28 MUESTRA DE ARTES PLÁSTICAS DEL PRINCIPADO DE …/Sobre Culturaquí...Noemí Iglesias deshojando...

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28 MUESTRA DE ARTES PLÁSTICAS DEL PRINCIPADO DE ASTURIAS 2017

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MIGUEL BRACELI

TANIA BLANCO

COVADONGA CASADO

MARIANA HEREDIA

NOEMÍ IGLESIAS

RODRIGO MARTÍN

MARIO M. MARTÍNEZ

/ ÍNDICE

9

39

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Consejero de Presidencia y Participación CiudadanaGuillermo Martínez Suárez

Directora General del Instituto Asturiano de la Mujer y Políticas de JuventudAlmudena Cueto Sánchez

Equipo técnico de Programas CulturalesMª José Baragaño CastañoMarga Llamas Cuesta

Selección de artistas realizada por:

Luis Feás CostillaCrítico de arte y comisario de exposiciones

Jaime Luis MartínDirector del Centro Cultural Valey de Castrillón

Patricia VillanuevaResponsable de exposiciones de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial

Bea VillamarìnGalería BV Bea Villamarín de Gijón

Lydia SantamarinaDirectora del Museo Barjola de Gijón

/ EXPOSICIÓNComisarioLuis Feás Costilla

EnmarcaciónTexu S.L.

SegurosCatalana-Occidente

Transporte y montajeManipuloarte-Pablo Alba Sánchez

PromueveConsejería de Presidencia y Participación Ciudadana

/ CATÁLOGOTextos

Almudena Cueto SánchezDirectora General del Instituto Asturiano de la Mujer y Políticas de Juventud

Jaime Luis MartínDirector de Valey Centro Cultural de Castrillón

Luis Feás CostillaComisario de la Muestra de Artes Plásticas

Diseño gráficoProvoca Comunicación

TraducciónLambe&Nieto (Inglés)Carolina Lelanchon (Francés)Luis Casteleiro (Asturiano)

Fotografías©Los autoresJosé Ferrero

ImprimeImprenta Gofer S.L.

Depósito LegalAS-1142-2018

/ TEXTOSAlmudena Cueto SánchezDirectora General del Instituto Asturiano de la Mujer y Políticas de Juventud

Jaime Luis MartínDirector del Valey Centro Cultural de Castrillón


/ OBRAS

Miguel Braceli Tania Blanco Covadonga CasadoMariana HerediaNoemí IglesiasRodrigo MartínMario M. Martínez

/ TRAYECTORIAS

Miguel Braceli Tania Blanco Covadonga CasadoMariana HerediaNoemí IglesiasRodrigo MartínMario M. Martínez

/ CRÉDITOS

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Cuerpos, gestos, sensaciones, emociones, reflexiones sobre el propio yo, ironía en los rituales “amorosos”, procesos colaborativos… Con todo esto y mucho más podrán encontrarse quienes transiten por esta 28 Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias, que un año más nos acerca a la obra de siete artistas naturales o residentes en el Principado de Asturias, tras la selección realizada por el jurado que integraron Luis Feás, Jaime Luis Martín, Patricia Villanueva, Lydia Santamarina y Bea Villamarín.

A través de esta colectiva, Miguel Braceli —Premio Asturias Joven de Artes Plásticas 2017—, Tania Blanco, Covadonga Casado, Mariana Heredia, Noemí Iglesias, Rodrigo Martín y Mario M. Martínez disponen de la oportunidad de interactuar y, a la vez, de continuar profundizando en sus propios procesos de aprendizaje. A partir de ahí, en sus manos queda el futuro.

Almudena Cueto SánchezDirectora General del Instituto Asturiano de la Mujer y Políticas de Juventud

/ EN SUS MANOS QUEDA EL FUTURO

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Corps, gestes, sensations, émotions, réflexions sur soi, ironie face aux rituels «amoureux», processus collaboratifs... Cela n’est qu’une partie de ce que vont découvrir les visiteurs de la 28e édition de la Muestra d’Arts Plastiques de la Principauté des Asturies qui, une fois de plus cette année, nous dévoile l’œuvre de sept artistes natifs ou résidents dans la région. Le Jury qui les a sélectionnés était composé de Luis Feás, Jaime Luis Martin, Patricia Villanueva, Lydia Santamarina et Bea Villamarín.

Grâce à cette exposition collective, Miguel Braceli —Prix Asturias Joven d’Arts Plastiques 2017—, Tania Blanco, Covadonga Casado, Mariana Heredia, Noemí Iglesias, Rodrigo Martín et Mario M. Martínez ont l’opportunité d’interagir et, en même temps, de continuer à approfondir leurs propres processus d’apprentissage. Partant de là, le futur est dans leurs mains.

Almudena Cueto SánchezDirectrice Générale de l’Institut Asturien pour la Femme et les Politiques de Jeunesse

/ LE FUTUR EST DANS LEURS MAINS

Bodies, gestures, sensations, emotions, reflections about oneself, irony in “loving” rituals, collaborative processes… All this and much more awaits visitors to the 28th Visual Arts Exhibition of the Principality of Asturias which, similarly to previous years, presents the works of seven artists born or living in the Principality of Asturias chosen by a jury made up this year by Luis Feás, Jaime Luis Martín, Patricia Villanueva, Lydia Santamarina and Bea Villamarín.

In this group show, Miguel Braceli—winner of the Asturias Young Artists Award in 2017—,Tania Blanco, Covadonga Casado, Mariana Heredia, Noemí Iglesias, Rodrigo Martín and Mario M. Martínez have the opportunity to interact and, at the same time, to continue exploring their own personal learning processes. And, after that, the future lies in their hands.

Almudena Cueto SánchezGeneral Director of the Asturias Women’s and Youth Policies Institute

/ THE FUTURE LIES IN THEIR HANDS

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Cuerpos, xestos, sensaciones, emociones, reflexones sobre’l propiu yo, ironía nos rituales “amorosos”, procesos collaborativos… Con too esto y muncho más van poder atopase quien transiten per esta 28 Muestra d’Artes Plástiques del Principáu d’Asturies, qu’un añu más nos avera a la obra de siete artistes naturales o residentes nel Principáu d’Asturies, depués de la escoyeta realizada pol xuráu qu’integraron Luis Feás, Jaime Luis Martín, Patricia Villanueva, Lydia Santamarina y Bea Villamarín.

Al traviés d’esta colectiva, Miguel Braceli —Premiu Asturies Xoven d’Artes Plástiques 2017—, Tania Blanco, Covadonga Casado, Mariana Heredia, Noemí Iglesias, Rodrigo Martín y Mario M. Martínez disponen de la oportunidá d’interactuar y, al empar, de siguir afondando nos sos propios procesos d’aprendimientu. A partir d’ehí, nes sos manes queda’l futuru.

Almudena Cueto SánchezDirectora Xeneral del Institutu Asturianu de la Muyer y Polítiques de Mocedá

/NES SOS MANES QUEDA’L FUTURU

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de forma retroactiva”8? ¿O sobre los escombros actuales todavía queda tiempo, como proponía Okwui Enwezor en la 56 Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia, para evaluar todos los futuros del mundo, mientras diversos personajes leían en un espacio, a modo de oratorio monacal, Das Kapital de Karl Marx?

En estos cruces de tiempo, en el construir, en el hacer, en el proceso, en el sentir, en lo pictórico, en lo literario, en el amor, en la acción, en lo plural, nos remiten a producciones distantes, a situaciones y momentos, a sucesivos desamores, a distintas direcciones y múltiples narrativas, como ocurre con las propuestas de los artistas seleccionados en la 28 Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias, una exposición colectiva hecha de trazos individuales. Si acaso lo performativo, entendido como “perfilar un nivel específico de producción de sentido que básicamente existe en toda obra de arte aunque no siempre se configura o aborda de manera consciente; es decir, su dimensión productora de la realidad”9, establece nexos de unión, breves contactos, pero sin acortar distancias, afianzado “que la obra de arte mantiene o coproduce ciertas nociones de historia, progreso y desarrollo”10.

En los años setenta, Dan Graham, en el ensayo El video en la arquitectura, fue consciente de la imposibilidad de un presente puro sin la contaminación

8 https://www.lacasaencendida.es/sites/default/files/cuaderno_expo_dis.pdf (Consulta:13 de marzo de 2018).

9 Dorothea Von Hantelmann, Cómo hacer cosas con arte, Consonni, Bilbao, 2017, p. 24.

10 Cómo hacer cosas con arte, op. cit., p. 26.

histórica o de otro significado, ni siquiera se concebía la idea de un futuro que no arrastre restos de la historia. Pero, en la 9ª Bienal de Berlín (2016), este presente travestido, incomprensible e impredecible, con el tiempo en las pantallas, en el juego, en los datos, sin importar el pasado, con la ficción imponiéndose a la realidad, saboreando el gusto algorítmico, el futuro resulta predecible, familiar e inmutable. Ciertamente estamos más cerca de este present in drag que de realizar las descoordinaciones entre percepciones en las que andaban en los inicios las prácticas videoartísticas.

Las Rechonchas de Covadonga Casado tienen mucho de la mujeres de Rubens trasladadas desde el siglo XVII al McDonald’s, un presente diabético con zapatillas de deporte y selfies comentando regímenes de dietas. ¿Y el miedo al futuro no lo expresa a la perfección Noemí Iglesias deshojando margaritas de porcelana para tener la seguridad de que es amada sabiendo que como el frágil material de sus flores el amor puede acabar en cualquier momento hecho añicos? Tania Blanco apuesta a la realidad y reconfigura la narración del juego del Tangram mediante cálculos matemáticos de todas las posibles combinaciones, descifrando los flujos y condenándolo sin significado. Mario M. Martínez Peláez, en un proyecto introspectivo, afirma: “rebusco en mi pasado… abro cada herida”, un relato xilográfico de gran formato con los dedos de las manos abrazando los pensamientos intrusivos “y así una y otra vez”, suspendidos en el presente.

