que tienen algunos dibujos para captar la atención del que los mira por su simplicidad. La norma de pregnancia es, aquella que hace que la percepción del observador tienda a ser la más simple.

Este es el pilar sobre el que se sustenta la psicología de la Gestalt, palabra alemana que los conocedores del idioma germánico traducirían como “forma”. Uno no sólo ve algo por lo que percibe de manera estrictamente sensorial, sino también, por lo que recuerda, piensa o completa mediante mecanismos mentales.

Esta acción alude entonces a todo lo que se percibe, no necesariamente con mecanismos ópticos. Por extensión, la norma de pregnancia es aquella en virtud de la cual uno interpreta un suceso de la forma más simple posible, y claro está, no siempre es la mejor interpretación. Los siguientes temas son elementos que, en conjunto, logran aportar pregnancia a la forma de la imagen.

Coherencia formal

Proporción de Similitud y Continuidad dentro de los elementos de la composición.

1) Los colores y el garrafón como tal proporciona coherencia formal; 2) Los colores, la tipografía y la

misma modelo dan continuidad a los carteles

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Fusión, Figura y Fondo

Llama la atención y estimula la percepción.

Colores que resaltan y se combinan con la letra y el fondo

Seguimiento

Utilizar como herramienta compositiva la semejanza o parecido entre los elementos.

La campaña publicitaria mantiene semejanza entre cada uno de sus elemento

Similitud

Utiliza como herramienta compositiva a la semejanza o parecido entre los elementos.


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Colores que resaltan y se combinan con la letra y el fondo

Repetición

Sucesión y repetición de elementos.

Los elementos como las ondas, la tipografía, los contrastes se repiten

Cerramiento

El espacio producido por la cercanía de diferentes planos que encierran por completo un campo espacial.

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El texto como elemento dispuesto de tal forma que se observa una zapatilla sin que esté totalmente dibujada

Cercanía

Al cambiar de tamaño y posición, lo que se percibe es una dimensión de profundidad.

Los elementos cambian de tamaño y pareciera que unos están más lejanos y otros próximos

Disgregar

Separación de elementos dentro del plano compositivo.

Los elementos como las ondas, la tipografía, los contrastes se repiten


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Arquetipo

Modelo original y primario de un arte u “otra cosa”Representación gráfica que se considera un modelo de cualquier representación de la realidadImágenes o esquemas congénitos con valor simbólico que se forma del inconsciente colectivo

La imagen iconográfica y la imagen real

Resumen

En esta guía aprendiste a captar la atención de la persona que mira, por la simplicidad de la imagen y los elementos que logran la pregnancia son: :• coherencia formal• fusión, Figura y Fondo• seguimiento• similitud• repetición• cerramiento• cercanía• disgregar• arquetipo


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teorÍA de lA FormA:comPosición

La composición es la estructura de una obra. Es la comprensión primera del espacio creativo. La composición es la manera de ordenar los elementos que contiene una obra.

El discurso interno, inherente, subyacente de la obra, que transmite e interactúa de la manera más sutil y eficaz con el espectador.

Antecedentes

Todos los elementos visuales constituyen lo que generalmente se llama “forma”. Todo lo que pueda ser visto posee una forma que aporta la identificación principal en nuestra percepción, pero en este sentido no es sólo una forma que se ve, sino una figura de tamaño, color y textura determinados.

La manera en que una forma es creada, construida u organizada junto a otras formas, es a menudo gobernada por cierta disciplina a la que se denomina estructura. El punto, la línea o el plano, cuando son visibles se convierten en forma, es decir tienen una figura, un tamaño, un color y textura.

Equilibrio – Tensión

Equilibrio Es un aspecto fundamental de la composición, es un estado de estabilidad perceptiva o conceptual.

Componer es un proceso organizativo mediante el cual se ordenan los elementos visuales (puntos, líneas y planos) del lenguaje plástico y visual para crear un efecto de unidad y orden.

concepto


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• Arreglo compositivo que brinda: fuerza y firmeza, formula juicios visuales, horizontalidad y/o verticalidad, perpendicularidad (ortogonalidad al campo)• Es la noción mínima básica de referencia en una composición visual• Es un principio de certidumbre y seguridad• Mediante este atributo se otorga un centro de gravedad o peso visual calculable mediante la intuición• Mediante este proceso, se tiende a “estabilizar” lo visto a partir de imponer en la lectura un eje vertical y otro horizontal para “calcular” el equilibrio

Tipos de equilibrio dentro de una composición

Equilibrio axial: se logra el control de fuerzas por medio de un eje central o eje de simetría, es decir, los elementos se reflejan como en un espejo, donde existe una repetición de elementos situados a uno y otro lado de su eje de comparación.

Equilibrio radial: da lugar a un movimiento giratorio o de rotación de los elementos con un punto como centro, logrando así el equilibrio o compensación de fuerzas.

1) Equilibrio Axial, 2)Equilibrio Radial

Equilibrio oculto: depende de la sensibilidad del diseñador, y se basa en una organización espacial tomando en cuenta la forma, el tamaño, posición, textura, peso, y color de los elementos. Se presenta en la naturaleza, y permite al diseñador mayores posibilidades por sus características dinámicas, por su soltura y por no estar regido a movimiento especifico o a eje de comparación. Pero hay que tener presente los requerimientos, pues sino se convierte en desequilibrio.

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Equilibrio Oculto

Tensión

Arreglo compositivo que desorienta la percepción pero a la vez estimula la seducción visual; la tensionalidad llama la atención e inconscientemente obliga a fijar la mirada.

• cuando las formas son irregulares, es más problemático asignar el equilibrio a partir de los ejes vertical y horizontal• para el observador la falta de equilibrio es un factor desorientador o de stress

Este proceso de ordenación, de reconocimiento intuitivo de la regularidad o de la falta de ella, es inconsciente y no requiere explicación ni verbalización.

Las figuras irregulares crean tensión


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Armonía y estabilidad (nivelación y aguzamien-to)

El poder de lo visiblemente pálido ante el poder de la sorpresa. Armonía y estabilidad son opuestos de lo visualmente inesperado y de la generación de tensiones en la composición. Estos opuestos se denominan en psicología nivelación y aguzamiento. Psicológicamente se reconoce con facilidad lo inestable. Por medio de la vista nos damos cuenta de la existencia o falta de armonía visual.

La Armonía visual mediante la nivelación y aguzamiento

Preferencia por el ángulo inferior izquierdo

La tensión visual puede maximizarse otorgando el peso visual de la composición a la zona inferior izquierda del campo.Diagramas que representan el esquema primario y secundario de la dirección que sigue el ojo dentro de la composición.

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Impulso perceptivo inferior-izquierdo

Elementos que apoyan la atracción visual

Atracción y agrupamiento

Conectar los puntos de concordancia y atracción mediante al agrupamiento automático y similitud. Aunque los elementos compositivos son individuales, se agrupan por el acto espontáneo de ver.

Las formas que están próximas tendemos a agruparlas

Positivo – Negativo

Lo que domina la mirada en la experiencia visual es lo que se denomina activo, positivo o de mayor peso (visual). Elementos sobre fondo claro parecen contraerse, elementos sobre fondo oscuro parecen ensancharse.


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El tamaño se percibe diferente aunque es la misma imagen y tamaño

Tipos de composiciones según sus elementos

Cerrada: Los elementos completos dentro del formato.Abierta: Los elementos incompletos sugiriendo salir del formato.

En la composición abierta la guitarra como elemento parece salir del formato

Tipos de composiciones por forma

Seriada: Repetición uniforme de elementos.

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La repetición del elemento círculo como marco de las imágenes

Concéntrica: Expansión del elemento del centro hacia fuera.

El elemento árbol sugiere una expansión de adentro hacia afuera

Reflexiva: Reflejo de los elementos.

Los elementos se reflejan

Radial: Proyección abierta de un centro en rayos hacia a fuera.

El círculo de luces proyecta los rayos hacia afuera

Estructuras de una composición

Estructura modularEs una retícula extendida dentro del formato compositivo que parte de la repetición o superposición de líneas generadas a partir de figuras básicas, siendo las más comunes: cuadrado, triángulo y círculo. Extiende el


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concepto de la coordinación horizontal y de la colaboración más allá de las barreras de la organización tradicional.• dentro de la trama, cada unidad representa un módulo sin marcación de secuencia• los diseños más formales (cuadrado) tiene ritmos más fijos y homogéneos lo que facilita la organización compositiva, pero la percepción se vuelve rígida

Líneas de tensión

Líneas invisibles al ojo pero existentes dentro de la percepción, que parten de las figuras según su posición, peso y forma, generando direccionalidad.

Resumen

En esta guía aprendiste los diferentes estilos de composición de la forma visual como: • equilibrio-tensión• tipos de equilibrio• armonía y estabilidad• preferencia por el ángulo inferior izquierdo• elemento que que apoyan la atracción visual• atracción y agrupamiento• positivo-negativo• tipos de composiciones según sus elementos• tipos de composiciones por forma• estructura de una composición• líneas de tensión


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color:combinAción AditivA y sustrActivA

Si se habla del color en sentido general, se encuentra con que la teoría del color es un grupo de reglas básicas sobre la mezcla de percepción de colores para conseguir el efecto deseado combinando colores de luz o combinando colores reflejados en pigmentos.

En el ámbito práctico del uso del color, el conocimiento que se tiene y que se ha adquirido sobre éste hace referencia al color pigmento y proviene de las enseñanzas de la antigua Academia Francesa de Pintura. En ésta se consideraba como colores primarios (aquellos que por mezcla producirán todos los demás colores) al rojo, amarillo y el azul.

Al tenor de este conocimiento práctico se ve que en realidad existen dos sistemas de colores primarios: colores primarios luz y colores primarios pigmento.

Antecedentes

Es un fenómeno físico-químico asociado a las innumerables combinaciones de la luz, relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético, que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión. Es como una sensación que permite diferenciar los objetos con mayor precisión.

El color es una percepción visual que se genera en el cerebro al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores de la retina del ojo y que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético.

concepto


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Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como colores según las longitudes de ondas correspondientes. El ojo humano sólo percibe las longitudes de onda cuando la iluminación es abundante. A diferentes longitudes de onda captadas en el ojo corresponden distintos colores en el cerebro.

Con poca luz se ve en blanco y negro. En la denominada síntesis aditiva (comúnmente llamada “superposición de colores luz”) el color blanco resulta de la superposición de todos los colores, mientras que el negro es la ausencia de color. En la síntesis sustractiva (mezcla de pinturas, tintes, tintas y colorantes naturales para crear colores) el blanco sólo se da bajo la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese color y el negro es resultado de la superposición de los colores cian, magenta y amarillo.

La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. En la naturaleza, esta descomposición da lugar al arcoiris.

La teoría de color es conocimiento básico y esencial, que ayuda a comunicar una idea o mensaje a través de algún medio. El color está sometido a diversas leyes físicas y teorías psicológicas, que deben ser aprendidas para lograr resultados óptimos durante la manipulación y uso del mismo. Una buena selección de color no depende de la suerte sino del conocimiento teórico y práctico que se convierte en la verdadera intensión detrás de cada tonalidad en un diseño o composición.

Teoría electromagnética

El color es un atributo que lo percibimos de los objetos cuando hay luz. La luz es constituida por ondas electromagnéticas que se propagan a unos 300.000 kilómetros por segundo. Esto significa que nuestros ojos reaccionan a la incidencia de la enómeno físico-químico asociado a las innumerables combinaciones de la luz, relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético, que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión.. Es como una sensación que permite diferenciar los objetos con mayor precisión.

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Las ondas forman, según su longitud de onda, distintos tipos de luz, como infrarroja, visible, ultravioleta o blanca. Las ondas visibles son aquellas cuya longitud de onda está comprendida entre los 380 y 770 nanómetros.

Los objetos devuelven la luz que no absorben hacia su entorno. Nuestro campo visual interpreta estas radiaciones electromagnéticas que el entorno emite o refleja.

El ejemplo claro es el de un haz de luz blanca que se “descompone” en colores al pasar por un prisma. La luz blanca es realmente la suma de haces de luz de distintas longitudes de onda, que son desviadas de manera diferente. A este fenómeno se le llama dispersión.

Dispersión

Síntesis aditiva de los colores

Al hablar de la síntesis aditiva del color se habla del color-luz, es decir, del color como radiación de luz. La superposición de haces de luz de los colores primarios rojo, verde y azul para obtener otra gama y matices de diferentes colores se conoce como “síntesis aditiva”..

Colores primarios: rojo, verde y azul


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Colores primarios luzLa síntesis aditiva se crea cuando se proyectan y superponen tres haces de luz de los colores primarios, es decir, rojo, verde y azul.

En el punto donde se superponen dos colores primarios, se crean, a su vez, los colores secundarios cian, magenta y amarillo. En el punto central, donde se superponen los tres haces de luz, aparece el color blanco.

Como en idioma inglés el color rojo se denomina “Red”, el verde “Green” y el azul “Blue”, el proceso de síntesis aditiva generalmente se identifica por medio de las primeras letras de esas palabras “RGB”.

RGB combinados

Síntesis sustractiva de los colores

La forma más común de percibir los colores de los objetos es por medio del sentido de la vista, y que se basa en la absorción o sustracción de las frecuencias del espectro electromagnético que compone la luz blanca, o de todas sus frecuencias.Cuando se observa un objeto con determinado color, lo que percibe el sentido de la vista son solamente son las ondas correspondientes a las frecuencias de color o colores que éste refleja. La otra parte de las ondas las absorbe o sustrae el propio objeto y, por tanto, no se ven.

El proceso de absorción de los colores por la superficie de los objetos recibe el nombre de “síntesis sustractiva”. Esta se manifiesta cuando se mezclan los llamados “colores secundarios luz”: cian (comúnmente conocido como azul cielo), magenta (comúnmente conocido como rosa mexicano) y amarillo, también llamados “colores primarios pigmento”.

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Es muy común encontrar las siglas CMYK, abreviatura de las palabras en inglés cian, magenta, yellow y black para referirse a la tecnología de impresión por cuatricromía, es decir, por cuatro colores.

Colores secundarios luz

Colores primarios pigmentoSi dibujamos tres círculos y se rellenan con pintura acrílica (trasparente) de los tres colores primarios pigmento, se podrá observar que la mezcla del color magenta con el amarillo forma rojo; la de cian con amarillo forma verde; la de cian con magenta forma azul y donde se superponen los tres colores se forma el color negro (ausencia de luz), pues en ese punto todas las frecuencias del espectro de luz blanca se absorben y no las vemos.

Colores primarios pigmento

Colores secundarios pigmentoLos colores secundarios se obtienen a partir de los colores primarios.

Colores secundarios pigmento


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Colores terciarios pigmentoSon el producto de un tinte primario con otro secundario; mezclando dos terciarios se obtienen cuaternarios y así sucesivamente las mezcla de colores.

Colores terciarios pigmento

Ilusiones ópticas

Las ilusiones ópticas pueden ser de carácter fisiológico, es decir, asociadas a los efectos de una estimulación excesiva en los ojos o el cerebro (brillo, color, movimiento, entre otros.) o cognitivo en las que interviene nuestro conocimiento del mundo.Las ilusiones ópticas son el resultado de la interpretación que hace el cerebro de las imágenes percibidas por los ojos.

El tamañoEl círculo central parece más pequeño si está rodeado de círculos de mayor tamaño y más grande si por el contrario lo rodean círculos más pequeños.

Ilusión óptica de tamaño

Ilusión óptica es cualquier ilusión del sentido de la vista, que nos lleva a percibir la realidad erróneamente.

concepto

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Transparencia, peso y masaEl color actúa por gravitación y extensión de una superficie cromática. Los tonos fríos y claros parecen más livianos y menos sustanciales, los cálidos y oscuros parecen más pesados y densos.

Ilusión óptica de transparencia, peso y masa

MetamerismoLos colores que tienen diferentes curvas de reflectancia y parecen idénticos bajo algunas condiciones y diferentes bajo otras (luz, posición, superficie).

Metamerismo del magenta

Mezcla de Color PartitivoLa mezcla óptica que ocurre cuando un dibujo de puntos es colocado uno junto al otro, como los puntos de medio tono en la página impresa, o los primarios aditivos en la pantalla a color de la computadora.

