Método Dalcroze

Las principales ideas del método Dalcroze son: Los rasgos sobre los que el profesor construye su clase: la escucha, la práctica y la improvisación.

• Escucha: Jaques-Dalcroze encontró maneras de hacer que los niños fueran comprendiendo la música gracias a su audición en la clase teórica.

• Practica: La teoría sigue a la práctica. Una serie de ejercicios, que van desde lo que el niño conoce a lo que no conoce, lleva a los alumnos a comprender teóricamente un concepto gracias a haberlo escuchado y experimentado previamente.

• Improvisación: en un primer nivel, es el profesor el que improvisa en clase a través del piano. En un segundo nivel, los estudiantes improvisan con el movimiento, con la canción y con los instrumentos.

Características: Esta habilidad de manipular conceptos a través de la improvisación en lugar de repetir información memorizando, lleva a la verdadera comprensión. Además, la observación de la improvisación permite al profesor ver qué es lo que el niño ha interiorizado y qué debe seguir trabajando. El inconveniente de este método se presenta para aquellos que quieran "resultados rápidos". El método Dalcroze tiene profundos efectos en la interpretación musical, pero no está orientado a ofrecer resultados visibles a corto plazo.

Ireneu Segarra

La idea principal del método Ireneu Segarra es que: Está pensado principalmente para ser aplicado en escuelas de música especializadas, aunque también puede darse en escuelas normales, siempre y cuando le dediquen a la música un tiempo diario. Consta de 8 cursos. Características: La canción es la base del método, como en el método Kodály. Se empieza por canciones populares sencillas, pero se llega a canciones extranjeras más complicadas o de otras épocas de la historia de la música. Se da mucha importancia a la educación sensorial: experimentar antes que asimilar. Se trabaja, pues, la educación rítmico-motora y del oído para desarrollar el sentido musical de los niños y preparar el camino para futuros aprendizajes. El aspecto rítmico se basa en el trabajo motor que permite obtener una buena coordinación y una independencia de movimientos, tanto individuales como en grupo. En el aspecto melódico se prepara el oído para captar el sentido ascendente o descendente, la relación de las frases, etc.

También se concede gran importancia a las audiciones, que amplían el horizonte de conocimiento de la música y ayudan a adquirir el hábito de escuchar.

Método Kodály

Las principales ideas de Zoltan Kodály son: � La música es una necesidad primaria de la vida. � Sólo la música de la mejor calidad es buena para la educación de los niños. � La educación musical empieza nueve meses antes del nacimiento del niño. � La instrucción musical debe ser una parte de la educación general. � El oído, el ojo, la mano, y el corazón deben ser educados a la vez. Características: Se trabaja mucho con la canción. La coral sirve para convertir el aprendizaje de la música en algo útil y práctico para el niño. Kodály cree que el mejor sistema para desarrollar las aptitudes musicales es la voz, que es el instrumento más accesible a todos. Se enseña música a través de las canciones por una razón: las canciones infantiles acostumbran a utilizar las mismas notas, los mismos ritmos, etc. Así, el niño se acostumbra a escuchar esas notas, esos ritmos y, en consecuencia, parte de la práctica para llegar después a la teoría. En este método se trabaja principalmente con la música tradicional del país natal del niño, pretendiendo que su aprendizaje sea paralelo al aprendizaje de la lengua materna del niño. Sólo cuando el niño domine esta música podrá introducirse material extranjero. En el aprendizaje del instrumento se tocan las mismas piezas que se han aprendido cantando. A la vez, se tiene muy en cuenta el aspecto social de la música, dejando que el niño toque con sus compañeros, con el profesor, etc. El inconveniente que tiene este método es que las canciones con las que se aprende son muy básicas y sencillas. Por eso, si nos decidimos por este método, es muy importante que el niño empiece a estudiar música de bien pequeñito. Si nuestro hijo ya tiene 11 años no querrá cantar "Cinco lobitos", pero si se lo podemos pedir a un niño de 3 años, estará encantado

Método Orff

Características: Con el método de Carl Orff se pretende enseñar los elementos musicales en su estado más primitivo. Los instrumentos utilizados en este método no requieren una técnica especial (como el violín o el piano). Así, hablamos de pies, manos, etc., o instrumentos básicos como el tambor o el triángulo. Se basa en los juegos de los niños y en aquello que el niño comprende y utiliza normalmente.

