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R E V I S T Ade

C I N E

NÚMERO 1

CURSO 94-95

NÚMERO 5

CURSO 98-99

PROGRAMACIÓN

14-10-98 AMISTAD Dtor. Steven Spielberg

21-10-98 PERSIGUIENDO A AMY Dtor. Kevin Smith

28-10-98 EL DULCE PORVENIR Dtor. Atom Egoyan

04-11-98 MOTHER NIGHT Dtor. Keith Gordon

11-11-98 PERDICIÓN Dtor. Billy Wilder

18-11-98 BIENVENIDO A LA CASA DE MUÑECAS Dtor. Todd Solondz

25-11-98 BOOGIE NIGHT Dtor. Paul Thomas Anderson

02-12-98 LA CORTINA DE HUMO Dtor. Barry Levinson

09-12-98 HOMBRES ARMADOS Dtor. John Sayles

16-12-98 LAURA Dtor. Otto Preminger

03-02-99 LA PRIMERA NOCHE DE MI VIDA Dtor. Miguel Albaladejo

10-02-99 LA CAJA CHINA Dtor. Wayne Wang

17-02-99 MOEBIUS Dtor. Gustavo Mosquera

24-02-99 FREAKS La parada de los monstruos) Dtor. Tod Browning

03-03-99 LOS SILENCIOS DEL PALACIO Dtor. Moufida Tlatli

10-03-99 FUEGO Dtor. Depha Mehta

31-03-99 MARIUS Y JEANNETTE Dtor. Robert Guediguian

07-04-99 EL INVITADO DE INVIERNO Dtor. Alan Richman

14-04-99 HAMAM, EL BAÑO TURCO Dtor. Ferzan Ozpetek

21-04-99 LOLITA Dtor. Stanley Kubrick

28-04-99 JERUSALEN Dtor. Bille August

05-05-99 EL ESPEJO Dtor. Yafar Panahi

12-05-99 VOR (El ladrón) Dtor. Pavel Chujrai

19-05-99 TOCANDO EL VIENTO Dtor. Mark Herman

Coordinador:Carmelo García Sánchez

Autor de programación y textos:Roberto González Miguel

Asociación Cultural UNED:Alberto Caballero GarcíaPedro José Gómez Alonso

Desirée Moreno PérezIgnacio Jesús Calahorra García

Saturio Ugarte MartínezSonia Soria Pacheco

José Antonio García RomeroLuis Miguel González Frutos

Colaboradores:Mª del Carmen Sancho de Francisco

Francisco Lucas EspíJulián de la Llana del Río

Sala de Proyección:Palacio de la Audiencia

Operadores:José Pérez Hernández

Fernando Serrano MurilloRoberto Carnicero Revuelto

Amador González Cabrerizo

Imprime:Grafical, S.L. -Soria- D.L.: SO-159/94

OTRAS ACTIVIDADES: (Pendiente de confirmar fecha).

— Tertulia-Coloquio, con la presencia de actores y/o directores de cine es-pañoles.

— Conferencias continuación de las iniciadas con motivo del Centenario delCine, a cargo de profesorado de la Cátedra de Cine de Valladolid y de laUniversidad Complutense de Madrid (Enero 99).

• El cine clásico (II)

BIENVENIDOSAL CLUB DEL CINE

Ante el quinto curso del CineClub, podemos permitirnos dar por sa-bidas algunas cosas. Ya conocen nues-tros objetivos, nuestras intenciones yel entusiasmo que seguimos poniendoen esta tarea. También saben cuál hasido durante estos años el criterio deselección de las películas que proyec-tamos: películas buenas, recientes, enversión original e inéditas en Soria...Esos cuatro puntos siguen marcandola pauta para este año, en el que lesproponemos 24 filmes, que nos han lle-gado desde Estados Unidos, Canadá,España, China, Argentina, Túnez, In-dia, Francia, Gran Bretaña, Italia, Tur-quía, Suecia, Irán y Rusia.

Hemos intentado combinar,como hacemos siempre, tres tipos depelículas. Por un lado, algunos títulosimprescindibles, y hasta de éxito, quehubieran tenido que ser estrenadosnormalmente en los cines comercialesde Soria... pero que inexplicablementese han quedado inéditos. Es el casode Amistad (todo un lujo para noso-tros, estrenar un Spielberg), La corti-na de humo (rabiosa actualidad), To-cando el viento o Boogie nights . Porotro lado, están esas películas que hanrecibido el elogio de los críticos y elentusiasmo del limitado público de loscircuitos de versión original, pero quesería utópico esperar que los cinescomerciales de Soria las proyectasen:El dulce porvenir, Hombres arma-dos, Persiguiendo a Amy, Marius yJeannette, El invitado de invierno,Fuego, Jerusalén , etc. Y en tercer lu-gar, y no menos importante, algunaspelículas más extrañas y desconcertan-tes, que quizás no han tenido la reper-cusión que merecen, que pueden creardivisión de opiniones, pero que real-mente vale la pena descubrir: MotherNight, Bienvenidos a la casa de mu-ñecas, Moebius ...

El cine español tiene una repre-sentación pequeña en número, peroenorme en calidad: La primera nochede mi vida , espléndida opera prima deMiguel Albaladejo. Hubiéramos queri-do poner más, pero seamos claros: laspelículas como Familia no abundan;

las más interesantes ya se habían pro-yectado en Soria, y las otras no supo-nían una gran pérdida (sufrí, por ejem-plo, una cruel decepción con la muyfallida En la puta calle ).

Por otra parte, este año hemospuesto muchas ilusiones en un nuevoapartado: una pequeña selección decine clásico. En los últimos meses, lainiciativa de algunas distribuidoras ysalas, de recuperar para la pantallagrande títulos gloriosos de la historiadel cine, ha tenido una considerablerepercusión entre el público y entre losmedios de comunicación, como refle-jaron ustedes en la última encuesta.No podíamos dejar pasar la ocasiónde echar mano a algunos grandes clá-sicos, en copias nuevas y versión ori-ginal subtitulada. Lo difícil era elegirsólo cuatro (como hemos repetido amenudo, nuestras posibilidades son li-mitadas, sólo tenemos 24 sesiones ydebemos mantener el equilibrio den-tro de la línea que nos hemos traza-do). Para empezar, pues esperamosseguir recuperando clásicos (si a us-tedes les parece bien), proponemoscuatro obras maestras: Freaks, Per-dición, Laura y Lolita (versiónKubrick, claro).

Hablando de clásicos, tampocofaltarán las ya tradicionales sesionesde análisis con vídeo del mes de ene-ro, donde recibiremos algo de la sabi-duría de los profesores de la Cátedrade Cine de la Universidad de Vallado-lid. Y también intentaremos organizaralguna charla coloquio (como las man-tenidas en su día con MontxoArmendáriz y Fernando Trueba, tiem-pos aquéllos), pero no vamos a pro-meter nada antes de tiempo: ya lasanunciaremos en su momento, e in-tentaremos realizar alguna proyecciónad hoc.

Otras novedades se plasman enla propia revista que tienen en susmanos. Además de forzar, como siem-pre, los límites del espacio, aprove-chando cada página y cada centíme-tro cuadrado para embutir la mayorcantidad posible de información (paradesesperación de la gente de la im-

prenta), este año hemos añadido dosnuevas secciones, junto a la de ban-das sonoras: unas pistas de lectura yunas pistas de Internet. Esperamos queresulten útiles a quienes quieran ir másallá y descubrir más cosas en relacióncon las películas programadas.

No quiero terminar sin repetir loque ya podría ser nuestro himno: quenuestro deseo es que todas las perso-nas que aman el cine encuentren en-tre las películas seleccionadas algunas,o muchas, que despierten su entusias-mo; que queremos que el Cine Club semantenga en Soria como lugar de en-cuentro, de descubrimiento y de re-flexión; y que su existencia sigue de-pendiendo del interés y asistencia deustedes, del trabajo altruista y la bue-na voluntad de unas pocas personas(cuyos nombres están en la página deal lado), y del apoyo de algunas insti-tuciones (el Centro Asociado de laUNED en Soria, Caja Duero y el De-partamento de Cultura del Ayuntamien-to de Soria).

Lo que me lleva a hacerles unrespetuoso llamamiento a la participa-ción. Para enriquecer nuestros puntosde vista y ampliar nuestros conocimien-tos. Y, sobre todo, para evitar que laexcesiva dependencia de muy pocaspersonas convierta el Cine Club en algomuy frágil... De momento, aparte delcontacto humano que se produce enlas sesiones de los miércoles, les re-cuerdo que pueden dirigir cartas consus opiniones, quejas, elogios (si cue-la, cuela), sugerencias o consultas, aesta dirección:

Cine Club de la UNED

Centro Asociado de la UNED -Casa de la Tierra

C/ Teatro, 17

42002-SORIA

O, en plan moderno, pueden en-viar correos electrónicos, libres de vi-rus, a la dirección de este amanuense:

robertogonzalez@abonados.cplus.es

Feliz año de cine.

Día 14 de octubre - AMISTAD

AMISTADTítulo Original: AMISTADUSA, 1997DreamWorks SKG

Director: STEVEN SPIELBERGGuión: DAVID FRANZONI

Sobre el Libro de WILLIAM A. OWENS“Black Mutiny”

Fotografía: JANUSZ KAMINSKIMúsica: JOHN WILLIAMS

Montaje: MICHAEL KAHNDiseño de Producción: RICK CARTEREfectos Visuales: INDUSTRIAL LIGHT & MAGIC

Productores: DEBBIE ALLEN, STEVEN SPIELBERGy COLIN WILSON

Productores Asociados: BONNIE CURTIS y PAUL DEASONProductores Ejecutivos: WALTER F. PARKES y LAURIE

MacDONALDIntérpretes: MORGAN FREEMAN, NIGEL

HAWTHORNE, ANTHONY HOPKINS,DJIMON HOUNSOU, MATTHEWMcCONAUGHEY, DAVID PAYMER,PETE POSTLETHWAITE, STELLANSKARSGÅRD, ANNA PAQUIN, JEREMYNORTHAM, RAZAAQ ADOTI, ABUBAKAAR FOFANAH, TOMÁS MILIÁN,GENO SILVA, JOHN ORTIZ, ALLANRICH, PAUL GUILFOYLE, PETERFIRTH, XANDER BERKELEY, ARLISSHOWARD, PEDRO ARMENDÁRIZ JR.

Duración: 155 minutosIdiomas: Inglés, Español y Mende (lengua africa-

na) VOSEBanda Sonora (CD): DreamWorks DRM-50035- Nominaciones OSCAR: Actor de reparto (Hopkins), Músi-

ca, Fotografía y Vestuario.- Nominaciones GLOBO DE ORO: Película dramática, Di-

rector, Actor (Hounsou) y Actor de reparto (Hopkins)

EL DERECHO A LA LIBERTADNunca hubiera soñado que algún

día pudiéramos estrenar en Soria una pe-lícula de Steven Spielberg. Por razones queno comprendo, Amistad se ha convertidoen un filme manifiestamente infravalorado:se han publicado algunas reseñas llenasde prejuicios o directamente malintencio-nadas, y en general se ha menospreciadouna película que, sin carecer de defectos,merecía una atención mucho mayor. Escierto que no es una obra maestra comoLa lista de Schindler o Salvar al soldadoRyan , ni como, en otros géneros, Tiburón,Encuentros en la tercera fase o los In-diana Jones... pero sí es un filme sólido,importante y de gran interés. Y lo más cho-cante han sido las reacciones patrióticaspor el papel de los (esclavistas) españo-les. No creo que tenga sentido discutir quéojo lleva la viga más gorda. Amistad cuentauna historia concreta, entre las muchas quesucedieron. Si los hechos son ciertos, cosaque no se puede negar, y están narradoscon honestidad, hay que aceptarlos y nopretender justificar precisamente a los másindignos de nuestros antepasados.

En 1839, cincuenta y tres africa-nos, transportados como esclavos en lagoleta española Amistad, se apoderaronviolentamente del barco. Dejaron con vidaa dos españoles para que llevaran el bar-co de vuelta a África, pero fueron engaña-dos: de día iban hacia el Este, pero de no-che daban la vuelta hacia el Oeste, hastaque fueron capturados por un guardacos-

tas norteamericano y acusados de pirateríay asesinato. Se presentaron ante los tribu-nales varias reclamaciones de propiedadsobre ellos, y la reina de España exigió suentrega... Los abolicionistas pusieron todosu empeño en el caso, pero el presidenteMartin Van Buren (Nigel Hawthorne), pre-sionado por los esclavistas del Sur, revocóun primer veredicto de libertad, de modo queel caso llegó al Tribunal Supremo. Seríaconocido como el Juicio de los Presidentes,dado que el ex presidente John QuincyAdams (Anthony Hopkins), asumió finalmen-te la defensa de los africanos.

Desde 1839 hasta 1841, el inci-dente de la Amistad fue un asunto centralen la vida política de Estados Unidos. Sinembargo, cuando en 1984 la productoraDebbie Allen (la profesora de la serie Fama)leyó un ensayo sobre el tema, se sorpren-dió al descubrir que sólo los especialistasrecordaban una historia tan importante.Durante diez años no logró interesar a na-die, hasta que Spielberg se hizo cargo delproyecto (su motivación era personal: con-tarles la historia a sus dos hijos afroameri-canos). Amistad muestra los intereses eco-nómicos en torno al tráfico de esclavos, ylas fuerzas comprometidas en la lucha con-tra él, acogiéndose al siempre eficaz es-quema de película de juicios. Hay que te-ner en cuenta que, en Estados Unidos, laesclavitud no se abolió hasta 1856, des-pués de la Guerra de Secesión, pero en1808 se había prohibido el tráfico de es-clavos procedentes de África, de modo quesólo eran esclavos legales (por así decirlo)los que habían nacido en una plantación.La clave del juicio era demostrar que losprisioneros eran africanos, capturados ytransportados ilegalmente, por tanto hom-bres libres que tenían derecho a rebelar-se. En cambio, si habían nacido esclavosen Cuba, no serían más que mercancía quehabría que devolver a sus propietarios.

La película contiene secuenciasque sólo pueden calificarse de magistra-les. Así, la durísima escena inicial, la rebe-lión de Cinque (Djimon Hounsou) y los afri-canos; iluminada únicamente por relámpa-

gos, comienza por planos de detalle decómo Cinque extrae un clavo de la maderay lo usa para abrir sus grilletes, y prosiguecon unas imágenes entrecortadas de unacrudeza extrema. Igualmente duro y ma-gistral resulta el flashback en el que vemosla captura de Cinque en África, su encierroen la fortaleza esclavista de Lomboko (Sie-rra Leona), y la travesía del Atlántico en elbarco portugués Tecora, incluyendo el es-peluznante momento en que algunos afri-canos son arrojados vivos al mar porque losnegreros han calculado mal la comida...Destaca también el momento surrealista quese produce cuando la Amistad se cruza enla noche con un barco de recreo, o la visitade Joadson (ex esclavo) al barco negrero,o toda la parte dedicada al problema de lacomunicación. También resulta brillante elparalelismo entre la creencia de Cinque enlos “antepasados”, y el apoyo de Adams ensus propios “antepasados”: la Constitucióny la Declaración de Independencia.

Aunque se dé por descontado,debe elogiarse el trabajo del extraordina-rio equipo de talentos reunido porSpielberg. La espléndida fotografía deJanusz Kaminski, inspirada en las pinturasde Goya. La música del maestro JohnWilliams (ver la página de Banda Sonora).El montaje de Michael Kahn. Un cuidadodiseño de producción del igualmente habi-tual Rick Carter, atento a la exactitud entodos los detalles (por ejemplo, las cade-nas que llevan los africanos son de ver-dad). El reparto es de lujo: Freeman,Hopkins, Hawthorne, McConaughey,Postlethwaite, Northam… además de larevelación de Djimon Honsou y del hechode contar con un verdadero ex Juez delTribunal Supremo, Harry Blackmun, parainterpretar al Juez Joseph Story, autor dela histórica sentencia del caso.

FILMOGRAFÍASTEVEN SPIELBERGDirector

- Amblin’ (1969) cortometraje- El diablo sobre ruedas (Duel, 1971) TV- El influjo del Mal (Something Evil, 1972) TV- Savage (1973) TV- Loca evasión (The Sugarland Express, 1974) también argumento- Tiburón (Jaws, 1975)- Encuentros en la tercera fase (Close encounters of the third

kind, 1977) también guión- 1941 (1979)- En busca del Arca perdida (Raiders of the lost Ark, 1981)- E.T. el Extra-Terrestre (E.T. the Extra-Terrestrial, 1982)- En los límites de la realidad (Twilight Zone: The Movie, 1983)

segmento Kick the can- Indiana Jones y el Templo Maldito (Indiana Jones and the Tem-

ple of Doom, 1984)- El color púrpura (The color purple, 1985)- El Imperio del Sol (Empire of the Sun, 1987)- Always (Para siempre) (Always, 1989)- Indiana Jones y la última Cruzada (Indiana Jones and the last

Crusade, 1989)- Hook (1991)- Parque Jurásico (Jurassic Park, 1993)- La lista de Schindler (Schindler’s List, 1993)- El Mundo Perdido: Jurassic Park (The Lost World: Jurassic Park, 1997)- Amistad (1997)- Salvar al soldado Ryan (Saving private Ryan, 1998)(Nota: por razones de espacio no se incluyen los episodios de se-ries de TV ni las películas como productor o productor ejecutivo)

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Día 21 de octubre - PERSIGUIENDO A AMY

PERSIGUIENDO A AMYU.S.A., 1997 View Askew Productions

Título Original: CHASING AMYGuión y Dirección: KEVIN SMITH

Fotografía: DAVID KLEINMontaje: SCOTT MOSIER y KEVIN SMITH

Diseño de Producción: ROBERT “RATFACE”HOLTZMAN

Productor Ejecutivo: JOHN PIERSONProductor: SCOTT MOSIER

Intérpretes: BEN AFFLECK, JOEY LAURENADAMS, JASON LEE, DWIGHTEWELL, KEVIN SMITH, JASONMEWES, ETHAN SUPLEE,SCOTT MOSIER, CASEYAFFLECK, GUINEVERETURNER, CARMEN LEE, BRIANO’HALLORAN, MATT DAMON,ALEXANDER GOEBBEL, TONYTORN, REBECCA WAXMAN

Duración: 113 minutosIdioma: Inglés (VOSE)

AMOR EN TIEMPOS CONFUSOSQuien pasa a tinta los dibujos de un

comic, ¿es un verdadero dibujante o sólo cal-ca? ¿Representa Darth Vader a los negros opri-midos por los blancos? ¿Cómo puede uno/aaceptar el pasado sexual de su pareja?... Estaspreguntas, y otras muchas, están en el meollode la tercera y más redonda película de KevinSmith. Según el director-guionista, ésta es la pe-lícula ante la que se ha sentido más libre: des-pués de los elogios recibidos por Clerks (1994)y de los ataques sufridos por Mallrats (1995),ya no podían decir nada tan bueno como de laprimera, ni tan malo como de la segunda... Amytambién supone el retorno de Smith a la inde-pendencia total: después de realizar Mallratspara la Universal, con un presupuesto de seismillones de dólares, ha rodado su nuevo filme asu aire y con sólo 250.000 dólares.

Persiguiendo a Amy se puede enten-der y disfrutar por sí misma. Sin embargo, resul-ta necesario encuadrarla en un contexto másamplio. Sería la tercera entrega de una supues-ta “Trilogía de New Jersey”, tres películas quese desarrollan en esa ciudad y alrededores, yque se relacionan a través de las “hermanas”Jones: Heather Jones (Clerks ), Trish the DishJones (Mallrats ) y Alyssa Jones (Amy ). Las trespelículas comparten personajes recurrentes, delos cuales los más célebres son Jay (JasonMewes) y Silent Bob (Kevin Smith), y un univer-so común (que los fans conocen como“Askewniverse”, por el nombre de la productoraView Askew). Un dato: Clerks sigue en cartelen Madrid (en sesiones de madrugada), cuatroaños después de su estreno.

En Persiguiendo a Amy , dos amigos detoda la vida, Holden McNeil (Ben Affleck) y BankyEdwards (Jason Lee), disfrutan de cierto éxito comocreadores del comic “Bluntman & Chronic”, inspira-do en las andanzas de Jay y Silent Bob. Cuandoconocen en una convención a la también dibujantede comics Alyssa Jones (Joey Lauren Adams), crea-dora de “Idiosyncratic Routine” (!), Holden se ena-mora de ella. Pero Alyssa es lesbiana, y sólo puedeconcebir una relación amistosa con Holden, lo quea éste le rompe todos los esquemas, y mucho mása su amigo Banky...

Según Smith, sus tres películas des-criben una época que “para la mayoría fue dolo-rosa y olvidable: los años que vienen despuésde la escuela, justo antes de que nos fuercen aentrar en la etapa adulta. Todo parece extraño ydramático. Y cuando te enamoras, algo quesiempre es emotivo, todo resulta especialmen-te traumático”. Persiguiendo a Amy , una histo-ria de amor sobre dos amantes aparentementeincompatibles, tiene mucho que ver con las cam-biantes relaciones humanas en los 90. Sobre elorigen del filme, Smith ha dicho: “No es ningúnsecreto que los orígenes de Amy están en mirelación con Joey Lauren Adams. Por supues-to, ella no es gay, pero la película surgió de miincapacidad temporal para aceptar el pasado deJoey (y no es que fuera como el de Alyssa).”Sobre sus personajes, Smith nos dice: “El per-sonaje de Holden es el más cercano a mí quehe escrito, y Alyssa es realmente la voz de larazón que nunca escuché. Banky representa missentimientos sobre la lealtad (odiaba a los ami-gos que se emparejaban y desaparecían de

repente). Aunque Alyssa dice que es gay, no sesiente limitada por su orientación sexual. Toda-vía está experimentando con su vida, decidien-do quén es.”

El mundo del comic es una referenciaconstante, compartida por Smith y su públicomás fiel (para interesados en la materia, el ficti-cio comic “Bluntman & Chronic” ha sido creadopara la película por Mike Allred, el autor de“Madman”). Presten atención a la desternillanteescena inicial, en la convención de comics, conesa impagable polémica sobre si quien pasa losdibujos a tinta realmente dibuja o sólo “calca”.Como en las películas anteriores, no faltan lasreferencias a la trilogía de La guerra de lasgalaxias (el personaje interpretado por DwightEwell desarrolla una delirante teoría sobre DarthVader como negro oprimido), ni a otros clásicoscomo Tiburón, cuya memorable escena de la“competición de cicatrices” recrea enterita.

Ben Affleck (Mallrats) se ha hecho másfamoso después al ganar un Oscar como co-guionista de El indomable Will Hunting, dondetambién actuaba, y al co-protagonizarArmageddon. También ha dirigido el cortome-traje, dicen que famosillo, I Killed my LesbianWife, Hung Her on a Meat Hook, and Now I’veGot a Three Picture Deal at Disney (¡eso es untítulo!). A Joey Lauren Adams habíamos podidoverla, más o menos fugazmente, en algunos fil-mes (Coneheads, Mallrats, Michael...), pero noes arriesgado suponer que volveremos a saberde ella (visto su excepcional trabajo en Amy). Nofalta la aparición especial de Jay y Silent Bob(quien, por cierto, relata la historia que justifica eltítulo de la película). Y como curiosidad podemosseñalar que Ileana Douglas hizo un pequeño pa-pel que fue suprimido del montaje definitivo.

FILMOGRAFÍAKEVIN SMITH

Director y guionista:- Clerks (1994)- Mallrats (1995)- Persiguiendo a Amy (Chasing Amy, 1997)- Dogma (1998) en producción

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Día 28 de octubre - EL DULCE PORVENIR

EL DULCE PORVENIRTítulo Original: THE SWEET HEREAFTERCanadá, 1997Movie Network/ Ego Film Arts/ Alliance Communications /Téléfilm Canada

Guión y Dirección: ATOM EGOYANSobre la Novela de RUSSELLBANKS

Fotografía: PAUL SAROSSYMúsica: MYCHAEL DANNA

Montaje: SUSAN SHIPTONDiseño de Producción: PHILLIP BARKER

Productores: ATOM EGOYAN, CAMELIAFRIEBERG y DAVID WEBB

Productores Ejecutivos: ANDRAS HAMORI y ROBERTLANTOS

Intérpretes: IAN HOLM, MAURY CHAYKIN,GABRIELLE ROSE, PETERDONALDSON, BRUCEGREENWOOD, DAVIDHEMBLEN, BROOKE JOHNSON,ARSINÉE KHANJIAN, TOMMcCAMUS, STEPHANIEMORGENSTERN, EARL PASTKO,SARAH POLLEY, ALBERTAWATSON, CAERTHAN BANKS

Duración: 112 minutosIdioma: Inglés (VOSE)

Banda Sonora (CD): Virgin Canada 7243-8-44955-2-7

- Festival de VALLADOLID ’97: Espiga de Oro y premio MejorFotografía

- Nominaciones al OSCAR: Director y Guión adaptado- Premios GENIE (Academia canadiense): Mejor Película, Di-

rector, Fotografía, Música, Actor (Holm), Sonido y Montajede sonido.

- Festival de CANNES ’97: Premio Especial del Jurado.

LOS NIÑOS PERDIDOSEn un soleado día de invierno, en

la pequeña comunidad rural de Sam Dent,en la Columbia Británica (Canadá), un au-tobús escolar se sale de la carretera y caea un lago helado. En el inexplicable acci-dente mueren catorce niños, y otros re-sultan heridos. Poco después, llega alpueblo Michell Stephens (Ian Holm), unabogado de la ciudad que ofrece a losdestrozados padres convertirse en vehí-culo de su ira, demandando a los respon-sables de lo ocurrido (“Para eso estoyaquí, para dar voz a su ira. Para ser suarma contra quienes causaron el acciden-te”). Pero Stephens también ha sufrido,por su parte, la pérdida de su hija Zoe,quien está enganchada a las drogas.

La narración alterna tres tiempos:los días anteriores al accidente (diciem-bre de 1995), los posteriores al mismo(cuando el abogado está en el pueblo), yel viaje en avión que realiza Stephens, dosaños después, en busca de Zoe. Además,lo que le cuenta el abogado en ese viaje asu compañera de asiento, Alison, una an-tigua amiga de su hija, nos lleva a un tiem-po anterior, el verano en que Zoe tenía tresaños y estuvo a punto de morir por la in-flamación de garganta producida por la pi-cadura de una viuda negra. Esta estruc-tura no resulta forzada ni arbitaria: la rup-

tura del tiempo lineal permite crear untiempo emocional (mucho más real que elotro), en el que los recuerdos se ordenande acuerdo con otra lógica: la de la per-sistencia del dolor.

El novelista Russell Banks se ins-piró en reportajes periodísticos sobre elaccidente de un autobús escolar en Texasa finales de los 80. ¿Cómo afectaría a unapequeña comunidad la pérdida de sus ni-ños, de su propio futuro? El viudo BillyAnsel dice en el libro: “Resulta casi increí-ble e impensable que los niños debanmorir antes de llegar a ser adultos. Es unabofetada a la biología, contradice la histo-ria, niega la causa y el efecto, hasta vul-nera los fundamentos de la física. Un pue-blo que pierde a sus hijos pierde la razónde ser”. Y la conductora, Dolores Driscoll:“Un pueblo necesita a sus hijos, tanto yen la misma medida que una familia. Sinellos está deshecho, la comunidad se con-vierte en un puñado de indivíduos aisla-dos, desperdigados por el viento.”

El abogado Stephens (quien dicehaber hecho “todo lo que puede hacer unbuen padre de una hija drogadicta”) apelaa la necesidad de encontrar un culpable yevitar que la tragedia pueda repetirse (“Nohay accidentes. Esa palabra no significanada para mí. Por lo que a mí respecta,alguien en algún lugar decidió hacer unrecorte. Alguna agencia o empresacorrupta contabilizó la diferencia de costeentre una tuerca de diez centavos y unarreglo extrajudicial de un millón de dóla-res. Decidieron sacrificar unas pocas vi-das por la diferencia. Lo he visto muchasveces”). Pero lo que interesa no es deter-minar la causa del accidente (que sólo senos muestra desde una respetuosa dis-tancia) sino sus efectos en la comunidad.

El guión de Atom Egoyanreinventa completamente la estructura delrelato. El libro se divide en cinco capítu-los, cada uno de los cuales lleva el nom-bre de un personaje y está narrado enprimera persona por él (Dolores Driscoll,Billy Ansel, el abogado Mitchell Stephens,Nichole Burnell y de nuevo DoloresDriscoll), en una sucesión de relatos quese superponen parcialmente. En cambio,la película (bendecida por el novelista)presenta la estructura que hemos descri-to. Los párrafos que en el libro son re-

flexiones de los personajes-narradores,se convierten en diálogos (así, la conver-sación de Stephens con Alison en elavión, ausente en la novela); el filme dejamenos claros los motivos de Nicole paratomar su decisión, se prescinde de laescena final de la novela, y la relaciónincestuosa de Nicole con su padre es másromántica.

Un agran acierto del filme es lainserción del tema del Flautista deHamelin, a través del poema de RobertBrowning (una idea que Russell Banks hadicho que ojalá se le hubiese ocurrido aél). Nicole, paralítica tras el accidente,queda como el niño lisiado que no pudoseguir al flautista hacia ese mundo nue-vo y maravilloso... Y esa dimensión defábula convierte toda la historia en unametáfora de la pérdida de los niños, enun sentido más amplio. Dice Stepehens:“Todos hemos perdido a nuestros hijos.Han muerto para nosotros. Deambulancomatosos por centros comerciales. Sequedan paralizados frente al televisor.Algo terrible ha ocurrido que se ha lleva-do a nuestros niños.” Y Nicole concluyecon esta reflexión: “Todos nosotros, Do-lores, yo, los niños que sobrevivieron, losniños que no, todos somos ciudadanosde una ciudad diferente. Una ciudad degente que vive en el dulce porvenir (...).Cuando los otros nos defienden, nos pro-tegen, nos aman o nos odian, lo hacenpara satisfacer sus propias necesidades,no las nuestras.”

FILMOGRAFÍAATOM EGOYANDirector- Howard in Particular (1979) cortometraje (también

guión, fotografía y montaje)- After Grad With Dad (1980) cortometraje (tb. guión, fo-

tografía y montaje)- Peep Show (1981) cortometraje (tb. guión, fotografía y

montaje)- Open House (1982) cortometraje (tb. guión y montaje)- Next of Kin (1984) tb. guión, producción y montaje- Men: A Passion Playground (1985) cortometraje (tb. fo-

tografía y montaje)- In This Corner (1985) mediometraje TV- The Twilight Zone (1985) serie TV (episodio The Wall)- Alfred Hitchcock Presenta (1985) serie TV (un epi-

sodio)- Family Viewing (1987) tb. guión, producción y montaje- Looking for Nothing (1988) cortometraje TV (tb. guión)- Speaking Parts (1989) tb. guión y producción- Montréal vu par... (1991) segmento En passant (tb.

guión)- El liquidador (The Adjuster, 1991) tb. guión- Gross Misconduct (1993) TV- Calendar (1993) tb. guión, producción y montaje- Exotica (1994) tb. guión y producción- A Portrait of Arshile (1995)- El dulce porvenir (The Sweet Hereafter, 1997) tb. guión

y producción

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MOTHER NIGHTUSA, 1996 Whyaduck/ Fine Line Features/ New Line Cinema

Director: KEITH GORDONGuión: ROBERT B. WEID

Sobre la Novela de KURTVONNEGUT Jr.

