Tema 1 Introducción al arte

TEMA 1 Los agentes

del mercado del arte

Introducirse en el Mercado del Arte

Introducirse en el Mercado del Arte – Tema 1

Espacio Plano B // 2015 /2/

ÍNDICE TEMA 1 1. EL MERCADO DEL ARTE [pág. 3]

1.1. ¿Qué es? [pág. 3] 1.2. ¿Quiénes son? [pág. 3] 1.3. Breve evolución del mercado [pág. 3]

2. EL MARCHANTE [pág. 7]

2.1. ¿Cuáles son las principales diferencias con un galerista? [pág. 7] 2.2. El marchante virtual [pág. 7]

3. EL CONSULTOR DE ARTE [pág. 7] 4. EL MERCADO SECUNDARIO [pag. 8]

4.1. Las casas de subastas [pág. 9] 5. LOS COLECCIONISTAS [pág. 10]

5.1. Perfiles [pág. 10] 5. 2. Motivaciones de compra [pág. 12]

6. FERIAS DE ARTE [pág. 12]

6.1. Orígenes [pág. 12] 6.2. Principales ferias internacionales [pág. 13] 6.3. Costes de participación [pág. 15]

7. LOS CRÍTICOS DE ARTE [pág. 16]

7.1. Revistas especializadas en arte contemporáneo [pág. 17] NOTA ACLARATORIA INICIAL:

A lo largo del curso, como el título indica, vamos a hablar de cómo

introducirse en el mercado del arte, la calidad del trabajo de un artista no es

inferior por no estar dentro del mercado, ni superior por trabajar con varias

galerías. Vamos a profundizar en cuáles son los mecanismos habituales de

entrada, cada uno decidirá si quiere entrar o cuanto menos intentarlo y quiénes

decidirán seguir produciendo al margen del mercado.

Por tanto el mercado no decide quién es mejor o peor artista, sino qué

piezas/obras de los artistas son vendibles en el mercado actual, tal y como

funciona en el presente, esto tendría también muchos matices.



1. EL MERCADO DEL ARTE

1.1. ¿Qué es?

Una definición que nos puede servir sería:

El mercado del arte es el conjunto de agentes individuales e instituciones

que se dedican a la explotación comercial del arte.

1.2. ¿Quiénes son?

Los principales agentes, iremos desarrollando el trabajo de cada uno, son:

- Consultor de arte

- Casas de subastas/mercado secundario

- Coleccionistas

- Ferias de arte

- Marchantes

- Instituciones

- Entidades privadas [bancos, fundaciones…]

- Galerías de arte

1.3. Breve evolución del mercado

La realización de encargos directos a un artista/artesano por parte del

cliente era la fórmula habitual de comercialización del arte. Así en la Antigua

Grecia, el artesano no producía de una manera libre, sino que existía un

encargo directo del cliente que no solamente escogía el objeto [vasija, vaso,

jarras, platos…] sino que en la mayoría de los casos elegía los motivos

decorativos del mismo [colores, formas…]. Habrá que esperar hasta el siglo XV

para encontrar una distinción clara entre artesano y artista.



El prestigio del artista llegó con el Renacimiento italiano, gracias a los

encargos de la Iglesia y al mecenazgo de la realeza y el resto de la nobleza.

Los artistas salen del anonimato de los gremios y de los talleres de artesanos,

comienzan a ganar relevancia individual, se convierten en maestros, son

considerados como trabajadores intelectuales, cada vez mejor pagados…

Aparecen los pintores de la Corte a sueldo de los reyes que no solamente

trabajan para ellos, sino que aconsejan qué otras piezas de qué otros artistas

deben adquirir, así estos artistas se convierten en los primeros marchantes,

aconsejando la compra de obras de terceros.

Los aristócratas renacentistas pusieron en auge la colección de

antigüedades, objetos provenientes de la arqueología, nacieron los anticuarios

modernos… Todas estas compras tenían una finalidad: que sus gabinetes,

dónde trabajaban y recibían a diversas personalidades destacaran del resto

gracias a piezas difíciles de conseguir, extravagantes, de alto valor económico,

se pasa de la contemplación casi piadosa de las obras de arte a una

contemplación algo más sensorial e intelectual.

