Presentación arte griego

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ARTE GRIEGO

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ARTE GRIEGO

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CONTEXTO GEOGRÁFICOAl hablar de la civilización griega no nos estamos refiriendo al reducido ámbito geográfico de la actual Grecia, sino al amplio, diverso y rico mundo de la “civilización griega”, que extendió su lengua, sus mitos, sus dioses….su modo de vida, en definitiva, a lejanas tierras, convirtiendo a la cuenca mediterránea en el verdadero crisol de la civilización clásica.

Los griegos nunca constituyeron una nación o estado unitario en el sentido moderno del término. Se trataba más bien de un conjunto de tribus que tenían en común la lengua, la creencia en unos mismos dioses, así como unos mismos antepasados. Es decir, compartían una misma cultura. Nunca llegaron a constituir un estado homogéneo y siempre estuvieron organizados políticamente en “Polis” o “Ciudades-Estado” independientes entre sí y, a menudo, rivalizando entre ellas en continuas guerras.

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CONTEXTO TEMPORALEn cuanto a la localización temporal podemos situar los inicios de la cultura griega en el siglo VII a.C. y finalizando en el I a.C. Durante esos siglos podemos apreciar varias fases: 1. Época Arcaica (VII-VI a. C.) Fase de formación de la polis griega. En el siglo VI se

produce la expansión griega con la colonización mediterránea. Es esta fase se configura el lenguaje plástico griego.

2. Época Clásica (V-IV a. C.): Las polis griegas se convierten en ciudades ricas y prósperas. Es la fase de plena hegemonía helena y su cenit cultural. Al siglo V a. C. también se le llama el siglo de Pericles.

3. Época helenística (323-31 a. C.): Las diferencias surgidas entre las Polis, va a ser aprovechada por el reino de Macedonia (al norte de Grecia), para unificar y dominar toda la Hélade. Su rey, Alejandro Magno conquistará uno de los Imperios más importantes y extensos de la antigüedad, llegando sus fronteras hasta la India. La cultura helena se extiende por el mundo recibiendo influencias orientales. Eso es lo que se conoce por cultura helenística, la mezcla de la cultura griega con la oriental. Tras la muerte de Alejandro en el 323 a.C., el imperio se divide en distintos reinos. Todo ello lleva a un empobrecimiento económico y cultural, así como a un cambio en los valores humanísticos anteriores.

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ARQUITECTURA• Materiales: piedra caliza y mármol, cortado en sillares isódomos, dispuestos a soga y tizón, unidos a juntas vivas, a veces con grapas de bronce en la parte interna.

• Sistema constructivo adintelado o arquitrabado.

• Soportes: • El muro está muy cuidado, tiene escasos vanos y acaba en “antae” o pilastras.• Las columnas son un elemento fundamental y se combinan con basamento y

entablamento de acuerdo a unas normas, los órdenes arquitectónicos, que son un gran sistema de articulación.

•Cubiertas adinteladas: exteriormente presentan tejado a dos vertientes (con tejas y acróteras), lo que origina en las fachadas un remate en frontón; interiormente se usaron cielorrasos horizontales con vigas o casetones.

• Elementos decorativos: relieves y pintura, con temas figurativos o geométricos-vegetales.

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• Valores plásticos:• Proporción: fundamentada en el módulo (basado en el diámetro de la

columna); la altura de la columna dórica equivale a seis veces el diámetro del fuste; la jónica, a nueve veces; y la corintia a diez.

• Armonía: se deriva de la proporción y para conseguirla se acude a correcciones ópticas que compensan los errores visuales del espectador.

• Simetría: existe de forma general, aunque a veces se incumple a fin de respetar aspectos pintorescos del emplazamiento.

• Espacio interno: no se le presta demasiado interés, es un espacio utilitario de organización ortogonal y planta axial.

• Volúmenes exteriores: tiene mucha importancia, tanto en sí mismos (la obra se concibe como una gran escultura, para ser disfrutada externamente) como parte de un conjunto y en relación al medio en que se encuentra. Son conjuntos concebidos desde una dimensión humana (por y para el hombre) aunque sirvan para honrar a los dioses (antítesis del colosalismo egipcio).

• Color: algunos elementos de las obras arquitectónicas eran policromados (rojo, azul, dorado), para darles mayor resalte.

•Funciones: religiosa y civil.• Arquitectura religiosa: el edificio más representativo es el templo.• Arquitectura civil: teatros, stoas, estadios…

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EL TEMPLO GRIEGO• El templo griego procede del megarón de los palacios micénicos, que era

una sala rectangular precedida por un pórtico con columnas.• Los templos no se edificaban aislados, sino que formaban parte de un

conjunto sagrado llamado témenos, compuesto por propileos ( entrada), altar, templo, tesoros, stoas (columnatas), estatuas…

• No estaban concebidos para que entrara el pueblo, sino solo los sacerdotes; las ceremonias públicas se desarrollaban en el exterior. Los templos se construían para albergar las estatuas de los dioses.

