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SOBRE LA PRODUCIÓN

COBB

Tú creas el mundo del sueño,

introduces al individuo en ese sueño y ellos lo llenan con sus

secretos.

El director, guionista y productor Christopher Nolan confiesa que comenzó a

crear el mundo de Origen casi diez años antes de rodar la película. “Hace

aproximadamente diez años, quedé cautivado por el mundo de los sueños y la relación

de nuestra vida consciente con nuestra vida onírica. Siempre me pareció una paradoja

interesante el hecho de que todo lo que aparece dentro de un sueño (ya sea terrorífico,

feliz o fantástico) proceda, al parecer, de nuestra propia mente, lo cual implica que el

potencial de la imaginación es absolutamente increíble. Entonces, empecé a pensar en

cómo aplicar todo eso a una película de acción a gran escala con una dimensión muy

humana.” Origen parte de la premisa de que es posible compartir los sueños... sueños que

se han diseñado para tener un aspecto y ofrecer sensaciones completamente reales

cuando se está dentro de ellos. Y en ese estado de subconsciencia, es posible robar los

secretos más valiosos y profundamente enterrados de una persona. Nolan relata: “El

centro de la película es el concepto de que una idea es, en realidad, el parásito más

poderoso y resistente. Siempre queda un rastro de ella en tu mente... escondido en

algún lugar. El pensamiento de que alguien pueda dominar la capacidad de invadir

nuestro mundo onírico en un sentido puramente físico, y robar una idea, sin importar lo

privada que sea, resulta imponente.

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La productora Emma Thomas coincide con él y señala que la película tenía que

mantener el equilibrio entre un viaje emocional y una emocionante carrera. “Tiene

elementos de una película de atracos, pero situada en un contexto más fantástico.

Incluye secuencias de acción trepidante, pero también personajes con los que resulta

fácil empatizar, y una gran fuerza emotiva que impulsa toda la película." La motivación de la película corresponde en gran medida al personaje principal,

Dom Cobb, interpretado pro Leonardo DiCaprio. “En esencia, fue eso lo que más me

atrajo del guión,” afirma el actor. “La película es un emocionantísimo y complejo thriller

en el que cualquier cosa puede suceder, pero en el fondo, es la cruzada de un hombre

que se esfuerza por desvelar una verdad largo tiempo oculta y volver a casa. Además

es totalmente original y creo sinceramente que nadie puede decir que haya

experimentado algo semejante antes. Esa combinación me impulsó a trabajar en el

proyecto junto a Chris Nolan. Es un experto en crear esta clase de argumento múltiple y

transmitirlo de forma auténtica y tangible al público.” Thomas comenta: “A lo largo de los años Chris ha aprendido mucho en lo

referente a la creación de grandes películas, y gran parte de ello se ha transmitido en

este proyecto. Pero, esta película es muy novedosa, diferente y, al mismo tiempo,

personal, ya que le proporcionó un lienzo absolutamente limpio y puro sobre el que

trabajar.” Nolan afirma que el tema central de la historia es tanto personal como universal,

ya que, según sus propias palabras: “Todos soñamos. Todos experimentamos este

fenómeno en nuestras mentes creando un mundo y viviéndolo exactamente al mismo

tiempo. También existe un contraste increíble en el mundo de los sueños, ya que son

inmensamente íntimos y, aún así, están llenos de posibilidades infinitas en función de lo

que cada uno imaginamos. Así que, el desafío consistió en mezclar la intimidad y la

emoción de lo que puede suceder en un sueño con el alcance masivo de lo que

nuestras mentes son capaces de imaginar. Quería crear una película que permitiera a la

audiencia experimentar la realidad sin límites que sólo podemos alcanzar en sueños." “Sabíamos que la producción de Origen tendría un gran alcance debido al tema

de la misma, ya que podemos hacer cualquier cosa en un sueño,” añade Thomas. “De

hecho, el alcance de esta película es mayor que en ninguna película que hayamos

hecho antes, incluso si tenemos en cuenta únicamente el número de países en el que

rodamos.”

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La producción de Origen dio la vuelta al mundo, y la fotografía principal tuvo

lugar en seis países de cuatro continentes. En el transcurso del rodaje, el reparto y el

equipo de filmación experimentaron diversas situaciones extremas, enfrentándose al

calor de Tánger y en Marruecos y atravesando las nieves de Calgary, Canadá. También

se rodaron escenas en Tokio, París y Los Ángeles, donde el equipo de efectos

especiales generó una lluvia de vehículos para una secuencia de acción, que se

completó con un tren de mercancías circulando en medio de una calle. Nolan también regresó a los cavernosos hangares de aeronaves convertidos de

Cardington, Inglaterra, donde anteriormente había rodado secuencias de Batman

Begins y El caballero oscuro. Aunque los actores no se vieron sometidos a las

inclemencias de los elementos durante los rodajes de interior en Cardington, pusieron a

prueba su equilibrio mediante escenarios diseñados para girar 360 grados, que

desafiaban las leyes de la gravedad, y otro escenario construido sobre un gigantesco

balancín de brújula que hacía que todo y todos se inclinasen. “Desde mi punto de vista, el material exigía un enfoque a gran escala,” afirma

Nolan. “Por eso decidimos rodar en seis países diferentes, construyendo enormes

escenarios y superando los límites de lo que era posible alcanzar en la práctica, en

oposición a los efectos creados por ordenador. “Resulta muy interesante ya que, con frecuencia, el cerebro humano se compara

con un ordenador,” continúa el director, “pero lo cierto es que se trata de una analogía

realmente inadecuada, ya que el cerebro es capaz de mucho más de lo que pensamos.

Para un cineasta, todo ello constituía un mundo ideal en el que profundizar, ya que no

existen normas para lo que la mente puede crear y, una película que explorase este

mundo, tenía que ser el mayor espectáculo imaginable."

SAITO

Reúna a su equipo, sr. Cobb.

Y elija a sus compañeros…sabiamente

Además de rodar en todo el globo, Origen incluye actores de todo el mundo,

incluyendo a Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ellen Page,

Tom Hardy, Tom Berenger y Dileep Rao, que trabajaron Nolan por primera vez, así

como Ken Watanabe, Cillian Murphy y Michael Caine, que ya tenían experiencia

trabajando con el director.

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Thomas señala: “La película incluye papeles extraordinarios y los actores

estuvieron al nivel del material, lo cual facilitó en gran medida el proceso de los

castings. Nos sentimos muy afortunados por poder disfrutar de tan alto nivel de talento.

Creo que los actores se sintieron muy inspirados por el resto del equipo y, desde un

principio, desearon trabajar juntos y formar parte del proyecto.” También querían trabajar con Christopher Nolan.

Ellen Page afirma: “Soy una gran seguidora de Chris, así que la idea de formar

parte de esta película me emocionó muchísimo. Además, el guión me dejó alucinada, ya

que no se parecía a nada que hubiera leído antes. Me sumergí en él por completo y,

cuando acabé, estaba literalmente sudando. El concepto era inmensamente original y

dinámico y, al mismo tiempo, incluía un poderoso hilo conductor emocional con el que

uno conecta de inmediato. Fue magnífico trabajar con un cineasta capaz de crear

mundos enteros con características nunca vistas, y de forma tan espectacular.” Ken Watanabe, que trabajó anteriormente con Nolan en Batman Begins,

recuerda: “Cuando Chris me llamó para pedirme que me uniera al reparto, la respuesta

fue un sí inmediato, ya que estaba deseando trabajar con él de nuevo debido a las

satisfactorias experiencias anteriores. Y cuando leí el guión, la idea de unirme al

proyecto me gustó aún más. Deseaba hacer esta película desde el fondo de mi corazón

y mi mente." “Me emocioné mucho con el guión y, cuando Chris me dijo quiénes eran los

otros actores implicados, supe que se trataba de una oportunidad inmejorable,” afirma

Cillian Murphy, que trabajó con Nolan tanto en Batman Begins, como en El caballero

oscuro, y continúa, "en mi opinión, las películas de Chris son inteligentes y, al mismo

tiempo, emocionantes, y esta película cumple ambas premisas a la perfección.”