¿No es un discurso polifónico del pasado en el que nos envuelve la pintura de Rodrigo Martín, que multiplica los

En el libro Nueva ilustración radical, su autora Marina Garcés titula el primer capítulo “Condición póstuma” y lo inicia con la siguiente frase: “Nuestro tiempo es el tiempo del todo se acaba”1. No tenemos futuro, se acaba el progreso, la política, los recursos naturales y energéticos, se acaba la civilización y la especie. Estamos a punto de la extinción. “Ya no estamos –señala la filósofa– en la condición posmoderna que había dejado alegremente el futuro atrás, sino en otra experiencia del final, la condición póstuma”2. No es ni siquiera el tiempo lineal de los vencedores, como apuntaba Walter Benjamin, sino un tiempo por el que resulta imposible transitar, estamos fuera del límite y “la relación de la historia con la vida es ahora la propia de los supervivientes en el ciberespacio”3.

1 Marina Garcés, Nueva ilustración radical, Nuevos Cuadernos de Anagrama, Barcelona, 2017, p.13.

2 Nueva ilustración radical, op. cit., p. 16.

3 José Luis Molinero, “Cambio de tiempo” en Heterocronías. Tiempo, arte y arqueologías del presente, Cendeac, Murcia, 2008, p. 224.

En 1989, José Luis Brea, en el texto Por una economía barroca de la representación, con motivo de la muestra Antes y después del entusiasmo, llevada a cabo en el KunstRAI de Ámsterdam, reflexionaba sobre el fin de lo social, de la historia, de la economía, esa fascinación que se “ha diluido en su propia representación”4, si bien “el entusiasmo, la afección correlativa, la pretendida metástasis posmoderna del espacio de la representación se congela y cristaliza sobre la oportunidad tediosa de su reiteración”5. Y en la exposición Adverbios temporales (2018), su comisaria Cristina Anglada señalaba que “el tema de la muestra lleva implícito cierto sentimiento de nostalgia por el imparable deterioro de la conexión entre la experiencia humana del tiempo y su narratividad y, en definitiva, por las ruinas del presente humano convertidas en fósiles de un futuro posible”6.

¿Podemos trazar otras líneas del tiempo, otros ensayos, otras imágenes, otras conexiones, relaciones y sistemas, otros adverbios? ¿Creemos como Nicolas Bourriaud que “el arte tenía que preparar un mundo futuro: hoy modela universos posibles”7? ¿O, como afirma el colectivo DIS, se “está hablando del futuro para abordar distintas conductas emergentes. Es una manera de definir el presente

4 José Luis Brea, “Por una economía barroca de la representación” en Espacios de Significado. Ensayos de exposiciones de arte en España 1983-2003, EXIT, Madrid, 2018, p.188.

5 “Por una economía barroca de la representación”, op.cit, p. 188.

6 Cristina Anglada, Adverbios temporales, https://www.centrocentro.org/sites/default/files/2018-02/AdvTemporales_web.pdf (Consulta:13 de marzo de 2018).

7 Nicolas Bourriaud, Estética relacional, Adriana Hidalgo editora, Buenos Aires, 2006, p. 11.

Jaime Luis MartínDirector de Valey Centro Cultural de Castrillón

/ TIEMPOS VERBALES

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arqueologías pictóricas, estratos digitales, anacronismos escultóricos, hibridaciones y grafismos. El mercado se inundará de juegos apocalípticos, se hablará de la sostenibilidad, pero serán necesarios más gestos perturbadores “en contra de los modos dominantes de representación mediática”13. Para que el pasado no se confunda con el futuro y vivamos en el presente la oportunidad de un tiempo social inagotable.

13 Infiernos artificiales, arte participativo y políticas de la espectaduría, op cit, p. 368.

monocromos, los campos de color y las geometrías, imágenes portadoras de sensaciones ya vividas, de sueños refugiados en la historia? Y, sin embargo, Alfredo Aracil escribe al referirse a estos trabajos que estamos ante “una gimnasia performativa: energías y desplazamientos”, la pintura como productora de experiencia. Los objetos encontrados, fragmentos de la realidad, los vídeos que Mariana Heredia presenta de forma desordenada sobre una mesa, desplegando diferentes ficciones, cuestionan los procesos cognitivos, propiciando una nostalgia del pasado que descubrimos en el subsuelo.

No resulta extraño que el ganador del Premio Asturias Joven de Artes Plásticas, Miguel Braceli, se encuentre inmerso en proyectos participativos, en un arte que gira hacia la sociología y la filosofía política, ”el arte participativo requiere que encontremos nueva maneras de analizar el arte que ya no está ligado únicamente a la visualidad, a pesar de que la forma permanece como un vehículo crucial para comunicar significado”11. El cuestionamiento de la autoría, el diálogo con todos los agentes implicados, la participación y colaboración, activar una sociedad adormilada mediante “un arte de acción, que interactúe con la realidad, que tome pasos –así sean pequeños– para reparar el vínculo social”12 nos permitirá, de nuevo, intervenir en el tiempo.

No regresaremos al futuro junto a Michael J. Fox, pero seguiremos conviviendo con distintas temporalidades:

11 Claire Bishop, Infiernos artificiales, arte participativo y políticas de la espectaduría, t-e-eoria, México,2016, p. 21.

12 Infiernos artificiales, arte participativo y políticas de la espectaduría, op. cit., p. 25.

“Condición póstuma” [Posthumous Condition] was the title Marina Garcés gave to the first chapter of her book Nueva ilustración radical and she opened it as follows: “Our time is the time when everything ends”1. There is no future; progress has come to an end, and so has politics. Our energy and natural resources are fast dwindling, and even civilization and our species are on the verge of extinction. As the philosopher put it, “we are no longer in the postmodern condition which had blithely left the future behind. Rather we are experiencing another ending, the posthumous condition”2. Now it is not even a case of the linear time of the victors, as Walter Benjamin argued, but a time that is impossible to pass through, because we are already beyond the limit, and the “relationship between history and life is now that of survivors in cyberspace”3.


2 Marina Garcés, op. cit., p. 16.

3 José Luis Molinero, “Cambio de tiempo” in Heterocronías. Tiempo, arte y arqueologías del presente, Cendeac, Murcia, 2008, p. 224.

In an essay called For A Baroque Economy of Representation, which José Luis Brea wrote in 1989 for the exhibition Before and After the Enthusiasm at KunstRAI in Amsterdam, he reflected on the end of society, of history, of economy, on the fascination that “has been diluted in its own representation”4 although “the enthusiasm, the correlative affection, the alleged postmodern metastasis of the space of representation is frozen and crystalized on the tedious opportunity of its reiteration”5. At once, in the exhibition Adverbios temporales [Time Adverbs] curated by Cristina Anglada in 2018, she claimed that “the exhibition’s theme inherently implies a certain nostalgia for the unstoppable deterioration of the connection between the human experience of time and its narrative, and ultimately, for the ruins of all that is human, turned into the fossils of a possible future”6.

Is it possible to draw other timelines, other essays, other images, other connections, relationships and systems, other adverbs? Can we believe, as Nicolas Bourriaud suggests, that “art was intended to prepare and announce a future world” and that “today it is modelling possible universes”7? Or are we, as the art collective DIS maintained, “speaking of the future to address various emerging behaviours, as a

4 José Luis Brea, “Por una economía barroca de la representación” in Espacios de Significado. Ensayos de exposiciones de arte en España 1983-2003, EXIT, Madrid, 2018, p.188.

5 José Luis Brea, op. cit., p. 188.

6 Cristina Anglada, Adverbios temporales, https://www.centrocentro.org/sites/default/files/2018-02/AdvTemporales_web.pdf (Last consulted: 13 March 2018).

7 Nicolas Bourriaud, Relational Aesthetics, Les Presse Du Reel, Dijon, 2002, p. 13.

Jaime Luis MartínDirector of Valey Centro Cultural, Castrillón

/ VERB TENSES

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way of defining the present retroactively”8? Or, on the ruins of today, is there still time, as Okwui Enwezor proposed in the 56th Venice Biennale, to evaluate all the futures of the world, while a team of performers read Karl Marx’s Das Kapital in a kind of monastic oratory?

In these crossroads of time, in constructing, in making and doing, in processes, in feeling, in painterliness, in the literary, in love, in action, in pluralness, we are reminded of distant productions, of situations and moments, of successive detachments, of different directions and manifold narratives, just as happens in the case of the projects by the artists selected for the 28th Visual Arts Exhibition of the Principality of Asturias, a group exhibition composed of individual inputs. One could argue that performativity, understood as “outlining a specific level of the production of meaning that basically exists in every artwork, although it is not always consciously shaped or dealt with, namely, its reality-producing dimension”9, could be seen as a point of connection, establishing brief contacts yet without closing the distance between them, ensuring that the work of art “sustains or co-produces a certain notion of history, progress and development”10.

Back in the seventies, in his Essay on Video, Architecture and Television, Dan Graham was keenly aware of the impossibility of a pure present without

8 https://www.lacasaencendida.es/sites/default/files/cuaderno_expo_dis.pdf (Last consulted: 13 March 2018).

9 Dorothea Von Hantelmann, How to Do Things with Art, JRP|Ringier, Zurich, 2010.

10 Dorothea Von Hantelmann, op. cit.

the contamination of historical or other a priori meanings, and he was not even able to conceive of the idea of a future that did not carry with it the remains of history. But in the 9th Berlin Biennial in 2016, this travestied, incomprehensible and unpredictable present, with time played out on screens, in games, in data, in which the past does not matter, in which fiction imposes itself on reality, savouring the taste of algorithmics, the future seems predictable, familiar and unchangeable. Of course, we are much closer to this present in drag than to realising the dis-coordination between perceptions explored at the beginning of video-art practices.

Rechonchas by Covadonga Casado recalls Rubens’ women transported from the eighteenth century to McDonald’s, a diabetic present with sports shoes and selfies in which they discuss diets. And the fear of the future is expressed to perfection by Noemí Iglesias pulling the petals off porcelain daisies to see whether she is loved or not, knowing full well that, with the fragile material of her flowers, love could end up shattered in smithereens at any moment. Tania Blanco engages with reality and reconfigures the narration of the game of Tangram by means of mathematical calculations of all the possible combinations, decoding flows and making them meaningless. In an introspective project, Mario M. Martínez Peláez claims: “I search through my past … I reopen every wound”, in a large-format woodcut narrative of the fingers holding onto intrusive thoughts “over and over again”, suspended in the present.

Are we perhaps immersed in a polyphonic discourse of the past by the all-enveloping paintings by Rodrigo Martín with their

graphics. The market might be swamped by apocalyptic games, there may be constant talk of sustainability, but we need to see more disturbing gestures “set against the dominant modes of mediatic representation”13 so that the past is not confused with the future and so that we can live now, in the present, the opportunity of an inexhaustible social time.