Fotografía: TOM RICHMONDMúsica: MICHAEL CONVERTINO

Montaje: JAY RABINOWITZDiseño de Producción: FRANÇOIS SÉGUIN

Productores: KEITH GORDON y ROBERT B.WEIDE

Productores Ejecutivos: MARK ORDESKY, LINDAREISMAN y RUTH VITALE

Intérpretes: NICK NOLTE, SHERYL LEE,JOHN GOODMAN, ALAN ARKIN,KIRSTEN DUNST, ARYEGROSS, FRANKIE FAISON,DAVID STRATHAIRN, BERNARDBEHRENS, NORMAN RODWAY,ANNA BERGER

Duración: 110 minutosIdioma: Inglés (VOSE)

Banda Sonora (CD): Varèse Sarabande VSD-5780

SOMOS LO QUE FINGIMOS SERMother Night es un complejo y fas-

cinante cuento moral sobre el engaño, laimpostura, la responsabilidad y la culpa,con elementos de thriller, misterio, esper-pento y comedia negra. Se trata de una in-teligente y fiel adaptación de la clásicanovela Madre Noche (1961) de KurtVonnegut Jr.

James W. Campbell (Nick Nolte)es un dramaturgo de origen norteamerica-no afincado en la Alemania nazi, donde susobras gozan de gran éxito, y casado conuna bella actriz alemana, Helga (SherylLee), hija de un oficial. Campbell se quedaen Alemania, aunque la guerra sea inmi-nente, porque su único “patriotismo” es ha-cia la “nación de dos” que forma con suesposa. Un día, el agente norteamericanoWirtanen (John Goodman) le ofrece con-vertirse en espía: aprovechando su éxitoentre los nazis, tiene que fingir comulgar consu ideología. Así, Campbell (“el último ame-ricano libre”), se convierte en un ídolo paralos nazis, y es considerado un infame trai-dor por los americanos (pues sólo Wirtaneny el presidente Roosevelt saben la verdad).Cada noche, lanza por radio a todo el mun-do incendiarios discursos racistas... que con-tienen mensajes en clave (contenidos enuna palabra, una entonación, un carraspeo),transmitiendo a los aliados una informaciónque él mismo desconoce.

La película se desarrolla en trestiempos. En 1961, en la prisión israelí deHaifa, Campbell escribe sus memoriasmientras espera a ser juzgado como crimi-nal de guerra. La primera parte sucede enla Alemania de los años 30 y 40. La segun-da, al filo de 1960, tiene lugar en NuevaYork (aunque los exteriores estén rodadosen Montreal). Campbell malvive solo en unmodesto apartamento de GreenwichVillage, jugando al ajedrez con su apaciblevecino Kraft (Alan Arkin), y queriendo con-fesar ante su vecino judío Epstein (AryeGross). Sigue siendo odiado por algunos,

como el sargento O´Hare (DavidStrathairn), y admirado por fanáticos racis-tas, como los que forman el esperpénticogrupo liderado por el reverendo Jones(Bernard Behrens) y el “Führer Negro deHarlem” (Frankie Faison)...

Conocimos al director KeithGordon como actor joven en películas comoVestida para matar y Christine. Ahora nosdemuestra su talento, visión y audacia, alabordar un texto tan inusual y difícil comola novela de Kurt Vonnegut. Lector y admi-rador de Vonnegut durante mucho tiempo,Gordon había soñado siempre con llevaral cine su novela Madre Noche. Él y el guio-nista Robert Weide lograron que el escri-tor les cediese los derechos a cambio deun apretón de manos, y brindase su apoyoentusiasta al filme, incluyendo una apari-ción personal, no acreditada (Vonnegut:“He tenido suerte con los cineastas; no mehan pagado mucho pero han hecho honora mis libros”). La principal preocupación deGordon y Weide fue la fidelidad al estilo ytono del libro, buscando las equivalenciasfílmicas a los saltos constantes que la no-vela realiza del humor a la tragedia, de laseriedad al esperpento.

Así, el tratamiento cinematográfi-co es muy estilizado, no realista, en corres-pondencia con un relato que surge enflashback desde la mente confusa,alucinada y torturada de Campbell. Esa es-tilización se plasma en elementos como elsombrío blanco y negro de las escenas dela prisión israelí (y el contraste de esas imá-genes, en los títulos de crédito, con la can-ción White Christmas cantada por BingCrosby), en el tratamiento grotesco de de-terminadas secuencias (como las relativasal grupo de racistas del reverendo Jones),y en la escena visualmente más brillantedel filme: cuando el rostro “nazi” deCampbell, proyección de una vieja filma-ción de uno de sus discursos, se superpo-ne sobre el rostro envejecido del Campbellde 1960 (una ingeniosa traducción visualdel constante juego de máscaras y suplan-taciones del relato).

Keith Gordon siempre había soña-do con Nick Nolte para el papel principal,buscando en sus virtudes camaleónicaspara plasmar las transformaciones del per-sonaje a lo largo de los años, sabiendo ade-más que la apariencia genuinamente ame-ricana del actor añadiría otra dimensión deironía al filme (“el nazi definitivo era tam-bién el perfecto muchachote americano”).Gordon consiguió un pequeño papel comoactor en Me gustan los líos (1994), con laúnica finalidad de hacerle llegar el guión aNolte, cuyos agentes habían rechazado elproyecto como “demasiado pequeño”.

La idea básica de Mother Night es:ten cuidado con lo que finges ser, porqueeres lo que finges ser. Vonnegut ha conta-do que una charla con un ex agente secre-to le sugirió la idea de la ambigüedad mo-ral inherente al espía (“su agente, para so-brevivir y conseguir información, tendrá queservir al enemigo tanto como le sirve a us-ted” ). Las lealtades son arbitrarias, el sen-tido del bien y del mal varía según el puntode vista. El héroe de esta historia es a lavez el villano. El padre de Helga le espetaque siempre le ha considerado un espía,pero que no cree que haya podido servir alos americanos mejor de lo que ha servidoa los nazis. Adolf Eichmann, prisionero enla celda contigua en Haifa, le ofrece “ce-derle” alguno de los millones de judíosmuertos en el Holocausto... Al final, el pro-pio Campbell no podrá saber si fue héroeo villano, víctima o asesino, y tendrá quedecidir si desea, o merece, ser salvado.

FILMOGRAFÍAKEITH GORDON

Director:- The Chocolate War (1988) también guión- A Midnight Clear (1991) también guión- Homicide: Life on the Street (1993) serie TV (un episodio)- Wild Palms (1993) miniserie TV (dos episodios)- Mother Night (1996) también producción- Waking the Dead (1998) también guión y producción

Sólo actor (selección):- Tiburón 2 (Jaws 2, 1978) dir. Jeannot Szwarc- Home Movies (1979) dir. Brian De Palma- All That Jazz (1979) dir. Bob Fosse- Studs Lonigan (1979) dir. James Goldstone (miniserie TV)- Vestida para matar (Dressed to Kill, 1980) dir. Brian De Palma- Christine (1983) dir. John Carpenter- Static (1985) dir. Mark Romanek (tb. guionista y co-productor)- Me gustan los líos (I Love Trouble, 1994) dir. Charles Shyer

Día 4 de noviembre - MOTHER NIGHT

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PERDICIÓNUSA, 1944 Paramount Pictures

Título Original: DOUBLE INDEMNITYDirector: BILLY WILDER

Guión: BILLY WILDER y RAYMONDCHANDLERSobre la Novela de JAMES M. CAIN

Fotografía: JOHN SEITZMúsica: MIKLOS ROZSA

Montaje: DOANE HARRISONVestuario: EDITH HEADProductor: JOSEPH SISTROM

Intérpretes: FRED MACMURRAY, BARBARASTANWYCK, EDWARD G.ROBINSON, PORTER HALL,JEAN HEATHER, TOMPOWERS, BYRON BARR,RICHARD GAINES, FORTUNIOBONANOVA, JOHN PHILLIBER

Duración: 107 minutosIdioma: Inglés (VOSE)

- 7 Nominaciones al OSCAR en 1945: Mejor Película, Direc-tor, Actriz (Stanwyck), Fotografía, Música, Guión y Sonido(¡no obtuvo ninguno!).

LOS PASOS DE UN MUERTOEl agente de seguros Walter Neff

(Fred MacMurray) llega malherido a su des-pacho. Empleando sus últimas fuerzas, co-mienza a grabar una confesión destinada asu amigo Barton Keyes (Edward G.Robinson), una confesión que tiene que vercon una mujer, Phyllis Dietrichson (BarbaraStanwyck), con el asesinato de su marido ycon un seguro de accidentes con cláusula dedoble indemnización... “Lo maté por dinero ypor una mujer” -dice Neff-. “No conseguí eldinero y no conseguí a la mujer”. Esta es-tructura narrativa en flashback, muy frecuen-te en el cine negro, potencia la sensación defatalidad, como si la suerte estuviera echadaantes incluso de empezar la película. Másadelante, Neff nos dice cómo, en plena prepa-ración del plan criminal, cuando éste parecíaperfecto, supo de pronto, con abrumadoracerteza, que todo iba a salir mal (“No podía oírmis pasos. Eran los pasos de un muerto”).

Los protagonistas de Perdición noson detectives, ni profesionales del crimen,ni forman parte de una banda. Son gente“normal”, de clase media, sin contacto conel hampa o los bajos fondos. Su lugar dereunión para hacer planes es un supermer-cado. Phyllis Dietrichson entra en escenacon un taconeo implacable, con unaturbadora pulsera en el tobillo y con unosdiálogos llenos de doble sentido. A diferen-cia de otras “mujeres fatales”, Phyllis no sur-ge de un sueño brumoso, no es corista, ac-triz ni chica de gángster. Sólo es un ama decasa aburrida y materialista, atrapada en unmatrimonio-prisión, con un marido posesi-vo, vulgar y miserable, que no le muestraningún afecto. Phyllis siempre mantiene elcontrol. Su absoluta indiferencia hacia lossentimientos de los demás le permite utili-zarlos a su antojo. “Nunca te he querido,Walter, ni a ti ni a nadie. Estoy podrida pordentro”, confesará al final. (Por supuesto,Phyllis es memorable como personaje...pero no nos gustaría encontrárnosla en lavida real).

El decorado es fundamental para si-tuar al personaje de Phyllis. Según Wilder, “Através de la casa de estilo español, ligera-mente venida a menos y ligeramente pasadade moda en la que vive Stanwyck, quise mos-trar un ambiente polvoriento, un matrimonio-prisión del que la mujer quiere huir, aunquesea por medio del asesinato”. Es una casadonde la sombra de las persianas se aseme-ja a unos barrotes, donde tres personas pa-san interminables veladas de silencio y abu-rrimiento. A propósito de los decorados,Wilder ha confesado una pequeña “trampa”:la puerta del apartamento de Neff se abrehacia fuera, lo que no ocurre con ningunapuerta del mundo (es necesario para quePhyllis pueda esconderse detrás de ella sinser vista por Keyes).

Los amantes cometen el crimenpara estar juntos, pero es el asesinato, y suimposibilidad de confiar el uno en el otro, loque los separa sin remedio. En palabras deKeyes, “Han cometido un asesinato, y no escomo coger un tranvía del que se puedanbajar en distintas paradas. Están atados eluno al otro, y tienen que hacer todo el viajehasta el final de la línea, y la última paradaes el cementerio...”. Al final, se confirma que“el crimen no compensa”. Pero, mientras,Wilder hace que el espectador, sin darsecuenta, se ponga más de una vez del lado delos asesinos (por ejemplo, cuando su cocheno arranca). Además, el mejor amigo de Neffdescubre el delito con tristeza y contra su vo-luntad, no nos parece un triunfo de la justicia.

James M. Cain, autor del relato enque iba a basarse el filme, no estaba disponi-ble para trabajar en el guión junto a Billy Wilder,así que el productor Joe Sistrom pensó enRaymond Chandler. La relación personal en-tre Wilder y Chandler no pudo ser más tensa,pero los resultados creativos fueron excelen-tes. Barbara Stanwyck fue la primera opciónde Wilder para Phyllis, aunque ella le expresósu miedo a interpretar a una asesina tan fría ydespiadada, después de años de encarnarheroínas (“¿Es usted una actriz o un ratón?”,le espetó Wilder para despejar sus temores).

Día 11 de noviembre - PERDICIÓNEn cambio, Fred MacMurray, tampoco muyconvencido, recogió un papel que había sidorechazado sucesivamente por Alan Ladd,Spencer Tracy, James Cagney, Frederic Mar-ch, Gregory Peck y George Raft... Viendo lapelícula, no tenemos nada que lamentar, puesMacMurray resulta perfecto como el agentede seguros arrastrado al crimen. Igual queEdward G. Robinson en el memorable perso-naje de Keyes, el inspector de reclamacionesque tiene un “hombrecillo” en la boca del estó-mago que le avisa de las que son fraudulen-tas, el hombre meticuloso, perfeccionista, ca-paz de investigar a su propia novia, pero conun corazón “grande como una casa”.

Un excelente guión, grandes actores,la inspirada dirección de Wilder, una notablepartitura de Miklos Rozsa... En esta páginaapenas podemos arañar las razones de la in-agotable fascinación de esta obra maestra.

(En 1973, Double indemnity fue ob-jeto de un remake televisivo, dirigido por JackSmight e interpretado por Richard Crenna,Samantha Eggar y Lee J. Cobb).

FILMOGRAFÍABILLY WILDER

Director y Guionista- El Mayor y la menor (The Major and the minor, 1942)- Cinco tumbas a El Cairo (Five graves to Cairo, 1943)- Perdición (Double indemnity, 1944)- Días sin huella (The lost weekend, 1945)- El vals del Emperador (The Emperor waltz, 1948)- Berlí Occidente (A foreign affair, 1948)- El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, 1950)- El gran carnaval (Ace in the hole, 1951)- Traidor en el infierno (Stalag 17, 1953)- Sabrina (1954)- La tentación vive arriba (The seven year itch, 1955)- El héroe solitario (The Spirit of St. Louis, 1957)- Ariane (Love in the afternoon, 1957)- Testigo de cargo (Witness for the prosecution, 1958)- Con faldas y a lo loco (Some like it hot, 1959)- El apartamento (The apartment, 1960)- Uno, dos, tres (One, two, three, 1961)- Irma la Dulce (Irma la Douce, 1963)- Bésame, tonto (Kiss me, stupid, 1964)- En bandeja de plata (The fortune cookie, 1966)- La vida privada de Sherlock Holmes (The private life of

Sherlock Holmes, 1970)- ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? (Avanti, 1972)- Primera plana (The front page, 1974)- Fedora (1978)- Aquí un amigo (Buddy, buddy, 1981)(Nota: por razones de espacio, no se incluyen las pelí-culas en las que Wilder sólo intervino como guionista oautor del argumento).

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BIENVENIDOS A LA CASA DEMUÑECASUSA, 1995 Suburban Pictures

Título Original: WELCOME TO THEDOLLHOUSE

Guión y Dirección: TODD SOLONDZFotografía: RANDY DRUMMOND

Música: JILL WISOFFMontaje: ALAN OXMAN

Diseño de Producción: SUSAN BLOCKProductores: TODD SOLONDZ, DAN

PARTLAND y TED SKILLMANProductora Ejecutiva: DONNA BASCOM

Intérpretes: HEATHER MATARAZZO,BRENDAN SEXTON Jr., ERICMABIUS, MATTHEW FABER,VICTORIA DAVIS, CHRISTINABRUCATO, CHRISTINA VIDAL,SIRI HOWARD, TELLYPONTIDIS, HERBIE DUARTE,SCOTT COOGAN, DARIAKALININA, JOSIAH TRAGER,KEN LEUNG, ANGELAPIETROPINTO, BILL BUELL

Duración: 88 minutosIdioma: Inglés (VOSE)

Banda Sonora (CD): London 697-124-142-2

- FESTIVAL DE SUNDANCE 1996: Gran Premio del Jurado- INDEPENDENT SPIRIT AWARDS: Actr iz revelación(Heather Matarazzo); también nominaciones a mejor pelícu-la, director, actor de reparto y actor revelación- FESTIVAL DE BERLÍN 1996: Premio CICAE, Forum de laJuventud

AQUELLOS ESPANTOSOS AÑOS“Considérenlo una respuesta a Aque-

llos maravillosos años y ese tipo de cosas”, nosdice el director y guionista Todd Solondz. La pri-mera imagen del filme nos lo cuenta todo: lapantalla muestra una fotografía familiar corrien-te, un punto hortera; pero, a medida que la cá-mara se acerca, las sonrisas nos parecen cadavez más forzadas, casi muecas de terror hela-do... Solondz se acoge a una frase de ThomasBernhard: “Sin ningún tipo de reparo los perso-nas afirman que disfrutaron de una infancia fe-liz, cuando en realidad tuvieron una infanciadesgraciada, de la cual consiguieron escapargracias a un esfuerzo supremo”.

Dawn Wiener (Heather Matarazzo) tie-ne once años. La vida no resulta fácil para ella.No es muy lista ni guapa, y no tiene mucha suer-te. En el colegio, todos se meten con ella, lla-mándola “salchicha” (“Wiener-dog”). Los profe-sores la castigan a menudo. Sus padres se limi-tan a ignorarla, cuando no la tratan de modoabiertamente injusto, pues toda su atención ladedican a su hermano mayor Mark (MatthewFaber), un “pardillo” con talento para la informá-tica (de hecho, es una especie de caricatura deBill Gates), y a su hermana pequeña Missy (DariaKalinina), una “muñequita” favorita de todos... Elúnico amigo de Dawn puede ser Brandon(Brendan Sexton Jr.), un chico problemático (pordecir poco). Mientras, ella se enamora delguaperas cantante del patético grupo musicalformado por su hermano, y sus padres se em-peñan en derribar su caseta (llamada el Club dela Gente Especial... hasta que alguien le dice quegente especial quiere decir retrasados). Y no pa-

rece que las cosas vayan a mejorar (Mark: “Elinstituto es mejor que el colegio: también te in-sultan, pero no siempre a la cara”). Dawn, de-cíamos, tiene once años.

Esta original película desmiente la vi-sión idílica que nos suelen dar el cine y la televi-sión de la preadolescencia: una época sin pre-ocupaciones, las pandillas de amigos/as, el fu-turo por delante, los padres dispuestos a dar elconsejo preciso... Vamos, dejen de engañarse.Solondz señala: “Quería explorar las realidadesy los terrores y las crueldades de esa época... Iral colegio cada día parece realmente una cues-tión de vida o muerte”. Uno de los aciertos esque Dawn (genial Heather Matarazzo), es un per-sonaje complicado y contradictorio. Solondz pen-saba que no tenía interés hacer únicamente lahistoria de una pobre víctima, de modo que Dawnes tanto víctima como verdugo; sufre la cruel-dad, pero también es cruel a veces. Tan prontodespierta nuestra simpatía como nos resultaodiosa e insoportable. La vivaz y expresivaHeather Matarazzo debutó en el cine con estapelícula (su cara, nada fácil de olvidar, les sona-rá de la serie Roseanne y de la posterior pelícu-la Pactar con el Diablo).

Otro aspecto crucial del filme es lamezcla de humor y crueldad. Para Solondz, “Mipelícula intenta explorar algunas de las reali-dades de la transición hacia la vida adulta... Esuna comedia, porque es la única forma que co-nozco de tratar con el sufrimiento más insopor-table, y encuentro elementos a la vez diverti-dos y dolorosos en la lucha por sobrevivir a lahumillación”. Esa mezcla entre lo divertido y loterrible, presente en todo el filme, destaca entres de las mejores escenas. La minuciosa de-capitación, con serrucho, de una muñecaBarbie. Cuando la madre de Dawn reparte pos-tre a toda la familia, menos a ella (como casti-go por no dejar que arrasen su cabaña), y suhermanita, con su sonrisa encantadora... pidecomerse ella su ración. Y la tantas veces anun-ciada “violación” por Brandon, que se resuelvecon un tímido beso, en un admirable giro ines-perado del horror a la ternura.

En suma, Bienvenidos a la casa demuñecas, producción genuinamente indepen-diente (rodada en New Jersey, y salvada delolvido gracias a su éxito en los festivales deToronto y Sundance), es una película insólita,muy divertida y muy real, que nos cuenta algu-nas verdades incómodas: que los niños soncrueles, que a los once años cada día puedeser un tormento (sobre todo para quienes sondistintos o más débiles), y que en definitiva po-demos considerarnos afortunados por haber sa-lido enteros de todo aquello. Una buena vacu-na contra los engaños de la nostalgia.

FILMOGRAFÍATODD SOLONDZ

- Feelings (1984) cortometraje- Babysitter (1984) cortometraje (NYU Short)- Schatt’s Last Shot (1985) cortometraje- How I Became a Leading Artistic Figure in New York City’s East Village Cultural Landscape (1986) cortometraje TV

- Casada con todos (Married to the Mob, 1988) sólo actor- Fear, Anxiety, and Depression (1989) director y guionista- Bienvenidos a la casa de muñecas (Welcome to the Dollhouse, 1995) director, guionista y productor

- Mejor imposible (As Good As It Gets, 1997) sólo actor- Happiness (1998) director y guionista

Día 18 de noviembre - BIENVENIDOS A LA CASA DE MUÑECAS

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BOOGIE NIGHTSUSA, 1997 New Line Cinema

Título Original: BOOGIE NIGHTSGuión y Dirección: PAUL THOMAS ANDERSON

Fotografía: ROBERT ELSWITMúsica Original: MICHAEL PENN

Montaje: DYLAN TICHENORDiseño de Producción: BOB ZIEMBICKI

Productores: LLOYD LEVIN, JOHN LYONS,PAUL THOMAS ANDERSON yJOANNE SELLAR

Productores Ejecutivos: LAWRENCE GORDON, MICHAELDE LUCA y LYNN HARRIS

Intérpretes: MARK WAHLBERG, JULIANNEMOORE, BURT REYNOLDS, DONCHEADLE, JOHN C. REILLY,WILLIAM H. MACY, HEATHERGRAHAM, NICOLE PARKER,PHILLIP SEYMOUR HOFFMAN,ROBERT RIDGELY, LUIS GUZ-MAN, PHILIP BAKER HALL,RICKY JAY, ALFRED MOLINA,MELORA WALTERS, NINAHARTLEY, ROBERT DOWNEY Sr.

Duración: 154 minutosIdioma: Inglés (VOSE)

Banda Sonora (CD): Capitol/Premier Records 7243-8-55631-2-6

- Nominaciones al OSCAR: Actor de reparto (Burt Reynolds),Actriz de reparto (Julianne Moore) y Guión original- GLOBO DE ORO: Actor de reparto (Reynolds); tambiénnominación a Actriz de reparto (Moore)

UNA HISTORIA DEL “PORNO”Según el productor Michael De

Luca, Boogie Nights sería a la industria del“porno” lo que Uno de los nuestros al crimenorganizado. La película de Paul ThomasAnderson es a la vez el retrato de un colecti-vo humano, el oculto mundillo de las pelícu-las “para adultos”, y la reconstrucción de unaépoca, desde 1977 hasta 1984.

Boogie Nights sigue un esquemaclásico, casi de cuento moral: ascensión,triunfo, caída y redención. Eddie Adams (MarkWahlberg) es un joven que trabaja de cama-rero y lavaplatos en un club nocturno de LosAngeles. Pero tiene un “talento” especial, quees descubierto por el director de películas“porno” Jack Horner (Burt Reynolds).Rebautizado con el nombre artístico de “DirkDiggler”, nuestro héroe llega rápidamente ala cumbre en la especialidad. Horner quierehacer películas que tengan “personajes” y “ar-gumento”, de modo que acepta la idea dehacer una serie de delirantes “pornos” deacción, protagonizados por “Diggler” comoBrock Peters (un James Bond cutre), y porsu colega Reed Rotschild (John C. Reilly)...La primera parte de la película resulta festivay despreocupada, como corresponde a unosaños 70 en que la moda, las discotecas, laliberación de las costumbres, la tolerancia ylas drogas, están a la orden del día y pareceque “la fiesta no va a tener fin”. Pero, al llegarlos 80, las cosas cambian. El vídeo irrumpeen la industria del “porno”, reemplazando alformato cine y cambiando el negocio de arri-ba abajo...

La gente que trabaja el “porno” apa-rece retratada como una “familia”. El “padre”sería Horner (excelente trabajo de un recu-perado Burt Reynolds), un perfeccionista quecree que sus películas son una forma de arte,y que se dedica a ellas con el mismo entu-siasmo que el Ed Wood de Tim Burton. Lafigura “maternal” es Amber Waves (esplén-dida Julianne Moore), superestrella del“porno” y mujer cálida y generosa (Moore:“Amber es representativa de las actrices“porno” de la época. Ha roto todos los lazosy está completamente inmersa en este mun-do. Es libre, pero ha pagado un alto preciopor su manera de vivir”). Adams y “Rollergirl”(Heather Graham), la joven actriz “porno” quenunca se quita los patines, serían los “hijos”.Y en torno a ellos pulula una amplia variedadde personajes muy bien trazados. El actorBuck Swope (Don Cheadle), a quien lo querealmente le gusta son los equipos de altafidelidad y que cambia varias veces de estilode vestuario (del cowboy al cuero). El desdi-chado ayudante de dirección Little Bill (ge-nial William H. Macy, con un impagable look

Día 25 de noviembre - BOOGIE NIGHTSsetentero), obligado a ver cómo su mujer seacuesta públicamente con otros...

Junto esta visión desde dentro dela industria del “porno”, humana, creíble yprivada de morbo, el otro atractivo de BoogieNights es la reconstrucción de una época,de finales de los 70 a principios de los 80. Unejercicio de nostalgia sobre las sensacionesdejadas por un tiempo que hemos vivido yque ya es historia. La música “disco”: el co-reógrafo Adam Shankman se esforzó por re-crear los pasos de baile exactos. La ropa(pantalones de campana, camisas de gran-des cuellos, zapatos de plataforma...): eldiseñador de vestuario Mark Bridges tuvodificultades para encontrar piezas originalesde los 70, porque vuelven a estarcotizadísimas. El cine: en 1977 acaba deestrenarse La Guerra de las Galaxias; Adamsdice haberla visto cuatro veces, y Rotschildcree parecerse a Han Solo (!).

Se ha comentado que el personajeinterpretado por Mark Wahlberg (quien em-pezó su carrera como modelo de ropa inte-rior para Calvin Klein, como “Marky Mark”)se inspira en la vida del estajanovista del“porno” John Holmes (hay datos biográficosy medidas comunes). Por otro lado, Andersonha recogido ideas de su película de aficiona-do The Dirk Diggler Story (1988). En todocaso, con dimensiones épicas (dos horas ymedia de metraje), Boogie Nights ha resulta-do una de las sorpresas agradables de latemporada. Las posibles controversias sobresu tema han sido superadas por el entusias-mo casi unánime de crítica y público, e inclu-so su éxito ha permitido que se estrenara enEspaña la anterior película de Anderson,Sidney (1996).

FILMOGRAFÍAPAUL THOMAS ANDERSON

Director y Guionista- The Dirk Diggler Story (1988)- Cigarettes and Coffee (1993) cortometraje- Sidney (Sidney/ Hard Eight, 1996)- Boogie Nights (1997)

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LA CORTINA DE HUMOUSA, 1997 Tribeca/ New Line/ Punch/ Baltimore

Título Original: WAG THE DOGDirector: BARRY LEVINSON

Guión: HILARY HENKIN y DAVIDMAMETSobre la Novela “American Hero”de LARRY BEINHART

Fotografía: ROBERT RICHARDSONMúsica: MARK KNOPFLER

Montaje: STU LINDERDiseño de Producción: WYNN THOMAS

Productores: JANE ROSENTHAL, ROBERTDE NIRO y BARRY LEVINSON

Productores Ejecutivos: MICHAEL DE LUCA, CLAIRERUDNICK POLSTEIN y EZRASWERDLOW

Intérpretes: DUSTIN HOFFMAN, ROBERTDE NIRO, ANNE HECHE, DENISLEARY, WILLIE NELSON,ANDREA MARTIN, KIRSTENDUNST, WILLIAM H. MACY,CRAIG T. NELSON, SUZIEPLAKSON, JOHN MICHAELHIGGINS, WOODYHARRELSON, MICHAELBELSON, SUZANNE CRYER

Duración: 97 minutosIdioma: Inglés (VOSE)

Banda Sonora (CD): Vertigo-Polygram 536-864-2

- Nominaciones OSCAR: Mejor actor (Hoffman), Mejor guiónadaptado- Nominaciones GLOBO DE ORO: Película (comedia), actor(Hoffman), guión- FESTIVAL DE BERLIN: Premio Especial del Jurado

POLÍTICA Y EFECTOS ESPECIALESEsto es lo que pasa cuando la rea-

lidad imita al cine. Mientras Hilary Henkin yDavid Mamet escribían el guión de esta pe-lícula, sobre la novela American hero deLarry Beinhart, supongo que creían estar tra-bajando en una sátira disparatada de políti-ca-ficción, un poco al estilo del Dr.Strangelove (1963) de Stanley Kubrick. Na-die había oído hablar aún de MonicaLewinsky. Lo ocurrido después ha converti-do la película en una asombrosa anticipación.Cuando, en pleno escándalo Lewinsky, el pre-sidente Clinton amenazaba con atacar Irak,las barreras entre “realidad” y “ficción” esta-ban desapareciendo para siempre...

Como sucede en La cortina dehumo. Faltan dos semanas para las elec-ciones, y está a punto de estallar un escán-dalo por una aventura sexual del presiden-te. Entonces entra en juego el “arregla-cri-sis” Conrad Brean (Robert De Niro), quienconcibe un fabuloso plan para despistar a laopinión pública: con la colaboración del pro-ductor de Hollywood Stanley Motss (DustinHoffman), y manejando el poder de los me-dios de comunicación unido al del mundodel espectáculo, fingirán una guerra con...¡Albania! El montaje orquestado por Motssy Brean no descuida ningún detalle. Se ha-cen correr falsos rumores, que se confirmana base de desmentirlos (los albaneses re-sultan sospechosos, precisamente porquenadie sabe nada sobre Albania). Se trucanimágenes sensibleras de una jovencita en

peligro. Se componen, a toda prisa, cancio-nes patrióticas como (The American Dream,parodia en clave nacionalista de We are theWorld), e incluso se falsifica una supuestacanción antigua, Good old shoe,providencialmente encontrada en los archi-vos. Se lanzan imprecisas noticias sobreamenazas terroristas. Se fabrica un “héroe”que resulta ser un psicópata peligroso(Woody Harrelson)... Y cada mentira se sal-va con otra mentira mayor.

