UNIDAD 8 EL ARTE GÓTICO

LA ARQUITECTURA: CARACTERÍSTICAS GENERALES Y EVOLUCIÓN

El término “arte gótico” alude al conjunto de manifestaciones artísticas producidas dentro del marco de la cultura occidental entre mediados del siglo XII y principios del XVI

CONCEPTO

LOCALIZACIÓN

CRONOLOGÍA

Gótico inicial: etapa de formación que comprende la segunda mitad del siglo XII. Gótico pleno: etapa de expansión del estilo durante los siglos XIII y XIV. Gótico final: etapa de máxima complicación del estilo y declive. Siglos XV y principios del XVI.

MARCO HISTÓRICO Y SOCIAL

1. CATEDRALES

Elementos formales

MODELO DE PLANTA GÓTICO

Transepto marcado

Cabecera muy desarrollada o “hipertrofiada”

Tipos de arco

BÓVEDA DE CRUCERÍA

SOPORTES - PILAR GÓTICO

SOPORTES EXTERIORES- ARBOTANTES

Basílica de la Asunción de Nuestra Señora de Lequeitio (Vizcaya

ARBOTANTES

ESTRIBO

PINÁCULOS

PREDOMINIO DE VANO SOBRE EL MURO

ESQUEMA GENERAL

Pináculo

Arbotante

Pilar

Bóveda de crucería - Plemento

Arco apuntado

Tribuna

Claristorio

Nervios

Estribo - contrafuerte

FACHADA

ROSETÓN

Catedral de Burgos Notre Dame de París

TIPOLOGÍA DE TORRES

Catedral de Siena

Torre de tribuna Torre con pináculo en forma de flecha

Torre de galería

FRANCIA

PROTOGÓTICO

ABADÍA DE SAINT DENIS

Cabecera de Saint Denis

NOTRE DAME DE PARÍS

Planta Notre Dame

Identificar

GÓTICO PLENO

CATEDRAL DE CHARTRES

IDENTIFICAR

CATEDRAL DE REIMS

CATEDRAL DE AMIENS

SAINTE CHAPELLE

2. LONJAS Y AYUNTAMIENTOS

AYUNTAMIENTOS

Ayuntamiento de Bruselas

La estructura suele ser común a todos ellos: un magno edificio de varios pisos de altura, siendo la planta baja de carácter porticado con el objeto de servir como lugar de realización del mercado, una fachada larga y un torre campanario para advertir a la ciudadanía de algún peligro. En lo alto de la torre se encuentra la estatua dorada de cinco metros del arcángel Miguel, patrón de la ciudad, que lo representa, matando a un dragón o diablo. La fachada se encuentra decorada con numerosas estatuas que representan a nobles, santos y figuras de carácter alegórico.

Ayuntamiento de Lovaina

El Ayuntamiento de Lovaina, Bélgica, frente a la monumental Iglesia de San Pedro. El Ayuntamiento presenta una fachada de tres pisos, revestidas con ventanas góticas. Por encima se levanta un tejado empinado tachonado con cuatro niveles de buhardillas. En los ángulos del tejado se levantan seis torreones octogonales rematados por chapiteles calados que permiten el paso de la luz. Por toda la fachada se distribuyen multitud de estatuas en nichos con dosel. Las ménsulas que soportan las estatuas están talladas con escenas de la Biblia. Si bien los nichos y repisas se construyeron con el conjunto del edificio, las 236 estatuas datan de 1850. Los situados en la primera planta representan a personajes de importancia en la historia de la ciudad, los de la segunda representan a los santos patrones y figuras simbólicas y los de la tercera, a los condes de Lovaina y duques de Brabante de diversas épocas. La fachada principal tiene una escalinata a la entrada, y dos portales en el centro, encima de los cuales se encuentran las figuras de San Pedro a la izquierda y la Virgen con el Niño a la derecha.