13 Claire Bishop, op. cit., p. 239.

multiple monochromes, colour fields and geometries, images charged with previously lived experiences and dreams that have found sanctuary in history? Yet when writing about these works, Alfredo Aracil said that we are looking at a kind of “performative gymnastics: energies and displacements”, at painting as a producer of experience. Mariana Heredia’s found objects, little fragments of reality, and videos scattered over a table, deploying a series of disparate fictions, bring cognitive processes into question, sanctioning a sense of nostalgia for a past discovered below the ground.

It comes as no surprise that Miguel Braceli, the winner of the Asturias Young Visual Artists Award, is involved in participative art projects engaged with sociology and political philosophy, because “participatory art demands that we find new ways of analysing art that are no longer linked solely to visuality, even though form remains a crucial vessel for communicating meaning”11. Questioning authorship, dialoguing with all the agents involved, participation and collaboration, activating a numbed society by means of “an art of action, interfacing with reality, taking steps —however small— to repair the social bond”12 will allow us, once again, to intervene in time.

We will not be going back to the future with Michael J. Fox but will continue living in different temporalities: pictorial archaeologies, digital strata, sculptural anachronisms, hybridisations and

11 Claire Bishop, Artificial Hells. Participatory Art and the Politics of Spectatorship, Verso, New York, 2012, p. 7.

12 Claire Bishop, op. cit., p. 11.

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que «l’art devait préparer un monde futur: aujourd’hui, il façonne des univers possibles»7 ? Ou, comme dit le collectif DIS, que «l’on parle du futur pour aborder différents comportements émergents. C’est une façon de définir le présent de manière rétroactive»8 ? Ou, sur les décombres actuels, a-t-on encore le temps -comme le proposait Okwui Enwezor à la 56e Exposition internationale d’Art de la Biennale de Venise- d’évaluer tous les futurs du monde, alors que différents personnages lisaient dans un espace -une sorte d’oratoire monacal- Das Kapital de Karl Marx?

À la croisée de tous ces temps, par le construire, le faire, le processus, le sentir, le pictural, le littéraire, l’amour, l’action, le pluriel, ils nous renvoient à des productions distantes, à des situations et des instants, à des désamours successifs, vers des directions dissemblables et des récits multiples. C’est le cas des propositions des artistes sélectionnés pour la 28e Muestra d’Arts Plastiques de la Principauté des Asturies, une exposition collective faite de tracés individuels. Mais parfois, le performatif -entendu comme destiné à «profiler un niveau spécifique de production de sens tel qu’il existe fondamentalement dans toutes les œuvres d’art même s’il n’est pas toujours configuré ou abordé de manière consciente; c’est-à-dire, sa capacité à produire de la réalité»9- peut créer des liens, des contacts brefs qui ne

7 Nicolas Bourriaud, Estética relacional [Esthétique relationnelle], éditions Adriana Hidalgo, Buenos Aires, 2006, p. 11.

8 https://www.lacasaencendida.es/sites/default/files/cuaderno_expo_dis.pdf (Consultation:13 Mars 2018).

9 Dorothea Von Hantelmann, Cómo hacer cosas con arte [Comment faire des choses avec art], Consonni, Bilbao, 2017, p. 24

réduisent pas pour autant les distances, et assure «que l’œuvre d’art entretient ou coproduit certaines notions d’histoire, de progrès et de développement»10.

Dans les années soixante-dix, dans son essai El vídeo en la arquitectura, Dan Graham était conscient de l’invraisemblance du présent pur, dénué de toute contamination historique ou de tout autre teneur; on ne concevait même pas l’idée d’un avenir qui ne traînerait pas derrière lui les vestiges de l’histoire. Or, à la 9e Biennale de Berlin (2016) ce présent travesti, incompréhensible et imprévisible, où le temps est sur les écrans, dans le jeu, dans les données, insouciant du passé; alors que la fiction s’impose à la réalité, savourant le goût algorithmique, le futur s’avère prévisible, familier et immuable. Nous sommes certainement plus près de ce present in drag que de réaliser les décoordinations entre perceptions que cultivaient, à leurs débuts, les pratiques vidéoartistes.

Les Rechonchas [rondouillardes] de Covadonga Casado ont beaucoup en commun avec les femmes de Rubens transportées du XVIIe siècle dans un McDo, un présent diabétique en chaussures de sport qui pratique les selfies en parlant régime alimentaire. Et la peur du futur? Noemi Iglesias ne l’exprime-t-elle pas parfaitement lorsqu’elle effeuille des marguerites en porcelaine pour s’assurer qu’elle est aimée, sachant qu’à tout moment, comme le matériau fragile de ses fleurs, l’amour peut se briser en mille morceaux? Tania Blanco mise sur la réalité et reconfigure le récit du jeu du Tangram par le calcul mathématique de toutes les

10 Cómo hacer cosas con arte, op. cit., p. 26

L’auteure du livre Nueva ilustración radical, Marina Garcés, intitule son premier chapitre «Condition posthume» et commence l’ouvrage en disant: «Le temps que nous vivons est le temps du tout est fini»1. Nous n’avons pas de futur; le progrès, la politique, les ressources naturelles et énergétiques s’épuisent; la civilisation et les espèces se meurent. Nous sommes au bord de l’extinction. «Nous ne nous trouvons plus -souligne la philosophe- dans cette condition post-moderne qui avait allègrement tourné le dos au passé, nous sommes dans une autre expérience, l’expérience de la fin, la condition posthume»2. Ce n’est même pas le temps linéaire des vainqueurs dont parle Walter Benjamin, mais un temps où il est impossible de transiter, nous avons franchi les limites et «la relation actuelle entre l’histoire et la vie est celle des survivants dans le cyberespace»3.

1 Marina Garcés, Nueva ilustración radical, [Nouvelle illustration radicale] Nuevos Cuadernos de Anagrama, Barcelone, 2017, p.13.

2 Nueva ilustración radical, op. cit., p. 16

3 José Luis Molinero, “Cambio de tiempo” [Changement

En 1989, dans le texte Por una economía barroca de la representación publié dans le contexte de l’exposition Avant et après l’enthousiasme organisée par le KunstRAI d’Amsterdam, José Luis Brea réfléchit à la raison d’être du social, de l’histoire, de l’économie, cette fascination qui «s’est diluée dans sa propre représentation»4 même si l’enthousiasme, l’attachement corrélatif, la soi-disant métastase post-moderne de l’espace de la représentation se glace et cristallise sur l’occasion fastidieuse de sa réitération»5. Cristina Anglada, commissaire de l’exposition Adverbios temporales (2018), a souligné que «le thème de l’exposition est empreint, implicitement, d’une sorte de nostalgie face à la détérioration irréversible de la connexion entre l’expérience humaine du temps et le récit qui en est fait et, en définitive, face aux ruines du présent humain devenues fossiles d’un futur possible»6.

Sommes-nous en mesure de tracer de nouvelles lignes du temps, d’autres essais, d’autres images, d’autres connexions, relations, systèmes; d’autres adverbes? Pensons-nous, comme Nicolas Bourriaud,

de temps] dans Heterocronías. Tiempo, arte y arqueologías del presente [Temps, art et archiologies du présent], Cendeac, Murcie, 2008, p. 224.

4 José Luis Brea, “Por una economía barroca de la representación” [Pour une économie baroque de la représentation] dans Espacios de Significado. Ensayos de exposiciones de arte en España 1983-2003, [Essais d’expositions d’art en Espagne 1983-2003] EXIT, Madrid, 2018, p.188.


6 Cristina Anglada, Adverbios temporales [Adverbes de temps], https://www.centrocentro.org/sites/default/files/2018-02/AdvTemporales_web.pdf (Consultation: 13 mars 2018).

Jaime Luis MartínDirecteur du Valey Centre Culturel de Castrillón

/ LES TEMPS VERBAUX

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en question de la titularité de l’œuvre, le dialogue avec tous les acteurs, la participation et la collaboration, la réactivation d’une société endormie par un «art d’action, interagissant avec la réalité, qui s’emploie -ne serait-ce que modestement- à réparer le lien social»12 nous permettra, là encore, d’intervenir sur le temps.

Nous ne retournerons pas vers le futur avec Michael J. Fox et nous continuerons de vivre dans des temporalités différentes: archéologies picturales, strates numériques, anachronismes sculpturaux, hybridations et graphismes. Le marché sera inondé de jeux apocalyptiques et on parlera de durabilité, mais on aura besoin de gestes plus perturbateurs «contre les modes dominants de représentation médiatique»13. Afin que le passé ne soit pas confondu avec le futur et que nous vivions au présent l’occasion d’un temps social inépuisable.

12 Infiernos artificiales, arte participativo y políticas de la espectaduría, op. cit., p. 25

13 Infiernos artificiales, arte participativo y políticas de la espectaduría, op. cit., p. 368

combinaisons possibles, en en déchiffrant les flux et le condamnant sans signification. Mario M. Martínez Peláez déclare dans un projet introspectif: «Je fouille dans mon passé... Je rouvre chaque blessure», un récit xylographique grand format, les doigts des mains enserrant les pensées intrusives «et ainsi de suite, continuellement», suspendus dans le présent.

Ne sommes-nous pas enveloppés dans un discours polyphonique du passé lorsque nous regardons la peinture de Rodrigo Martín qui multiplie les monochromes, les champs de couleurs et les géométries, des images porteuses de sensations déjà vécues, de rêves réfugiés dans l’histoire? Et pourtant, Alfredo Aracil écrit en référence à ces œuvres que nous assistons à «une gymnastique performative: énergies et déplacements», la peinture en tant que producteur d’expérience. Les objets trouvés, fragments de réalité, les vidéos que Mariana Heredia présente de manière désordonnée sur une table au travers de différentes fictions, interrogent les processus cognitifs et favorisent une nostalgie du passé que nous découvrons en sous-sol.