Brean tiene un trabajo muy similaral de Harvey Keitel en Pulp fiction (pues qui-zá los métodos de la Casa Blanca y los delcrimen organizado no difieran tanto). Es unmaestro en manipular a la opinión pública(“Negar que estamos mandando bombarde-ros B-3, insistir en que no poseemos bom-barderos B-3... y entonces la gente llega acreer que los bombarderos B-3 existen”). Esel hombre en la sombra. Por el contrario,Motss pertenece al mundo del espectáculo,necesita el aplauso; está frustrado porqueel público nunca se fija en el productor. Or-gulloso de la obra maestra que ha montado,Motss ansía lo único que Brean no puedepermitirle: contar a todo el mundo lo que hahecho. “No puedes contarlo”, le adviertenumerosas veces Brean a lo largo del filme,y aunque lo dice sonriendo sabemos que nose trata de ninguna broma.

El título original de la película, Wagthe dog, proviene de un proverbio: “el perromueve la cola porque el perro es más listoque su cola; si la cola fuera más lista, la colamovería al perro...”. Barry Levinson sólo dis-puso de 29 días de rodaje y de un presu-puesto de 15 millones de dólares, pero haconseguido uno de sus mejores trabajos,realizado con imaginación, precisión y el rit-mo adecuado. A su favor tenía un guión bri-llante y dos monstruos como Hoffman y DeNiro, que pudo permitirse gracias a que par-ticiparon también como productores, y portanto no cobraron su elevado salario habi-tual (ambos actores habían coincidido en laanterior película de Levinson, Sleepers, pero

allí sólo compartían la pantalla durante unpar de minutos).

Además, la película reúne un ex-celente grupo de secundarios. Una diverti-da Anne Heche es la nerviosa WinifredAmes, asesora de la Casa Blanca. El can-tante country Willie Nelson casi hace de símismo como Johnny Dean, vocalista de lasdesternillantes canciones patrióticas. DennisLeary es el Rey de la Moda, experto en ten-dencias e índices de audiencia. Un WoodyHarrelson escapado de Asesinos natos esel impresentable héroe... Y, para difuminaraún más la frontera entre ficción y realidad,aparecen, interpretándose a sí mismos, elactor James Belushi (¿sabían que es de ori-gen albanés?) y el presentador y showmantelevisivo Jay Leno (haciendo los mismoschistes groseros a costa del presidente queharía después sobre Clinton & Lewinsky).

El interés de La cortina de humono se reduce a su coyuntural coincidenciacon la actualidad USA. Tampoco trata deasuntos exclusivamente norteamericanos.En su ajustada duración de poco más dehora y media, es una película muy divertidaque dice cosas muy serias sobre los mediosde comunicación y la manipulación de laopinión pública, recordándonos lo mezcla-das que están la política y el mundo del es-pectáculo. Despues de verla, ya no se pue-de seguir mirando los telediarios de la mis-ma manera.

FILMOGRAFÍABARRY LEVINSON

Director- Diner (1982) también guión- Diner (1983) (TV) tb. guión- El mejor (The natural, 1984)- El secreto de la pirámide (Young Sherlock Holmes, 1985)- Good Morning, Vietnam (1987)- Dos tramposos y una mujer (Tin men, 1987) tb. guión- Rain Man (1988)- Avalon (1990) tb. producción- Bugsy (1991) tb. producción- Toys (1992) tb. guión y producción- Homicide: Life on the Street (1993) serie TV (episodios Gone for Goode y The gas man) tb. montaje y producción ejecutiva

- Jimmy Hollywood (1994) tb. guión y producción- Acoso (Disclosure, 1994) tb. productor- Sleepers (1996) tb. guión y producción- La cortina de humo (Wag the dog, 1997) tb. productor- Esfera (Sphere, 1998) tb. productor

(Nota: por razones de espacio, no se incluyen las pelícu-las en las que Barry Levinson ha intervenido únicamen-te como productor o guionista, pero no como director).

Día 2 de diciembre - LA CORTINA DE HUMO

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HOMBRES ARMADOSUSA, 1997 Lexington Road/Clear Blue Sky/Independent FilmChannel/Anarchists’ Convention

Título Original: MEN WITH GUNSGuión y Dirección: JOHN SAYLES

Fotografía: SLAWOMIR IDZIAKMúsica: MASON DARING

Montaje: JOHN SAYLESDirector Artístico: FELIPE FERNÁNDEZ DEL PASO

Productores: R. PAUL MILLER, MAGGIE RENZIy BERTHA NAVARRO

Intérpretes: FEDERICO LUPPI, DAMIÁN DEL-GADO, DAN RIVERA GONZÁLEZ,TANIA CRUZ, DAMIÁN ALCÁZAR,MANDY PATINKIN, KATHRYNGRODY, LUIS FELIPE TOVAR

Duración: 128 minutosIdiomas: Español, Lenguas indígenas

(Nahatl, Tzotzil, Maya y Kuna) eInglés

Banda Sonora (CD): Rykodisc 10437

- FESTIVAL DE SAN SEBASTIAN ’97: Premios FIPRESCI,OCIC y Solidaridad

EL COMPROMISO DE SABERUn país indeterminado de Latinoamé-

rica. El doctor Fuentes (excelente FedericoLuppi) lleva una vida acomodada en la capital.Hace dos años, participó en un programa gu-bernamental para formar médicos con destino azonas rurales remotas. Ahora se le ocurre dedi-car sus vacaciones a recorrer esos poblados in-dígenas para ver qué ha sido de sus ex-alum-nos. Fuentes va de poblado en poblado, encon-trando a los más pobres entre los campesinos eindios (la gente de la sal, del azúcar, del café,del caucho), y descubriendo la terrible verdad...En su itinerario, se encuentra con un niño su-perviviente, Conejo (Dan Rivera González), conun soldado desertor, Domingo (Damián Delga-do) y con un sacerdote fugitivo, el Padre Portillo(Damián Alcázar)...

Según los créditos finales, el perso-naje del doctor Fuentes está basado en el doc-tor Arau de la novela La larga noche de los po-llos blancos de Francisco Goldman. Sayles hacombinado ese relato con otras historias realesy con los sucesos de las últimas décadas enLatinoamérica. El guión se acoge a un esque-ma clásico: el viaje de descubrimiento, en el queel espectador acompaña al protagonista. El doc-tor Fuentes es un hombre culto, honesto e inte-ligente, pero parte de un estado de ignorancia.Un oficial le dice que “es como un chiquillo”. Unex-alumno le espeta que “no tiene ni idea de loque pasa aquí”, y sentencia: “usted es el hom-bre más preparado que he conocido, pero tam-bién el más ignorante”. (Sayles: “¿Cuántas co-sas no sé porque me engañan y cuántas ignoroporque mi vida es muy cómoda y realmente noquiero saber? Una vez que el doctor Fuentesabandona el nido de su protegida vida de ciu-dad, no hay vuelta atrás.”). Si el doctor Fuentespasa dolorosamente de la ignorancia al conoci-miento de lo terrible, también vemos cómo esposible mantener la ceguera: la pareja de turis-tas norteamericanos (Mandy Patinkin yKathryn Grody), gente instruída también,pasa por los mismos lugares sin aprender

nada y sin entender nada (buscando hue-llas de sacrificios precolombinos, pasan juntoal horror actual sin verlo).

El doctor Fuentes es el “guía” del es-pectador en ese viaje sin retorno, pero la pelícu-la introduce otro punto de vista: el relato de unamadre india a su hija, mientras le enseña a ha-cer tortitas. La importancia del relato oral, delcuento y la leyenda, no es algo nuevo paraSayles (ver El secreto de la Isla de las Focas).De noche, junto al fuego, unos hombres pidenun cuento... y reciben la terrible narración delPadre Portillo sobre cómo se ha convertido en“fantasma”. Quizás “Cerca del Cielo”, el lugardonde se habrían refugiado los supervivientesde las matanzas, sea una leyenda más, un mitocomo Eldorado (aunque el plano final, la mujermirando una montaña más alta, puede insinuarun atisbo de esperanza).

El diagnóstico sobre la violencia con-tra indígenas y campesinos es claro y contun-dente: al ejército y a los poderes económicosque representa les interesa mantenerles en lamiseria, la ignorancia y el terror. La gran lucidezdel planteamiento de Sayles estriba en que nose hacen diferencias entre la guerrilla y el ejérci-to, ni entre blancos e indios (“cuando se ponenel uniforme, todos se vuelven blancos”). Laúnica distinción real, la única importante, es laque existe entre los hombres armados y quie-nes no tienen armas... Cuando el doctor Fuen-tes pregunta a una campesina ciega por quélos hombres armados mataron a los habitan-tes de su pueblo, ella responde con contun-dente simplicidad: “Porque ellos tenían armas,y nosotros no”.

No se escamotea la complejidad delas cuestiones morales en juego: el fracaso delPadre Portillo cuando es “puesto a prueba”, lacruel “iniciación” del soldado Domingo, la gran-deza de los hombres que aceptan serenamentesacrificarse por salvar el futuro de su pueblo, laescalofriante lucidez de niño Conejo, “mascota”de los soldados (a quienes parece admirar a ve-ces). Pero Sayles no se recrea visualmente enla atrocidad. La violencia nunca se nos muestradirectamente: vemos su antesala o sus efectos,la oímos en “off”, nos la relatan... El humor, aún

cruel, también existe: Conejo resume con preci-sa ironía cómo funcionaba la escuela del pue-blo como centro de interrogatorios: si cooperaste “educas”, si no... te “gradúas” (“estos ya segraduaron” comenta el niño ante los restos hu-manos que descubren junto a la escuela).

La película está rodada en México,pero la acción no se sitúa en ningún país espe-cífico (precisamente lo terrible es pensar en lacantidad de países que podrían ser). En unaopción que dice mucho sobre el rigor y honesti-dad de Sayles, la película está hablada en losidiomas reales de los personajes: la mayor par-te en español (evitando emplear modismos pro-pios de México), pero también en varias lenguasindígenas (Nahatl, Tzotzil, Maya y Kuna), y unasfrases en inglés (los turistas).

Hombres armados es un película dura,comprometida, honesta, obra de alguien que hasabido comprender lo que sucede, y contarlo.

FILMOGRAFÍAJOHN SAYLES

Como director y guionista:- The return of the Seacaucus Seven (1980) también montaje- Lianna (1982) también montaje- Baby, it’s you (1983)- The brother from another planet (1984) también montaje- Matewan (1987)- Eight men out (1988)- El pacto de Shannon (Shannon’s deal, 1990) serie de TV- City of hope (1991) también montaje- Passion fish (1992) también montaje- El secreto de la Isla de las Focas (The secret of RoanInish, 1995) también montaje

- Lone Star (1996) también montaje- Hombres armados (1997) también montaje

Sólo como guionista:- Piraña (Piranha, 1978) dir. Joe Dante- La dama de rojo (The Lady in Red, 1979) dir. Lewis Teague- La bestia bajo el asfalto (Alligator, 1980) dir. Lewis Teague- Los siete magníficos del espacio (Battle beyond thestars, 1980) dir. Jimmy T. Murakami

- Aullidos (The Howling, 1981) dir. Joe Dante- El reto del Samurai (The Challenge, 1982) dir. JohnFrankenheimer- Enormous changes at the last minute (1983) dir. MirraBank, Ellen Holde y Muffie Meyer

- El Clan del Oso Cavernario (The Clan of the Cave Bear,1986) dir. Michael Chapman

- Wild thing (1987) dir. Max Reid- Breaking In (1989) dir. Bill Forsyth- Men of War (1994) dir. Perry Lang- Piranha (1995) (TV) dir. Scott P. Levy

[Además, ha contribuido, sin aparecer en los títulos decrédito, a los guiones de películas como Rápida y mor-tal (1995), Apolo 13 (1995) y Mimic (1997)]

Día 9 de diciembre - HOMBRES ARMADOS

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LAURAUSA, 1944 20th Century Fox

Título Original: LAURADirector: OTTO PREMINGER

Guión: JAY DRATLER, SAMUELHOFFENSTEIN y BETTYREINHARDTSobre la Novela de VERA CASPARY

Fotografía: JOSEPH LaSHELLEMúsica: DAVID RAKSIN

Montaje: LOUIS R. LOEFFLERProductor: OTTO PREMINGER

Intérpretes: GENE TIERNEY, DANAANDREWS, CLIFTON WEBB,VINCENT PRICE, JUDITHANDERSON, DOROTHYADAMS, JAMES FLAVIN, CLYDEFILLMORE, RALPH DUNN,GRANT MITCHELL, KATHLEENHOWARD

Duración: 90 minutosIdioma: Inglés (VOSE)

Banda Sonora (CD): Fox 07822-11006-2

- OSCAR: Mejor Fotografía en b/n. También nominaciones a Di-rector, Guión, Dirección Artística y Actor de reparto (Clifton Webb)

MÁS ALLÁ DE LA SOMBRA DE LAMUERTE

En los días más calurosos del veranoneoyorkino, el detective de homicidios MarkMcPherson (Dana Andrews) investiga el asesinatode Laura Hunt (Gene Tierney), cuyo cadáver hasido hallado en su apartamento, desfigurado porun disparo de escopeta a bocajarro. El policía en-trevista a los principales sospechosos, cercanosa Laura: su mentor, el cáustico y brillante colum-nista Waldo Lydecker (Clifton Webb); su prometi-do, Shelby Carpenter (Vincent Price); y su tía,Anne Treadwell (Judith Anderson). A medida queescucha a quienes la conocieron, el propioMcPherson empieza a caer también bajo el he-chizo de Laura, reforzado por el retrato que cuel-ga de la pared de su apartamento. Pero enton-ces, todo el caso da un giro inesperado...

Laura fue la primera película importan-te dirigida por el vienés Otto Preminger (1906-1986), después de cinco títulos menores. Pero lagestación de esta obra maestra no puso ser másazarosa. Con el guión de Dratler, Hoffenstein yReinhardt, basado en una novela de VeraCaspary, prolífica escritora y guionista (Carta atres esposas, Easy living, Las Girls, Soltero en elparaíso...), Preminger interesó al jefe de la Fox,Darryl F. Zanuck, quien dotó a la producción deun presupuesto de serie A, pero prefirió un direc-tor de prestigio consolidado: Rouben Mamoulian.Los enfrentamientos entre Preminger, productor,y Mamoulian fueron constantes. Al poco de em-pezar el rodaje, Zanuck despidió a Mamoulian yconfió la dirección a Preminger (sigue viva la po-lémica sobre si queda algún plano de Mamoulianen el montaje definitivo). Para remate, Zanuckmandó rodar un nuevo final, en contra del criteriode Preminger, pero tras un pase privado decidiórestaurar el rodado originalmente por el director.

La estructura narrativa de Laura escompleja, y sólo en apariencia caprichosa. En laprimera parte, McPherson es una presencia pa-siva, que se limita a recoger lo que le dicen otros,mientras Laura se construye como personaje au-sente. La película empieza con la voz en off deWaldo Lydecker (“Nunca olvidaré el fin de sema-

na en que Laura murió...”), y los flashbacks rela-tados por el columnista son los que hacen emer-ger la imagen de Laura y nos permiten seguir suascenso hacia el éxito social y profesional en elmundo de la publicidad. Pero no será Lydecker elnarrador del filme. Tras el último flashback,Preminger acerca la cámara hasta un primer pla-no, de perfil, de McPherson, y sabemos que apartir de ahí será el detective quien conduzca lahistoria. Después, como decíamos, todo da ungiro de 180 grados...

Gene Tierney, maravillosa en su papelmás recordado, aporta toda la fascinación delpersonaje central. Dana Andrews resulta sólido yconvincente como el policía absorbido por la ima-gen de la víctima. Judith Anderson, una perfectadama sofisticada de la alta sociedad, sorprende-rá a quien sólo la recuerde como el ama de lla-ves de Rebeca. Un Vincent Price anterior a lospapeles siniestros que le darían fama, es unperfecto playboy, despreocupado e infantil...

Pero quien roba la función es CliftonWebb, bordando el papel-bombón de WaldoLydecker. Ingenioso, culto, refinado, sarcástico...progresivamente se nos revela también como unhombre inseguro y frágil, obsesivamente celoso,poseído por un amor sin esperanza, patético in-cluso en sus aires de superioridad. Lydecker tie-ne las mejores frases de la película (“Lamentaríasinceramente ver a los hijos de mi vecino devora-dos por los lobos”... “Yo no uso estilográfica; es-cribo con una pluma de ganso mojada en vene-no”... “En mi caso, el egoísmo está completamentejustificado; nunca he descubierto ningún otro su-jeto que mereciese tanto mi atención”... “No soyamable, soy detestable; ése es el secreto de miencanto.”). Dicen que el personaje se inspiró enel crítico neoyorkino Alexander Woollcott, miem-bro de la famosa Mesa Redonda del HotelAlgonquin (grupo de intelectuales que han podi-do ver retratado en el filme de Alan Rudolph LaSra. Parker y el círculo vicioso). No es casualidadque el primer encuentro entre Laura y Waldo ten-ga lugar, precisamente, en el Hotel Algonquin.

En Laura, el estilo y la atmósfera lo-grados por Preminger importan más que una in-triga policíaca ciertamente artificiosa. Resultancruciales la romántica y magistral música deDavid Raksin, con su memorable tema princi-

pal, y la contrastada fotografía en blanco y ne-gro de Joseph LaShelle, una de las cumbres vi-suales del cine negro (toda la película sucedeen interiores, o bien en exteriores nocturnos, conlluvia torrencial y tormentas), elementos quehacen trascender la película hacia un territoriocercano al sueño, a lo fantástico y sobrenatu-ral, donde también encaja el elemento denecrofilia: McPherson intenta comprar el rela-to de Laura, y Lydecker le hace ver que se estáenamorando de una muerta (“¿Soñó algunavez que ella era su esposa?”).

Al final, es el personaje de Lydecker quiennos ofrece (en una emisión radiofónica) la verdade-ra “tesis” de una película sobre el sueño y el amorloco: “El amor es más fuerte que la vida. Alcanzamás allá de la oscura sombra de la muerte...”

FILMOGRAFÍAOTTO PREMINGERDirector- Die Große Liebe (1932)- Under Your Spell (1936)- Danger-Love at Work (1937)- Margin for Error (1943)- In the Meantime, Darling (1944) también productor- Laura (1944) tb. productor- La Zarina (A Royal Scandal, 1945)- Angel o diablo (Fallen Angel, 1945) tb. productor- Centennial Summer (1946) tb. productor- Ambiciosa (Forever Amber, 1947)- Daisy Kenyon (1947) tb. productor- Vorágine (Whirlpool, 1949) tb. productor- The Fan (1949)- Al borde del peligro (Where the Sidewalk Ends, 1950) tb. productor- Cartas envenenadas (Yhe 13th Letter, 1951) tb. pro ductor- Cara de ángel (Angel Face, 1952) tb. productor- The Moon Is Blue (1953) tb. productor- Río sin retorno (River of no return, 1954)- Carmen Jones (1954) tb. productor- El hombre del brazo de oro (The man with the goldenarm, 1955) tb. productor

- The Court-Martial of Billy Mitchell (1955)- Saint Joan (1957) tb. productor- Buenos días, tristeza (Bonjour, tristesse, 1958) tb. productor- Porgy & Bess (1959)- Anatomía de un asesinato (Anatomy of a murder, 1959) tb. productor- Éxodo (Exodus, 1960) tb. productor- Tempestad sobre Washington (Advise and consent,1962) tb. productor

- El Cardenal (The Cardinal, 1963) tb. productor- Primera victoria (In harm’s way, 1965) tb. productor- El rapto de Bunny Lake (Bunny Lake is missing, 1965) tb. productor- La noche deseada (Hurry Sundown, 1967) tb. productor- Skidoo (1968) tb. productor- Dime que me amas, Junie Moon (Tell me that you love me, Junie Moon, 1970) tb. productor

- Rosebud: desafío al mundo (Rosebud, 1975) tb. productor- El factor humano (The human factor, 1980) tb. productor

Día 16 de diciembre - LAURA

SESIONES DE ANÁLISIS CON VÍDEOComo en cursos anteriores,

dedicaremos el mes de enero, en elque no está disponible el Palacio de laAudiencia, a profundizar en el cine clá-sico, de la mano erudita de tres profe-sores de la Cátedra de Cine de la Uni-versidad de Valladolid y de la Univer-sidad Complutense de Madrid. Comorecordarán, en el 95-96 indagamos so-bre “El nacimiento de una pasión”, consesiones dedicadas a los inicios delcine, Griffith y el expresionismo ale-mán; en el 96-97 revisamos las van-

guardias europeas y el cine soviético;y en el 97-98, tratamos de un directornorteamericano clásico por excelen-cia, John Ford.

Este año, seguiremos con elcine americano clásico, en compañíade otro de los grandes maestros:HOWARD HAWKS. Tendremos video-proyecciones de ¡Hatari! y La fiera demi niña, y conferencias a cargo deFrancisco J. de la Plaza, director de laCátedra de Cine de la Universidad deValladolid, Luis Martín Arias, profesor

de la misma Cátedra (“La comedia clá-sica”), y Jesús González Requena, pro-fesor titular de Comunicación Audiovi-sual de la Universidad Complutense deMadrid (“El fondo y la forma”). Puestoque en las conferencias se analizarány desmenuzarán debidamente las dospelículas, nos limitaremos en estaspáginas a dar algunos datos que sir-van de aperitivo. (Sobre días, horas ylugares, consulten la página 2 de estarevista y/o cerciórense cuando se acer-que enero).

❍ 14 de enero de 1999. Conferencia de Francisco J. de la Plaza, Catedrático de Historia del Arte y Directorde la Cátedra de Cine de la Universidad de Valladolid, con el título «La imagen cinematográfica, entre eldocumento y la ficción».

❍ 20 de enero. Videoproyección de HATARI.❍ 21 de enero. Conferencia de Jesús González Requena, Profesor Titular de Comunicación Audiovisual de

la Universidad Complutense de Madrid, con el título: "El fondo y la forma".❍ 27 de enero. Videoproyección de LA FIERA DE MI NIÑA.❍ 28 de enero. Conferencia de Luis Martín Arias, Profesor de la Cátedra de Cine de la Universidad de

Valladolid, con el título «La comedia clásica».

HOWARD HAWKSHoward Winchester Hawks (1896-

1979) está hoy unánimemente reconocidocomo uno de los grandes maestros del cine.Pero, durante muchos años, los críticos desu país sólo le consideraron un excelenteartesano, eficaz narrador, buen técnico, fia-ble productor, dotado de buen ojo para lataquilla... pero en modo alguno un “artista”(qué curioso: es más o menos lo que loscríticos más cerriles han dicho y siguen di-ciendo sobre Spielberg; la historia se repi-te). Fueron los críticos franceses, los futu-ros directores de la Nouvelle Vague, quie-nes reivindicaron a Hawks como “autor”,como un creador con un mundo propio quesupo plasmar en películas de géneros di-ferentes. En 1975, la Academia deHollywood trató de hacerse perdonar suescandaloso olvido de Hawks, concedién-dole un Oscar honorífico.

Apuesto hijo de familia rica (supadre era vicepresidente de una cadena dehoteles), Hawks fue estudiante de Ingenie-ría en Cornell, aviador, cazador, piloto decarreras y deportista en general. Empezóen el cine como “atrezzista”; luego fue pro-ductor, guionista y director (en este orden),llegando a disfrutar de un control total so-bre su trabajo (fue productor de la mayoríade sus filmes).

Elegir sólo dos películas de Hawkses una tarea imposible. Si magistrales sonLa fiera de mi niña y ¡Hatari!, cómo no echarde menos otras obras igualmente excelen-tes: otras comedias (Luna nueva, Bola defuego, La novia era él, Me siento rejuvene-cer), películas de acción y aventura (Sólo

los ángeles tienen alas, Tener y no tener),westerns (Río Rojo, Río Bravo, Eldorado),cine negro (Scarface, El sueño eterno), yhasta algún musical (Los caballeros lasprefieren rubias) o película “histórica” (Tie-rra de faraones). Y me refiero sólo a algu-nas de las realmente imprescindibles.

FILMOGRAFÍAHOWARD HAWKSDirector- El camino de la gloria

(The road to glory, 1926)- Hojas de parra

(Fig leaves, 1926)- The craddle snatchers (1927)- Érase una vez un príncipe

(Paid to love, 1927)- Una novia en cada puerto

(A girl in every port, 1928)- El príncipe azul

(Fazil, 1928)- Por la ruta de los cielos

(The air circus, 1928)- ¿Quién es el culpable?

(Trent’s last case, 1929)- La escuadrilla del amanecer

(The dawn patrol, 1930)- El código penal

(The criminal code, 1931)- Scarface, terror del hampa

(Scarface, shame of a nation, 1932)- Avidez de tragedia

(The crowd roars, 1932)- Pasto de tiburones

(Tiger shark, 1932)- Vivamos hoy

(Today we live, 1933)- La comedia de la vida

(Twentieth century, 1934)- La ciudad sin ley

(Barbary Coast, 1935)

- Águilas heróicas(Ceiling zero, 1936)

- The road to glory (1936)- Rivales (Come and get it, 1936)

terminada por William Wyler- La fiera de mi niña

(Bringing up Baby, 1938)- Sólo los ángeles tienen alas

(Only angels have wings, 1939)- Luna nueva

(His girl friday, 1940)- Sargento York

(Sergeant York, 1941)- Bola de fuego

(Ball of fire, 1942)- Air force (1943)- Tener y no tener

(To have and have not, 1945)- El sueño eterno

(The big sleep, 1946)- Río Rojo

(Red River, 1948)- Nace una canción

(A song is born, 1948)- La novia era él

(I was a male war bride, 1949)- Río de sangre

(The big sky, 1952)- Me siento rejuvenecer

(Monkey bussiness, 1952)- Los caballeros las prefieren rubias

(Gentlemen prefer blondes, 1953)- Tierra de faraones

(Land of the pharaohs, 1955)- Rio Bravo (1959)- ¡Hatari! (Hatari!, 1962)- Su juego favorito

(Man’s favorite sport?, 1964)- Peligro: línea 7.000

(Red line 7.000, 1965)- Eldorado (1967)- Rio Lobo (1970)

¡HATARI!Título Original: HATARI!USA, 1962Malabar-Paramount

Director: HOWARD HAWKSGuión: LEIGH BRACKETT

Argumento: HARRY KURNITZFotografía: RUSSELL HARLAN

Música: HENRY MANCINIMontaje: STUART GILMORE

Dirección Artística: HAL PEREIRA y CARL ANDERSONEfectos Especiales: JOHN P. FULTON

Productor: HOWARD HAWKSIntérpretes: JOHN WAYNE, ELSA MARTINELLI,

HARDY KRUGER, GÉRARD BLAIN,RED BUTTONS, MICHELEGIRARDON, BRUCE CABOT, VALEN-TÍN DE VARGAS, EDUARD FRANZ,UMBOPA M’BETI, KOUME SAMBURY

Duración: 159 minutosBanda Sonora (LP):RCA Cinematres NL-43595

¡Hatari! (palabra swahili que signi-fica peligro) sólo es una película de aventu-ras desde el punto de vista del espectador,pero no desde el de los personajes. Susprotagonistas no son ni se consideran aven-tureros, sino profesionales de un oficio difí-cil y arriesgado: capturar animales con des-tino a los circos y zoológicos (Hawks: “Sen-cillamente se trataba de un grupo de genteque cazaba para los circos y ganaba dineroasí”). Sean Mercer (John Wayne) dirige unvariopinto grupo internacional de cazadoresque trabaja en la reserva de caza deMomella, cerca de Arusha (Tanganika).

Recordemos algunos elementos.La incorporación de la fotógrafa Anna MariaD’Allessandro, alias “Dallas” (Elsa

Martinelli), y sus perturbadores efectos enel desengañado Sean. La baja de un caza-dor por culpa de un rinoceronte. La rivali-dad entre el ex corredor de coches alemánKurt (Hardy Kruger) y el arrogante francésChip (Gérard Blain) por el amor de la due-ña de la empresa, Brandy (MicheleGirardon), hija del anterior patrón. Los ex-travagantes inventos de Pockets (RedButtons), de los que el más brillante es unacombinación de cohete y red que permiteatrapar a todos los monos de un árbol. Laplanificación de las operaciones de caza(que tanto se parece a la propia planifica-ción de un rodaje). Los pequeños elefan-tes (con su memorable tema musical deHenry Mancini)...

Encontramos en el filme uno delos que comúnmente se consideran temasfundamentales del cine de Hawks: el gru-po de profesionales, que intentan realizaruna tarea difícil juntos mientras mantienenun código de conducta (ver, entre otras,Sólo los ángeles tienen alas). Por su parte,las escenas de la cacería del rinocerontehan inspirado a muchos cineastas posterio-res (recuerden, la excelente secuencia dela caza de dinosaurios en El Mundo Perdi-do, de Steven Spielberg). Quizás no sea unapelícula perfecta, pero sigue siendo una obraamena y contagiosa, una de esas películasdentro de las cuales se puede vivir. Yo llevosintiéndome miembro del equipo de Mercer(en espíritu) desde que ví ¡Hatari! por pri-mera vez, en una sesión dominical de lascinco de la tarde en el añorado Cine Lara(era una reposición, eh).

LA FIERA DE MI NIÑATítulo Original: BRINGING UP BABYUSA, 1938RKO

Director: HOWARD HAWKSGuión: DUDLEY NICHOLS y HAGAR WILDE

Argumento: HAGAR WILDEFotografía: RUSSELL METTY

Música: ROY WEBBMontaje: GEORGE HIVELY

Productor: HOWARD HAWKSIntérpretes: CARY GRANT, KATHARINE HEPBURN,

CHARLES RUGGLES, WALTERCUTLETT, BARRY FITZGERALD, MAYROBSON, FRITZ FELD, WARD BOND,GEORGE IRVING, LEONA ROBERTS,VIRGINIA WALKER

Duración: 102 minutos

La fiera de mi niña sigue siendo lacomedia clásica por excelencia. No impor-ta cuántas docenas de veces la haya vistouno/a, siempre vuelve a partirse de risa conlos avatares del desventurado profesorDavid Huxley (Cary Grant), alias “SeñorHueso”. Con sus siempre frustrados inten-tos de hablar con el abogado Peabody(George Irving). Con su obsesivo marcajedel perro que ha enterrado el hueso fósilque le permitirá completar el esqueleto debrontosaurio en el que lleva trabajandocuatro años. Con la infinita capacidad deenredar las cosas que despliega SusanVance (Katharine Hepburn), una muchachatan espontánea, lista y atractiva como men-tirosa, chiflada e irresponsable (una deli-cia para el espectador, una pesadilla paraquien se la encuentre). Con las imitacio-

nes de rugidos a cargo del impagable Co-mandante Horace Applegate (CharlesRuggles). Con el patoso sheriff Slocum(Walter Cutlett), quien sólo está seguro deque Susan no tiene ninguna tía. Con la tíade Susan (May Robson), diempre digna enmedio del caos como Margaret Dumont.Con el leopardo...