¿Pensáis que en la actualidad la motivación de compra sigue siendo tener

algo exclusivo, extravagante a un alto precio?

La respuesta es sí, muchos coleccionistas basan sus compras en la

obtención de cierto estatus social gracias a ellas y lo único, lo exclusivo, lo que

no tiene nadie más sigue siendo una regla prioritaria dentro del mercado del

arte y lo que provoca, en muchas ocasiones, los elevados precios de las

piezas.

Durante el siglo XV las ciudades con mercado artísticos más activos eran

Venecia, Florencia y Roma, se comienzan a aplicar normas para tener un

control sobre dicho mercado, como la fijación de unos espacios y la prohibición

de otros para realizar las ventas y así tener un mayor control fiscal sobre las



transacciones. En el siglo XVI Amberes es el centro mundial del arte con más

de 300 pintores y grabadores.

En Amberes, surge una iniciativa interesante: la creación de un mercado

estable de artistas en una de las plantas de la Bolsa de la ciudad, donde se

producía la venta directa por parte de los artistas. Imaginaos que el

ayuntamiento dónde vivís decide poner en marcha esta iniciativa, crear un

mercado de artistas, en principio es una idea estupenda, ¿pero cuál es el

problema para el artista?

El principal problema es que el mismo artista tiene que estar atendiendo su

espacio en este mercado y le quedaría poco tiempo para la producción, si cada

vez tiene más clientes más horas le tendrá que dedicar a la producción y

menos al puesto del mercado con lo cual tendrá que contratar a alguien que

venda sus piezas, este pasaría a ser su marchante. Pues a pequeña escala y

simplificando este sería el funcionamiento del mercado del arte, el artista no

puede hacerse cargo de las tareas de producción y venta por ello necesita de

un intermediario [galerista o marchante], después todo se complicará con la

aparición de muchos más agentes.

En el mercado de Amberes, y en otros muchos que surgieron, se producía

algo que ya se ha perdido, el contacto directo entre los artistas y los

compradores, podían charlar, comentar, el artista obtenía mucha información

de esos “coleccionistas” e iba adaptando su obra a la demanda. ¿Creéis que

esto ocurre a la actualidad, que el artista adapta su producción a las demandas

de los coleccionistas?

En principio tendemos a pensar que no debe ser así, que el artista debe ser

autónomo en su creación, seguir su libre albedrío y centrar su producción en lo

que él cree conveniente, pero en muchos casos, sobre todo en el caso de

artistas que están medidos en el mercado y viviendo de él, la adaptación de las

obras a los clientes es muy grande. Imagínate que te representan 3 galerías,

alguna internacional, y que a mitad de una de tus exposiciones individuales se



venden todas las piezas, evidentemente el galerista te va a presionar para que

produzcas más piezas semejantes a las expuestas para seguir vendiendo y

también al artista le suele interesar porque son ingresos.

Además cuando un artista se asienta en el mercado los coleccionistas

quieren piezas reconocibles de ese autor, por lo tanto el artista sigue

produciendo piezas con una temática y estética muy similares, entre otras

cosas, para asegurarse las ventas. Podemos decir que el éxito en el mercado

condiciona la producción de la otra.

Imaginaos que ese artista tiene ya un amplio recorrido en el mercado, lo

lógico es que un museo de arte contemporáneo tenga interés en realizarle una

exposición individual y no le van a solicitar piezas que rompan totalmente con

su estilo sino piezas representativas de todo su trabajo. Hablando con varios

artistas muchos se encuentran atrapados en su producción, pero siempre les

contesto que si han conseguido vivir de su trabajo quizás el mal es menor.

Siguiendo con la evolución del mercado llegamos al siglo XIX y la aparición

de los Salones de París, el centro del arte de la época, tanto los oficiales como

los de los rechazados [de aquí nacieron las principales corrientes de finales del

XIX y principios del XX]. Se popularizó la práctica de exponer al público el

trabajo de los artistas y someterlo a la crítica de arte.