Color partitivo


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Resumen

En esta guía aprendiste el uso de las diferentes combinaciones de color, para ello se revisaron los siguientes temas:

• teoría electromagnética• síntesis aditiva • síntesis sustractiva


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color:dimensiones del color y contrAste

Los colores tienen propiedades inherentes que les permiten distinguirse de otros y acuñar distintas definiciones del tipo de color.. Estas propiedades les hacen variar de aspecto y definen su apariencia final. Una pequeña variación en el tono o saturación del color, presenta nuevas gamas y posibilidades infinitas en su combinación, obteniendo fenómenos como el contraste con el que se pueden diferenciar colores dependiendo de sus dimensiones, características y valores.

Antecedentes


Es un fenómeno físico-químico asociado a las innumerables combinaciones de la luz, relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético, que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión, como una sensación que permite diferenciar los objetos con mayor precisión.


Con poca luz se ve en blanco y negro. En la denominada síntesis aditiva (comúnmente llamada “superposición de colores luz”) el color blanco resulta de la superposición de todos los colores, mientras que el negro es la ausencia de color. En la síntesis sustractiva (mezcla de pinturas, tintes,


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tintas y colorantes naturales para crear colores) el blanco sólo se da bajo la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese color y el negro es resultado de la superposición de los colores cian, magenta y amarillo.

La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arcoiris.

La teoría de color es conocimiento básico y esencial, que ayuda a comunicar una idea o mensaje a través de algún medio. El color está sometido a diversas leyes físicas y teorías psicológicas, que deben ser aprendidas para lograr resultados óptimos durante la manipulación y uso del mismo. Una buena selección de color no depende de la suerte sino del conocimiento teórico y práctico que se convierte en la verdadera intensión detrás de cada tonalidad en un diseño o composición.

Saturación

La saturación, también llamada croma, representa la pureza o intensidad de un color particular y puede también ser definido por la cantidad de gris que contiene: mientras más gris o más neutro es un color, menos brillante o menos “saturado” es.

Igualmente, cualquier cambio hecho a un color puro automáticamente baja su saturación. Por ejemplo, cuando se dice “un rojo muy saturado”, se refiere a un rojo puro y rico.

Pero cuando se refiere a los tonos de un color que tiene algún valor de gris, se les llaman menos saturados. La saturación del color se dice que es más baja cuando se le añade su opuesto (llamado complementario) en la rueda de color.

Diferentes saturaciones

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Luminosidad

Luminosidad, es la cantidad de luz reflejada por una superficie de color en comparación con la reflejada por una superficie blanca en iguales condiciones de iluminación.

La luminosidad que refleja una superficie blanca es mayor a cualquier otra de color

Gama

En la teoría del color, la gama de color de un dispositivo, o proceso, usado para la creación de un color, es la proporción del espacio de color que se puede representar con ese dispositivo o proceso, ya que existen limitaciones físicas de estos que les pueden impedir mostrar la gama completa del espacio de color. También se podría definir como el lugar geométrico de los puntos del plano matiz-saturación que se pueden representar mediante un dispositivo o técnica.

Colores básicos del modelo CMYK

Generalmente, la gama de color se especifica en el plano de la gráfica matiz-saturación. Muchos sistemas pueden producir colores con una amplia gama de intensidades dentro de su gama de color. Además, para los sistemas de colores sustractivos, tales como los sistemas usados en la impresión, el rango disponible de intensidad, en la mayoría de las ocasiones no tienen sentido, fuera del contexto de su iluminación.


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Colores básicos del modelo CMYK

Concepto de contraste y color

El contraste es un fenómeno con el que se pueden diferenciar colores atendiendo a la luminosidad y al color de fondo sobre el que se proyectan.

Cuando dos colores diferentes entran en contraste directo, el contraste intensifica las diferencias entre ambos. El contraste aumenta cuanto mayor sea el grado de diferencia y mayor sea el grado de contacto, llegando a su máximo contraste cuando un color está rodeado por otro.

El efecto de contraste es recíproco, ya que afecta a los dos colores que intervienen. Todos los colores de una composición sufren la influencia de los colores con los que entran en contacto.

Círculo cromático

Contraste de luminosidad

También denominado contraste claro-oscuro, se produce al confrontar un color claro o saturado con blanco y un color oscuro o saturado de negro.

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Es uno de los más efectivos, siendo muy recomendable para contenidos textuales, que deben destacar con claridad sobre el fondo.

Diferentes tonos saturados de blanco y negro contrastan

Contraste de valor, brillantez o brillo

Cuando se presentan dos valores diferentes en contraste simultáneo, el más claro parecerá más alto y el más oscuro, más bajo.Por ejemplo, al colocar dos rectángulos granates, uno sobre fondo verdoso y el otro sobre fondo naranja, se verá más claro el situado sobre fondo verdoso. La yuxtaposición de colores primarios exalta el valor de cada uno.

Rectángulos color granate colocados en diferentes fondos

Contraste de saturación o intensidad

Se origina de la modulación de un tono puro, saturándolo con blanco, negro o gris. El contraste puede darse entre colores puros o bien por la confrontación de éstos con otros no puros.

Los colores puros pierden luminosidad cuando se les añade negro, y varían su saturación mediante la adicción del blanco, modificando los atributos de calidez y frialdad. El verde es el color que menos cambia mezclado tanto con blanco como con negro.


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Como ejemplo, si se sitúa sobre un mismo fondo tres rectángulos con diferentes saturaciones de amarillo, contrastará más el más puro.

El rectángulo de en medio es el color más puro de amarillo y es el que contrasta más

Contraste de temperatura

La calidez o frialdad de un color es relativa, ya que el color es modificado por los colores que lo rodean. Así, un amarillo puede ser cálido con respecto a un azul y frío con respecto a un rojo. Y también un mismo amarillo puede ser más cálido si está rodeado de colores fríos y menos cálido si lo rodean con rojo, naranja, etc.

Combinación de colores cálidos y fríos que contrastan entre sí

Contraste de complementarios

Dos colores complementarios son los que ofrecen juntos mejores posibilidades de contraste, aunque resultan muy violentos visualmente al combinar dos colores complementarios intensos. Para lograr una armonía conviene que uno de ellos sea un color puro, y el otro esté modulado con blanco o negro.

Es el contraste producido al confrontar un color cálido con otro frío.concepto

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Colores puros contrastados con colores complementarios saturados de negro o blanco

Otros Contrastes

Un color puro y brillante aplicado en una gran extensión de la página suele resultar irritante y cansado (especialmente, el amarillo), mientras que ese mismo color, usado en pequeñas proporciones y sobre un fondo apagado puede crear sensación de dinamismo.

Amarillo sobre un fondo opaco

Dos colores claros brillantes puestos uno al lado de otro impactan en nuestra vista, produciendo un efecto de rechazo, mientras que si esos dos mismos colores se sitúan uno dentro del otro el efecto cambia por completo, resultando agradable.

Colores brillantes juntos y superpuestos


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Un mismo color puede cambiar mucho su aspecto visual dependiendo del color que lo rodea. Este efecto del cambio de apariencia de un color dependiendo de la luz incidente sobre él, del material de que está formado o del diferente color que le sirva de fondo, recibe el nombre de Metamermismo.

Cambio de aparente de tono del amarillo

En la figura anterior se pueden ver dos cuadrados, uno de color de fondo azul, y otro negro, ambos con un cuadrado amarillo dentro. Los dos cuadrados interiores son del mismo amarillo, pero parecen diferentes: en fondo azul se enmascara la pureza del amarillo, mientras que en fondo negro el amarillo muestra toda su pureza y frescura.

Resumen

En esta guía aprendiste las diferentes propiedades que tiene el color, que la variación en el tono o saturación del color, presenta nuevas gamas y posibilidades infinitas en su combinación y de ahí que se tienen una infinidad de contrastes, de los cuales se pusieron los más representativos; para ello se revisaron los siguientes temas: • saturación• luminosidad• gama• contraste de luminosidad• contraste de valor, brillantez o brillo• contraste de saturación o intensidad• contraste de temperatura• contraste de complementarios• otros contrastes


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color:vAriAbles básicAs del color y cÍrculo cromá-tico

Para trabajar con el color, es necesario entender las múltiples combinaciones y los tonos que se obtienen de la mezcla de colores primarios, secundarios, terciarios, entre otros. La mejor manera de entender esta dependencia entre colores es por medio del círculo cromático que permite a quién lo conoce, determinar combinaciones de color como: analogías, triadas, triadas disminuidas, etc.

El círculo cromático también funciona como una poderosa herramienta para que los menos versados en color, entiendan las decisiones tomadas por quien esté haciendo uso del color en un diseño. No se debe menospreciar la capacidad del círculo cromático pues detrás de su sencillez hay mucha información teórica y práctica que se puede aplicar fácilmente para entender o determinar el uso de las variables básicas del color.

Antecedentes


Es un fenómeno físico-químico asociado a las innumerables combinaciones de la luz, relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético, que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión, como una sensación que permite diferenciar los objetos con mayor precisión.


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Con poca luz se ve en blanco y negro. En la denominada síntesis aditiva (comúnmente llamada “superposición de colores luz”) el color blanco resulta de la superposición de todos los colores, mientras que el negro es la ausencia de color. En la síntesis sustractiva (mezcla de pinturas, tintes, tintas y colorantes naturales para crear colores) el blanco sólo se da bajo la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese color y el negro es resultado de la superposición de los colores cian, magenta y amarillo.

La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. En la naturaleza, esta descomposición da lugar al arcoiris.

La teoría del color es conocimiento básico y esencial, que ayuda a comunicar una idea o mensaje a través de algún medio. El color está sometido a diversas leyes físicas y teorías psicológicas, que deben ser aprendidas para lograr resultados óptimos durante la manipulación y uso del mismo. Una buena selección de color no depende de la suerte sino del conocimiento teórico y práctico que se convierte en la verdadera intensión detrás de cada tonalidad en un diseño o composición.

Matiz o Tono

El tono es la característica única de cada color que permite distinguirlo visualmente de los demás. Los tonos o colores están formados por luz de diferentes longitudes de onda.

La reproducción del color se obtiene mediante la combinación de los tres colores de la tricromía: cian, magenta y amarillo, normalmente en incrementos del 10%. A partir de estos tres colores pueden obtenerse 1,330 matices, y muchos más (casi 15,000) incorporando el negro.

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Brillantez, valor o brillo (value)

El valor corresponde a la luminosidad u oscuridad del color. El valor se modifica añadiendo diferentes proporciones de blanco o negro al color. Los colores mezclados con blanco se denominan matices, mientras que los mezclados con negro se denominan sombras. El valor no debe confundirse con la saturación, ya que ambos son independientes.Es la cualidad claro-oscuro (más cantidad de blanco o negro) dentro de los colores primarios. Es la cantidad de luz emitida por una fuente lumínica o reflejada por una superficie. Esta propiedad es importante, pues crea sensaciones espaciales por medio del color.

Intensidad o saturación (croma)

En su máxima saturación, el color no contiene gris: se describe como vivo, brillante, rico e intenso. A medida que desciende la saturación, los colores contienen una cantidad cada vez mayor de gris, lo que produce tonalidades más tenues y apagadas.

Es una cualidad de pureza del color. Mientras más colores conformen la mezcla menos intenso es. Es la cantidad de color que tiene un elemento, cuanto más saturado, más vivo, cuanto menos saturado, más pastel.

Posición y proporción

La posición (lugar que ocupa dentro del plano compositivo) y la proporción (relación cuantitativa) del color dentro de la forma, otorgan el valor agregado de la composición.

La saturación o croma es la pureza del color. Los niveles de saturación describen la tendencia del color a acercarse o a alejarse del gris.

concepto


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1) Matiz, 2) Porcentajes de blanco en el magenta, cian y amarillo 3) De derecha a izquierda, mínima y máxima saturación, 4) Posición y proporción

Equilibrio claro-oscuro

Es el equilibrio proporcional de la brillantez dentro de la composición, teniendo en cuenta la percepción por intuición sobre el razonamiento por deducción. Para llegar a un equilibrio, la cantidad de claros debe superponerse a la cantidad de oscuros, por ejemplo, si se hace una mezcla de pintura blanca y negra para llegar a un gris intermedio, el porcentaje de blanco es mucho mayor.

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Misma cantidad de claro y obscuro

Peso Visual

Cantidad de negro (oscuro negativo) dentro de una composición.

Peso visual del color negro

Transparencia

Se visualiza el efecto de transparencia por la aparente mezcla de tonos entre los campos yuxtapuestos entre ellos.

Transparencia

El círculo cromático es una clasificación de los colores, ofrece una referencia rápida para los tonos primarios, secundarios y terciarios.

concepto


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Círculo cromático

Los colores pueden describirse como cálidos o fríos, lo que permite crear un estado de ánimo concreto.

Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz. También sirve para explicar la relación entre colores y es una parte fundamental de la teoría del color.

Los colores más comunes de encontrar en un círculo cromático son seis: • amarillo• naranja• rojo• violeta• azul • verde

Aunque para las artes gráficas en el formato digital los colores sean: • amarillo• rojo • magenta• azul• cian• verde

La mezcla de estos colores puede ser representada en un círculo de 12 colores, haciendo una mezcla de un color con el siguiente y así sucesivamente se puede crear un círculo cromático con millones de colores.

Los colores opuestos en el círculo cromático son aquellos que se encuentran uno frente al otro.el amarillo es el color opuesto al azul el magenta es el color opuesto al verde el cian es el color opuesto al rojo

Y así sucesivamente con todos los colores, como podría ser el azul-verde

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(verde mar) o el naranja-rojo (naranja rojizo).

El tono representa la cantidad de luz en un color. Esto es blanco o negro según sea el caso. Cuanto mayor es el tono, mayor es la cantidad de luz en un color, es decir, más color blanco posee. El blanco y el negro podrían considerarse opuestos, pero nunca colores y por lo tanto, no aparecen en un círculo cromático, el blanco es la presencia de todos los colores y el negro es su ausencia total.

Sin embargo, el negro y el blanco al combinarse forman el gris el cual también se marca en escalas. Esto forma un círculo propio llamado “círculo cromático en escala a grises” o “círculo de grises”.

El color también es afectado por la intensidad y la saturación. Esto es la palidez o la viveza del mismo.

Esta triada de colores no es la generadora de la infinitud de todos los colores posibles de ser percibidos por el ojo o factibles de usarse en las artes gráficas, ya que permite una finita cantidad de subdivisiones. De esta triada por, ejemplo, no pueden obtenerse los colores llamados “pasteles” que son los que tienen agregado de blanco en diferentes proporciones.

Representación circular del espectro cromático, mejor conocido como “círculo cromático”

Sistemas de analogía (similitud)

Utilización de matices similares. Colores adyacentes dentro del círculo cromático, o matizados en gradación de grises. Son los dos colores situados a ambos lados del color principal seleccionado, es decir, que esencialmente consisten en cualquier segmento de tres colores consecutivos. Las combinaciones basadas en colores análogos


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proporcionan una mezcla armoniosa y natural.

Contraste análogo

Complementarios

Son los que se hallan frente a frente en el círculo cromático. Los complementarios proporcionan un fuerte contraste, por lo que su uso genera un diseño más vivo.

magenta – verdecian– naranjaamarillo – violetamagenta/naranja – azul/verdemagenta/violeta – amarillo/verdecian/violeta – amarillo/naranjacian/verde – magenta/naranjaamarillo/naranja – azul/violetaamarillo/verde – magenta/violeta

Contraste complementario

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Triada natural y disminuida

Una triada consiste en tres colores, cualesquiera, equidistantes en el círculo cromático. Puesto que los tres colores contrastan entre sí, las combinaciones basadas en triadas transmiten tensión al observador. Los colores primarios y secundarios son triadas.

La triada natural se hace a través de tres colores uniformemente distribuidos en los tercios del círculo cromático (a través de 120 grados). Los esquemas de triada son vibrantes, llenos de energía y tienen espacio para hacer contrastes, acentuar y para equilibrar los colores cálidos y fríos.

Triada natural

La triada disminuida a su vez, conserva un color base en contraste con dos colores opuestos análogos entre ellos.