La estrategia de Hawks: someteral personaje de Cary Grant a cualquier hu-millación que pudiera resultar divertida,hacerle ir siempre a remolque de las si-tuaciones y tenerle a merced de Susan...(Hawks: “Creo que es divertido hacer quela mujer sea la dominante y el hombre elpayaso”). Para nosotros, la película esuna comedia, pero Huxley la vive comouna película de terror, en la que todo lesale mal, las desgracias se le amontonany no consigue nada de lo que tiene pla-neado... aunque poco a poco empiece avalorar los cambios. (“¿Con quién te vasa divertir tanto como conmigo?”, le diceSusan con razón).

Un guión sencillamente perfectode Hagar Wilde y Dudley Nichols se encar-na en un reparto insuperable (tanto los dosprotagonistas como los geniales secunda-rios). En la película se plasman las ideasde Hawks sobre la comedia: no utilizar “fra-ses graciosas”, sino hacer que las frasestengan gracia por las actitudes y las situa-ciones en que se producen. Para el direc-tor, “es más fácil conseguir una comedia sino empiezas intentando que sea graciosa”,y “el mayor problema es la gente que tratade ser graciosa; si no tratan de ser gracio-sos, entonces lo son”.

gasolinera. Un taxista y su mujer celebranla Nochevieja dentro de su vehículo…

Este es el primer largometraje deMiguel Albaladejo, realizador decortometrajes como La vida siempre escorta (1994) y Cachorro (1996). Apoyadopor un equipo en el que no faltan amigosy familiares (aparecen varios Albaladejosen los créditos), el director conduce conmano maestra un divertido relato coral quefluye sin estridencias de unos personajesa otros. Para la productora Mariel Guiot:“La historia va de cuento, no es absoluta-mente realista, los personajes no sonexactamente realistas, pero sin embargotú ves la película y existen perfectamenteen el lugar donde están. No te planteasque el personaje que interpreta AnnaLizarán en la chabola es improbable, o queel niño no pega, o que el Johny lo másprobable es que hubiera terminado en lacárcel mucho antes… Quiero decir que nohay un dramatismo de lo documental.”

El reparto, amplísimo, resulta per-fecto sin excepción. El que Emilio Gutié-rrez Caba obtuviese el premio de interpre-tación en el Festival de Málaga es correc-to, en tanto que su trabajo es bueno, peroes terriblemente parcial, dado que todoslos demás intérpretes están igual de bien.Tanto, que aquí no podemos ni soñar enhacerles justicia a todos: miren la ficha téc-nica. Pecando de injusticia por omisión,me limitaré a resaltar, aparte de GutiérrezCaba, a Anna Lizarán (soprendente y es-pléndida chabolista-abortera-comadrona),al niño Íñigo Garcés (inolvidable amigo delprotagonista en Secretos del corazón), aMariola Fuentes (genial chica de barrio,su Jasmina), a Ana Ozores (soñadora eingenua dependienta de gasolinera), aLeonor Watling (de quien sospecho quesabremos a menudo), a Carlos Fuentes(nunca ha estado mejor que como elJohny, choricillo de buen corazón)… inclu-so a la propia Elvira Lindo (desternillanteen su papel de guardia civil). Como digo,extiendan lo dicho a todos los demás (yno descuiden las apariciones especiales:Antonio Muñoz Molina, Belinda Washing-ton, y las voces de Rosa Mª Mateo, Inma-culada Galván, Cristina Tárrega…).

La sombra bendita de Plácido pla-nea sobre una película que consigue resul-tar tremendamente divertida y original, fan-tástica y realísima, retratando verazmenteunos barrios y un tipo de personajes quesuelen ser olvidados por nuestro cine, y per-mitiéndose incluir también el sabor a maza-pán de un cuento navideño. Una gozadapara todo el mundo mundial. ¡Cómo mola!

Día 3 de febrero - LA PRIMERA NOCHE DE MI VIDA

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LA PRIMERA NOCHE DE MI VIDAEspaña, 1998Alphaville

Director: MIGUEL ALBALADEJOGuión: ELVIRA LINDO y MIGUEL ALBALADEJO

Argumento: ELVIRA LINDOFotografía: ALFONSO SANZ ALDUÁN

Música: LUCIO GODOYMontaje: ANGEL HERNÁNDEZ ZOIDO

Productora: MARIEL GUIOTIntérpretes: CARLOS FUENTES, LEONOR WATLING,

MARIOLA FUENTES, JUANJO MARTÍNEZ,EMILIO GUTIÉRREZ CABA, ROBERTOHERNÁNDEZ, ANNA LIZARÁN, ÍÑIGOGARCÉS, MANUEL ZARZO, MARÍA JOSÉALFONSO, CHEMA DE MIGUEL, CARLOSDE GABRIEL, ADRIANA OZORES,ANTONIA SAN JUAN, MARIO ARIAS,ANDRÉS LIMA, ELVIRA LINDO, GELIALBALADEJO, BEGOÑA TXARROALDE,CHRISTOPHER HOOGENBOOM, ELBALÓPEZ, TONY FABRE, JOSÉALBALADEJO, JULIO MARTÍNEZ

Duración: 85 minutos

- Festival de Cine Español de Málaga 1998: Mejor Película, MejorActor (Emilio Gutiérrez Caba), Mención Especial (Íñigo Garcés).

1999: UNA ODISEA EN LA M-30(Ó EN LA M-40)

Empezaré por el principio de lostiempos: todos sabemos (y si no, nos lorecuerda una “gamba”) que en realidad elsiglo XXI y el tercer milenio no empeza-rán el 1 de enero del año 2000, sino el del2001. Sin embargo, no es posible sustraer-se al embrujo mágico del primer año queempezará por 2. Hace unas temporadas,la excelente Días extraños (Strange days,1995), escrita por James Cameron y diri-gida por Kathryn Bigelow, nos llevaba a lavíspera del milenio, al 31 de diciembre de1999, levantando acta sobre los temores,amenazas y posibilidades del futuro inmi-nente, en una turbulenta Los Angeles.Bien, pues La primera noche de mi vidatambién sucede en la Nochevieja de 1999.Y, aunque aparentemente la relación conel filme de Bigelow acabe ahí, tambiéncomparte con él su apunte de una seriede cuestiones de la realidad del momen-to. Que en este caso es Madrid y la Espa-ña que dicen que va tan bien…

Esta película supone el primerguión escrito por Elvira Lindo para el cine.Los admiradores de sus inigualables librossobre Manolito Gafotas (¡corran a leerlos sino los conocen!), el charlatán eincomprendido niño de Carabanchel (Alto),encontramos elementos familiares en la pe-lícula: esos impagables diálogos, esos per-sonajes y situaciones de barrio, tan dispa-ratados como completamente reales… Elespacio físico del filme es verídico: la peri-feria de Madrid y las autopistas de circun-valación que rodean la ciudad (la M-30 y/ola M-40), los barrios dormitorio y losdescampados, las chabolas y loshipermercados. Pero, de puro real, ese es-pacio resulta tan abstracto como una baselunar. Desde allí, la Puerta del Sol parecetan remota e imaginaria como El Dorado.

Las salidas y entradas de la M-30 configu-ran un laberinto circular por el que no sellega a ninguna parte. La escritora lo com-para a los bosques de los cuentos, un es-pacio indefinido donde van apareciendo dis-tintos seres, cada uno con su personalidad.

Según ha explicado Elvira Lindo,su punto de partida fue preguntarse si sepodía volver a contar hoy día esa vieja his-toria de una mujer embarazada que bus-ca un sitio para dar a luz a su hijo, en unanoche fría (“esta película tiene cierta in-genuidad que tenía el cine antes, de me-terse en el propio lenguaje cinematográfi-co y creérselo”). El azar y las coinciden-cias entrelazan un relato coral donde tie-ne voz casi una treintena de personajes(“yo creo que los personajes están trata-dos con mucho respeto, como escuchan-do lo que dicen”). Una pareja joven espe-ra el nacimiento de su primer hijo (pero elacomodado padre de ella no soporta a suyerno). Dos policías municipales se en-frentan con dos guardias civiles para dilu-cidar quién tiene jurisdicción sobre un de-tenido que no quiere molestar a nadie. Dostipos, disfrazados de gamba y conejo, tra-tan de llegar a una fiesta. Dos raterillostoman prestado un cochazo y se ponen adiscutir sobre los Tres Tenores. Tres turis-tas alemanes se pierden sin remedio enla M-30 y jamás llegarán a la Puerta delSol para las campanadas. Una aborteratiene que reciclarse en comadrona. Doschicas hacen el turno de noche en una

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LA CAJA CHINAUSA-Francia-Japón,1998 Le Studio Canal+/NDF International/WW Productions

Título original: CHINESE BOXDirector: WAYNE WANG

Guión: JEAN-CLAUDE CARRIÈRE yLARRY GROSS

Historia: JEAN-CLAUDE CARRIÈRE, PAULTHEROUX y WAYNE WANG

Fotografía: VILKO FILACMúsica: GRAEME REVELL

Montaje: CHRISTOPHER TELLEFSENDiseño de Producción: CHRIS WONG

Productores: JEAN-LOUIS PIEL, LYDIA DEANPILCHER y WAYNE WANG

Productores Ejecutivos: JEAN LABADIE, REINHARDBRUNDIG, AKINORI INABA yMICHIYO YOSHIZAKI

Intérpretes: JEREMY IRONS, GONG LI,MAGGIE CHEUNG, MICHAELHUI, RUBÉN BLADES, RUSSELLCAWTHORNE, JARED HARRIS

Duración: 95 minutosIdiomas: Inglés y Chino (VOSE)

Banda Sonora (CD): Metro Blue/Capitol 7243-4-93285-2-5

MUERTE Y RENACIMIENTOEl 1 de julio de 1997, la hasta en-

tonces colonia británica de Hong Kongpasó a soberanía china, rigiéndose poruna Ley Básica (aprobada por el Parla-mento chino en 1990), que garantiza elmantenimiento de un sistema capitalistadurante los próximos 50 años. La regiónmantiene su presupuesto, un sistema fis-cal independiente, su moneda y sus re-servas de divisas, pero no dispone de au-tonomía en política exterior y defensa. Esla situación que Deng Xiaoping resumióen la fórmula “un país, dos sistemas”. Unaño después (escribo en agosto de 1998),los reportajes publicados en nuestraprensa coinciden en reconocer el man-tenimiento de las libertades de prensa,expresión y manifestación, la celebra-ción de elecciones libres, y la no perse-cución de los disidentes. También dicenque Hong Kong es cada vez más chinoy que el idioma inglés está en rápido re-troceso. Por otra parte, la ex colonia seha visto sacudida por la crisis de lasbolsas asiáticas y ha aumentado consi-derablemente la tasa de paro.

En 1997, Wayne Wang volvió asu Hong Kong natal para levantar acta ci-nematográfica de ese momento de cam-bio. La acción de La Caja China abarcadesde el 31 de diciembre de 1996 hastalas primeras horas del 1 de julio de 1997(al final, vemos las columnas de blinda-dos chinos entrando en la ciudad). John(Jeremy Irons) es un periodista británico,especializado en temas económicos, aquien le diagnostican una leucemia termi-nal; le quedan unos meses de vida. Johnsigue enamorado de Vivian (Gong Li),quien convive con el hombre de negociosChang (Michael Hui), el cual no se decidea casarse con ella, pues su pasado pue-de lastrar sus ambiciones políticas...

El planteamiento dramático que-da claramente expuesto desde el principio:a John le queda el mismo tiempo de vidaque al Hong Kong británico. Por eso, el iti-nerario espiritual del personaje se confun-de con su recorrido físico por una ciudadal borde del cambio. John recuerda el pa-sado y sufre la nostalgia de lo que no su-cedió con Vivian. Recorre las calles con unacámara de vídeo, capturando imágenes deun mundo en extinción. Empieza a seguira una vendedora callejera, Jean (MaggieCheung), obsesionado por conocer su his-toria, que resulta ser un melodrama deamor imposible que tendrá una desconcer-tante resolución. La gente discute sobre eldestino de la isla: unos creen que nadacambiará y otros que nada podrá seguirigual. Los hombres de negocios, y lasmafias, se preparan para aprovechar lasoportunidades. Se producen suicidios pú-blicos protestando por el peligro de que sepierdan las libertades.

Wayne Wang entrelaza brillante-mente todos los aspectos del relato, rodan-do escenas “cámara al hombro”, incluyen-do imágenes documentales, insertando pla-nos grabados por la cámara de John (conla textura propia del vídeo), logrando cap-tar tanto el momento histórico como el dra-ma de los personajes, dando voz a todoslos latidos (el del tiempo, el pesadogolpeteo de la factoría, el corazón del pezdestripado, el corazón de John). No faltantoques de comedia, como la desternillanteexplicación cantada por Rubén Bladesacerca de que las canciones sólo puedentratar del enamoramiento o del desamor,pero no del período de felicidad interme-dio. Hay momentos tan sencillos y conmo-vedores como cuando Vivian imita aMarlene Dietrich, cantando Black market enuna escena de Berlín Occidente (A foreignaffair, 1948) de Billy Wilder.

Aunque resulte obvio que el ver-dadero interés del filme es el documental,el levantar acta de esos últimos meses de

dominio británico sobre Hong Kong, el re-coger las incertidumbres, miedos y espe-ranzas, sobre el futuro de la ciudad, WayneWang no quería desatender el aspecto dra-mático, y para ello ha elegido a dos guio-nistas de prestigio, el veterano Jean-ClaudeCarrière y el también novelista PaulThéroux. En cuanto al reparto, qué vamosa decir del gran Jeremy Irons (nadie comoél para agonizar con elegancia), o de lamaravillosa Gong Li, que nos ha acompa-ñado casi todos los años (La linterna roja,¡Vivir!, La joya de Shanghai). Al panameñoRubén Blades (hombre polifacético porexcelencia: músico, actor y candidato apresidente de su país) le hemos visto envarias películas norteamericanas (La som-bra del diablo, Depredador 2, Un lugar lla-mado Milagro...). Los excelentes secun-darios, Maggie Cheung y Michael Hui, sonnombres de primera fila del cine de HongKong. Maggie Cheung, acreditada a vecescomo Man-Yuk Cheung, es una estrella con74 películas a sus espaldas. Por su parte,Michael Hui, quien a veces ha firmadocomo Koon-Man Hui, ha sido actor en 22películas, ha dirigido 10 y ha escrito elguión de 8...

La Caja China está tan llena decompartimentos secretos como sugiere sutítulo. Trata del amor, del engaño, de lanostalgia de lo que pudo suceder, de losciclos, del final de una época, de la muertey del renacimiento. Puede ser que HongKong esté muriendo, como John. O puedeser que esté dispuesto a iniciar una nuevavida, como Vivian.

FILMOGRAFÍAWAYNE WANG

Director- A man, a woman, a killer (1973) documental (co-director)- Below the Lion Rock (1974) TV- Chan is missing (1982) también guión, montaje y pro ducción- Dim Sum (1984) tb. producción- Sin vía de escape (Slam Dance, 1987)- Cómete una taza de té (Eat a bowl of tea, 1989)- Life is cheap... but toilet paper is expensive (1990)- El club de la Buena Estrella (The Joy Luck Club, 1993)- Smoke (1995)- Blue In The Face (1995) tb. guión (co-dirigida con Paul Auster)- La Caja China (Chinese Box, 1997) tb. argumento y

producción

Día 10 de febrero - LA CAJA CHINA

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MOEBIUSArgentina, 1996 Universidad del Cine de Buenos Aires

Director (profesor): GUSTAVO MOSQUERA R.Equipo Dirección: NATALIA URRUTY, EMILIANO

TORRESGuión: ARTURO OÑATIVA, NATALIA URRUTY,

GABRIEL LIFSCHITZ, PEDROCRISTIANI, MARIA ÁNGELES MIRA,GUSTAVO MOSQUERA R.Sobre la Obra: “Un túnel llamadoMoebius” de A.J. DEUTSCH

Fotografía: ABEL PEÑALBAMúsica: MARIANO NÚÑEZ WEST

Diseño de Producción: MARÍA ÁNGELES MIRAMontaje: PABLO GIORGELLI, ALEJANDRO

BRODERSOHNIntérpretes: GUILLERMO ANGELELLI, RO-

BERTO CARNAGHI, ANNABELLALEVY, JORGE PETRAGLIA, MI-GUEL ÁNGEL PALUDI, FERNAN-DO LLOSA, MARTÍN ADJEMIAN,DANIEL DIBIASE

Duración: 88 minutosIdioma: Español

- FESTIVAL DE LA HABANA 1996: Mejor Fotografía y Me-jor Sonido

- FESTIVAL DE CINE IBEROAMERICANO DE HUELVA1996: Premio especial del jurado, Premio de la crítica in-ternacional

- FESTIVAL DE PUERTO RICO 1997: Premio FIPRESCI- FESTIVAL DE CINE DE CIENCIA-FICCIÓN Y FANTASÍA

DE MEXICO 1997: Premio especial del jurado

DESAPARECIDOS EN EL LABE-RINTO

En un Cine Club universitariocomo el nuestro, no podía faltar esta pe-lícula. Su origen es inusual: se trata deun trabajo colectivo de 45 estudiantes dela Universidad del Cine de Buenos Aires,fruto de un Taller de Largometraje coor-dinado por los profesores GustavoMosquera y María Ángeles Mira. Peroaún resulta más insólito que la película,concebida en su origen como prácticauniversitaria, haya logrado exhibirse enlas salas del mundo (España incluida),aunque sea en circuitos minoritarios,además de presentarse y ser premiadaen varios festivales. Todo ello da testi-monio de que nos encontramos ante unapieza excepcional, que merece ser vistapor sus propios méritos y no sólo comocuriosidad académica.

La premisa pertenece al génerofantástico y no puede ser más intrigante.En la red de metro de Buenos Aires (elsubterráneo) están ocurriendo sucesosextraños: los semáforos se ponen en rojosin motivo aparente, como si reacciona-ran al paso de trenes fantasma. Y lo

Día 17 de febrero - MOEBIUS

más extraño es la desaparición de untren entero, con una treintena de pa-sajeros a bordo. Un joven topólogo,Daniel Prat (Guillermo Angelelli), em-pieza a investigar. La primera dificul-tad es que los planos han desapareci-do, y las pistas apuntan hacia un anti-guo profesor, Hugo Mistein (JorgePetraglia)...

La explicación del joventopólogo desafía las mentes limitadas delas autoridades: la entrada en funciona-miento de una “línea perimetral”, quepermite un número infinito de conexio-nes entre las líneas, ha convertido la reddel metro bonaerense en una gigantes-ca “cinta de Moebius”, un espacio a lavez limitado e infinito... Pero esa pavoro-sa noción no interesa a los jerarcas, quie-nes sólo quieren una explicación queevite más preguntas, que mantenga laapariencia de normalidad, y que puedaser aceptada por todos... excepto quizáspor los familiares de los pasajeros quehan desaparecido.

El metro es un lugar privilegiadopara situar las ficciones inquietantes: elrecorrido por sus túneles tiene una cuali-dad fantasmagórica, la oscuridad nosprovoca escalofríos, el aire tiene un olorextraño, no sabemos lo que se arrastrapor ahí, cada cruce parece abrirse aposiblidades siniestras y en cada recodocreemos ver estaciones fantasma... Haydocenas de películas ambientadas eneste mundo subterráneo, pero por afini-dad genérica nos limitaremos a recordarla reciente Mimic (1997) del mexicanoGuillermo del Toro.

El carácter no profesional deMoebius resulta obvio: los medios son es-casos, los actores no siempre resultanconvincentes, existen altibajos en el rit-mo, algunos diálogos pecan de ingenuoso discursivos, sobra un poco el persona-je de la niña... Todo eso es cierto, perotambién lo es que los estudiantes del pro-fesor Mosquera han sido capaces deconstruir una ficción realmente fascinan-te, por lo que cuenta y lo que sugiere, yque a pesar de los pocos medios hansabido crear imágenes hipnóticas y me-morables, cuidando los detalles visualesperturbadores y sacando un excelentepartido al espacio físico (túneles, pasi-llos, oscuridad).

Moebius propone un relato fan-tástico que enlaza con Kafka y conBorges. El espíritu de Borges se hacepatente en dos aspectos centrales: porun lado, la importancia de los mapas, eneste caso los planos de la red del metro(archivados en estanterías polvorientasrepletas de grandes cajas, robados porun erudito poseedor de saberes arcanos),por otro lado, la red del metro como ellaberinto definitivo, el jardín (subterráneo)de senderos que se bifurcan hasta el in-finito. Pero además la fábula fantásticase entrelaza con una obvia parábola so-bre el tema de los “desaparecidos”, so-bre las mentirosas “explicaciones oficia-les” y sobre el olvido. “Vivimos en unmundo donde ya nadie escucha”, dice unpersonaje. Y el crítico argentino OsvaldoQuiroga ha escrito: “Moebius es tambiénuna reflexión sobre la historia y la me-moria. Una historia donde todo lo des-aparecido quedó flotando en el espaciosin encontrar un lugar en la tierra. Unahistoria donde la ausencia no pudo serelaborada a través del duelo y la re-flexión. Una historia, finalmente, que tie-ne una deuda inmensa con la memoria.”

Día 24 de febrero - FREAKS (La parada de los monstruos)

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FREAKS (LA PARADA DE LOSMONSTRUOS)USA, 1932Metro-Goldwyn-MayerTítulo Original: FREAKS

Director: TOD BROWNINGGuión: WILLIS GOLDBECK y LEON GORDON

Diálogos: EDGAR ALLAN WOOLF y AL BOASBERGSobre la Novela “Spurs” de TOD ROBBINS

Fotografía: MERRIT B. GERSTADMontaje: BASIL WRANGELL

Intérpretes: WALLACE FORD, LEILA HYAMS, OLGABACLANOVA, ROSCOE ATES, HENRYVICTOR, HARRY EARLES, DAISYEARLES, ROSE DIONE, DAISY HILTON,VIOLET HILTON, SCHLITZE, JOSEPHINEJOSEPH, JOHNNY ECK, FRANCESO’CONNOR, PETER ROBINSON, OLGARODERICK, KOO KOO, RARDION,MARTHA MORRIS, ZIP & PIP, ELIZABETHGREEN, ANGELO ROSSITTO, EDWARDBROPHY, MATT MCHUGH, LOUISEBEAVERS, ALBERT CONTI

Duración: 63 minutosIdioma: Inglés (VOSE)

¡UNO DE NOSOTROS!Freaks es hoy, junto con Drácula

(1931), la película más recordada de TodBrowning, y el principal motivo de que searespetado y venerado como un director deculto… Sin embargo, también fue su obramás polémica, ensalzada como una compa-siva obra maestra o condenada por lo quese consideraron excesos de mal gusto y ex-plotación de la desgracia humana. Y su fra-caso comercial tuvo mucho que ver con elprematuro final de la carrera del director ycon que permaneciera durante varias déca-das despreciado por los críticos y olvidadopor los historiadores.

En el circo de Madame Tetrallini(Rose Dione), el enano Hans (Harry Earles)se enamora de la bella trapecista Cleopatra(Olga Baclanova), a pesar de que su enamo-rada Frieda (Daisy Earles) le avisa de que ellasólo está interesada en su dinero. La bella tra-za un plan con su amante, el forzudo Hércu-les (Henry Victor): ella se casará con Hans, yluego lo envenenarán para quedarse con lafortuna que ha heredado. La boda se celebra,y todos los fenómenos del circo (la mujer bar-buda, el torso humano, el medio hombre, losenanos, los cabezas de alfiler, las siamesas,las chicas sin brazos) beben por los reciéncasados y aceptan a Cleopatra como “¡unode nosotros!”. Al oír esto, ella los rechaza vio-lentamente y les insulta con furia. Pero losfenómenos tienen un código: “si ofendes auno, les ofendes a todos…”

El guión partió del relato corto Spurs,de Clarence Aaron “Tod” Robbins, autor de lanovela sobre la que se había basado El tríofantástico (The unholy three, 1925), uno delos mayores éxitos del director, donde intervi-no asimismo Harry Earles (pseudónimo delactor alemán Kurt Schneider), que fue quienhabló a Browning de Spurs. Para contar estainusual historia, Browning decidió no utilizarefectos ni maquillajes, por lo que se realizóun laborioso casting para localizar talentosentre todos los fenómenos de feria disponi-bles. El rodaje resultó sumamente problemá-tico, tanto por la desconfianza de la producto-ra (aunque el poyecto siempre tuvo el apoyode Irving Thalberg) como por las tensas rela-

ciones entre Browning y sus colaboradores.Además, en contraste con la solidaridad quemuestran en la película, los fenómenos resul-taron ser tan caprichosos, arrogantes y celo-sos como cualquier otra estrella del mundodel espectáculo (empezaron a llevar gafas desol y comportarse como prima donnas).

El argumento de Freaks recogemuchos temas habituales del cine deBrowning: lo macabro, los elementos del me-lodrama (el amor imposible y la venganza),el circo, los espectáculos de feria, las defor-midades físicas… Hay secuencias tan espe-luznantes como la del acecho al carromatodurante la tormenta, pero también hay mo-mentos absolutamente conmovedores, comola maravillosa escena en que MadameTetrallini abraza maternalmente a sus criatu-ras y dice “sólo son niños”… El espectador,evidentemente, se pone emocionalmente dellado de los fenómenos.

En el preestreno de Freaks, muchagente salió corriendo: la productora la redujodesde su montaje inicial de hora y media apoco más de una hora. Al estrenarse, resul-tó un monumental fracaso de taquilla: habíacostado 316.000 dólares (de la época) y per-dió 164.000. Hubo protestas de grupos depresión, y se le dedicaron los peores epíte-tos: aborrecible, grotesca, obscena, extrava-gante… En el excelente libro de David Skaly Elias Savada, El carnaval de las tinieblas(ver la página de pistas de lectura), se reco-pilan algunas críticas que dan una idea ca-bal de la feroz incomprensión y el rechazoque sufrió la película, salvo excepciones.Freaks fue retirada enseguida de la circula-ción (¡en Gran Bretaña estuvo prohibida du-rante treinta años!). En 1948, el empresarioDwain Esper la reestrenó bajo los sucesivostítulos de Nature’s mistakes, The monstershow y Forbidden love. En 1967, David F.Friedman, productor de las películas de H.G.Lewis que lanzaron el gore, Blood feast(1963) y 2.000 Maniacs (1964), produjo unremake apócrifo titulado She freak, dirigidopor Byron Mabe y protagonizado por ClaireBrennan. En 1988, se estrenó una versiónteatral de Freaks, dirigida por la francesaGeneviève de Kermabon.

A partir de los años sesenta, diver-sas reposiciones iniciaron la revalorizaciónde Freaks y de Browning, quien siempre ha-bía tenido admiradores en Europa (lossurrealistas habían elogiado sus películascon Lon Chaney), hasta llegar al reconoci-miento de que disfruta hoy día. De cualquiermodo, Freaks sigue siendo una película osa-da, revolucionaria y de vanguardia. Sus imá-

genes todavía perturban e impresionan.Como han señalado Skal y Savada en su li-bro: “En los años ochenta y noventa, la enor-me fijación cultural sobre la imagen corporaly la cirugía estética sugiere que un incalcu-lable número de personas se sienten de al-gún modo anormales y marginadas. Y a me-dida que la red de seguridad social comien-za a deshilacharse de nuevo, los temas deBrowning relativos a la alienación, la depre-dación y los chivos expiatorios, resultan unavez más apremiantes.”

FILMOGRAFÍATOD BROWNING (Charles Albert Browning, 1880-1962)Director

- The lucky transfer (1915)- The slave girl (1915)- An image of the past (1915)- The Highbinders (1915)- The story of a story (1915)- The spell of the poppy (1915)- The electric alarm (1915)- The living death (1915)- The burned hand (1915)- The woman from Warrens (1915)- Little Marie (1915)- Puppets (1916)- Everybody’s doing it (1916)- The deadly glass of beer (1916)- Jim Bludso (1917)- A love sublime (1917)- Hands up! (1917)- Peggy, the will o’the wisp (1917)- The jury of fate (1917)- The eyes of mystery (1918)- The Legion of Death (1918)- Revenge (1918)- Which woman? (1918)- The deciding kiss (1918)- The brazen beauty (1918)- Set free (1918)- La rosa del arroyo (The wicked darling, 1919) *- The exquisite thief (1919) *- The unpainted woman (1919)- Pétalo en la corriente (The petal on the current, 1919)- La joven de Escocia (Bonnie, Bonnie Lassie, 1919)- La virgen de Estambul (The virgin of Stamboul, 1920) *- Fuera de la ley (Outside the law, 1920) *- No woman knows (1921) *- La camarera (The wise kid, 1922)- Hombre encubierto (The man under cover, 1922) *- Bajo dos banderas (Under two flags, 1922) *- Con la corriente (Drifting, 1923) *- The day of faith (1923)- El Tigre Blanco (White Tiger, 1923) *- The dangerous flirt (1924)- Silk Stockings Sal (1924)- El trío fantástico (The unholy three, 1925) *- Dollar down (1925) *- Zara, la mística (The mystic, 1925) *- Maldad encubierta (The Black Bird, 1926) *- La sangre manda (The road to Mandalay, 1926) *- El palacio de las maravillas (The show, 1927) *- Garras humanas (The unknown, 1927) *- La casa del horror (London after midnight, 1927)- Los antros del crimen (The big city, 1928)- Los pantanos de Zanzíbar (West of Zanzibar, 1928) *- Oriente (Where East is East, 1929) *- The thirteenth chair (1929) *- Fuera de la ley (Outside the law, 1930) *- Drácula (Dracula, 1931) *- Iron man (1931) *- La parada de los monstruos (Freaks, 1932) *- ¡Perdone, señorita! (Fast workers, 1933) *- La marca del vampiro (Mark of the vampire, 1935) *- Muñecos infernales (The devil doll, 1936) *- Miracles for sale (1939) *Notas: - Los títulos seguidos de asterisco (*) corresponden a películas que

se conservan (desolador, ¿no?).- No se incluyen las películas en las que Browning intervino

únicamente como actor o guionista.

