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Junto a directores como David Cronenberg o Atom Egoyan, Guy Maddin es uno de los responsables de haber situado a Canadá en el punto de mira cinematográfico. Sin embargo, poco tiene que ver con sus compatriotas. Por lo menos, en su uso de la imagen. Con una carrera de veinte años, nueve largometrajes y más de una treintena de cortometrajes, Maddin se encuentra en algún lugar entre el melodrama y el fantastique, entre el celuloide y cierta naturaleza de lo digital, el mundo de los vivos y los fantasmas, el pasado y el futuro… Desde los márgenes de la distribución, su genio fílmico se reivindica esta primavera en Barcelona gracias al completo ciclo retrospectivo programado en el Festival de Cinema d’Autor.

Empiezo por el principio: vas a reestrenar tu primera película, “Tales From The Gimli Hospital”, en un nuevo formato visual y escénico que irá acompañado de música en vivo… ¿Por qué reestrenar ahora tu primer filme? Cuando hice “Tales From The Gimli Hospital”, en 1988, estaba fascinado con los ratios antiguos, de la época del cine clásico previa a la era de la television: ¡los años de “Ciudadano Kane”, Frank Capra, De Mille y Murnau! En cuanto intenté distribuir el filme, me encontré con problemas: las salas la proyectarían, pero según la forma rectangular típica de las películas actuales, cortando la imagen por arriba y abajo. Así que, a regañadientes, lo adapté a la forma de proyección moderna. “Gimli” sobrevivió como un cuadrado. En la nueva y preciosa presentación no sólo hay una orquesta musicando en directo, efectos de sonido en directo y una voz narradora, sino que también habrá proyecciones visuales en vivo: diferentes ornamentos llenarán los bordes verticales de la imagen, ocupando el resto de la pantalla. Serán motivos que funcionen como sujetalibros o como un plano ilustrativo. Podemos proyectar de todo: desde redes para cazar peces a violoncelistas desnudas y… ¡Esto es lo que vamos a hacer!

Me gustaría poder girar lo máximo por el mundo con el proyecto. La

nueva banda sonora se ha escrito para la ocasión y es maravillosa.

Está hecha por músicos islandeses de gran pedigrí: miembros de

Sigur Rós y múm.

Ahora va ser al revés, te voy a preguntar por tu último proyecto conocido hasta

la fecha: “Keyhole”. ¿En qué estado se encuentra la posproducción? En tanto

que es tu primer trabajo tras la trilogía de la autoficción, ¿qué podemos esperar

de esta película? “Keyhole” está a punto de ser finalizada. Me asusta un

poco volver al cine “hablado”; pero tengo un gran reparto con voces

increíbles, así que ¿por qué no dejarles hablar? La película es un intento

de “autobiografíar una casa”; también una adaptación de “La Odisea”

homérica en la que Ulises es un gangster que regresa a los brazos de su

mujer e hijos tras un largo período ausente. En vez de un viaje de regreso

navegando por los mares, el filme muestra el viaje desde que entra en casa

por la puerta de atrás hasta que llega a la habitación matrimonial. Le lleva

noventa minutos porque su propia casa está encantada.

¿Cómo se te ocurren este tipo de ideas para tus películas? Estoy fascinada por

cómo en tu cortometraje “Night Mayor” el protagonista construye un dispositivo

audiovisual que crea imágenes gracias a los sonidos que emite la aurora

boreal... Muchas ideas surgen de conversaciones con amigos, de diálogos

extravagantes o de bromas. Siempre estamos bromeando con el lenguaje,

haciendo juegos de metáforas. En la mayoría de ocasiones acabamos

diciendo tonterías, pero son tonterías muy inspiradoras. En el caso de

“Night Mayor”, mientras discutíamos cómo definir al típico director

de cine canadiense se me ocurrió la idea de la aurora boreal, que es un

fenómeno que se puede observar en Canadá. De hecho, estoy acreditando

El trabajo entero de Guy Maddin es objeto de una retrospectiva en el Festival de Cinema d’Autor de Barcelona. La oportunidad sirve para charlar con el canadiense de sus últimos proyectos y de su carrera.