Palazzo Vecchio – Ayunt. Florencia

Logía Lanzi

LONJAS

Lonja de Ypres

Lonja de Brujas

3. LA ARQUITECTURA GÓTICA EN ESPAÑA

PROTOGÓTICO CISTERCIENSE

Monasterio de Fitero

Monasterio de las Huelgas en Burgos

TRANSICIÓN - Catedral de Ávila

Catedral de Lérida

GÓTICO PLENO

Catedral de Cuenca

Catedral de Burgos Fachada de Santa María

Puerta del Sarmental

En el cuerpo inferior se abre la Portada de Santa María, formada por tres arcos apuntados y abocinados que cobijan la Puerta Real, o del

Perdón, el central, y las de la Asunción y la Inmaculada, los laterales. Esta portada era obra del siglo XIII y, con su iconografía dedicada a la

Virgen, estaba considerada como la más importante manifestación escultórica de estilo gótico en Castilla, pero su grave deterioro obligó a

reconstruir austeramente las puertas laterales, en 1663 por Juan de Pobes, y la central, en estilo neoclásico, con vano adintelado y frontón

triangular, en 1790; en los tímpanos de las laterales se colocaron los relieves de la Concepción y la Coronación, salidos de la mano de Juan

de Pobes, y en las enjutas, dos arquillos laterales dobles que cobijan sendas estatuillas.

El segundo cuerpo de la calle central de la fachada es obra del siglo XIII y en el se abre un rosetón de aire cisterciense, con tracería de

estrella de seis puntas, o de sello de Salomón. En el tercer cuerpo de la misma calle se abre una elegante galería, jalonada por sendas

agujas y varios pináculos, y formada por dos grandes ventanales con maineles y tracería de tres óculos cuadrilobulados; bajo los ocho

arquillos que forman los maineles de ambos arcos están colocadas las estatuas de los ocho primeros reyes de Castilla, de Fernando I a

Fernando III. Corona la calle una fina barandilla-crestería de arquillos ojivales sobre la que se alza una estatua de la Virgen con el Niño,

acompañada de la leyenda, alusiva a la Madre de Cristo, Pulchra es et decora. Este remate fue realizado a mediados del siglo XV por Juan

de Colonia

Sobre las puertas laterales del primer cuerpo se alzan dos torres casi gemelas del siglo XIII y de tres cuerpos, con pilastras decoradas con

pináculos y estatuas en sus ángulos, y con decorados vanos ojivales en cada cara de cada cuerpo: uno abocinado con mainel y tracería de

óculo, tapado con vidrieras, en el primero; dos geminados sin mainel y sin tracería, en el segundo; y otros dos geminados con mainel y

tracería, en el tercero.

Sobre estas torres, a mediados del siglo XV, Juan de Colonia elevó sendas agujas o chapiteles piramidales de base octogonal y de finos

calados que configuraron definitivamente la silueta de la seo burgalesa. Su progenie suevo-alemana coincide con el proyecto de la Catedral

de Colonia, que pudo conocer el maestro Juan, si bien las agujas de la ciudad alemana no se realizaron hasta el siglo XIX. Los chapiteles

burgaleses fueron levantados con las aportaciones económicas del obispo Alonso de Cartagena y de su sucesor en la sede, Luis de Acuña,

cuyos blasones, junto con los de la monarquía castellano-leonesa, aparecen en los antepechos que conectan con las cúspides de las torres.

En estos antepechos el maestro Juan dispuso también la leyenda pax vobis y la escultura de Cristo mostrando las huellas de su Pasión, en

uno, y la leyenda ecce agnus dei y una escultura de San Juan Bautista, en el otro.

Jalonan el conjunto de la fachada dos torrecillas poligonales, decoradas con arquillos lobulados, con pináculos y con estatuas y rematadas

en agujas piramidales que ascienden hasta el arranque de las agujas de las torres; en su interior albergan sendas escaleras de caracol que

ascienden al triforio y a las bóvedas de las naves.

