El nacimiento de la corriente cultural y artística denominada

Neoclasicismo en el siglo XVIII se corresponde con una muy profunda revisión de

modelos sociales, económicos y políticos que se vive en Europa durante aquellas

décadas.

Este cambio social europeo se debe a la difusión de las teorías de la Ilustración

en todos los ámbitos de la vida. Se revisan y critican los modelos tradicionales y

se proyecta una nueva sociedad más justa e igualitaria. Este proceso terminará

provocando la caída del Antiguo Régimen.

En el plano cultural y artístico, también se produce este punto de

inflexión que terminará conduciendo a la pintura moderna contemporánea.

En este momento, entre los ilustrados se enuncia la convicción absoluta de un

conocimiento basado en la razón. En este movimiento de humanismo

cultural, también aparece un afán enciclopédico de recoger el saber humano.

Una de las características del neoclasicismo es que en la revisión de las culturas

clásicas se concluye la preeminencia de lo griego sobre lo romano. Por ello, en el

neoclasicismo, predomina la arquitectura inspirada en Grecia.

Arquitectura Neoclásica

Las características más destacables en la construcción son:-Cornisas y frisos con metopas y triglifos-Grecas-Guirnaldas vegetales: flores, frutas...-Palmas y laurelesY las edificaciones más dadas:-Columnas conmemorativas-Templos-Arcos del triunfo-PropileasA parte de lo dicho observamos dos estilos derivados:-Eclecticismo: desde 1860-1876

Construcciones muy eclécticas donde mezcla muchos estilos arquitectónicos-Arq. del Hierro: está basada en la utilización del hierro y derivados como material fundamental. Esto ocurre tras el descubrimiento de la facilidad de moldeado y utilización del metal, dejando a un lado la piedra.

Arquitectura Neoclásica Italiana

Características principales:• Se suprimen los elementos superfluos del barroco, volviendo a la simplicidad del arte antiguo.•En las aberturas se da más importancia a los dinteles que a los arcos.•Se reduce la ornamentación en las fachadas .•Se busca una simplicidad en volumen, simetría y ornamentación.•Las fachadas vuelven a coronarse con balaustradas .Arquitectos reconocidos:• Alejandro Galilei (1691-1736) “La iglesia de San Juan de los Florentinos”• Giuseppe Piermarini (1734-1808) “La Real Villa de Monza”• Frenando Fuga (1699-1784) “la iglesia del Cementerio del Hospital de los Incurables”• Luis Cagnola “El arco de la paz”• Carlos Amanti (1776-1832) “La iglesia de San Carlos”

Arquitectura Neoclásica Francesa

Características:• Se buscaron efectos de masa y monumentalidad.• mediados del siglo XVIII, se relacionan tanto con el neoclasicismo como con la tradición anterior del clasicismo francés.Arquitectos reconocidos:• Bartelemy Vignon (1762-1828) “ Templo de la Gloria o iglesia de la Magdalena”• Carlos Percier (1764-1848) “Hotel Chuavelin”• Juan Francisco Chalgrin (17339-1811) “El Colegio de Francia”

Arquitectura Neoclásica Alemana

•Los modelos greco- romanos dieron lugar a una arquitectura monumental que reproduce frecuentemente el templo clásico para darle un nuevo sentido en la sociedad civil.

Arquitectos:• Karl Friedrich Schinkel (1781-1864) “ El viejo museo y el teatro”• Leo Von Klenze (1784-1864) “ La Gliptoteca, los propilenos y el Pórtico de la gloria”.

Arquitectura Neoclásica Inglesa

Los hermanos Adam fueron los encargados de introducir a Inglaterra el estilo clásico, procurando imitar ala antigua arquitectura con toda fidelidad.

Robert Adam:Crea el estilo Adam (fundamental en la arquitectura neoclásica): Es de dibujos y proporciones armoniosas, y procura una sensación de luminosidad y espaciosidad. Utiliza motivos clásicos, como frontones, guirnaldas y urnas. Evoca al rococó por su énfasis en la ornamentación de las fachada y un refinamiento a gran escala. Es un versión del Neoclasicismo más sencilla, precisa y delicada.