LOS SILENCIOS DEL PALACIOTúnez-Francia, 1994 Cinetel Films / MAT Films

Título Original: SAIMT EL QUSUR / LESSILENCES DU PALAIS

Directora: MOUFIDA TLATLIGuión: MOUFIDA TLATLI y NAURI BOUZID

Fotografía: YOUSSEF BEN YOUSSEFMúsica: ANOUAR BRAHAM

Montaje: CAMILLE COTTE, KERIMHAMMOUDA y MOUFIDA TLATLI

Productores: EDDINE ATTIA, AHMED BAHAy RICHARD MAGNIEN

Intérpretes: AMEL HEDHILI, HEND SABRI,NAJIA OUERGHI, GHALIALACROIX, SAMI BOUAJILA,KAMEL FAZAA, HICHEMROSTOM, HÈLÈNE CATZARAS,SONIA MEDDEB, MECHKETKRIFA, KAMEL TOUATI, FATMABEN AMMAR

Duración: 127 minutosI Idiomas: Árabe y Francés (VOSE)

- FESTIVAL DE CANNES ’94: Cámara de Oro, MenciónEspecial del Jurado- MOSTRA DE VALENCIA ’94: Palmera de Plata MejorPelícula, Mejor Actriz- FESTIVAL DE CHICAGO ’94. Mejor Opera Prima- FESTIVAL DE CINE DE MUJERES DE MADRID: PremioMejor Película

ARRIBA Y ABAJO EN TÚNEZ“El palacio es imaginario, pero

el silencio es real”, ha explicado la direc-tora y coguionista de esta película.Moufida Tlatli nació en Sidi Bou-Said (Tú-nez), estudió cine en el IDHEC de Parísy comenzó su carrera trabajando comoguionista y jefa de producción en laradiotelevisión francesa. De vuelta a Tú-nez, trabajó como montadora (entreotras, en Halfaouine, que vimos en elcurso 94-95) , antes de debutar como di-rectora con Los silencios del palacio. Elsilencio es real, y aunque la directora nose criase en un palacio, lo que queríacontar en su película tenía mucho quever con su propia vida: “Un acontecimien-to de mi vida privada me llevó acuestionarme sobre la suerte de las mu-jeres, y más particularmente la de mimadre, en los años cuarenta-cincuenta.Ellas sufrieron muchas cosas pero en si-lencio. Me dí cuenta de que lo ignorabatodo de la vida de mi madre, si había sidofeliz... Estas preguntas necesitaban unarespuesta urgente. Quería saber cuál erael impacto de estas cosas no dichas, elde los tabúes, el peso de la tradición so-bre lo vivido por esas mujeres, y si esose perpetuaba entre una generación yotra...”

Alia (Ghalia Lacroix) tiene 25años. Trabaja como cantante en las bo-das, y vive sin estar casada con Lofti(Sami Bouajila), quien insiste en que pier-da el hijo que está esperando. Un día,

Día 3 de marzo - LOS SILENCIOS DE PALACIO

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Alia recibe la noticia de la muerte del prín-cipe Sidi Ali. Con motivo del funeral, re-gresa al palacio donde pasó su infanciay adolescencia. Allí está todavía la viejagobernanta, Khalti Hadda (NaliaOuerghi), ya ciega. Recorriendo los pa-sillos del ruinoso palacio, Alia recuerdasu infancia, en los días finales del podercolonial de Francia sobre Túnez. A su ma-dre, la bella criada Khedija (AmelHedhili). Su amistad con Sarra, hija deuno de los príncipes, con quien apren-dió a tocar el laúd. Los recuerdos vansurgiendo, y ahora Alia puede compren-der muchas cosas de las que en su díano fue consciente...

El aspecto central de la películaes la situación de la mujer en aquellosdías en que era la “colonizada del colo-nizado” (y estamos hablando de los años50). Tlatli: “Alia nació en la servidumbre.Es la hija de una de las sirvientas delpalacio de los Beys, los últimos reyes deTúnez. La costumbre era que las muje-res no estaban ahí sólo para servir: mol-deables a merced, tenían que someter-se al derecho de pernada de los prínci-pes. Este mundo de príncipes orientales-los últimos que reinaron en Túnez- eraun mundo de refinamiento y de injusti-cia, que refleja el esplendor de una cul-tura milenaria al mismo tiempo que en-seña las marcas de su decadencia,percibida siempre a través de la miradade una niña. Una niña cuyo destino mar-cado era el de heredar la condición deesclava de su madre, ella también hija ynieta de sirvientes, y que encuentra lafuerza para rechazar su destino y paraliberarse de él.”

La película reconstruye el mun-do del palacio, con su férrea división en-

tre el universo de los señores (“arriba”) yel de los sirvientes (“abajo”). Existe unamirada crítica, pero la directora consiguetambién un retrato coral y humano, llenode sensibilidad y riqueza de matices, querezuma vida, humor, amor y respeto porsus personajes. Tlatli: “Era necesario quemi mirada sobre la película fuese la queyo tenía de niña sobre la vida de las mu-jeres que me rodeaban. Entonces pare-cía que el tiempo no les afectaba, poníantodo el arte del mundo en la preparaciónde un café o de una comida, o en hacerla colada.”

La segunda cuestión fundamen-tal es cómo ha cambiado la situación dela mujer en Túnez después de la Inde-pendencia (obtenida en 1956), si es queha cambiado algo. “Hay un desfase ac-tualmente en nuestras sociedades en-tre la emancipación de la mujer y la delhombre; el hombre puede estar deacuerdo en teoría sobre ciertas cosas,pero en la práctica las tradiciones y losprejuicios pesan mucho sobre él”, señalaMoufida Tlatli, quien añade: “Se puededecir que desde la Independencia, lacondición de la mujer tunecina ha pro-gresado: se prohibió la poligamia, seautorizó el aborto, el derecho a instruir-se es reconocido igual que el de elegirsu marido. Estas son leyes positivaspara la mujer. Pero las leyes no bastanpara que se libere totalmente. Tambiénes en el interior de ella misma donde sedebe liberar. Salir de todos esos yugosde las tradiciones y los prejuicios, de lascosas que no han sido dichas pero tie-nen un impacto muy fuerte sobre la pri-mera infancia y que dejan huellas (...).Si bien es cierto que en teoría el desfasede una generación a otra es enorme, enla realidad las tradiciones, las costum-bres y los tabúes pesan más que la le-gislación.”

En el reparto, los asistentes ha-bituales al Cine Club podrán descubrir al-gunos rostros familiares: Amel Hedhili(Khedija) les sonará de Un verano en laGoulette, Kamel Touati (Houssine) deHalfaouine, a Hèlène Catzaras (Fella) he-mos podido verla en ambas, y HichemRostom (Si Bechir) fue Fuad en El pa-ciente inglés.

FILMOGRAFÍA

MOUFIDA TLATLIDirectora- Nahla (1979) sólo montaje- Sama (1988) sólo montaje- Halfaouine (1990) sólo montaje- Los silencios de palacio (Saimt el Qusur, 1994) dirección, guión y montaje

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Día 10 de marzo - FUEGO

FUEGOCanadá, 1996 Trial By Fire Films

Título Original: FIREGuión y Dirección: DEEPHA MEHTA

Fotografía: GILES NUTTGENSMúsica: A.R. RAHMAN

Montaje: BARRY FARRELLDiseño de Producción: ARADHANA SETH

Productores: DEEPHA MEHTA, BOBBY BEDI,VARSHA BEDI y KAREN LEE HALL

Productores Ejecutivos: DAVID HAMILTON y SURESHBHALLA

Intérpretes: SHABANA AZMI, NANDITA DAS,KUSHAL REKHI, RANJITCHOWDHRY, JAAVED JAAFERI,KULBUSHAN KHARBANDA,ALICE POON, RAM GOPAL BAJAJ

Duración: 104 minutosIdioma: Inglés (VOSE)

Banda Sonora (CD): Colosseum CST-34.8068

- Festivales de TORONTO ’96 y VANCOUVER ’96: Premiodel público- Festival de CHICAGO ’96: Mejor Actriz (Shabana Azmi)- MOSTRA DE CINE DE MUJER (Barcelona ’97): Mejor pe-lícula

PRUEBA DE FUEGOLa acción se sitúa en la Nueva Delhi

actual. Radha (Shabana Azmi) y su esposoAshok (Kulbushan Kharbanda) llevan 15 añosde convivencia asexuada, a raíz de un matri-monio concertado. Radha hace lo posible porser la perfecta esposa india, mientras Ashok,defraudado porque ella no puede tener hi-jos, ha caído bajo la influencia de un gurú(Ram Gopal Bajaj), con quien quiere apren-der a liberarse del deseo. El hermano deAshok, Jatin (Jaaved Jaaferi), trae a la casaa su joven esposa, Sita (Nandita Das), perono quiere dejar su relación con su amantechina. Además, en la casa viven Biji (KushalRekhi), la madre, enferma en cama (presen-cia dominadora y omnisciente), y el zarrapas-troso Mundu (Ranjit Chowdhry), quien traba-ja en el negocio familiar: un restaurante-videoclub. Pero Sita, decepcionada de sumatrimonio (que la limita a limpiar, cocinar yser ignorada), es una mujer vivaz e inteligen-te, que no se resigna al papel tradicional. Sita,más atrevida, y Radha, temerosa al princi-pio, inician una relación íntima que desafíalos tabúes.

La directora y guionista DeepaMehta quería alejarse de maharajás, prince-sas, palacios y tigres de bengala, para retra-tar la India actual, urbana y de clase media(“no me gusta la idea de ver la India comoalgo exótico... lo importante es hacer pelícu-las que estén basadas en la realidad quevive la clase media de hoy”). El aspectocentral del filme es el análisis de una es-tructura familiar tradicional en proceso decambio, y especialmente del papel de lamujer (“La lucha entre la tradición y la ex-presión individual sucede en todas las cul-turas. Fuego trata sobre ello en el contextode la sociedad india”).

Como punto de partida, Mehta pen-só en los matrimonios concertados (“el divor-cio no se produce en la India ni siquiera aho-

ra, o sea que cualquier relación, sea buena omala, dura para siempre”); una situación enla que a la mujer le toca ser “víctima de lasvíctimas de la tradición”. Pero el realismo noexcluye la inserción de elementos oníricos(las delirantes fantasías eróticas de Mundu),ni el juego metafórico con la leyenda delRamayana (Sita se llama como la heroínadel poema). De este modo, la prueba de fue-go de la leyenda obtiene una plasmación ala vez metafórica y crudamente real en eldesenlace del filme. Para Mehta, “nosotraslas mujeres, especialmente las mujeres in-dias, tenemos que superar constantementeuna metafórica prueba de pureza, no muydiferente de la prueba de fuego...”

El lesbianismo todavía supone untema tabú en la India. Cuando Fuego se pre-sentó en el Festival Internacional de Cine dela India de Trivandrum, la directora recibióincluso amenazas de muerte. Deepa Mehtanos dice: “Una frase que he oído a menudoes que “esto” (los hombres ni siquiera pro-nuncian la palabra “lesbianismo”) no perte-nece a nuestra cultura india. Si señalo ejem-plos en nuestra literatura, pinturas y escultu-ras eróticas celebrando, de una forma u otra,“esta” particular relación, se me acusa de fal-sificación (...). Las mujeres indias se han en-tusiasmado con Fuego por revelar la hipo-cresía de nuestra sociedad, pero sobre todopor mostrar las vidas secretas que llevamos.”

Fuego está rodada en Nueva Delhi(aparte de las escenas del Taj Mahal), peroestá hablada íntegramente en Inglés. Mehtanos explica: “El Inglés fue mi primer idioma yel Hindi el segundo. En la India hemos crea-do un idioma propio, coloquial y con muchasfrases indias. Llamamos a esta amalgama“Hinglish”. Me planteé traducir Fuego al Hindi,pero más para el público occidental que parael indio. El público occidental acepta con másfacilidad una película extranjera si está enidioma indígena. ¿Cómo explicar a los occi-dentales que la mayoría de los indios de cla-

se media hablan “Hinglish”? Al final, decidíquedarme con la autenticidad del espíritu deFuego y no con lo que la gente espera deuna película extranjera.”

Deepa Mehta nació en 1949 enAmritsar, India, y se licenció en Filosofía porla Universidad de Nueva Delhi. En 1973 emi-gró a Canadá, donde comenzó su carreracinematográfica. Actualmente, vive la mitaddel año en Canadá y la otra mitad en la India.Shabana Azmi es, posiblemente, la actriz másimportante de la India (en Occidente la he-mos visto en La ciudad de la alegría yMadame Sousatzka). Nandita Das, a pesarde su juventud, tiene ya un amplio historialen el teatro, las marionetas, la televisión y elcine (será la protagonista del próximo filmede Mehta, Earth). Ranjit Chowdhry ha traba-jado en todas las películas de Mehta, ade-más de escribir el guión de Sam & Me (surostro nos resulta familiar por sus papelessecundarios en Mississippi Masala, Girl 6,The Perez family, It could happen to you,Kamasutra...).

Fuego es una película que fascinacomo relato intimista, interesa como docu-mento sobre la India actual y provoca com-plicidad con su mensaje liberador.

FILMOGRAFÍADEEPHA MEHTA

Directora- The Bakery (1974) TV- At 99: Portrait of Louise Tandy Murch (1975) documental TV- Travelling Light: The Photojournalism of Dilip Mehta(1985) documental TV

- Martha, Ruth and Edie (1987) TV- The Twin (1988) TV- Danger Day (1988) TV- Sam & Me (1991) también producción- Young Indiana Jones Chronicles: Benares (1992) TV- Young Indiana Jones Chronicles: Travels With Father (1994) TV- Freda y Camilla (Camilla, 1994)- Fuego (Fire, 1996) tb. guión y producción- Earth (1998) en preparación

Día 31 de marzo - MARIUS Y JEANNETTE

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MARIUS Y JEANNETTETítulo Original: MARIUS ET JEANNETTEFrancia, 1997Agat Films/ La Sept Cinéma/ Canal +

Director: ROBERT GUÉDIGUIANGuión: ROBERT GUÉDIGUIAN y JEAN-LOUIS

MILESIFotografía: BERNARD CAVALIÉ

Montaje: BERNARD SASIAProductores: GILLES SANDOZ , ROBERT GUÉDIGUIAN

y PIERRE CHEVALIERIntérpretes: ARIANE ASCARIDE, GÉRARD MEYLAN,

FRÉDÉRIQUE BONNAL, JACQUESBOUDET, JEAN-PIERRE DARROUSSIN,LAETITIA PRESENTI, PASCALE ROBERTS,MILOUD NACER, PIERRE BANDERET

Duración: 105 minutos

- Premios CESAR: Mejor Actriz (Ariane Ascaride). Además,nominaciones para mejor director, película, guión original,actor de reparto (Darrousin), actriz de reparto (Roberts) yactriz revelación (Presenti).

- Premio LOUIS DELUC ’97- Premio LUMIÉRE ’97

UTOPÍA MELANCÓLICAEsta película encuentra sus ante-

cedentes en cierta corriente realista del cinefrancés, que ya apareció en los años 20, através de las teorías de Louis Deluc, expues-tas en su revista Cinéma (Marius y Jeannetteha recibido, precisamente, el premio que lle-va el nombre de Deluc), y seguidas porMarcel L’Herbier en su retrato de la clasetrabajadora L’homme du large (1920)… Peroel antecedente más obvio, por su localiza-ción y hasta por su título, sería la populartrilogía Marius: tres películas escritas y pro-ducidas por Marcel Pagnol (1895-1974),sobre sus obras de teatro: Marius (1931),dirigida por Alexander Korda, Fanny (1932),dirigida por Marc Allegret, y Cesar (1936),dirigida por el propio Pagnol; se trata de unrelato situado entre los peculiares habitan-tes de los muelles de Marsella; sus prota-gonistas fueron Raimu, Pierre Fresnay,Charpin y Oriane Demazis. También se pue-den citar otros títulos, como Toni (1934), deJean Renoir, sobre trabajadores inmigran-tes, y en general el cine rodado durante elgobierno del Frente Popular en los años 30.

La acción se desarrolla en el ba-rrio obrero de L’Estaque, en Marsella. Marius(Gérard Meylan) es el guardián de una fá-brica de cemento abandonada. Jeannette(Ariane Ascaride), es una mujer que trabajacomo cajera en un supermercado para sa-car adelante a sus dos hijos. Los dos seconocen cuando Jeannette intenta cogerdos botes viejos de pintura de la fábrica.Marius se lo impide, cumpliendo su absur-do deber (pues la fábrica va a ser demoliday la pintura no le importa a nadie). Pero mástarde se presenta en casa de ella con losbotes y le ayuda a pintar... Así surge unaamistad que se va convirtiendo en amor.Pero el problema es que ambos son perso-nas que ya han sufrido y han perdido, y quedeben comprobar si serán capaces de vol-ver a ser felices.

En torno a ellos, pulula un coro depersonajes, habitantes de la casa de vecin-

dad donde vive Jeannette. Y no se trata sólode que todos ellos sean humanos y creí-bles, y estén perfectamente caracterizadose interpretados. Lo fundamental es que setrata de un tipo de personajes que no ve-mos a menudo en el cine contemporáneo(sobre todo en el nuestro, aunque sí en elbritánico). Personajes de clase trabajado-ra, que hablan del compromiso, que opinande política, que deslizan unas cuantas ver-dades sobre las clases sociales, el FrenteNacional (haberle votado una sola vez ya esimperdonable), el integrismo religioso (genia-les las explicaciones del viejo maestro a losniños)... El director y coguionista RobertGuédiguian nos señala: “Digo cosas obvias,cosas que son fáciles de entender, aunqueno parecen haber sido entendidas aún.”

La película es tanto un retrato declase como una historia de amor(Guédiguian: “Sí me creo una historia deamor entre pobres, en la que no existe nin-gún interés en juego en el hecho de vivirjuntos”). Pero no podemos olvidar que setrata de dos personajes que ya arrastranpérdidas y carencias, a quienes no puederesultar fácil volver a ilusionarse. De ahí sur-ge una corriente amarga, una amenaza inte-rior capaz de poner en peligro la felicidad.Así, la cojera de Marius es una argucia para

encontrar trabajo, pero también podemosverla como reflejo de una herida interior (quese manifiesta en su temor exagerado cuan-do los niños juegan sobre la excavadora).

A pesar de su base realista, la pe-lícula adopta un tono de cuento, como de-muestra una secuencia inicial de fábula: unglobo terráqueo hinchable llega al puertomarsellés flotando sobre el mar… Ese as-pecto decididamente utópico es asumidocomo tal por Guédiguian: “Que todo suce-da de una forma tan positiva y sencilla noes real. La vida no es así. Y creáme, soyconsciente de ello. Es, en otras palabras,una propuesta, una necesidad de luz, de airefresco, de felicidad, que a pesar de todo esposible”. Como ha escrito Clélia Cohen, “enesa mezcla de utopía y melancolía se en-cuentra la verdadera belleza de la película”.

El director, crecido en L’Estaque ydedicado a hacer películas que reflejan esemundo, encuentra su encarnación en Magali(Laetitia Presenti), la joven que quiere ir aParis a estudiar periodismo. “Son necesa-rios los periodistas salidos de nuestro am-biente, porque si no nunca hablan de noso-tros”, señala la libre y concienciada Caroline(Pascale Roberts). Guédiguian reúne unreparto perfecto, cuyos miembros principa-les (Ariane Ascaride, excelente, GérardMeylan, Jean-Pierre Darrousin y PascaleRoberts) ya habían trabajado con él en oca-siones anteriores, que otorga vida a un guiónmuy inteligente y sensible.

A pesar de algunas debilidades (re-sulta excesiva, por ejemplo, la escena de laborrachera), Marius y Jeannette es de esasraras películas que generan complicidad,una corriente liberadora, optimista y solida-ria que uno siente extenderse por la sala.

FILMOGRAFÍAROBERT GUÉDIGUIANDirector y Guionista- Dernier été (1980)- Rouge midi (1983)- Ki lo sa? (1985)- Dieu vomit les tièdes (1989)- L’Argent fait le bonheur (1992) TV- À la vie, à la mort! (1995)- Marius y Jeannette (Marius et Jeannette, 1997)- À la place du coeur (1998)

Día 7 de abril - EL INVITADO DE INVIERNO

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EL INVITADO DE INVIERNOGran Bretaña, 1997. Fine Line Features/ Capitol Films/Channel Four Films

Título Original: THE WINTER GUESTDirector: ALAN RICKMAN

Guión: SHARMAN MacDONALD y ALANRICKMANSobre la Obra Teatral deSHARMAN MacDONALD

Fotografía: SEAMUS McGARVEYMúsica: MICHAEL KAMEN

Montaje: SCOTT THOMASDiseño de Producción: ROBIN CAMERON DON

Productores: STEVEN CLARK-HALL, KENLIPPER y EDWARD R.PRESSMAN

Productor Asociado: ALAN J. WANDSProductores Ejecutivos: RUTH VITALE, JONATHAN

WEISGAL y EMMA CLARKEIntérpretes: PHYLLIDA LAW, EMMA

THOMPSON, SHEILA REID,SANDRA VOE, ARLENECOCKBURN, GARYHOLLYWOOD, SEANBIGGERSTAFF, DOUGLASMURPHY

Duración: 105 minutosIdioma: Inglés (VOSE)

Banda Sonora (CD): Varèse Sarabande VSD-5895

LA LLEGADA DEL FRÍOMientras Alan Rickman dirigía la ver-

sión teatral de Las amistades peligrosaspara la Royal Shakespeare Company, escu-chaba las historias que le contaba su sociaLindsay Duncan acerca de su relación con sumadre (“Me parecía la historia de una vidanormal, una historia que pocas veces se retra-ta. Abordaba temas que muchas veces se evi-tan -la pérdida y la soledad-, pero con un men-saje esencialmente optimista: el propósito dela vida es el amor”). Sobre esa idea, Rickmanencargó una obra de teatro a la escritoraSharman MacDonald, que fue estrenada en1995. A partir de la obra, Rickman ha escritojunto a MacDonald el guión de esta película,que supone su debut como director de cine.

La acción se sitúa en un pueblo cos-tero de Escocia, en un día invernal tan frío quehasta el océano está congelado y convertidoen una infinita planicie blanca (una imagen degran belleza y enorme poder de sugestión).La película abarca unas pocas horas, en lasque se alternan cuatro líneas narrativas.Frances (Emma Thompson), quien vive para-lizada por el dolor de la muerte de su marido,recibe la inoportuna visita de su madre, Elspeth(Phyllida Law). Frances no quiere ver a nadie,y considera un esfuerzo supremo aguantar losconstantes consejos no solicitados, las opinio-nes y las críticas de su madre. Finalmente,accede a coger su cámara (Frances es fotó-grafa) y a salir con ella a dar un paseo por elexterior. Por otra parte, el hijo adolescente deFrances, Alex (Gary Hollywood), entabla unarelación con Nita (Arlene Cockburn). Mientras,dos niños, Sam (Douglas Murphy) y Tom (SeanBiggerstaff), que han hecho novillos en la es-cuela, dedican el día a merodear junto al mar ya hablar de la vida. Y dos mujeres, viejas ami-gas, Lily (Sheila Reid) y Chloe (Sandra Voe), sededican a su principal ocupación: asistir a losfunerales que se celebran en toda la comarca.

La película fluye sin estridencias deunos personajes a otros. Asistimos a conver-saciones cotidianas, y las secuencias se su-ceden con una engañosa facilidad, fruto deun riguroso trabajo de guión e interpretación.Hay momentos de sorprendente calidez (cuan-do el niño toca el pelo de Frances) y momen-tos en que podemos entrever, casi con vérti-go, toda la profundidad que late bajo el hielo:cuando la madre le recuerda a su hija que noquiere ser sólo “madre”, que su nombre esElspeth, cuando demuestra que sigue sien-do un ser humano con sus propios sueños ydeseos y añoranzas. Y de pronto (a partir delmomento en que Elspeth dice “Me echarásde menos en Australia”) la emoción se des-borda y nos encontramos llorando a mocotendido antes de darnos cuenta de cuánto nosha atrapado el relato...

El paso de Alan Rickman a la direc-ción cinematográfica tiene la solidez que deri-va de haber dirigido antes la versión teatralde El invitado de invierno . Rickman, nacidoen Londres en 1946 (de padres irlandeses ygaleses), ha sido profesor en la RoyalAcademy of Dramatic Art, además de trabajar

como actor y director de teatro. En el cine de-butó como el memorable villano Hans Gruberde La jungla de cristal . Después, le ha toca-do a menudo interpretar a personajes inquie-tantes, o decididamente malos, en RobinHood , Ciudadano Bob Roberts, MichaelCollins , o Rasputín ... Pero también fue unexcelente Coronel Brandon en Sentido y sen-sibilidad (junto a Emma Thompson, precisa-mente). Como director, Rickman se ha apo-yado en la solidez del texto, en su perfectacomprensión y dominio del mismo, y en unreparto sobresaliente, cuyo acierto se ve mul-tiplicado por el hecho, nada anecdótico, de quePhyllida Law (Los amigos de Peter, Muchoruido y pocas nueces, Before the rain,Emma ) y la siempre excelente EmmaThompson sean madre e hija en la vida real.

Los exteriores de la película se hanrodado en East Neuk (Fife), en la orilla nortedel Firth of Forth, en Escocia. El diseñador deproducción Robin Cameron Don (decoradorde teatro, ópera y ballet) ya había creado eldecorado para la producción teatral de TheWinter Guest en el teatro Almeida. El mar he-lado proporciona un fondo sugestivo, casi fan-tástico, aunque la teatralidad del decoradoresulte demasiado evidente a veces. Los apa-rentes problemas de continuidad en cuanto aluz, nubes, etc., tienen su justificación por elclima escocés: “En Escocia puedes experimen-tar las cuatro estaciones en un solo día de in-vierno”, ha dicho el productor Steve Clark-Hall(sólo se puede objetar que, si se supone que lacalefacción de casa de Frances no funciona,no parece que los personajes se abriguen enconsecuencia).

¿Quién es el “invitado de invierno”?Alan Rickman señala que puede ser “esa per-sona que te atrae hacia el horizonte”, pero con-sidera que, en última instancia, es algo abierto acualquier interpretación. El horizonte infinito ha-cia el que camina el niño, o quizás la muerteque se acerca. Al comienzo del filme, cuandoElspeth se cruza en la calle con Chloe y Lily,ellas comentan “a ésta le queda poco”; más tar-de, será Chloe quien sufra un desfallecimiento,apoyándose en Lily... Sea quien sea, El invita-do de invierno es una película hermosa y con-movedora, con emoción de buena ley y con mu-chas capas de profundidad bajo su aparente sen-cillez. Imprescindible para cualquiera que tenga(o haya tenido) madre.

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HAMAM: EL BAÑO TURCOItalia-Turquía-España, 1997 Asbrell Productions/ PrometeFilm/ Sorpasso Film Título Original: IL BAGNO TURCO/HAMAM

Director: FERZAN ÖZPETEKGuión: FERZAN ÖZPETEK y STEFANO

TUMMOLINIFotografía: PASQUALE MARI

Música: ALDO DE SCALZI y PIVIOMontaje: MAURO BONANNI

Productores: MARCO RISI y MAURIZIO TEDESCOCo-Productores: CENGIZ ERGUN y ALDO SANBRELL

Productor Ejecutivo: OZAN ERGUNIntérpretes: ALESSANDRO GASSMAN,

FRANCESCA D’ALOJA, CARLOCECCHI, HALIL ERGÜN, SERIFSEZER, MEHMET GUNSUR,BASAK KOKLUKAYA, ALBERTOMOLINARI, ZOZO TOLEDO,LUDOVICA MODUGNO (voz)

Duración: 100 minutosIdiomas: Italiano y Turco (VOSE)

Banda Sonora (CD): Big Bang BB-326

TRANQUILIZAR LA CARNE PARATRANQUILIZAR EL ESPÍRITU

Francesco (AlessandroGassman) y Marta (Francesca D’Aloja)son una pareja de profesionales-urbanos-triunfadores. Trabajan como arquitectos-decoradores y viven en Roma en una casaimpresionante, pero su relación de parejase ha ido volviendo fría y conflictiva. Latía de Francesco, Anita, ha muerto enEstambul, y él ha heredado una casa, demodo que se desplaza a Turquía con laintención de venderla lo antes posible yregresar a Roma en un par de días... Sinembargo, las cosas se complican. El pa-peleo de la venta, negociada por Zozo(Zozo Toledo), se prolonga. Francescoconoce a la familia turca que vivía conAnita y trabajaba para ella. Atraído por suhospitalidad, se siente cada vez más inte-grado con ellos. Y además descubre quela casa en cuestión era un Hamam, unbaño turco. De modo que decide quedar-se en Estambul y reformar el Hamam, de-safiando las presiones de la especulación(hay quien quiere construir un centro co-mercial en el solar).

Ésta es una de las que podría-mos llamar películas-viaje, relatos en losque, siguiendo al personaje principal, fo-rastero en tierra extraña, descubrimos otracultura sin movernos de la butaca.Francesco llega a Estambul como el típi-co ejecutivo europeo, con sus prisas y suteléfono móvil. Pero, poco a poco, encuen-tra otro ritmo, otras prioridades, otro hu-mor, otra forma de vivir... Se va sintiendomiembro de la familia que trabajaba parasu tía: los educados y hospitalarios Osman(Halil Ergün) y Perran (Serif Sezer), y sushijos jóvenes Mehmet (Mehmet Gunsur) yFusun (Basak Koklukaya). Comprendepoco a poco la “filosofía” del Hamam:“tranquilizar la carne para tranquilizar el

Día 14 de abril - HAMAM (El baño turco)

espíritu”. Además, Francesco se cuestio-na su propia sexualidad, a través de larelación cada vez más íntima que desa-rrolla con Mehmet. La llegada de Marta aEstambul supone un cambio de punto devista, en el último tercio del relato, que apartir de entonces vemos más a través desus ojos. Con Marta descubrimos de nue-vo Estambul, y con ella vemos la transfor-mación de Francesco, a la vez que asisti-mos al cambio de la propia Marta, queculminará en un curioso desenlace.

Por otra parte, toda la películaestá impregnada del influjo del personajeausente: la tía Anita. A través de sus car-tas (leídas por la voz en “off” de LudovicaModugno), de sus objetos (como el sofis-t icado soporte para los cigarri l los),Francesco (y nosotros con él) intuye lapersonalidad fascinante, libre y rebelde dela tía Anita, un personaje a quien nuncaveremos (se evita la fácil tentación delflashback). Es un acierto del guión queno se nos den demasiadas explicacionesni datos sobre Anita, a quien imaginamoscomo una mujer fascinante, enigmática ynovelesca, ni sobre personajes como eldel otro italiano expatriado, Oscar (CarloCecchi), dejando así una zona de penum-bra libre para la ensoñación. La mismaopción por sugerir se plasma en la esce-na de la primera visita de Francesco aun Hamam. Y la relación entre Francescoy Mehmet evitará igualmente el subraya-do: la única secuencia explícita en estesentido son unos planos breves y rápi-dos que vemos desde la perspectivaasombrada de Marta.