Cimborrio del siglo XVI

Catedral de Toledo

Catedral de León

GÓTICO LEVANTINO DEL SIGLO XIV

CARACTERÍSTICAS: – Predominio del muro – Reducción de los ventanales – Reducción de los arbotantes – Plantas de salón – Pilares poligonales – Gruesos muros y capillas entre los contrafuertes

Planta de salón

Palma de Mallorca

Catedral de Barcelona

Santa María del Mar

Catedral de Gerona

Catedral de Palma de Mallorca

ESCULTURA GÓTICA

RESUMEN DE EJEMPLOS MÁS SIGNIFICATIVOS

PORTADA DE AMIENS

Composición La portada de la catedral de Amiens aparece estructurada por los siguientes elementos

Dios - Cristo en el parteluz. Es una de las imágenes más bellas de Cristo; conocido como el “Bello Dios” (“Beau Dieu”) de Amiens. Está bendiciendo con la mano derecha y con la izquierda sostiene los Evangelios. Tiene a sus pies un león, símbolo del Anticristo, un dragón símbolo del diablo, un áspid símbolo del pecado y un basilisco símbolo de la muerte. Bajo su figura, al pie del pilar, la imagen de rey Salomón

Jambas

Aparecen los Apóstoles y Santos mostrando los símbolos de su martirio

Tímpano

La puerta central de Amiens está dedicada al Juicio Final. Es de la primera mitad del siglo XIII. El tímpano se divide en 4 registros. En el superior, los ángeles llaman con sus trompetas al Juicio Final, el siguiente es ocupado por Cristo varón de dolores mostrando las heridas de las manos, acompañado de la Virgen y San Juan suplicantes por las almas y ángeles que portan los instrumentos de la Pasión. Más abajo, las almas de los bienaventurados, vestidos, que van al cielo, y a la izquierda, desnudos los condenados. En el registro del dintel, el arcángel San Miguel pesa las almas y aparece a la diestra la Gloria y a loa siniestra el infierno. Las arquivoltas están decoradas con figuras de ángeles que siguen la línea de la arquivolta.

BURGOS – PUERTA DEL SARMENTAL

La puerta empezó a ser construida en 1240 y luego sufrió añadidos. En el tímpano aparece la representación del Pantocrator. La figura es aún hierática, pero se asemeja al Beau Dieu de Amiens, lo que nos indica las influencias francesas en la catedral de Burgos. El Pantocrator muestra la Biblia y está rodeado del Tetramorfos, que a su vez se acompaña por la representación naturalista de los propios evangelistas como hombres del siglo XIII que escriben en sus pupitres. En las arquivoltas se representan los 24 ancianos y coros angélicos. En el dintel se representan los apóstoles sentados, tratados de un modo muy naturalista. Dialogan entre sí, se rompe la frontalidad y se busca el movimiento y la expresión. En el parteluz el obispo Mauricio o San Indalecio, fundador de la diócesis de Burgos. Se remata con la representación del cordero como alusión al Cristo-Hombre. En las jambas se encuentran esculpidas seis figuras, posteriores al resto de la portada, cuatro de las cuales representan a Moisés, Aarón, San Pedro y San Pablo; las otras dos no han sido identificadas con seguridad (así que ni las nombréis)

VIRGEN BLANCA DE LEÓN

La Virgen Blanca aparece en el parteluz de la Puerta del Juicio Final de la Catedral de León, y el conjunto data del siglo XIII. Es un ejemplo de Virgen humanizada con el niño en brazos. Los rasgos de las vírgenes francesas, que recordaban más a doncellas, se ha convertido en una joven castellana, de expresión franca, serena, acompañada de un niño jovial (así como gracioso “mía qué mono”) Aunque no se miren, la humanización viene de los rostros sonrientes de ambos y del giro del niño hacia la madre. El grupo es menos hierático que las vírgenes románicas. La mirada cordial de la virgen nos acerca a los ideales protohumanistas de la escultura gótica. Desde 1956 la pieza original se guarda en el interior del templo, y una reproducción exacta realizada por el escultor Andrés Seoane, ocupa su lugar.