Terminados los salones, los posibles compradores visitaban los

estudios/talleres de los artistas para adquirir las piezas que les habían

interesado. ¿Qué ocurría aquí?, lo que hemos comentado antes que los

coleccionistas “molestaban” a los artistas, no les dejaban trabajar, ocupaban

gran parte de su tiempo en culminar la venta… de ahí la necesidad de la

aparición del marchante.



2. EL MARCHANTE

Definición: comerciante privado de arte

2.1. ¿Cuáles son las principales diferencias con un galerista?

- El galerista tiene un espacio físico habitual donde realizar las

exposiciones y las ventas y el marchante no tiene ese espacio, o bien

realiza la venta directa en la casa/oficina/local del comprador o busca

espacios donde realizar dichas exposiciones

- Un galerista además de marchante es un comisario de arte en su propio

espacio

2.2. El marchante virtual

Con la llegada de Internet aparecieron varios marchantes que

comercializaban sus piezas a través de este medio, también con la llegada de

la crisis muchas galerías se han cerrado y han cambiado su modelo de negocio

vendiendo ahora a través de una plataforma digital.

El problema de este modelo es que para que un comprador se decida

tiene que ver físicamente la pieza y a través de Internet esto es imposible, de

ahí que las ventas de arte a través de esta herramienta únicamente se realicen

de artistas muy consagrados, ya que lo importante no es tener tal o cual pieza

de Tàpies, sino tener un Tàpies como valor seguro.

3. EL CONSULTOR DE ARTE

Su principal tarea es aconsejar al comprador, qué piezas le convienen

para su colección tanto a nivel artístico como de inversión, cómo comenzar una



colección, también se pueden encargar de la catalogación, restauración y

conservación de colecciones tanto públicas como privadas, realizan labores de

tasación y transacciones de compras y ventas.

Con la crisis han puesto especial énfasis en la difusión de colecciones

privadas. Como muchos museos, fundaciones, centros culturales… han visto

mermado su presupuesto, han anulado o han disminuido el número de

exposiciones de producción propia, es decir, aquellas que organizan ellos

desde el principio con los elevados costes que esto supone. Una fórmula más

económica es exponer parte de colecciones privadas que bien los

coleccionistas ceden temporalmente o cobran un alquiler [aún así sale más

barato que montar una exposición propia]. Los encargados de realizar de

puente entre las colecciones privadas y los museos en muchas ocasiones son

estas consultorías de arte que cobran una cantidad por este trabajo.

4. EL MERCADO SECUNDARIO

El mercado secundario no es otra cosa que la reventa de la obras, bien

entre particulares bien a través de una casa de subastas.

El mercado secundario puede acabar con la carrera de un artista, ¿por

qué?. Imaginaros que un coleccionista tiene 20 piezas vuestras y se quiere

deshacer de ellas porque necesita ese dinero, lo primero que ocurrirá es que

saturará vuestro mercado, es decir, si sigues en activo y tienes varias

exposiciones al año, tú y tus galeristas decidís el número de piezas que hay en

el mercado para regular la oferta y la demanda, si se inyectan 20 piezas más

que no esperabais en ese mercado quizás os quedéis sin coleccionistas para

las próximas exposiciones porque ya tendrán una pieza vuestra y quizás más

barata, porque si se quiere deshacer de ellas rebajará su coste.

Además el mensaje que se da al mercado es muy negativo, si alguien se

quiere quitar de encima tus piezas, el resto de coleccionista se plantearán, ¿por



qué las vende?, ¿quizás es que no se revalorizarán?, o ¿por qué ha dejado de

apostar por este artista?...

Lo que se debería hacer, aunque no está regulado en ninguna parte, es

que si un coleccionista quiere vender una pieza, primero debería ponerse en

contacto con el galerista y tratar de que el galerista compre esa pieza para

después ponerla de nuevo a la venta de una forma controlada. Pocas veces se

hace esto, cuando la venta es entre particulares, ni el galerista ni el artista se

enteran de esta circunstancia y lo que es todavía peor, por esta reventa el autor

no percibe ninguna cantidad económica, los derechos se saltan y es como si se

vendiera un coche entre particulares.