• Constaba de las siguientes partes: – Naos o cella, sala rectangular que alberga la estatua de la divinidad. – Pronaos o pórtico, conduce a la naos y normalmente tenía dos

columnas.– Opistodomo o pórtico situado en la parte posterior del templo y

simétrico al pronaos, donde se albergaba el tesoro de la divinidad.

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Planta de un templo

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TIPO DE PLANTAS DE TEMPLOS

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LOS ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS• Una de las aportaciones más importantes del arte griego ha sido el

concepto de orden arquitectónico, según el cual las partes verticales del templo, es decir, el estilobato, la columna y el entablamento deben tener una organización concreta.

• Se distinguen tres órdenes:– DÓRICO: tiene su origen en el Peloponeso, fue el primer estilo y tuvo

su auge en los siglos VI y V a. C. Es un estilo sobrio, robusto y el más característico de la arquitectura griega

– JÓNICO: procede de las islas del Egeo y de Asia Menor, su mayor auge se produjo a mediados del siglo V a. C. y difiere del dórico por su esbeltez y la ornamentación.

– CORINTIO: es una variante tardía del jónico, se utiliza especialmente en la arquitectura helenística y romana.

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LOS ÓRDENES CLÁSICOSDÓRICO

• El pedestal o krepis está formado generalmente por tres escalones, denominándose al superior estilóbato.•La columna dórica es la única que no tiene basa, se apoya directamente sobre el estilóbato. El fuste es estriado (en arista viva) y presenta un éntasis (engrosamiento central) acusado. El capitel está formado por por un elemento curvo, el equino, rematado por un ábaco cuadrangular. Bajo el equino suele aparecer una fina moldura llamada collarino.• El entablamento se sitúa encima del capitel y está compuesto de arquitrabe, friso y cornisa. El arquitrabe es liso. El friso se decora con triglifos (rectángulos con acanaladuras verticales) y metopas, pequeñas losas cuadradas, lisas o decoradas. Sobre el friso descansa una cornisa sobresaliente que hace de base del frontón triangular, decorado con esculturas en su interior. Los vértices del frontón se decoran con gárgolas y acróteras.

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JÓNICO

• La columna se apoya sobre una basa circular formada por varias molduras, cóncavas (escocia) y convexas (toro). El fuste es más esbelto, presenta una ligera disminución desde la basa al capitel y carece de éntasis; por lo general aparece acanalado por medio de 24 estrías separadas entre sí por finos listeles lisos. El capitel está formado por un collarino decorado, un pequeño equino ornado con ovas y una especie de almohadilla circular con los extremos enroscados en espiral formando dos volutas y se remata con un estrecho ábaco rectangular decorado con ovas y dardos .•El entablamento presenta un arquitrabe de tres bandas, un friso corrido, generalmente decorado con relieves, y la cornisa.

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CORINTIO

Es similar al jónico y sólo se diferencia de este por su capitel, de forma tronco-cónica invertida y decorado con hojas de acanto y pequeñas volutas en los ángulos, denominadas caulículos. El ábaco es fino.

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LA ACRÓPOLIS DE ATENAS

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PARTENÓN

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Planta del Partenón Detalle del entablamento

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AnálisisSe trata de un edificio construido siguiendo los cánones del orden dórico. El material es mármol, con sillares uniformes, del tipo isódomo. Todo el sistema arquitectónico es adintelado. Los soportes son columnas que sostienen dinteles y la cubierta que ya ha desaparecido. Se trata de un templo griego que, por el número de columnas que aparecen en su fachada principal, es octástilo, y como éstas rodean todo el templo, se le denomina períptero. En total aparecen ocho columnas en sus lados menores y diecisiete en los mayores, siendo, por este motivo, el doble de largo que de ancho. En una de las fachadas se adivina un segundo pórtico de columnas en la pronaos que da paso a la naos o cella del templo y, por su largura, parece que tiene opistódomos. Las columnas descansan directamente sobre un estilóbato y dos estereóbatos (Krepis). En el orden dórico las columnas no tienen basa y su fuste tiene un canon de 6 veces el diámetro. El fuste está recorrido por 20 estrías longitudinales, unidas en arista viva, y presenta en su parte central un ligero ensanchamiento o éntasis que acentúa su solidez y fortaleza. El paso del fuste al capitel se realiza por medio de una moldura cóncava, casi imperceptible, llamada collarino. Dicho capitel está compuesto por dos elementos: el equino, que es una especie de plato y el ábaco o paralelepípedo de base cuadrada y planos rectos. Sobre la serie de capiteles descansa el entablamento, dividido a su vez en tres partes. La primera constituida por un arquitrabe liso, desprovisto de ornamentación. La segunda, denominada friso, está formada, a su vez, por la sucesión de triglifos y metopas. Los primeros son rectángulos divididos en tres listeles verticales por dos surcos y dos medio surcos. Las metopas son losas cuadradas decorados con relieves. Sobre el friso se halla la cornisa que sobresale del plano del entablamento. El edificio tiene una cubierta inclinada a dos aguas, presentando en sus fachadas más estrechas dos frontones, cuyo fondo o tímpano incluye aún restos de algunas estatuas.

