UD. 7 RENACIMIENTO

ESCULTURA

QUATTROCENTO

Puertas del Paraíso- Ghiberti

El Arca de Noe

El sacrificio de Isaac

Cuenta la tradición que el propio Miguel Ángel empleó la denominación de "Puertas del

Paraíso" para referirse a una de las que daban acceso al Baptisterio de la catedral de Florencia.

A comienzos del siglo XV se convocó un concurso para elaborar otras puertas (las del

lado norte) que fue ganado por el orfebre Lorenzo Ghiberti (1378-1455). La obra presentaba 28

relieves en bronce que narraban, en veintiocho paneles, escenas del Nuevo Testamento y aún eran

visibles en ella ciertas influencias de la escultura gótica.

Colocadas esas puertas, Ghiberti recibió, el encargo de elaborar las terceras puertas (del

lado este del baptisterio). El escultor tardó más de veinticinco años en dar por acabado su trabajo.

Ghiberti acabó aquí con las influencias góticas de manera completa. Para ello, compartimentó el

espacio en diez paneles, aprovechando por completo el espacio disponible en cada uno. Y en ellos

colocó un ciclo de escenas del Antiguo Testamento.

En estas Puertas del Paraíso las figuras se adaptan cánones de la perspectiva y, al

mismo tiempo, el relieve se va aplanando conforme nos adentramos en cada escena, hasta resultar

casi absolutamente plano en los fondos. Por el contrario, en los primeros planos predomina el

volumen y la corporeidad de los personajes. De esta forma la profundidad es aquí el elemento

relevante, junto a la proporción en las representaciones y un destacado gusto por el naturalismo en la

composición de las escenas. El arte gótico queda atrás, sustituido por una verdadera joya de la

escultura renacentista.

Las Puertas contienen también, en los marcos laterales y en los listones verticales de

separación, todo un repertorio de pequeñas esculturas, de figuras bíblicas, motivos vegetales y

algunos diminutos bustos de personajes, entre los que se halla el propio autorretrato de Ghiberti.

San Jorge - Donatello

La escultura de San Jorge pertenece a las primeras obras realizadas por

Donatello, concretamente en el año 1415, en la que aún estaba en pleno

proceso de indagación artística.

La realizó por encargo del gremio de los armadores, para una de las

hornacinas exteriores de la iglesia de Or San Michele, la iglesia gremial de

Florencia, donde cada cooperación de artesanos y comerciantes contaba con

una estatua de su santo patrón.

Está ejecutada en mármol y su altura es algo mayor que el natural (2,15

metros). Formalmente, expresa la fuerza de la juventud con una actitud serena,

propia del soldado cristiano, mediante un tratamiento renacentista: clásico y

equilibrado, sin caer en la rigidez a pesar de su posición estática. Enlaza con

una de las características de Donatello: representar los diferentes estados del

hombre a lo largo de la vida: infancia, juventud, madurez y senectud.

Debajo de la hornacina, un panel en relieve representa la lucha del santo

contra el dragón para rescatar a la princesa cautiva. Este sencillo complemento

de la estatua es una obra revolucionaria desde el punto de vista técnico, pues

emplea por primera vez un tipo de relieve denominado stiacciato, característico

de su estilo y que, a pesar de su mínimo resalte, consigue una sensación de

profundidad completamente verosímil.

Condottiero Gattamelata

El Condottiero Gattamelata es un retrato de Erasmo de Narni, más

conocido por el sobrenombre de Gattamelata, caudillo italiano y mercenario al

servicio de Venecia.

La escultura fue realizada por Donatello (1386-1468) entre los años

1447 y 1453, para ser colocada en la plaza existente ante la basílica de San

Antonio, en Padua, donde aún sigue. La obra es al mismo tiempo el sepulcro del

Gattamelata, lo que explica la altura del conjunto, que alberga la cámara

mortuoria.

Vemos en la escultura como el personaje avanza a caballo portando el

bastón de mando en su mano derecha y ciñendo al cinto una espada, mientras su

mirada se pierde en el horizonte. Todo aquí refleja serenidad y equilibrio. Es más,

algunos elementos remiten a la retratística romana, como el interés por captar la

psicología del personaje, o la propia coraza que éste porta.

Parece como si Donatello hubiese puesto todo su interés en dotar al

condottiero de dignidad y majestuosidad, elementos que se trasladan también al

propio caballo, uno de cuyos cuartos delanteros apoya sobre una bola de bronce,

material en el que está elaborada toda la escultura.