Si se quiere cumplir con la legalidad, la Secretaría de Cultura [a

septiembre de 2014] estipula que se produce esta reventa, el artista debería

recibir un 3% de la cantidad de venta, siempre que la pieza tenga un valor

mayor de 3.000€, un 1,5% saldría del vendedor y un 1,5% del comprador. Para

mí un porcentaje escasísimo, casi ridículo e insultante.

4.1. Las casas de subastas

Realizan una venta organizada de un objeto de arte o un lote de objetos,

generalmente tiene un carácter público, con una fecha y hora fijada y las piezas

son conocidas a priori por los posibles compradores. Deben autentificar las

obras y comprobar la propiedad de las mismas. El que pague una mayor

cantidad, haga una mayor puja, se queda con el objeto a subasta.

Se utilizan generalmente dos sistemas:

- Puja a brazo alzado, la que hemos visto en las películas

- Sobre cerrado. Se habilita una urna, en un sobre se escriben los datos

del comprador y lo que puja. Al finalizar se abren todos los sobres y

quien haya realizado la mayor puja se queda con el objeto subastado.



Las dos casas de subastas más importantes a nivel internacional son:

- Sotheby’s. Fundada en 1744 en Reino Unido con la subasta de un

amplio lote de libros propiedad del fundador. Desde 1804 dedicada a las

Bellas Artes. En 2013 tuvo un volumen de negocios de 127 millones de

dólares.

- Christie’s. Fundada en 1766 en Londres. Dedicada a las Bellas Artes y

objetos decorativos. Posee 53 oficinas en 32 países.

5. LOS COLECCIONISTAS

5.1. Perfiles

Según un estudio de la revista Artemanía, realizadas más de 100

entrevistas a galeristas, estos son los perfiles más habituales de coleccionistas:

- El de toda la vida:

o Hombre

o Mayor de 60 años

o Altos ingresos económicos

o Generalmente el gusto por el arte le viene de tradición familiar

o Gustos muy definidos

o Buscador de piezas concretas que aporten valor a su colección

o Fiel a sus galeristas

o Colección amplia

- El entendido:

o Alto nivel cultural, altos conocimientos de Arte

o Alrededor de 45 años

o No siempre va ligado a un alto poder adquisitivo



o Más centrado en los artistas que en las piezas

o Conoce la trayectoria de los artistas en algunas ocasiones mejor

que sus propios galeristas

o Compra en ferias, galerías, pero sobre todo directamente al

artista

o Colección reducida, piezas seleccionadas con mucha

minuciosidad

- El neófito:

o De 25 a 45 años

o Piezas de un valor medio-bajo

o Apasionado por la primera compra

o Deseo de tener algo único

o Aconsejado completamente por el galerista

o Variedad de gustos y soportes

- El profesional de éxito:

o De 30 a 50 años

o Abogados, arquitectos, notarios, médicos…

o Compras de forma puntual, no pretende tener una colección

o Compra como regalo o para decorar su despacho

o No es un entendido, aconsejado por el galerista

o Se deja guiar por un gusto personal [me gusta o no me gusta, sin

más pretensiones]

En España, donde no hay un gran tradición de colección de arte, la

mayoría de las galerías en su día a día viven de las compras de los

profesionales de éxito, por ello a un nuevo galerista siempre se le aconseja que

realice un listado exhaustivo de estos profesionales de la ciudad y que realice

inauguraciones exclusivas para ellos, que se ponga en contacto con sus

colegios profesionales, etc.



5. 2. Motivaciones de compra

Podemos indicar tres principalmente:

- Por mero placer estético, esa pieza les gusta y creen que quedará bien

en su casa y así poder contemplarla diariamente.

- Incorporación a una colección. Generalmente no tienen la necesidad de

mostrar las piezas en casa, muchas están embaladas en un almacén o

una habitación, no tiene intención de revender. El placer de ser

coleccionista.

- Como inversión. Realiza la compra esperando que con el paso de los

años esa pieza se revalorice, poder venderla y obtener un beneficio.