El método está muy relacionado con el lenguaje, ya que los ritmos se trabajan muchas veces con palabras. De ahí se deduce que también las palabras se pueden trabajar con los ritmos, y por lo tanto encontramos en este método una gran ayuda para el habla de nuestro hijo. Se trabaja también con canciones populares, como hemos visto en el método Kodály, para que el niño practique con los elementos musicales más sencillos y pueda pasar después a aprender la teoría. Un aspecto muy desarrollado por el método Orff es el del movimiento, pero se trata de un movimiento corporal básico, no de ballet. Así, estamos hablando de caminar, saltar o trotar al ritmo de la música.

Método Suzuki

La idea principal del método Suzuki es que: Basa su filosofía en la creencia de que todos los niños tienen talento para hacer aquello que se propongan. Si todos los niños son capaces de aprender correctamente su lengua materna, también son capaces de aprender el lenguaje musical. Con este método, los niños empiezan a hacer música con 2-3 años. Se les pone música para escuchar, se les da un instrumento para investigar, para descubrir y cuando consiguen hacer un pequeño paso para imitar un sonido, se les motiva a continuar por ese camino. Características: El método Suzuki concede una gran importancia al papel de los padres en el aprendizaje de su hijo. De hecho, se pide que cuando el niño es muy pequeño, el padre o la madre estén en clase con su hijo y el profesor, formando de esta manera el llamado "Triángulo Suzuki". Este método nos pide una dedicación continua y sistemática. Un alumno que empieza debería tocar cada día acompañado de uno de sus padres durante 10 minutos aproximadamente. El niño sigue dos tipos de lecciones: una individual y otra en grupo. En la lección individual se trabajan los elementos técnicos como la postura del cuerpo, el movimiento del arco (en los instrumentos de cuerda, como el violín o el violonchelo), la colocación de las manos (sobre el piano, sobre el violín,...). En las clases de grupo, el niño comparte la música con los otros niños, reforzando todo aquello que ha aprendido en la clase individual. Las canciones y obras que los niños aprenden con el método Suzuki son muy atractivas, de forma que motivan al niño a aprender otras nuevas y así avanzar hacia obras más difíciles.

El método Suzuki: ningún niño sin música

Mi hijo de tres años es un saco de nervios. No puede estar más de cinco minutos en un mismo sitio, es incapaz de concentrarse en una actividad más de 30 segundos, todo lo toca, todo lo mueve... ¿Realmente es posible que aprenda a tocar el violín? Definitivamente, sí. Existe un método según el cual "todos los niños tienen talento". Se llama método Suzuki y contribuye a reforzar la perseverancia y el afán de superación de tu hijo.

El método Suzuki fue creado por Shinichi Suzuki con un lema muy concreto: ¡Todos los niños tienen talento!

Esto no siempre lo tenemos presente cuando vemos las notas de nuestros hijos. Cuando suspenden la asignatura de música pensamos que no han nacido para cantar o tocar un instrumento y les privamos de la multitud de beneficios que ofrece la música (los niños y la música). Pero quizá nos estemos equivocando. Quizá es que no lo están aprendiendo con el mejor sistema de enseñanza.

El Sr. Suzuki se dio cuenta de que todos los niños del mundo, aunque no sacaran buenas notas en la escuela, hablaban su lengua materna con gran fluidez. Hablar y expresarse requiere una gran habilidad.

Por lo tanto, ¿por qué un niño que habla correctamente su lengua no es capaz de seguir ciertas asignaturas de la escuela? La respuesta para él es muy sencilla: porque su capacidad no ha sido desarrollada a pleno rendimiento.