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ComentarioEste edificio es el Partenón, templo griego de la época clásica. Su construcción empezó en el año 447 a. C. y se terminó en el 432 a. C. Las obras se iniciaron tras ser el antiguo templo totalmente arrasado por los ejércitos persas de Jerjes en las Guerras Médicas (500-479 a. C.). Fue Pericles quien decidió la construcción de un templo dedicado a Atenea en el mismo emplazamiento, pero con un nuevo proyecto realizado por Fidias y Calícrates que, junto con Ictinos, serían los encargados de diseñar y dirigir la reconstrucción de toda la Acrópolis, lugar sagrado de la Polis, enclavado en la zona más alta de la ciudad y donde se hallaban otros edificios como los Propileos o pórticos de acceso, el templo de la Atenea Niké, el templo del Erecteion o la estatua de Atenea Prómachos, obra también de Fidias.

Como todos los templos griegos, el Partenón está concebido no como lugar de reunión de fieles, sino como morada del Dios (en este caso diosa, Atenea) al que está dedicado y almacén de sus tesoros. De ahí que las ceremonias no se hacen en el interior (aquí sólo acceden los sacerdotes del Dios), sino en el exterior. Ello explica que los griegos se centraran en la arquitectura exterior, en la armonía visual del conjunto exterior, más que en la comodidad interior.

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Es un templo que muestra todos los elementos que caracterizan la arquitectura griega en su época clásica: uso de sillares regulares de mármol blanco, sistema constructivo arquitrabado, proporciones rectangulares regulares, rodeado de columnas y sujeto a un orden arquitectónico, el orden dórico en este caso. La estructura clásica del templo griego muestra aquí una peculiaridad: la cella que se encontraba dividida en tres naves con columnas superpuestas para ganar la altura necesaria para alojar la estatua de 12 metros de altura de la diosa y ,en su parte posterior, se hallaba otra cámara que recibía el nombre de cámara de vestales o vírgenes (partenón) que estaba compartimentada con cuatro columnas jónicas y que habría de servir para alojar el tesoro de la diosa. Esta obra es un fiel reflejo no sólo del Orden Dórico, el más austero y clásico de los ordenes griegos, sino de las proporciones armónicas que debía de perseguir el templo griego. Así cabe destacar no sólo las proporciones de sus elementos, sujetos a la sección áurea* , sino las correcciones ópticas* que realizaron los arquitectos para lograr esa visión perfecta del conjunto (desigual distancia de los intercolumbios, abombamiento del estilobato y del entablamento para evitar la sensación de hundimiento en el centro, ligera inclinación de los fustes, etc...).

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Proporción áurea

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Correcciones ópticas

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La decoración del templo estaba formada por varios elementos:• Las esculturas de sus frontones representaban dos acontecimientos importantes de la historia de la diosa: su nacimiento de la cabeza de Zeus, inserto en el frontón oriental; y su disputa con Poseidón para conseguir el dominio del Ática, en el occidental, todas ellas obras de Fidias. •En los noventa y dos cuadros de las metopas aparecía la lucha de los atenienses con los centauros en la fachada meridional; con las amazonas en la occidental; con los gigantes o titanes en la oriental y contra los habitantes de Troya en el lado norte. •En el friso interno, rodeando los muros de la cella, aparecía una escena muy conocida por los atenienses, ya que ésta se repetía cada cuatro años. Era la procesión de las grandes fiestas Panateneas, cuyo tema central era la entrega a la diosa de un rico peplo tejido y bordado por las doncellas que lo portaban y que, a su vez, iban acompañadas por toda la ciudad que se convertía así en protagonista de la iconografía del Partenón.Este conjunto escultórico fue dirigido por Fideas, que intervino directamente en algunas piezas siendo el resto realizado por un equipo bajo su supervisión. Los relieves estuvieron policromados en colores vivos: azul, amarillo, rojo o verde.

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En cuanto a su estado de conservación tenemos que señalar el aspecto ruinoso que presenta en la actualidad fruto de distintos acontecimientos producidos a lo largo del tiempo: fue trasformado primero en iglesia bizantina y luego iglesia cristiana, añadiéndose un campanario, que pasó a ser alminar cuando los turcos lo utilizaron como mezquita; en 1687, una bomba veneciana hizo estallar el polvorín que los turcos habían instalado en su interior, destruyéndose totalmente la cella y algunas de sus columnas; otra importante pérdida fue ocasionada por Lord Elgin que, entre 1801 y 1803, despojó al templo de buena parte de sus esculturas, guardadas desde entonces en el Museo Británico. Durante el pasado siglo se llevó a cabo una reconstrucción sistemática. Hoy el edificio se enfrenta a un nuevo enemigo, la contaminación atmosférica.