“Posee una imaginación desbordante,” afirma Marion Cotillard, “y eso es lo que

le convierte en un extraordinario director y guionista. En una película tan imaginativa

como ésta, necesitas un director en el que poder confiar, alguien que te de la mano y

comparta contigo su perspectiva, y en ese sentido me fiaba de él al cien por cien.

Realmente logró inspirarme y me dio las claves que necesitaba.” “Chris es un cineasta con un gran talento,” afirma DiCaprio, y añade, “aunque

también me atrajo la idea de trabajar en estrecha colaboración con un reparto tan

increíble. Mantuvimos largas conversaciones acerca de nuestros personajes y sus

historias individuales y relaciones. Además, es algo que Chris fomentaba, ya que quería

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que cada actor, sin importar la magnitud de su papel, tuviera una idea clara de su

personaje y aportase algo al mismo para hacerlo suyo.” Nolan afirma: “Resultó fascinante observar a los actores evolucionar como

grupo, al igual que hacen los personajes en la historia y esto hecho contribuyó

enormemente a enriquecer sus escenas juntos. Como guionista, esperas esa clase de

química, pero hasta que no llegas al set de rodaje, no ves al reparto sacar a relucir la

idiosincrasia de los personajes y sus interesantes relaciones. Esto resulta una parte vital

en cualquier película, especialmente en una película de atracos y, en mi opinión,

nuestros actores definitivamente lo consiguieron.” “La película sigue a un equipo formado por personas muy diferentes, con

diversas habilidades individuales, que se reúnen para llevar a cabo una tarea muy

especial," continúa Nolan. “Si uno de ellos falla, podría ocurrir un desastre, así que cada

uno de ellos contribuye al éxito de la misión. Y entendemos todo lo que están

experimentando porque nos sumergimos con ellos en ese viaje.”

DOM COBB – EL EXTRACTOR

Leonardo DiCaprio protagoniza la película en el papel de Dom Cobb, un maestro

del arte de la extracción. El actor señala: “Cobb ha alcanzado un nivel de habilidad que

le ha permitido alcanzar cierto renombre en el mercado negro sumergido de personas

que son capaces de infiltrarse en la mente de las personas para extraer información.”

“Al inicio de la película, se nos dice que Cobb es el mejor extractor del juego,”

afirma Nolan. Las empresas le contratan para robar secretos a los que, de otra forma,

nunca podrían acceder. Todo se basa en la persistencia de una idea, la noción de que

cualquier concepto permanece fijo en el subconsciente. Es imposible desaprender algo

y, esta premisa, es la base de lo que un extractor es capaz de hacer con el fin de

conseguir información.” La extracción funciona mediante un proceso llamado compartición de sueños,

consistente en fabricar el mundo del sueño para posteriormente introducir al individuo

en el mismo, haciéndole sentir que se trata de un mundo completamente real mientras

permanece en él. Pero las inusuales habilidades de Cobb también le convierten en un fugitivo

buscado que no puede regresar a su hogar. Thomas relata: “Desde el inicio, sabemos

que es un hombre con un pasado que le impide volver a Estados Unidos. Pero sus hijos

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están allí y eso le motiva más que nada en el mundo. Está dispuesto a arriesgar

cualquier cosa en su trabajo, si ello le permite volver a casa junto a lo que más ama.” Por este motivo, DiCaprio afirma que el enfoque que adoptaron él y Nolan fue:

“No importa lo surrealista que fuese el sueño, todo debía basarse en nuestra conexión

con el personaje, y debía estar cargado de emoción. Desde el punto de vista de Cobb

hay algo muy real en juego y, por ello, todas sus elecciones, reacciones y formas de

relacionarse con las personas con quienes trabaja son un medio para un fin: recuperar

su vida.” Nolan afirma: “Leo y yo profundizamos en la vida emocional de su personaje

desde un principio. Para él, era muy importante que ése fuera el hilo conductor de la

historia y, gracias al mismo, es capaz de enganchar a la audiencia a través de una

compleja historia relatada de forma sencilla. Eso es precisamente lo que aportan los

grandes actores a un proyecto y, en este sentido, Leo realizó una gran aportación a la

película. Creo que es uno de nuestros mejores actores y su interpretación en la película

es intachable.”

ARTHUR – EL HOMBRE CLAVE

El compañero más antiguo y fiable de Cobb es Arthur, interpretado por Joseph

Gordon-Levitt. Mientras que Cobb es el maestro en planificación, Arthur se ocupa de los

detalles. Gordon-Levitt afirma: “Arthur es el más organizado, el que se asegura de que

todo esté en orden. Tal y como yo lo veo, Cobb es el artista y Arthur es el productor. Él

es quien dice: “De acuerdo, tú tienes tu perspectiva, ahora voy a pensar en cómo

encajarlo todo para que puedas hacer tu trabajo.” Pero a pesar de su profesionalidad y

meticulosidad, Arthur no deseaba dedicar sus habilidades organizativas a ser abogado

o médico, ni a otros ámbitos a los que podría haber tenido acceso, porque le fascina

compartir sueños. Para él no es sólo un trabajo. “En mi opinión, la tecnología de

compartición de sueños es algo que le ha venido inspirando desde la primera vez que

oyó hablar de ello y, en última instancia, el dinero no es su principal motivación. No

arriesgaría su vida por una suma de dinero importante. Tan sólo le encanta su trabajo.” Gordon-Levitt reconoce que comparte con su personaje la fascinación por los

sueños. “Me considero una persona creativa y los sueños son una parte de nuestra vida

en la que todos somos artistas. Todo lo que hacemos en un sueño, todo lo que vemos y

oímos, así como todos aquellos a los que hablamos, son nuestra creación. Eso

demuestra el poder creativo que podría tener la mente si la dejásemos volar, por eso

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me atraía la idea de hacer una película sobre los sueños. Podríamos calificarla como

una película sobre atracos, pero yo la veo más como una película sobre estafadores. En

mi opinión, nuestros personajes son caballeros y al mismo tiempo ladrones, y yo me

identifico con ellos porque, en el fondo, son artistas e incluso actores. Su profesión

consiste en mentir... y en ocasiones, en fabricar verdades. Crean la realidad y, eso es

justo lo que yo hago,” añade con una sonrisa. “Joe es un actor fabuloso con quien trabajar; tiene un gran carisma, es muy

trabajador y tiene un gran atractivo físico,” afirma Nolan. “Como intérprete, no sólo

descubre la vida interna del personaje, sino que además proyecta la manifestación

física de la misma a través de sus movimientos y expresiones, lo cual es maravilloso

porque interpretar a Arthur conllevaba un componente muy físico."

ARIADNE – LA ARQUITECTA

Para fabricar el mundo del sueño, uno de los miembros más importantes del

equipo es el arquitecto. Ellen Page interpreta a Ariadne, una brillante estudiante de

arquitectura con quien Cobb contacta para un trabajo que, según las palabras de Page:

“A pesar de no ser necesariamente legal, atrae a su personaje debido a una curiosidad

intelectual que le impide alejarse de una oportunidad tan exclusiva.” Esa oportunidad consiste en diseñar y construir lugares que no podrían existir en

la realidad. Page afirma: “Cuando Cobb introduce a Ariadne en su mundo, por decirlo de

algún modo, muestra inmediatamente una capacidad innata para pensar con creatividad

y ampliar su pensamiento, con el fin de facilitar la tarea que él se propone. Finalmente,

se implica más en el trabajo a medida que descubre lo que realmente se propone Cobb

y es capaz de aprender cosas que escapan al control de él. Pero, a pesar de sus

miedos, desea intentar ayudarle para que el equipo tenga éxito.” Nolan relata: “Al escribir el guión de Origen, para mí era muy importante que

hubiese un hilo conductor para la audiencia, un personaje a quien se le mostrase este

mundo por primera vez, y que estuviese ansioso por explorarlo. Así es como nació el

personaje de Ariadne. También resultaba muy importante que la audiencia viera a Cobb

a través de los ojos de Ariadne para llegar al núcleo del personaje. Y cuando conocí a

Ellen, descubrí que poseía la combinación perfecta de frescura, experiencia y madurez

que dan los años de trabajo. Es una intérprete extraordinaria con una creatividad

increíble y una curiosidad innata que logró transmitir a Ariadne de forma natural. Ellen

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logró equilibrar la vida emocional de su personaje con la necesidad de atraer a la

audiencia para contarles la verdad.” Page afirma: “Me emocionó que Chris escribiera un magnífico papel para una

joven e inteligente mujer que se siente cómoda en su propia piel. Ella se sumerge en

este entorno completamente nuevo y en una situación inusual y es capaz de asumirlo

todo de forma elocuente. Además, se muestra capaz de mantenerse por sí misma,

especialmente en un grupo que es una especie de club para chicos,” se ríe.