DONCEL DE SIGÜENZA

Finales del siglo XV

"Aquí yace Martín Vázquez de Arce, caballero de la Orden de Santiago, que mataron los moros...".

La tumba, situada en una de las capillas funerarias de la catedral de Sigüenza, se dispone bajo un arco de medio punto abierto en la pared (arco solio), con decoraciones vegetales y de festones (la combinación de arco de medio punto, típico del Renacimiento, y las decoraciones góticas, nos habla de un momento de transición en el arte español) en cuya parte superior hallamos pinturas que muestran escenas de la pasión de Jesús, mientras que en los laterales aparecen esculturillas de los apóstoles Santiago y San Andrés, patronos del linaje. Más abajo, una decoración de grutescos enmarca la lápida funeraria con el texto: "Aquí yace Martín Vázquez de Arce, caballero de la Orden de Santiago, que mataron los moros...“ La sepultura en sí misma consta de dos elementos, realizados ambos en alabastro. El inferior es un sarcófago sostenido por tres esculturillas de leones y en cuyo centro dos jóvenes pajes nos muestran el escudo de armas del infortunado joven. El segundo elemento, y principal, es la estatua funeraria del fallecido, a quien no se representa yacente, sino recostado sobre una bala de heno que viene a simbolizar aquí la fugacidad de la vida y el tiempo, algo relacionado con la propia muerte del doncel, y con el antagonismo entre la vida y la muerte. En el pecho lleva la cruz de la Orden de Santiago pintada en rojo y de su cinto pende una larga daga. A los pies encontramos otras dos figuras: un león (que vendría a simbolizar la resurrección y la valentía, la lealtad de un guerrero) y otro paje, apoyado sobre el casco, en este caso en actitud doliente, una clara alusión al propio dolor de la familia ante la muerte del joven guerrero, pero también alusión al carácter de noble que puede tener un sirviente. Se ha afirmado también que el hecho de que la estatua presente las piernas cruzadas es una referencia a su carácter de cruzado que muere guerreando contra los enemigos de la fe cristiana. Lo que individualiza a este doncel es que en sus manos muestra un libro abierto que a primera vista vendría a casar mal con su indumentaria militar. Esta combinación es la que resulta interesante, y viene a hablar de un soldado de formación humanística. En realidad, estamos ya ante una característica más propia del Renacimiento que de la época gótica, con su ideal de combinación de armas y letras en la figura del cortesano, aun en este caso, fallecido de manera prematura. El libro, en definitiva viene a reafirmar el carácter de nobleza del doncel, pues son pocos los que en el siglo XV pueden acceder a la lectura.

PINTURA GÓTICA. GIOTTO Y LOS PRIMITIVOS

FLAMENCOS

RESUMEN DE EJEMPLOS MÁS SIGNIFICATIVOS

2. PINTURA GÓTICA

Donación de la capa - Giotto

Comentario (Identificación) La imagen presenta la obra conocida como la “Donación de la capa” del Giotto.

Cronológicamente se sitúa a finales del siglo XIII (Giotto terminó de pintar la Basílica de San Francisco de Asís en 1299) aunque se puede enmarcar en el Trecento italiano. Se trata de una pintura al fresco sobre las paredes de la Basílica de San Francisco en Asís.

(Análisis) La escena relata el encuentro entre un caballero y San Francisco, al que le donó su capa, siendo éste uno de los primeros acontecimientos en los que el santo se muestra predispuesto para su vida de pobreza posterior. Giotto sitúa la narración en un paisaje, siendo el centro compositivo la cabeza del santo, ya con aureola, que divide los dos mundos entre los que tendrá que elegir. A la izquierda, sobre el macizo rocoso, se sitúan las arquitecturas típicas de una ciudad; en el otro extremo, el edificio de un monasterio. Las líneas de las dos montañas convergen en la cabeza del santo, cuando éste le ofrece su capa a un noble empobrecido.