Naturalmente, uno puede pensarque la fascinación de los protagonistashacia la cultura y el modo de vida de Tur-quía tiene mucho que ver con el hecho deque sus vidas anteriores, en Italia, apare-

ciesen como vacías y carentes de pasióno entusiasmo. Hamam, obviamente, exal-ta los valores y las costumbres turcas.Pero no faltan elementos críticos, reflejan-do problemas actuales como la especula-ción urbanística o las mafias. Por lo me-nos, el director y co-guionista de origenturco Ferzan Özpetek, la coproducciónturca, los escenarios naturales y los acto-res locales, garantizan una autenticidad yuna riqueza de matices que estaban la-mentablemente ausentes en aquella ridí-cula Pasión turca perpetrada por VicenteAranda sobre la opereta de Antonio Gala.

Cur iosamente, a AlessandroGassman (el chico de Vittorio) sólo lo he-mos visto en España en sus películas noitalianas, como Huevos de oro (1993) yUn mes en el lago (1995). A FrancescaD’Aloja la recordamos de La escolta(1993), de Ricky Tognazzi, donde, no porcasualidad, Ferzan Özpetek fue ayudan-te de dirección. Carlo Cecchi, que tambiénaparecía en La escolta, les puede sonarigualmente de Belleza robada (1996). Porotra parte, Serif Sezer y Halil Ergün apa-recían en Yol (1982), película turca muycélebre y premiada en su día, dirigida apie de obra por Serif Gören y teledirigidadesde la cárcel por Yilmaz Güney. Comodato también interesante señalaremos queentre los productores de Hamam figuraAldo Sanbrell, entrañable secundario entantos westerns europeos.

FILMOGRAFÍA

FERZAN ÖZPETEK

Director- La escolta (La scorta, 1993) dir. Ricky Tognazzi (sólo ayudante de dirección)

- Anche i commercialisti hanno un’anima (1994) dir. Maurizio Ponzi (sólo ayudante de dirección)

- Hamam: el baño turco (Il bagno turco/Hamam, 1997) también co-guionista

Día 21 de abril - LOLITA

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LOLITAUSA, 1962Metro-Goldwyn-Mayer/Seven Arts

Director: STANLEY KUBRICKGuión: VLADIMIR NABOKOV sobre su Novela

Fotografía: OSWALD MORRISMúsica: NELSON RIDDLE

Montaje: ANTHONY HARVEYProductor: JAMES B. HARRIS

Intérpretes: JAMES MASON, SUE LYON, SHELLEYWINTERS, PETER SELLERS, MARIANNESTONE, DIANA DECKER, JERRY STOVIN,GARY COCKRELL, SUZANNE GIBBS,ROBERTA SHORE, CEC LINDER, LOISMAXWELL

Duración: 152 minutosBanda Sonora (CD): Turner TCM-7243-8-21978-2-9

- Nominación al OSCAR: Mejor guión adaptado

“LUZ DE MI VIDA, FUEGO DE MISENTRAÑAS”

La novela Lolita, escrita porVladimir Nabokov entre 1947 y 1954, fuerechazada por cuatro editores norteameri-canos, que la consideraron pornográfica.Su primera publicación, tuvo lugar en Fran-cia (Olympia Press), pero las reseñas en-tusiastas permitieron una edición norte-americana (G.P. Putnam) en 1958, que re-sultó un gran éxito. Con el tiempo, llegaríaa adquirir el estatus de clásico literario quetiene actualmente (en una reciente encues-ta realizada por la editorial Random House,entre críticos y escritores, ha resultado lacuarta entre las cien mejores novelas eninglés del siglo XX). Stanley Kubrick y JamesB. Harris compraron los derechos del libroen 1958. Pero no iba a ser fácil llevarlo a lapantalla, antes hubo que mantener intermi-nables negociaciones con la censura: siLolita debía ser mayor, si debía ir más ves-tida, si Humbert y ella debían casarse...

La película se rodó en Inglaterra(desde entonces, sede de trabajo deKubrick), y la elección del reparto resultóun acierto básico. James Mason es elpefecto Humbert Humbert (papel que pre-tendió Errol Flynn), el profesor europeo deliteratura, refinado y obsesivo. ShelleyWinters borda el papel de la viuda CharlotteHaze. La debutante Sue Lyon aporta lamezcla justa de encanto y vulgaridad en elpapel de la nínfula (Kubrick: “Lolita teníaen el libro doce años y medio; Sue Lyontenía trece. Creo que algunas personastenían una imagen mental de una niña denueve años”). Y un soberbio Peter Sellersavanza los logros metamórficos de su tri-ple papel en Dr. Strangelove (1963).

Lolita es la mayor excepción a laconocida idea de Kubrick de que es prefe-rible adaptar novelas interesantes, pero queno sean obras maestras literarias. El pro-pio Nabokov escribió el guión (tarea por laque sería nominado al Oscar). El primerborrador demostró su escaso conocimien-to del medio: sus 400 páginas hubierandado lugar a una película de 7 horas. Aun-que el segundo intento fue más comedido,en realidad Kubrick reescribió buena par-

te. El cambio más radical respecto a la no-vela es el de colocar el asesinato de Quiltyen la primera escena, convirtiendo todo elresto de la película en un flashback. La ra-zón de este cambio es evitar que el únicointerés del espectador sea saber siHumbert se acostará con Lolita, haciéndo-le preguntarse también quién es Quilty ypor qué lo mata Humbert. La película tam-bién está contada desde el punto de vistade Humbert, cuya voz en off se dirige alespectador (como hará el Alex de La na-ranja mecánica), pero a veces el especta-dor sabe más que él: como hemos conoci-do a Quilty en el prólogo, lo reconocemoscuando aparece disfrazado, o en una fotoen la pared del cuarto de Lolita, cosa queHumbert no puede hacer. Hay otros cam-bios menores: en el filme no hay referen-cias a Annabel, el primer amor adolescen-te de Humbert (“Lolita no hubiera podidoexistir para mí si un verano no hubieseamado a otra niña iniciática”, escribe en lanovela), ni a Rita (la mujer con la que con-vive tras la desaparición de Lolita).

A falta de poder explicitar el con-tenido sexual del libro (quizás la única ima-gen realmente erótica sea la de los títulosde crédito: unas manos masculinas pintan-do las uñas de los pies de una joven), lapelícula potencia otros dos aspectos. Unoes la crónica de la América profunda de losaños 50 (los moteles, las aficiones de lajuventud, la pequeña ciudad, los vecinosmetomentodo, Charlotte y sus pretensio-nes culturales y modernas). El otro es ellado fantástico, que puede verse como elequivalente de las paráfrasis literarias queHumbert desgrana en el libro (“Siempre sepuede contar con un asesino para una pro-sa fantástica”). El movimiento de cámaraque sigue al coche de Humbert cuando sedirige a la mansión de Quilty, será repetidopor Kubrick para seguir al coche de JackTorrance camino del Hotel Overlook, en lasprimeras imágenes de El Resplandor(1980). En ambos casos se trata de unainmersión en un mundo siniestro (el casti-llo del ogro), un viaje sin retorno a la locu-

ra. Quilty (el “otro Humbert que persigue aHumbert”) es el doble, la contrafigura, lasombra de Humbert.

La realización de Stanley Kubrickes siempre brillante y en muchos momen-tos magistral: el asesinato de Quilty; la su-cesión de escenas que marcan la evolu-ción de la obsesión de Humbert por Lolita(él observándola a ella con su hula-hop, losjuegos de manos entre los tres ante la pe-lícula de terror La maldición deFrankenstein, versión Terence Fisher de1957); la muerte en off de Charlotte (“hayun hombre al teléfono que dice que te haatropellado un coche”); Humbert en la ba-ñera tras la muerte de Charlotte, cuando elpadre del conductor le ofrece pagar el en-tierro y él acepta... A pesar del humor negroy grotesco de algunas situaciones, Kubricktambién demuestra compasión y hasta ter-nura hacia sus atribulados personajes: veanla desesperadamente conmovedora esce-na del reencuentro entre Humbert y unaLolita casada y embarazada.

La nueva versión (1997) de AdrianLyne, con Jeremy Irons (Humbert),Dominique Swain (Lolita), Melanie Griffith(Charlotte) y Frank Langhella (Quilty), noha hecho más que revalorizar la magistralpelícula de Kubrick. Su permanente atrac-tivo hace buenas las últimas frases queescribe Humbert Humbert en la novela:“…era preciso que H.H. viviera al menosun par de meses más, para que tú vivierasdespués en la mente de generaciones ve-nideras. Pienso en bisontes y ángeles, enel secreto de los pigmentos perdurables,en los sonetos proféticos, en el refugio delarte. Y ésta es la única inmortalidad que túy yo podemos compartir, Lolita”.

FILMOGRAFÍASTANLEY KUBRICKDirector- Day of the fight (1951) corto documental (también guión

y producción)- Flying Padre (1952) corto documental (tb. guión y pro-

ducción)- The seafarers (1953) mediometraje documental- Fear and desire (1953) tb. producción, fotografía y

montaje- El beso del asesino (Killer’s kiss, 1955) tb. co-produc-

ción, guión, fotografía y montaje- Atraco perfecto (The killing, 1956) tb. guión- Senderos de Gloria (Paths of Glory, 1957) tb. co-guionista- Espartaco (Spartacus, 1960)- Lolita (1962)- ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (Dr. Strangelove,

or how I learned to stop worrying and love the bomb,1964) tb. productor y co-guionista

- 2001: Una odisea del espacio (2001: A space odyssey,1968) tb. productor, co-guionista y diseñador de efec-tos especiales

- La naranja mecánica (A clockwork orange, 1971) tb.producción y guión

- Barry Lyndon (1975) tb. producción y guión- El resplandor (The shining, 1980) tb. productor y co-

guionista- La chaqueta metálica (Full metal jacket, 1987) tb. pro-

ductor y co-guionista- Eyes wide shut (1998) tb. productor y co-guionista

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JERUSALENSuecia, 1996 Sveriges Television, Svensk Filmindustri, etc.

Título Original: CHASING AMYGuión y Dirección: BILLE AUGUST

Sobre la Novela de SELMALAGERLÖF

Adaptación: CHARLOTTE LESCHE y KLASÖSTERGREN

Fotografía: JÖRGEN PERSSONMúsica: STEFAN NILSSON

Montaje: JANUS BILLESKOV-JANSENDiseño de Producción: ANNA ASP

Productora: INGRID DAHLBERGCo-Productor: MADS EGMONT CHRISTENSEN

Intérpretes: MARIA BONNEVIE, ULFFRIBERG, LENA ENDRE,PERNILLA AUGUST, OLYMPIADUKAKIS, SVEN-BERTILTAUBE, REINE BRYNOLFSSON,JAN MYBRAND, VIVEKASELDAHL, BJÖRN GRANATH,SVEN WOLLTER, JOHANRABAHEUS, HANSALFREDSON, MONA MALM,JOHAN RABOEUS, MAX VONSYDOW

Duración: 167 minutosIdiomas: Sueco e Inglés (VOSE)

SUECOS EN TIERRA SANTAUna aldea sueca, a finales del si-

glo XIX. El granjero Ingmar muere al sal-var a dos niños de las aguas. Su granjaqueda en manos de su hija Karin (PernillaAugust), mientras su hijo Ingmar recibe eldinero que le permitirá comprarla cuandosea mayor (no pregunten: cosas de las le-yes sucesorias suecas). Pero el maridoborracho de Karin, Elias (Johan Raboeus),se apodera del dinero y muere accidental-mente sin revelar su paradero. Ingmar que-da al cuidado del maestro Storm (BjörnGranath). Años después, el amor ha surgi-do entre Ingmar (Ulf Friberg), quien traba-ja en un aserradero para comprar la gran-ja, y la hija de Storm, Gertrud (MariaBonnevie). Entonces llega al pueblo el pre-dicador Hellgum (Sven-Bertil Taube), quiense hace con la parroquia que dirigía Storm,e inflama las almas de los fieles con un gransueño: dejarlo todo y partir a Jerusalén, enTierra Santa, para esperar la segunda ve-nida de Cristo...

Selma Lagerlöf (1858-1940), ga-lardonada con el Premio Nobel en 1909,fue la primera mujer que ingresó en la Aca-demia Sueca (1914). Autora de La saga deGösta Berling (1891) y El viaje de NilsHolgersson (1906), entre otras obras, pu-blicó su novela Jerusalén en dos partes (en1901 y 1902). Para escribirla, se inspiró ensucesos reales: el viaje de cuarenta cam-pesinos suecos a Tierra Santa, siguiendoal predicador Olof Henrick Larsson. Jeru-salén ya fue llevada al cine en la épocamuda, en una serie de cuatro películas:Ingmarssönerna (“Hijos de Ingmar”, 1919),Karin Ingmarsdotter (“Karin, hija deIngmar”, 1920), Ingmarsarvet (“La heren-cia de Ingmar”, 1925), y Till Österland (“Ha-

cia el Oriente”, 1926); las dos primeras lasdirigió Victor Sjöström, y las dos últimasGustaf Molander.

El mensaje de Jerusalén es huma-nista. El amor y la inteligencia terminantriunfando, al menos en parte, contra el fa-natismo irracional. Si existe un paralelis-mo entre las creencias religiosas fanáticasque difunde Hellgum y la supersticiosacreencia de Barbro (Lena Endre) en unamaldición que hará que su hijo nazca cie-go e idiota, la inteligencia de la criada lo-gra que Barbro acepte a su hijo. Por el con-trario, los esfuerzos de Storm por impedirla llegada del Mal, creando una parroquiaal margen de la del vicario (Max VonSydow), serán, paradójicamente, los queabran las puertas al lobo (Hellgum) y a ladesintegración. A diferencia del risible mi-lagro que ponía fin a la sobrevalorada Rom-piendo las olas, aquí el único milagro (la“recuperación” de Karin para salvar a suhija del fuego) no es tal, sino un efecto na-tural del amor. Por su parte, las visionesde Gertrud, y sobre todo su encuentro conCristo en las calles de Jerusalén (de resul-tados tan chocantes), reciben un tratamien-to sanamente escéptico.

La Tierra Santa a la que llegan losperegrinos dista de ser el paraíso prometi-do. La Sra. Gordon (Olympia Dukakis),quien se hace llamar Madre, ejerce un po-der absoluto (¡con qué habilidad se quitade en medio a Hellgum!). Los peregrinoshabitan dentro de una fortaleza, en dormi-torios colectivos que separan a las fami-lias. Lo primero que les piden al llegar esque “donen” todo su dinero. Cavan unosestériles pedregales, que contrastan conlas hermosas granjas que han dejado atrásen Suecia. Son pasto de las enfermeda-des, sin que la Madre les permita llamar almédico (¿a qué médico además?). Inclusovenden la tierra donde han enterrado asus muertos. Viven aislados de todos,tanto de los musulmanes como de los

otros grupos de cristianos lunáticos quepululan por Jerusalén (y, a lo que pare-ce, había unos cuantos).

El director Bille August construyeescenas realmente memorables. Les men-ciono mis dos favoritas. Una es la escenade la despedida, cuando parten los pere-grinos y se separan familias y matrimonios.La otra es la escena entre Gabriel (JanMybrand) y Gertrud, cuando él le cuentacómo va a ir a buscar un cántaro de aguapura al pozo de una mezquita: sólo es unaconversación al borde de la cama de laenferma, pero su desarrollo está lleno de“suspense” y su resolución resulta tan her-mosa como sorprendente.

Jerusalén es una coproducciónentre Suecia, Noruega, Dinamarca e Islan-dia, rodada en exteriores de Suecia y Ma-rruecos (que hace las veces de Tierra San-ta), brillantemente fotografiados por JörgenPersson, con intérpretes excelentes, y conuna hermosa música de Stefan Nilsson(compositor de Pelle y Las mejores inten-ciones), lamentablemente sin edicióndiscográfica (que yo sepa). Para BilleAugust, “Jerusalén es una historia muymoderna e importante acerca de la gentede un período de transición, con todo elmalestar y la desazón que invade a la so-ciedad en el umbral de un nuevo siglo. Lasgrandes cuestiones de la vida están en jue-go. La novela es un sutil estudio de moraly ética. Todo el mundo puede equivocarse,en ocasiones de forma desastrosa. Peroel poder del amor nos brinda la oportuni-dad de enmendarnos, de reconciliarnos.Jerusalén, desde mi punto de vista, no esuna película religiosa. Se trata más biende una gigantesca y mágica epopeya: unrelato directo y sencillo acerca del poderuniversal del amor, en cuyo centro se en-cuentra el ser humano.”

FILMOGRAFÍA

BILLE AUGUSTDirector- Honning Mane (1978) también guión- Zappa (1983) también guión- Twist and shout (1984) también guión- Pelle el Conquistador (Pelle Erobreren, 1987) también guión- Las mejores intenciones (Den Goda Viljan, 1992)- La casa de los espíritus (The house of spirits, 1993)

también guión- Jerusalén (Jerusalem, 1996) también guión- Smila, misterio en la nieve (Smilla’s sense of snow, 1997)- Los Miserables (Les Misérables, 1998)

Día 28 de abril - JERUSALEM

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EL ESPEJOIrán, 1997 Rooz Films

Título Original: AYNEHGuión y Dirección: YAFAR PANAHI

Fotografía: FARDAT YODATMontaje: YAFAR PANAHI

Producción: VAHID NIKAH AZAD y YAFARPANAHI

Intérpretes: MINA MOHAMMAD JANI,KAZEM MOCHDEHI, M.CHIRZAD, R. MADZENI, T.SAMADPUR, N. OMUMI

Duración: 95 minutos

- FESTIVAL DE LOCARNO 1997: Leopardo de Oro

MINA VUELVE A CASAAcaba un día de escuela en

Teherán. Las niñas salen corriendo entropel y la puerta de la escuela queda en-seguida desierta. Sólo queda Mina (MinaMohammad Jani), una niña que lleva unbrazo escayolado y que espera en vanola llegada de su madre. Tras intentar te-lefonear a su casa, Mina decide volversola. Un amigo de la portera de la es-cuela la lleva en moto a la parada delautobús, aunque ella no sabe cuál debecoger ni dónde tiene que bajarse. Minasube a un autobús (en la parte de atrás,la de las mujeres). Escucha las conver-saciones de los adultos. A los cuarentaminutos de película, el espectador noavisado recibe una sorpresa mayúscula.Todas las reseñas publicadas sobre lapelícula destripan esta sorpresa, así quees probable que ya sepan de qué se tra-ta. No obstante, me abstendré de serdemasiado explícito sobre este punto,aunque indirectamente sea inevitablereferirse a ello. Baste decir que El espe-jo tiene dos partes diferenciadas, que alos cuarenta minutos, de alguna mane-ra, el relato vuelve a empezar como re-flejo del anterior (ésa es una de las posi-bles explicaciones del título del filme),aunque la historia (la vuelta a casa) sigasiendo en el fondo la misma...

Dos son los aspectos centralesde la película: uno es el juego cinemato-gráfico, la indagación visual sobre las re-laciones entre ficción y realidad; el otroes la plasmación de la vida cotidiana enel Teherán actual. El primer aspecto esel que ha centrado casi todos los comen-tarios sobre El espejo (es el que más sepresta a la divagación y a la palabreríaretórica que tanto gustan a nuestros crí-ticos más apoltronados). Los cineastasiraníes (por lo poco que hemos podidover por aquí), tienen un interés especialen la relación cine-realidad (por ejemplo,Kiarostami enseña el equipo de cámaraal final de El sabor de las cerezas, parasubrayar el carácter de ficción de lo vis-

to). Con todo respeto, este método mecausa dudas. Pues, para ser absoluta-mente honestos, habría que mostrar tam-bién la cámara que filma a la cámara, yla cámara que filma a ésta... hasta el in-finito. Quiero decir que, por más vueltasque le demos, tan película es la primeraparte de El espejo como la segunda.

En todo caso, Panahi desarrollacon admirable rigor su propuesta. La pe-lícula se abre con un plano-secuencia,de varios minutos. La cámara empiezaenfocando la puerta de la escuela, situa-da frente al cruce de dos grandes aveni-das. Luego, siguiendo al grupo de niñasque salen, traza una larga panorámicacircular, mostrando el tráfico asfixiante yamenazador (no hay semáforos), y lasdificultades de los más débiles (un an-ciano que no consigue cruzar). Comple-tado el círculo, encuadra nuevamente lapuerta de la escuela, donde está Mina.En la siguiente secuencia, Mina, sola ypequeña (Panahi coloca la cámara a laaltura de la niña), recorre ese mismo ca-mino lleno de peligros para llegar a unacabina telefónica y llamar a su casa; aho-ra ya no es un plano-secuencia, sino unmontaje de planos cortos. A cada una delas dos partes de la película le corres-ponde una plasmación visual diferente.La primera parte tiene encuadres correc-tos y cuidados, mientras la segunda quie-re parecer improvisada: la cámara pue-de perder a la niña entre la multitud, ouna furgoneta puede cruzarse e impedir-nos verla. También es muy coherente elempleo del sonido en la segunda parte:el micrófono inalámbrico que lleva Minaes la única fuente de sonido; así, oímossus pasos y escuchamos conversaciones

sin ver a quienes las mantienen... (Avi-so: los aparentes fallos de sonido que seproducen en algunos momentos son par-te de la película).

Pero, aunque todo este aspectoformal sea ingenioso y esté brillantemen-te resuelto, no es lo más importante deEl espejo: lo que de verdad apasiona eslo que Panahi, a través del viaje a casade Mina, nos muestra sobre la vida coti-diana en el Teherán actual. Recorremos,intrigados, las calles atestadas de un trá-fico caótico. Vemos tiendas y talleres. Oí-mos voces de la calle. Escuchamos con-versaciones, e intuimos las historias quehay detrás de ellas (Panahi: “dejamosespacios en las películas para que losespectadores desarrollen sus propiashistorias”). Aprendemos algunas cosassobre un país, Irán, del cual la mayoríade nosotros tenemos pocas ideas y de-masiado simplistas: resultan especial-mente importantes las opiniones y losdatos que se recogen respecto al temade la situación de la mujer. Hay que te-ner en cuenta la amplia experiencia pre-via de Yafar Panahi (Mianeh, Irán, 1960)en el campo del documental (luego,Panahi fue ayudante de AbbasKiarostami en A través de los olivos, y asu vez Kiarostami colaboró en el guióndel primer largometraje de Panahi, Elglobo blanco).

Mina resulta un personaje me-morable en sí misma. Voluntariosa y obs-tinada, no quiere ser una quejica, y nun-ca admitirá que está perdida. Seguirá supropio camino. Pedirá información a unosadultos que, con buena voluntad o sinhacerle mucho caso, apenas le resolve-rán nada: la comunicación es difícil, pueslos adultos se refieren a los nombres decalles y plazas, mientras que Mina nosabe nombres y sólo recuerda elemen-tos visuales (una fuente, una estatua, unaavenida grande). De este modo, El es-pejo, además de un experimento sobreel cine y su relación con la realidad, re-sulta ante todo un ameno y fascinanterecorrido de descubrimiento por Teherán,de la mano de la pequeña Mina.

FILMOGRAFÍAYAFAR PANAHI

Director y Guionista- Yahali Bashlar (1987) cortometraje- Negah-E-Domov (1989) cortometraje- Kish (1991) mediometraje- Ajarin Emtehan (1992) cortometraje- Doust (1995) cortometraje- El globo blanco (Badkonak-E-Sefid, 1995)- Ardekul (1997) cortometraje- El espejo (Ayneh, 1997)

Día 5 de mayo - EL ESPEJO

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VOR (EL LADRÓN)Rusia, 1997 NTV-Profit/ Productions Le Point/ Roissy Film

Título Original: VOR

Guión y Dirección: PÁVEL CHUJRAI

Fotografía. VLADIMIR KLIMOV

Música: VLADÍMIR DASHKEVICH

Montaje: MARINA DOBRIÁNSKAIA yNATALIA KUCHERENKO

Diseño de Producción: VIKTOR PETROV

Productor: IGOR TOLSTUNOV

Productor Ejecutivo: SERGÉI KOZLOV

Intérpretes: VLADÍMIR MASHKOV,YEKATERINA REDNIKOVA,MISHA FILIPCHUK, AMALIAMORDVINOVA, LIDIYASAVCHENKO, ANIASHTUKATUROVA, OLGAPESHKOVA, LUDMILASELYANSKAYA, ANATOLIYKOSCHEEV, NATALIAPOZDNIAKOVA, DIMASHIGAREV, GALINA PETROVA

Duración: 106 minutos

Idioma: Ruso (VOSE)

- Nominaciones al OSCAR y GLOBO DE ORO (1998): MejorPelícula en Lengua Extranjera.

- Premios NIKA (Academia Rusa): Mejor Película, Director,Actor, Actriz, y Música (nominaciones a Fotografía, Vestua-rio y Guión).

- FESTIVAL DE VENECIA: Premio del Jurado de la Juven-tud, Medalla de Oro del Senado, Premio UNICEF

EL PADREUnión Soviética, otoño de 1952.

Katia (Yekaterina Rednikova) es una jovenviuda de guerra, que viaja en tren con suhijo de seis años, Sania (Misha Filipchuk).En el viaje conoce a Tolian (VladimirMashkov), un apuesto oficial del ejército.Katia se enamora de él, y los tres se insta-lan, haciéndose pasar por una familia, enun apartamento colectivo. Al principio,Sania rechaza y odia a Tolian. Pero poco apoco empieza a sentirse fascinado por él,aceptándolo progresivamente como figurapaterna. Por su parte, Katia descubre pron-to que Tolian es un impostor, que en rea-lidad es un ladrón que utiliza su disfrazde soldado para introducirse en losapartamentos colectivos y desvalijarlosuna vez se ha ganado la confianza delos inquilinos...

El director y guionista PávelGrigorievich Chujrai, hijo del director GrigoriChujrai, nació en Moscú en 1946. Por tan-to, es de la misma edad que Sania. Chujraiha querido narrar su infancia y la de sugeneración: “Me propuse escribir y dirigiruna película sobre mi generación, que es

la que dirige actualmente Rusia y que tam-bién es responsable del envío de tanquesa Checoslovaquia, de la guerra deAfganistán, y que ha dado su apoyo aGorbachov y Yeltsin. ¿Por qué nos hemosconvertido en lo que somos? De mi infan-cia en los años cincuenta, recuerdo queteníamos grandes esperanzas y unas enor-mes ganas de vivir. Pero también recuer-do las injusticias y las desgracias quepresenciamos. Esto es lo que quiero con-tar (...). Conocía la historia de un ladrónque, disfrazado de oficial del ejército, seinstalaba en apartamentos colectivosacompañado por una mujer con su hijo yrobaba a sus confiados vecinos. Era fácilhacerlo porque en esa época de la pos-guerra se consideraba a los hombrescomo personas honradas. Además, siem-pre quise hacer una película acerca de miinfancia, sobre la vida en los apartamen-tos colectivos, sobre las historias que oícontar a los mayores...”

El aspecto central de Vor, que estánarrada desde el punto de vista de Sania,es la figura del padre. Sania no ha conoci-do a su verdadero padre, que murió en laguerra antes de que él naciera. Sin embar-go, su imagen se le aparece como un fan-tasma. Tolian, el ladrón, es un padre de re-emplazo que provoca a la vez odio y atrac-ción en el niño, pero que logrará suplantarla figura del padre muerto. Tolian es durocon Sania, y no trata muy bien a su madre,pero a la vez emana un aura de vitalidad,de energía, de protección y autoridad.Tolian enseña a Sania las duras reglas dela vida, y le enseña a defenderse. Y porencima de todos está el Gran Padre: Stalin,figura omnipresente, igualmente severa yprotectora, querida y odiada; Tolian se gana

la admiración de Sania al confesarle en se-creto que es hijo de Stalin, de quien llevaun tatuaje. Chujrai: “Jugando con la metá-fora, intento mostrar, no sin cierto sentidodel humor, la compleja evolución de nues-tras relaciones con Stalin. De hecho, parala mayoría de mis compatriotas, Stalin eraal mismo tiempo el amante de nuestramadre Rusia, su dueño y su ladrón. Fuenuestro ídolo, y el amor que sentíamoshacia él se convirtió en odio. Lo criticamos,pero nos quedamos huérfanos.”

Vor, producción rusa con partici-pación francesa, combina el realismo en losdecorados (los apartamentos colectivos) yla fotografía (los colores apagados del fríoy la posguerra), con un tono de fábula sim-bólica. Sin embargo, un espectador espa-ñol contemporáneo (como este servidor)sale con la sensación de que se le esca-pan muchas cosas, de que le faltan algu-nas claves para dar el paso desde el relatoconcreto hasta el fresco generacional. A ellose une un desenlace demasiadotremendista, desproporcionado incluso sise interpreta como simbólico (me refiero alfinal que se puede ver en España, puesparece ser que en algunos festivales se haexhibido un montaje que incluye un epílo-go que llega hasta la época actual). Qui-zás por eso, en un balance final, la pelícu-la decepciona un poco y las intencionesexpresadas por Chujrai no llegan a plas-marse del todo. No obstante, se trata deuna obra con numerosos puntos de inte-rés y que merece ser vista.

FILMOGRAFÍAPÁVEL CHUJRAI

Director- Lyudi v okeane (1980) también guión- Kletka dlya kanareyek (1983)- Zina-Zinulya (1986)- Vor, el ladrón (Vor, 1997) tb. guión

Día 12 de mayo - VOR

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Día 19 de mayo - TOCANDO EL VIENTO

TOCANDO EL VIENTOGran Bretaña, 1996 Channel Four Films/ Miramax Films

Título Original: BRASSED OFF!Director: MARK HERMAN

Guión: MARK HERMANFotografía: ANDY COLLINS

Música: TREVOR JONESBanda de Metal: THE GRIMETHORPE COLLIERY

BANDMontaje: MICHAEL ELLIS

Diseño de Producción: DON TAYLOR Productores: STEVE ABBOTT y OLIVIA

STEWARTIntérpretes: PETE POSTLETHWAITE, TARA

FITZGERALD, EWANMcGREGOR, JIM CARTER,KENNETH COLLEY, PETERGUNN, MARY HEALEY,MELANIE HILL, PHILIPJACKSON, SUE JOHNSTON,PETER MARTIN, STEPHENMOORE, STEPHENTOMPKINSON.