6. FERIAS DE ARTE

Más que un agente es una herramienta creada por los agentes para

concentrar las ventas en un lugar y tiempo determinados.

Definición: reunión de varias galerías en un mismo espacio y tiempo

para exponer y vender obras de arte

Son un punto de encuentro entre los coleccionistas de una zona, ciudad,

país… y galerías de procedencia diversa. Formato pensado para que el

coleccionista vea en pocos días a muchos artistas, sus piezas, visite un gran

número de galerías y realice sus compras, todo ello en un único espacio. Hay

muchas galerías que salvan sus ejercicios económicos gracias a acudir a este

tipo de encuentros, puede incluso que la existencia de su espacio fijo sea una

estrategia para acudir a ferias ya que la mayoría solicitan este requisito, tener

un establecimiento abierto al público de manera gratuita un número de días y

de horas a la semana.



6.1. Orígenes

Las ferias como herramienta comercial surgen en la Baja Edad Media en

la Europa Occidental, consistían en la reunión de una serie de mercaderes en

una localidad estratégica por su ubicación, en una zona de paso, con una

periodicidad anual, generalmente coincidiendo con la fiesta local más

importante. Supusieron los inicios del capitalismo comercial con la fijación de

precios comunes, el pago aplazado, cambios de moneda… Las más populares

fueron las Ferias de Champagne [S. XII – XIV].

Los antecedentes más ligados con el arte fueron las ferias de objetos

artísticos e invenciones organizadas por la Sociedad de las Artes en Reino

Unido a partir de 1760. Había un pabellón dedicado a las “invenciones” que

eran como llamaban a las primeras máquinas industriales y una nave más

pequeña con exposiciones de arte dedicada a las mujeres, mientras los

hombres se dedicaban a los negocios, sus esposas se deleitaban con el arte,

esa era la triste intención de ese pabellón.

En 1837 el Instituto de Mecánica del mismo país organiza la primera

Feria de Arte e Industria, donde están al mismo nivel las obras de arte y las

máquinas, destinadas ya no tanto al deleite o entretenimiento sino a la

comercialización.

En 1895 encontramos el antecedente más directamente ligado con las

ferias actuales de arte, es la Bienal de Venecia. Desde 1910 adoptó la

estructura que mantiene hasta la actualidad: una inmensa muestra de

proyectos de comisariado divididos por países, cada país presenta su

propuesta y ocupa un espacio/edificio/pabellón. No está enfocada a la venta,

sino a la promoción de los artistas y comisarios de los diferentes países.

Esta bienal es muy criticada en cada nueva edición porque en un mundo

tan globalizado pierde sentido la división por países y porque se ha convertido



en un gran escaparate turístico para los países participantes dejando de lado la

promoción artística.

6.2. Principales ferias internacionales

ART BASEL

Junio – Basilea, Suiza

- 43 ediciones

- Más de 300 galerías participantes

- Alrededor de 2.500 artistas

- Participan galerías de 35 países

- Consideradas “Las Olimpiadas del mundo del arte”

- La más grande del mundo en cuanto a participación y visitantes

- 62.500 visitantes en 2013

- Edición Miami desde 2002

- Hong Kong en 2012

THE ARMORY SHOW

Marzo – Nueva York

- Comenzó en 1994 en las habitaciones de un hotel

- En 1999 pasó a su sede actual, un antiguo cuartel militar

- 52.000 visitantes

- 85 millones de euros en ventas en 2013

- Dividido en arte moderno / arte contemporáneo

- 222 galerías

MACO

Abril – México DF

- 90 galerías

- 30.000 visitantes

- Nace en 2004



ARCO

Febrero – Madrid

- 55.000 visitantes

- 3.000 obras en 2011

- Nace en 1982

- 160 galerías

- 30 países

Sin duda, la mejor forma de conocer como funciona el mercado del arte

es tener la oportunidad de acudir con una galería a una feria, ya que verás todo

el proceso en apenas cinco días, desde el transporte, montaje, relaciones con

los diferentes agentes, ventas…

6.3. Costes de participación

A modo anecdótico os indico cuáles son los costes de participación en

una feria para una galería.