La zona central del paisaje se presenta vacía, con lo que la acción de San Francisco cobra más fuerza. La rotundidad de los personajes se muestra clara en contraposición al paisaje, pero éste se presenta como un marco bien construido y creíble donde tiene lugar la acción. Su relación con los protagonistas viene dada por las tonalidades de color, con las que Giotto representa las vestimentas de los personajes; ambos elementos están compuestos a base de manchas de colores de la misma gama separadas por la línea que contornea las figuras y el paisaje. Esta separación es un instrumento que hace más obvia la relación de los personajes con el paisaje: el contexto del paisaje hace creíble la escena de la donación.

(Comentario) El conjunto de los frescos de la Basílica de San Francisco de Asís recoge en un total de 28 escenas la vida de San Francisco pintada por el Giotto. Este autor pertenece a la Escuela de Florencia, ejemplo de la transición de la pintura gótica italiana del Trecento hacia los temas humanistas del Quattrocento.

El maestro de Giotto, Cimabue, y él mismo, inician un proceso de ruptura con el estilo bizantino imperante en la pintura de la Escual de Siena, caracterizada por el uso del dorado en los fondos, y la ausencia de profundidad, La Escuela de Florencia evoluciona hacia una pintura donde los fondos son un paisaje en tonos azules, con interés por los efectos de luz sobre los personajes de la escena; se busca el estudio anatómico de los personajes a través de la recreación de gestos y estados de ánimo; también mediante la luz se consigue dar profundidad a la escena. Aún así quedan otros elementos más arcaicos como los ojos almendrados o los dorados (pan de oro) para las aureolas

San Francisco predicando a los pájaros es una de las obras más interesantes de todas las representaciones llevadas a cabo por Giotto, con episodios de la vida del santo de Asís. La obra estaba basada en la "Legenda maior" de San Buenaventura, recogiendo el pasaje del capítulo X: "Estando el beato Francisco en Bevagna predicó a muchos pájaros los cuales, exultantes, alargaban el cuello, batían las alas, abrían los picos, le tocaban la túnica; y todo esto lo veían sus compañeros que le esperaban en el camino". Giotto ambienta el episodio en plena naturaleza, un paisaje de rasgos muy sumarios que sirve de marco excepcional y convincente para la representación del sermón de San Francisco. La figuración de algunos árboles y la línea del suelo son los únicos elementos para la significación del argumento. Sus colores apagados potencian la fuerza volumétrica de las figuras, a la vez que se relaciona ambos con una gama cromática de similares tonos. Los pájaros se arremolinan ante las palabras dirigidas por el santo, unos en el suelo, otros en el tronco del árbol de la derecha, algunos volando libremente alrededor de los dos franciscanos. La importancia de la escena, lo que es evidente por su localización a las puertas de la basílica, está determinada por ser un auténtico símbolo del camino por el que optó San Francisco en su vida y, por ende, una metáfora del espíritu de pobreza y amor a los componentes de la Naturaleza que representa su orden. La escena es altamente emotiva y clarificadora para el fiel que llega al templo de Asís para adorar al santo. Sin duda, una de las escenas más simples pero más aleccionadoras y expresivas de todo el ciclo que representó Giotto en Asís.

3. PINTURA FLAMENCA

Matrimonio Arnolfini – Jan Van Eyck

La imagen propuesta es la obra “El Matrimonio Arnolfini” de Jan van Eyck. Realizada en 1434 está dentro del estilo gótico flamenco, y utiliza la técnica del oleo sobre tabla. Actualmente se encuentra en el National Gallery de Londres.

La escena representa a una pareja en el interior de una habitación. El espejo que cuelga al fondo de la pared marca el eje de simetría de la composición, en concordancia con la lámpara del techo y el perro. En este eje confluyen diferentes puntos de fuga, marcadas por las líneas de la tarima del suelo. Para subrayar esta tridimensionalidad en el espacio, el espejo refleja lo que está fuera del campo pictórico.