EAMES – EL FALSIFICADOR

A diferencia de Ariadne, Eames es un hombre experimentado en el mundo de la

compartición de sueños y comparte parte de su historia con Cobb, como su aliado e

incluso como posible competidor. Tom Hardy interpreta a Eames que, tal y como afirma,

posee capacidades sorprendentes como falsificador...y no sólo en el papel. “En el

mundo de los sueños, Eames puede proyectar la imagen de cualquiera, así que

realmente falsifica una identidad en una manifestación física y puede convencer a otra

persona de que es quien quiera que el equipo necesite que sea para contribuir a su

engaño. En mi opinión, lo realmente interesante de estos personajes es la idea del

antihéroe, el hecho de que lo que hacen podría considerarse deshonesto, y a pesar de

ello, consiguen que te pongas de su parte. Eso es bueno porque las cosas no son sólo

blancas o negras, sino que disponemos de un gran área gris en la que jugar.” Nolan afirma que, al igual que su personaje, Hardy es una especie de camaleón.

“Tom es un actor capaz de meterse en la piel de un personaje y vivir un papel y, en esta

película, consiguió ambas cosas de forma realmente eficaz. Intuyó el potencial del

personaje desde el principio y aportó una maravillosa frescura a su actuación, de la cual

me encantó ser testigo.” Emma Thomas añade que su personaje también aporta cierta carga cómica a

las bromas entre Hardy y Gordon-Levitt. “Existe una divertida dinámica entre Eames y

Arthur en la película. Es evidente que mantienen una rivalidad anterior al comienzo de la

historia, pero al mismo tiempo se admiran, aunque nunca llegarán a admitirlo. Son una

cómica pareja que merece la pena ver a medida que se desarrolla el crimen.”

MAL – LA SOMBRA

Mal, interpretada por Marion Cotillard, es el amor de Cobb. “Mal es un personaje

difícil de describir, ya que es una mezcla de varias cosas,” afirma la actriz. “Pero quizás,

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es la clase de concepto que no describirías porque diferentes personas pueden tener

diferentes interpretaciones acerca de ella.” “Mal es la esencia de la mujer fatal,” afirma Nolan. “Marion aportó un gran

carisma a su interpretación. Es hermoso ver lo que consiguió hacer tan sólo con su

mirada y su sinceridad emocional. Ella y Leo representan una pareja increíblemente

conmovedora. En mi opinión, detrás de toda la acción, Origen se basa en gran medida

en una historia de amor, y estos dos actores descubrieron esta verdad de forma

notable.” “Leo es un actor con mucho talento y siempre he sido una gran seguidora de su

trabajo, así que fue increíble trabajar con él,” afirma Cotillard. “Su compromiso es total y

su intensidad no tiene límites. Puedes verlo tan sólo mirándole a los ojos. Cuando

compartes escena con él, puedes confiar en todo lo que hace porque resulta muy

auténtico.” DiCaprio aprecia igualmente a la co-protagonista y afirma: “Fue maravilloso

trabajar con Marion. Puede mostrarse fuerte y vulnerable, o esperanzada y

desconsolada al mismo tiempo, lo cual resultó perfecto para transmitir todas las

contracciones de su personaje.”

SAITO – EL TURISTA

Ken Watanabe interpreta el papel de Saito, un rico y poderoso magnate de los

negocios que ofrece a Cobb un trabajo muy especial, con la promesa de un pago más

valioso que el dinero. Dicho de forma sencilla, si Cobb le proporciona a Saito lo que

desea, éste le permitirá volver a su hogar. Sólo hay una condición: Saito desea

acompañar al equipo de Cobb en su trabajo para asegurarse de conseguir aquello por

lo que está pagando. Thomas afirma: “Nos referimos a él como “el turista” porque no

tiene experiencia, pero usa su influencia financiera para unirse al grupo.” Watanabe señala: “Al principio, se trata sólo de una relación comercial, pero a

medida que la historia se desarrolla, Saito y Cobb llegan a entenderse y respetarse

mutuamente. Ambos se necesitan.” Nolan afirma que creó el papel de Saito con Watanabe en mente. “Escribí el

papel específicamente para Ken porque quería volver a trabajar con él ya que, disfruté

mucho dirigiéndole en Batman Begins, pero el suyo era un papel menor y no

disponíamos de demasiado tiempo juntos. Esta vez me aseguré de que tuviera un papel

más importante. Ken es un intérprete extremadamente carismático y una verdadera

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estrella cinematográfica, además de un actor consumado que sabe sacar el máximo

provecho a cada escena. Es un verdadero placer verle trabajar.”

ROBERT FISCHER – EL OBJETIVO

El objetivo de la propuesta de negocio de Saito es Robert Fischer, que está a

punto de heredar el control del emporio multimillonario de su padre moribundo. Cillian

Murphy, que interpreta el papel de Fischer, señala: “A pesar de su gran riqueza, Robert

se ve asediado por toda clase de inseguridades, tal y como cabría esperar de un

individuo que ha vivido toda su vida a la sombra de una persona inmensamente

poderosa. Este hecho se ve agravado debido a la tensa relación que mantiene con su

padre. Todo ello contribuye a crear un personaje que está a punto de heredar el mundo

y al cual no le falta nada, excepto quizás, lo que más desea: una relación normal con su

padre." Thomas comenta: “Nos encantó trabajar con Cillian de nuevo. Es un actor

fantástico y aportó mucho a su papel. En mi opinión, el personaje de Robert Fischer es

especialmente interesante ya que, en una película sobre atracos, el objetivo no suele

tener tantas facetas. Pero Robert se convierte en una gran parte del núcleo emocional

de la historia y ello se lo debemos en gran medida a la interpretación de Cillian."

YUSUF – EL QUÍMICO

Una de las claves para llevar a cabo la operación de Cobb es el uso de un

fármaco que permite a diversas personas compartir diferentes sueños. Dileep Rao

aparece como el químico llamado Yusuf, personaje que el actor describe como: “un

farmacólogo vanguardista que constituye un valioso recurso para personas que, como

Cobb, desean realizar su trabajo sin supervisión, sin dejar rastros ni obtener la

aprobación de terceras personas. Obviamente, Yusuf tiene un interés económico al

ayudar a Cobb, pero su motivación también procede de su incipiente curiosidad. Ha

estado experimentando con esta sustancia durante largo tiempo y ahora desea saber

cómo funciona en realidad.” “El papel del químico resultó particularmente complicado, ya que queríamos

distanciarlo de un simple camello, cosa que no es en absoluto,” afirma el coproductor

Jordan Goldberg. “Es una persona comprometida con el arte de la compartición de

sueños, y dedicada en cuerpo y alma a hacer que funcione como nunca antes lo había

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hecho. Necesitábamos que Yusuf fuera un personaje divertido, interesante y,

obviamente, inteligente, y Dileep reúne todas esas cualidades.”

Completando el reparto principal de Origen encontramos a tres actores

veteranos que interpretan un papel un tanto paternal con dos de los personajes. Pete

Postlethwaite es el moribundo padre de Robert, Maurice Fischer, mientras que Tom

Berenger interpreta el papel de Peter Browning, el que ha sido durante largo tiempo el

consejero legal de Maurice, y el padrino de Robert. De hecho, Berenger se refiere a

Browning como el “padre sustituto” de Robert, y enfatiza: “Robert incluso llama a mi

personaje Tío Peter, ya que Browning ha estado con él toda su vida y, probablemente,

ha pasado más tiempo de calidad con él que su propio padre.” Michael Caine aparece como el suegro de Cobb, Miles, que juega un papel clave

en la vida del joven. “Miles es un profesor que enseñó a Cobb el arte de la compartición

de sueños,” relata Caine. “Cobb acabó por ir contra sus consejos y Miles no aprueba

necesariamente lo que hace con esos conocimientos, pero aún así se preocupa por él

todo el tiempo.” A pesar de su desaprobación, Miles presenta a Cobb a su alumna más

prometedora, Ariadne. “Desea ayudar a Cobb a volver a casa,” afirma Caine, “así que,

basándose en su gran juicio, Miles sugiere le sutilmente que ella es la más adecuada

para el trabajo y le desea lo mejor.” Para Caine, Origen marca su cuarta colaboración con Nolan, tras haber

trabajado junto al director en Batman Begins, El truco final (el prestigio) y El caballero

oscuro. Nolan afirma: “Siempre resulta agradable contar con Sir Michael Caine en una

película y el nos concedió el honor de interpretar este papel para nosotros. Es magnífico

tenerle en el set de rodaje.” “Como Michael dice, él es nuestro amuleto de la buena suerte,” sonríe Thomas.