Duración: 105 minutosIdioma: Inglés (VOSE)

Banda Sonora (CD): RCA Victor 09026-68757-2

Y LA BANDA SIGUIÓ TOCANDOLo que más envidia nos produce

del cine británico actual es su capacidadpara contar historias creíbles de gente nor-mal, para acercarse a los trabajadores, alos parados, a los barrios obreros, y plas-marlos con veracidad y humor. Pero hayque recordar que películas como ésta,como Full Monty, o como determinados tra-bajos de Ken Loach y Stephen Frears, nosurgen de la nada. Concretamente, en To-cando el viento coinciden dos de las tradi-ciones más nobles del cine británico. Porun lado, una tradición de realismo, quenace de los documentalistas (la escuelacreada en 1929 por John Grierson), quese desarrolla en el cine de la posguerra,y que florece en los 60, a través del freecinema, y de la televisión pública (en laque, no por casualidad, hicieron sus pri-meras armas Loach y Frears). Por otrolado, el tipo de comedia que representala productora Ealing: títulos como Whis-ky a go-go, Pasaporte para Pimlico, Oroen barras... comedias corales con esplén-didos actores de reparto (Alec Guinness,Stanley Holloway, Margaret Rutherford),que unían el humor negro, elcostumbrismo, el vitalismo y un cierto to-que de fábula fantástica.

La acción de Tocando el viento sedesarrolla en 1992, en Grimley, un imagi-nario pueblo minero de Yorkshire, al nortede Inglaterra (la película se ha rodado enlocalidades reales de Yorkshire: Barnsley,Doncaster y Rotherham). La política de losgobiernos conservadores hace que se va-yan cerrando los pozos considerados como“no rentables”. Los mineros deben decidirentre luchar por que la mina siga abierta, oaceptar las indemnizaciones que les ofre-ce la empresa. Ante este problema

acuciante, no parece que la banda de mú-sica formada por los mineros (GrimleyColliery Band), que todos aman y que des-aparecerá también si cierra el pozo, des-pués de haber existido durante un siglo, sealo más importante... Pero el director, Danny(Pete Postlethwaite), es de otra opinión. Elregreso al pueblo, y la entrada en el grupo,de Gloria (Tara Fitzgerald), la hija de unlegendario miembro de la banda, suponeun estímulo. La banda se prepara paraparticipar en una competición nacional,mientras Gloria reanuda su relación de ado-lescencia con Andy (Ewan McGregor)...

El director y guionista MarkHerman quería hacer un filme sobre el cie-rre de la industria del carbón, y encontró laidea al leer una noticia sobre una bandade música que había tenido que disolver-se porque su pozo había sido cerrado.Herman señala: “La industria principal des-aparece de la noche a la mañana, pero elnúcleo de resistencia del pueblo mantieneunida a la comunidad... No es tan sólo unahistoria de Yorkshire. Es una historia uni-versal. Lo mismo está sucediendo en laspoblaciones de la industria del acero enEstados Unidos y en España, en Asturiasy León...”. Al igual que en las“reconversiones” del carbón y la siderurgiaen España, el verdadero problema es el fu-turo, las siguientes generaciones. En la ma-yor parte de los casos, los mineros o lostrabajadores de altos hornos obtienenindemnizaciones y jubilaciones anticipadas,pero ¿en qué trabajarán sus hijos? ¿Quéserá de los pueblos que vivían en torno alas minas? El desarraigo y la destrucciónde la comunidad son los verdaderos dra-mas que acechan a los personajes de To-cando el viento, más aún que los proble-mas económicos concretos (esos presta-mistas matones, iguales a los que vimosen Lloviendo piedras, que acosan a Phil).

Como ha señalado el actor PetePostlethwaite, “comunidades enteras que-daban destruidas cada vez que se cerra-ba un pozo (...) muchas poblaciones de-pendían enteramente de una sola indus-tria, y si esa industria desaparece, lapoblacion muere”.

Los mejores momentos de la pelí-cula son los que presentan a la comunidad(en este caso la banda) trabajando unida:la escena en que Gloria es aceptada en labanda y todos interpretan una versión parametales, tan emotiva como poco apta parapuristas musicales, del Concierto de Aran-juez de Joaquín Rodrigo (ante la dificultadde pronunciar el nombre de la localidadmadrileña, lo llaman de “orange juice”).También se subraya el importante papelde las mujeres para hacer que las cosassigan adelante (atención a esasimpagables señoras que, para vigilar a susmaridos, se tiñen el pelo y se unen a labanda como insólitas groupies). El siem-pre sólido Pete Postlethwaite (En el nom-bre del padre, Sospechosos habituales, ElMundo Perdido, Amistad), Tara Fitzgerald(Sirenas, El inglés que subió una colina...),encantadora (aunque quizás su persona-je resulte el menos creíble), y EwanMcGregor (Trainspotting, y futuro jovenObi-Wan Kenobi en la nueva trilogía deStar Wars), encabezan un reparto lleno deespléndidos secundarios.

La dureza de la denuncia es com-patible con el humor. Aunque sepamos quenada cambiará en el fondo, incluso se nospermite una pequeña victoria, una revan-cha, aunque sea momentánea, de los per-dedores. En palabras del productor SteveAbbot: “Con todo, la atmósfera está lejosde ser derrotista. El ambiente general esde que van a ser capaces de sobreponer-se a las dificultades, que lo terminarán de-mostrando. Confiemos en que Tocando elviento refleje ese estado de ánimo y esaenergía”. Es una energía contagiosa.

FILMOGRAFÍA

MARK HERMAN

Director y Guionista- Échale la culpa al botones (Blame it on the bellboy,

1992)- Tocando el viento (Brassed off, 1996)- Little Voice (1998) en producción

BANDAS SONORAS

AMISTADMúsica Compuesta y Dirigida porJOHN WILLIAMSCD: DreamWorks DRMD-50035

John Williams ha puesto músicaa todas las películas dir igidas porSpielberg, excepto El Color Púrpura, yambos forman el equipo director-músicomejor compenetrado del cine actual, queha producido una formidable serie deobras maestras de la música cinematográ-fica. Tiburón marcó época por las inventi-vas sonoridades de Williams, desde el es-calofriante tema de ataque del escualo,hasta la música aventurera de gran epo-peya marítima. Encuentros en la tercerafase es un verdadero poema cósmico-sin-fónico, en un filme donde el contacto conlos extraterrestres se efectúa precisamen-te a través de la música (“el sol salió ano-che y me cantó”, dice un viejecillo al prin-cipio de la película). La trilogía de India-na Jones (En busca del Arca perdida, In-diana Jones y el Templo Maldito e India-na Jones y la última Cruzada) supone unfestival de música descriptiva de la acción.E.T. culmina la vertiente más lírica, emoti-va y mágica de Williams, con una bellísi-ma partitura que hace volar bicicletas y co-razones. El Imperio del Sol plasma el dra-ma de la guerra, pero sin olvidar la visiónmágica (pues la narración toma el puntode vista de un niño fascinado por los avio-nes). Hook fue otra gran apoteosis, unapartitura rica y variada, llena de temas me-morables. Parque Jurásico y El MundoPerdido son extraordinarias piezas deaventura, fantasía y terror. La lista deSchindler es una emotiva y escalofrianteelegía musical sobre el Holocausto. Y Sal-var al soldado Ryan supone un auténticohimno a los caídos, en una partitura her-mosa y contenida (no hay música en lasimpresionantes escenas de batalla)...

John Williams (nacido en 1932)es el mejor compositor cinematográfico delas últimas décadas. Su influencia es in-

mensa. Su obra maestra, la trilogía de StarWars (La guerra de las galaxias, El Impe-rio contraataca y El retorno del Jedi) de-volvió al cine moderno las grandes ban-das sonoras sinfónicas. Su estilo más re-conocido es el que se encuentra en sustrabajos para Spielberg, en Star Wars yen Superman, pero en su dilatada carreraWilliams ha hecho cosas bien distintas:música para televisión (Perdidos en el es-pacio, El túnel del tiempo, Jane Eyre,Cuentos asombrosos), comedias (Cómorobar un millón, Solo en casa, Sabrina),arreglos de musicales (El violinista en eltejado), películas de catástrofes (La aven-tura del Poseidón, Terremoto, El coloso enllamas), westerns (Los cowboys,Missouri), películas de terror (La furia,Drácula), dramas (Nacido el cuatro de ju-lio, Nixon, Siete años en el Tibet), filmesintimistas (Cartas a Iris, El turista acciden-tal), y un largo etcétera.

Amistad, su decimoquinta pelícu-la con Spielberg, es un canto musical a lalibertad. Con orquestaciones de JohnNeufeld y Conrad Pope, la partitura tienedos caras: por un lado, las sonoridadesde inspiración africana, las percusiones yla voz (a cargo de la mezzo-soprano Pa-mela Dillard); por otro, la música naciona-lista de Estados Unidos (la Americana he-redada de Copland), que se asocia con lanobleza del personaje de John QuinceyAdams (destaca la trompeta solista de TimMorrison). Además, una música másatonal y disonante potencia el horror delas secuencias más duras. El tema princi-pal, Dry your tears Afrika, escuchado entodo su esplendor en los títulos de créditofinales, es una impresionante pieza sinfó-nico-coral que se cuenta entre los temasmás memorables compuestos porWilliams (el texto procede de un poemade Bernard Dadie, publicado en 1967 enel libro West African verse).

(Nota musical curiosa: pocas se-manas antes del estreno de Amistad, laLyric Opera of Chicago estrenó una ópe-ra sobre el mismo tema, con música deAnthony David y l ibreto de ThulaniDavis).

THE SWEET HEREAFTER(El dulce porvenir)Música de MYCHAEL DANNACD: Virgin Canada 7243-8-44955-2-7

Mychael Danna (1958) ha com-puesto la banda sonora de todas las pelí-culas de Atom Egoyan. Además, hemos po-dido escuchar su música en películas comoLa tormenta de hielo, Kamasutra, o la se-rie de TV Camino de Avonlea. Danna ganócon Exotica el premio “Genie”, de la Aca-demia de Cine de Canadá, a la mejor mú-sica, galardón que ha vuelto a recibir porEl ducle porvenir, además de una candida-tura a la mejor canción junto a Sarah Polley.

Egoyan ha explicado muy bien (enlas notas al CD) el sentido de la música desu película: “El dulce porvenir es una pelí-cula acerca de la musica del Flautista y laextraña magia que usa para seducir a lagente de una ciudad. Por tanto, la partituramusical debía ser trascendental, pero en-raizada en las emociones reales que defi-nen a la comunidad. El uso por MychaelDanna de instrumentos antiguos otorga alas escenas una cualidad intemporal, defábula, mientras la brillante elección del“ney” persa evoca la poderosa melodía delFlautista”. Danna reune una orquesta bas-tante inusual: bajo, cello, batería, guitarrasacústicas y eléctricas, flauta y el “ney” per-sa, junto al Toronto Consort. Con esos ele-mentos crea una excelente banda sonora,hermosa, dramática y sugestiva, capaz deexpresar el dolor de los que viven, la nos-talgia por los que se han ido, y esa dimen-sión adicional de fábula (el Flautista) tanimportante en el filme. En la banda sonorafiguran además cinco hermosas cancionesen la voz de Sarah Polley (Nicole en el fil-me). Polley es autora de las letras de dosde ellas, y ha colaborado con Danna en lamúsica de la principal, The sweet hereafter,cuya letra está extraída del poema de RobertBrowning sobre el Flautista de Hamelín, yque se escucha en los títulos finales.

MOTHER NIGHTMúsica Original Compuesta porMICHAEL CONVERTINODirigida por ARTIE KANECD: Varèse Sarabande VSD-5780

Michael Convertino es un composi-tor cinematográfico no demasiado popular,que tiene en su haber algunas bandas sono-ras de tono intimista (Hijos de un dios menor,El doctor, Nuestro propio hogar, Mil ramos derosas), comedias (De jungla a jungla, VayaSanta Claus, Tess y su guardaespaldas, LosBúfalos de Durham), thrillers (Cosas que ha-cer en Denver cuando estás muerto), y obrasde género fantástico (The Hidden)... Su mú-sica para Mother Night supone uno de sustrabajos más interesantes: una partitura tor-turada y melancólica, dominada por el pianoy las cuerdas.

Además de la música original deConvertino, la banda sonora incluye tres pie-zas compuestas por Arvo Pärt (compositor na-cido en Estonia en 1935, y afincado a partirde los 80 en Viena y Berlín). Pärt fue el pri-mer compositor estonio en utilizar las técni-cas del serialismo en los 60, experimentan-do después con técnicas de collage. Despuésde un período dedicado al estudio de la mú-sica medieval y renacentista, en la segundamitad de los 70 resurgió con una nueva téc-nica que llamó “tintinnabuli” (de la palabra la-tina que significa pequeñas campanas). Aesta época, finales de los 70, pertenecen lastres piezas incluidas en Mother Night (todasellas extraídas de grabaciones existentes delsello EMI). Escuchamos Cantus In MemoriamBejamin Britten, para campana y orquesta decuerda (compuesta en 1977 y revisada en1980), en interpretación de The BournemouthSinfonietta, dirigida por Richard Studt. Pärtha compuesto nada menos que diez versio-nes de su obra Fratres (entre 1977 y 1994),para diferentes formaciones instrumentales:la versión incluida aquí es la de 1980, paraviolín y piano, interpretada por Tasmin Little yMartin Roscoe. Por último, de Spiegel ImSpiegal (1978), se escucha también la ver-sión para violin y piano, por los mismos intér-pretes, pero entrelazada con la composiciónoriginal de Convertino.

WELCOME TO THEDOLLHOUSE(Bienvenidos a la casa demuñecas)Música Original de JILL WISOFFCD: London 697-124-142-2

Básicamente, esta es una bandasonora de canciones. La diferencia respectoa otras es que en su mayor parte se tratade canciones originales, compuestas parala película por Jill Wisoff. Reconozco quenunca había oído hablar de Wisoff, así queles cuento lo que he averiguado sobre ella(esperando que para quienes estén máspuestos en los grupos de rock estos nom-bres signifiquen algo). Estudió música enla Manhattan School of Music y en elBennington College. Ha tocado el bajo conlos desaparecidos Johnny Thunders. Hasido guitarrista principal de los New YorkDolls, de los Heartbreakers, y de la bandaexclusivamente femenina Steppin’ Razor.Ha tocado en bandas de estudio de Country& Western. Ha formado parte de la bandacandiense Chocolate Bunnies From Hell...Su grupo actual es The Con Artists, conquienes ha grabado un CD independiente.

En cuanto al cine, Jill Wisoff hahecho la música del filme underground TheDoorman, de Dee D. Bache, y de la recien-te Second Skin. Wisoff es la autora de ochode las once canciones de la banda sonorade Bienvenidos a la casa de muñecas. Lasmás interesantes son las que interpretaDaniel Rey, dando voz a la desastrosa ban-da formada por el hermano de Dawn en elfilme, The Quadratics. Hay dos versionesde la agradable y pegadiza Welcome to thedollhouse, un delirante Happy Aniversary(para la hortera fiesta de los padres deDawn), y un divertido arreglo del tradicio-nal A veenu shalom aleichen. Con su gru-po, Con Artists, Wisoff nos ofrece un po-tente tema instrumental (Throb) y unacanción algo durilla (Masquerade). Porotra parte, compone un paródico duetoromántico (Love will find a way). Trescanciones de Chris Temple, The Undeady Future Bible Heroes completan este cu-rioso disco.

BOOGIE NIGHTSVariosCD: Capitol/Premier Records7243-8-55631-2-6

A la hora de recordar los 70, la músi-ca resulta un elemento tan fundamental comolos pantalones de campana. Hubo grandescanciones... y otras muchas que ya entoncesnos parecieron horteras y espantosas. No im-porta, la nostalgia no discrimina. Sin salirnosde las bandas sonoras, recordemos las exito-sas reediciones de Grease, Fiebre del sába-do noche, Por fin ya es viernes y hasta Xanadú(!). Vuelve, Fradejas, todo está perdonado...

La música original de Boogie Nightsviene firmada por Michael Penn (hermano deChris y Sean Penn), quien ya compuso la ban-da sonora del anterior filme de Paul ThomasAnderson, Sidney (1996), pero no esperenencontrar mucha música original en el disco.Sólo hay dos cortes originales, al principio y alfinal. El primero, Feel the heat, firmado por eldirector Anderson y el actor John C. Reilly, estácantado por Reilly y Mark Wahlberg: se tratadel (desastroso) intento de sus personajes detriunfar en el mundo del disco. El último corte,The big top (Theme from “Boogie Nights”), estácompuesto por Michael Penn: es una largapieza, con una primera parte instrumental (do-minada por la sonoridad del órgano Hammond)y una canción triunfalista para los días de éxi-to de “Dirk Diggler” como Brock Landers... Elresto del disco son canciones de los años 70y principios de los 80, interpretadas por TheEmotions, Chakachas, Melanie, War & EricBurdon, Marvin Gaye, The Commodores,Walter Egan, McFadden & Whitehead, NightRanger, Electric Light Orchestra y los BeachBoys. Para quien no haya tenido bastante, seha publicado un Volumen 2 con más de lo mis-mo: canciones de Three Dog Night, ElvinBishop, Hot Chocolate, KC & The SunshineBand, Sniff ‘N’ The Tears, The Move, RickSpringfield, Sound Experience, Ohio Players,y Apollo 100...

BANDAS SONORAS

WAG THE DOG(La cortina de humo)Música de MARK KNOPFLERCD: Vertigo-Polygram 536-864-2

En 1977, el compositor, cantantey guitarrista Mark Knopfler (Glasgow, Es-cocia, 1949) se unió a su hermano David(voz y guitarras), John Illsey (bajo) y PickWithers (batería) para formar una bandaque tomó el nombre de Dire Straits. En losaños siguientes, en los que irían cambian-do algunos componentes, los Dire Straitsofrecieron seis álbumes excepcionales(Dire Straits, Communique, Making Movies,Love Over Gold, Brothers in Arms, OnEvery Street), además de otrosrecopilatorios y/o en directo, desarrollan-do un pop adulto, elegante e inteligente,muy cuidado en cuanto a las composicio-nes, las letras y los arreglos.

En pleno éxito del grupo, MarkKnopfler inició una carrera en solitario comocompositor de bandas sonoras con Un tipogenial (Local hero, 1983). A ésta siguieronCal (1984), Comfort & Joy (1984), La Prin-cesa Prometida (The Princess Bride, 1987),Última salida: Brooklyn (Last exit toBrooklyn, 1989) y Metroland (1997). Fren-te al carácter más orquestal de La Prince-sa Prometida, Knopfler ha reunido aquí unapequeña banda: él mismo en la voz y laguitarra, Guy Fletcher (Dire Straits) en losteclados, Richard Bennet (guitarra), JimCox (piano y órgano Hammond), GlennWorf (bajo), y Chad Cromwell (batería). Hacompuesto una canción, Wag the dog, quese escucha en los títulos finales, y el restode la banda sonora (contenida en un mini-CD de escasos 24 minutos de duración)consiste en una serie de agradables y dis-cretas piezas, cercanas a las partes ins-trumentales de las canciones de DireStraits. La lástima es que el disco no com-plete su corta duración incluyendo las deli-rantes canciones patrióticas compuestaspara el filme por Tom Bähler (I guard theCanadian Border, The American Dream,etc.). No sé si se intenta impedir que al-guien las utilice, fuera de contexto, con fi-nes distintos (razón por la que no se editóen su día la banda sonora de CiudadanoBob Roberts).

MEN WITH GUNS(Hombres armados)Música Original de MASONDARINGCD: Rykodisc RDC-10437

Mason Daring (Nueva York, 1949)ha compuesto la música de todas las pelí-culas dirigidas por John Sayles. El propiodirector ha explicado con detalle sus inten-ciones respecto a la banda sonora, que tie-ne una obvia influencia latinoamericana,pero que evita asociarse con ningún paísespecífico. Para Sayles, “la música siguea las localizaciones en su viaje; va del so-nido urbano de la ciudad a la música indí-gena del final (...). La mayoría de la músi-ca del último tercio de la película está es-crita por Mason Daring usando principal-mente marimba grave, que es la espinadorsal de la música maya, tanto enChiapas como en Guatemala. Es bonita ymisteriosa. Puedes sentir las montañas yla bruma en esa música. También hay algode música de flauta que recuerda a Chiley a Bolivia.”

El otro aspecto de esta banda so-nora son las canciones, seleccionadas porTom Schnabel. Sayles nos explica: “Cadacanción de la película tiene el propósito decontar la historia, independientemente desu calidad como pieza musical. La versión“rap” de “Amor de Pobre” de Juan Gabrielque interpreta El General establece el mun-do urbano que enfrenta el Doctor Fuentesjusto al salir de su casa. Los compasesgalopantes de las cumbias son prefectospara el montaje donde el Doctor Fuentesviaja fuera de la ciudad hacia el campo. “Laverdolaga”, interpretada por la incombusti-ble colombiana Totó la Momposina, añadeel toque afrocaribeño que buscaba para lasecuencia de la zafra, mientras que “Fies-ta en Corraleja” y la tradicional pieza mayapara orquesta “Dios nunca muere” tienenla calidad intemporal de las charangas quepodemos asociar con pueblos remotos des-de Bolivia hasta Sicilia. “Copla de la muer-te”, de la peruana Susana Baca y en cantoespiritual “Mohana”, también de Totó laMomposina, acompañan al Doctor Fuen-tes en su viaje...”

LAURAMúsica Compuesta por DAVID RAKSINDirigida por ALFED NEWMANCD: Fox Records 07822-11006-2

David Raksin (Philadelpia, USA,1912) es uno de los grandes compositoresdel Hollywood clásico. Aunque menos cono-cido y menos prolífico que otros maestros co-etáneos como Max Steiner, Miklos Rozsa,Alfred Newman o Bernard Herrmann, su ca-rrera en el cine abarcó medio siglo, desde1939 (Hollywood cavalcade) hasta 1989 (eltelefilme Lady in the corner), incluyendo títu-los como: La vida secreta de Walter Mitty(1947), Cautivos del mal (1952), Apache(1954), Jubal (1955), Mesas separadas(1958), Dos semanas en otra ciudad (1962),Sylvia (1965), Will Penny (1968), ¿Qué lepasa a Helen? (1971), y El día después(1983). Con el productor y director OttoPreminger colaboró en cinco películas: Lau-ra (1944), Fallen angel (1945), Ambiciosa(1947), Daisy Kenyon (1947), y Vorágine(1949).

La romántica, dramática, bellísimay memorable partitura de Laura no sólo es lamás célebre de las compuestas por Raksin,sino uno de los elementos fundamentales queconvierten el filme en un gran clásico. Sinembargo, la idea inicial de Preminger era uti-lizar como tema principal uno ya existente:primero pensó en Summertime (de la óperaPorgy & Bess) de Gershwin, luego enSophisticated Lady de Duke Ellington... Porsuerte, Raksin le convenció para emplear untema original. El resultado, inspirado al pare-cer por el dolor sufrido por el propio Raksinante el final de su matrimonio, es una obramaestra de la música de cine. Estrenada lapelícula, se convirtió también en un gran éxi-to: Johnny Mercer escribió una letra para eltema de Laura, de donde surgió una canciónque ha sido grabada más de 400 veces.

Este disco ofrece 27 minutos demúsica de Laura, procedente de la grabaciónoriginal dirigida por Alfred Newman (y no porsu hermano Emil, como señalan los créditosdel filme por motivos contractuales). Ademásde Laura, contiene otra joya: la banda sono-ra original de Jane Eyre (1943), una de lasprimeras obras de Bernard Herrmann.

BANDAS SONORAS

CHINESE BOX(La caja china)Música Original de GRAEMEREVELLCD: Metro Blue 7243-4-93285-2-5

Graeme Revell (nacido en NuevaZelanda en 1955 y afincado posteriormen-te en Australia) se dio a conocer con laestimable banda sonora del thriller Calmatotal (1989). Después ha desarrollado unacarrera bastante prolífica en el cine norte-americano, dedicándose principalmente alcine fantástico (Combustión espontánea,Muñeco diabólico 2, El sótano del miedo,Días extraños, Fuga de Absolom, Abiertohasta el amanecer, Jóvenes y brujas), conuna curiosa especialización en películasbasadas en comics o videojuegos (StreetFighter, El Cuervo, Tank Gir l, PowerRangers, Spawn), así como al cine de ac-ción y aventura (Blanco humano, El San-to) y al thriller (La mano que mece la cuna,El cuerpo del delito, Mi obsesión porHelena).

Su música para La caja china fuepremiada con una Osella de oro en el Fes-tival de Venecia de 1997. Sin embargo, estedisco nos obliga a emplear los botones deprogramación del lector de CDs si quere-mos escucharla decentemente. Y es quela partitura original de Revell aparece divi-dida en cuatro cortes, que totalizan cator-ce minutos y medio, que comparten el títu-lo común de Chinese Box theme, y queestán separados por la intrusión de diver-sas canciones. La música de Revell esaudaz y espléndida: una pieza para orques-ta, coro, sintetizador y piano, marcada porla voz solista de Dadawa, que expresa eldesequilibrio, el lamento, el cambio y laconfluencia de culturas que habitan la pe-lícula. En cuanto a las canciones, son muydiversas: desde artistas chinos (BobbyChen, Alex To) hasta Rubén Blades, pa-sando por Screamin’ Jay Hawkins yMarlene Dietrich (Black market, de la pelí-cula Berlín Occidente).

FIRE (Fuego)Música Compuesta e Interpreta-da por A.R. RAHMANCD: Colosseum CST-34.8068

Para nosotros resulta desconoci-do, pero A.R. Rahman es (de acuerdo conel press book de la película) una leyendaen la India: el compositor más importanteen un país que produce centenares de pe-lículas musicales cada año. Hijo de un im-portante músico, Rahman empezó compo-niendo jingles para filmes publicitarios enMadrás. Su primera película fue Roja(1992), de Mani Ratman, un gran éxito detaquilla en la India. Fuego es su primer tra-bajo con proyección internacional, cuyabanda sonora nos ha llegado en esta edi-ción alemana del sello Colosseum.

Para el aficionado occidental a lasbandas sonoras (el acostumbrado a JohnWilliams, para entendernos), la de Fuegoresulta tan curiosa como desconcertante.Recoge elementos de la tradición musicalindia, pero también occidentales, e inclusoárabes (el tema Allah Hu interpretado porMiraj Ahmed Qawal) y chinos (Julie’s themey Chinatown, relacionados con la amantechina de Jatin). Algunos cortes nos resul-tan sugestivos y atrayentes, mientras otrosse nos antojan extraños (Ramayan, inter-pretado por Ramayan Theatrical Troupe),o francamente extravagantes (los relacio-nados con las fantasías de Mundu).

THE WINTER GUEST(El Invitado de Invierno)Música Compuesta e Interpreta-da por MICHAEL KAMENCD: Varèse Sarabande VSD-5895

Michael Kamen (Nueva York,1948) es uno de los más prolíficos y desta-cados compositores cinematográficos delmomento. A finales de los sesenta formóel New York Rock Ensemble. Ha compues-to piezas de concierto, música para teatroy ballets. Hizo los arreglos orquestales deldisco El Muro de Pink Floyd. En el cinedebuó en 1976 con El árabe. Después, hapuesto música a unas setenta películas,demostrando su versátil talento en géne-ros muy diversos: el cine de acción (007:Licencia para matar, El gran Halcón, El úl-timo héroe, las tres partes de La jungla decristal, las cuatro de Arma letal), la granmúsica de aventuras (Robin Hood, Los tresmosqueteros), el cine fantástico (La zonamuerta, Brazil, Los inmortales, Las aven-turas del Barón Munchhausen, Horizontefinal), el thriller (Mona Lisa, Sospechoso,La sombra del testigo, Resplandor en laoscuridad), el drama (Mr. Holland, Jack), yhasta el cine infantil (101 dálmatas).

Kamen compuso la música parael montaje teatral de El invitado de invier-no, por lo que resultaba la opción lógicapara la película (sin olvidar que antes ha-bía puesto música a La jungla de cristal yRobin Hood, en las que Alan Rickman hizosus primeros papeles importantes en elcine). Ésta es una banda sonora bastanteinusual. En primer lugar, porque está com-puesta para piano solo, que toca el propioKamen. Y en segundo lugar, porque lamúsica juega un doble papel en la pelícu-la: es música de fondo, pero de pronto lospersonajes la “oyen” conscientemente, yhacen referencia a un joven que toca el pia-no (a quien nunca vemos). Se trata de unamúsica desnuda, reflexiva, lírica y muy her-mosa. El tema principal tiene una versióncantada (Take me with you), con letras deAlan Rickman y cantada por Liz Fraser.

BANDAS SONORAS

HAMAMMúsica de ALDO DE SCALZI yPIVIOCD: Big Bang BB-326

Los italianos Pivio y Aldo DeScalzi forman el grupo Trancendental,dedicado (como su nombre indica) a unasíntesis entre la moderna música trance ylas tradiciones musicales de ambos ladosdel Mediterráneo, en un contexto espiri-tual. Pivio fundó el grupo new waveScortilla a comienzos de los 80, y fue delos primeros italianos en hacer música conordenador. De Scalzi fundó el grupo derock progresivo Picchio Dal Pozzo a fina-les de los 70, y fue compositor y miembrode los New Trolls. Juntos, han compuestolas bandas sonoras de La seconda moglie(1997) y Viola bacia tutti (1997).

Su música para Hamam confir-ma su interés por las culturas orientales:recoge influencias de las ceremonias delos Derviches y de la música turca de prin-cipios de siglo, emplea instrumentos ét-nicos, entornos rítmicos trance y secuen-cias drum´n´bass, uniendo folclore, tran-ce y world music. Trancendental, compo-sitores e intérpretes, han contado paraesta banda sonora con algunos artistasinvitados. De ellos, tres (la vocalista RoseWiederkehr, Toni Acquaviva y MarioCrispi) proceden de Agricantus, gruposiciliano dedicado a experimentar con lamezcla entre las tradiciones étnico-folclóricas y los instrumentos y sonidosmodernos (se incluye también un temadel disco de Agricantus Tuareg, graba-do en el desierto de Mali con la partici-pación de músicos nómadas). Tambiénparticipan en Hamam: el grupo femeni-no rumano de ethnorock Secret, FaisalTaher, Massimo Silanus, Bob Callero yZahir Xager.

(Nota honrada: lo dicho se basaen lo que he podido investigar en lasfuentes disponibles; mis conocimientospersonales sobre trance o drum’n’bass,por no hablar de los Derviches, son li-mitados).

LOLITAMúsica Compuesta y Dirigidapor NELSON RIDDLETema de Amor de BOBHARRISCD: Turner TCM-7243-8-21978-2-9

Nelson Riddle (1921-1985) desa-rrolló una larga carrera como compositor,orquestador y director de orquesta. Com-puso bandas sonoras para el cine (Cuatrotíos de Texas, Harlow, Eldorado, Peligro:línea 7.000, Batman, El Gran Gatsby,Guyana) y la televisión (Ruta 66, Los into-cables, Vacaciones en el mar), hizo arre-glos y música adicional para películas mu-sicales (Ellos y ellas, Alta sociedad, Carru-sel, Can-can, Pal Joey). Además, realizólos arreglos orquestales de numerosos dis-cos, entre ellos algunos de los mejores ál-bumes de Frank Sinatra.

