ELEMENTOS DE LAS ARTES VISUALES

Introducción al análisis formal J. Pablo Aguilar Garduño

ELEMENTOS DE LAS ARTES VISUALES Para poder analizar

una obra de arte y comunicarnos acerca de ella, es necesario establecer una estructura de referencia, que nos permita un entendimiento básico acerca de los elementos que involucra.

PUNTO FOCAL■ El punto focal de una

imagen es el sitio hacia donde la mirada del observador se mueve en primer término. Usualmente es el lugar donde la luz y el color causan el mayor impacto, esta impresión puede ser reforzada por líneas que guían la vista del espectador.

¿Dónde está el punto focal de esta imagen?

¿Hacia dónde se mueve primero tu mirada?

¿y después?

Heaven to hell por David La Chapelle

¿y ahora?

Número 5, Jackson Pollock. 1948.

El COLOR es la luz reflejada por los objetos.

El blanco es la luz pura, el negro es la ausencia de luz.

El color tiene tres características principales: • tonalidad, matiz o tinte: el nombre del color, como el rojo, verde,

azul, etc. • el valor : la claridad u oscuridad que posee, • y la intensidad: cuán brillante o mate es.

COLOR

■ Cuando analizamos el color que un artista emplea, la primera consideración es la PALETA, que corresponde al rango de tintas.

■ Si aplica un solo color, desde lo más luminoso hasta lo más obscuro, la pieza se denomina monocromática.

Tres árboles. Rembrandt

■ Y si escoge emplear tintas diferentes, la obra es policromática.

La Mona Lisa. Leonardo Da Vinci. 1507.

Amarillo-Rojo-Azul. W. Kandinsky 1925

Los tres músicos. Picasso 1921

TINTAS Y SOMBRAS■ “Tinta” significa añadir

blanco para hacer más ligero el color.

■ “Sombra” por lo contrario, implica añadir negro para obscurecerlo.

COLORES PRIMARIOS

■ Los colores primarios son los únicos verdaderos, pues no pueden obtenerse a partir de la mezcla de otros, y son el AZUL, el ROJO y el AMARILLO

COLORES SECUNDARIOS Y TERCIARIOS

■ Se obtienen a partir de combinaciones de los primarios.

COLORES COMPLEMENTARIOS Y ANÁLOGOS

■ Los colores complementarios están colocados en lugares opuestos en el círculo cromático.

■ Los colores análogos están situados en lugares adyacentes del mismo.

Complementarios Análogos

RELACIONES DE COLOR

■ Existen dos formas básicas de reaccionar de los colores entre sí, contrastan o armonizan.

RELACIONES DE COLOR

■ Los colores adyacentes en el círculo cromático forman una sucesión relativa y armónica.

RELACIONES DE COLOR

■ Los colores opuestos en el círculo, contrastan entre sí.

RELACIONES DE COLOR

■ Si dos colores complementarios del mismo tono e intensidad se yuxtaponen, se intensifican mutuamente. Los impresionistas los empleaban para darle mayor impacto a sus pinturas.

Saint-Georges Majeur au Crépuscule. Claude Monet. 1912

COMPOSICIÓN A PARTIR DEL COLOR

■ De esta manera, abordamos la composición a partir de la armonía o el contraste del color en la obra.

COLORES FRÍOS Y CALIENTES

■ Asociamos los colores con elementos de la realidad, así el amarillo, rojo y naranja, los asociamos al fuego y al calor, y por otra parte, relacionamos el azul al agua y al frío.

SIMBOLISMO EN EL COLOR

■ Frecuentemente el color es empleado para referirse a algo simbólico, como en una bandera. Hay que ser cuidadoso al interpretar el significado de los colores, pues es diferente para cada cultura.

PSICOLOGÍA DEL COLOR

• Se fundamenta en el análisis del comportamiento humano en respuesta al color, y se emplea a menudo en publicidad y mercadotecnia.

LÍNEA

Línea es una marca con una mayor longitud que anchura. Las líneas pueden ser horizontales, verticales o diagonales; rectas o curvas; gruesas o finas.

Dibujo de Van Gogh

SIGNIFICADO DE LA LÍNEA

Existe un significado implícito en la línea que se emplea al interior de una imagen, o de una obra de arte,

La línea vertical implica nobleza.

Victoria de Samotracia. Museo de Louvre

La línea horizontal, calma o reposo.

Monje al amanecer. Caspar David Friedrich.

Las diagonales, movimiento.

Y las curvas, gracia o sensualidad.La Venus del espejo. Diego Velázquez. 1651.

LÍNEA DE CONTORNO

Es la línea exterior que limita el borde de los objetos dentro de la obra de arte.

El entierro del conde de Orgaz. El Greco. 1587

FORMA

La forma es el área delimitada por una línea cerrada. Las formas pueden ser geométricas, como cuadrados y círculos; u orgánicas, de forma libre o formas naturales.

Existen formas planas, que pueden expresar longitud y anchura. Y formas tridimensionales que expresan la longitud, anchura y profundidad. Bolas, cilindros, cajas y pirámides son formas tridimensionales.

Reptiles. M.C. Escher.

RELACIÓN ENTRE LAS FORMAS

• Adyacentes: cuando están colocadas una al lado de la otra.

• Yuxtapuestas: son formas que están superpuestas o interconectadas.

Espejo Mágico. M.C. Escher.

ESPACIOEl espacio es el área entre y alrededor de los objetos. El espacio ocupado por el objeto se le llama espacio positivo, y el espacio vacío alrededor de éste es llamado espacio negativo; el espacio negativo también tiene forma.

Venus y Psique. Antonio Canova. 1786-93.