Triada disminuida


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Resumen

En esta guía revisaste las variables básicas del color, el círculo cromático y su utilidad para hacer las combinaciones necesarias dentro de una composición visual, la importancia de variar y mezclar colores para transmitir una sensación al público meta, para ello se tocaron los siguientes temas:

• variables básicas del color• matiz o tono• brillantez, valor o brillo (Value)• intensidad o saturación (Croma)• posición y proporción• equilibrio claro-oscuro• peso visual• transparencia• círculo cromático• sistemas de analogía (similitud)• complementarios• riada natural y disminuida


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color:PsicologÍA del color

Los colores afectan al ser humano en su psicología y producen determinadas sensaciones, que se convierten en interpretaciones subjetivas y personales de lo que un determinado color significa. Sin embargo, se ha determinado que el color afecta directamente al cuerpo humano una vez que es percibido, siendo capaz de alterar funciones básicas como el pulso o la presión arterial.

Conocer la psicología del color, permite tomar decisiones correctas para que cualquier diseño que se realice, sea funcional aún a niveles psíquicos y consiga comunicar ideas básicas y primitivas que han sido ligadas física, mental y culturalmente al ser humano.

Antecedentes

El color es una percepción visual que se genera en el cerebro al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotoreceptores de la retina del ojo y que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de ondas que captan de la parte visible del espectro electromagnético.

Es un fenómeno físico-químico asociado a las innumerables combinaciones de la luz, relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético, que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión, como una sensación que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión.

La teoría del color es conocimiento básico y esencial, que ayuda a comunicar una idea o mensajes a través de algún medio. El color esta sometido a diversas leyes físicas y teorías psicológicas, que deben ser aprendidas para lograr resultados óptimos durante la manipulación y uso del mismo. Una buena selección de color no depende de la suerte sino del conocimiento teórico y práctico que se convierte en la verdadera intención detrás de cada tonalidad en un diseño o composición.


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Colores Cálidos y Fríos

Los colores cálidos dan sensación de actividad, alegría, dinamismo, confianza y de amistad. Estos colores son el amarillo, el rojo, el naranja y la púrpura en menor medida.

Los colores fríos dan sensación de tranquilidad, seriedad y distanciamiento. Colores de este tipo son el azul, el verde, el azul verdoso, el violeta, cian, aqua, y a veces el celeste. Un color azul acuoso es perfecto para representar superficies metálicas. Verdes oscuros saturados expresan profundidad.

Colores Claros o Luminosos y Oscuros

Los colores claros inspiran limpieza, juventud, jovialidad, como ocurre con amarillos, verdes y naranjas, mientras que los oscuros inspiran seriedad, madurez, calma, como es el caso de los tonos rojos, azules y negros.

1) Contrastes de colores cálidos y fríos, 2) Contrastes de colores claros y oscuros

Colores Apagados o Sucios y los Colores Pastel

Obtenidos cuando se aumenta o disminuye la luminosidad de todo el círculo cromático. Los colores apagados expresan oscuridad, muerte, seriedad, mientras que los pastel sugieren luz, frescura y naturalidad.

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Contrastes de colores apagados y pastel.

El simbolismo del Color

Los colores poseen una abundancia de significados simbólicos derivados de las connotaciones culturales y sociales. Por ello, personas de países y valores culturales diferentes no reaccionan del mismo modo ante un mismo color, no le dan el mismo sentido.

La selección de colores, por tanto, debe tener en cuenta las normas y connotaciones culturales del público al que va dirigido el diseño del producto, especialmente si su difusión es internacional.

Reacciones Emocionales

El color es un elemento de diseño fundamental por su capacidad de provocar reacciones emocionales en el observador. Por consiguiente, los colores suelen describirse con términos emotivos como “frío”, “cálido”, “relajante” o “excitante”, ya que la mayoría de los colores se asocian con adjetivos concretos. Por ejemplo, el rojo es por lo general un color cálido o excitante, mientras que el azul es frío y reservado.

Cada grupo social da diferentes connotaciones al color y responde ante él de formas diversas. Cuando el productor pretende provocar una respuesta concreta, debe tener en cuenta que las reacciones emocionales y las asociaciones instantáneas suelen ser específica de cada grupo cultural.


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Rojo

Cálido: Peligro, tragedia, fuego, excitación.

El rojo es el color de los coches deportivos rápidos, la ira, la fruta veraniega, el peligro y la sangre. Los estudios indican que la visión del rojo provoca la secreción de adrenalina, una sustancia química que acelera la respiración, el pulso y la presión sanguínea. El rojo es un color excitante, dinámico y energético. Es apasionado, provocativo y seductor; y estimula diversos apetitos.

Cuando se intensifica hacia el borgoña, el rojo es mas autoritario, refinado y elegante. Cuando se diluye y suaviza hacia el rosa es juvenil, delicado y tierno.

El rojo es muy eficaz para dirigir la atención del observador hacia determinados aspectos de un diseño, pero por su fuerza, fatiga la vista y su inclusión puede ser difícil. El uso del rojo para zonas de texto sobre fondo blanco fatiga la vista, ya que no es un color calmante. En algunos lugares el texto rojo se considera de mala educación.

Despachador de gasolina en las calles

El rojo del despachador advierte peligro, que se debe utilizar con precaución, además de ponerle un fondo amarillo que contrasta muy bien con el rojo para que no pase inadvertido por los transeúntes, siendo el color amarillo muy utilizado para advertir el peligro.

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Rosa

Cálido: calma, debilidad, tranquilidad.

El rosa es un color cálido, excitante, divertido y femenino. Es un color fuertemente asociado al amor y al romanticismo; y también a la buena salud. Al aumentar su contenido de rojo, el rosa se vuelve más vivo y juvenil, mientras que a menor cantidad de rojo se vuelve más delicado y maduro.

Los tonos rosa son básicos en la industria de la moda y la cosmética por representar la feminidad.

Productos de belleza

Productos de las farmacias “Granada” de Río de Janeiro manejan la imagen de sus productos en rosa, los cuales están dirigidos a público femenino de entre 30 y 50 años.

Naranja

Cálido: exótico, tropical, fruta, bronceado de piel.

El naranja se considera uno de los colores más cálidos. Es extrovertido, festivo y llamativo, y atrae especialmente a adolescentes y niños. Su vitalidad y vistosidad contienen la pasión del rojo, pero calmada por el carácter alegre del amarillo, por lo que generalmente el naranja transmite una sensación de calidez.


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Se ha comprobado que el naranja estimula las emociones y el apetito, por lo que se usa con frecuencia en envases de alimentos y señalizaciones. La calidez que transmite evoca el cambio de las estaciones y la proximidad del verano, y también la buena salud, por la asociación con el fruto cítrico del mismo nombre. Algunos matices del naranja son agradables y balsámicos y suelen utilizarse en los envases de alimentos para connotar que lo que contienen es delicioso.

• combinado con negro y sepias. Nostalgia• combinado con blanco y azul. Salud y vitalidad

Granadas y naranjas

Amarillo

Cálido: energía, vitalidad, peligro, señas de tránsito vial.

El amarillo es un color vivo y alegre, que recuerda las estaciones cálidas y evoca imágenes que van desde el brillo intenso del sol y las flores en primavera hasta los tonos dorados de las hojas de otoño. Es un color versátil que permite representar muchos estados emocionales.

Los amarillos vivos suelen asociarse a la vitalidad y la alegría, mientras que los amarillos verdosos tienen una mayor connotación de malestar, náusea y enfermedad. Del mismo modo, los amarillos pálidos pueden evocar la frescura de los cítricos, pero también pueden connotar cobardía, según el contexto en que se usen.

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La combinación del amarillo y el negro es la que mayor contraste presenta y no es por casualidad que ambos colores suelan encontrarse en la naturaleza como advertencia, por ejemplo en las abejas y avispas. El hombre ha imitado este sistema de codificación cromática y emplea la combinación en varias señales que advierten de posibles peligros y obstáculos.

Precaución suelo mojado

Marrón

Cálido: vida sana y honestidad. Tierra, otoño, campo. Sugiere edad, cosas viejas, madera, ladrillo.

El marrón es un color neutro y sin pretensiones que se asocia a la naturaleza por ser el color de materiales orgánicos como la madera y la piedra. Es sólido y fiable, y transmite una sensación de calidez y bondad natural; su atractivo saludable puede evocar el pan moreno recién horneado todavía caliente.

El marrón se emplea para representar la simplicidad natural, la vida del aire libre o la seguridad del hogar. Aunque puede considerarse un color positivo, también puede asociarse a elementos negativos como el polvo y la suciedad.


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Restos de Otoño

Azul

Frío: Serenidad, pureza, productos de limpieza. Cualidades abstractas: integridad, estabilidad, respetabilidad, formalidad y fuerza, firmeza, masculina y confianza.

El azul alude a los misterios y al poder de la naturaleza, al ser el color del mar y el cielo. Tiene connotaciones de constancia, vitalidad y fuente de vida por su asociación con el agua, y su efecto es relajante y calmante. El azul es considerado universalmente fresco y purificador.

Los azules oscuros, como el marino, se consideran conservadores y uniformes, por lo que suelen emplearse en imágenes corporativas. transmiten estabilidad, seguridad y fiabilidad. Los azules pálidos sugieren más juventud y serenidad, mientras que los verdosos se asocian a la espiritualidad y el misticismo.

El cofre desde la ventana

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Verde

Frío: Natural por excelencia.

El verde es un color que encarna el bienestar, la naturaleza y el medio ambiente, evocando los campos verdes y los bosques. Es el color de la primavera, por lo que representa la salud, la vida y los nuevos comienzos. Por estas connotaciones naturales, el verde es un color que da equilibrio, armonía y estabilidad.

A los grupos preocupados por las cuestiones medioambientales se les suele denominar “verdes”. Del mismo modo las connotaciones naturales del color hacen que el verde se emplee en los envases de diversos productos para denotar su frescura, o su carácter respetuoso con el medio ambiente.El verde también puede emplearse para sugerir connotaciones negativas y según el contexto, puede representar celos, envidia e inexperiencia.• Combinado con amarillo y negro: enfermedad• Combinado con terciarios cafés: Natural, madera

Bailarina

Esta tarjeta tiene tonos terciarios cafés y el verde lo cuál sugiere un invitación para un evento de ballet en temporada otoñal.


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Púrpura

Frío: prestigio, costoso, elegancia, religión.

El púrpura es un color regio, que combina la calidez del rojo con la frescura del azul. Es un color autoritario que denota realeza, espiritualidad, nobleza y ceremonia. Sus connotaciones positivas suelen ser la sabiduría y la iluminación, pero en un contexto negativo puede sugerir crueldad y arrogancia.

El púrpura suele asociarse a quienes buscan la plenitud espiritual. Es un buen color para meditar, ya que se dice que serena la mente y tiene una influencia calmante. Se considera uno de los colores preferidos de los niños. Por lo que puede ayudar al desarrollo de su imaginación.

Foto tomada en uno de los festejos de la cumbre Tajín, lugar de zona arqueológica precolombina cerca de la ciudad de Papantla, Veracruz. Zona donde las personas se cargan de energía al inicio de la primavera. El morado es muy usado en las luces festivas del Tajín.

Tonos Neutros

Los tonos neutros son discretos, clásicos y atemporales, porque se caracterizan por la ausencia de color. Los colores neutros son fiables y flexibles, y pueden emplearse para complementar o suavizar una amplia gama de otros colores más fuertes o agresivos. Como los neutros son dóciles, raramente provocan reacciones fuertes, ofenden o repelen al observador, por lo que son muy usados en mensajes audiovisuales.En el mensaje audiovisual, un abuso de los colores neutros puede inhibir la comunicación deseada, especialmente si no hay ningún elemento lo bastante fuerte para destacar. De todos modos, los neutros ofrecen un buen contrapunto a las combinaciones de colores más fuertes.

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Blanco

Limpieza, pureza e inocencia.

En occidente, el blanco denota la bondad, pureza, limpieza, sencillez y el espacio, por lo que a menudo se asocia a los hospitales, la medicina, las bodas, y las novias, y lo divino y celestial. En cambio, en Oriente, el blanco es el color del luto y por lo tanto, se asocia a los funerales y a la muerte.

El blanco es neutro y ofrece un buen contraste con varios colores fuertes como el negro, naranja y el azul. Existen varios matices de blanco, como el blanco melocotón, que es más cordial; el blanco lechoso, que es más apagado; o el blanco azulado, que se percibe como más frío.

El espacio en blanco es un elemento clave en la composición, ya que ayuda al ojo a desplazarse por los diferentes elementos. Dejar mucho espacio también puede proporcionar exclusividad o dramatismo en un mensaje visual.

El palacio de gobierno de San Cristóbal de las Casas, Chiapas; es un sobrio edificio de severo estilo neoclásico, construido en la última parte del siglo XIX por el arquitecto Carlos Z. Flores.

Negro

Muy sofisticado. Igualmente seducción, misterio, fuerza, mal.

El negro es sencillamente la negación del color. En Europa y Norteamérica, el negro ha sido tradicionalmente el color más asociado a la muerte y el luto. Es conservador y serio, pero al mismo tiempo es sexy, sofisticado y elegante. El esmoquin negro es la indumentaria elegante por excelencia, y los dignatarios importantes suelen desplazarse casi siempre en limusinas negras.El negro sugiere opulencia y exclusividad más que cualquier otro color, por lo que se asocia a una gama de artículos de lujo y se emplea profusamente en su promoción. La gravedad del negro suele asociarse también al peso y la solidez, ya que es un color con una presencia imponente y poderosa.


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En el sector automovilístico, tiene la ventaja de que los colores negros se perciben como más sólidos y, por tanto, más seguros. En cambio, las compañías aéreas no pintan de negro sus aviones porque la gente consideraría que son demasiado pesados para volar.

La combinación del negro con el blanco o amarillo es la que más contraste presenta, por lo que es una de las más poderosas. El negro funciona bien con casi todos los colores, a excepción de los que son muy pesados.

Resumen

En esta guía se aprendió la influencia que tienen los colores en la percepción de las personas, dependiendo de su cultura y ambiente social, las sensaciones que causan y la forma en que las personas reaccionan ante ellos y el análisis de los colores más representativos, fueron mediante los siguientes temas: colores cálidos y fríoscolores cálidos o claros y oscuroscolores apagados o sucios y los colores pastelel simbolismo del colorreacciones emocionalesrojorosanaranjaamarillo marrónazulverdepúrpuratonos neutrosblanconegro


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Capítulo 2

Fotografía


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iluminAción: interior y exterior

Recomendaciones iniciales

Para planificar la iluminación primero se debe decidir qué tipo de luz se quiere: contrastada, plana, saturada, obscura, entre otras. Es decir, lo primero que se debe decidir es cómo se va a ver el producto.

Debes visitar la locación llevando el guión gráfico para poder planear la iluminación.

Equipo necesario

• Luces • Contactos y conexiones• Poliestireno, poroflex o alguna superficie reflejante• Cinta gaffer o de aislar

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Antes de iniciar

Para iluminar se debe saber dónde se va a colocar la cámara y los movimientos que van a realizar los actores frente a ella. La iluminación requiere de una planeación que empieza por conocer la locación. Después se deben tener listas las lámparas que se necesitan con la cantidad de luz necesaria para iluminar el lugar.

concepto Locación, es el lugar donde se llevará a cabo la grabación. Por ejemplo: una habitación, cocina, calle, salón de baile, entre otros lugares..

concepto Cinta gaffer, es una cinta adhesiva utilizada en instalaciones eléctricas por su resistencia a las temperaturas altas, puede ser gris o negra.


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Antes de iluminar

Es importante tomar en cuenta cómo se va a llevar la corriente eléctrica hasta las lámparas. Revisar si existen contactos cerca de la zona de grabación, extensiones, cantidad y tamaño.

Iluminación interior

Considera aplicar maquillaje en las personas que serán iluminadas porque con las luces pueden brillar algunas zonas del rostro. Se puede utilizar cualquier maquillaje que remueva el brillo.

recuerda La grabación va de lo general a lo particular, es decir, primero son las to-mas abiertas y al final las cerradas, por lo tanto se debe iluminar primero las tomas abiertas.

recuerda Llevar soportes para colocar las luces. Los soportes pueden ser desde tripiés hasta sillas.