Sin embargo, el tema de amor quese escucha en los títulos de crédito no estácompuesto por Riddle, sino por Bob Harris:es una pieza para piano y orquesta, her-mosa pero quizás inadecuadamente ro-mántica (parece más propia de un gran me-lodrama a la antigua que de un filme tannegro, cínico e incisivo como el de Kubrick).A Riddle se debe la pegadiza canción Lolitaya ya (se escucha por la radio en la prime-ra aparición de Lolita en el jardín, con susgafas en forma de corazón), y también unavariada y eficaz partitura, atenta al retratode la vida provinciana y al desarrollo de laobsesión de Humbert Humbert. Esta ree-dición en CD contiene temas adicionalesque no figuraban en el primitivo LP, ade-más de algunos fragmentos de diálogo.

Podemos añadir que la novela deNabokov también sirvió de base al musicalteatral Lolita my love, con letras de AlanJay Lerner y música de John Barry (LP:Blue Pear 1009), que recientemente seestrenó en Estocolmo, en sueco, una ópe-ra sobre Lolita, con libreto y música delcompositor ruso Rodion Schedrin, y que labanda sonora de la reciente versión cine-matográfica de Adrian Lyne se debe a EnnioMorricone (CD: Milan 52318).

BRASSED OFF!(Tocando el viento)Música Original Compuesta yDirigida por TREVOR JONESMúsica de Banda Interpretada por THEGRIMETHORPE COLLIERY BANDBanda Dirigida por John AndersonCD: RCA Victor 09026-68757-2

Trevor Jones, nacido en Sudáfrica, en1949, pero afincado desde joven en Inglaterra,puso música a la primera película de MarkHerman, Échale la culpa al botones (1992). Elcompositor llamó la atención de los amantes dela música de cine con la deslumbrante CristalOscuro (1982), una de las mejores bandas so-noras de los 80. Antes, había hecho trabajosmenos reconocidos, como la música original deExcalibur (1981). Después, su carrera ha sidoun tanto irregular. Sus tabajos más interesan-tes han sido las grandes partituras sinfónicas yde aventuras: Los piratas de las Islas Salvajes,El último lugar de la Tierra, Aracnofobia, El últi-mo Mohicano, Máximo riesgo, Merlin... PeroJones ha desarrollado también sonoridades másavanzadas para otros géneros: el fantástico (Elcorazón del ángel, Freejack, Dark City), el thriller(Arde Mississippi, Melodía de seducción, El besode la muerte, Medidas desesperadas), o el dra-ma (En el nombre del padre).

En realidad, la música original deTrevor Jones en este disco se limita a seis frag-mentos (tres de ellos muy cortos), que totalizanunos nueve minutos. Como es lógico, la mayorparte del compacto viene ocupada por la músi-ca de banda de metales. La Grimethorpe CollieryBand pone voz musical a la ficticia GrimleyColliery Band. La trayectoria de la banda reales paralela a la del filme: formada en 1917 porun grupo de mineros, estuvo a punto de des-aparecer cuando en 1992 cerró la mina deGrimethorpe. Un grupo de administradores lo-gró salvar la banda, al conseguir patrocinado-res. Desde el Concierto de Aranjuez (“orangejuice”) de Rodrigo, hasta una marcha de Pom-pa y circunstancia de Elgar, pasando por temastradicionales y clásicos ligeros, se trata de undelicioso repertorio, objetable quizás por puristasen cuanto a algunos arreglos, pero que trans-mite la misma energía y alegría contagiosa quela banda de la película.

BANDAS SONORAS

PISTAS DE INTERNET

AMISTAD

* Páginas sobre la película:

http://www.amistad-thefilm.com/ (esla página “oficial”)

http://www.cinema1.com/cgi-cinema/movie97_esp.pl?amistad (en algo pa-recido al español)

h t t p : / / m e m b e r s . t r i p o d . c o m /~fjcastillo/amistad.htm (en castellano)

http://www.penguinputnam.com/amistad/

http://www.bomis.com/rings/amistad/

ht tp : / /www.wsws.org/ar ts /1998/feb1998/amist.shtml (consideracio-nes históricas: Wor ld Socialist WebSite)

* Una página interesantísima desde el

punto de vista histórico, conteniendo to-neladas de información y numerosos do-cumentos de la época (periódicos, car-tas, diarios, actas judiciales, mapas...),para llegar realmente al fondo de lacuestión:

http://amistad.mysticseaport.org/main/welcome.html

Por su parte, Steven Spielberg es, ob-viamente, uno de los directores que tienemás páginas dedicadas en Internet. Pro-ponemos sólo algunas (todas ellas son pá-ginas “no oficiales”, obra de fans y aficio-nados):

* Tribute to Steven Spielberg:

http://www.ele.puc-rio.br/~guy/tribute/

* The Steven Spielberg Universe:

http://www.geocities.com/Hollywood/Academy/8818/

* Steven Spielberg Directory:

http://www.geocities.com/~scruffles/main.html

* The Steven Spielberg Homepage

http://www.geocities.com/Hollywood/Hills/6807/index.htm

* The Unofficial Steven Spielberg Website:

h t t p : / / w w w . l o g i c n e t . c o . u k /StevenSpielberg/

* The Steven Spielberg Database:

http://www.mygale.org/11/spielbrg/

Creo que todavía no existe la palabra equivalente a “bibliografía” en términos de Internet... En todo caso, la Red es hoy díauna inmensa, casi abrumadora, fuente de información sobre cualquier tema, incluyendo el cine. Por una parte, las productoras ydistribuidoras utilizan Internet como medio para promocionar sus películas, poniendo a nuestra disposición una gran cantidad decontenidos que antes quedaban restringidos a los privilegiados que tenían acceso a los dosieres de prensa. Por otra parte, y esto esaún más revolucionario, millones de amantes del cine, en todo el mundo, enriquecen constantemente la Red con su trabajo entusiastay desinteresado. Esta es la fuerza de Internet: ser el resultado del trabajo apasionado de millones de personas, que de otro modo notendrían la posibilidad de publicar lo que saben. De este modo, hasta los títulos o géneros más raros encuentran a alguien, en algúnlugar, dispuesto a ocuparse de ellos. Y todo eso está a nuestro alcance, a sólo unos clics de ratón (¡la factura de Telefónica vienedespués!).

Este año ampliamos el contenido de nuestra revista para proponerles unas pistas de Internet, referidos a las películas denuestra programación (aunque antes reseñaremos algunas páginas generales sobre cine). Unas advertencias:

- Las direcciones que sugerimos son puntos de partida, no un repertorio exhaustivo (que exigiría toda la revista). Sobre cadapelícula, hemos elegido las páginas que nos han parecido más completas e interesantes, no todas las que existen. A partir de ellas,podrán encontrar otras con facilidad (el dejarse llevar por los enlaces y el ir descubriendo nuevas cosas es el mayor placer de la“navegación” por Internet).

- Todas las direcciones recogidas funcionaban en el momento de redactar estas líneas, pero deben tener presente que elciberespacio es un mundo muy cambiante.

PÁGINAS GENERALES

Por supuesto, la primera medida siempre es acudir a los numerosos “buscadores”, que cualquier internauta conoce y que damospor sabidos. Particularmente, en cuanto al cine, Yahoo (http://www.yahoo.com ) sigue resultando el más útil por su contenido ypor la organización de sus índices temáticos.

Absolutamente fun-da-men-tal es la IMDB, o Internet Movie Data Base (http://uk.imdb.com ), que podríamos llamar con justicia “laMadre de Todas las Webs de Cine”. Es una inmensa base de datos que recoge más de 150.000 películas y producciones de TV,incluyendo exhaustivas fichas técnicas, filmografías, sinopsis, datos curiosos, y enlaces con otras páginas de Internet, incluyendoavanzados procedimientos de búsqueda. Cualquier indagación sobre cine debe empezar por aquí.

Respecto a páginas generales españolas, les menciono algunas para empezar:http://www.infocine.comhttp://www.elcine.comhttp://www.claqueta.comhttp://www.cinemania.net

Y no me resisto a indicarles algunas direcciones básicas sobre música de cine:http://www.filmscoremonthly.comhttp://www.filmtracks.comhttp://www.filmmusic.comhttp://www.movietunes.comhttp://www.soundtrack.nethttp://www.cinemania.net/bandasonora/ (ésta en español, para variar)

CINE

PERSIGUIENDO A AMY* Página “oficial” de la película en el sitio

Web de la productora View Askew (eneste sitio hay abundante información so-bre todas las películas de Kevin Smith ysobre el llamado “askewniverse”):

http://www.viewaskew.com/chasingamy

EL DULCE PORVENIR

* Páginas “oficiales” de la película:

http://www.flf.com/sweet/index.html

http://207.136.90.71/theatre/movies/sweet/sweetherehome.html

* También hay amplia información en:

http://www.cinema1.com/cgi-cinema/movie97_esp.pl?sweethereafter

(en algo parecido al español)

* Sobre Atom Egoyan, pueden ver The

Eogyan Nucleus:

http://www2.cruzio.com/~akreyche/atom.html

MOTHER NIGHT

* Página oficial de la película:

http://www.flf.com/mnight/index.html

Excelente página dedicada al escritorKurt Vonnegut:

* The Vonnegut Web:

http://www.duke.edu/~crh4/kv/kv.html

PERDICIÓNSobre cine clásico en general, es muy

recomendable este sitio:

* Palace Classic Films:

http://www.moderntimes.com/palace/index.html

En él se incluye una página sobreBarbara Stanwyck y Perdición:

http://www.moderntimes.com/palace/palace_di.htm

* Página bastante amplia (con extensa si-

nopsis del filme):

http://www.filmsite.org/index.html

* Film Noir Thesis: No Place For A Woman(interesante ensayo de John Blaser so-bre la mujer en el cine negro, sirve tam-bién para Laura)

http://www.obs.net/Noir/

BIENVENIDOS A LACASA DE MUÑECAS

* Página “oficial” de la película:

http://www.spe.sony.com/classics/welcome/index.html

* Childhood’s Bitter Pills (Las píldoras amar-gas de la infancia), interesante ensayo deIra Nayman a propósito de la película:

http://www.reelindie.com/doll.htm

BOOGIE NIGHTS

* Página “oficial”:

ht tp : / /www.boog ie -n igh ts .com/index.html

* Otra página bien documentada:

http://www.cinema1.com/cgi-cinema/movie97_eng.pl?boogienights

En relación con Boogie Nights, puede in-teresarles mirar alguna página sobre losaños 70, para ejercer la “nostalgia” de sumúsica, moda, cine, etc.:

* An ode to the Seventies:

http://205.250.133.10/osteamnov8t6/

* Seventies Dance Music:

http://izan.simplenet.com/70.htm

* Super Seventies Rock Site:

h t t p : / / w w w . g e o c i t i e s . c o m /SunsetStrip/8678/

LA CORTINA DE HUMO

* Página “oficial” de la pelicula:

http://www.wag-the-dog.com

* Una amplia información en:

http://www.cinema1.com/movies98/wagthedog/us.html

* Página “oficial” de Barry Levinson:

http://www.levinson.com

PISTAS DE INTERNET

HOMBRES ARMADOS*

Página “oficial” de la película:

http://www.spe.sony.com/classics/menwithguns/

Una página bastante completa sobreJohn Sayles:

* John Sayles Border Stop:

http://www-scf.usc.edu/~rskelley/

LAURA

* Las páginas localizadas son más bien

escuálidas y, modestia aparte, les diránbastante menos que nuestra propia re-vista:

http://www.filmsite.org/laur.html

http://www.foxhome.com/capsule/laura.htm

http://www.geocities.com/Hollywood/Studio/7975/laura.html

http://www.geocities.com/Hollywood/9766/laura.html

* Página sobre Gene Tierney:

http://www.geocities.com/Hollywood/9766/tierney.html

LA CAJA CHINA

* Breve página en castellano (reseña y par

de fotos):

http://www.ciudadfutura.com/cine/peliculas/cajachina.htm

* Páginas sobre Maggie Cheung:

http://www.inxpress.net/~tcampbell/maggie.htm

h t t p : / / w w w. b o m i s . c o m / r i n g s /maggiecheung/

El cine de Hong Kong goza últimamentede mucho predicamento en algunos círcu-los: mencionemos los explícitos reconoci-mientos realizados, entre otros, porTarantino, y el hecho de que varios de susdirectores hayan sido “fichados” porHollywood (John Woo, Ringo Lam, etc).Como consecuencia, hay numerosas pá-ginas de Internet dedicadas a él. Para irempezando, pueden visitar:

* Movieworld Hong Kong

http://www.movieworld.com.hk/

* Hong Kong International Film Festival:

http://imsp007.netvigator.com/hkiff/

CINE

PISTAS DE INTERNET

FREAKS

* Página con sinopsis, fotos y enlaces:

h t t p : / / w w w . j o e b a t e s . c o m /joesfreakshow/freaks.htm

* Transcripción de la pelicula:

h t t p : / / h o m e . e a r t h l i n k . n e t /~paradiselost/freaks.html

* Página (sucinta) sobre Tod Browning:

h t tp : / /www.cs .monash .edu .au /~pringle/silent/ssotm/Jun96/

FUEGO

* Página con abundante documentación:

http://www.zeitgeistfilm.com/current/fire/fire.html

Dos páginas sobre Shabana Azmi:

* Shabana Azmi Page:

h t t p : / / m e m b e r s . t r i p o d . c o m /~santoshpendap/shabana.html

* Songs of Shabana Azmi:

http://www.cs.wisc.edu/~navin/india/songs/ isongs/ indexes/s tar r ing/shabana_azmi.html

MARIUS Y JEANNETTE

* Página belga (en francés):

h t t p : / / w w w . c i n o p s i s . b e /mariusetjeannette/index.htm

EL INVITADO DE IN-VIERNO

* Página “oficial” de la película:

ht tp: / /www.f l f .com/winterguest /index.html

Sobre Alan Rickman:

* Alan Rickman Fan Page:

http://homepage.usr.com/s/suzannek/Rickman/152545.shtml

* Halle’s Alan Rickman Site:

h t t p : / / w w w. c s h . r i t . e d u / ~ h a l l e /rickman.html

HAMAM, EL BAÑOTURCOQuien tenga curiosidad sobre el cine que

se proyecta en Estambul, puede visitar:

http://www.istanbul.com.tr/sinema.htm

LOLITAStanley Kubrick, maestro del cine y crea-

dor de 2001: Una Odisea del Espacio, esobviamente uno de los directores predilec-tos de los internautas, por lo que hay do-cenas de páginas dedicadas a sus obras,Lolita incluida. Les indico algunas de lasmás interesantes:

* Página en español:

http://www.geocities.com/Athens/7439/hal.htm

* The Voyager Company: Stanley Kubrick:

http://www.voyagerco.com/movies/directors/kubrick/

* Stanley Kubrick: The Master Filmmaker:

http://pages.prodigy.com/kubrick/

* TyroneZero’s Kubrick Research Paper:

h t t p : / / m e m b e r s . t r i p o d . c o m /~TyroneZero/Kubrick.htm

* Kubr ick FAQ (frequently asked

questions):

http://www.krusch.com/kubrick/kq.html

* Kubrick Multimedia Film Guide:

h t t p : / / w w w . l e h i g h . e d u / ~ p j l 2 /kubrick.html

* Stanley Kubrick Links:

http://www.geocities.com/sunsetstrip/studio/5139/kubrick.html

* The Unknown Kubrick (muy curiosa: re-coge sus fotografías para la revista Look,realizadas en sus comienzos):

http:/ /www-personal.umich.edu/~jbmorgan/look.html

También existen varias páginas sobreVladimir Nabokov y su novela Lolita:

* Zembla - The Nabokov Butterfly Net:

http://www.libraries.psu.edu/iasweb/nabokov/nsintro.htm

* CoLOlations: Lolita in Cyberspace:

http://www.libraries.psu.edu/iasweb/nabokov/colo.htm

* English 102 Lolita Webpage (University

of Arizona):

http://www.coh.arizona.edu/inst/eng102-lolita/lolind.htm

* Vintage Books (guía de lectura y biblio-

grafía):

h t tp : / /www. randomhouse .com/vintage/read/lolita/

JERUSALÉN

* Página sobre Selma Lagerlöf (textos

completos de todas sus obras... ensueco):http://wwis.upnet.se/selma/index.html

EL ESPEJO

* Página en español sobre la película:

http://www.infocine.com/elespejo/

* Entrevista con Yafar Panahi:

http://socialequality.com/public_html/iwb10-6/jafar.htm

* Directorios sobre Irán, que permiten ac-

ceder a mucha información sobre el Iránactual, incluyendo sociedad, cultura y arte:http://www.iranonline.comhttp://www.iranian.comhttp://irannet.com

VOR (EL LADRÓN)

* Página en español:

http://www.infocine.com/vor/

* Página “oficial” (versión en inglés... pero

también la tienen en ruso, si tienen cu-riosidad y soporte multilenguaje):http://www.glasnet.ru/~ntvprofit/eng/thief_eng.html

TOCANDO EL VIENTO

* Escuálida minipágina “oficial”:

http://www.miramax.com

* Otra página igualmente sucinta:

http://www.cinema1.com/movies97/brassedoff/us.html

HOWARD HAWKS

* BBC Movies: Howard Hawks

http://www.bbc.co.uk/movies/bbcap/archive/hawks.shtml

* Elizabeth’s Howard Hawks Page

http://www.princeton.edu/~eanthony/hawks.htm

* Howard Hawks: Origins

http://www.washingtonpost.com/wp-srv/style/ longterm/books/chap1/howardhawks.htm(primer capítulo de la biografía escrita porTodd McCarthy)

CINE

PISTAS DE LECTURAPara quien quiera saber más sobre (algunas de) las películas programadas, indicamos a conti-

nuación unas pistas de lectura. No se trata de una bibliografía exhaustiva, que superaría el espaciodisponible, sino de unos puntos de partida. A diferencia de lo que sucede en las páginas de Internet,hemos procurado reseñar sobre todo libros en castellano que puedan encontrarse en España.

PARA EMPEZAR

Para adquirir, con carácter previo, una documentada visión histórica y de conjunto acerca labibliografía sobre cine en España, pueden acudir al libro de Juan Delgado Casado La bibliografíacinematográfica española: aproximación histórica (Ed. Arco Libros, 1993).

AMISTADA raíz del estreno de Amistad,

podemos encontrar en nuestras libreríastanto la novelización de Alex Pate delguión de la película, publicada por Plaza& Janés (traducción de María EugeniaCiocchini) en rústica (serie Éxitos) y enbolsillo (Jet), como el libro en el que sebasó dicho guión, Motín Negro, deWilliam A. Owens (trad. Eduardo Iriar te),publicado por Ediciones B. Este mismoaño también se ha publicado en España,por Edhasa, la novela Amistad de DavidPesci (trad. Alberto Coscarelli), sobre losmismos hechos.

A propósito de Steven Spielberg,la bibliografía es abundante. El mejor li-bro que conozco es The films of StevenSpielberg, de Douglas Brode (Ed. CitadelPress, 1995): un volumen amplio, serio,documentadísimo, perspicaz y escritodesde el conocimiento y el respeto. Eninglés hay otros libros estimables, peroen español no tenemos nada remotamen-te comparable (¿será porque nuestros in-telectuales críticos siguen sin tomarse enserio a Spielberg?). Pueden acudir al li-bro de Antonio Sánchez Escalonilla (Ed.Royal Books, 1995), con mucho formato,mucha tapa dura y mucho precio, peromuy pocas nueces; o al librito de MarcialCantero Fernández, en el número 16 dela colección Cineastas de Editorial Cáte-dra (1993); o a Steven Spielberg: maes-tro del cine de hoy de Antonio Lara (Ed.Espasa Calpe, 1990). Por su interés his-tórico-nostálgico (pues no sólo estádescatalogado, sino tambien obsoleto),podemos recordar que el primer libro edi-tado en España sobre Spielberg fue el deDavid Kaufman (trad. Daniel Ezquerra),en la colección Directores de EdicionesJC (1983).

EL DULCE PORVENIRLa novela de Russell Banks en

que se basa la película fue editada en es-pañol (trad. Benito Gómez Ibáñez) en1994 por Anagrama en su colección Pa-

norama de Narrativas, con el título Comoen otro mundo (el título original del libroes The sweet hereafter, como el de la pe-lícula).

MOTHER NIGHTMadre Noche, publicada origi-

nalmente en 1961, es la tercera novelade Kur t Vonnegut (nacido en Indiana en1922). Ha tenido diversas ediciones es-pañolas, todas ellas de la traducciónrealizada por J.C. Guiral. Una históri-ca, localizable hoy día sólo en libreríasde viejo, es la de 1977, en el número518 de la entrañable colección de bol-sillo Libro Amigo de Editorial Bruguera.En 1987 fue editada por Anagramacomo número 107 de su colección Con-traseñas. En 1988 apareció en Círculode Lectores. Y en 1994 fue recuperadapor Plaza & Janés como número 2 desu Biblioteca Kurt Vonnegut, en la se-rie El Ave Fénix.

Ya puestos, seguro que senti-rán interés por leer otros libros de esteextraordinario, irónico, imaginativo, vi-sionario, diver tido e inclasificable autor.Su novela más prestigiosa es Matade-ro cinco, publicada originalmente en1969 y que figura en el nº 18 de las 100mejores novelas en inglés del siglo XX(según una reciente y polémica encues-ta entre críticos y escritores, realizadapor la editorial Random House). Mata-dero cinco (publicada en España porBruguera en los 70, y por Anagramamás recientemente) fue llevada al cineen 1972 por George Roy Hill, y en ellaaparece brevemente William Campbell(el personaje central de Madre Noche),encarnado en la película por RichardShaal. Otros libros de Vonnegut quepueden encont rar en España: Lapianola (Plaza & Janés), Las sirenas deTitán (Minotauro), Cuna de gato (Ana-grama), Dios le bendiga Mr. Rosewater(Plaza & Janés), El francotirador (Pla-za & Janés), Pájaro de celda (Plaza &Janés) , Ga lápagos (Minotauro) ,Barbazul (Anagrama), y Birlibirloque(Alfaguara). Valen la pena.

PERDICIÓNUn hecho tan simple como duro:

no existe en catálogo ninguna edición es-pañola de la novela de James M. Cainen la que se basó Perdición. Sobre BillyWilder sí existen algunos libros. Resultaespecialmente interesante Nadie es per-fecto, pues recoge las propias palabrasde Wilder, confiadas en varias entrevis-tas al periodista Hellmut Karasek (trad.Ana Tor tajada); está publ icado porGrijalbo (1993). El de edición más recien-te es Billy Wilder: Aquí un amigo de KevinLally (trad. Ana Alcaina), publicado porEdiciones B (1998). Más añejo es el deJuan Carlos González Rentero, nº 29 dela colección Directores de Cine de Edi-ciones JC (1987). Finalmente, Bil lyWilder: homenaje, publicado en 1996 porla Fundación Arte y Tecnología de Tele-fónica, es el catálogo de la exposición defotografías, carteles, etc., de películas deWilder, realizada por dicha Fundación.

Aunque su relación sea más obli-cua, debemos recoger también, por loque tiene de curioso, un reciente librosobre Fortunio Bonanova, el actor que in-terpreta a Sam Garlopis (el camioneroque presenta una reclamación fraudulen-ta) en Perdición: Fortunio Bonanova: unhome de legenda, de Catalina Aguiló yJ.A. Mendiola (Di7 Grup de Edició, Pal-ma de Mallorca, 1997), una biografía so-bre este asombroso personaje mallor-quín, nacido Josep L. Moll (1896-1969),quien, además de ser cantante de óperay autor teatral, trabajó en numerosas pe-lículas en Estados Unidos.

BIENVENIDOS A LACASA DE MUÑECAS

El guión original de la película,en inglés, está publicado por la editorialFaber and Faber.

BOOGIE NIGHTSPara terminar de sumergirse en

los 70, desde una perspectiva cinemato-gráfica, pueden revisar Las películas de

los años 70, de Robert Bookbinder (trad.Yolanda Fontal) publicado por Paidós-Odín en 1986. Es un ameno y documen-tado repaso a los filmes más populares yque marcaron la época.

HOMBRES ARMADOSLa gruesa novela (536 páginas)

La larga noche de los pollos blancos deFrancisco Goldman, traducida del origi-nal en inglés (The Long Night of WhiteChickens) por Jordi Beltrán Ferrer, fuepublicada en España en 1994 por Ana-grama, en su serie Panorama de Narrati-vas. Aunque ahora el libro se distribuyacon un fajín alusivo a la película, y aun-que en el cartel español se diga que éstase basa en la novela, debemos recordarque los propios créditos finales del filmese limitan a decir que el personaje deldoctor Fuentes se inspira parcialmente enun personaje de la novela... Leída ésta,se constata que, aunque sea muy intere-sante en sí misma, prácticamente no tie-ne relación alguna con la película, ni porel argumento, ni por la situación, ni porlos personajes. El libro se desarrolla acaballo entre Guatemala y los EstadosUnidos, sucede a principios de los 80 ysu ambientación es básicamente urbana;y su argumento y sus personajes, comodigo, no tienen nada que ver con Hom-bres armados, más allá de que ambashistorias se relacionen con la violencia enLatinoamérica...

Sobre John Sayles, se recomien-da la lectura de Conocer a John Sayles,texto coordinado por Antonio RodríguezPartearroyo y publicado en 1994 por elFestival de Cine de San Sebastián, conmotivo de la retrospectiva dedicada al di-rector.

LAURALa única edición relativamente

reciente de la novela Laura, de VeraCaspary, (trad. M.D.A. Derisboure), es lapublicada en 1983 por la desaparecidaEditorial Bruguera, en el número 123 desu colección Club del Misterio (ya saben,aquella colección de libros delgaditos yde formato grande, con aspecto e ilus-traciones decididamente pulp fiction).Con mucha suerte, podrían localizarla enrastrillos o librerías de viejo.

Sobre Otto Preminger, la biblio-grafía localizable en castellano se limitaal volumen Otto Preminger, de GeraldPartley (trad. Manuel Martín Cuenca), pu-blicado en 1993 por Ediciones JC comonº 43 de su encomiable serie Directoresde Cine.

FREAKSTenemos la suer te de que esté

publicada en España la traducción del li-bro más sólido y completo que existe so-bre Tod Browning: El carnaval de las ti-nieblas: el mundo secreto de TodBrowning, maestro de lo macabro en elcine de Hollywood. Escrito por David J.Skal y El ias Savada (trad. TonyPartearroyo), y publicado por la FilmotecaEspañola y el Festival de San Sebastián,con motivo de la retrospectiva que se lededicó a Browning en 1996.

EL INVITADO DE IN-VIERNO

El guión original en inglés estápublicado por Faber and Faber.

LOLITALa novela Lolita ha tenido nu-

merosas ediciones en castellano. Lasmás recientes y fáciles de encontrar sedeben a Editorial Anagrama, que en 1997sacó la quinta edición del libro en su co-lección Panorama de Narrativas, y la sép-tima en la colección de bolsillo Compac-tos (esta última es la edición más difun-dida y asequible). Hasta ahora, el librotraía en su portada la clásica imagen delrostro de Sue Lyon, con su piruleta y susgafas en forma de corazón, pero las últi-mas reimpresiones utilizan la imagen deDominique Swain en la nueva película deAdrian Lyne. En 1998 se ha reeditado porCírculo de Lectores para sus socios, y en1994 apareció en la colección “de kiosko”Narrativa Actual de RBA Editores. En to-dos los casos, la traducción se debe aEnrique Tejedor.

Como curiosidad, señalemosque Random House Audio editó en 1997un “audiolibro” con el texto íntegro (en in-glés, claro) de Lolita, leído por JeremyIrons (el Humbert Humbert de la películade Adrian Lyne).

Por otra parte, en 1974, VladimirNabokov publicó Lolita: a screenplay (Ed.McGraw-Hill, Nueva York), su guión ori-ginal para la película (antes de los nu-merosos cambios realizados por Kubrick).

Sobre Stanley Kubrick hay unabibliografia muy abundante. Mi libro fa-vorito es Stanley Kubrick dirige, deAlexander Walker ( t rad. LorenzoBetancor), afortunadamente editado enEspaña, por Taller de Ediciones JosefinaBetancor, en 1975. Aunque sea difícil deencontrar hoy, y sólo llegue hasta La

naranja mecánica, el libro de Walker con-tiene el mejor análisis, visual y de conte-nido, de los filmes fundamentales deKubrick. También es muy recomendableThe cinema of Stanley Kubrick de NormanKagan (Ed. Continuum, Nueva Yor k,1994). En español, tenemos el libro deEsteve Riambau, nº 3 de la colecciónCineastas de Editorial Cátedra (1990), yel de Juan Carlos Polo Martínez, nº 23de la serie Directores de Cine de Edicio-nes JC (1986).

JERUSALÉNNo he localizado ninguna

edición española de Jerusalén realiza-da en las últimas décadas. Ni siquierase ha editado con motivo del estreno dela película, como hubiera sido normal.De Selma Lagerlöf, apenas está dispo-nible el Nils Holgersson y algunoscuentos.

HOWARD HAWKSSobre Howard Hawks acaba de

publicarse este mismo año HowardHawks, un sólido volumen escrito porQuim Casas y editado por Libros Dirigi-do. En la misma editorial se ha publicadomedio librito dedicado a La fiera de miniña, escrito por Ricardo Aldarondo, enel nº 31 de la colección Programa Doble(una colección lamentablemente mal con-cebida, dicho sea de paso, pues junta encada volumen dos películas que no tie-nen la menor relación entre sí -en estecaso, la otra es Doctor Zhivago-, resul-tando que al final el espacio dedicado acada una es insuficiente, y uno terminacargando con medio libro que no le inte-resa).

Resulta interesantísimo Hawkssegún Hawks, escr i to por JosephMcBride a partir de varias entrevistascon el director, y publicado en Españapor Akal en 1988 (trad. Montserrat TianaFerrer). El libro pretende ser el equiva-lente al famoso l ibro-entrevista deFrançois Truffaut sobre Hitchcock; tieneel atractivo de que sea el propio Hawksquien nos explique sus películas y susmétodos de trabajo, y nos permite ad-mirar la forma sencilla, humorística ynada pretenciosa con la que un geniocomo Hawks contempla su trabajo (todauna lección para tantos mediocres lle-nos de ínfulas y pedantería).

Un libro ya clásico sobre Hawkses el de Robin Wood (trad. AntonioWeinrichter), publicado en España en lacolección Directores de Cine de Edicio-nes JC (2ª edición en 1989).

PISTAS DE LECTURA

Organiza:

Asociación Cultural UNED. Soria

Colaboran:

Departamento de Culturadel Ayuntamiento de Soria