GUY MADDINGUY MADDIN

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la idea como mía, pero es muy probable que fuera a uno de mis amigos a quien se le ocurriera. Tus películas están repletas de fantasmas como personajes. En ese sentido, ¿te consideras un cineasta de género fantástico? Estoy atrapado por fantasmas, de eso estoy seguro; aunque ni siquiera crea en la posibilidad de que puedan existir estos espectros. Para mi, los fantasmas son los recuerdos, a veces los recuerdos de alguien. Incluso llego a pensar en una vieja casa como un fantasma, no como algo repleto de fantasmas. Del mismo modo, una canción o un sabor pueden ser fantasmagóricos. Nadamos entre fantasmas intentando hacer nuestro propio camino. Como ya demostró Faulkner, vivimos en el pasado y en el presente de manera simultanea. ¡Estamos hechizados! ¡Triste pero cierto! Aun así, hay que ver y sentir estos fantasmas como algo alegre o, al menos, como algo alegremente melancólico. Estar hechizado es estar vivo; estar conectado con el pasado es sentir el presente de manera más profunda. Yo quiero sentir esos fantasmas aunque me asusten. Y es que los fantasmas dan miedo, ¡incluso si es el fantasma de un olor!

¿Crees que el cine funciona como un mecanismo de viaje en el tiempo, sobre todo porque te abres al uso de antiguas estéticas del cine? La verdad es que yo te veo más como una suerte de hipnotizador. ¿Crees que el cine conserva ese componente mágico? Me gusta la idea de que el cine puede hipnotizar a las

personas. De alguna manera, las películas nos hacen entrar en trance. Es básicamente lo yo que intento hacer: quiero que los espectadores entren en trance para poder compartir mis experiencias emocionales con ellos. Por distintas razones, mi manera de trabajar implica estas estrategias visuales de las que hablas. Es lo que sé hacer mejor, así que continuo persistiendo en ir combinando los viejos trucos que tengo guardados en la bolsa.

Durante los últimos dos o tres años, tu trabajo por fin ha sido reconocido en su conjunto: el Centro Pompidou de París te dedicó una retrospectiva en 2010 coincidiendo con el estreno en Francia de “My Winnipeg”; has recibido varios premios importantes en Canadá (el Rogers Best Canadian Film Award y el Bell Award in Video Art); Zeitgeist Films acaba de publicar el cofre de DVD ‘Quintaessential Guy Maddin’, que recopila tus primeras películas; se han publicado como cinco libros sobre tu trabajo; has sido jurado en la Berlinale y ahora, el homenaje en Barcelona… Es un no parar. ¿Cómo te sientes, sobre todo después de haber vivido muchos años al margen del sistema cinematográfico? ¡Me siento genial! Justo a tiempo. Ya soy mayor. O, más bien, debería decir que tengo 55 años: que finalmente soy un adulto. Pero no hay que preocuparse, todavía me siento como un crío cuando tengo una cámara entre las manos. Una cámara me hace sentir como si espiara a la gente o como si recreara esos momentos en los que solía espiar a la gente… ¡Mi libido adolescente regresa siempre que una cámara acaba en la palma de mi mano! H P. A. Ruiz

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RESISTENCIA CINEFILA¿QUE CONSIDERAMOS

CINE DE AUTOR? ¿SIGUE VIVO TAL CONCEPTO?

¿CUÁL ES SU RELACIÓN

CON LOS FESTIVALES?

MUCHAS DE LAS RESPUESTAS A ESTAS

PREGUNTAS SE ENCONTRARÁN EN EL INMINENTE FESTIVAL DE CINEMA D’AUTOR

DE BARCELONA.

Si como autor consideramos a aquel realizador que destaca por su competencia técnica, con un estilo reconocible a través del cual se refleja su personalidad y que añade un significado propio a causa de la tensión entre su personalidad y el material que utiliza, el Festival Internacional de Cinema d’Autor de Barcelona no engaña. En el avance de la programación de su primera edición, uno constata que la definición de Andrew Sarris en torno al concepto de autoría cinematográfica aún pervive… Mal que les pese a algunos. Y pervive, por aquello de rizar más el rizo, en y gracias a los festivales. Así que este nuevo evento cinematográfico en la capital catalana es una doble celebración: la de la rúbrica personal en el cine y la de los festivales como reducto de resistencia de aquellas películas que la distribución margina. El d’Autor tendrá lugar del 28 de abril al 8 de mayo durante diez días repartidos en tres pantallas -la del Aribau 1, el Aribau 2 y la Filmoteca de Catalunya- y distribuido en cuatro secciones. Para Direccions se han seleccionado diez filmes recientes, entre los cuales encontramos “Le Père de Mes Enfants” (2009, de Mia Hansen-Love y premio especial del jurado de Un Certain Regard); “L’Illusion