La meditada construcción del espacio hace que el movimiento escénico sea casi nulo, mostrando una imagen rígida, teatral y poco espontánea. A ello también contribuye el predominio de la línea sobre el color, perfilando los contornos de figuras y objetos, haciendo que estos adquieran una solidez casi escultórica. Esta teatralidad le permite al autor plasmar el más mínimo detalle gracias a la técnica del óleo y de pinceles muy finos (plumillas)

La luz penetra por la ventana del lado izquierdo, ilumina a la esposa y deja en penumbra la parte izquierda del lienzo, por tanto es una luz realista. En los colores, la composición cromática está marcada por grandes manchas: el verde del vestido de la esposa; el rojo de los muebles; y el marrón de la túnica del mercader.

En cuanto a su composición estética, la pintura presenta un doble retrato de cuerpo entero de un matrimonio que se sabe es de Giovanni Arnolfini, comerciante, y su esposa Giovanna Cenami. El significado oculto del cuadro parece ser un certificado matrimonial en el que el esposo ofrece su mano como voto nupcial, mientras que la vela encendida y que los dos aparezcan descalzos parecen remarcar el carácter sagrado de la ceremonia. Otros símbolos, como el perro, hablan de la fidelidad del matrimonio; o el vientre abultado de la esposa que es símbolo de la fertilidad de la mujer. Las frutas sobre la mesa que hay debajo de la ventana representan la fruta del árbol del Bien y del Mal, el árbol prohibido, la fruta del pecado original que será redimido con su matrimonio.

Son evidentes las conexiones del autor con las características principales de la escuela flamenca: gusto por el detalle, uso del óleo, gran realismo en sus composiciones, volúmenes bien marcados, riqueza cromática, etc. Para concluir el comentario me gustaría resaltar el cambio que supuso la pintura flamenca del XV con respecto a la pintura gótica del XIII y XIV donde destacaba el uso de los dorados. La influencia de Van Eyck y de los pintores flamencos en general, se dejó notar en la pintura del siglo XVI en pintores como Lluis Dalmau.

Sta. Margarita: Patrona de los partos

Lámpara: Llama divina

Firma del autor

Espejo: - Pureza -Autorretrato -Perspectiva

Tondos del espejo: Pasión de Cristo: Divinidad del matrimonio

Acto de bendición

Vientre abultado: Universalidad de la mujer como madre

Fruta: Inocencia

Perro: Fidelidad

Sandalias: Descalzo por ser un lugar sagrado

POLÍPTICO DEL CORDERO MÍSTICO

Adoración del cordero Ermitaños y peregrinos Caballeros de Cristo

Deesis: la Virgen – Cristo/Dios – San Juan Evangelista

Cantores y Eva (con el vientre abultado, símbolo de la maternidad)

Cantores y Adán

La ofrenda de Caín y Abel

El asesinato de Abel

El Políptico de Gante también es conocido como del Cordero Místico, precisamente a causa de este panel que es el de mayor tamaño de toda la obra y el de mayor importancia iconográfica. El centro de la escena lo protagoniza el Cordero sobre un altar. Su sangre brota del pecho y llena el cáliz, lo que simboliza la figura de Cristo y su sacrificio en la cruz. Además, sobre él se encuentra la paloma del Espíritu Santo. Le rodean varios ángeles, algunos con los instrumentos de la Pasión (la cruz, la columna, los clavos...) mientras otros aromatizan el aire con incensarios. Ante este grupo central, abajo, tenemos una fuente de bronce con un vástago de oro rematado con la escultura de un ángel. Es la fuente de la vida, de la que mana el agua que da la vida eterna. Es la referencia al Bautismo y la conversión al cristianismo, justo bajo la referencia a la Eucaristía que veíamos en el altar y el cáliz lleno de sangre. La fuente está rodeada por dos semicírculos de personajes arrodillados, en actitud de adoración: a la izquierda están los doce profetas y a la derecha, los catorce apóstoles (incluyen a Matías, Pablo y Bernabé, y no está Judas). Tras ellos, a la izquierda tenemos a los Patriarcas, entre los cuales resulta interesante destacar a uno proveniente del mundo pagano: el hombre con barba que viste una túnica blanca sería el poeta Virgilio, muy popular en la cultura medieval. A la derecha, los papas y obispos. Por último, saliendo del bosque tenemos a los dos grupos de santos mártires, hombres y mujeres. Se les distingue porque llevan las palmas del martirio. Entre las mujeres se reconoce a Santa Ursula, Santa Bárbara, Santa Inés y Santa Dorotea.