Maquillaje

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Triángulo básico de Iluminación

Toma iluminada con el triángulo básico de iluminación

El triángulo básico de iluminación se compone de una luz principal, una luz de relleno y una luz para la espalda. Recuerda que todas las luces producen sombras y éstas también forman parte de la iluminación. Si la luz se coloca cerca del techo provocará sombras inclinadas hacia abajo en el personaje, si la luz se coloca a la altura del personaje la luz puede verse plana y si la luz está cerca del piso las sombras estarán en dirección de techo.

Diagrama del triángulo básico de iluminación


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Luz principal. Es la luz más intensa y se le pone al personaje en un ángulo de tres cuartos. Dependiendo de que tan cerca o lejos esté del personaje, más fuertes o suaves serán las sombras.

Sin luz principal (izquierda) con luz principal (derecha)

Luz de relleno. Esta luz es más suave que la principal. Sirve para iluminar la otra parte de la cara que deja en sombras la luz principal. Esta luz puede ser tan fuerte o tenue como se quiera el contraste.

Sin luz de relleno (izquierda), con luz de relleno (derecha)

Luz para la espalda. Esta luz sirve para separar al sujeto del fondo. Se coloca en línea recta de la luz principal o de la secundaria con poca intensidad.

Sin luz para la espalda (izquierda) con luz para la espalda (derecha)

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Imagen sin iluminación (izquierda), imagen con el triángulo básico de iluminación (derecha)

Otras luces

Triángulo básico con luces de apoyo

Diagrama de triángulo básico con luces de apoyo

Luz para el fondo. Si se cuenta con luces adicionales también se puede iluminar el fondo. Lo ideal es que el fondo no tenga tanta luz como el sujeto, aunque esto varía dependiendo de la intención de la toma. En algunas ocasiones si no se quiere ver la cara del sujeto lo importante será iluminar el fondo y la espalda del sujeto.

Sin luz para el fondo (izquierda), con luz para el fondo


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Luz para señalar. Esta luz es totalmente enfocada en un aspecto de la toma. En algunas ocasiones se puede resaltar un objeto importante como un teléfono o una carta, aunque también se puede utilizar para resaltar algo del sujeto, por ejemplo los ojos, las manos o en este caso la computadora.

recuerda La iluminación debe estar justificada, es decir, la luz debe tener una fuente que puede ser una ventana o una lámpara.

Sin iluminación (izquierda) y completamente iluminada (derecha)

Iluminación exterior

Las grabaciones en el exterior pueden ser complicadas porque no se puede controlar la luz natural, sin embargo, se puede hacer una buena planificación y utilizar el exterior como una locación confiable. El sol siempre será la luz principal.

Iluminar con sombras. Si el día está soleado y se quiere utilizar esa luz se debe pensar dónde se deberá colocar : atrás del personaje, de frente o de lado. Si el día es soleado y no se necesita tanta luz lo que se puedes hacer es colocar sobre el sujeto y fuera de cuadro una sábana que sirva para hacer sombra y así el sujeto no tendrá tanta luz. También se puede utilizar las sombras naturales como un árbol para tapar al sujeto. Este tipo de sombras naturales crean contrastes que le dan mayor volumen a la escena.

recuerda El amanecer y el atardecer son excelentes horas para realizar grabaciones. La luz no es fuerte y tiene un tono dorado que se ve bien en la cámara.

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Sol frente al personaje. Esta posición es la más recomendable si se quiere que el sujeto esté completamente iluminado y la toma es de frente al sujeto. Sin embargo, esta luz puede ser plana y dependiendo de la inclinación del sol, las sombras puede ser duras. Por otro lado se puede poner el personaje con el sol de frente y que la toma sea lateral para que el frente del personaje esté iluminado y lo demás no, esto genera buenos contrastes.

Sol detrás del personaje. Este tipo de iluminación se utiliza cuando se quiere realizar una toma en contraluz o cuando no se necesita al personaje tan iluminado. En algunas ocasiones se recrea un efecto dramático cuando se observan rayos de luz (gusanos) a través del lente.

Sol a lado del personaje. Esta iluminación sirve para generar contrastes en los personajes. Dependiendo de la posición del sol y el personaje, los contrastes pueden ser suaves o duros y se puede obtener el nivel de luz que necesite la imagen. Si a esta iluminación se le agrega un rebote para rellenar los espacios obscuros se puede obtener un tipo de iluminación similar a la de interiores.

Sol delante, atrás y del lado

Rebote

El rebote puede ser utilizado en la iluminación de interiores y exteriores. Se recomienda utilizar una superficie blanca reflejante. En este caso sugerimos comprar un poliestireno o unicel, aunque también puedes utilizar los protectores solares para carros, cartulina u otro objeto que refleje suavemente la luz solar.


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Los rebotes sirven para rellenar con luz algunas superficies sin que éstas se vean demasiado iluminadas. El rebote sirve para reflejar la luz principal por lo tanto, se coloca del lado contrario del que se encuentra la luz principal. En el caso de exteriores es común usar el rebote porque el sol tiene una luz intensa y al rebotarlo genera una tonalidad más suave y natural.

Resumen

En esta guía aprendiste a iluminar interiores y exteriores.

Iluminación en interior :

• triángulo básico: luz principal, luz de relleno y luz para la espalda• luces de apoyo: luz para el fondo y luz para un objeto específico

Iluminación en exterior :

• posición solar : de frente, lado y atrás• rebote: poliestireno o cualquier objeto reflejante

Este texto fue elaborado por Jaime Fraire Quiroz y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito al autor, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica.

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cámArA FotográFicA: Ajustes y Funciones básicAs

Esta guía mostrará los ajustes de cámara necesarios para mejorar las fotografías.

Antecedentes

Es importante tomar en cuenta que la visión humana difiere significativamente del proceso fotográfico. La cámara no interpreta la luz, sólo la registra. Por esta razón la fotografía no tendrá el mismo registro que el ojo humano.

Tanto cámaras análogas y digitales tienen en común partes como el diafragma, obturador, los lentes, el sistema de enfoque, y el fotómetro. La diferencia principal está en que la cámara digital prescinde de la película fotográfica utilizando en su lugar un sensor de imagen, una vez capturada la información queda almacenada en una memoria y su tratamiento y retoque es a través de las computadoras u ordenadores.

Una de las ventajas más notables de la fotografía digital es que no se requiere esperar el revelado para poder ver el resultado, y es posible ver las imágenes en la pantalla de LCD casi de inmediato.

La imagen depende de las cualidades del fotógrafo para expresar lo que quiere transmitir, te recomendamos practicar con las funciones de tu cámara para mejorar la calidad de tus fotografías.

recuerda


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Display de la canon G11


• Saber la intención de la fotografía ayudará a planear las características que debe tener. Por ejemplo demostrar algo, contar una historia, provocar algún sentimiento, entre otros• Saber en qué medio final se van a usar las fotografías, ya que de eso depende la resolución inicial que definas en la cámara• Hacer pruebas con la cámara y cargar las baterías antes de la sesión• Una buena fotografía se realiza desde la captura, no en la computadora

Equipo necesario

• Cámara fotográfica digital• Tarjeta de memoria• Baterías• Tripié• Cable o lector de tarjeta de memoria (para descargar las fotos)

Tipos de cámaras fotográficas digitales

Dentro de las cámaras fotográficas se van a encontrar una gran variedad de modelos, pero pueden clasificarse en tres grupos.

• Compactas: son las más comunes y económicas en el mercado. Destacan por su facilidad de uso y su tamaño pequeño

• Compactas avanzadas: cuentan con funciones más avanzadas que las compactas, así como una mayor longitud focal, que permite controlar mejor la profundidad de campo

• Reflex digital: (también conocidas como SLR) son las cámaras conocidas

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como profesionales o semiprofesionales. Tienen la posibilidad de cambiar de lente (óptica), según la necesidad del fotógrafo

Cámara compacta, compacta avanzada y reflex

Resolución

Casi todas las cámaras cuentan con la opción de cambiar la calidad de la imagen, es decir la cantidad de megapíxeles.Para ajustar la resolución de tus fotografías:

1. Encuentra el menú de funciones de la cámara

Botón del menú de funciones

2. Encuentra la opción para seleccionar distintas calidades de archivo.

Megapíxeles: es el número de millones de píxeles que el sensor de una cámara digital es capaz de capturar al tomar una fotografía.

concepto

Menos píxeles: menor resolución, menos detalle y archivo menos pesado. recuerda

Más píxeles: mayor resolución, mayor detalle y archivo más pesado.recuerda


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6. guardarMuchas veces están con siglas en inglés (L=grande, M=mediano, S=chica y W=formato ancho)

Menú para seleccionar el tamaño de la fotografía

3. Selecciona el tipo de archivo necesario, según el formato final que va a tener, en este caso es de 1600 x 1200 píxeles.

Si las imágenes van a ser impresas (a más de 10 x 15 cm) es recomendable programar una calidad media o alta en la cámara (2 Megapíxeles mínimo)Si las imágenes van a usarse para medios digitales (como internet), puedes usar opciones de calidad baja.

Sin embargo, la calidad de la imagen no sólo depende de la cantidad de megapíxeles, también de la calidad del sensor y la óptica que tenga la cámara. (Por eso, aunque un celular tenga 3 o más megapíxeles, las fotografías no necesariamente tienen mejor calidad que la de una cámara fotográfica similar).

Funciones

A pesar de que existen muchos tipos y marcas de cámaras digitales, en general muchas tienen los modos de toma que mencionaremos a continuación. Elegir la función correcta te ayudará a mejorar la calidad

También tienes que tomar en cuenta el tamaño de tu tarjeta de memoria para saber cuántas fotos y de qué calidad puedes tomar en una sola sesión.

recuerda

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e intensión deseada en tus imágenes. Casi todas las cámaras tienen las distintas funciones en la parte superior y se elige girando la perilla.

Selector de modo de operación (dial o o anillo)

AUTOMÁTICO

La cámara elige todos los parámetros. En la imagen anterior esta función es señalada con una cámara y una letra A de color verde.

RETRATOAyuda a desenfocar el fondo, sirve bien con un sólo sujeto y a una distancia cercana.

MACROPermite hacer fotografías de objetos cercanos, Para tomar cosas pequeñasse recomienda poner la cámara lo más paralela (al objeto) posible.

PAISAJEAyuda a tener la mayor profundidad de campo posible, escenas con muchos puntos de interés, velocidad baja (considerar tener tripié).

DEPORTES (o modo acción)Congela objetos en movimiento, sirve también cuando el fotógrafo está en movimiento.

NOCTURNOPara situaciones de poca luz menor velocidad (usar tripié).

SIN FLASH


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La cámara elige los parámetros, pero sin el uso de flash.Útil para museos, zoológicos, etc. donde es recomendable no usar flash.

1) Retrato; 2) Macro; 3) Paisaje; 4) Opción deporte; 5) Opción nocturno; 6) Sin flash

Algunas cámaras cuentan con funciones semi-automáticas o manuales que puedes consultar en la Guía de ajustes manuales de cámara.

Flash

La mayoría de cámaras digitales cuentan con un flash integrado. La función del flash es agregar luz a nuestra escena cuando haga falta. Principalmente se utiliza de noche. El flash ilumina sólo lo que se encuentra delante de él por eso separa a los personajes del fondo y se recomienda utilizarlo sólo cuando es necesario. Para desactivar la función de flash se debe:

1. Buscar el botón del menú de flash.

Botón para entrar al menú del flash

2. Seleccionar la opción de desactivar flash.

Dependiendo del modelo de la cámara se podrá elegir entre diferentes modos del flash. Puedes experimentar con distintas condiciones de luz y

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distintos parámetros del flash hasta que obtengas el resultado que buscas.

Estas son algunas de las circunstancias en las cuales puedes necesitar el flash:• cuando no hay suficiente luz• en exterior, cuando la luz se encuentra detrás del sujeto• cuando desees iluminar una cierta parte del sujeto mientras el resto permanece a la sombra debido al efecto de contraluz• cuando te quieras asegurar que el objeto en el primer plano está lo más iluminado posible• normalmente el flash tiene un alcance de 3 metros, por lo que es recomendable estar a una distancia de 3 metros o menos de nuestro objetivo

Uso del tripié

El tripié sirve para que la cámara no se mueva al momento de tomar la fotografía. Sirve para capturar escenas con poca luz haciendo más grande el tiempo de exposición, o para dejar fijo un cuadro, entre otras cosas.

Enfoque

El enfoque se refiere a la nitidez de la imagen. Lo ideal es que el objetivo esté enfocado, es decir, que se vea perfectamente detallado. La mayoría de las cámaras digitales (compactas) tienen el enfoque automático, que se ajusta al presionar la mitad del botón de disparo y que te indican (con alguna luz o sonido) que el objetivo está enfocado correctamente.Para que la cámara pueda enfocar correctamente es necesario contar con buena luz.

Si no se cuenta con un tripié se puede utilizar cualquier superficie fija que ayude a estabilizar la imagen.

recuerda


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Escena en movimiento

Resumen

En esta guía se revisaron los ajustes básicos de una cámara fotográfica digital.• resolución (el tamaño) de la foto• funciones• flash• uso de tripié

Este texto fue elaborado por Gabriela García Esqueda y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito al autor, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica

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comPosición de imAgenEsta guía mostrará una serie de conceptos y recomendaciones para mejorar la composición de imágenes. La información aquí mostrada será de útilidad para la composición de imágenes fijas y en movimiento.

Antecedentes

Se le llama composición fotográfica a la forma en que se acomodan los objetos dentro de las imágenes capturadas. La distribución de los objetos de una fotografía ayuda a reforzar el objetivo al resaltar los aspectos relevantes y restar importancia a los elementos complementarios. Una buena composición ayuda a mejorar la intención de la imagen y su aspecto estético.


• Saber la intención de la fotografía ayudará a planear las características que se deben tener. Por ejemplo: demostrar algo, contar una historia, provocar algún sentimiento, entre otros.• Identifica al sujeto o sujetos principales en la escena.

Desarrollo

Cada fotografía tiene un objetivo, que es la razón por la se decide captarla, para generar una composición adecuada se deben considerar los siguientes aspectos:

• Encuadre• Ángulo• Reglas de composición:• Ley de tercios• Equilibrio• Dirección


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Encuadre

El encuadre es la porción de la escena que se decide captar, al hacerlo se decide que se incluye y que no. El encuadre permite resaltar uno o varios objetos, un momento o una situación.

El encuadre horizontal da la sensación de tranquilidad y equilibrio, por lo que es más utilizado en paisajes y escenas que representan quietud.

El encuadre vertical, comúnmente utilizado en retratos, produce la impresión de fuerza y grandeza

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El encuadre inclinado u holadés, es poco común y se llega a utilizar para resaltar elementos de la imagen o generar la sensación de inestabilidad.

Ángulos

Comúnmente la fotografía se toma a la altura de los ojos. El fotógrafo está parado y apunta el lente hacia donde está el objeto que busca retratar. Sin embargo, también se puede cambiar el ángulo de la cámara para generar composiciones diferentes que ayuden a comunicar una idea específica.

Ángulo cenital: Son tomas realizadas arriba del sujeto/objeto en un ángulo de 90º en relación al piso. Estas tomas sirven para situar al espectador sobre los objetos, sin embargo, puede ser una imagen plana.


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Ángulo picado: Es una toma realizada de arriba a abajo. Este tipo de imágenes le restan importancia a los objetos fotografiados porque generan la impresión de que el observador es más grande que lo que está viendo. El espectador observa las cosas como si estuviera más alto que el objeto fotografiado.

Nivel: El fotógrafo se ubica al nivel del objetivo principal y la cámara se encuentra paralela al piso. En el caso de los retratos, se tomar a la altura de la cintura.

Contra picado: Esta toma es realizada de abajo hacia arriba. Le otorga al objeto fotografiado mayor importancia porque genera la impresión de que el observador es más pequeño que el objeto. El espectador observa los objetos como si fuera un niño pequeño y las cosas fueran grandes.

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Reglas de composición

Ley de los tercios.El cuadro debe dividirse en tres partes horizontales y tres partes verticales. Los puntos donde se cruzan las líneas son llamados puntos áureos. Es recomendable situar el objeto de la fotografía en alguno de estos puntos, mientras que el horizonte se puede colocar en las dos líneas horizontales. También existen las líneas dominantes y se recomienda colocar objetos en esas líneas. Considerar la ley de los tercios ayuda a mejorar notablemente la composición de la imagen siempre y cuando sepas utilizar los puntos áureos y las líneas dominantes.