Respecto a la trascendencia de la obra hay que señalar que ha sido fuente de inspiración para el arte griego posterior, para el arte romano y para otras etapas históricas como el Renacimiento (Brunelleschi, Palladio…), el Barroco y especialmente el Neoclasicismo.

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Trascendencia

Renacimiento: PalladioNeoclasicismo: Congreso de los Diputados

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Contexto históricoObra perteneciente a la época más floreciente de Grecia, el siglo V a. C., la etapa verdaderamente clásica, donde se persigue el ideal de belleza y el idealismo más extremo, ya que el hombre es el centro de todas las cosas. La arquitectura griega y, en general, todo el arte griego es un arte hecho para el hombre, con proporciones humanas, a diferencia del arte de las civilizaciones fluviales. La herencia cultural de Grecia en la sociedad occidental es inmensa, y hoy se sigue buscando el mismo ideal de belleza, de perfección, de equilibrio y de armonía.

Esta obra se realiza en el gran siglo de Pericles, hombre fuerte de la Polis de Atenas. La construcción fue un enorme proyecto de propaganda política y religiosa, encabezado por Pericles para realzar el papel dominante de Atenas en la Grecia clásica. Sirvió para demostrar a todos los griegos el poder político y económico, la devoción religiosa a su diosa protectora así como el alto nivel cultural de la ciudad. En Atenas impera la democracia y el respaldo a las artes y las ciencias (desarrollo de la filosofía, de la medicina, de la arquitectura...). Sin embargo, frente a Atenas, se alzará otra Polis igual de fuerte, Esparta, con un ideal de vida mucho más oligárquico, militar y disciplinario, que convocará una alianza de Polis contra Atenas, a la cual derrotará en las Guerras del Peloponeso (431-404 a. C.), lo que supondrá la crisis del ideal griego y la llegada del imperio con Alejandro Magno.

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TEMPLO DE ATENEA NIKE

Templo jónico en miniatura. Tetrástilo y anfipróstilo y con columnas de fuste monolítico, sin tambores. Es famoso por su friso decorado.

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ERECTEIONPórtico este

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El Erecteion constituye una obra maestra del orden jónico. Fue construido entre los años 421 y 406 a. C. para reemplazar al antiguo templo de Atenea Polias, destruido por los persas el 480 a. C. durante las guerras médicas.

Albergaba los cultos más antiguos de la ciudad y estaba consagrado a los dioses Atenea Polias (advocación de Atenea como protectora de la ciudad), Poseidón, Hefesto y a Erecteo, mítico rey de Atenas, que había sido fulminado por Poseidón y estaba enterrado en ese lugar. La accidentada topografía y el temor a destruir los antiguos santuarios que configuraban la esencia religiosa de la ciudad condicionó la configuración final del edificio.

El arquitecto, posiblemente Mnesicles o Filocles, se vio obligado a idear un templo de complicada planta asimétrica, integrando varios cuerpos en distintos planos, con un desnivel de tres metros.

Pórtico norte

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La naos o cella principal del templo, cuyo pórtico se abre al este, está precedida por un pronaos hexástilo. Tiene forma rectangular y estaba dedicada a Atenea Polías. Albergaba el «xoanon» o antigua estatua de madera de Atenea. Esta estatua de Atenea era la principal imagen de culto en Atenas.

A las otras tres naos se accede por la fachada norte a través de un gran pórtico tetrástilo, con cuatro columnas jónicas en la fachada y dos en los laterales. Este pórtico, dedicado al dios Poseidón, se encontraba aproximadamente tres metros por debajo del pórtico de la fachada este. Desde el pórtico se accedía a la cella más grande dedicada a Poseidón y al legendario rey Erecteo, donde se encontraba la tumba de Erecteo y el "mar de sal" de Poseidón.

Esta cella se comunicaba con la famosa tribuna de Cariátides, desde donde se podía contemplar el Partenón.

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Fachada sur: Pórtico de las Cariátides

El Erecteión se completa con un pórtico en el lado sur que resulta una de las partes más conocidas del templo: el Pórtico de las Cariátides. Se trata de un pórtico a modo de balconada que presenta seis estatuas-columna, de figuras femeninas drapeadas, de 2,3 metros de altura, realizadas por el escultor Alcamenes, fiel seguidor de Fidias, y capaz por ello de dotar a sus piezas de un virtuosismo técnico, no exento de la gracia y la elegancia heredada de su maestro. Representan a las muchachas procedentes de Caria, la ciudad traidora que había colaborado con el invasor persa durante las Guerras Médicas, y que por ello fueron vendidas como esclavas y condenadas a llevar las más pesadas cargas, como ocurre en este caso con el entablamento del pórtico. Su imagen en aquel lugar sagrado venía a ser un recordatorio de la suerte que les espera a los traidores. De su importancia escultórica se deriva el propio término de cariátide como sinónimo de estatua-columna femenina. Las cariátides que se encuentran in situ son réplicas. Cinco de las originales se encuentran en el Museo de la Acrópolis, protegidas de la corrosión y de la polución, y la otra en el Museo Británico de Londres.