“No creo que pudiéramos hacer una película sin él en este momento.”

EAMES

No debes temer a los

grandes sueños, querido.

Tras la cámara, Nolan reunió a un grupo de artistas y artesanos que le ayudó a

conseguir su visión de Origen, un proceso que, según sugiere él mismo, no se aleja

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demasiado del trabajo que llevan a cabo Cobb y su equipo. “Existen similitudes

definidas entre la forma en que estos personajes crean todo un mundo para que alguien

exista en él y la forma en que los cineastas construyen una realidad para el público,"

relata el director. “Así que, al igual que el personaje de Cobb reúne a este extraordinario

equipo de personas, quise hacer lo mismo entre bastidores.” La producción de Origen reunió a Nolan con varios de sus colaboradores

anteriores, incluyendo al director de fotografía, Wally Pfister, el editor Lee Smith, el

supervisor de efectos especiales Chris Corbould, el supervisor de efectos visuales Paul

Franklin, y el coordinador de acrobacias Tom Struthers. Además, Nolan trabajó por

primera vez con el diseñador de producción Guy Hendrix Dyas y el diseñador de

vestuario Jeffrey Kurland. Independientemente de algunas secuencias más ilusorias de la película, Nolan,

poniendo en práctica una de sus señas de identidad, animó a todo su equipo a

conseguir todo lo que fuera posible en términos prácticos, reduciendo al mínimo las

imágenes generadas por ordenador. “Para mí siempre es importante realizar el mayor

número de escenas posibles con la cámara y, posteriormente, si es necesario, los

gráficos por ordenador resultan muy útiles para crear o mejorar lo que has conseguido

físicamente. Independientemente del hecho de que la historia se desarrolle en

diferentes estados del sueño, resulta crucial que, en cada nivel, el mundo sea concreto,

ya que cuando estamos en un sueño, lo aceptamos como si fuese la realidad. Así que,

tanto si rodábamos una persecución sobre esquís bajando una montaña, como si nos

sumergíamos bajo el agua o simulábamos la gravedad cero, siempre quise llegar al

límite absoluto de lo que era factible rodar,” afirma el director. No es necesario mencionar que el departamento de efectos visuales no fue

crítico en la producción de la película. Nolan afirma: “Confiaba en que Chris Corbould y

su unidad de efectos especiales pudieran averiguar la forma de poner en marcha un

tren en mitad de una calle de Los Ángeles, pero sabía que no era factible doblar una

calle de París sobre sí misma sin la ayuda del grupo de Paul Franklin. “Me encanta ver a mi equipo reaccionar con cierto pánico cuando les explico por

primera vez lo que tengo en mente,” admite Nolan entre risas. “Pero resulta asombroso

ver cómo los diversos departamentos lo descomponen y proponen inventivos enfoques

para lograrlo. Y, en cada etapa de Origen, todos rindieron de forma extraordinaria.” “Incluso cuando aparentan estar aterrados,” bromea Thomas, “creo que

verdaderamente disfrutan resolviendo cualquier problema que Chris les plantea, pero

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también aprecian el hecho de que él se involucre en el desafío y esté a su lado cuando

surge algún problema.”

Para aumentar aún más la sensación de realismo, gran parte de la fotografía

principal de la película se completó in situ. “Resulta de vital importancia que, incluso

cuando los personajes están en el entorno de un sueño, no parezca que es un mundo

generado por ordenador,” afirma el productor ejecutivo Chris Brigham, que trabajó como

productor de línea del rodaje. “En mi opinión, el hecho de que la acción se desarrolle en

entornos reales añade mucha textura y credibilidad al argumento.” El rodaje de Origen llevó al reparto y el equipo de filmación desde un rascacielos

en Tokio hasta una montaña en Calgary, desde las exóticas calles de Tánger hasta las

pintorescas calles de París, y desde el histórico Londres hasta el moderno Los Ángeles.

Thomas afirma que, a pesar lo beneficioso de esta planificación: “Trabajar a

escala tan global fue uno de nuestros mayores desafíos ya que, viajar a seis países

diferentes, implicaba trabajar con diferentes equipos de producción en cada

emplazamiento. Funcionó genial, pero resultó agotador.”

DOM COBB

Una sola idea de la mente humana

puede construir ciudades. Una idea puede transformar

el mundo y reescribir todas las normas.

TOKIO

Los primeros rodajes se realizaron en Tokio, donde Saito realiza su inusual

proposición comercial a Cobb y Arthur, poniendo en marcha la historia de este modo.

Comenzando en el helipuerto de un rascacielos, la escena transita hasta diversas tomas

aéreas desde el helicóptero de Saito. Aunque parecía bastante sencillo, Brigham afirma:

“Realmente, fue algo complicado porque Tokio tiene normas muy estrictas acerca de

dónde y a qué altura pueden volar los helicópteros. Pero nos ayudó mucho contar con la

colaboración de los funcionarios locales, que se portaron maravillosamente.” “Chris quería rodar en Tokio desde hace mucho tiempo, así que nos encantó la

oportunidad de hacerlo realidad,” afirma Thomas. “Nos encanta la ciudad; es un lugar

extenso y vibrante y Chris deseaba con toda su alma plasmar eso en una película.”

INGLATERRA

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Posteriormente, la producción se trasladó a uno de los centros operativos

favoritos de Nolan: Cardington, un hangar de aeronaves convertido al norte de Londres.

Allí, el gigantesco escenario pudo albergar los enormes, a la par que complejos, sets de

rodaje que pondrían a prueba la percepción de arriba, abajo y a los lados de cada uno

de los actores. Uno de los sets de rodaje más complicados fue el largo pasillo del hotel que

rotaba 360 grados para crear el efecto de gravedad cero. Para el diseño y la

construcción fue vital la asociación entre el diseñador de producción Guy Hendrix Dyas,

el supervisor de efectos especiales Chris Corbould, y el cineasta Wally Pfister. Los cineastas idearon originalmente un pasillo de aproximadamente 12 metros,

pero a medida que el plan aumentaba, también lo hacía la longitud del set, que

finalmente alcanzó los 30 metros. El pasillo se suspendió sobre ocho enormes anillos

concéntricos que se colocaron a la misma distancia fuera de sus muros y que se

accionaban a través de dos gigantescos motores eléctricos. “He construido sets

giratorios con anterioridad,” afirma Corbould, “pero ninguno tan grande ni tan rápido

como éste.” Una vez que el set estuvo en marcha o, mejor dicho, en rotación, podía

girar hasta a ocho revoluciones por minuto. Corbould también trabajó en estrecha colaboración con Pfister para determinar

cómo colocar las cámaras en el set giratorio. “Prefiero las cámaras de mano, pero

resulta que no podía sostener la cámara girando trescientos sesenta grados,” afirma