Equilibrio

El tamaño, color, textura, y ubicación de los elementos en una fotografía generan un “peso” visual.

El equilibro es un principio de composición que permite reforzar la intensión de la imagen, haciéndola más estática o dinámica.

Una forma de reconocer si nuestra imagen está equilibrada consiste en trazar (imaginariamente) una línea vertical en el centro de la imagen y buscar el equilibro entre las dos partes.


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Dirección

Todos los objetos dentro de una fotografía tienen una dirección en la que se desplazan o un lugar hacia donde observan. Es importante realizar la composición considerando esta dirección natural del objeto. Para darle dirección al objeto se le debe otorgar aire en la dirección correspondiente

Resumen

En esta guía aprendiste los siguientes elementos básicos de la composición::• Encuadre: forma en que se colocan los objetos dentro de la imagen.• Ángulo: posición de la cámara al realizar la captura.• Algunas reglas de composición, como:• Ley de tercios: guía que te ayudará a mejorar la composición.• Equilibrio: Buscar el balance de los elementos de la imagen.• Dirección: el sentido en el que se desplaza o hacia donde dirigen la mirada.

Realiza pruebas con cambios en las variables y encuentra la composición perfecta para tu producto.

recuerda

Este texto fue elaborado por Jaime Fraire Quiroz y Gabriela García Esqueda y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito al autor, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica

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comPosición PArAimAgen: óPticA

Esta guía te mostrará una serie de conceptos acerca de la óptica de la cámara fotográfica que te permitirá mejorar la intensión de tus imágnenes.

Antecedentes

Las cámaras con objetivos intercambiables (reflex), tienen mayor control sobre la perpectiva, el enfoque y la profundidad de campo. Sin embargo las cámaras compactas, también tienen opciones para lograr distintas perspectivas, ya que cuentan con un zoom integrado.

Óptica

Tanto las cámaras fotográficas como las de video, en especial las de cine, están conformadas por un cuerpo y un sistema óptico. La óptica son los lentes y tienen diferentes nombres dependiendo de su distancia focal.

Los objetivos de distintas longitudes focales dan distintos ángulos de visión. Cada lente tiene sus ventajas y desventajas, el saber utilizarlos puede ayudarte a generar nuevas composiciones.

La distancia focal es la distancia que existe entre el lente y el mecanismo de captura de la imagen ya sea digital o análoga.

concepto


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Lente gran angular

Son lentes con distancia focal de entre 12 mm a 35 mm. Este tipo de lentes permiten abarcar una porción de entre 60 y 180 grados. El gran angular genera la impresión de que los objetos se encuentran a mayor distancia entre sí de lo que en realidad están. No son lentes adecuados para tomar figuras humanas ya que deforman su aspecto, sobre todo si se utilizan con demasiada proximidad. El lente gran angular proporciona una gran profundidad de campo.

Foto con lente angular

Lente normal

La distancia focal de estos lentes es de 50mm y capturan un ángulo de entre 40 y 65 grados. Producen imágenes con un aspecto habitual ya que semejan la forma de ver del ojo humano. Son muy útiles si se pretende captar imágenes sin modificar su aspecto.

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Lente telefoto

Es un lente que permite capturar imágenes a gran distancia. Su distancia focal es de 70 mm en adelante y capturan un ángulo menor de 30 grados. Su efecto en la imagen hace que los sujetos se vean mas próximos entre ellos compactando la imagen. Su profundidad de campo es reducida y también su punto de enfoque.

Una fotografía puede tener un encuadre similar, pero si es tomada con distinta óptica, el ángulo de visión y la perspectiva va a ser diferente.


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Fotografía fotmada con telefoto

Resumen

En esta guía aprendiste las características que te dan los distintos lentes de la cámara fotográfica.

Gran angular : exagera la perspectiva, distorciona el sujeto a fotografiar.Normal: tiene poca o nula distorción. Es la perspectiva más cercana a la visión “normal”.Telefoto: comprime la perspectiva

Este texto fue elaborado por Jaime Gabriela García Esqueda y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito al autor, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica

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elementos PArA el control de lA exPosición

Esta guía mostrará una serie de conceptos sobre el diafragma de la cámara y el tiempo de obturación, que te permitirá tener mayor control sobre tus fotografías.


Antes de iniciar a tomar fotografías manipulando los controles de tu cámara para obtener la exposición deseada, te recomendamos familiarizarte con tu cámara y con las opciones que tiene.

Equipo necesario

Cámara de fotos (compacta, tipo bridge, o reflex) que cuente con las opciones Manual (M), prioridad al diafragma (A) y prioridad a la velocidad

(S).

Desarrollo

Para poder controlar la apertura del diafragma y la velocidad de obturación, es necesario que tu cámara cuente con el modo manual (M), o semi manual como prioridad al diafragma (A) y prioridad a la velocidad (S).

En los modos automáticos la cámara ajusta por si sola la exposición y para el fotógrafo ocasional esto casi siempre da buenos resultados. No obstante, para el fotógrafo que quiere más control sobre los resultados se deben modificar los controles de la cámara para tener la fotografía deseada.

Hay tres elementos para controlar la exposición en una fotografía:


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apertura del diafragma, la velocidad de obturación y la sensibilidad ISO.

Apertura del Diafragma

El diafragma es un dispositivo que se encuentra en el objetivo, y que permite graduar la cantidad de luz que entra a la cámara. Las distintas aperturas del diafragma se miden por el número f y varían entre f/1.0 f/1.4 f/2 f/2.8 f/4 f/5.6 f/8 f/11 f/16 f/22 f/32 f/45 f/64 según la cámara.

El diafragma afecta directamente a la profundidad de campo, que es la zona en la cual la imagen captada por el objetivo se ve con mayor nitidez.

Mientras más abierto esté el diafragma, es decir, que mientras más pequeño sea el número f, más luz entrará y la profundidad de campo será menor.

Mientras más cerrado esté el diafragma, es decir, que mientras más grande sea el número f, menos luz entrará y la profundidad de campo será mayor.

1) Fotografía tomada f. 3.2; 2) Fotografía tomada f.8

La profundidad de campo da una sensación de espacio y ayuda al observador a dirigir la mirada hacia algún punto específico, o bien darle importancia a la escena en general.

concepto La velocidad de obturación se refiere al tiempo que permanece expuesto el sensor de la cámara para captar la fotografía.

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Velocidad de obturación

Si la exposición es rápida el opturador se abre y se cierra rápidamente por lo tanto captura imágenes estáticas. Pero si la velocidad de exposición es más prolongada, el opturador tarda más tiempo en cerrarse y la imagen tiene un efecto de barrido.

1) Fotografía tomada con 1/60; 2) Fotografía tomada con 1/15

Sensibilidad ISO

El ISO es la sensibilidad del sensor a la luz. A mayor número de ISO, mayor sensibilidad y por lo tanto la cámara requerirá menor cantidad de luz para tomar la foto.

Las cámaras digitales normalmente manejan ISO de 100 a 400, y en las cámaras profesionales podemos encontrar sensibilidad ISO de hasta 3200.

No obstante, vale la pena recordar que tomar en fotografía digital, un ISO alto, se traduce en “ruido digital”.

En el siguiente ejemplo, ambas fotos tienen una exposición similar, pero se cambió el ISO

1) Fotografía tomada con ISO 100; 2) Fotografía tomada con ISO 3200


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Resumen

En esta guía, aprendiste sobre los elementos para controlar la exposición de una fotografía.

• Apertura del diafragma• Velocidad de obturación• Sensibilidad ISO

Este texto fue elaborado por Jaime Gabriela García Esqueda y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito al autor, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica

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Capítulo 3: Mapa de Bits


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digitAlizAción de ilustrAciones

El flujo de trabajo para realizar una ilustración de mapa de bits es:

1. preproducción: planeación, boceto, paleta de colores2. producción: ilustración en papel y digitalización3. postproducción: edición de la ilustración, coloreado y generación del archivo final

Esta guía corresponde a la producción de ilustraciones en mapa de bits, aquí encontrarás información relevante para la:

1. ilustración en papel y lápiz 2. digitalización de ilustraciones hechas a mano

Antecedentes

En este contexto se entiende por digitalización al proceso de captura de imágenes impresas a un formato de computadora. La digitalización de imágenes impresas se realiza a través de un periférico conocido como escáner.

Ilustración


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Recomendaciones Iniciales

Antes de realizar la digitalización de ilustraciones realizadas en papel, es recomendable:• pedirle a un ilustrador que te apoye con esta diligencia• recopilar todas las ilustraciones por digitalizar • tener instalado un escáner • •

Equipo Necesario

Papel y lápizEscáner Computadora

Consideraciones para antes de realizar la ilus-tración

Antes de realizar la ilustración en lápiz y papel es importante: • conocer el tema y los elementos por ilustrar, y en caso de ser necesario documentarse • conocer la audiencia a la cual está dirigida la ilustración• saber cómo se distribuirán los elementos en el espacio de la hoja• definir la técnica de ilustración que se empleará

Desarrollo

Ilustración digital

Un mapa de bits, imagen rasterizada, imagen matricial o bitmap, es una estructura de datos que representa una rejilla rectangular de puntos de color, que se puede visualizar en un monitor de computadora, papel u otro dispositivo de representación (Grafico rasterizado, 2010).

concepto

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1. Ilustración a mano

Realizar buenas ilustraciones es un proceso que involucra en buena medida la destreza y habilidad del ilustrador, por lo que no se puede decir es una fórmula para realizar buenas ilustraciones – de fondo – pero sí podemos darte algunos consejos para asegurar la calidad – en forma.

• ilustrar en papel no poroso• trazar con lápiz duro (tipo H) • remarcar con un lápiz medio (HB), con tinta, lapicero o pluma de gel• evitar dañar la hoja, borrar y remarcar excesivamente

Ilustrado

Ilustraciones

Las ilustraciones deben de cumplir el triple propósito de: 1. brindar ejemplos prácticos2. motivar a la audiencia 3. enriquecer el tema


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2. Digitalización de imágenes

El escáner se utiliza para introducir imágenes de papel, libros, negativos odiapositivas.

El proceso de digitalización de imágenes mediante el escáner es el siguiente:

• prender el escáner • colocar la ilustración sobre la superficie de cristal• elegir la opción de digitalizar imagen • guardar la imagen en la extensión que cubra tus necesidades

Resumen

En esta guía aprendiste la producción de imágenes de mapa de bits:• realizar las ilustraciones a mano• digitalizar las ilustraciones utilizando un escáner

Referencias

Gráfico Rasterizado. (2010). En Wikipedia. La enciclopedia libre. Consultado el 21 de Mayo de 2010 en http://es.wikipedia.org/wiki/Mapa_de_bits

Escáner (2010). En wikipedia. La enciclopedia libre. Consultado el 24 de mayo de 2010 en http://es.wikipedia.org/wiki/Escáner

El escáner es un dispositivo de entrada óptico que explora documentos impresos y los traduce en señales eléctricas para su procesamiento, salida o almacenamiento (Escáner, 2010).

concepto

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redimensión de imágenes

A continuación se presentan instrucciones de uso de la secuencia de comandos (también referido como script) para el cambio de dimensiones de imágenes. Esta secuencia de comandos te permite dar un nuevo formato a todas las imágenes que se encuentren en una carpeta.


• Sistema Operativo Ubuntu• Python2.4 • Python-Imaging

Equipo necesario

• Computadora• Programa

Antes de utilizar el programa

Descarga las secuencias de comando dir_walker.py y thumbnailer.py y guardarlos en el escritorio o en una carpeta personal.

Uso de las secuencias de comando

Inicio 1. Abrir la terminal en la ruta: aplicaciones–accesorios– terminal

2. Teclear la secuencia de comandos. Escribir en la terminal lo que a


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continuación se enlista.

Para poder utilizar el programa es necesario cumplir con algunos requisitos previos como:

• ubica la secuencia de comandos dir_walker.py (e.g. /home/juan/dir_walker.py)• - f (antes de indicar la carpeta que contiene las imágenes)• ubicación de las fotos (e.g. /home/juan/Imagenes/prueba)• -s (para indicar que se aplicará un dimensionamiento de la imagen)• 640x480 (para indicar las nuevas dimensiones, 640x480 píxeles es una• medida estándar, pero se pueden utilizar otras dimensiones, como 320x240 o 1024x768• al terminar de escribir los comandos presiona la tecla Intro.

Si el proceso es exitoso, se procesarán todas las imágenes ubicadas en la carpeta, y se generará una carpeta con el nombre “thumbs_+ “las medidas de las nuevas imágenes“, como se muestra en el siguiente ejemplo:

la carpeta original “/home/juan/Imagenes/prueba”. Segunda carpeta de 640x480 píxeles“/home/juan/Imagenes/prueba/thumbs_640x480”

Las imágenes sobredimensionadas se ubicarán en la carpeta generada (llamada Thumbs_640x480), mientras que las originales se conservan en la carpeta original.

Resumen

En esta guía aprendiste a utilizar una secuencia de comandos en la terminal del sistema para modificar las dimensiones de un grupo de imágenes ubicadas en una carpeta. Para lograr esto seguiste los siguientes pasos:

1. abrir la terminal en la computadora2. teclear los comandos en la terminal3. revisar que la operación se haya realizado con éxito

Este texto fue elaborado por Alberto Ramírez Martinell y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito al autor, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica

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ilustrAción en gimP El flujo de trabajo para realizar una ilustración de mapa de bits es:

1. Preproducción: planeación, boceto, paleta de colores2. Producción: ilustración en papel y digitalización3. Postproducción: edición de la ilustración, coloreado y generación del archivo final Esta guía corresponde al tercer punto. Encontrarás los pasos a seguir para colorear una ilustración digitalizada y exportar un archivo final.

1. colorear ilustración2. exportar archivo final

Antecedentes

La postproducción de mapa de bits se refiere a la modificación del archivo original. Estos archivos pueden ser fotografías, imágenes realizadas en computadora o imágenes hechas a mano, escaneadas y digitalizadas. La edición de estos archivos puede ser : cambio de color, tamaño, forma, agregar nuevos elementos gráficos o textos.

Recomendaciones Iniciales

Antes de realizar el coloreado de la imagen digitalizada, es recomendable:recopilar todas las ilustraciones digitalizadas listas para colorearelegir los colores que utilizarásaccesar a un programa para la manipulación de imágenes digitales (por ejemplo GIMP)

Equipo Necesario

• Computadora • Programa manipulador de imágenes de mapa de bits (GIMP)


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Desarrollo

Coloreado digital de la imagenPara este paso se requiere del uso de un programa para la edición de mapa de bits. En la realización de esta guía se utilizará GIMP (GNU Image Manipulator Program).

• 1. Importar la ilustración digitalizada. Existen tres formas para importar una ilustración previamente digitalizada. • arrastra el archivo al área de trabajo de GIMP• coloca el puntero del ratón sobre el archivo digitalizado, pulsa el botón derecho del ratón y elige la opción de Abrir con GIMP

Abrir archivo con GIMP

Dentro del programa GIMP sigue la ruta: archivo–abrir

2. Creación de capas. Una de las características más poderosas de GIMP es el manejo de capas. Existen dos opciones para generar una nueva capa:

Sigue la ruta: capa–nueva capa

Capa Nueva

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Presiona el botón del ratón sobre el ícono de nueva capa que se encuentra en el menú derecho del entorno de trabajo

El manejo ordenado de capas facilita la sesión de coloreado digital y optimiza el resultado. El trabajo con capas permite:• el tratamiento exclusivo de los elementos • la habilitación de opciones de visibilidad de capa• la fusión de capas

Antes de empezar a colorear en la nueva capa se debe:

1. seleccionar la que se va a trabajar 2. elija el modo multiplicar para esa capa

Selección multiplicar

Nombra la nueva capa de acuerdo al segmento del dibujo que se va a colorear. Por ejemplo: fondo, árbol, cara, pelo. Sugerencia

Una capa es un recurso de diseño que le permite al usuario trabajar por separado con elementos sobrepuestos que comparten una misma área.

concepto

Para trabajar en un lugar específico, se debe acercar a ese segmento uti-lizando la herramienta de ampliación, que se encuentra dentro de la caja de herramientas en la sección izquierda del entorno de trabajo de GIMP.

concepto


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3) seleccione el pincel. El siguiente paso es elegir el pincel con el cual se va a pintar el área: • seleccione la herramienta de pincel en la caja de herramientas• elija la escala del pincel. Se puede empezar con la escala grande para hacer los primeros trazos y después hacer la escala chica para colorear los detalles• seleccione el tipo de pincel. Se recomienda usar los pinceles circle fuzzy

Pinceles

4) seleccione el color. Coloque el puntero del ratón sobre la caja de colores y presione dos veces. Seleccione el color que desee y oprima aceptar

Colores

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5) coloree. Se recomienda empezar con trazos grandes que no se salgan del área que se va a colorear, después se puede colorear los detalles con un pincel más delgado

Pincel grande

Pincel chico

6) Borra. Si se coloreo fuera del área que se quería se puede utilizar la herramienta de goma para borrar lo que se necesite

Borrar


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Resumen

En esta guía aprendiste a ilustrar digitalmente un dibujo:1. importar la ilustración digitalizada2. generar capas3. seleccionar pincel4. seleccionar color5. colorear6. borrar

Siempre que se vaya a trabajar sobre una capa se tiene que seleccionarla, en el menú derecho de GIMP, si se selecciona, se puede trabajar en la capa equivocada.

recuerda

Este texto fue elaborado por Jaime Fraire Quiroz y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito al autor, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica

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retoque FotográFico en gimP

El retoque fotográfico sirve para mejorar las imágenes que se capturan. Algunos cambios pueden generarse mediante los niveles de color, contraste, brillo o también poder eliminar elementos no deseados en nuestra captura. GIMP es el programa ideal para realizar este tipo de trabajo porque cuenta con las herramientas que facilitarán la manipulación de la imagen.