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PROPILEOS

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Altar de ZeusDe época helenística destaca el Altar de Zeus en Pérgamo. Es la muestra más significativa de los templos abiertos de este periodo. Se construyó sobre un alto zócalo decorado con relieves y que lleva a un pórtico jónico al que se accede por una escalinata. Ya no es un templo de proporciones humanas y en él se observa la ostentación propia de los imperios orientales.

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TEATRO DE EPIDAURO

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En la arquitectura civil, los griegos utilizaron los mismos órdenes y sistemas constructivos que en la arquitectura religiosa. Además de crear el teatro como género literario, los griegos edificaron los primeros teatros de la historia. Constaba de tres elementos fundamentales:La orchestra (orquesta). Es circular y se utilizaba para los movimientos del coro y las danzas en honor de Dionisos. En su centro se elevaba un altar dedicado a este dios.El Théatron (cávea para los romanos). Es el graderío. Está dividido en dos sectores por una galería, y en secciones triangulares por las escaleras de acceso. Es ultrasemicircular. La Skené (escena). Edificación tangente a la orchestra que sirve de telón de fondo y se decoraba con columnatas e incluso en ocasiones con artilugios giratorios. No existía en los primeros ejemplos. Dentro de ella, se situaba el proscenio, plataforma de 3 ó 4 m. de altura que ocupaba la parte anterior de la escena. En ella actuaban los actores cuando empiezan a independizarse del coro.

El teatro griego aprovecha la pendiente natural de una colina para la construcción del graderío, mientras que entre los romanos éste será exento.

Uno de los mejor conservados es el teatro de Epidauro (siglo IV a.C.), atribuido a Policleto “el joven”.

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Las principales características de la escultura griega son:

• El hombre será el centro de la escultura griega: antropocentrismo.

• Existe gran interés por la belleza formal, basada en la armonía y la proporción.

• Los esquemas compositivos evolucionan, pasando de una escultura estática y reposada, de esquemas cerrados, a una escultura con movimientos (contrapposto, composiciones en diagonal, etc), pasando de la simplicidad arcaica al barroquismo helenístico, ganando en expresividad y dinamismo sólo con el tiempo.

• Naturalismo idealizado más que realismo, se trata de crear tipos ideales, no de reproducir rasgos individuales.

• Consiguen dominar el volumen y la tridimensionalidad, aunque a veces está sometida a la arquitectura (frontones, metopas, frisos).

• Materiales: Al principio en madera, luego sustituida por la piedra (mármol principalmente). También es muy utilizado el bronce (a la cera perdida) y, excepcionalmente, se realizan estatuas crisoelefantinas (de marfil, oro y plata).

• Las esculturas generalmente estaban policromadas, salvo las obras realizadas en bronce.

ESCULTURA

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Evolución• Durante la etapa arcaica nace la escultura griega, ajustada a la ley de la frontalidad. Las obras

presentan una estructura sólida y compacta, con rasgos anatómicos reducidos a esquemas: anchas espaldas, pliegue inguinal muy marcado, pómulos muy salientes, grandes ojos almendrados, sonrisa arcaica, cabellos largos y rizados. Se adoptan unos tipos concretos denominados “kuros” (atleta) y “koré” (doncella). Siglos VIII al VI a.C.

• Durante la etapa clásica se produce un avance hacia el naturalismo: se abandona la frontalidad, consiguiéndose un movimiento más natural; los rostros presentan una expresión más serena y los cabellos y ropajes reciben un tratamiento más naturalista; la anatomía humana se conoce mejor, llegándose a la máxima perfección, es decir, a la belleza ideal. La etapa Clásica se desarrolla entre los siglos V y IV a.C. Se pueden diferenciar tres fases:– Clásico Severo: la escultura se va liberando de la rigidez arcaica y desarrolla una serie de pautas en el concepto

de movimiento y composición.– Clásico Pleno: coincide con el apogeo de Atenas a mediados del siglo V a. C. Aparecen entonces las figuras más

sobresalientes de la escultura griega: Fidias, Mirón o Policleto. Sus obras fijan los ideales de belleza y perfección técnica que define el arte clásico.

– Clásico Tardío: el final del siglo V a. C. será una etapa marcada por el declive de Atenas y la escultura tiende a un canon más estilizado, acentúa el movimiento e incluso se busca sensación de desequilibrio, rompiendo la armonía. Praxíteles, Skopas o Lisipo son los artistas más destacados de este periodo.

• Durante el helenismo se llega a un naturalismo pleno: se representa la realidad en su estado más puro, con escenas que recogen todos los aspectos de la vida (pasión, dolor, violencia, fealdad, etc.). El período Helenístico se desarrolla a partir del reinado de Alejandro Magno (336-323 a. C.), hasta la conquista de Grecia por Roma, a mediados del II a.C.