Il n’est pas surprenant que Miguel Braceli, le lauréat du Prix Asturias Joven des Arts Plastiques, soit plongé dans des projets participatifs, dans un art qui se tourne vers la sociologie et la philosophie politique, «l’art participatif nous oblige à trouver de nouvelles manières d’analyser l’art qui n’est plus seulement lié à la visualisation, même si la forme reste un véhicule indispensable pour communiquer du sens»11. La remise

11 Claire Bishop, Infiernos artificiales, arte participativo y políticas de la espectaduría [Les enfers artificiels, l’art participatif et les politiques du spectateur], t-e-eoria, México,2016, p. 21

Nel llibru Nueva ilustración radical, la so autora, Marina Garcés, titula’l primer capítulu “Condición póstuma” y empiézalu con esta frase: “Nuestro tiempo es el tiempo del todo se acaba”1. Nun tenemos futuru, acaba’l progresu, la política, los recursos naturales y enerxéticos, acaba la civilización y la especie. Tamos a puntu del desaniciu. “Ya no estamos –señala la filósofa– en la condición posmoderna que había dejado alegremente el futuro atrás, sino en otra experiencia del final, la condición póstuma”2. Nun ye nin siquiera’l tiempu llinial de los vencedores, como apuntaba Walter Benjamin, sinón un tiempu pel que resulta imposible transitar, tamos fuera del llímite y “la relación de la historia con la vida es ahora la propia de los supervivientes en el ciberespacio”3.


2 Nueva ilustración radical, op. cit., p. 16.

3 José Luis Molinero, “Cambio de tiempo” n’Heterocronías. Tiempo, arte y arqueologías del presente, Cendeac, Murcia, 2008, p. 224.

En 1989 José Luis Brea, nel testu Por una economía barroca de la representación, pola mor de la muestra Antes y después del entusiasmo llevada a cabu nel KunstRAI d’Ámsterdam, reflexonaba sobre’l fin de lo social, de la historia, de la economía, esa fascinación que se “ha diluido en su propia representación”4 si bien “el entusiasmo, la afección correlativa, la pretendida metástasis posmoderna del espacio de la representación se congela y cristaliza sobre la oportunidad tediosa de su reiteración”5. Y na esposición Adverbios temporales (2018) la so comisaria Cristina Anglada señalaba que “el tema de la muestra lleva implícito cierto sentimiento de nostalgia por el imparable deterioro de la conexión entre la experiencia humana del tiempo y su narratividad y, en definitiva, por las ruinas del presente humano convertidas en fósiles de un futuro posible”6.

¿Podemos trazar otres llinies del tiempu, otros ensayos, otres imáxenes, otres conexones, rellaciones y sistemes, otros adverbios? ¿Creyemos como Nicolas Bourriaud que “el arte tenía que preparar un mundo futuro: hoy modela universos posibles”7? ¿O como afirma’l colectivu DIS se “está hablando del futuro para abordar distintas conductas emergentes. Es una manera de definir el presente de forma

4 José Luis Brea, “Por una economía barroca de la representación” en Espacios de Significado. Ensayos de exposiciones de arte en España 1983-2003, EXIT, Madrid, 2018, p.188.


6 Cristina Anglada, Adverbios temporales, https://www.centrocentro.org/sites/default/files/2018-02/AdvTemporales_web.pdf (Consulta: 13 de marzu del 2018).

7 Nicolas Bourriaud, Estética relacional, Adriana Hidalgo editora, Buenos Aires, 2006, p. 11.

Jaime Luis MartínDirector del Valey Centru Cultural de Castrillón

/ TIEMPOS VERBALES

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retroactiva”8? ¿O sobre l’escombriu actual tovía queda tiempu, como proponía Okwui Enwezor na 56 Esposición Internacional d’Arte de la Bienal de Venecia, pa evaluar tolos futuros del mundu, mentes dellos personaxes lleíen nun espaciu, a manera d’oratoriu monacal, Das Kapital de Karl Marx?

Nestos cruces de tiempu, nel construyir, nel facer, nel procesu, nel sentir, no pictórico, no lliterario, nel amor, na acción, no plural, remítennos a producciones distantes, a situaciones y momentos, a desamores socesivos, a delles direcciones y narratives múltiples, como asocede coles propuestes de los artistes seleccionaos na 28 Muestra d’Artes Plástiques del Principáu d’Asturies, una esposición colectiva fecha de trazos individuales. Si acaso lo performativo, entendío como “perfilar un nivel especifico de producción de sentido que básicamente existe en toda obra de arte aunque no siempre se configura o aborda de manera consciente; es decir, su dimensión productora de la realidad”9, establez nexos d’aunión, contactos curtios pero ensin encurtiar distancies, afitao en “que la obra de arte mantiene o coproduce ciertas nociones de historia, progreso y desarrollo”10.

Nos años setenta, Dan Graham, nel ensayu El vídeo en la arquitectura, foi sabedor de la imposibilidá d’un presente puru ensin la contaminación histórica o d’otru significáu, nin siquiera se concebía la idea d’un futuru

8 https://www.lacasaencendida.es/sites/default/files/cuaderno_expo_dis.pdf (Consulta:13 de marzu del 2018).

9 Dorothea Von Hantelmann, Cómo hacer cosas con arte, Consonni, Bilbao, 2017, p. 24.

10 Cómo hacer cosas con arte, op. cit., p. 26.

que nun arrastre restos de la historia. Pero na 9.ª Bienal de Berlín (2016) esti presente travestíu, incomprensible y impredicible, col tiempu nes pantalles, nel xuegu, nos datos, ensin dar más el pasáu, cola ficción imponiéndose a la realidá, saborguiando’l gustu algorítmicu, el futuru resulta predicible, familiar y inmutable. La verdá ye que tamos más cerca d’esti present in drag que de realizar les descoordinaciones ente percepciones nes qu’andaben nos primeros tiempos les práctiques videoartístiques.

Les Rechonchas de Covadonga Casado tienen muncho de les muyeres de Rubens treslladaes dende’l sieglu XVII al McDonald’s, un presente diabéticu con playeros y selfies comentando rexímenes de dietes. ¿Y el mieu al futuru nun lu espresa a la perfección Noemí Iglesias esfoyando margarites de porzolana pa tener la seguranza de que ye amada sabiendo que como’l material fráxil de les sos flores l’amor pue acabar en cualquier momentu fechu ciñiscos? Tania Blanco apuesta a la realidá y reconfigura la narración del xuegu del Tangram pente medies de cálculos matemáticos de toles posibles combinaciones, descifrando los fluxos y condenándolu ensin significáu. Mario M. Martínez Peláez, nun proyectu introspectivu, afirma: “rebusco en mi pasado… abro cada herida”, un rellatu xilográficu de gran formatu colos deos de les manes abrazando los pensamientos intrusivos “y así una y otra vez”, suspendíos nel presente.

¿Nun ye un discursu polifónicu del pasáu onde nos endolca la pintura de Rodrigo Martín, que multiplica los monocromos, los campos de color y les xeometríes, imáxenes portadores de sensaciones yá vivíes, de suaños abellugaos na

va añagase de xuegos apocalípticos, va falase de la sostenibilidá, pero van ser necesarios más xestos perturbadores “en contra de los modos dominantes de representación mediática”13. Pa que’l pasáu nun se confunda col futuru y vivamos nel presente la oportunidá d’un tiempu social inagotable.

13 Infiernos artificiales, arte participativo y políticas de la espectaduría, op cit, p. 368.

historia? Y, sicasí, Alfredo Aracil escribe al referise a estos trabayos que tamos énte “una gimnasia performativa: energías y desplazamientos”, la pintura como productora d’esperiencia. Los oxetos atopaos, fragmentos de la realidá, los vídeos que Mariana Heredia presenta de forma desordenada enriba d’una mesa, desplegando ficciones diferentes, cuestionen los procesos cognitivos, propiciando una señardá del pasáu que descubrimos nel subsuelu.

Nun resulta raro que’l ganador del Premiu Asturies Xoven d’Artes Plástiques, Miguel Braceli, s’atope metíu en proyectos participativos, nun arte que xira escontra la socioloxía y la filosofía política, “el arte participativo requiere que encontremos nueva maneras de analizar el arte que ya no está ligado únicamente a la visualidad, a pesar de que la forma permanece como un vehículo crucial para comunicar significado”11. El cuestionamientu de l’autoría, el diálogu con tolos axentes implicaos, la participación y collaboración, activar una sociedá adormilada pente medies de “un arte de acción, que interactúe con la realidad, que tome pasos –así sean pequeños– para reparar el vínculo social”12 va dexanos, de nuevo, intervenir nel tiempu.

Nun vamos volver al futuru xunto a Michael J. Fox, pero vamos siguir conviviendo con distintes temporalidaes: arqueoloxíes pictóriques, estratos dixitales, anacronismos escultóricos, hibridaciones y grafismos. El mercáu

11 Claire Bishop, Infiernos artificiales, arte participativo y políticas de la espectaduría, t-e-eoria, México, 2016, p. 21.

12 Infiernos artificiales, arte participativo y políticas de la espectaduría, op. cit., p. 25.

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Por su parte, Tania Blanco (Oviedo, 1987), que formada en Bellas Artes en Valencia y Roma se ha especializado en Grabado y Técnicas de Estampación, con taller propio en Madrid desde 2016, muestra el resultado de dos de sus investigaciones más recientes, relacionadas con la geometría de lo cotidiano. Por un lado un proyecto basado en el ancestral juego chino del Tangram, en el que mezcla la tradición con las nuevas tecnologías, la intuición con el cálculo matemático, que se transmite mediante la xilografía en corte láser y la estampa manual sobre papeles de gran formato. Por otro, una colección de litografías en las que se investigan las derivaciones formales de un entretenimiento, la papiroflexia, que mediante un simple papel y contados gestos permite un rico juego de capas, dobleces, presiones y texturas.

En cuanto a Covadonga Casado (Oviedo, 1994), la más joven de las seleccionadas, aprovecha todo el bagaje que le ha dado su licenciatura en Bellas Artes en Valencia y su máster en Glass Art & Science en la Facultad de Ciencias y Tecnología de la Universidad Nueva de Lisboa (Portugal) para retratar en gran formato los cuerpos rechonchos de varias mujeres, usando carboncillo, lápiz conté y acuarela sobre papel, en toda su rotundidad, al tiempo que se muestra renacida en un tríptico en el que los desnudos se combinan con una abstracción amarilla, en un juego plástico que ya viene de lejos, puesto que las anatomías forman parte de su discurso desde el inicio de su carrera, todavía incipiente aunque prometedora.