Pfister inexpresivo. “Así que Chris Corbould y Bob Hall, de mi departamento, idearon

una forma de montar una cámara por control remoto en una placa que recorría una pista

bajo el suelo. Ya que toda la longitud y el ancho del pasillo se encontraban con frecuencia al

alcance de la cámara, Pfister no podía usar los focos tradicionales que cuelgan del

techo. En su lugar, afirma: “Ideamos un práctico plan de iluminación usando

candelabros de pared y luces colgantes con regulación de voltaje, lo que me

proporcionó una gran flexibilidad.” Aparte del pasillo, también había una habitación de hotel giratoria, que nos

presentó sus propios desafíos. Corbould explica: “El set de rodaje de la habitación era

más corto, pero sólo había dos anillos, por lo que cada uno de ellos soportaba más

peso.” Al diseñar el interior del hotel, Dyas y su departamento tenían que tener en

cuenta que habría actores y acróbatas trabajando en cada superficie. “Me pareció

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evidente que si íbamos a hacer rebotar a las personas dentro del set de rodaje, sería

necesario fabricarlo con materiales blandos," afirma Dyas. “Afortunadamente, existen

hoteles contemporáneos que usan cuero y telas para revestir las paredes, así que

incorporamos esos acabados blandos con relleno. También nos teníamos que

asegurarnos de que los objetos como pomos de puertas y elementos fijos ligeros se

rompieran al mínimo impacto para que nadie resultase herido.” Esto alegró a Joseph Gordon-Levitt y los miembros del equipo de acrobacias,

que pasaron bastante tiempo negociando el vertiginoso set de rodaje para una de las

principales secuencias de acción. Antes de filmar estas escenas, Gordon-Levitt pasó

semanas entrenándose y ensayando las escenas de acción con el coordinador de

acrobacias Tom Struthers y su equipo. Struthers afirma: “Normalmente tendríamos que

usar a un doble para esta clase de trabajo, porque cuando el set de rodaje gira de esa

forma puede hacerte girar como si estuvieses dentro de una lavadora, y puede resultar

muy desorientador. Pero Joe era fuerte y flexible y le entrenamos para desarrollar su

tren superior y sus principales músculos. Trabajó muy duro y realizó una labor

excepcional.” “Definitivamente me puse más en forma que nunca antes en mi vida,” afirma

Gordon-Levitt. “Tenía que estar lo suficientemente en forma para rodar las escenas, y

tuve que aprender a mantener el equilibrio y realizar una escena de lucha saltando de

una superficie a otra." Para lograrlo, no podía tomar como referencia el suelo ni el techo.

Tenía que pensar en ambos como una superficie y decirme a mí mismo: “De acuerdo,

ahora ésta es mi superficie.” “Y ahora, ésta es mi superficie.” El problema es que la

“superficie” se movía continuamente bajo mis pies, por eso tuve que engañar a mi

mente para hacer que funcionase. También fue la parte más divertida, ya que nadie

más me controlaba y mi equilibrio dependía únicamente de mí. Pero los cables fueron

una historia diferente,” añade, refiriéndose a otras tomas que implicaban desafiar a la

gravedad. En realidad, había dos versiones del pasillo construido en Cardington: uno de

ellos rotaba y el otro era una réplica construida en vertical, de forma que su longitud se

convirtió en su altitud, por así decirlo. Gordon-Levitt tuvo que llevar un arnés y cables

para las escenas rodadas en el pasillo vertical, al igual que en el set de rodaje de la

habitación del hotel donde tuvo que rodar a media altura. “Me enfrenté cara a cara con

la gravedad en diversas ocasiones en esta película,” bromea el actor. “Pero me encantó

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ya que, tuve la oportunidad de volar, que ha sido siempre uno de mis sueños, y creo

que no soy el único.” Nolan afirma: “Me encantó que Joe quisiera hacerlo todo él mismo, una vez que

comprobamos que poseía la capacidad suficiente para hacerlo de forma segura.

Supuso una gran ventaja fusionar la acción con el personaje ya que, con cada

puñetazo, cada patada y cada escena de acción, estamos viendo a Joseph Gordon-

Levitt en el papel de Arthur.” “En mi opinión, gran parte del éxito de Christopher Nolan reside en el hecho de

que consigue un equilibrio realmente estimulante entre tenerlo todo planificado y estar

abierto a la espontaneidad,” señala Gordon-Levitt. “Tuve la oportunidad de comprobarlo

a diario cuando, en mitad de estas épicas hazañas técnicas, se aseguraba de dejar

espacio a los actores para explorar su creatividad y darle prioridad a sus

interpretaciones.” Simular la gravedad cero también influyó en el trabajo del diseñador de vestuario

Jeffrey Kurland y su departamento. Kurland señala: “Para esas escenas no podíamos

diseñar prendas con caída natural ya que, sin gravedad, estarían flotando. Tuvimos que

hacer cosas como introducir cable en los cordones de los zapatos para que se

mantuvieran rectos, o grapar con tachuelas las corbatas de los hombres para que no

cayeran de forma aleatoria. Al igual que en el pasillo vertical, el set de rodaje para el hueco del ascensor,

también supuso un desafío. Utilizando la infraestructura existente de Cardington, el

equipo construyó el conducto del ascensor de forma horizontal a lo largo de una pared

continua del hangar. Posteriormente Pfister orientó la cámara de forma que pareciera

que ele ascensor se movía de arriba a abajo. Para completar la ilusión, los cables del

ascensor era necesario mantener los cables absolutamente tensos. Para mayor incomodidad de todos, Corbould y Dyas idearon construir un bar de

hotel sobre un gigantesco balancín de brújula que permitía que todo el habitáculo se

inclinase, para posteriormente recuperar la horizontalidad de nuevo lentamente.

Corbould afirma: “He construido muchos sets de rodaje sobre balancines de brújula en

los que ves como todo se balancea y es un caos. Éste era bastante diferente, ya que

todo el artilugio se inclinaba y todo lo que veías era el ángulo de las bebidas y las

lámparas colgantes moviéndose al unísono. Realmente conseguimos el efecto

surrealista que Chris (Nolan) buscaba.”

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Dyas añade: “La superficie a inclinar por completo tenía un tamaño considerable.

Dicho de forma sencilla, era básicamente un balancín controlado mediante dos pistones

que podían elevarse y descender para controlar la inclinación de la plataforma. Creo

que, en total, el set de rodaje se inclinó aproximadamente a 20 grados, lo cual no

parece mucho... hasta que intentas mantenerte de pie sobre él.” DiCaprio afirma: "En la escena, Cillian y yo teníamos que mantener una intensa

conversación mientras todo el set de rodaje se inclinaba. Teníamos que mantenernos

de pie para no resbalar, pero no podíamos reaccionar ante la inclinación de forma

instintiva, sino que teníamos que concentrarnos. Realmente afecta a tu perspectiva.” Además de rodar el Cardington, también se filmaron escenas en diversos

emplazamientos en torno a Londres, incluyendo: la Galería Flaxman de la University

College London, donde Miles presenta a Cobb a Ariadne; El Edificio Farmiloe de la

época Victoriana, donde recrearon la farmacia de Yusuf; y el moderno vestíbulo de

acero y cristal de una desaparecida empresa de juegos, donde Arthur demuestra la

paradoja de los escalones Penrose a Ariadne. Dyas afirma: “Diseñamos una escalera

del mismo estilo que las escaleras existentes en la instalación, con el fin de que se

camuflasen con el fondo.”

PARÍS

Tras abandonar Inglaterra, el equipo de producción se trasladó a Francia, donde

las escenas incluían una conversación clave entre Cobb y Ariadne en un bistró de París.

El enclave era realmente una pequeña panadería, que Dyas y su departamento

convirtieron en un pintoresco café en una acera. En un momento concreto, toda la zona

vuela por los aires. Rodar la explosión implicaba una estrecha colaboración entre

Corbould, Pfister y Paul Franklin. Uno de los obstáculos provino de la prohibición de usar explosivos reales en

París, sin importar lo controlados que estuvieran, impuesta por las autoridades locales.

En su lugar, el departamento de Corbould usó nitrógeno a alta presión para recrear el

efecto de una serie de explosiones que vuelan por los aires las tiendas circundantes y

quioscos y, finalmente, el café. Courbould afirma: “Sabíamos que Leo y Ellen estarían en medio de las

explosiones, así que lo construimos todo con materiales muy ligeros. Aún así,

realizamos pruebas durante semanas antes de que me sintiera completamente cómodo

con la idea. Y finalmente, el día que rodamos la escena, parecía que ambos estuviesen

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en su propia zona de seguridad; ni siquiera el vaso de cartón de su mesa se movió. Fue

una gran toma.” Para asegurarse de conseguir la toma, el equipo de Pfister empleó seis cámaras

para captar la secuencia desde diferentes ángulos. También rodaron a la mayor

velocidad secuencial posible ya que, tal y como explica el cineasta: “Chris Nolan quería

filmar las explosiones a cámara lenta, dada la luz exterior (alrededor de 1.000

secuencias por segundo, 40 veces la velocidad habitual de 24 secuencias por segundo.