Comique” (2010), la última incursión del actor galo Mathieu Amalric como director en la que adapta un texto de Pierre Corneille; “Meek’s Cutoff” (2010), el western de Kelly Reichardt que pudo verse tanto en Venecia como en Gijón; y “Post Mortem”, segundo trabajo del chileno Pablo Larraín, también proveniente del Lido y uno de los cineastas latinoamericanos más efervescentes tras su debut “Tony Manero” (2008). En la sección Àsies (centrada en el cine oriental) se proyectará, entre otras, “Outrage” de Takeshi Kitano: el regreso del nipón al género de yakuzas. Mientras que la sección Promeses del l’Est tiene en el magnífico regreso de Jerzy Skolimovski, “Essential Killing”, una de sus grandes bazas, a la que acompaña “How I Ended This Summer”, de Aleksei Popogrebsky, y otras todavía por confirmar. La sección retrospectiva es la joya del d’Autor. En su primera edición, el programa pretende solventar el vacío que ha sufrido el cine de Guy Maddin en nuestro país. Aunque algo ha podido verse en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya (Sitges) y en el Festival Punto de Vista de Pamplona, en esta ocasión estamos ante una retrospectiva completa a falta de que Maddin estrene su

último filme, “Keyhole” (que los más osados

sitúan en la Quincena de Realizadores). En

total, se programan sus nueve largometrajes,

desde “Tales From The Gimli Hospital” (1989)

a “My Winnipeg” (2007); 32 cortometrajes

desde el primero, “The Dead Father” (1986),

al último, “Night Mayor” (2010); además de un

documental, “Waiting For Twilight” (1997), de

Noa Gomlick sobre el rodaje de “Twilight Of The

Ice Nymphs” (1997).

Así las cosas, el aun provisional cartel del

d’Autor es más que una declaración de

intenciones: además de enseñar las derivas

del hecho fílmico contemporáneo a partir

de propuestas tan dispares como la autoría

francesa y más académica (como el último filme

de Amalric) a la propuesta derrière-garde de

Maddin, se trata de hacer llegar los trabajos de

creadores que, por esos azarosos vericuetos

de la distribución patria, son desconocidos u

olvidados. Y eso, además de voluntad didáctica,

a día de hoy puede tomarse como un acto de

generosidad, incluso como un acto político.

Larga vida, pues, a estas nuevas propuestas de

resistencia cinéfila. H P.A. Ruiz.

Más info: cinemadautor.cat

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MEEK’S CUTOFF

ESSENTIAL KILLING

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(Raül) Querida Paula. Errata Na-turae nos brinda la oportunidad de ponernos al día y al nivel de otras escenas cinematográficas en las que no se ha tardado en catalogar “Mutaciones del Cine Contemporá-neo” (“Movie Mutations”) como un cúlmen editorial equiparable al mí-tico “¿Qué es el Cine?” de Bazin. Jo-nathan Rosenbaum y Adrian Martin coordinan este volumen que diserta sobre todo un compendio de temá-ticas diseccionadas (en su mayor parte) siguiendo una estructura de diálogo e incluso de conversación. Ya en su tiempo, Unamuno (re)afir-maba el poderío de este formato dejando caer que sus monólogos interiores siempre adquirían forma de diálogo... Y ahora Rosenbaum, Martin y periferias subliman esta dialéctica aplicada al ensayo cine-matográfico. Pero no nos sobre ex-citemos y respondamos primero: ¿es “Mutaciones del Cine Contem-poráneo” un libro accesible para el público en general? Y lo pregunto porque, en su momento, una amiga mutua me preguntó si era este un tomo al que sacaría partido. Mi res-puesta fue que sí, pero con reservas debido a lo específico de ciertas te-máticas. Sin embargo, días después me confirmó que tú le habías dicho que era un libro plenamente accesi-ble... ¿Cuál de los dos se equivoca?