ARCO

Cuota de inscripción: 300 euros

Stand: 350 euros/metro x 40 metros/mínimo = 14.000 euros

Inserción obligatoria catálogo = 1.300 euros

TOTAL: 15.600 euros/mínimo

SWAB BARCELONA

9 ediciones

41 galerías

Cuota de inscripción: 150 euros

Stand: 4.500 euros / 25 metros

A lo que habría que añadirle los costes de transporte y seguro de las

piezas, transporte, alojamiento y manutención de los galeristas durante los días

de la feria.



IMPORTANTE: si una galería se pone en contacto contigo para decirte

que va a participar en tal feria, que desea llevar algunas de tus piezas y para

ello te pide una cantidad económica, lo más seguro es que sea un timo o una

feria de bajo impacto dentro del mercado del arte. Es la galería de arte la que

debe correr con todos los gastos de participación y a cambio se llevará un

porcentaje de las ventas, el artista NUNCA debe hacerse cargo de esto, salvo

que sea una feria para artistas sin participación de galerías sino directamente

de artistas, o en las que puedan participar colectivos de artistas, ahí lo artistas

actúan como sus propios galeristas.

7. LOS CRÍTICOS DE ARTE

Sobre este asunto apenas dejar unas cuantas notas y algunas

reflexiones. En la actualidad la crítica de arte ha perdido muchísimo peso en el

mercado, no es tan determinante como hace unas cuantas décadas, esto se

debe a diferentes factores:

- Prácticamente la crítica ha desaparecido. Los medios tanto generalistas

como especializados se deben a la publicidad que en su inmensa

mayoría viene de instituciones públicas con programación expositiva, si

el crítico tira por tierra el trabajo de alguna de estas instituciones es muy

probable que esa institución debe de invertir en publicidad en ese medio.

Se hace información pero poca crítica.

- Pocas tribunas para hacer crítica en medios escritos

- Multiplicación de opiniones/críticas a través de blogs, redes sociales…

con lo cual no hay una crítica predominante y que decida

- Enredados en un lenguaje incomprensible, quizás uno de los factores

más decisivos para que la crítica haya quedado relegada es el lenguaje



críptico en el que se ha enredado durante décadas, que ha apartado a

otros agentes de la lectura de estos textos, principalmente a los

coleccionistas.

Muchos apuntan que el mercado ha sustituido a la crítica, es decir, que

lo que se vende es bueno y lo que no se vende es malo. Podríamos estar horas

discutiendo sobre esta postura, mi opinión es que es muy injusta, la suelo

cambiar por el que trabaja incansablemente y confía en su producción acaba

llegando al mercado y el que sigue trabajando se asienta en el mismo.

7.1. Revistas especializadas en arte contemporáneo

Es interesante, prácticamente fundamental leer una o varias de estas

revistas, para ver por donde va el mercado del arte, cuales son las temáticas

‘de moda’ a nivel nacional e internacional, conocer la actualidad del arte

contemporáneo…

Exit Express

- Mensual

- Tirada de 15.000 ejemplares

- La mitad de la revista diversos temas en

profundidad y la otra mitad reseñas de

exposiciones nacionales e internacionales



Lápiz

- Bimensual

- Mitad entrevistas, diversos temas y mitad

reseñas exposiciones

ARTECONTEXTO

- Trimestral

- La mitad es un monográfico sobre un tema

concreto y el resto reseñas

ARTE Y PARTE

- Bimensual

- Mitad diversos temas, mitad reseñas

Otras publicaciones

- Bonart

- Dardo Magazine

- Matador

- Numen

Suplementos culturales - ABC Cultural [es el más leído entre los

agentes del mercado del arte por su volumen

y los críticos que escriben]

- El Cultural de El Mundo [también referencia



dentro del mercado]

- Babelia de El País [poca relevancia por las

poquísimas páginas que dedica al arte]

Ejercicios Tema 1 Actividad 1: ‘¿Por qué hablamos de mercado cuando queremos decir arte?’ Foro Tema 1: Bienvenida/Presentación Foro discusión: ¿Cuáles son las dificultades para entrar en el mercado?

Tema 1 Introducción al arte

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