Más prolongada es la de Mariana Heredia (Gijón, 1988), licenciada en Salamanca con estudios en Valencia y posgrado en la ciudad alemana de Kassel, donde vive y trabaja, que ya había sido seleccionada en anteriores Muestras de Artes Plásticas del Principado de Asturias, concretamente

la XXIV y la XXVI. Desde 2015 desarrolla la serie de instalaciones Partículas en masas, que agrupan varios objetos e imágenes a través de un sistema muy primario de clasificación tanto reflexivo como intuitivo de las cosas, cuya tercera versión se presenta aquí. Con el subtítulo de El subsuelo, consiste en una mesa de operaciones a modo de tanteo de la realidad, en el que las capas de significado se yuxtaponen como en un hilo invisible sin narración sólida, mediante objetos encontrados que no se dejan al azar y dos vídeos que atraen todas las miradas.

En lo que respecta a Noemí Iglesias (Langreo, 1987), licenciada en BBAA por la Universidad del País Vasco, finalizó sus estudios en Atenas y actualmente vive y trabaja en Taiwán, donde completa un Máster en Cerámica. En la Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias, en cuya edición de 2009 ya había sido seleccionada, presenta una propuesta sobre la mercantilización del enamoramiento, sobre cómo los patrones emocionales son asumidos como iconos de consumo en la producción de una utopía romántica a través de productos “básicos” que se presentan como experiencias del amor y el romance. Consta de varios elementos, desde un vídeo hasta una intervención en pared, en los que la artista deshoja la margarita y cosifica en porcelana esos objetos de felicidad que normalmente acompañan al noviazgo y las celebraciones matrimoniales, combinando con ironía tanto signos orientales como explícitos gestos occidentales.

También el trabajo de Rodrigo Martín (Langreo, 1986) se basa en la impronta del gesto. Formado en Bellas Artes en el País Vasco y Barcelona, su lenguaje pictórico, que conjuga el expresionismo abstracto con la abstracción geométrica, se desarrolla en relación a sus experiencias, conforme a recuerdos o

Resulta complicado encontrar un denominador común que dé unidad y sentido a una exposición tan diversa como ésta. Al igual que las veintisiete ediciones anteriores, la Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias de 2017 ha sido seleccionada por un jurado profesional que para escoger a los siete artistas ganadores puso sobre la mesa toda su multiplicidad de visiones, sin límites formales, conceptuales ni ideológicos, más que unas pocas premisas, dictadas por las bases del concurso. Los elegidos, por su parte, sólo tuvieron que presentar un dossier que demostrara su trabajo continuado y un mérito que les hiciera elevarse sobre el resto de competidores, derrochando actitud, fuerza y ganas, pero con la cabeza bien puesta.

El resultado fue tan heterogéneo como era previsible: cuatro mujeres y tres hombres, autores de acciones, instalaciones, pinturas, grabados, estampaciones, dibujos, vídeos y fotografías. Siete jóvenes artistas nacidos entre 1983 y 1994, bien formados, con estudios fuera, atentos a lo que pasa en su entorno y comprometidos con su tarea, dispuestos a arriesgar lo que sea. Es una cuestión de eficacia, de ejecución templada de las resoluciones propuestas, y de ahí esa conexión en común que podría aventurar la respuesta. En arte todo es gesto, maneras, filosofía interpuesta, y eso es algo en lo que todos concuerdan. Pero es que además eso se traslada a su obra, que es un compendio de prácticas relacionadas con lo performativo y se traduce en una extensión de los cuerpos, propios y ajenos, a los que se cartografía, trazando en carne y hueso sus coordenadas geopolíticas.

Es lo que sucede por ejemplo con el vencedor del Premio Asturias Joven de Artes Plásticas, Miguel Braceli (Venezuela, 1983), formado como arquitecto, que ha desarrollado la mayor parte de su trabajo realizando obras efímeras de gran formato sobre el espacio público, con intervenciones en Argentina, Bolivia, Colombia, Costa Rica, Estados Unidos, España, Chile y Venezuela. Son obras de participación colectiva, entendidas como construcciones sociales y políticas que dibujan conceptos y reelaboran el paisaje, como en la acción Sacar el mar, realizada en la playa de San Lorenzo de Gijón en 2016, con la ayuda de cien metros lineales de polietileno y treinta participantes, en complicidad con Proyectos Artísticos Casa Antonino-PACA. La propuesta busca hacer de ese objetivo imposible una metáfora del esfuerzo y del trabajo conjunto en tensión con las fuerzas de la naturaleza, en un diálogo entre las personas y el paisaje que queda recogido en un vídeo y varias fotografías.


/ UN MUESTRARIO DE CUERPOS Y GESTOS CONTENIDOS

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situaciones que le remiten a sensaciones cromáticas. Progresivamente, su trabajo ha ido derivando en una cada vez mayor simplificación de la imagen, cuyo mejor encaje hasta el momento se ha concretado en sus intervenciones sobre pared. El pintor abre brechas azules o explora campos amarillos en obras de gesto contenido que, a pesar de su orden, dejan traslucir siempre la expresividad de su propuesta plástica, en la que literalmente se introduce.

Finalmente, Mario M. Martínez Peláez (Gijón, 1988), que ya fue ganador del Premio Asturias Joven de Artes Plásticas en 2013, vuelve a dar muestra de su talento en el grabado con el proyecto Recursivo, una edición de 4 imágenes xilográficas de gran formato que fueron estampadas en los talleres de Litografías Viña entre los meses de abril y agosto de 2017. El proyecto, como suele ser habitual en él, nació como una observación crítica de ciertos comportamientos personales poco positivos que, de un modo u otro, condicionan su existencia, al rumiar obsesivamente sus problemas y alterar su percepción del entorno y sus relaciones personales, pero que al menos en su parte artística tienen su vehículo de expresión y no defraudan.

It is never easy to pinpoint the common thread that will give meaning and a sense of unity to an exhibition as varied and diverse as the one at hand. Similarly to the foregoing twenty-seven events, the 2017 Visual Arts Exhibition of the Principality of Asturias is the result of the selection by a jury of experts who, in choosing the seven winning artists, put forward their multiplicity of views without any formal, conceptual or ideological strictures other than the few basic premises set out in the rules and regulations for the competition. In turn, the only prerequisite for the chosen artists was to submit a dossier validating the continuity of their practice and the merits that would make them stand out from other applicants, demonstrating attitude, drive and determination coupled with a good head on their shoulders.

The outcome was as multifarious as one could have imagined: four women and three men who create actions, installations, paintings, engravings, prints, drawings, videos and photographs. Seven well-educated young artists born between 1983 and 1994, who have trained abroad, are acquainted with what is happening around them, and committed to their artistic undertaking, ready and willing to take whatever risks are required. They all proved highly effective in boldly rendering the proposed solution, and therein lies the possible common thread we were looking for. In art, everything is a question of gestures, of ways of doing, of interjected philosophy, which is also something they all share. Furthermore, this attitude is translated into their work, jointly forming a compendium of performative-inflected practices, creating a kind of extension of their bodies —both their own and those of others— which are mapped, outlining their geopolitical coordinates in flesh and blood.

This is the case, for instance, of the winner of the Asturias Young Artists Award, Miguel Braceli (Venezuela, 1983). Trained as an architect, Braceli’s practice is largely developed on the basis of large-format ephemeral works in public spaces, including interventions in Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Costa Rica, Spain, United States and Venezuela. These works are the result of collective participation, and understood as social and political constructs, which define concepts and recreate landscapes, as in Sacar el mar [Take out the Sea], an action carried out in 2016 at the San Lorenzo beach in Gijón, using one hundred metres of polyethylene with the aid of thirty participants and the active support of PACA (Proyectos Artísticos Casa Antonino). The impossible

Luis Feás CostillaCurator of the Visual Arts Exhibition

/ A SAMPLER OF CONTAINED BODIES AND GESTURES

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“loves me-loves me not” and renders in porcelain objects of love usually connected with courtship and wedding celebrations, ironically combining Oriental signs and Western gestures.

The work of Rodrigo Martín (Langreo, 1986) also examines the traces of gestures. After studying Fine Arts in the Basque Country and Barcelona, his painting, which combines Abstract Expressionism and Geometric Abstraction, developed in parallel with his own experiences, memories and personal situations that remind him of chromatic sensations. Martín’s work has gradually evolved towards an increasing simplification of the image, and its best expression to date can be seen in his mural interventions. The painter either gouges blue gashes or explores yellow fields in works predicated on restrained gesture which, despite their order, always convey the expressive power of his visual posture, in which he literally introduces himself.

Finally, Mario M. Martínez Peláez (Gijon, 1988), winner of the Asturias Young Artists Award in 2013, provides further proof of his talent as an engraver with the project Recursivo, an edition of four large-format woodcut images printed at the Litografías Viña workshops from April through August 2017. As is customary with this artist, the project came from a critical observation of certain negative personal traits which, in one way or another, determine his own existence: an obsessive pondering of his own problems and personal relations but which he manages to give an artistic outlet that never disappoints.

goal alluded to in the title is taken as a metaphor of collaborative work and endeavour in opposition to the forces of nature, and a dialogue between people and landscape, documented in a video and several photographs.

After studying Fine Arts in Valencia and Rome, Tania Blanco (Oviedo, 1987) went on to specialise in engraving and printing techniques, and since 2016 she has her own studio in Madrid. She is now presenting the outcome of two of her most recent investigations engaged with the geometry of the everyday. On one hand, we have a project grounded in the ancient Chinese game of Tangram, combining tradition and new technologies, intuition and mathematical calculations, which she conveys through laser woodcut and manual printing on large-format papers; and, on the other, there is a collection of lithographs exploring the formal derivations of a kind of origami, a pastime which uses a simple piece of paper and a limited repertoire of gestures to create an expressive play of layers, folds, pressures and textures.

Covadonga Casado (Oviedo, 1994), the youngest of the artists selected, makes the most of all the knowledge accrued during her BA in Fine Arts in Valencia and her MA in Glass Art & Science at the School of Science and Technology at the Nova University in Lisbon, in order to portray the full-figured bodies of several women in all their splendour using charcoal, Conté crayons and watercolour on paper. At once, she also depicts herself reimagined in a triptych combining nudes with yellow abstraction in a well-grounded visual play. In fact, anatomy has been a core part of Casado’s discourse right from the

very early stages of her still incipient yet promising career.