Esta guía mostrará el proceso que se debe seguir para la realización de un retoque fotográfico.

Equipo necesario

Computadora Programa GIMP

Uso del programa

Inicio1. Abrir el programa. Para ello se debe de seguir la siguiente ruta: aplicaciones - gráficos - editor de imágenes gimp.

2. Importar la imagen que se desea mejorar. Sigue la ruta: archivo-abrir. o acceder presionando la tecla Ctrl+O

El retoque fotográfico es una técnica que permite mejorar una imagen realizando modificaciones posteriores a su captura.

concepto


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Fotografía importada dentro de GIMP

3. Guardar. Es recomendable guardar el proyecto antes de iniciar la manipulación de la imagen. En la barra de menú sigue la RUTA: ARCHIVO-GUARDAR COMO, tambien puede precionar las teclas Mayús+Ctrl+S

Retoque

1. Encuadrar la imagen. Seleccionar herramienta de corte de la caja de herramientas que se encuentra al lado izquierdo de la imagen.

Herramienta de corte

Con la herramienta de corte, realizas una selección de la imagen donde se observe el reencuadre necesario. Después presionas la tecla de intro

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o enter para ejecutar la acción.2. Ajustar niveles de iluminación. Estabilizar el color de la imagen mediante brillo y contraste. Servirá para corregir problemas con imágenes claras u obscuras. Para aplicarlo sigue la siguiente ruta: colores - brillo y contraste

Saldrá una ventana como la siguiente, en donde se ajustarán los niveles del brillo y del contraste de la fotografía, una vez cambiados los niveles se pulsa el botón de aceptar.

Fotografía con niveles de iluminación cambiados

Se recomienda utilizar la herramienta de ampliación para poder ver el detalle de la imagen y tener mayor control de la misma.

3. Seleccionar herramienta de clonado. Esta herramienta se utiliza para difuminar imperfecciones o borrar por completo elemento no deseados en la fotografía.

Antes de empezar a manipular la imagen, es necesario cambiar los valores de la herramienta, estableciendo: opacidad a 50, pincel a circle fuzzy (17) y la escala dependerá del tamaño de la imagen.

El clonador sirve para copiar selectivamente a partir de una imagen o diseño.

recuerda


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1) herramienta de clonado; 2) Cambio en las preferencias de la herramienta para clonar

4. Selección del área de referencia. Una vez seleccionada la herramienta de clonado, mientras se sostiene la tecla Control (Ctrl), se pulsa con el botón izquierdo del ratón en el área de referencia. Este segmento seleccionado será la referencia para quitar los elementos que se necesitan eliminar.

5. Retocar. Empieza pulsando con el ratón suavemente sobre el área que se pretende retocar. Se recomienda elegir una zona cerca de la imperfección y hacerlo de forma unidireccional.

Fotografía sin retoque y con retoque

6. Guardar cambios. Una vez que se ha terminado de realizar el retoque en la fotografía, se guardan los cambios realizados en formato JPG.

Resumen

En esta guía se aprendió a realizar retoque de imagen, para este proceso se siguieron siguientes pasos:

1. abrir GIMP2. importar la imagen3. reencuadrar la imagen4. ajustar brillo y contraste5. utilizar la herramienta de clonado

Se recomienda elegir una zona donde el color de referencia sea similar al color que se quiere reemplazar, o esté muy cercano al área. Es importante respetar brillos y sombras.

Sugeren-

Este texto fue elaborado por Sarai Dayana Mayo Castelán y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito al autor, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica

145

Filtros básicos PArA retoque FotográFico en gimP

Los filtros en su mayoría de veces son utilizados para hacer correcciones en los colores de las imágenes o fotografías. La función principal de los filtros dentro de los editores de fotografía, es el de aplicar efectos directamente sobre toda la fotografía y no sobre partes especificas.

La utilización de estos filtros están presentes en la mayoría de los programas de manipulación de imágenes, aunque puede variar su funcionamiento y la calidad del trabajo, dependiendo del programa que se esté manejando. Existen una gran variedad de filtros, pero en esta guía solo se presentaran los básicos: • brillo y contraste• ajuste de curvas de color• tono, Saturación y luminosidad• balance de color• niveles de color• colorización • umbral


Tener la imagen que se quiere manipular.

Equipo necesario

Computadora Programa GIMP

Uso del programa

1. Abrir el programa. Sigue la siguiente ruta: Aplicaciones- Gráficos -Editor de imágenes GIMP


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2. Importar la imagen que se va a manipular. Sigue la ruta: archivo-abrir o presionar las teclas Ctrol+O

Imagen importada

3. Guardar sesión. Es recomendable guardar el proyecto antes de iniciar la manipulación de la imagen. Sigue la ruta: archivo-guardar como.... o presionar las teclas Mayús+Ctrol+S

Filtros Brillo y contraste

Este filtro permite corregir irregularidades en imágenes claras u obscuras, por ejemplo cuando se toma una fotografía opaca y denota así poca vida así. Sin embargo, con este filtro se pueden realzar los colores de las imágenes y fotografías mediante el contraste. Este filtro es ideal para solventar problemas de iluminación. Para aplicar este filtro sigue la siguiente ruta: colores-brillo y contrasteDespués de haber seleccionado esta opción, aparecerá una pantalla como la siguiente, en la cuál se deberán modificar los valores del brillo a -63 y contraste de 23. Cabe aclarar que estos valores son solo un ejemplo, ya que cada usuario los puede modificar de acuerdo a sus necesidades, tanto personales como de la fotografía o imagen.

147

Pantalla de brillo y contraste

Después de la aplicación de estos valores, verán cambios notorios en su iamgen.

Ajuste de curvas de colores

El filtro de ajuste de curvas de colores resulta ser muy útil al momento de resolver los problemas de color en las fotografías o imágenes. Por ejemplo, en la mayoría de las imágenes tomadas en el interior de una locación, donde hay luz incandescente tienden a ser amarillentas. Este filtro permite corregir la intensidad de los colores y de esta manera equilibrar la imagen. Para aplicar este filtro sigue la siguiente ruta: colores-curvas.

Después de haber seleccionado esta opción, aparecerá una pantalla como la siguiente, en la que se deberán modificar las curvas de color de acuerdo acuerdo a las necesidades, tanto personales como de la fotografía o imagen.

Esta ventana tiene una serie de opciones, que se irán utilizando de acuerdo a las necesidades de cada usuario. Para este ejemplo se cambiará el canal a color verde.

Los colores básicos son los que rige el sistema de color RGB (rojo, verde y azul), por este motivo si se cambia algún color en especifico, cambiará en la fotografía los tonos que en su base sea el color seleccionado.

recuerda


148

Tono verde con ajustes

Con el botón izquierdo del ratón se moverá la curva ajustando al tono necesario.

En la parte inferior de la ventana pregunta que tipo de curva (suave o de mano alzada) es la que se va a utilizar en la modificación de los colores de la imagen.

Tipo de curvas

Imagen modificada

Se recomienda utilizar la curva suave para cambiar los colores. La Mano alzada solo para las personas que tengan un buen pulso.

Sugeren-

149

Tono, saturación y luminosidad

Este filtro se utiliza para corregir las imágenes que por alguna u otra razón presentan exceso o falta de color, así como tonos de colores que no son los correctos. Así mismo, también se puede utilizar para cambiar completamente el tono de color y así generar un efecto más llamativo. Para aplicar este filtro sigue la siguiente ruta: colores-tono y saturación.

Después de haber seleccionado esta opción, aparecerá una pantalla como la siguiente, en la que se deberán modificar los niveles de tono a 40, luminosidad a -12 y saturación a 11. Cabe aclarar que estos valores son solo un ejemplo, ya que cada usuario los puede modificar de acuerdo a sus necesidades, tanto personales como de la propia fotografía o imagen.

Ventana de tono y saturación

Mientras se escriben los valores, se van mostrando en una visualización previa dentro de la figura, si los valores son los correctos solo se pulsa el botón de aceptar. La imagen con los cambios realizados quedan de la siguiente manera.


150

Imagen con cambios

Balance de color

El filtro ideal para corregir los tintes de color tanto en la luz, tonos medios y sombra de manera independiente entre sí y entre cada uno de los canales, es el balance de color, ya que permite aumentar, disminuir y aumentar la presencia de cada color. Para aplicar este filtro sigue la siguiente ruta: color-balance de color.

Después de haber seleccionado esta opción, aparecerá una pantalla como la siguiente, en la que se deberán modificar los colores: cian 52, magenta 23 y amarillo 79. Cabe aclarar que estos valores son solo un ejemplo, ya que cada usuario los puede modificar de acuerdo a sus necesidades, tanto personales como de la propia fotografía o imagen.

Ventana de balance de color

151

La imagen queda de la siguiente manera.

Imagen modificada

Si los colores que se anotaron en los valores y que se muestran en la vista previa, son lo que se necesitaban corregir en la imagen, se pulsa el botón de aceptar, pero si no son los colores correctos, se pueden hacer los cambios correspondientes, antes ser aplicados.

Niveles de Color

La funcionalidades del filtro niveles de color, son similares al balance de color, aunque difiere de este último, porque permite regular no solo la fuerza de cada color, sino su luminosidad y gama en la imagen en general o en cada uno de los canales que la conforman. Es ideal para corregir imágenes muy oscuras o muy claras, y que además tengan problemas con el tono general de la imagen. Para aplicar este filtro sigue la siguiente ruta: colores-niveles.

Esta ventana tiene una serie de opciones, que se irán utilizando de acuerdo a las necesidades de cada usuario. Para este ejemplo se cambiará el canal a color rojo, en el ejemplo anterior fue el canal verde.

En esta ventana se anotan los siguientes valores: nivele de salida 33 en izquierda y 255 en derecha, tal y como aparece en la siguiente imagen.

Los colores básicos son los que rige el sistema de color RGB (rojo, verde y azul), por este motivo si se cambia algún color en especifico, cambiará en la fotografía los tonos que en su base sea el color seleccionado.

recuerda


152

Ventana de niveles

Cabe aclarar que estos valores son solo un ejemplo, ya que cada usuario los puede modificar de acuerdo a sus necesidades, tanto personales como de la propia fotografía o imagen. La imagen queda de la siguiente manera.

Imagen modificada

Colorización

Este filtro es ideal para dar un tono general a toda la imagen, es decir, se puede hacer una imagen en tono sepia u en otro tono. También puede utilizarse, por ejemplo, si la imagen original es un césped, pero posee zonas donde hay colores no deseados como lo podría ser el pasto seco, entre otros. Para aplicar este filtro sigue la siguiente ruta: colores-colorear

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Después de haber seleccionado esta opción, aparecerá una pantalla como la siguiente, en la que se deberán modificar los niveles de tono 308, saturación 22 y luminosidad de -3. Cabe aclarar que estos valores son solo un ejemplo, ya que cada usuario los puede modificar de acuerdo a sus necesidades, tanto personales como de la propia fotografía o imagen.

Ventana de colorización

La ventaja de este tipo de filtros, es que dentro de la ventana tiene la opción de vista previa; con esta opción se puede tener una vista preliminar con los cambios propuestos antes de ser aplicados.La imagen queda la siguiente manera.

Imagen con color

Umbral

Este filtro trabaja con dos colores blanco y negro, es decir, que calca la imagen de color a blanco y negro; gracias a la utilización del punto medio se puede definir donde esta el umbral de separación de ambos con respecto a la luminosidad original de la imagen.


154

Después de haber seleccionado esta opción, aparecerá una pantalla como la siguiente, en la que se deberán modificar los niveles de tono del umbral, en izquierda a 187 y en derecha a 255. Cabe aclarar que estos valores son solo un ejemplo, ya que cada usuario los puede modificar de acuerdo a sus necesidades, tanto personales como de la propia fotografía o imagen.

Ventana umbral

Resumen

En esta guía aprendiste como utilizar los filtros básicos. Los filtros que se revisaron fueron:brillo y contraste. ajuste de curvas de color. tono, Saturación y luminosidad. balance de color. niveles de color. colorización umbral

Este texto fue elaborado por Sarai Dayana Mayo Castelán y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito al autor, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica

Umbral es la cantidad mínima de señal que ha de estar presente para ser registrada por un sistema. Por ejemplo, la mínima cantidad de luz que puede detectar el ojo humano en la oscuridad. http://es.wikipedia.org/wiki/Umbral

concepto

155

Capítulo 4: Imagen Vectorial


156


158

159

mAnejo de cAPAs en inkscAPe

Está guía mostrara los pasos que se deben de seguir para generar y modificar capas dentro de Inkscape. El manejo de capas permite mover elementos por separado dentro de una misma composición.

Esta guía forma parte de la etapa de la postproducción de imágenes, porque muestra como trabajar capas dentro de Inkscape, siendo este un programa de edición de gráficos vectoriales.


• Realizar un boceto sencillo del producto que se va a realizar• Saber los colores que se va utilizar• Conocer el tamaño final del producto que se va a revisar

Equipo necesario

ComputadoraPrograma: Inkscape

Inicio

1. Abrir el programa siguiendo la Ruta: Aplicaciones - Gráficos - Editor de gráficos vectoriales Inkscape.

2. Escoger el tamaño del documento donde se va a trabajar dentro de Inkscape. Nosotros escogeremos un tamaño neutral de video que es el NTSC 720 x 486 siguiendo la Ruta: Archivo - Nuevo - video_NTSC_720x486.Posiblemente aparezcan dos ventanas como las que se muestran a continuación. Se puede diferenciarlas por la numeración que aparece en las reglas de inkscape. Presiona el botón para máximizar la pantalla de la pantalla que tiene 720 pixeles de ancho.


160

Pantallas.

3. Guarda el proyecto siguiendo la Ruta: Archivo - Guardar como...

Selecciona: 1) nombre del proyecto, 2) ubicación para guardarlo, 3) formato (El formato de archivo editable de Inkscape es el .SVG.) 4) guardar.

4. Ajustar la página a la ventana presionando el botón para ajuste de pantalla..

Elegir las ventanas para trabajar. En este caso se va a trabajar con dos ventanas principalmente: 1) capas, 2) relleno y borde.

1) Capas. Se puede abrir la venta 1) siguiendo la Ruta: Capa – Capas; 2) presionando las teclas mayúsculas+control+L al mismo tiempo; 3)presionado el icono de capas que se encuentra en la barra de herramientas.2) Relleno y borde. Se puede abrir la ventana 1) siguiendo la Ruta: Objeto - Relleno y borde, 2) presionando las teclas mayúsculas+control+F al mismo tiempo, 3) presionando el ícono de relleno y bordes que se encuentra en la barra de herramientas.