Desde aquel día, el Sr. Suzuki comenzó a analizar el proceso de aquel "Método de la Lengua Materna", tal como lo denominó. Y se dio cuenta de que cuando un niño aprende una lengua, se siguen siempre unas pautas:

• El niño se va acostumbrando a los sonidos del lenguaje por medio del ambiente que le rodea (oye hablar a sus padres, a sus abuelos, etc.).

• Este método nos pide una dedicación continua y sistemática. Un alumno que empieza debería tocar cada día acompañado de uno de sus padres durante 10 minutos aproximadamente. A medida que se hace mayor y se amplia su dominio musical, aumentará su

• Los padres intentan que aprenda palabras por medio de la repetición constante (por ejemplo "mamá", y "papá").

• Cuando el niño empieza a hablar, los padres reaccionan ilusionados, valorando todo pequeño progreso.

• A medida que el niño va hablando más y más, lo va haciendo mejor, con construcciones correctas y con la pronunciación cada vez más perfecta.

De hecho, estas pautas son comunes en el aprendizaje primario de cualquier persona:

• Tener un ejemplo: un modelo para imitar.

• Tener la oportunidad: frecuencia y tiempo para practicar.

• Obtener reconocimiento: para motivarle.

• Repetir: para perfeccionar y mejorar.

Solo hace falta llevar este método a la enseñanza de otras habilidades diferentes a hablar, como la música. Y esto es justamente lo que hacen los profesores del método Suzuki. Este método se asocia con la educación primaria.

Los niños empiezan a hacer música con 2-3 años. Desde muy pequeño, el niño está rodeado de estímulos musicales que le van motivando a hacer música. Se le ofrece música para escuchar, se le da un instrumento para investigar, para descubrir y cuando consigue hacer un pequeño paso para imitar un sonido o un ritmo, se le motiva a continuar por este camino. De esta manera le vamos animando, igual que cuando está aprendiendo a hablar, para que siga mejorando cada día un poco más.

Este método nos pide una dedicación continua y sistemática. Un alumno que empieza debería tocar cada día acompañado de uno de sus padres durante 10 minutos aproximadamente. A medida que se hace mayor y se amplia su dominio musical, aumentará su capacidad de concentración y estará preparado para dedicar más tiempo a unas piezas cada vez más difíciles.

Nosotros somos indispensables en el proceso de aprendizaje de nuestro hijo, tanto en clase como en casa.

• El niño sigue dos tipos de lecciones: la individual y la grupal. En la lección individual se trabajan elementos específicos para hacerlos lo más fáciles posible. Por ejemplo, se trabaja la postura del cuerpo, el movimiento del arco (en los instrumentos de cuerda, como el violín o el violonchelo), la colocación de las manos (sobre el piano, sobre el violín,...).

¿Cómo se trabaja con este método?

• El método Suzuki concede una gran importancia al papel de los padres en el aprendizaje de su hijo. De hecho, se pide que cuando el niño es muy pequeño, el padre o la madre estén en clase con su hijo y el profesor, formando de esta manera el llamado "Triángulo Suzuki". Esto es así porque nosotros, como padres, debemos motivar constantemente a nuestros hijos.

En las clases de grupo, el niño puede compartir la música con los otros niños, reforzando todo aquello que ha aprendido en la clase individual. Aprende a tocar junto con otras personas, actividad que le obliga a desarrollar estrategias diferentes a las utilizadas el la clase individual, por ejemplo, escuchar qué hacen los otros, seguir el ritmo de los demás, tocar más fuerte o más flojo según lo hace el grupo, etc.. A parte de esto, los beneficios sociales de las clases en grupo (pasárselo bien con sus compañeros, recibir la valoración de los otros) son un gran estímulo para practicar más en casa. De esto podemos deducir que animarlo a compartir lo que sabe hacer con sus hermanos, abuelos,amigos… puede ser motivo de orgullo para él, siempre que contemos con su aprobación.