Arquitectura Neoclásica Española

Buenaventura Rodríguez Tizón, conocido como Ventura Rodríguez, fue un arquitecto español del siglo XVIII Se le considera, junto con Juan de Villanueva, el principal arquitecto español de su época y el último barroco. Su trayectoria se sitúa entre dos grandes corrientes artísticas: el barroco y el neoclasicismo de la ilustración europea.

Escultura Neoclásica

Las obras mostraron en general un alto nivel de equilibrio formal, con una expresión cautelosa y raros momentos de dramatismo. Antonio Canova fue más exitoso en la exploración de una amplia gama de sentimientos y formas dinámicas, desde la suave ingenuidad juvenil en piezas como Las Tres Gracias, a la violencia desenfrenada del Hércules y Licas y en Teseo vencedordel Minotauro, y en la investigación de otros signos de la emoción como el arrepentimiento o pesar, visible en la patética Magdalena penitente.Los materiales preferidos fueron el bronce y el mármol blanco, al igual que en la tradición antigua, pero a diferencia de temporadas anteriores, el neoclasicismo el artista creador pasó a emplear a más ayudantes que realizaban la mayor parte de los trabajos técnicos como pasar a la piedra o realizar la fundición a parir del modelo de arcilla o yeso que había sido creado por el escultor, dejando que el maestro asumiese la fase final de la escultura del pulido y definición de detalles, ya que esta fase es sin duda crucial para la obtención del efecto final de la obra y requiere la experiencia de la mano maestra.

Escultura neoclásica Italiana

Según Winckelmann, Roma, fue el centro de un círculo de artistas que indujeron a producir el estilo neoclásico. Entre ellos se encontraba Johan Tobias Sergel, un sueco que después llevó la novedad hasta el norte de Europa y los británicos Thomas Banks y Joseph Nollekens, hicieron lo mismo en Inglaterra. Viviendo entre París, Carrara y Florencia, Lorenzo Bartolini fue una figura importante y protegido por Napoleón, pero quien dominó la escena fue Antonio Canova.

Amor y psique Antonio Canova

En Francia el apoyo por los ideales neoclásicos partió directamente de los círculos oficiales relacionados con la Academia de Bellas Artes y el propio rey, se estableció por la admiración de la cultura antigua que existía desde el renacimiento, y que se había mantenido incluso durante el barroco. Lenormant de Tournehem, superintendente de los «Edificios del Rey», tenía poder sobre la Academia y aconsejado por el conde de Caylus se retiró a mediados del siglo XVIII, indicando a los artistas que se alinearan al clasicismo. Su sucesor, el marqués de Marigny, estableció la práctica de prestigiar los temas históricos por encimar del retrato y el director siguiente, el conde de Angivillier, aumentó la dotación para la compra de obras históricas, que mostrasen temas de la tradición antigua.

Escultura Neoclásica Francesa

Escultura Neoclásica Alemana

En Alemania las ideas de Winckelmann habían tenido una aceptación inmediata y entusiasta, y su influencia se mantuvo hasta mediados del siglo XIX, especialmente a través de la carrera artística de Johann Gottfried Schadow, la figura más importante de la región, había estudiado en Italia y asumió a su regreso, la dirección de la Academia de Berlín, ejerció gran influencia no sólo por sus esculturas, sino también por sus tratados técnicos sobre el arte.

Escultura Neoclásica Inglesa

En Inglaterra, las raíces del neoclasicismo se remontan al siglo XVII, y se implantaron en la arquitectura neo-palladiana de Íñigo Jones, pero el estilo solo llegaría a su cenit a principios del siglo siguiente, con los seguidores Lord Burlington, Colen Campbell y William Chambers. En la escultura, sin embargo, los resultados tardaron en aparecer. Uno de sus primeros exponentes fue Thomas Banks, quien estudió en Roma, como varios de sus compatriotas también lo habían hecho, y al regresar a Londres creó la primera obra inglesa en el nuevo estilo, un relieve titulado La muerte de Germánico (1774).

Escultura Neoclásica Española

La introducción del neoclasicismo en la escultura española fue un proceso lento. La tradición barroca estaba muy arraigada en nuestro país y no podía desaparecer de golpe. Cuando en 1752 se funda la Academia de San Fernando (principal instrumento de difusión del Neoclasicismo), todavía los escultores estaban muy ligados a las fórmulas tardo- barrocas.