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Escultura arcaicaCleobis y Bitón En este periodo las esculturas son muy toscas,

poco movimiento se puede apreciar en ellas. Falta de expresividad y gran hieratismo, como sucede con las esculturas egipcias. Las características principales de las esculturas arcaicas:• Los esquemas de composición muy rígidos y compactos, como por ejemplo, brazos pegados al cuerpo y cabeza de cuello grueso.• Los ojos, la boca y la nariz, sobresalen de manera poco natural, y la boca tiene una sonrisa estática, fija, se la denomina sonrisa arcaica.• La composición es totalmente frontal y perfectamente recta.

Esta etapa duraría desde finales del siglo VII hasta las guerras persas, es decir hacia el 480 a.C. Los ciento cincuenta años indicados son un largo periodo de estudio, de tanteos, para entender y explotar los límites del material, para crear formas realistas partiendo de un bloque de piedra.

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Dama de Auxerre Kore del Peplo

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Kuros de AnavysosAutor: DesconocidoCronología: 525 a.C.Estilo: Griego ArcaicoDimensiones: 1,94 metros.Localización: Museo Nacional de Atenas.

El Kouros de Anavyssos es una obra escultórica exenta, realizada en mármol. La escultura muestra un hombre de pie, desnudo y frontal, con los puños cerrados y prietos contra los muslos, y con la pierna izquierda adelantada como si quisiera avanzar, ojos almendrados y abultados, largos cabellos en forma de zig-zag que caen sobre los hombros y con labios arqueados con una expresión que se conoce como "sonrisa arcaica". Predominan los elementos geométricos en el tratamiento de la anatomía corporal, que se manifiesta en zonas como el cabello o la musculatura y definen partes simétricas: brazos y piernas cilíndricos, tórax excesivamente abombado y abdomen muy reducido, por lo que parece desproporcionado. Es importante también destacar los convencionalismos a los que se somete la figura humana. Además de la geometrización anatómica, es importante el hieratismo, solo roto por la pierna adelantada, la simetría y la frontalidad, ya que es una obra pensada para ser vista de frente. Es una obra completamente estática, ya que no se consigue representar el movimiento, ni crear espacio alrededor de la estatua, que es un bloque de mármol. El tratamiento de la superficie es aún bastante rudo, aunque más avanzado que en obras anteriores, de manera que se va evolucionando no solo en el tratamiento de la anatomía masculina, sino también en el logro de las diferentes texturas: los cabellos, la piel... El término “kuros” se puede traducir como “atleta”, de modo que representaría a algún ganador de los Juegos Olímpicos de la antigua Grecia, aunque algunos especialistas han considerado durante mucho tiempo que se trataba de representaciones del dios Apolo. En cualquier caso, tiene función honorífica o conmemorativa, pues se trata de homenajear a los ganadores de los juegos. El “Kuros de Anavyssos” pertenece ya a la última etapa de la época arcaica griega, de tal modo que tiene como antecedentes las “xoanas”, figuras votivas de la época oscura, y los primeros “kuroi”, como los hermanos “Cleobis y Britón”, en los que se aprecia un menor control de la técnica escultórica y menos capacidad en la representación de la figura humana. Trascendencia: el gusto por la representación del desnudo masculino continúa desarrollándose en la civilización griega mediante las esculturas de dioses y atletas, de manera que los principales escultores de la época clásica trabajarán la anatomía masculina, como Mirón (Discóbolo), Policleto (Doríforo), Praxíteles (Hermes de Olimpia), Lisipo (Apoxiomeno), etc. Por otra parte, en el periodo arcaico se desarrollaron también esculturas femeninas, las “korai”, que serían el equivalente femenino a los “kuroi”; representan jóvenes doncellas, vestidas con peplo, con expresión y composición similar a las figuras masculinas, y con función votiva.

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Escultura clásica: estilo severoLas esculturas del primer tercio del siglo V a. C. representan la transición que desemboca en el periodo clásico pleno. Es conocida como la etapa del Estilo Severo que durará hasta la época de Fidias.

Poco a poco van desapareciendo algunas de las características propias del arcaísmo: la escultura fue haciéndose cada vez más naturalista, idealización de la figura humana, ruptura del rígido frontalismo anterior, de modo que las figuras adquieren posturas y movimientos hasta entonces desconocidos; se observa un avance en el conocimiento anatómico, perdiendo la sonrisa arcaica y acentuando la severidad de los rostros. Pitágoras de Samos es, con toda probabilidad, el escultor del Auriga de Delfos, realizada hacia el 474 a.C. Es una de las esculturas más importantes de la plástica griega. Se trata de uno de los pocos originales que conservamos de la escultura en metal, que en Grecia fue incluso más importante que la elaborada sobre piedra o mármol. Formaba parte de una cuadriga de bronce que ofreció a Delfos un príncipe de Sicilia con motivo de la victoria obtenida por uno de sus carros. La figura erguida, con la larga túnica y la actitud impasible, recuerda mucho las esculturas arcaicas. Sin embargo, elementos como la marcada frontalidad desaparece gracias a la introducción de matices que dotan a la figura de una mayor tridimensionalidad: el cuerpo acentúa levemente la torsión lateral, de acuerdo con los brazos y cabeza; el juego de los pliegues de la túnica, ceñidos en la cintura y sueltos en el torso, crean un volumen que rompe con el hieratismo propio de épocas pasadas. El rostro mantiene un gesto sereno en el que ha desaparecido la sonrisa arcaica, para dar paso a una expresión centrada.