Está inspirada en la estatua (ecuestre también) dedicada

al emperador Marco Aurelio que está frente a la Basílica de Letrán en Roma.

David de Donatello

El David de Donatello se conoce también como el “David de Barguello”

por estar expuesto en el Museo Nazionale del Barguello en Florencia. Se realizó

entre los años 1444-1446.

Es la primera vez, desde la Antigüedad clásica, que un escultor se

atreve a crear un desnudo tridimensional de tamaño natural. Y lo hace

presentando a un David adolescente, grácil y victorioso. En su composición,

Donatello recupera los preceptos clásicos de la escultura: contrapposto (más

agudo que el Doríforo, por ejemplo, y más cercano a Praxíteles) bien marcado

por la posición de las caderas y valiéndose de la espada como punto de apoyo

para la pierna que sujeta todo el peso. La posición de los brazos pretende

compensar el ángulo de las piernas; y el conjunto entero resulta de gran ritmo,

rematado por la posición de la cabeza, ligeramente inclinada hacia abajo,

contemplando la victoria.

La pierna que pisa, la espada afilada, y la mirada altiva, le confieren un

aspecto de valentía a David, que trata de contrarrestar los grácil y afeminado de

la figura.

El David de Donatello va más allá de representar el relato bíblico del

enfrentamiento entre el joven pastor David y el gigante Golliat. Hay que anotar la

alusión a los duques de Milán que amenazaban a Florencia, en el yelmo que lleva

Golliat; y en el sombrero de David, el típico sombrero campesino de los

florentinos.

CINCUECENTO

Piedad del Vaticano – Miguel Ángel

La Piedad del Vaticano consagró a Miguel Ángel como escultor a los 23 años. Fue

esculpida en mármol entre los años 1498 y 1499, y se encuentra en la Basílica de San Pedro

en El Vaticano.

Nos encontramos ante una representación de la Piedad, el momento en que María

sostiene sobre sí misma el cadáver de su hijo Jesús, recién bajado de la cruz. La obra

presenta una clara composición piramidal que muestra una extrema perfección en el

modelado. El escultor ha pulimentado el conjunto hasta dejar las superficies completamente

lisas. Un acabado perfecto que contrasta con el non finito que Miguel Ángel adoptará en otras

obras posteriores.

El contraste que observamos entre los pliegues de la vestimenta de María y los del

santo sudario con la desnudez casi absoluta del cuerpo de Jesús, puede indicar el interés por

la anatomía humana de Miguel Ángel y que nos remite al más puro clasicismo. Por otro lado,

toda la escultura está realizada sobre un único bloque de mármol blanco de Carrara.

Sin embargo, el dolor no acompaña a esa madre y tampoco está presente en los

rasgos del rostro de ese hijo que ha muerto víctima de crueles tormentos. No quiere Miguel

Ángel que ese tipo de sentimientos venga a romper el ambiente clasicista de la Piedad. De

forma que encontramos en ambos rostros una cierta idealización, muy al gusto de los

ambientes renacentistas interesados en las ideas neoplatónicas.

Miguel Ángel afirmaba que “la madre tenía que ser más joven que el hijo para

mostrarse eternamente virgen; mientras que el hijo, incorporado a nuestra naturaleza

humana, debía de aparecer como un hombre cualquiera.

Se sintió tan orgulloso de esta obra, que en la banda que cruza el pecho de María

puso su firma: "Miguel Ángel Buonarroti florentino, me hizo“. Es la única obra de Miguel Ángel

que aparece firmada.

David – Miguel Ángel

El David de Miguel Ángel tiene 4’34 metros de altura, en mármol, hecho por

encargo para la catedral de Santa María de las Flores, pero que fue colocada en la

Plaza de la Signoría de Florencia y posteriormente trasladada a la Galería de la

Academia de Florencia. En la Plaza de la Signoría se colocó una copia.

Representa a David como joven atleta, desnudo y musculoso, con la mirada

penetrante y fija, a la espera de divisar a Goliat. En la mano derecha sostiene la

piedra, y con la izquierda sujeta la honda.

A la perfección clásica del modelado del cuerpo, se unen estratégicos

detalles que dan vitalidad y revelan un cuerpo sometido a gran tensión: la cabeza

sobredimensionada; la mirada expectante y segura; el vigor concentrado en su mano

robusta, cuyo tamaño exagerado la hace más poderosa, la disposición en zig-zag del

cuerpo… Son recursos de la terribilità, que lo alejan de los cánones clásicos a favor

de la expresividad. Miguel Ángel sorteó la frontalidad al dar un leve giro a la cabeza,

que invita al observador a rodear la figura.