La Corona es el principal cliente de la época, y los Borbones pusieron de moda la figura del escultor de cámara, que el que coordina las iniciativas y encargos reales.

Pintura Neoclásica

Predominó el dibujo, la forma, sobre el colorido. Ello da como resultado una estética distante del espectador, reforzado por la luz clara y fría que bañaba las escenas, ya que si se adoptaran tonos dorados se introduciría en la obra una sensualidad que se rechazaba en la estética neoclásica. A veces se usaba el claroscuro, con una iluminación intensa de los personajes que interpretaban la escena en el centro del cuadro, dejando en las tinieblas el resto del cuadro. Al destacar el dibujo sobre el color, este último era mero coloreado, que informaba sobre el contenido del cuadro, modelando los objetos representados, sin tener valor estético por sí mismo. En contraste con las pinturas barrocas y rococó, las neoclásicas carecen de colores pastel y de confusión; en lugar de ello, usan colores ácidos. La superficie del cuadro aparecía lisa, con una factura impecable en la que difícilmente se apreciaban las pinceladas del autor, lo cual contribuía a establecer la distancia entre el autor y el tema y de éste con el espectador.

Pintura Neoclásica Francesa

El neoclasicismo es apoyado por la burguesía, cada vez más influyente y se va trasladando a los grupos de poder tradicionales.El Neoclasicismo encuentra su momento de esplendor en la Revolución Francesa y el derrocamiento de la monarquía absolutista borbónica.Sin embrago, la misma burguesía que había apoyado la Revolución, poco después traicionará sus propios principios y se enriquecerá llegando a los mismos excesos que había criticado de la anterior nobleza.A partir de ahora, el arte pasa de nuevo a basarse en la riqueza, lo que supone, por lógica, la muerte del neoclasicismo.Los más importantes representantes de la pintura neoclásica francesa son Jacques Louis David, Jean Auguste Dominique Ingres, François Gerard y Antoine-Jean Gros.

Pintura Neoclásica Española

En España predomina la pintura profana, costumbrista y adquiere un gran desarrollo el fresco.Al igual que ocurre en la arquitectura, los monarcas españoles habían llamado a pintores franceses e italianos para que trabajasen en la decoración del Palacio Real. Será Rafael Mengs, impulsor y difusor del Neoclasicismo, con quien se produce la renovación de la pintura española.

Inmediatamente después de la conquista de México Tenochtitlán, por los españoles, nació un arte colonial, esencialmente religioso que buscaba propiciar la evangelización cristiana de los pueblos conquistados. Este arte reflejó en un inicio los ideales político-religiosos, dentro de la tradición europea. Sin embargo, paulatinamente, aparecieron elementos indígenas siempre más marcados, hasta el surgimiento de un arte inconfundible, con una trayectoria y proyección propias.Las primeras iglesias y conventos del siglo XVI son de estilo plateresco; poseen un amplio patio al frente, circundado por muros altos con almenas, al fondo se localiza la iglesia, con capilla abierta para permitir al numeroso pueblo asistir a la ceremonia de la misa. Los primeros conventos hacían las veces de fortalezas debido a la inestabilidad e inconformidad que existía en el pueblo recientemente conquistado.Las iglesias por lo general tienen una sola nave cubierta con una bóveda de estilo gótico y en las fachadas se pueden apreciar elementos románicos, renacentistas o mudéjares. El retablo principal de las iglesias es de madera tallada y recubierta con hoja de oro, con esculturas estofadas y pinturas al óleo, obviamente de temática religiosa.Los frailes que acompañaban al ejército conquistador, en su mayoría españoles e italianos, pertenecían a las órdenes franciscana, dominica y agustina. Cada una de estas órdenes construyó en la Nueva España un considerable número de conventos con características propias acordes a las normas de cada orden religiosa.