DESCENDIMIENTO (1435) – VAN DER WEYDEN

San Juan

Virgen María

María Magdalena

Cristo

José de Arimatea

Nicodemo

Plañideras

IHESUS MARIA

Escote de María Magdalena que recuerda que es una pecadora.

Cómo símbolo de la conversión de Magdalena a la fe de Cristo, el pintor coloca un cinturón sobre su vientre abultado con la inscripción de “Jesús María”. A través de un eje se une a la misma altura el vientre de Magdalena, el sexo de Cristo y la cabeza de la Virgen. El significado más evidente de este eje es el siguiente: - El vientre abultado (signo de maternidad) el sexo de Cristo (que con su muerte quita el pecado de los hombres) y la cabeza de la Virgen (sobre el tocado blanco, símbolo de pureza) hablan de la Virgen María como madre de los cristianos.

Rogier Van der Weyden, quien lo planeó como pintura que traduce los esquemas de los retablos escultóricos alemanes y flamencos de esa época. Éstos plantean habitualmente una caja espacial estrecha, en la cual se colocan a manera de friso los personajes esculpidos, frontales y ajustados al escaso fondo que se les concede. Este planteamiento es el mismo que observamos en el Descendimiento de Van der Weyden: todas las figuras se distribuyen en un primer plano, yuxtapuestas pero procurando que ninguna oculte a las demás. La evocación del estilo escultórico consigue volumen y modelado en los cuerpos. Las figuras, diez en total, son Cristo muerto, María, San Juan y los santos varones y mujeres, incluida la Magdalena. Todos ellos llevan hermosos ropajes, cuyas texturas permiten diferenciar terciopelos, sedas, damasquinados, etc. Es también una característica propia del arte flamenco ésta de resaltar la calidad de las materias que aparecen. Es un indicativo del poder del que encarga la pintura. Además, todo el fondo está recubierto por riquísimas láminas de pan de oro, y abundan los azules y los verdes, pigmentos que proceden de moler piedras semi-preciosas. El fondo dorado, además de una ostentación de riqueza, impide que la mirada del espectador profundice en otra cosa que no sea la escena, desarrollada por este marco en un espacio mágico e irreal, sin referencias humanas. La obra fue encargada para la capilla de los Ballesteros de Lovaina, lo cual se refleja en el marco: en los extremos superiores aparecen unas pequeñas ballestas que identifican a los donantes. Parece que en origen era la tabla central de un tríptico, completado por una Resurrección y unas imágenes de santos, pero se desconoce su paradero. Felipe II, gran admirador del arte flamenco, trató infructuosamente de comprarla; por ello, encargó a Michel Coxcie, pintor y copista real, que le hiciera una copia para colgar en El Escorial. Años más tarde, la tía del emperador, María de Hungría, consiguió adquirirlo para la colección real española, a la que llega en 1574, de modo que una segunda copia fue realizada para que permaneciera en la capilla de los Ballesteros. La primera de Coxcie es la que actualmente pende de los muros de El Escorial. La tabla original del Descendimiento se encuentra en el Museo del Prado desde 1939.