6. Ajustar la pantalla. De lado derecho podemos observar las ventanas de capas y rellenos.

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Manejo de capas

7. Seleccionar la herramienta para crear rectángulos y cuadrados.

8. Hacer un rectángulo en la parte superior del área de trabajo de aproximadamente 80 píxeles.

9. Nombrar la capa dentro de la ventana de capas.

10. Modificar capa 1) elegir la herramienta de selección, después 2) elegir el color verde y 3) modificar los tonos para ajustarlos al color que necesitas.

Modificar capa.

11. Añadir nueva capa 1) siguiendo la Ruta: Capa - Añadir capa, 2) presionando las teclas mayúsculas+control+N, 3) presionando el botón para crear nueva capa.

12. Nombrar a la nueva capa.

Utilizar la herramienta de rectángulos y hacer una figura en la parte inferior del área de trabajo de aproximadamente 80 píxeles.

14. 1) Hacer una nueva capa y 2) nombrarla como fondo.

15. Utilizar la herramienta de rectángulo para hacer un a figura que cubra toda el área de trabajo


162

16. 1) Utilizar la herramienta de selección, 2) seleccionar el rectángulo grande y 3) cambia el color.

Fondo color

17. 1) Seleccionar la capa fondo y 2) presionar el botón para bajar las capas hasta el fondo.

Cada uno de los objetos dentro de la composición está dentro de una capa diferente lo que te permite modificarlos por separado.

18) Se puedes cambiar el color de una parte o moverla de lugar para

generar nuevas composiciones..

Resumen

En esta guía aprendiste a:• abrir programa• elegir tamaño de documento• ajustar tamaño a la ventana• elegir las ventanas de trabajo• generar un gráfico• nombrar la capa• modificar la capa• añadir nueva capa, nombrarla, modificarla.• acomodar las capas como elementos separados.


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AgregAr texto en inkscAPe

Esta guía mostrará los pasos que se deben de seguir para agregar texto dentro de Inkscape. Inkscape suele utilizarse para realizar títulos, por el simple hecho de trabajar con vectores, así las letras pueden hacerse tan grandes o pequeñas como sea necesario sin que se pierda la calidad de la imagen.

Esta guía forma parte de la producción de imagen vectorial por ser parte de Inkscape.


• Hacer un boceto del producto que se va a realizar• Saber el color y la tipografía del producto

Equipo necesario

• Computadora• Programa: Inkscape

Inicio

1.Abrir el programa siguiendo la Ruta: Aplicaciones - Gráficos - Editor de gráficos vectoriales Inkscape.

2. Elegir el tamaño del documento donde se va a trabajar dentro de Inkscape. Para este ejemplo se trabajará con un tamaño neutral de video que es el NTSC 720 x 486 siguiendo la Ruta: Archivo-Nuevo-video_NTSC_720x486.


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Posiblemente aparezcan dos ventanas y se pueden diferenciar por la numeración que aparece en las reglas de Inkscape. Presiona el botón de maximizar de la pantalla que tiene 720 píxeles de ancho.

3. Guardar el proyecto siguiendo la Ruta: Archivo-Guardar como

Selecciona: 1) nombre del proyecto, 2) ubicación para guardarlo, 3) formato (El formato de archivo editable de Inkscape es el .SVG.) 4) guardar

4. Ajustar la página a la ventana presionando el botón para ajustar la pantalla.

5. Elegir las ventanas para trabajar. En este caso se va a trabajar con dos ventanas principalmente: 1) capas, 2) relleno y borde.

1) Capas. Se puede abrir la ventana 1) siguiendo la Ruta: Capa–Capas 2) presionando las teclas mayúsculas+control+L al mismo tiempo, 3) presionado el icono de capas que se encuentra en la barra de herramientas.

2) Relleno y borde. Se puede abrir la ventana 1) siguiendo la Ruta: Objeto-Relleno y borde, 2) presionando las teclas mayúsculas+control+F al mismo tiempo, 3) presionando el icono de relleno y bordes que se encuentra en la barra de herramientas

6. Ajustar la pantalla. De lado derecho se puede observar las ventanas de capas y rellenos.

AGREGAR TEXTO

1. Seleccionar la herramienta de texto

2.- Colocar el puntero donde se va a escribir el texto, presionar el botón

165

izquierdo del ratón y escribir el texto necesario.

Herramienta de texto y cuadro de texto

3. Formato del texto. Para darle el formato deseado al texto 1) seleccionar el texto, después se le pueden hacer cambios de 2) fuente, 3) tamaño, 4) estilo y 5) color.

4. Para mover el texto 1) presionar sobre la herramienta de selección, 2) presionar sobre el texto y 3) arrastrar hasta el lugar deseado.

Formato de texto y texto movido


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Resumen

En esta guía aprendiste los pasos para agregar texto dentro de Inkscape, para ello se siguieron los siguientes pasos.

Inicio• elegir el tamaño del documento• cuidar el proyecto• ajustar la página a la ventana• elegir las ventanas para trabajar• ajustar la pantalla

Agregar texto• seleccionar la herramienta • colocar el puntero • formato de texto• mover el texto


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modiFicAr imAgen en inkscAPe

Esta guía mostrará los pasos que se deben de seguir para modificar las imágenes dentro del programa de edición de gráficos Inkscape.


• Hacer un boceto del producto que se va a realizar• Saber el color y la tipografía del producto

Equipo necesario


Inicio

1. Abrir el programa siguiendo la Ruta: Aplicaciones-Gráficos-Editor de gráficos vectoriales Inkscape.

2. Elegir el tamaño del documento donde se va a trabajar dentro de Inkscape. Por ejemplo se mostrará un tamaño neutral de video que es el NTSC 720 x 486 siguiendo la Ruta: Archivo-Nuevo–video_NTSC_720x486.

Posiblemente aparezcan dos ventanas como las que se muestran a continuación. Se pueden diferenciar por la numeración que aparece en las reglas de Inkscape. Presiona el botón para maximizar la pantalla de la pantalla que tiene 720 píxeles de ancho.


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Pantallas.

3. Guarda el proyecto siguiendo la Ruta: Archivo-Guardar como


Ruta- para guardar el archivo y guardar el archivo en SVG

4. Ajustar la página a la ventana presionando el botón para ajuste de pantalla.

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5. Elegir las ventanas para trabajar. En este caso se va a trabajar con dos ventanas principalmente: capas y relleno y borde.

Capas • siguiendo la Ruta: Capa–Capas; • presionando las teclas mayúsculas+control+L al mismo tiempo;• presionado el icono de capas que se encuentra en la barra de

herramientas.

Relleno y borde• siguiendo la Ruta: Objeto- Relleno y borde, • presionando las teclas mayúsculas+control+F al mismo tiempo; • presionando el icono de relleno y bordes que se encuentra en la

barra de herramientas.


Modificar imagen

1. El primer paso para modificar una imagen es abrir la imagen en Inkscape. Para importar la imagen dentro del programa sigue la Ruta: Archivo- Importar, o presionar al mismo tiempo las teclas control + I.

2. Para modificar el tamaño de la imagen se debe 1) elegir la herramienta de selección y transformación de objetos y; 2) después presionar sobre la imagen. En este momento se observará que aparecen flechas negras en las esquinas de la imagen; 3) coloca el puntero del ratón sobre una de las flechas negras, presiona el botón izquierdo del ratón y, sin soltar el botón, mueve la flecha negra hacia arriba o abajo para hacer más grande o chica la imagen.

Si se quiere que la imagen se transforme de forma escalada, es decir, que guarde sus proporciones originales, presiona la tecla control mientras se cambia el tamaño de la imagen.


170

modificar

3. También se puede rotar la imagen. Para hacerlo se debe: 1) elegir la herramienta de selección; 2) colocar el puntero del ratón sobre la imagen y presionar dos veces el botón izquierdo del ratón. Se observará que las flechas negras de las esquinas ya no están derechas si no que se hicieron curvas; 3) coloca el puntero del ratón sobre una de las fechas curvas y desplaza el ratón a la derecha o izquierda para girar la imagen.

4. Dentro del menú de objeto se puede encontrar otras opciones para modificar los objetos como rotar y hacer un reflejo.

Resumen

En esta guía aprendiste los pasos que se deben de seguir para modificar las imágenes dentro del programa de edición de gráficos Inkscape, para realizar está opción se siguieron los siguientes pasos: • abrir Inkscape• importar la imagen

• modificar el tamaño de la imagen


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degrAdAdo y oPAcidAd en inkscAPe

Esta guía te enseñará los pasos que se deben seguir para hacer degradados y opacidades en los objetos generados dentro de Inkscape.

Esta guía forma parte de la fase de la postproducción de imagen vectorial por ser parte de Inkscape.

Antecedentes

Degradado: Transición gradual de un color a otroOpacidad: Cantidad de color presente


• Hacer un boceto del producto que se va a realizar• Utilizar los degradados y las transparencias sólo si es necesario

Equipo necesario


Inicio

1. Abrir el programa siguiendo la Ruta: Aplicaciones - Gráficos - Editor de gráficos vectoriales Inkscape.

2. Elegir el tamaño del documento donde se va a trabajar dentro de Inkscape. Nosotros escogeremos 800x600 siguiendo la Ruta: Archivo - Nuevo - desktop_800x600


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Posiblemente aparezcan dos ventanas y se pueden diferenciar por la numeración que aparece en las reglas de Inkscape. Presiona el botón para maximizar la pantalla (la que tiene 800 pixeles de ancho).

3. Guardar el proyecto siguiendo la Ruta: Archivo-Guardar como


4. Ajustar la página a la ventana presionando el botón para ajuste de pantalla.

La interfase se verá ahora de esta forma.

5. Elegir las ventanas para trabajar. En este caso se trabajará con dos ventanas principalmente: 1) capas, 2) relleno y borde.

1) Capas. Se puede abrir la ventana a) siguiendo la Ruta: Capa – Capasb) presionando las teclas mayúsculas+control+L al mismo tiempo,c) presionando el ícono de capas que se encuentra en la barra de herramientas.

2) Relleno y borde. Se puede abrir la ventanaa) siguiendo la Ruta: Objeto - Relleno y borde,b) presionando las teclas mayúsculas+control+F al mismo tiempo,c) presionando el ícono de relleno y bordes que se encuentra en la barra de herramientas


Degradados

1. Seleccionar la herramienta para crear rectángulos y cuadrados.

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2. Para generar un cuadrado o un rectángulo se debe: 1) colocar el puntero en una esquina, presionar el botón izquierdo del ratón, 2) mantener el botón presionado mientras se mueve el puntero del ratón hacía la esquina contraria.

3. Selecciona la opción de degradado líneal que se encuentra en la venta de Relleno y Borde.

4. Para modificar la trayectoria del degradado se debe: 1) Colocar el ratón sobre el círculo blanco que se encuentra en los extremos del degradado, 2) después presionar el botón izquierdo del ratón y arrastrar hasta el lugar deseado.

Generar un cuadro, seleccionar degradado, modificar el trayecto del degradado.

5. Para hacer un botón, cambia el tamaño del cuadro y agrega texto.

6. Si se quiere modificar nuevamente el degradado se tiene que seleccionar la herramienta de editar nodos de trayecto y cambiar el origen y el final del color.


174

7. También se puede modificar el estilo del degradado utilizando la herramienta de degradado radial.

Opacidad

1. Para cambiar la opacidad de un objeto primero hay que seleccionar la capa donde se va a trabajar.

2.. En la parte inferior de la ventana de Relleno y borde se encuentra la cantidad de opacidad del objeto. En este ejemplo se bajará la opacidad para que se vea el cambio de color.

Selección Capa y Opacidad

Resumen

En esta guía aprendiste a realizar degradados y manipular la opacidad.

Degrado1. Generar un objeto2. Seleccionar la opción de degrado lineal 3. Modificar la trayectoria del degrado 4.- Degrado radial

Opacidad1. Seleccionar la capa que se quiere modificar2. Modificar la cantidad de opacidad de la capa


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reAlizAción de PortAdAs y contrAPortAdAs en inkscAPe

Esta guía mostrará los procedimientos a seguir para realizar láminas (portadas y contraportadas) en Inkscape.

• El flujo de trabajo para generar las láminas es:• abrir un archivo nuevo• crear la portada• crear la contraportada


Tener una idea clara del producto para el cual se diseñará la Portada y Contraportada.Contar con un boceto o bosquejo, que puede ser hecho a mano Elegir el boceto más adecuado e identificar mediante una retícula la distribución y los espacios

Equipo Necesario

Computadora Programa Inkscape

Boceto, dibujo rápido en borrador a mano alzada para representar ideas y apuntes.

concepto

Retícula, es el conjunto de líneas que nos sirven de guías (lineas guía) para definir el área de la distribución de los elementos.

concepto


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Antes de utilizar el programa

Poner en una carpeta todos los archivos que se utilizarán Recabar la información general que llevarán las láminasEstablecer la jerarquía e importancia que cada elemento debe tener en la lámina. Esto ayudará a definir el tamaño, posición y colores que se utilizarán con relación a todos los demás elementos

Uso del programa

Preparación del entorno de trabajo

1. Abrir el programa. Se debes abrir el programa que se encuentra en la ruta: Aplicaciones – Gráficos - Editor de gráficos vectoriales Inkscape

2. Abrir archivo nuevo. Automáticamente se abrirá un lienzo en blanco. Si se requiere abrir un archivo nuevo se puedes seguir la ruta: Archivo - Nuevo / Predeterminado. Para abrir el archivo de una manera más fácil., precionando la tecla Ctrol + N

Interfaz de un archivo abierto

Es importante contar con elementos gráficos que sirvan para decorar las láminas, éstas pueden ser plecas institucionales, ilustraciones e imágenes alusivas al producto que se desarrolla.

recuerda

Control o Ctrl. Tecla situada en los extremos inferiores de los teclados.concepto

177

3. Formato. Una vez creado el archivo, se debe definir las propiedades del documento (ruta: Archivo / Propiedades del documento). Para accede de una manera más fácil a las propieddes del documento Ctrl + Mayús + D

Ventana de Propiedades del documento

4. Guardar el archivo. Para salvar un archivo es mediante la ruta: Archivo / Guardar como o precionar Ctrl + Mayús + S

A diferencia de otros programas que al abrirlos tienen la mayoría de las herramientas a la vista para usarse, Inkscape trabaja con ventanas de herramientas que se habilitan según el proyecto, es decir, que en cada sesión de trabajo se pueden abrir las ventanas que se requiera (ventana de relleno, capas, alineación, entre otros). En este caso se sugiere habilitar las ventanas de Relleno y borde, Alinear y distribuir y la de capas.

Si se requiere ajustar, acercar y alinear nuestros elementos gráficos entre sí y con mayor mayor precisión, ajustaremos las rejillas y guías (a nivel 10) desde la opción “Ajustar” en propiedades de documento.

recuerda


178

Ventanas: Relleno y Borde (Ctrl + Mayús + F) y Alinear y distribuir (Ctrl + Mayús + A)

Es recomendable utilizar colores neutros y sobrios. De igual forma la relación de colores entre el fondo y los textos debe ser siempre bien contrastada para que sea legible y claro. Si el producto va a ser impreso hay que considerar el medio ambiente y disminuir el uso de tintas innecesarias y espacios en blanco.

Realización de lámina: portada

1. Creación de fondos. Para hacer un fondo hay que seleccionar la herramienta de crear rectángulos y cuadrados. Luego hay que hacer un rectángulo pequeño. En el menú superior se puede definir las medidas exactas del recuadro, para este caso la medida es de 600x800 píxeles.

179

Crear rectángulo y medidas

Con la herramienta Alinear y distribuir ubicada en el costado derecho, se selecciona la opción Relativo a: la opción Página, para que se distribuya el recuadro en dirección a la página que se tiene, y con las opciones de Centrar en el eje vertical y Centrar en el eje horizontal, se centrará el recuadro en la página que se tiene.

Botones de los ejes vertical y horizontal


180

Con la herramienta Relleno y borde, se pudemos aplicar distintos atributos en el recuadro, en la pestaña de Relleno se puede poner un color plano (plasta) eligiendo cualquier color de la paleta de colores, también se puede aplicar gradiente lineal, radial o patrón (texturas).

Relleno Lineal, Radial y Patrón

2. Título. Para poner el título y otros textos, selecciona la herramienta de Crear y editar objetos de texto, que se encuentra en la barra de herramientas en la parte inferior, se pulsa el botón izquierdo de ratón en cualquier área y se escribe las palabras que se requieren, en la parte superior izquierda saldrá un menú de todas las tipografías con las que se cuenta.