Arquitectura Colonial Mexicana

Este tipo de arquitectura se enfoca principalmente en edificios religiosos católicos, debido a la necesidad de los Españoles de evangelizar la llamada Nueva España. Y para lograrlo trataron de erradicar las costumbres religiosas politeístas de los nativos, las cuales se basaban en Dioses simbolizados en elementos naturales, a los cuales rendían culto, destruyendo numerosos templos prehispánicos. Es por eso que en varios ejemplos de arquitectura colonial, encontraremos bajo los mismos, ruinas de lo que sería en su momento lugar de rito prehispánico.Aquí es donde comienza una característica única de la arquitectura colonial mexicana, el poder integrar las corrientes artísticas vividas en Europa, como gótico o barroco, con el arte de las culturas prehispánicas para poder conseguir una identificación de esas civilizaciones con la religión católica, obteniendo una conversión de creencias religiosas. Y no sólo eso, ya que no se podían seguir fielmente los cánones de los estilos establecidos mencionados anteriormente, debido a que no contaban con la mano de obra con los conocimientos para edificar tales construcciones, ni con los materiales exactos para realizarlos, combinando nuevos procesos constructivos con nuevos materiales.

Templo de Santa CatarinaFrancisco Sosa, Barrio de Sta. Catarina, Coyoacan, México, DF.

La portada principal deltemplo de San Juan Bautista Coixtlahuaca

Catedral Sonto Domingo Zacatecas, México

Las nuevas ciudades fundadas, eran edificadas bajo el mandato de los reyes españoles, y con los mismos cánones, sin tomar mucho en cuenta las características del lugar. El trazo de las ciudades era reticular, con numerosas plazas y monumentos, y al ser la iglesia, representante absoluta de la religión católica, el edificio más importante para realizar la evangelización, se colocaba al centro de la ciudad dándole jerarquía con respecto a las demás edificaciones.

Cabe destacar que los españoles no sólo se concentraron en la edificación de iglesias, sino también conventos y monasterios que apoyaban fuertemente en su tarea de evangelizar. Pero no solo eso, sino también edificios destinados para la administración y planeación de las ciudades, casas, haciendas o palacios para los españoles conquistadores.

Tonantzintla, puebla

Huejotzingo, puebla

Escultura Colonial Mexicana

En la escultura colonial se pueden encontrar valores ancestrales de la cultura popular mucho más fuertes que en la pintura. Los talladores mestizos e indígenas llevaban en la sangre una tradición basada en la decoración en relieve. Los aspirantes a pintores estaban obligados a asimilar obras europeas, totalmente distintas a las heredadas y, además lograr representaciones objetivas de la realidad. Por eso, en el Arte Colonial, la escultura es más libre y original que la pintura, y sobre todo más americana. El sello más mexicano durante el desarrollo del plateresco lo dan las aplicaciones y los relieves en la talla de las estructuras funcionales como son las capillas abiertas llamadas "posas" y en las cruces atriales. Los artistas Alonso Vázquez y Andrés de Concha iniciaron la pintura de caballete en México en pleno auge del plateresco, pero la representación más genuina del periodo corresponde a los frescos de los conventos, la mayor parte en blanco y negro y algunos con color. Son los más valiosos los de San Agustín de Acolman, Huejotzingo, Tepeaca y Actopan. La llegada a México del pintor flamenco Simón Pereyns (1566-1603) durante el segundo tercio del siglo XVI, inicia el desarrollo de una pintura de caballete de calidad, ejemplarizada en sus óleos de los retablos de Cuernavaca, Malinalco y Huejotzingo.

Entre los hibridismos culturales surgidas en las manifestaciones artísticas de la Nueva España, figura el realizado por las manos indígenas en obras de tema cristiano. El poeta y crítico de arte José Moreno Villa -español exiliado en México- bautizó en su libro La Escultura Colonial Mexicana (1942) este estilo como tequitqui, basándose en el sustrato islámico de España. Si el arte cristiano de influencia musulmana fue nombrado “mudéjar” (mudechan), dado que significa “tributario” -aplicable a los tributarios musulmanes de los señores cristianos-, Moreno Villa decidió emplear el término equivalente en náhuatl que era la palabra tequitqui

La escultura "culta" se había incorporado desde el siglo XVI a la arquitectura en la estatuaria solemne de las fachadas o en el trabajo de los retablos. Se pueden encontrar manifestaciones escultóricas profusamente variadas desde Chihuahua hasta Oaxaca. La figura culminante dentro del trabajo escultórico es Jerónimo de Balbás, llegado a México a principios del siglo XVII, de reconocida fama por la obra del Retablo mayor de la Catedral de Sevilla. El Retablo de los Reyes de la catedral de la Ciudad de México, si no introdujo el signo formal del barroco, en todo caso sirvió de modelo en la proliferación por doquier del estípite. La expresión escultórica más mexicana está representada tanto en los retablos populares como en la abundante imaginería. Con frecuencia se pueden encontrar también bajorrelieves en los cuales el artista anónimo ha desahogado una real intimidad con lo divino. Constituye un arquetipo el "Nacimiento de la Virgen" en la Capilla del Rosario en Puebla.