• Las canciones y obras que los niños aprenden con el método Suzuki son muy atractivas, de forma que motivan al niño a aprender otras nuevas y así avanzar hacia obras más difíciles

Anna Garí Campos La música como terapia

Desde que tu hijo era muy pequeño observas que reacciona a los ritmos alegres, melancólicos o machacones de la música. Y, por increíble que parezca, esta forma de expresión puede mejorar la salud física y mental de los niños con problemas. ¿Has oído hablar de la musicoterapia? Muchos profesionales se han decidido por este tratamiento para ayudar a niños con retrasos u otro tipo de dificultades.

La musicoterapia es un tipo de terapia que consiste en utilizar la música para mejorar y mantener la salud, tanto física como mental. El musicoterapeuta se sirve de la música como fuente de comunicación para conseguir aquellos objetivos que se fijaron previamente al hacer el diagnóstico.

Las aplicaciones de la musicoterapia son diversas.

• También se utiliza en niños hiperactivos, depresivos, agresivos y es muy útil en el tratamiento de niños autistas para vencer su aislamiento y modificar pautas de comportamiento. Los niños disminuidos psíquicos mejoran también su conducta y su capacidad de relación con los otros gracias a la musicoterapia. Respecto a los niños con disminuciones

• Con el método Suzuki se trabaja escuchando primero la pieza que se tiene que tocar. De esta manera el alumno ya tiene una idea previa de cómo tiene que sonar la pieza antes de tocarla. Podemos ayudarle haciendo que escuche música a menudo, por ejemplo, mientras le llevamos en coche o cantando por la casa la canción que él está estudiando en aquel momento.

físicas, la musicoterapia sirve para superar la no-aceptación de su discapacidad y de su diferencia respecto a los otros.

• Dentro de la medicina general se aplica en el tratamiento contra el dolor, en intervenciones y en todo tipo de enfermedades o situaciones que exigen un soporte psicológico del niño. En los hospitales de Estados Unidos es normal ver un musicoterapeuta responsable de tranquilizar al niño antes y después de una operación o de hacerle olvidar el dolor que siente por una enfermedad.

• Podemos plantearnos llevar a nuestro hijo a un musicoterapeuta si queremos que se exprese y se comunique con libertad y fluidez

• que se siente solo puede expresarlo cantando una canción triste en la que se habla de alguien que está solo o de alguien que tiene sentimientos parecidos a él.

• En una sesión colectiva de musicoterapia conseguiremos que nuestro hijo mejore su relación con los otros niños de la escuela. La música, cuando se hace en grupo, consigue entrar en cada uno de los miembros y eso crea un clima emocional que permite expresarse y relacionarse con sinceridad y plenitud. Cuando él consigue relacionarse positivamente con los demás compañeros que hacen musicoterapia se da cuenta de que puede hacer lo mismo con otros niños cuando sale de la sesión porque ha aprendido nuevas maneras de hacerlo.

• Con el tratamiento con musicoterapia el niño desarrolla el conocimiento de sí mismo. Se da cuenta de sus defectos y de sus virtudes respecto a los demás. Se da cuenta de cómo y en qué es diferente de los otros y de que esto no tiene porqué ser negativo. Además, el niño obtiene a menudo experiencias gratificantes que le ayudan a configurar su personalidad.

• Uno de los campos en el que la musicoterapia parece ser muy prometedora es el de los trastornos del lenguaje. Por ejemplo, niños que tienen problemas de lenguaje debido a un accidente que ha afectado esta función y no pueden hablar son capaces de cantar las palabras de una canción que recuerdan o que están aprendiendo.

• Es útil en niños que tienen problemas para situarse en el espacio y el tiempo ya que les permite asimilar estos conceptos de forma práctica. Además, la musicoterapia se puede aplicar desde que el niño es muy pequeño ya que la música es accesible a todo el mundo gracias a su sencilla estructura.

No debemos pensar, no obstante, que la música por sí sola es terapéutica. La música es el elemento que se utiliza para facilitar el cambio terapéutico. Así pues, cuando la música se utiliza en terapia, ésta hace el papel de guía, de facilitadora o de puente que lleva al niño a un contacto terapéutico.