Mariana Heredia (Gijon, 1988) has a longer trajectory to her credit, with a BA from the University of Salamanca, further studies in Valencia and post-graduate courses in Kassel, Germany, where she lives and works. Heredia had already been selected in two previous editions of the Visual Arts Exhibition of the Principality of Asturias, more specifically the 24th and 26th. Since 2015 she has been working on a series of installations called Partículas en masas [Particles in Masses] in which she combines a number of objects and images using a reflective and intuitive primary classification system, presenting the third version on this occasion. Subtitled El subsuelo [The Subsoil], it consists of an operations table, almost as a kind of rehearsal of reality, in which the layers of meaning are juxtaposed as if in a narrative with no apparent plot, using found objects which are nonetheless anything but random, and two videos which capture the gaze.

After graduating with a degree from the University of the Basque Country, Noemí Iglesias (Langreo, 1987) completed her training in Athens and currently lives in Taiwan, where she is taking an MA in ceramics. For the Visual Arts Exhibition, in which she had already taken part in 2009, she presents a project exploring the commodification of love, and how emotional patterns are co-opted as consumerist icons in the production of a romantic utopia through “basic” products that are presented as experiences of love and romance. The work consists of several elements, including a video and a mural intervention, with which the artist plays

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entre les êtres et le paysage que recueillent une vidéo et diverses photographies.

Quant à Tania Blanco (Oviedo, 1987) qui, formée aux Beaux-Arts de Valence et de Rome, s’est spécialisée en Gravure et Techniques d’Estampage et a ouvert son propre atelier à Madrid en 2016, elle dévoile le résultat de deux de ses recherches les plus récentes, liées à la géométrie du quotidien. D’une part, un projet basé sur le jeu chinois ancestral du Tangram, dans lequel elle mêle tradition et nouvelles technologies, intuition et calcul mathématique, et qu’elle transmet au moyen de la xylographie par découpe au laser et l’estampage manuel sur papier grand format. De l’autre, une collection de lithographies où elle étudie les dérivations formelles d’un divertissement, l’origami, qui, avec un simple papier et des gestes comptés, est un jeu fertile en couches, plis et replis, pressions et textures.

Pour sa part, Covadonga Casado (Oviedo, 1994) -la plus jeune des sélectionnées- profite de tout le bagage dont l’ont dotée son diplôme des Beaux-Arts de Valence et sa maîtrise en Glass Art & Science de la Faculté des Sciences et Technologies de la Nouvelle Université de Lisbonne (Portugal) pour faire le portrait grand format de corps charnus de femmes, au fusain, au crayon Conté et à l’aquarelle sur papier, dans toute leur rotondité, et elle se montre, renaissante, dans un triptyque où les nus sont combinés à une abstraction jaune, en un jeu plastique qui vient de loin puisque les anatomies faisaient déjà partie de son discours au début de sa carrière, encore brève mais prometteuse.

La carrière de Mariana Heredia (Gijón, 1988) est plus longue: diplômée de

l’Université de Salamanque et étudiante à Valence, elle suit un troisième cycle dans la ville allemande de Kassel où elle vit et travaille aujourd’hui. Cette artiste -qui avait déjà été sélectionnée pour les Muestras d’Arts Plastiques de la Principauté des Asturies précédentes, la XXIVème et la XXVIème plus précisément- développe depuis 2015 une série d’installations dite Particules de masse où elle regroupe divers objets et images, suivant un système très primaire de classification des choses, réfléchi et intuitif à la fois, dont la troisième version est présentée ici. Portant le sous-titre Le sous-sol, elle met en scène une table d’opérations, comme une ébauche de la réalité, où les couches de significations sont juxtaposées en une sorte de fil invisible sans narration solide, à l’aide d’objets-trouvés jamais posés au hasard, et de deux vidéos qui saisissent tous les regards.

En ce qui concerne Noemí Iglesias (Langreo, 1987), diplômée des Beaux-Arts par l’Université du Pays Basque, elle a terminé ses études à Athènes et vit actuellement à Taiwan où elle travaille et achève un Master en Céramique. Elle présente à la Muestra d’Arts Plastiques de la Principauté des Asturies -qui l’avait déjà sélectionnée en 2009- une réflexion sur la commercialisation de l’amour; comment les modèles émotionnels sont-ils devenus des icônes de consommation dans la production d’une utopie romantique, au travers de produits «basiques» présentés comme des expériences de l’amour et de la liaison amoureuse. Elle compte plusieurs éléments qui vont de la vidéo à l’intervention sur mur, où l’artiste effeuille la marguerite et réifie en porcelaine tous ces objets du bonheur qui accompagnent traditionnellement les fiançailles et les

Il est difficile de trouver un dénominateur commun qui dote d’unité et de sens une exposition si foisonnante de diversité. En 2017, comme lors des vingt-sept éditions précédentes, la Muestra d’Arts Plastiques de la Principauté des Asturies a été sélectionnée par un jury professionnel qui, pour élire les sept artistes lauréats de l’édition, ont mis sur la table la multiplicité de leurs approches, sans limites formelles, conceptuelles ou idéologique; à peine quelques prémisses, dictées par les bases du concours. Les élus, quant à eux, n’avaient eu qu’à présenter un dossier qui témoigne d’un travail constant et d’un mérite les plaçant au-dessus des autres concurrents par leur attitude résolue, leur force et leur envie, tout en gardant la tête bien faite.

Le résultat est aussi hétérogène que prévisible: quatre femmes et trois hommes, des installations, actions, peintures, gravures, estampages, dessins, vidéos et photographies. Sept jeunes artistes nés entre 1983 et 1994, bien formés, souvent à l’étranger, attentifs à ce qui se passe autour d’eux et engagés dans leur travail, prêts à tout risquer. C’est une question d’efficacité, d’exécution calme et sereine des résolutions proposées, d’où ce fil d’Ariane qui permet d’aventurer la réponse. Dans l’art, tout est geste, manières, philosophie interposée. Si tout le monde s’accorde sur ce point, ici, cela se matérialise en plus dans leur œuvre en un recueil de pratiques qui tient du performatif et se traduit par une prolongation des corps, propres et étrangers, cartographiés par le tracé en chair et en os de leurs coordonnées géopolitiques.

C’est le cas, par exemple, du lauréat du Prix Asturias Joven des Arts Plastiques, Miguel Braceli (Venezuela, 1983). Bien que formé au métier d’architecte, son travail compte essentiellement des œuvres éphémères grand format créées sur l’espace public, en Argentine, en Bolivie, en Colombie, au Costa Rica, aux États-Unis, en Espagne, au Chili et au Venezuela. Ce sont des œuvres de participation collective, entendues comme des constructions sociales et politiques qui expriment des concepts et réélaborent le paysage, comme dans l’action Sortir la mer, réalisée sur la plage de San Lorenzo, à Gijón, en 2016, avec l’aide de cent mètres linéaires de polyéthylène et d’une trentaine de participants, en complicité avec Projets Artistiques Casa Antonino-PACA. La proposition cherche à transformer cet objectif impossible en une métaphore de l’effort et du travail en commun, en tension avec les forces de la nature, en un dialogue

Luis Feás CostillaCommissaire de la Muestra d’Arts Plastiques

/ UN RÉPERTOIRE DE CORPS ET DE GESTES CONTENUS

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noces, en combinant avec ironie les signes orientaux et les gestes occidentaux explicites.

Le travail de Rodrigo Martín (Langreo, 1986) est également fondé sur l’empreinte du geste. Formé aux Beaux-Arts du Pays Basque et de Barcelone, son langage pictural mêle l’expressionnisme abstrait et l’abstraction géométrique; il change en fonction de ses propres expériences, selon des souvenirs ou des situations qui le renvoient à des sensations chromatiques. Son travail a progressivement évolué vers une plus grande simplification de l’image, dont le plus bel exemple se matérialise aujourd’hui dans des interventions sur mur. Le peintre perce des trouées bleues ou explore encore des champs jaunes dans des œuvres au geste contenu qui, malgré l’ordre qui les régit, révèlent toujours l’expressivité de sa proposition plastique dans laquelle il s’introduit littéralement.

Finalement, Mario M. Martínez Peláez (Gijón, 1988), déjà lauréat du Prix Asturias Joven des Arts Plastiques en 2013, fait ici encore la preuve de son talent de graveur avec le projet Récursif, une édition de 4 images xylographiques grand format estampées dans les ateliers Litografías Viña entre les mois d’avril et août 2017. Comme c’est souvent le cas chez lui, le projet a vu le jour au gré d’une observation critique de certains comportements personnels peu positifs qui conditionnent d’une manière ou d’une autre son existence lorsqu’il rumine ses problèmes de manière obsessionnelle et altère donc sa perception du monde et des relations personnelles, mais qui, dans leur penchant artistique ont trouvé leur véhicule d’expression et ne déçoivent jamais.

Nun ye fácil atopar un denominador común que dea unidá y sentíu a una esposición tan diversa como esta. Lo mesmo que les ventisiete ediciones anteriores, la Muestra d’Artes Plástiques del Principáu d’Asturies del 2017 cuntó col criteriu d’un xuráu profesional que pa escoyer a los siete artistes ganadores punxo sobre la mesa tola so multiplicidá de visiones, ensin llímites formales, conceptuales nin ideolóxicos, sacante unes poques premises dictaes poles bases del concursu. Los escoyíos, pela so parte, namás tuvieron que presentar un dossier que demostrara’l so trabayu siguíu y un méritu que-yos fixera superar al restu de competidores, manifestando actitú, fuercia y ganes, pero cola cabeza bien puesta.

El resultáu foi tan heteroxeneu como yera previsible: cuatro muyeres y trés homes, autores d’acciones, instalaciones, pintures, grabaos, estampaciones, dibuxos, vídeos y fotografíes. Siete artistes xóvenes nacíos ente 1983 y 1994, bien formaos, con estudios fuera, sollertes a lo que pasa na so redolada y comprometíos cola so xera, dispuestos a arriesgar lo que sía. Ye xuna cuestión d’eficacia, d’execución templada de les resoluciones propuestes, y d’ende esa conexón común que podría aventurar la respuesta. N’arte too ye xestu, maneres, filosofía interpuesta, y eso ye daqué no que toos concuerden. Pero ye qu’amás eso treslládase a la so obra, que ye un compendiu de práctiques rellacionaes colo performativo y traduzse nuna estensión de los cuerpos, propios y ayenos, a los que se cartografía, trazando en carne y güesu les sos coordenaes xeopolítiques.