Editor de Textos

Para tener mayor control del cuerpo de texto, podemos acceder al editor de textos Ctrl + Mayús + T. Ahí se abrirá una ventana en donde podemos elegir con mayor facilidad las tipografías, el estilo, el tamaño y el espaciado.

Sugerencia

181

3. Logotipos. Es importante tener a la mano los logotipos que se van a ocupar para la lámina. Para importar un logotipo en la lámina sigue la ruta: Archivo / Importar o presiona las teclas

También se realiza este procedimiento al abrir el archivo, desde otro documento de Inkscape.

4. Elementos gráficos. Se puede ocupar diversos elementos para revestir y dar vida a la lámina, mediante el uso de plecas, figuras geométricas, texturas, o elementos relacionados al producto.

Hay que recurrir al boceto que se ha elegido para distribuir los elementos de manera tal que se pueda obtener una lámina tal y como la planeamos..

1) Elementos gráficos sueltos y 2) presentación final

5. Exportar. Para finalizar, se exportará el archivo en formato PNG, siguiendo la ruta Archivo / Exportar mapa de bits o presionando las teclas Ctrl + Mayús + E

Selecciona la opción Página para exportar toda la página completa.. En el tamaño de mapa de bits, lo exportaremos en 90 ppp, en el botón Examinar se pondrá el nombre y se le asignará la ruta donde se guardará el archivo PNG. Para finalizar se pulsará el botón Exportar.


182

Ventana exportar

Realización de lámina: contraportada

1. Crear capas. Para crear la contraportada, es necesario crear una capa para ello, se abre la ventana de capas mediante la ruta: Capa / Capas o presionar las teclas Ctrl + Mayús + L

Se abre el menú en la parte lateral derecha, y la capa en la cual nos encontramos automáticamente tendrá por nombre Capa 1, si se pulsa sobre el nombre se puede cambiar el nombre a “portada”. Para crear una nueva capa,se pulsaremos el icono de + , que se encuentra en la parte izquierda inferior del menú.

Ahora se pulsa en añadir capa, ahí se podrá poner el nombre de “contraportada”, finalmente se Añade.

Para visualizar entre una capa y otra, pulsa el icono del ojo que se encuentra en el menú de capas, de esta manera el ojo puede cerrarse o abrirse y estos a su vez habilitan o deshabilitan los objetos que tengamos en la capa.

183

Capa habilitada y deshabilitada

2. Añadir elementos. Primero se creará el fondo, poniendo el color que se van a ocupar como se hizo con las portadas. Se añaden los textos de los créditos utilizando la herramienta para Crear y editar objetos de textos. Se anexan los logotipos que requiere la contraportada mediante el menú Archivo/importar.

3. Copiar y pegar elementos. Finalmente copiamos de la capa Portada algunos elementos gráficos (plecas, elementos, entre otros.). Para copiar un elemento de la capa Portada, primero se deshabilita la capa Contraportada y se visualizamos Portada. Después, se selecciona el elemento que queremos duplicar, y pulsamos la ruta: Edición / Copiar o presionar las teclas Ctrl + C

Se puede copiar el elemento, ahora regresamos a la capa Contraportada y lo pegamos con la ruta: Edición / Pegar o se presionan las teclas Ctrl + V

La cantidad de logotipos dependerá de la naturaleza del producto.recuerda

En la Contraportada los elementos deben estar de manera sutil para tener menor peso visual que la Portada.

Sugerencia


184

4. Exportar. Al finalizar, se exportaremos nuestra contraportada en formato PNG, siguiendo el paso 5 de nuestra portada.

Resumen

En esta guía se aprendieron los paso para realizar portadas y contraportadas.

Realización de portada: • abrir el programa • crear un nuevo archivo • formato • abrir las ventanas y menús principales • crear fondo (utilización de las herramientas, • colores, opacidades, etc) • titulo (tipografía, color, tamaño y distribución) • logotipo • elementos gráficos• exportar

Realización de contraportada: • crear capa • crear fondo, textos y logotipos • copiar elementos gráficos de la portada Exportar

Este texto fue elaborado por Omar Gabriel Oliva Mesa y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito al autor, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica


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distribución

“Nuestra visión es nada menos que reconocer el potencial de Internet – el acceso universal al conocimiento y educación, aporta directamente a la cultura - para conducir a una nueva era de desarrollo, crecimiento y productividad.” [CC]

En la actualidad, el potencial de Internet es tan grande que nos da la posibilidad de realizar contribuciones al desarrollo de nuestra sociedad de manera significativa. Estas aportaciones pueden realizarse en diferentes campos y aspectos, como son: investigación, educación y cultura.

Para poder alcanzar esta idea, es necesario contar con una infraestructura que provea una forma gratuita, pública y flexible de distribuir la información. Este espacio digital debería ser capaz de: administrar, catalogar, buscar, evaluar y presentar el contenido digital de una forma intuitiva para el usuario que quiere compartir información y para aquellos que buscan nuevos conocimientos.

Es por ello, que la comunidad que comparte esta filosofía de “compartir” se ha dado a la tarea de desarrollar diferentes repositorios de contenido digital. Los repositorios pueden clasificarse por el contenido que almacenan, de la siguiente forma: un tipo de contenido en particular o contenido multimedia. Entre los repositorios más destacados se encuentran los siguientes: youtube - videos flickr - imágenes wikimedia commons - multimedia

REDDES comparte y practica esta filosofía como parte de sus valores centrales, es por ello, que se ha dado a la tarea de desarrollar un repositorio que permita compartir y distribuir conocimiento, así cómo preservar la cultura nacional a través de contenido digital desarrollado


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Resulta interesante comparar la actividad de un video trivial, de baja calidad audiovisual y sin mensaje de fondo que se vuelve viral y alcanza un número de vistas estratosférico con un video técnicamente bien cuidado, audiovisualmente atractivo y de mensaje potencialmente impactante que permanece sin ser descubierto y por ende sin ser visto. ¿A qué se debe? ¿Cómo se logra la fama en Internet? ¿Qué hay que hacer para que un video sea descubierto y visto por un número considerable de personas? ¿Existe una fórmula para lograrlo?

Diversos factores como la correcta definición de la audiencia, el renombre del productor, los metadatos del video, los temas que trata, o los medios donde se publica, pueden ayudar a incrementar la fama de un video, no obstante uno de los factores más importantes para que un video logre ser famoso es el comportamiento humano; las motivaciones intrínsecas de los individuos que deciden dedicarle o no un tiempo al video, verlo y posteriormente compartirlo.

En esta sección presentaremos dos guías sobre las formas electrónicas para la distribución de video en formato digital. • CD, SD y USB como medios de distribución, e• Internet como medio de distribución

Este texto fue elaborado por Myriam Cruz Soto, y Alberto Ramírez Martinell y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito al autor, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica.

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cd, sd y usb como medios de distribución

En esta guía se habla sobre los dispositivos de almacenamiento como el CD (incluido el DVD), las tarjetas SD (y micro SD) y las memorias USB, y sobre el tipo de alcance que tienen, ya que su distribución podrá suceder únicamente mediante su intercambio físico.

Recomendaciones

Antes de hacer la distribución del producto se recomienda realizar pruebas:

• pedir a otros usuarios que examinen el video • probar el video, en un equipo con características similares a la de los

equipos de los usuarios finales

Consideraciones iniciales

Vale la pena pensar en las características o la infraestructura del lugar en donde el video será distribuido, ya que esto nos servirá para determinar el medio por el cual se realizará la distribución del producto.

Distribución de productos

Existen una diversos dispositivos para la distribución de contenido digital, en esta guía hablaremos sobre::

• disco Compacto (CD, DVD) y• dispositivos de almacenamiento externo (Memorias USB, tarjetas

Micro SD)


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Disco compacto

El disco compacto (CD o DVD) es un medio común, de bajo costo y sencillo de utilizar. Dependiendo del tipo de datos incluido en el disco, estos podrán ser visualizados tanto en un equipo de cómputo como en algunos reproductores de DVD.

Dispositivos externos de almacenamiento

A diferencia de los discos compactos, los dispositivos de almacenamiento externo como memorias USB o tarjetas SD o micro SD, son medios volátiles, es decir, que los archivos contenidos en ellos pueden ser borrados en cualquier momento. Por su portabilidad y gran compatibilidad con equipos de cómputo, los dispositivos de almacenamiento externo son medios comunmente utilizados para el transporte personal de datos.

Disco compacto y memoria USB

Resumen

En esta guía aprendiste sobre los medios electrónicos de distribución que se pueden utilizar para poder difundir de mano en mano un producto multimedia.

Este texto fue elaborado por Suri Johana Olan Cobos y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito al autor, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica.

recuerda Un CD puede almacenar hasta 700MB mientras que un DVD tiene una capacidad de 4.7GB

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internet como medio de distribuciónIntroducción

Cuando iniciamos la planeación de nuestro video, tenemos que considerar a la audiencia a la que nos dirigimos. Tomando en cuenta esto, tendrás más exito al determinar el canal de distribución del video: servidor de videos, red social, blog, dispositivo de almacenamiento de datos, disco compacto o televisión por mencionar algunos. En esta guía hablaremos sobre Internet como medio de distribución.

Antecedentes

A principios de 2011, el sitio de YouTube registraba dos mil millones de visitas al día, 35 horas de video compartidas cada minuto y acceso en 350 millones de dispositivos. Estos números por un lado nos brindan un panorama del grado de exposición que podrá tener nuestro video, y por otro nos dan una idea del nivel de competencia al que nos estamos enfrentando. Entre este mar de información, de cápsulas de imágenes en movimiento, nuestro video puede perderse fácilmente. Para maximizar su grado de disponibilidad y la facilidad con que éste puede ser descubierto, se sugiere tomar ciertas acciones.


Para la distribución en línea de tu video, deberás elegir el o los servicios de Web que consideres más apropiados: servidor de videos, redes social o blogs. Una de las ventajas de los servicios de Web como medios de difusión es que el video podrá ir acompañado de una descripción y de diversos metadatos que permitirán su indexación y una búsqueda más estructurada.


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Servidor de videos

Los servidores de videos (www.youtube.com, www.vimeo.com) son espacios en Internet que permiten al usuario común hospedar uno o varios videos habilitando ciertas funciones de Web social, como permitir comentarios, ser incrustados en otras páginas de Internet, ser votados o ser hipervinculados.

Redes sociales

En la actualidad, los sitios de redes sociales como www.facebook.com, www.twitter.com, plus.google.com, o www.linkedin.com han adquirido un gran nivel de popularidad entre los usuarios comunes, debido a la cercanía con ellos. Finalmente la tecnología se puso al nivel del día a día del usuario común, brindando una plataforma para registrar, pero sobre todo para compartir, los imponderables cotidianos. La publicación de videos en redes sociales garantiza, en cierta medida, que los círculos de contactos del usuario tengan la posibilidad de acceder al material publicado.

La creación de grupos dentro de redes sociales es una alternativa interesante, ya que personas (miembros de la red social) que no están en tu grupo de contactos, podrán acceder al grupo y ver el material ahí publicado.

recuerdaUna vez que publicas un video en Internet, perderás, prácticamente, todo control sobre él. El video podrá ser reproducido, replicado, descargado y modificado sin que tú tengas dominio de su actividad. Aunque existe la posibilidad de remover el video de Internet sin que alguien lo haya visto, referido o copiado, hay que considerar que la pérdida del control sobre el video está latente.

concepto Twitter es un sitio de microblogging que permite publicar textos, imáge-nes, video entre otros, en 140 caracteres. www.twitter.com

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Una de las características importantes de las redes sociales es que puedes “etiquetar” contactos en las publicaciones que hagas, ya sean videos o fotografías y a las personas etiquetadas se les notifica sobre esta acción.

Blogs

Los blogs son servicios que pueden apoyarnos de distintas maneras para la difusión del video.

• Puedes crear un blog respecto al tema que trata tu video, alojar en ese blog el video y además, si realizas proyecciones del mismo, difundir las próximas y compartir las anteriores. Además de publicar un enlace que permita a otras personas compartir tu video en sus blogs y redes sociales.

• Pedir a compañeros u organizaciones que compartan en sus blogs el video.

Sugerencia En Twitter una de las aplicaciones más populares para publicar videos es Twitvid. Para poder utilizarla no es necesario abrir una cuenta aparte ya que se puede hacerl scon tu propia cuenta de Twitter. Al subir tu video tendrás la opción de agregar un mensaje.

conceptoVideos ViralesSeguramente te has encontrado con videos que cuentan con un gran número de visitas, comentarios o que han llegado a ti a través de alguno de tus contactos.Estos videos son difundidos en Internet de usuario a usuario y cuen-tan con ciertas características que los ayudan a alcanzar este nivel de popularidad. Algunas de estas características son: corta duración, títulos impactanes o imágenes llamativas.

Servicios de Web Social más comunes


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Resumen

En esta guía aprendiste:

• sobre la existencia de servicios de web como servidores de video, redes sociales y blogs, así como sus funciones para actuar como canales de difusión de video, y

• sobre algunas herramientas útiles para hacer la búsqueda del video en Internet más sencilla.

Este texto fue elaborado por Indira Guadalupe Cornelio Vidal y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito al autor, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica.

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Anexo:ligAs, soFtwAre y videosLigas

Programa Código QR Programa Código QR

Inkscape

http://avidemux.sourceforge.net/

GIMP

http://www.pitivi.org/

Código QR Código QR

REDDES

http://www.reddes.org

Publicaciones de REDDES

http://www.reddes.org/publicaciones

Software


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sobre los Autores

Dr. Alberto Ramírez Martinell

Profesor Investigador de tiempo completo en el Instituto de Investigaciones en Educación de la Unviersidad Veracruzana. Es doctor en Tecnología Educativa por la universidad de Lancaster, maestro en Ciencias de la Computación y los medios de comunicación por la Universidad de Ciencias Aplicadas Furtwangen, Ingeniero en Computación por la UNAM y Licenciado en Humanidades por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Es autor de diversos libros, docente e investigador en temas de producción multimedia, producción de video educativo, alfabetización digital y tecnología educativa.

Lic Jaime Fraire Quiroz

Licenciado en Ciencias de la Comunicación por el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey, con intereses en producción audiovisual, capacitación, educación en línea y producción digital de contenido educativo. Tiene amplia experiencia en el campo de la producción audiovisual comercial.

Lic. Diana Montes Reyes

D.G. Omar Gabriel Oliva

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D. G. Gabriela García

Lic Sarai Dayana Mayo

Sarai Dayana Mayo Castelán es Licenciada en Pedagogía por la Universidad Veracruzana, Sus intereses y experiencias profesionales oscilan en temas de producción digital de contenido educativo y cultural, medios digitales, formación de nuevos usuarios de tecnología y diseño instruccional.

Lic. Indira Cornelio Vidal

Licenciada en Publicidad y Relaciones Públicas por la Universidad Veracruzana. Con intereses en temas de profesionalización del tercer sector. Tiene experiencia en uso de redes sociales para la acción social.

Lic Myriam Cruz Soto

Lic. Suri Johana Olán

Licenciada en pedagogía con orientación a nuevas tecnologías aplicadas a la educación, con intereses en temas de producción digital de contenido educativo y cultural, educación en línea, competencias digitales y procesos editoriales.


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imPresión del libroSi deseas imprimir este libro te sugerimos considerar lo siguiente:

Impresión y suaje del texto en blanco y negro en papel cultural e impresión de portada (a color en papel couché de 200 gr.

Engargolado

o Empastado (engrapado, engomado, empastado y refinado)

Este libro tiene una licencia Creative Commons (NA, BY, SA) y puede ser distribuido libremente.

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Este libro fue elaborado por Alberto Ramírez Martinell, Jaime Fraire Quiroz, Suri Olan Cobos, Sarai Mayo Castelán, Indira Cornelio Vidal y Hazael Jaramillo Molina y puede ser utilizado, modificado y distribuido libremente siempre y cuando se le dé crédito a los autores, no se utilice con fines de lucro y se le aplique a los productos derivados de la obra una licencia de autor idéntica.

Este libro ha sido diseñado para su impresión en media hoja de tamaño carta.

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