Cuando decidimos llevar a nuestro hijo a una sesión de musicoterapia, debemos tener en cuenta que ésta puede ser básicamente de dos tipos:

• Activa:exige una participación muy directa del niño en la actividad que se realiza. El niño actúa musicalmente por medio de su cuerpo, de los instrumentos musicales y de la voz. Se establece de esta manera un diálogo entre él y el terapeuta o entre él y el grupo, si se trata de una sesión colectiva, en el cual la expresión y la creación van dejando salir todas aquellas emociones que antes el niño no podía expresar.

• Receptiva: consiste en que el niño proyecte sentimientos, vivencias, etc. mientras escucha una música. Por tanto, se trata de inducir a través de la música diferentes estados de ánimo o situaciones

El musicoterapeuta trabaja a menudo en contacto con un psicólogo, ya que la musicoterapia facilita la expresión de sentimientos reprimidos que en otra ocasión el niño no hubiera llegado a expresar. Esto es debido a que quizá el niño se encuentre incómodo cuando el psicólogo le hace hablar de temas que él quiere esconder, pero la musicoterapia le arrastra a un clima en el que se llega a sentir muy cómodo y por lo tanto le ayuda a expresarse.

Pero esto no quiere decir que cuando el niño consigue expresar una emoción en la terapia ya puede expresarla a todo el mundo. Quizá con nosotros todavía es reacio a hablar de ciertos temas, y en consecuencia debemos dejar tiempo a que la terapia haga su efecto y nuestro hijo sea capaz de llevar aquellos sentimientos fuera de la sesión. Preguntarle por lo que ha pasado dentro del aula puede resultarle incómodo y ser contraproducente en el proceso terapéutico. En cambio, nosotros podemos ser muy útiles comentando nuestras inquietudes con el musicoterapeuta y dándole información de los cambios que vemos en el niño.

Un libro muy adecuado para aquellos padres preocupados por la problemática de su hijo es: "Introducción a la Musicoterapia" de Davis y colaboradores. En el libro hay un apartado que habla de la musicoterapia en el campo educativo, muy indicado para padres que quieren saber cómo la musicoterapia puede ayudar a su hijo en la escuela.

Así pues, cuando llevamos a nuestro hijo a hacer musicoterapia estamos escogiendo una opción diferente y muy recomendable. Actualmente, muchos centros psicopedagógicos están introducidendo la figura del musicoterapeuta como un integrante más del equipo terapéutico, para

todos aquellos casos en los que la terapia convencional no consigue los objetivos terapéuticos que se habían establecido Anna Garí Campos Psicóloga clínica

Aprender cantando

La canción, además de ser uno de los recursos lúdicos que tenemos más a mano y disponible en cualquier momento, es un importante instrumento educativo. Puede utilizarse para conseguir distintos objetivos, pero siempre, siempre, hace que el camino para llegar hasta ellos sea un camino fácil y divertido de andar

• Desarrolla el oído musical de nuestro hijo, lo que facilita su introducción al mundo de la música y le ayuda a reconocer y distinguir los distintos sonidos que nos acompañan en nuestra vida cotidiana. Hay canciones, sobre todo dirigidas a los más pequeños, en las que aparecen onomatopeyas o sonidos conocidos por el niño; cantar este tipo de canciones les ayuda a identificar estos sonidos cuando aparecen en contexto. Por ejemplo, canciones en las que se habla de un despertador (tic-tac, tic-tac, ¡RIIIIIING!) o de un tren (PIIII-PIIIII, chucu-chucu-chucu...).

• Favorece la expresión artística. A menudo podemos ver, en las clases de niños de 5 o 6 años, una pared llena de dibujos elaborados a partir de las audiciones de las canciones y en los que se reflejan elementos o motivos que aparecen en las letras. La canción Tengo una muñeca o Barquito chiquitito son ejemplos de canciones que se pueden emplear con esta finalidad.

• Ayuda a anticipar, organizar y sincronizar el movimiento. Bailar, dar palmas o caminar al ritmo de una canción son actividades que trabajan ritmo y movimiento conjuntamente.

• Acompañar el canto con algún instrumento ayuda a la estimulación del tacto, ya que no todos los instrumentos se tocan de igual manera ni dejan la misma sensación en las manos. Resulta divertido y enriquecedor seguir el compás de una canción con un triángulo, un xilófono o una pandereta.