Ye lo qu’asocede por exemplu col vencedor del Premiu Asturies Xoven d’Artes Plástiques, Miguel Braceli (Venezuela, 1983), formáu como arquitectu, que desenvolvió la mayor parte del so trabayu realizando obres efímeres de gran formatu sobre l’espaciu públicu, con intervenciones n’Arxentina, Bolivia, Colombia, Costa Rica, Estaos Xuníos, España, Chile y Venezuela. Son obres de participación colectiva, entendíes como construcciones sociales y polítiques que dibuxen conceptos y reellaboren el paisaxe, como na acción Sacar el mar, realizada na sablera de San Llorienzo de Xixón nel 2016, cola ayuda de cien metros lliniales de polietileno y trenta participantes, en complicidá con Proyectos Artísticos Casa Antonino-PACA. La propuesta busca facer d’esi oxetivu imposible una metáfora del esfuerciu y del trabayu conxuntu en tensión coles fuerces

Luis Feás CostillaComisariu de la Muestra d’Artes Plástiques

/ UN MOSTRARIU DE CUERPOS Y XESTOS CONTENÍOS

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Tamién el trabayu de Rodrigo Martín (Llangréu, 1986) básase na impronta del xestu. Formáu en Belles Artes nel País Vascu y Barcelona, el so llinguaxe pictóricu, que conxuga l’espresionismu astractu cola abstracción xeométrica, desenvuélvese en rellación a les sos esperiencies, conforme a alcordances o situaciones que-y remiten a sensaciones cromátiques. Progresivamente, el so trabayu foi derivando nuna cada vez mayor simplificación de la imaxe, que’l so meyor encaxe hasta’l momentu concretóse nes sos intervenciones sobre paré. El pintor abre fiendes azules o esplora campos mariellos n’obres de xestu conteníu que, a pesar del so orde, dexen treslucir siempre la espresividá de la so propuesta plástica, na que lliteralmente s’introduz.

A lo último, Mario M. Martínez Peláez (Xixón, 1988), que yá foi ganador del Premiu Asturies Xoven d’Artes Plástiques nel 2013, vuelve dar muestra del so talentu nel grabáu col proyectu Recursivo, una edición de 4 imáxenes xilográfiques de gran formatu que fueron estampaes nos talleres de Litografías Viña ente los meses d’abril y agostu del 2017. El proyectu, como ye vezu nél, nació como una observación crítica de ciertos comportamientos personales poco positivos que, quiera que non, condicionen la so esistencia, al rumiar obsesivamente los sos problemes y alteriar la so percepción de la redolada y les sos rellaciones personales, pero qu’a lo menos na so parte artística tienen el so vehículu d’espresión y nun defrauden.

de la naturaleza, nun diálogu ente les persones y el paisaxe que queda recoyíu nun videu y delles semeyes.

Pela so parte, Tania Blanco (Uviéu, 1987), que formada en Belles Artes en Valencia y Roma especializóse en Grabáu y Técniques d’Estampación, con taller propiu en Madrid dende’l 2016, muestra’l resultáu de dos de les sos investigaciones más recién, rellacionaes cola xeometría de lo cotidiano. Per un llau, un proyectu basáu nel ancestral xuegu chinu del Tangram, nel qu’entemez la tradición coles tecnoloxíes nueves, la intuición col cálculu matemáticu, que se tresmite mediante la xilografía en corte láser y la estampa manual sobre papeles de gran formatu. Por otru, una colección de litografíes nes que s’investiguen les derivaciones formales d’un entretenimientu, la papiroflexa, que con un simple papel y contaos xestos dexa un ricu xuegu de capes, dobleces, presiones y testures.

Tocantes a Covadonga Casado (Uviéu, 1994), la más xoven de les escoyíes, aprovecha tol bagaxe que-y dio la so llicenciatura en Belles Artes en Valencia y el so máster en Glass Art & Science na Facultá de Ciencies y Tecnoloxía de la Universidá Nueva de Lisboa (Portugal) pa retratar en gran formatu los cuerpos regordetos de delles muyeres, usando carboncillo, llápiz conté y acuarela sobre papel, en tola so rotundidá, al empar que s’amuesa renacida nun trípticu nel que los desnudos combínense con una abstracción mariella, nun xuegu plásticu que yá vien de llueñe, yá que les anatomíes formen parte del so discursu desque empezó la so carrera, tovía incipiente anque prometedora.

Más enllargada ye la de Mariana Heredia (Xixón, 1988), llicenciada en Salamanca con estudios en Valencia y posgráu na ciudá alemana de Kassel, onde vive y trabaya, que yá fuera escoyida n’anteriores Muestres d’Artes Plástiques del Principáu d’Asturies, concretamente la XXIV y la XXVI. Dende’l 2015 desenvuelve la serie d’instalaciones Partículas en masas, qu’arrexunten dellos oxetos y imáxenes al traviés d’un sistema bien primariu de clasificación tanto reflexivu como intuitivu de les coses, que la so tercer versión preséntase equí. Col subtítulu d’El subsuelo, consiste nuna mesa d’operaciones a manera de tantéu de la realidá, nel que les capes de significáu yustapónense como nun filu invisible ensin narración sólida, mediante oxetos atopaos que nun se dexen al azar y dos vídeos qu’atraen toles miraes.

No que fai a Noemí Iglesias (Llangréu, 1987), llicenciada en BBAA pola Universidá del País Vascu, remató los sos estudios n’Atenes y anguaño vive y trabaya en Taiwán, onde completa un Máster en Cerámica. Na Muestra d’Artes Plástiques del Principáu d’Asturies —ella yá fuera escoyida na edición de 2009— presenta una propuesta sobre la mercantilización del namoramientu, sobre cómo los patrones emocionales son asumíos como iconos de consumu na producción d’una utopía romántica al traviés de productos “básicos” que se presenten como esperiencies del amor y el romance. Consta de dellos elementos, dende un videu hasta una intervención en paré, nos que l’artista esfueya la margarita y cosifica en porzolana esos oxetos de felicidá que de normal acompañen al novialgu y les celebraciones matrimoniales, combinando con ironía tanto signos orientales como esplícitos xestos occidentales.

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/ OBRAS

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Valencia, Venezuela, 1983

/ MIGUEL BRACELI

Sacar el marPlaya de San Lorenzo, Gijón, 2016

Serie Apologías de lo posible, Acto II100 metros lineales de polietileno

Proyecto colectivo con 30 participantesRealizado como artista residente en PACA

Proyectos Artísticos Casa AntoninoVídeo2’ 55’’

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Fotografía80 x 110 cm.

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Secuencia de tres fotografías40 x 60 cm.

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Oviedo, 1987

/ TANIA BLANCO

Tangram 127, 2017 (Detallle)Matriz xilográfica de corte láser/papel Hahnemühle blanco75 x 75 cm.

Tangram 127, 2017 (Detallle)Impresión digital/papel cebolla75 x 75 cm.

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Serie Papiroflexia, 2017Xilografía y litografia/papel Fabriano50 x 50 cm.

Serie Papiroflexia, 2017Litografia/papel Fabriano50 x 50 cm.

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Serie Papiroflexia, 2017Litografia/papel Japonés38 x 28 cm.



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Oviedo, 1994

/ COVADONGA CASADO

Rechoncha 1, 2017Carboncillo, lápiz conté y

acuarela/papel150 x 146 cm.





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Reborn, 2017TrípticoCarboncillo, lápiz conté y acuarela/papel100 x 70 cm. cada uno

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Gijón, 1988

/ MARIANA HEREDIA

Partículas en masas. El subsuelo, 2017-2018Instalación

Varios objetos, imágenes y vídeos digitales sin sonido sobre mesa asimétrica

50 x 244 x 122 cm.

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1. India detrás de contenedor y plásticos de diferentes espesores. / 2. Vídeo fin de la jornada laboral. / 3. Erika Sulzer-Kleinemeier, “Ostermarsch’68 gegen Notstandsgesetze” 1968, montaña de confeti y mujer encima, alambre de toma de tierra. / 4. Pieza redonda oxidada. / 5. Goma del visor de una cámara de fotos, parte de una botella de spray azul manchada de rosa, marco de una gafa de bucear. / 5. Restos de cerámica. / 6. Pañuelo incrustado en adoquines, rotonda a vista de pájaro. / 7. Insectos agrupados en baldosas. / 8. Trozo de papel arrancado de una pared. / 9. Cuatro tapas protectoras de extremos de diferentes utensilios. / 10. Trozos de cerámica con rayas azules. / 11. Media bola verde y planta artificial. / 12. Cuatro fragmentos: un CD, un azulejo, un trozo de cristal irisado, trozo metálico rojo. / 13. Marco. / 14. Vídeo olas que se iluminan. / 15. Algas blancas y verdes y cristal encima. / 16. Piedra de aglomerado, un trozo de galipote, goma antideslizante, asfalto. / 17. Boquilla para inflar y parches para reparar neumáticos. / 18. Punto fosforescente en la pared. / 19. Lámpara para proyector. / 20. Película velada enroscada. / 21. Cinta aislante. / 22. Papel de aluminio. / 23. Protector de auricular.

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Langreo, 1987

/ NOEMÍ IGLESIAS

El oficio de las flores, 2017Vídeo performance

20’

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Diao Ni, 2017Escultura de porcelanaProducida en la fábrica de Maneki Neko (Dehua, China)26 x 26 x 24 cm.

You are in my heart, 2017Instalación con flores de porcelanaVarias dimensiones

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Langreo, 1986

/ RODRIGO MARTÍN

Yellow fold, 2016Acrílico/tela30 x 40 cm.

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Yellow disclosure, 2016Acrílico/tela40 x 30 cm.

Yellow disclosure, 2016Acrílico/tela40 x 30 cm.

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Brecha #01, 2017Acrílico/tela41 x 33 cm.

Brecha #02, 2017Acrílico/tela41 x 33 cm.

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Gijón, 1988

/ MARIO M. MARTÍNEZ

Recursivo 1, 2017Xilografia/papel

100 x 70 cm.

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Recursivo 2, 2017Xilografia/papel100 x 70 cm.