El Beso. Constantin Brancusi. 1917

ESPACIO

El espacio real es tridimensional, en el arte visual cuando creamos el sentimiento o la ilusión de profundidad, lo llamamos también espacio.

Il Diamante. Roberto Bernardi

ESPACIO ABIERTO

• En una imagen, si el ojo del espectador es guiado fuera del marco, el espacio es abierto.

The Mocking of Christ. Mathias Grünewald. 1505

ESPACIO CERRADO

• Si por el contrario, el ojo del espectador se mantiene dentro de los límites del marco, y los personajes y la acción suceden totalmente dentro de él, el artista ha compuesto un espacio cerrado.

La Crucifixión. Raphael. 1503

TEXTURA

La textura es la calidad de la superficie que se puede ver y sentir. La textura puede ser rugosa o lisa, blanda o dura.

Las texturas no siempre se sienten de la forma en que se ven, por ejemplo, un dibujo de un puerco espín puede parecer espinoso, pero si tocamos el dibujo, el papel sigue siendo suave.

Detalle de El rapto de Proserpina. Bernini. 1622.

Detalle de El rapto de Proserpina. Bernini. 1622.

El rapto de Proserpina. Bernini. 1622.

La Modestia velada. Antonio Corradini. 1751.

Fully covered cup. Meret Oppenheim. 1936.

El Vals. Camille Claudel. 1936.

PERSPECTIVA

Se refiere al “punto de vista” desde donde se aprecia la imagen.

PERSPECTIVA ATMOSFÉRICA

Genera la ilusión de una gran distancia en el fondo de la imagen.

Dama con Unicornio. Rafael Sanzio. 1506.

PERSPECTIVA LINEAL

Lleva la vista a un punto llamado “de fuga” que se aleja en lo profundo de la imagen, las líneas que atraen la vista a ese punto son llamadas ortogonales.

La Gran Vía. Antonio López. 1981.

PERSPECTIVA A UN PUNTO DE FUGA

PERSPECTIVA A DOS PUNTOS DE FUGA

57th street and 5th avenue. Robert Neffson. 2010.

PERSPECTIVA A DOS PUNTOS

PERSPECTIVA AÉREA

Es una vista a ojo de pájaro desde un punto elevado y con un gran ángulo de inclinación.

Christie’s. Antonio López.

PERSPECTIVA A TRES PUNTOS DE FUGA

PRINCIPIOS DEL DISEÑO

Los principios del diseño describen las formas en que los artistas utilizan los elementos del arte en una obra.

La Danza. Henri Matisse. 1910

“La composición es el arte de disponer de forma decorativa los diferentes elementos a disposición del pintor de modo que sean expresión de sus sentimientos […]”

Henri Matisse (1869 - 1954)

Patrón es la repetición de un objeto o símbolo dentro de la obra de arte. La repetición de patrones aporta dinamismo a la obra de arte.

La repetición de elementos de diseño crea la unidad dentro de la obra de arte, cuando un patrón se rompe, le da variedad o disonancia al espectador.

El Beso del Hotel de Ville. Robert Doisneau. 1950.

RITMOEl ritmo se crea cuando se utilizan uno o más elementos de diseño varias veces para crear una sensación de movimiento organizado. El ritmo crea un estado de ánimo como la música o el baile. Para mantener el ritmo interesante y activo, la variedad es esencial.

Kandy Kane Rainbow. Charles Bell. 1994.

El ritmo ayuda a establecer una dinámica, que se refleja en la trayectoria del ojo del espectador a través de la obra de arte, a menudo hacia áreas focales.

Dalí atómico. Phillipe Halsman. 1948.

DINÁMICA

Tal movimiento puede ser dirigido a lo largo de las líneas, bordes, formas y colores dentro de la obra de arte.

La tentación de San Antonio. Salvador Dalí. 1946

INTENSIDAD

Reside en la pureza de una tinta, y la fuerza de una imagen visual.

Dos bailarinas en escena. Edgar Degas. 1877.

UNIDAD

La unidad es el sentimiento de armonía entre todas las partes de la obra de arte, lo que crea una sensación de plenitud.

Los agachados. Manuel Álvarez Bravo.

UNIDAD Y VARIEDAD

La variedad está en el uso de varios elementos de diseño para mantener la atención del espectador y para guiar su mirada a través y alrededor de la obra.

El CONTRASTE se refiere a las diferencias entre los elementos de la obra, un alto contraste habla de grandes diferencias,

The Dance. André Derain. 1906.

En tanto que un bajo contraste lo hace de leves diferencias.

La Vida. Pablo Picasso. 1903.

La PROPORCIÓN es el sentimiento de unidad creado cuando todas las partes de la obra se relacionan bien con las demás en tamaño, calidad o cantidad. Al dibujar la figura humana, la proporción se refiere generalmente al tamaño de la cabeza en relación con el resto del cuerpo.

SIMETRÍA Y ASIMETRÍA

El equilibrio está en la distribución del peso visual de objetos, colores, textura y espacio. En un diseño estos elementos deben estar equilibrados para hacer que se sienta estable.

En equilibrio simétrico, los elementos utilizados en un lado del diseño son similares a los del otro lado;

En equilibrio asimétrico, los lados son diferentes, pero todavía se ven equilibrados.

En equilibrio radial, los elementos están dispuestos alrededor de un punto central y pueden ser o no similares.

Rosetón de la Se de Lisboa

PARA SABER MÁS:

• Recursos educativos de The J. Paul Getty Museum, de http://www.getty.edu/education/

• Fair Angela. Manual completo del Artista. Blume. Italia. 2003.