Todos recordamos canciones de nuestra infancia, aquélla que nos cantaba nuestra madre o la que aprendimos en el colegio. Nuestros hijos también necesitan aprender canciones, y no sólo porque sean bonitas o divertidas, sino también para mejorar intelectual, emocional y físicamente. A veces utilizamos las canciones para que nuestro hijo no se aburra, pero seguramente ni nos damos cuenta de todo lo que estamos aportando.

• Desarrolla la imaginación y la capacidad creativa. Canciones como Carrascal o Muriéndose de risa ofrecen elementos suficientes para desarrollar la imaginación y la capacidad creativa de nuestro hijo. Son un tipo de canciones que, igual que algunas otras, ofrecen la posibilidad de ir añadiendo estrofas. Es entretenido y divertido cambiar la letra de una canción o inventarse estrofas haciendo referencia a nuestra casa, a lo que hacemos cada día o a nosotros mismos.

• Refuerza la memoria. Un aspecto muy importante que trabajan las canciones es la memoria; algunas estructuras lingüísticas se fijan más fácilmente en la memoria acompañadas de música. Un claro ejemplo de esto es la forma en que muchos aprendíamos las tablas de multiplicar, ¿cuántos no recordamos la entonación que acompañaba a la tabla?

• Facilita las relaciones sociales con los demás. Gracias al canto coral, es decir, a cantar con otros niños, nuestro hijo aprende a relacionarse con sus compañeros. En ocasiones podemos ver cómo los niños cantan juntos una canción o se enseñan las estrofas que se saben, etc. ¿Qué decir de las innumerables canciones que llegamos a cantar a coro en cada excursión?

No debemos olvidar que las canciones populares son una valiosa fuente de aspectos culturales. Con ello queremos decir que enseñar una canción a un niño es mostrarle un elemento más de la sociedad en la que vive, y por lo tanto le ayuda a integrarse mejor en ella. Hay muchas canciones que pertenecen a una fiesta o tradición concreta del año, por ejemplo los villancicos de Navidad. Cantar estas canciones se convierte en un referente cultural muy importante para el niño.

Animémonos, pues, a cantar; a recordar aquellas canciones que cantábamos en nuestra infancia; a sentarnos con nuestro hijo y cantar las canciones que ha aprendido en la escuela; en definitiva, a compartir un espacio de música y alegría.

• Ayuda en el tratamiento de los problemas de lenguaje. Algunos niños tienen problemas de pronunciación u otro tipo de problemas o retrasos en el aprendizaje del lenguaje. Gracias a las canciones, el niño trabaja sus dificultades sin que esto suponga un gran esfuerzo para él. Imaginemos un niño con problemas de pronunciación de la 'jota'; podríamos utilizar alguna canción como En el balcón de palacio, por sus repetidos "ji-ji, ja-ja", para trabajar ese fonema.

• Ayuda a exteriorizar las emociones. Una canción nos permite llegar hasta el corazón de nuestros hijos. A veces podemos adivinar su estado de ánimo oyendo las canciones que escoje espontáneamente. La musicoterapia trabaja mucho en este sentido, no sólo para hacer un diagnóstico del niño sino también para tratar de mejorar su estado emocional con la ayuda de la música y las canciones.

Anna Garí Campos Psicóloga clínica LAS PRINCIPALES METODOLOGÍAS MUSICALES ACTIVAS

Son muchos los grandes métodos de enseñanza musical que se han creado en el siglo XX, que pueden aportarnos numerosos elementos positivos al aprendizaje musical de los niños de Educación Primaria, pero adscribirnos a uno de ellos con exclusividad puede traernos efectos contrarios. En mi método de trabajo con los niños y niñas, incluyo aquellos elementos, propuestas, formas de trabajar, técnicas…, que yo crea puedan adaptarse mejor a mi realidad, y aquellos que mejor respondan a los objetivos que quiero conseguir y desarrollar. De esta forma, para mí, todas estas metodologías son válidas para enseñar Música (Dalcroze, Kodály, Willems, Martenot, Orff, Ireneu Segarra, Luis Elizalde, Chevais, Ward…).