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Escultura clásica: clasicismo plenoMirón: el Discóbolo

Mirón fue un extraordinario broncista. A pesar de que sus obras revelan todavía ciertos aires arcaizantes, como el modo de esculpir los cabellos y la carencia de expresión en los rostros, supo captar con maestría el movimiento. Realizó casi con total seguridad dos de las obras más importantes de la escultura griega: • El Discóbolo, que representa a un lanzador

de disco en el mismo instante de lanzarlo al aire. Todos los músculos del atleta se encuentran en tensión y en movimiento mientras la cara se encuentra totalmente relajada, no responde a la violencia del esfuerzo y permanece inalterable, pues está impregnado de la Sofrosiné (la calma inmutable de los dioses, expresión anímica del equilibrio y armonía estética).

• El Grupo de Palas Atenea y Marsias, grupo escultórico que realizó para la acrópolis de Atenas.

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Policleto: DoríferoPolicleto se interesó en conseguir la imagen del hombre ideal. Por eso buscó un canon o prototipo ideal investigando las proporciones más armónicas eligiendo el canon de las siete cabezas.

Entre sus obras destaca el Doríforo, representación de un atleta que porta una lanza, caminando relajadamente. Su postura se convertirá en una tendencia general: el contraposto. Consiste en separar las piernas y apoyar todo el peso en una de ellas mientras que la otra queda liberada y en semiflexión y ligeramente atrás, a la vez que se arquea todo el cuerpo, el eje del torso e incluso el eje de la cabeza. Es una postura tranquila, relajada, elegante pero no estática y supone el abandono del frontalismo.En el Diadumedos, o atleta que ciñe la diadema del triunfo, presenta el mismo esquema, aunque con formas más sueltas. El contrapposto es más acusado y tiene una mayor curvatura en el eje del torso. Su expresión es también de concentración y serenidad. El canon de la mujer lo plasma en su obra Amazona herida realizando esta obra en una competición en la que ganó a Fradmon, Crésilas y Fidias.

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Diadumedos

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FidiasAtenas impone su liderazgo cultural en escultura a través de la figura de Fidias, cuya influencia marcará el arte griego durante todo el siglo V.

Lo que más destaca en Fidias es el tratamiento de los ropajes. Los abundantes y sinuosos pliegues de las telas que se pegan al cuerpo como si fueran “paños mojados” no impiden hacer un buen estudio anatómico.

Fidias es, sobre todo, el gran escultor de Palas, la diosa ateniense, de la que hizo varias obras (Atenea Lemnia, Promacos...), pero, sin duda, su gran obra fue la Atenea Partenos, realizada para ser expuesta en el Partenón. La esculpió en oro y marfil (crisoelefantina) y con los ojos de esmeralda, medía más de 10 metros. No ha llegado hasta hoy en día y se conoce su existencia gracia a las copias en mármol.

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Pericles le encargó varios trabajos en la Acrópolis de Atenas: los frontones del Partenón, las metopas del friso exterior y el friso interior.

• En su frontón oriental, narra el nacimiento de Palas Atenea de la cabeza de Zeus.

• El frontón occidental lo ocupa la lucha entre Atenea y Poseidón por el dominio de la ciudad de Atenas con gran estudio del movimiento.

• El friso corrido, situado en el muro exterior de la cella, representa, con viva policromía, la procesión de las Panateneas. Tiene 160 m. de extensión y 104 cm. de altura; en él aparecían los dioses, jóvenes sobre briosos corceles, doncellas, animales para el sacrificio, etc., hasta un total de 400 personajes.

• En las metopas, que suman un total de 92 figuras, en ellas se relata la centauromaquia, la gigantomaquia, la amazonomaquia y la guerra de Troya. Son figuras de relieve bastante abultado sobre fondo liso, por lo que puede observarse con gran nitidez la calidad del dinamismo, el movimiento, que adquiere efectos dramáticos y una variada gama de expresiones, escorzos y disposiciones escénicas.

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FIDIAS: Friso de las Panateneas

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Fidias: frontones del Partenón

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Escultura clásica: clasicismo tardíoPraxiteles

Apolo Sauróctono• Figura que cabalga entre el clasicismo del

siglo V y el realismo expresivo del siglo IV.• Intentó dar un aire psicológico a sus

figuras, una expresión sutilmente melancólica. Prefirió los cuerpos adolescentes modelados con suma delicadeza. La pose es siempre la misma: arquea el torso para apoyarse en un objeto lateral formando un contrapposto exagerado, con una curva muy pronunciada entre la pierna, la cadera y el torso. Esta “curva praxiteliana” será copiada por artistas posteriores.