En general, Chris no suele decantarse por rodar a cámara lenta, pero hay escenas en

esta película que así lo exigían.” La filmación a cámara súper-lenta hacía que los escombros parecieran

momentáneamente suspendidos en el aire. Posteriormente, el departamento de efectos

visuales de Franklin aumentó la secuencia. “Añadimos más destrucción y escombros

voladores con gran minuciosidad, en concreto los pedazos de mampostería, cristal y

otros objetos que habrían supuesto un peligro para las personas que rodaban la escena

en el emplazamiento de París,” detalla Franklin. Los efectos visuales también se usaron para finalizar otras secuencias críticas

en las que Ariadne comienza a descubrir las infinitas posibilidades de construir el

mundo del sueño, incluyendo una escena en la orina del Río Sena en la que Ariadne

recrea el famoso puente denominado Pont du Bir-Hakeim.

TÁNGER

Tánger, Marruecos, fue con diferencia el entorno más exótico para el reparto y el

equipo de filmación de Origen. La ciudad costera sirvió para recrear Mombasa, donde

Cobb rastrea al mejor falsificador del negocio, Eames, que, a su vez, presenta a Cobb al

pionero químico Yusuf.

El reparto y el equipo de filmación de Origen llegó a Tánger a principios de

agosto, y lo primero a lo que debieron hacer frente fue el implacable calor veraniego. No

obstante, Chris Brigham comenta: “Lo magnífico de Marruecos es que se han rodado

diversas películas allí, y por eso disponen de un equipo local con gran talento. En todas

partes tienen experiencia con las grandes producciones y todos se sienten cómodos

mientras ruedan a su alrededor, lo que supone una gran ventaja.” “Marruecos es muy inspirador desde un punto de vista visual,” añade Pfister. “La

arquitectura es completamente diferente, con magníficas calles y pasadizos que nos

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proporcionan un magnífico lienzo con el que jugar. Es una auténtica delicia para la

vista.” Nolan afirma que tenía un motivo para confiar en los instintos del cineasta. “He

trabajado con Wally en diversas películas hasta la fecha y siempre me ha demostrado

que tiene un gran ojo. Además, siempre se muestra motivado por los pormenores de la

historia y no sólo el aspecto de la película. Gracias a todo ello, es un aliado

inmensamente creativo a la hora de determinar cómo evolucionamos de una toma a la

siguiente para anticipar la inmersión de la audiencia en el mundo de la película. Una de las progresiones (una frenética persecución a pie) se rodó en las

estrechas calles y callejones del histórico Grand Souk de Tánger. Jordan Goldberg

relata: “Cobb trata de escapar de las personas que tratan de capturarle o quizás

asesinarle. Aquel día estábamos a unos cuarenta grados y, toma tras toma, Leo corrió a

toda velocidad. Se implicó por completo en el rodaje e hizo que pareciese totalmente

real.” Para captar la persecución, Pfister comenta que Nolan se embarcó en lo que él

suele llamar filmación de guerrilla. A Chris le encanta ese estilo de rodaje, al igual que a

mí. Hay algunas escenas en las que resulta más aplicable que en otras, y la

persecución definitivamente era una de ellas, así que usamos una combinación de dos

métodos: nos montamos en un VTA con una cámara de mano y sobrevolamos las calles

con Leo corriendo tras un vehículo; en ocasiones, usamos el estabilizador de cámara;

tomamos varias tomas desde arriba y yo realicé algunas tomas a pie, corriendo detrás

con una cámara sobre el hombro tratando de mantener todo dentro del encuadre.” Entre otras escenas rodadas en Marruecos, se encuentra un motín que se filmó

en medio de uno de los principales mercados de Tánger. El levantamiento se dividió en

tres secciones, con una combinación de acróbatas, miembros de la unidad de efectos

especiales de Chris Courbould, y diversos extras locales. “Destrozaron prácticamente

todo lo que encontraban a su paso, pero se hizo todo de forma segura y quedó

perfecto,” afirma Struthers.

LÓS ÁNGELES

Cruzando el Atlántico, el rodaje de Origen se trasladó hasta el área de Los

Ángeles, donde se construyeron diversos sets de rodaje en un estudio de Warner Bros.,

incluyendo las habitaciones interiores del castillo de estilo japonés de Saito. Quizás, el

set de rodaje más sorprendente fue el espléndido comedor con sus paredes pintadas

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con estampados dorados y su techo cubierto por docenas de lámparas. Guy Hendrix

Dyas señala: “Las paredes del comedor se basaron en un tema de pinos y halcones que

se inspiró en el Nijō Castle, construido en torno a 1603. Pero estos decorados no

pretendían ser una reproducción histórica; también se incluyen otros tipos de

arquitectura japonesa, así como influencias occidentales. Se trata, más bien, de una

combinación de diferentes estilos para dar una sensación general de cultura japonesa

en lugar de algo específico.” Otro elemento de diseño influenciado por la cultura japonesa es el esmoquin que

Jeffrey Kurland creó para Saito. Ken Watanabe afirma: “Con el esmoquin, Jeffrey quería

evocar los kimonos japoneses, así que combinó elementos de la moda oriental y

occidental de una forma muy interesante. Todos los trajes que hizo para mí tenían una

línea preciosa.” Thomas afirma: “Jeffrey Kurland realizó un magnífico trabajo con el vestuario de

esta película. “No compramos nada en tienda, sino que cada prenda se diseñó como

una extensión del personaje concreto que la llevaba, desde los conservadores trajes y

zapatos de Arthur hechos a medida hasta el llamativo armario de Eames. Me gustó

especialmente lo que Jeffrey hizo con el vestuario de Mal, como el impresionante

vestido vaporoso con que la vemos por primera vez. Ella es la mujer fatal y su armario

refleja esa personalidad.” Los decorados del castillo japonés también incluían una sensacional gran sala

de dos niveles con techo con vigas vistas, grandes ventanales y una escalera de

madera que daba acceso a unas magníficas vistas.

Corbould declara: “Fue un decorado hermoso. Ya sabes, a veces siento lástima

por los diseñadores de producción porque construyen estos magníficos decorados...y,

nueve de cada diez veces, acabamos destrozándolos,” sonríe.

“Ésa era nuestra broma de turno,” responde Dyas. “Mi equipo se esfuerza al

máximo para construir minuciosamente estos preciosos decorados y entonces llega

Chris y lo vuela todo por los aires. Y en Calgary, volvió a hacer lo mismo... pero lo hace

tan bien que ¿cómo puedo quejarme?” Como era de esperar, el equipo de Corbould, incluyendo al coordinador de

efectos especiales Scott Fisher, manipuló el decorado del castillo para que se

derrumbase, culminando con torrentes de agua que reventaron los ventanales. Para

inundar el decorado, usaron 12 chorros de agua a presión a cada lado. Corbould

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explica: “Los activamos de forma secuencial para obtener una progresión de agua

saliendo desde la parte posterior de la habitación hacia el frontal.” El grupo de efectos especiales produjo otra clase de aguacero para una

emocionante persecución en coche dividida en tres calles del centro de Los Ángeles.

Para generar el aguacero, el equipo manipuló diversos pulverizadores desde la parte

superior de los edificios circundantes. “Definitivamente, fue algo más que llovizna,”

explica Corbould. “Todos los presentes en el set de rodaje se empaparon durante todo

el día, incluyendo a Chris, que estaba en medio de la escena. Fue un ejemplo para todo

el equipo.” Emma Thomas afirma: “La filosofía de Chris es que si le pide a los actores y el

equipo que hagan algo, él debería hacerlo también."