Pintura Colonial Mexicana

La pintura europeizante del primer Barroco culmina en la obra de Cristóbal de Villalpando y Juan Correa, ambos pintores fecundos y, tal vez por eso mismo, desiguales en sus respectivas producciones; ambos alternaron una forma de expresión sombría, estática y de tonos oscuros con otra, por contraste, de figuras dinámicas y tonos claros. Ya en pleno siglo XVIII se distinguieron dos pintores de caracteres más diferenciados. José de Ibarra nacido en Guadalajara, conocido como "el Murillo Mexicano", tanto por su habilidad para copiar al maestro como por su parecido físico con él. Miguel Cabrera gozó de tanta fama en vida que su figura polémica es todavía materia de controversia. Fue un buen retratista y es famoso por su retrato de Sor Juana Inés de la Cruz, elaborado sobre otro anterior de mala calidad. La fuerza de la impresión europea fue tanta en México, que no permitió las mínimas expresiones de escuelas mestizas, como las de Cuzco o Potosí.

Los primeros artistas que destacan en México son europeos: Peyrens, Andrés de la Concha, y Baltazar Echave. Sus obras son de tendencia religiosa.Los primeros pintores barrocos nacidos en México son hijos de los anteriores y, como ellos, pintan la vida de los santos. Posteriormente, Velasco, Villalpando y Correa, incursionan en los mismos temas. Su estilo es claramente barroco y simbólico.

En el siglo XVI dos corrientes se mezclan: la nativa y la española durante un período que abarca desde 1521 hasta 1821, es decir, desde la caída del Imperio Azteca hasta la Independencia de México. Esta transculturación tiene un gran impacto sobre el pueblo y la civilización de México:El arte estípite, o ultra barroco, se ilustra de singular manera en los trabajos de Cabrera. Este pintor combina el manierismo a la Greco (figuras alargadas, espirituales) con el localismo.

Callan, en la pintura (de caballete) de la etapa virreinal, las obras eclesiásticas eran, evidentemente las más importantes, no sólo por sus dimensiones sino porque tenían mayor apoyo, sobre todo gracias a las clases más poderosas económicamente. Entre los pintores más importantes del XVII podemos citar a Baltasar Echave Rioja, seguidor de Murillo y Rubens y que pintó, por sólo citar un par de sus obras el Martirio de san Pedro de Arbués que le solicitó el Santo Oficio y los Tributos de la Eucaristía, la Fe y la Iglesia. José de Juárez (de la primera mitad), fue otro de los artistas de gran notoriedad en aquel periodo.

Juan Correa, trabajó intensamente de 1671 a 1716 y alcanzó gran prestigio y fama por la calidad de su dibujo y la dimensión de algunas de sus obras. Entre las más conocidos: Apocalipsis en la Catedral de México, La conversión de Santa María Magdalena, hoy en la Pinacoteca Virreinal y Santa Catarina y Adán y Eva arrojados del paraíso este último en el Museo del Virreinato de Tepoztlán.

Cristóbal de Villalpando, considerado el pintor más representativo de la segunda mitad del siglo XVII novohispano y que, como muchos artistas de su época trabajó más para la iglesia que para particulares o instituciones y trabajó tanto en pequeño como en gran formato. Algunas de sus obras son La apoteosis de San Miguel, Los desposorios de la Virgen y La huida a Egipto, todos ellos representativos de la calidad de la pintura barroca en la Nueva España.

Los retratos de castas: Este género se desarrolla en el siglo XVIII paralelamente a las ciencias que intentan observar y clasificar todo. En este caso, se pretende sintetizar las reglas de la genética mostrando los rasgos característicos de las 16 diferentes clases sociales.