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PraxitelesAfrodita de Cnido Hermes de Olimpia

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LisipoApoxiómeno

Lisipo representa la transición entre lo clásico y el helenismo. • Impuso un nuevo canon de belleza, en

el que la cabeza suponía la octava parte de la altura total del cuerpo, lo que proporcionaba una mayor esbeltez.

• Deja atrás el frontalismo, de manera que sus esculturas pueden verse desde distintos puntos de vista.

Su obra más conocida es el Apoxiomeno, escultura que representa a un atleta, de rostro cansado por el esfuerzo, en el momento de limpiarse, con el estrígilo, el polvo mezclado con el sudor y el aceite tras la competición.

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LisipoFue un maestro en el retrato regio. Cultivó el llamado retrato de personalidad, ya que sus obras reflejaban más el carácter del individuo que la función que ostentaban. Este tipo de retrato se impuso plenamente en el helenismo.• En el Ares Ludovisi, dios de la

guerra, la postura sentada pero no relajada, puesto que está en tensión, y su mirada fija y concentrada en un punto demuestra nuevas inquietudes.

Ares Ludovisi

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Escultura helenística

A finales del siglo IV la escultura abandona definitivamente el equilibrio clásico y adopta otras características: • Tendencia hacia la orientalización (favorecida por las conquistas de

Alejandro Magno).• Acentuación del movimiento, del patetismo y de la tensión.• Predilección por nuevos temas (fantásticos, de la vida cotidiana,

anecdóticos).• Desarrollo de los retratos más naturalistas, sin idealización y que se

recrean en los defectos físicos, en lo feo, en la vejez, etc.• Surgen escuelas y hay una expansión hacia Asia Menor y el área

oriental del Mediterráneo. Las escuelas más importantes son la de Pérgamo, Rodas y Alejandría.

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La escultura helenística

El Espinario Retrato de Séneca

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Escuela de Rodas

En la Escuela de Rodas se sabe de la existencia de Cares de Lindos, un gran escultor que hizo una escultura de un gran coloso que franqueaba el puerto de Rodas, los barcos pasaban entre sus piernas. Parece que fue discípulo de Lisipo. Otras obras de esta escuela son:

La Victoria de Samotracia Es del s. II a. C. y su autor no se conoce. Es una victoria que acaba de posarse en la proa de un barco, de ahí el estudio del cuerpo y de las telas. Hay un gran movimiento en distintas direcciones. La tela es muy fina y está pegada al cuerpo, permite observar la anatomía perfectamente, pero también hay zonas en las que se arremolina con numerosos pliegues y líneas en diagonal. Las plumas de las alas también son muy reales.

Victoria de Samotracia

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Escuela de RodasLaocoonte y sus hijosEste mármol fue hallado en 1506, y cuando fue descubierto tuvo

un grandísimo impacto en el arte, ya que el movimiento que implica la composición de estas figuras fueron todo un modelo para los escultores y pintores de ese siglo y los posteriores, de hecho fue clave para sentar las bases de lo que sería el Barroco.A pesar de las diferentes hipótesis que se han barajado, lo más probable es que fuera realizado en el siglo I d. C. para un mecenas romano, por los artistas Agesandro, Polidoro y Atanadoro, de la Escuela de Rodas.

El personaje representado es Laocoonte, un sacerdote de Troya que intentó avisar a sus conciudadanos del peligro que conllevaba recibir el famoso regalo del caballo de Troya. Sin embargo, la mitología clásica y el relato de la Iliada de Homero cuenta que los dioses estaban del lado de los griegos que querían conquistar la ciudad y por eso enviaron dos crueles serpientes para que mataran al sacerdote y a sus dos hijos. Es precisamente ese momento el que se representan en esta escultura.

Capta el dolor físico pero, sobre todo, el dolor interno y moral al ver morir a sus hijos. Son cuerpos en tensión intentando librarse de las serpientes.La composición es triangular, la anatomía está marcada por la tensión. Las extremidades están enfrentadas para formar composiciones en asta y hay un continuo estudio de entrantes y salientes. Los ojos están hundidos y la boca entreabierta por influencia de Escopas. Actualmente se encuentra en el Vaticano.

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Escuela de Pérgamo

Galo suicida Galo moribundo

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Altar de Zeus en Pérgamo

La escultura se encuentra en el friso corrido y está en altorrelieve. El tema es el de la gigantomaquia, la lucha de los dioses contra los gigantes. Mide algo más de 100 metros y hay figuras de hasta dos metros de altura. Hay una gran riqueza de actitudes y posturas. A los dioses se les da un tratamiento clasicista, mientras que los gigantes se les trata de una manera más humana, por lo que se refleja la fealdad, etc. Hay una influencia clara de Escopas ya que se deja ver claramente el pathos con los ojos hundidos y las bocas abiertas. Estaba bastante deteriorado pero se reconstruyó.