EL BOSCO – JARDÍN DE LAS DELICIAS (1500)

Dios

“El mismo lo dijo y todo fue hecho”

“El mismo lo ordenó y todo fue creado”

Tríptico cerrado en grisalla, representando el tercer día de la creación

Dios, con los rasgos de Cristo, Adán y Eva. Junto a ellos un drago como Árbol de la Vida (Anécdota: junto a Eva aparece un conejo (lo tengo que explicar!!!!)

La Fuente de los Cuatro Ríos del Paraíso. A su lado el Árbol de la Ciencia del Bien y del Mal, con la serpiente enrollada en el tronco

El color oscuro de la laguna de la que salen los animales, la deformidad de alguno (asemejándose a los bestiarios medievales), y que algunos aparezcan luchando entre ellos… preludia los futuros pecados de la humanidad

Única pareja que aparece vestida, que se suele identificar con Adán y Eva tras la expulsión del paraíso.

La parte superior del cuadro recrea el paraíso de la primera tabla, pero la fuente aparece resquebrajada símbolo de la fragilidad del hombre ante el pecado

En la parte central aparece una laguna llena de mujeres desnudas (símbolo del pecado) alrededor de la que giran grupos de hombres montados en caballos, animales… tratan de simbolizar los pecados capitales.

Escenas de concubinato, onanismo, relaciones contra natura… todo en alusión al tema central de la tabla: la lujuria. La lujuria relacionada con el fruto rojo, símbolo del pecado original del hombre.

Tabla que representa el Infierno, denominado “Infierno musical” por la cantidad de instrumentos musicales que aparecen. También aparecen representados los pecados capitales.

El “hombre-árbol” asociado con el demonio. Alude al pecado capital de la gula: glotones sentados al banquete que esperan a que los demonios (que suben por la escalera) le sirvan sapos para comer.

Otro pecado representado es el de la envidia, que se combatía con el agua helada

Monstruo que como hombres y los defeca, aludiendo a los avaros

Vicios censurados en la época, como el juego.

El tríptico cerrado y abierto es una alegoría completa del origen y fin del mundo: cerrado muestra una de las primeras escenas del Génesis, la creación del mundo vegetal, origen de la vida; por el contrario, abierto enseña la Creación completa en la puerta izquierda, el Infierno en la derecha, y en el centro las más variadas formas de la sensualidad, que presumiblemente conforman la vida terrenal. Leído de principio al fin, narra la historia de la caída del género humano, sin posibilidad de redención, puesto que no existen las figuras divinas de Cristo o María, ni tampoco la elección de los benditos para vivir en la Gracia de Dios tras el Juicio Final. El mundo, los mundos que presenta el Bosco no tienen nada que ver con la realidad, ni con la comprensión humana. Es uno de los primeros genios de la historia del arte que introduce en sus imágenes el componente onírico que supera la realidad consciente. La fantasía, el humor, la crítica ácida, saturan esta imagen cruda del ser humano, que se precipita en el infierno con cada uno de sus actos. El Bosco puebla sus paisajes con monstruos, plantas antropomorfas, objetos imposibles. El ser humano, desnudo ante sus actos, es poco más que un gusano diminuto pululando entre ambientes misteriosos. Las encarnaciones de la sensualidad son deslumbrantes por su variedad: la música, el amor, el juego, la bebida, incluso el aprendizaje y el conocimiento. En el infierno, el sueño-pesadilla se disloca: orejas de las que emergen cuchillos, demonios con bocas dentadas en el vientre, escaleras que no llevan a ningún sitio y, entre todo ello, los cuerpos de los pecadores que están siendo despedazados por los demonios y sus máquinas infernales. La técnica minuciosa de El Bosco está directamente relacionada con la pintura de su época y los avances con el óleo. Pero su forma de componer y situar las figuras en el espacio, así como su interpretación de un tema clásico de la pintura religiosa, no tienen nada en común con los otros pintores de su entorno. El tríptico se mantuvo en El Escorial hasta su traslado en 1939 al Museo del Prado.