(Paula) Querido Raül, no compren-do porque esas reservas sobre si “Mutaciones del Cine Contemporá-neo” es un libro accesible al públi-co general. Sabemos de antema-no que, en nuestro país, el público general no está interesado en el cine. Partiendo de esa primera rea-lidad, te diría que el libro sí es ac-cesible para todo aquel que quiere leerlo. Primero, porque tiene casi una década de existencia: tiempo suficiente para que el escenario que dibuja sea una realidad pasa-da, aprehendida por todos, en la que fácilmente podemos recono-cernos. Segundo, precisamente lo que convierte el compendio en un clásico de culto dentro de la crítica cinematográfica es su voluntad de huir del carpetovetónico escena-rio académico, como también de la superflua crítica periodística, para crear un espacio intermedio que pueda acoger cuántas más maneras de comprender el cine, mejor. De hecho, el valor del libro se encuen-tra ahí: más allá de ciertas premi-sas teóricas (que son pocas), es esa idea de puesta en común, pese a las diferentes opiniones de cada uno de los participantes.

(Raül) Querida Paula, tu mención de ese espacio intermedio resulta revelador incluso si la extrapola-mos a muchos otros intersticios que habita “Mutaciones del Cine Contemporáneo”. Pienso en cómo el tomo atrapa el eco de la eterna batalla entre los apocalípticos em-peñados en la muerte del cine y los optimistas capaces de hacer brotar agua del árido suelo del desier-to del VHS. E incluso pienso en la eterna dialéctica entre la alta y la baja cultura, más presente que nun-ca en estos artículos capaces de alternar retrospectivas de autores tan diversos como Tsai Ming-liang, Howard Hawks, Hou Hsiao-Hsien o Abbas Kiarostami. Y si de puntos intermedios hablamos, es impres-cindible rendirse a la genialidad de la apertura y el cierre del tomo en forma de cadena epistolar a la que se van sumando participantes con tal de conformar un rico panorama inter-generacional. De la fascinante importancia de estos participantes, sin embargo, te dejo hablar a ti…

(Paula) Querido Raül, el adjetivo fascinante igual les queda ancho a esta serie de críticos; más que na-da, porque anteponen su modestia a cierto reconocimiento que les ha proporcionado “Mutaciones del Ci-ne Contemporáneo”. Pero sí, esta-mos ante un grupo que ha transfor-mado y sigue transformando cómo transmitir el hecho fílmico median-te las palabras. Hay que empezar por Jonathan Rosenbaum, vete-rano crítico del Chicago Reader, cuyo “Placing Movies” (1995) fue, de algún modo, el gérmen de este tomo junto a el australiano Adrian Martin, todo un personaje defensor a capa y espada de la interacción entre la alta y la baja cultura. Y en-tre los colaboradores, la francesa Nicole Brenez, directora de Rouge y continuadora de esa aproxima-ción a lo fílmico a partir de la idea del cuerpo que Deleuze puso en escena en su obligado “La Imagen-Tiempo” (1983); Kent Jones, capo de “Senses of Cinema”, una de las pioneras publicaciones online de-dicadas enteramente a la crítica cinematográfica; Mark Peranson, editor de la no menos indispensa-ble “Cinema-Scope”; el austríaco Alexander Horwarth, director del Museo Austríaco de Cine y colabo-rador habitual en “Die Zeit” o “Film Comment”... Quiero mencionar en último lugar, por su relevancia, a Raymond Bellour: uno de los teóri-cos del cine más importantes hoy en día. Su aportación al volumen fue publicar en la revista que dirige, la totémica “Trafic”, las misivas que abren y concluyen el libro. Recien-temente, además, ha publicado “Le Corps du Cinéma: Hypnoses, Émo-tions, Animalités”, una vuelta de tuerca a la teoría del cine que mere-cería muchas más líneas aparte...H Raül De Tena + P.A. Ruiz.

Más info: erratanaturae.com

Uno de los libros imprescindibles para

entender la escena cinematográfica

contemporánea llega a España… Y la

mejor forma de reseñarla es con esos

mismos diálogos que estructuran el tomo.

MUTACIONES DEL CINE MUTACIONES DEL CINE CONTEMPORÁNEOCONTEMPORÁNEO

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