• Del método Dalcroze cojo ideas que me sirvan para que mis discípulos vayan interiorizando el ritmo a través del movimiento por medio de actividades como marchar a un tempo determinado marcado en el pandero y a un golpe fuerte pararse, para luego retomar el mismo pulso al volver a escuchar el golpe; seguir un tempo determinado desplazándose por el espacio y a una determinada indicación hacerlo al doble de velocidad, y ante otra indicación sonora hacerlo a la mitad; caminar libres por el aula y al sonar una música adaptar sus pasos a ella; para interiorizar los matices, al escuchar una música fuerte andar con pisadas fuertes y al escuchar la música piano andar de cuclillas.

• Del método Kodály utilizo principalmente el uso de la escala pentatónica, pero solamente como primera forma de relación entre los sonidos. Y es que, la música popular andaluza utiliza en sus composiciones la escala diatónica, pero y a pesar de esto, considero que la pentafonía es la mejor manera de introducir a los alumnos/as en el mundo de la entonación. Posteriormente, cuando los niños/as dominen esta escala de cinco sonidos, incluyo las notas FA-SI, formado de esta forma la escala diatónica, que es como digo la más extendida en nuestra música popular. De esta manera, los dos primeros sonidos que presentaré serán SOL-MI (que según Kodály y Orff son los más sencillos, al ser los más naturales para el ser humano), para luego ir presentando en este orden LA-DO-RE, y posteriormente FA-SI, todo esto a través de un proceso debidamente secuencializado. En todo este proceso de trabajo de la entonación utilizo también la fononimia o gestos melódicos de Kodály. De este pedagogo también pongo en práctica sus fonemas rítmicos (“Ta-a” para la blanca, “Ta” para la negra, “Ti-ti” para las corcheas, “SS” para el silencio de negra...), para la facilitación del aprendizaje de las figuras rítmicas.

• De Orff uso con mis alumnos/as muchas propuestas como, y al igual que Kodály, la escala pentatónica como primera pauta de relación sonora, pero además y siguiendo a Orff, utilizo esta relación sonora para que acompañen sus canciones de forma sencilla improvisando en pentatónico en los xilófonos y metalófonos. Y es que, en el primer ciclo, y debido al progresivo dominio de la motricidad fina, acerco a los niños y niñas a estos instrumentos facilitando lo más posible la labor como por ejemplo quitando las placas que no se vayan a tocar. Así, estos me sirven para que ellos experimenten sus primeros acompañamientos como digo, bien improvisando en pentatónico, bien utilizando el bordón, el pedal en la tónica o usando sencillos obstinatos. Pero antes que todo esto, y según este pedagogo, mis discípulos/as ya habrán trabajado con la pequeña percusión que siempre será previa a la utilización de las placas. Otras propuestas de Orff que utilizo son el uso de las palabras para la iniciación rítmica recitando nombres, rimas, poesías…, palabras bisílabas llanas para el compás de 2/4, trisílabas esdrújulas para el ¾, entonación de palabras empezando con la 3º menor SOL-MI, las percusiones corporales o el movimiento y la danza.

• De Martenot uso principalmente su pedagogía de intercalar actividades de reposo entre las actividades que exijan esfuerzos intensos. Y es que para mí, el aprendizaje de la relajación por parte de mis alumnos/as, considero que es una de las mejores enseñanzas que se les puede dar, teniendo en cuenta la sociedad actual en la que vivimos. Para ello, en todas y cada una de las sesiones de trabajo, incluyo actividades de relajación en sus más variadas vertientes y formas, como desde una simple audición de los sonidos de fuera del aula para luego comentarlos, hasta una relajación segmentaria y progresiva basada en Jacobson. También utilizo de este pedagogo otros elementos como marcar la altura de las notas con la mano respecto al cuerpo, o para facilitar el aprendizaje de las canciones, utilizar flechas para marcar la dirección ascendente o descendente del sonido.