El principal problema al rodar una tormenta en Los Ángeles era que

normalmente suele hacer sol y no hay una sola nube en el cielo, lo que nos planteó

ciertos problemas de iluminación. “Tras semanas rezando por que se nublase,” bromea

Pfister, “finalmente abandonamos esa idea y comencé a pensar en cómo rodar en un

día soleado. Conté con la ayuda de mi fantástico técnico en iluminación, Ray García,

que representó el recorrido del sol para ese día y posteriormente (mediante plataformas

elevadoras y colocando gente en los tejados) instaló una serie de banderas negras que

actuaron como celosías que bloqueaban el sol a medida que nos movíamos. Resultó

increíblemente eficaz.” La lluvia no fue el único elemento incongruente en el centro de Los Ángeles ese

día. Nolan y su equipo trajeron un tren de mercancías hasta una calle en mitad de la

ciudad. El director explica: “La secuencia con el tren era un elemento particular que

resultaba importante porque se trata de una imagen surrealista, pero necesitas que

parezca real. Así que fue cuestión de equilibrar la peculiar naturaleza de un tren

recorriendo una calle urbana con la realidad de hacerlo chocar con coches y otros

elementos similares. Es la clase de efecto físico a gran escala que, en mi opinión,

puede impulsar una película de acción hasta el siguiente nivel y hacer que el público

quede sorprendido al ver las imágenes. No importa la magnitud de la acción que se

desarrolla, tiene que basarse en cosas con las que la gente pueda relacionarlas.

Posteriormente, sólo tienes que exagerarlas unas mil veces, “ comenta entre risas. Al estar a miles de kilómetros de la vía ferroviaria más cercana, obviamente no

era factible conducir un tren real por una calle, así que a Tom Struthers se le ocurrió la

idea de construir una locomotora en el armazón de un remolque. No obstante, la mayor

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distancia entre ejes que encontraron seguía siendo demasiado corta. El coordinador de

transportes Tyler Gaisford afirma: “Acortamos el chasis y la transmisión y añadimos una

cubierta de acero y reforzamos la suspensión para sostener el peso adicional, que

ascendía en total a 11,334 toneladas aproximadamente.” El tren se construyó como réplica de un tren de mercancías real. Dyas afirma:

"Algunas partes de nuestro tren se fabricaron con moldes de fibra de vidrio extraídas de

piezas de trenes, para que todo tuviera el aspecto y la textura correctos. Posteriormente

tuvimos que ajustar el color y el diseño.” Construir el tren era una cuestión, pero conducirlo era otra muy diferente.

Gaisford aclara: “Cuando tienes un vehículo de aproximadamente 18,3 metros de largo,

3 metros de ancho y 4,26 metros de alto, surgen problemas de manipulación y el radio

giro brillaba por su ausencia. Además, el conductor tenía una visibilidad muy reducida

debido a que construimos la estructura en torno a la cabina, así que, finalmente,

colocamos pequeñas pantallas dentro e instalamos cámaras tanto en la parte frontal y

posterior como en los laterales para que el conductor pudiese ver por dónde circulaba.” Ese conductor era Jim Wilkey, la misma persona que condujo el camión que

realizaba el famoso giro en el aire en la película El caballero oscuro. “Es el mejor,”

explica Struthers resuelto. Otro vehículo más tradicional que se convierte en una de las piezas clave de la

historia es la furgoneta blanca que transporta al reparto principal a través de

angustiosas secuencias de acción. Gaisford especifica: “En realidad, se usaron 13

furgonetas en el transcurso de la producción, y gran parte del trabajo consistió en

modificar cada una de ellas en función del uso al que se destinarían, es decir, tomas

interiores o exteriores, escenas bajo el agua o con giros en el aire.”

La furgoneta que se usó para las escenas con giros en el aire se montó sobre

una plataforma que permitía rotarla con los actores dentro. Struthers confiesa: “Todos

llevaban arneses de cinco puntos bajo la ropa, como un conductor de la NASCAR, lo

cual permitió rodar las escenas de forma segura y cómoda. Y todos ellos se mostraron

muy audaces: después del primer giro estaban listos para hacerlo de nuevo.” Ellen Page coincide: “Todas las acrobacias que realicé en esta película fueron

absolutamente explosivas. Me encanta esa clase de acción. A medida que rodábamos,

no paraba de pensar que no podía esperar a verlo todo montado, porque creo que va a

ser realmente emocionante y espero que la gente vaya a ver la película y disfrute tanto

viéndola como yo disfruté rodándola.”

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Una de las furgonetas se montó de forma especial para rodar bajo el agua.

“Retiramos el motor, la transmisión y todos los líquidos y limpiamos con vapor el interior

y el exterior para eliminar cualquier clase de agentes contaminantes por

consideraciones medioambientales,” afirma Gaither. Otros emplazamientos de Los Ángeles incluían un almacén en el centro de la

ciudad que se convirtió en el taller de París del equipo de Cobb; el tanque de agua de

Universal Studios; el puerto de San Pedro; y un área en Palos Verdes, donde

construyeron los exteriores del castillo de Saito.

CALGARY

Tras su traslado a Calgary, Canadá, la última etapa de la fotografía principal se

rodó en una montaña cerca de Banff. El responsable del emplazamiento había

descubierto un resort de esquí llamado Fortress Mountain, que se había clausurado. El

hecho de que fuera un lugar accesible, sin estar abierto al público, lo convertía en un

emplazamiento ideal para rodar. Las majestuosas montañas nos proporcionaban un paisaje sobrecogedor... en

más de un sentido. Dyas recuerda: “Durante la exploración, nos desplazamos sobre

motos de nieve y el aire no dejaba empobrecerse a medida que avanzábamos.” En un

determinado momento, el guía nos dijo: “Para acceder a los picos más altos, es

necesario haber recibido la formación de un esquiador asiduo o montañero.” Ellos no lo

sabían, pero esa afirmación era como arrojar gasolina a una hoguera,” bromea. “En el

momento en que pronunció esas palabras, pensé - ¡Dios mío! ¿Por qué tenía que

decirlo? - ” Inmediatamente, Chris exclamó al más puro estilo del explorador

Shackleton: - ¡De acuerdo! ¡Vamos hasta la siguiente cima!- Resultó muy divertido.

Subimos tanto como nos lo permitieron los límites de seguridad de Fortress Mountain,

pero para Chris era algo importante porque quería un espectacular telón de fondo en

medio de la naturaleza.” Varios meses antes de rodar en Fortress Mountain, el equipo de filmación

comenzó a construir una austera estructura de varios niveles que tenía el imponente

aspecto de una fortaleza real. Las extremas temperaturas obstaculizaron el trabajo del

equipo porque: “En cuanto la pintura salía del bote se congelaba por completo,” afirma

Dyas. “Tuvieron que diseñar una especie de refugio temporal que les permitía calentar

una área con un tamaño lo suficientemente grande como para pintarla. Posteriormente

continuaron moviéndola a medida que avanzaban.”

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Debido a los límites impuestos por el emplazamiento, resultó imposible usar

vehículos de construcción convencionales. Sin acceso a la maquinaria pesada, el

equipo tuvo que construir la totalidad de la estructura prácticamente a mano. Además, a

pesar de su aspecto externo, no se utilizó cemento para construir la fortaleza. En su

lugar, se fabricó con madera de abeto sin tratar para garantizar el respeto al

medioambiente. Una vez finalizada la construcción, sólo faltaba una cosa. Thomas relata:

“Aproximadamente una semana antes de partir hacia Canadá para rodar una

gigantesca secuencia con nieve, ésta brillaba por su ausencia. Chris había ideado

algunos planes alternativos en caso de que no dispusiéramos de la cantidad de nieve

adecuada, pero nada hubiera sido tan espectacular como tener nieve de verdad.

Entonces, unos dos días antes de llegar, comenzó a nevar y todos nos alegramos

mucho. Pero debes tener cuidado con lo que deseas, porque desde ese momento, no

paró un solo minuto.” Además de la nieve, había fuertes rachas de viento que, en ocasiones, creaban

tormentas de nieve. No obstante, los cineastas usaron la atmósfera imperante a su

favor. Pfister afirma: “En condiciones adversas, lo único que puedes hacer es asumirlas,

así que incluimos el paisaje en la fotografía.” Nolan coincide: “Hacía un frío increíble y, con frecuencia, rodábamos en medio

de una ventisca, pero creo que lo que este ambiente aportó a la escena es incalculable.