La escultura es de nuevo un símbolo político de la independencia de la

República de Florencia frente a otros Estados que querían apoderarse de ella

(Estados Pontificios) y frente a dirigentes que fueron derrotados (Los Médicis)

Moisés de Miguel Ángel

El Moisés fue realizado entre los años 1513-1516 en mármol, y actualmente se

encuentra en la iglesia romana de San Pietro in Vincoli . Es una de las esculturas que Miguel

Ángel proyectó para la tumba del papa Julio II de Médici.

Un gigantesco Moisés, de 2’35 metros de altura, sentado que porta bajo su brazo

derecho las tablas de la ley, mientras con la misma mano se mesa la barba. No mira al frente,

sino que gira su cabeza hacia la izquierda, mientras el pie de ese mismo lado inicia un

movimiento en leve contrapposto que rompe el equilibrio de la obra y transmite al espectador

una clara imagen de energía, de dinamismo que niega el equilibrio habitual de una estatua

sentada.

Miguel Ángel capta el momento en que Moisés tras permanecer en el monte Sinaí

cuarenta días, ha recogido el mensaje divino: los diez mandamientos. Ha estado en contacto

con la poderosa presencia del mismo Dios y de su cabeza aún irradian rayos de luz. Vuelve

hacia su pueblo y encuentra a Israel adorando falsos ídolos, un becerro de oro elaborado con

las joyas que se han podido reunir en medio del desierto. Moisés entra en cólera, tensa sus

músculos y va a levantarse de su asiento.

Miguel Ángel capta la energía y decisión, asombro y enfado ante la idolatría de su pueblo de

Moisés. Un minuto después romperá en mil pedazos las tablas de la ley, mientras Israel se

apresta a recibir el castigo divino.

Esa tensión dramática, ese interés en reflejar el patetismo de la situación es lo que

ha venido a denominarse terribilitá, la característica más definitoria de esta obra. Vemos

aquí el rostro colérico, la mirada penetrante, ese juego de tensiones entre una pierna

adelantada y la otra retraída, la extraordinaria longitud de la barba, el movimiento del brazo

izquierdo que se apresta a recoger las tablas de la ley, el juego de pliegues de la ropa, la

fuerza muscular que irradia toda la escultura. La fuerza del profeta emana claramente de su

interior y se nos manifiesta en la cólera que el artista sabe transmitirnos.

Lorenzo de MedicisCrepúsculo - Aurora

Giulano de MedicisDía - Noche

El papa Clemente VII, hacia el año 1520, le encargó el proyecto para las tumbasde sus familiares Lorenzo el Magnífico, padre de León X, y su hermano Juliano, (padrede Clemente VII), en la sacristía de la basílica de San Lorenzo de Florencia.

Una vez aprobado el proyecto, no se empezó a realizar hasta 1524, cuandollegaron los bloques de mármol de Carrara. Miguel Ángel aplicó las esculturas al lado dela arquitectura de las paredes; todas las molduras y cornisas cumplen la función desombra y luz y, se componen de un sarcófago curvilíneo sobre las que hay dos estatuascon la simbología del tiempo.

En la de Lorenzo, el Crepúsculo, con los trazos de un hombre que envejece peroque aún tiene plena posesión de su fuerza, el cual tiene una actitud simétrica a laAurora, que se encuentra a la derecha y por encima de ambas, dentro de unahornacina, la estatua de Lorenzo, que tiene la cabeza cubierta con el casco de losgenerales romanos; su actitud de meditación hizo que enseguida se le conociera con elnombre de «el pensador».

Encima de la tumba de Juliano están las alegorías de la Noche, que a pesar desimbolizar la muerte anuncia la paz suprema y el Día que muestra la cabeza inacabadade un hombre, siendo muy singular esta representación de una persona mayor.Simboliza la imagen del cansancio de empezar un día sin desearlo. Sobre ellas laestatua de Juliano, con un gran parecido a la escultura del Moisés de la tumba de JulioII; a pesar de la coraza con la que lo vistió, se aprecia el cuerpo de un joven atleta.

En definitiva, los retratos de estos personajes de la casa Médicis son másespirituales que físicos, se muestra más el carácter que no la apariencia material. Lacondición de non finito de las alegorías masculinas y la distorsión de los cuerpos acausa de las complejas posturas que adoptan, alejan la obra de Miguel Ángel de losideales renacentistas y presagian el Manierismo