Rodar en un exterior en condiciones atmosféricas reales añade veracidad a todo lo que

grabas.” Muchas de las secuencias de acción de Calgary se realizaron sobre esquís, lo

que implicaba que los actores tenían que ser capaces de bajar por las pendientes hasta

cierto punto. Tom Hardy recuerda: “Chris me preguntó si sabía esquiar y, durante un

momento, estuve tentado de contestar que sí, como haría cualquier actor en la

situación: - Así que, dime Tom, ¿sabes montar a caballo? ¡Por supuesto! ¿Sabes pilotar

un avión? Sin lugar a dudas. ¿Sabes esquiar? ¡Claro! ¡A nivel profesional!, -“ comenta

entre risas. “Pero esa no fue mi contestación porque sabía que no podía esquiar para

salvar mi vida y que mi mentira se descubriría tan pronto como bajásemos la primera

pendiente.” Nolan afirma: “Tom nunca me dijo que supiera esquiar, pero cuando le pregunté

si sabía esquiar, se produjo esa clase de expresiva pausa en la que te das cuenta de

que alguien está decidiendo si decirte o no la verdad... lo cual tomé por un no. No

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obstante, llegó a Canadá antes que nosotros y recibió clases intensivas. Al final adquirió

bastante destreza, lo cual nos ayudó mucho a la hora de rodar.” Los esquiadores del equipo de acrobacias de Tom Struthers debían ser de nivel

avanzado, así que contrató a algunos de los mejores, incluyendo a dos esquiadores de

la modalidad extreme. Struthers afirma: “Uno de los chicos, Ian McIntosh, se gana la

vida esquiando en avalanchas y saltando cientos de veces desde glaciares. Era

increíble.” Nolan y Pfister también confiaron la filmación de las escenas en pendiente y

campo a través a expertos. El cineasta relata: “Aproximadamente el 85 por ciento de las

escenas rodadas en Calgary se grabaron con cámaras de mano. Yo rodé algunas, pero

sólo esquío a nivel aficionado, así que me costaba aceptar la idea de bajar esas

pendientes, y mucho menos con una cámara en la mano. Contratamos a Chris

Patterson, especializado en fotografía sobre esquís para el cine y la industria

publicitaria. Chris y yo quedamos gratamente sorprendidos cuando vimos lo que podía

hacer con la cámara. Consiguió rodar algunas escenas increíbles. También rodamos algunas escenas asombrosas desde el aire, con ayuda del

piloto de helicóptero Craig Hoskins, y el director de fotografía aérea Hans Bjerno.

Ambos habían trabajado anteriormente con Nolan en Insomnio, Batman Begins y El

caballero oscuro. Pfister afirma: “En medio del viento y la nieve, desafiaron a las duras

condiciones meteorológicas e hicieron un gran trabajo.” Nolan afirma: “Hemos superado un buen número de inclemencias climáticas

extremas, desde el sol abrasador, pasando por la lluvia torrencial hasta increíbles

nevadas, y eso es precisamente lo que buscábamos en esta película. Llevamos a

nuestros actores a la cima de montañas, los sometimos a fuertes lluvias y viajamos por

todo el mundo, y en todas las ocasiones hicieron frente a las dificultades. Soy muy

partidario de salir a cualquier emplazamiento para desafiar al medioambiente, ya que

aporta mucho a la credibilidad de la acción. Y al final del día, creo que esto es una

ventaja a la hora de trasladar al público a lugares en los que no han estado nunca." Leonardo DiCaprio relata: “Para los actores resultaba fascinante experimentar

todo esto por primera vez, al igual que le sucederá al público. Estábamos juntos en este

viaje épico y nos encontramos en un constante estado de descubrimiento y sorpresa.

En mi opinión, ésta es una de las características más apasionantes de la película, es

decir, darse cuenta de que las posibilidades son infinitas y verdaderamente nunca

sabes qué es lo que puede pasar a continuación.”

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COBB

Los sueños parecen reales mientras estamos en ellos.

Sólo nos damos cuenta de que había algo realmente extraño

cuando despertamos.

Tras el frío de Calgary, los cineastas acogieron con satisfacción el cálido clima

de Los Ángeles, donde Nolan se reunió con su antiguo editor, Lee Smith.

Smith afirma: “Chris disfruta el proceso de edición y se muestra muy

contundente al explicar lo que busca. En el proceso, también contribuye a facilitar las

cosas su capacidad para recordar los contenidos de la película, sin importar el tiempo

transcurrido desde el rodaje. Su memoria nunca deja de sorprenderme.” “Me encanta trabajar con Lee en la sala de edición,” afirma Nolan. “Es muy

perfeccionista y le apasionan los pequeños detalles y la tarea de unir todos los trozos de

la película. Además, es increíblemente rápido, lo cual es una gran ventaja para mí, y

posee una capacidad innata para ver una secuencia y sopesar si va a funcionar con el

público." “En una película como Origen hay tanto metraje en bruto que necesito confiar en

mi instinto para determinar lo que resulta válido," afirma Smith. “Suelo confiar en mi

primer instinto, ya que, en mi opinión, cuanto menos analizamos algo, es más probable

que lleguemos al corazón de la historia." En su tercera colaboración con Nolan, el compositor Hans Zimmer usó la música

para llegar al alma de Origen. Zimmer señala: “Siempre traté de centrarme en el mundo

emocional de la película porque, aunque la historia se cuenta a través de

impresionantes efectos visuales, en mi opinión se trata de uno de los puntos fuertes del

argumento." Nolan afirma: “Siempre le digo a Hans que se inspire en las imágenes, pero

también me gusta saber qué dirección tomaría su imaginación al interpretar las ideas

del guión. Basándonos en ese, comenzamos a encontrar interesantes puntos de

sincronización entre la película y la música.” Zimmer afirma que sus primeras conversaciones con el director trataron acerca

de los arreglos y la instrumentación. “Ambos queríamos grandes ondas sonoras, lo que

requeriría más metales bronce que cuerdas, así que reuní un gran departamento de

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bronces. Los grabamos de forma independiente porque, de lo contrario, las cuerdas

habrían quedado sumergidas por el ensordecedor sonido,” sonríe. Uno de los instrumentos de cuerda que Zimmer destacó fue la guitarra del

legendario músico Johnny Marr, guitarrista de la mítica banda The Smiths. Zimmer

reconoce: “La idea de incluir una guitarra a la banda sonora puede resultar un tanto

complicada, ya que este instrumento no siempre se fusiona bien con la orquesta. Pero

seguía pensando en Johnny Marr, que ha influido en toda una generación de

guitarristas. Lo magnífico fue que, cuando Johnny comenzó a tocar las primeras notas,

fue exactamente como me lo había imaginado... solo que mejor. Y eso es lo que cabe

esperar de un gran artista.” Otra gran artista a la que tenemos la oportunidad de escuchar en Origen es

Edith Piaf, cuya voz, según afirma Zimmer: “se escucha detrás de la banda sonora.” “Me

encanta que Chris incluyera a Edith Piaf en el guión, ya que su voz posee una cualidad

romántica intemporal.” Nolan señala: “Una de las primeras decisiones que tuve que tomar estaba

relacionada con el uso de la canción de Edith Piaf. Debido a la naturaleza de su lugar

en la historia, ¿debía confiar la tarea al departamento de sonido a o Hans? Decidí

asignárselo a Hans, ya que la canción tendría que integrarse en la banda sonora en un

momento concreto, y él es un genio mezclando música y sonido, es decir, encontrando

el equilibrio entre los instrumentos, los sintetizadores, las voces y los efectos de sonido.

Resultó muy emocionante.” “El objetivo es crear todo un mundo acústico para la película,” añade Zimmer.

“Los instrumentos deben integrarse en los efectos de sonido y viceversa.” “Hay escenas en la película en las que la banda sonora y el diseño de sonido

son literalmente indistinguibles,” afirma Nolan. “De esta forma, consigues algo que

conecta las diferentes capas de la realidad entre el despertar y el sueño que se

presentan en la película.” Emma Thomas reflexiona: “Trabajar en esta película me ha hecho cambiar en

gran medida mi opinión sobre los sueños y, definitivamente, me ha hecho preguntarme

qué estoy soñando y cómo se relacionan mis sueños con mi vida real.”

Nolan concluye: “Una vez que comienzas a examinar lo que puede significar la

experiencia de los sueños, haces que la gente se plantee sus propios sueños y lo que

los mismos pueden revelar. Plantea interesantes preguntas acerca de cómo evaluamos

la naturaleza de nuestra realidad.”

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