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/ TRAYECTORIAS

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Miguel Braceli es artista visual y arquitecto. Se gradúa en la Universidad Central De Venezuela (2007). Mención Honorífica: Magna Cum Laude, obteniendo el primer decil de su promoción. Recibe el título de M.Sc. en Diseño Arquitectónico de la Universidad Central de Venezuela (2013). En el año 2018 comienza estudios de Postgrado en Bellas Artes en los Estados Unidos.

Ha desarrollado la práctica artística en el campo de las intervenciones y la fotografía, exponiendo nacional e internacional en distintos Bienales de Arte y galerías privadas. La mayor parte de su trabajo se ha construido en obras efímeras de gran formato sobre el espacio público, realizando intervenciones en Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Costa Rica, Estados Unidos, España, y Venezuela, Recibe el Segundo premio del Salón Jóvenes con FIA/XVII Edición (2014). Obtiene mención en el “Concurso Nacional de Arquitectura Recinto Ferial Caracas” (2013) y es ganador del Concurso Nacional de Diseño “Escultura Urbana: Homenaje al pueblo venezolano” a través de la propuesta Paisaje de Proa (2009).

Obtiene mención honorífica en la VII Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo en Cádiz por el cortometraje “transgresiones” (2012).

Ha conducido distintos proyectos de educación, organización y participación con distintas Instituciones, tales como el MoMA (Instameet MoMA CCS, 2014), la Embajada Americana (Balance, 2013), Museo de Bellas Artes de Caracas (Espacios Sensoriales, 2012) entre otros.

Recibe el premio “Artista Emergente 2014” de la Asociación Internacional de Críticos de Arte. Recientemente ha participado en las muestras “Panorama de Obras” de la X Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo y “Fuerzas Urbanas” en la XV Bienal de Arquitectura de Venecia. Así como realizado distintas exposiciones individuales y colectivas en espacios como el Museo de Arte Contemporáeno del Zulia (Venezuela), Museo de Arte Contemporáneo de Catamarca (Argentina), el Museo de Bellas Artes de Caracas (Venezuela), Museo de la Memoria y los Derechos Humanos (Chile), El Centro Moore (Estados Unidos), Parque Cultural Hacienda La Trinidad (Venezuela), entre otros.

Es profesor de escalafón en el área de diseño y pertenece al Centro de Estudio del Espacio Arquitectónico de Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Central de Venezuela desde el año 2008. Actualmente también es profesor del Diplomado de Arte Contemporáneo de la Sala Mendoza junto a la Universidad Metropolitana. Coordinador del Taller X de la FAU UCV. Director y fundador de Proyecto Colectivo, un espacio de experimentación desde donde ha venido desarrollando su trabajo para la producción de obras en el espacio público a través de modelos participativos.

Valencia, Venezuela, 1983Su e-mail es: [email protected]

/ MIGUEL BRACELI

Tania Blanco es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, finalizando sus estudios en la Universidad de Roma en 2010. Tras su paso por la universidad decidió ampliar sus conocimientos de Gráfica realizando un Ciclo Superior de Grabado y Técnicas de Estampación en la Escuela Superior de Arte de León (2015), y un Máster de Diseño y Pre-impresión en la Escuela Aula Creativa de Madrid (2011).

Después de poner en marcha su propio taller de grabado en 2016, ha sido invitada a la Escuela Internacional de Gráfica de Venecia, donde hoy en día colabora como maestra de taller, y en el Centro Internacional de Estampa Contemporánea de la Coruña(CIEC), donde ha experimentado con el proceso litográfico.

Ha comenzado a exponer el resultado de sus investigaciones en los principales certámenes de grabado del estado, en ferias, festivales; y exposiciones.

Su obra ha sido seleccionada en 2017, entre otros, en los siguientes certámenes:

En Galicia, en el Jesús Núñez, y en Atlante, en Madrid en el Certamen Nacional de Grabado de José Caballero, San Lorenzo del Escorial, Carmen Arozena y Cada de la Moneda; en Oviedo en el Certamen de Alfara y en CMYK en Salamanca y Barcelona.

En 2017 ha expuesto en dos ocasiones y de forma colectiva en el Museo Barjola en las exposiciones tituladas Multigrafías de los cinco sentidos y Artistas y derivados. Fue tambien seleccionada en Ferias Internacionales de grabado como las de Bilbao y Oviedo. Este mismo año tambien ha participado en el festival de arte en el medio rural asturiano Néxodos con una intervención site-specific, y ha sido seleccionada en la 28 Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias.

Oviedo, 1987Su e-mail es: [email protected]

/ TANIA BLANCO

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Graduada en Bellas Artes en la Facultad de San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia y en Vysokä skola umëleckoprëmyslová de la Universidad de Praga. Máster en Arte y Ciencia del Vidrio en la Facultad de Ciencia y Tecnología de la Universidad Nova de Lisboa (Portugal).

EXPOSICIONES INDIVIDUALES2017COVCO. Lata de Zinc. Oviedo.

EXPOSICIONES COLECTIVAS2017Embolados. Sala Borrón de OviedoUna mirada a la Fábrica de Armas de Oviedo. Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo.

2016EXIT. Galería NTK. Praga.Shark Attack. Vysokä sKola umëleckoprëmyslová v Praze. Sculture Studio. Praga.ARTSEMESTR. Vysokä sKola umëleckoprëmyslová v Praze. Sculture Studio. Praga.

ALTER EGO III, autorretratos en papel. Galería Las Naves. Valencia.

2015900º. Universidad Politécnica de Valencia.

RESIDENCIAS ARTÍSTICAS2017Residencia artística “Matrioska” en Os Blancos. Ourense.

Oviedo, 1994Su e-mail es: [email protected]

/ COVADONGA CASADO

Mariana Heredia se licencia en la Universidad de Salamanca en el 2011, tras una estancia de un año en la Universidad Politécnica de Valencia. En 2012 inicia en la Kunsthochschule de Kassel (Alemania) sus estudios de posgrado, desarrollando su práctica artística de carácter instalativo y audiovisual. Concluye el primer año con una exposición en el Kunsttempel de Kassel, una instalación multimedia bajo el nombre El mismo procedimiento que el año anterior. El último año de máster trabaja junto a otros artistas dentro del colectivo O. Stark, que se da conocer por medio de la exposición Sprung en el espacio Interim (Kassel).

Su obra ha sido expuesta en diversos espacios entre los que destacan las exposiciones colectivas Turn, Heat, Power & Light en la galería Burg Giebichenstein (Halle), Ab Nach São Paulo (São Paulo) proyecto de colaboración entre los colectivos Tokonoma y Colectivo 2E1, en el 2013. Parcours en la Galería OQBO (Berlín), Hochparterre en el Moltkerei Werkstatt (Colonia), durante el año 2014. En el 2015 participa en la colectiva Innenwelten

und Schatzkammer en la Chrämerhuus (Langenthal, Suiza). En el 2016 forma parte de la exposición Artistas y Derivados en el Museo Barjola (Gijón) y de la XXVI Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias, de la que ya formaría parte en su XXIV edición.

Durante el año 2017 trabaja en la coordinación técnica de la documenta 14, una exposición internacional de cien días de duración, que en su 14 edición tiene lugar en Kassel y Atenas. Paralelamente desarrolla la serie de mesas instalativas Partículas en Masas, que iniciara en 2015 con la obra Los restos, los residuos, los recuerdos, expuesta en la Rundgang KHS de Kassel. En la XXVIII Muestra de Artes Plásticas del Principado presenta la tercera intervención de esta serie.

Actualmente vive y trabaja en Kassel y Gijón.

Gijón, 1988Su e-mail es: [email protected]

/ MARIANA HEREDIA

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Licenciada en BBAA por la Universidad del País Vasco, obtiene una beca Erasmus en 2009 trasladándose a la Escuela de Bellas Artes de Atenas donde finalizó sus estudios.

Ese mismo año es seleccionada en la Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias y forma parte de la programación NEXT del Centro Cultural Montehermoso de Vitoria con el proyecto “Meriñan”, una investigación plástica sobre la inmediata demolición de una barriada obrera asturiana.

Instalada en el país heleno desde ese mismo año, trabajó como asistenta cultural en el Instituto Cervantes gracias a la beca Argos Global. Asimismo, en este periodo, desarrolla un análisis desde criterios poético-formales sobre la respuesta social del país ante las medidas de austeridad tomadas por el gobierno: Petres. Proyecto que obtiene en 2012 la beca de producción Al Norte y sus resultados fueron exhibidos de forma individual en la Galería Guillermina Caicoya de Oviedo y colectivamente en las fundaciones E.P.A.S.K.T y Mixalis Kalogiannis de Grecia

En 2013 se traslada a Inglaterra donde centra su práctica en procesos performativos de larga duración. El proyecto “Summer Boyfriend Wanted” fue presentado en el South Bank Bristol, y la Bienal de Bristol (UK), y en Berlín Month of Performance (GE), apoyado por la plataforma Ausform Performance Platform.

Gracias a las “Ayudas para Jóvenes Emprendedores” de la Unión Europea, en 2014 comienza a trabajar para el International Cerámica Studio de Hungría como técnica de materiales. En este periodo cabe destacar su instalación “Wishing Well” en el Sziget Festival de Budapest y la exposición individual “Late at Night” en la galería Kapolna del mismo país... Desde ese momento, Noemí centra su práctica en la creación cerámica contemporánea trabajando para instituciones como La Meridiana School of Ceramics (IT), The Pottery Museum (GB) o el Arctic Ceramics Center (FI)

Actualmente vive y trabaja en Taiwán donde completa sus estudios de Máster en Cerámica en la Tainan Matinal University of the Arts, gracias a una de las Becas del Gobierno de Taiwán para estudios universitarios.

En 2017 su trabajo a podido verse en la Sala de aRte Joven de la Comunidad de Madrid con el proyecto” apuntes para una psiquiatría destructiva” comisariada por Alfredo Aracil. El Museo de Arte Contemporáneo de Taipei en la colectiva “Inside the white cube”, el Aichi Prefectual Ceramics Museum de Japón y la galería Chin Chin de Tainan City.. Finalmente ha participado en la colectiva “San Claudio, In memoriam 1901-2009) en el Museo Arqueológico de Oviedo, una reflexión artística sobre el patrimonio industrial de la fábrica de loza de San Claudio.

Langreo, 1987Su e-mail es: [email protected]

/ NOEMÍ IGLESIAS

Rodrigo Martín es un artista plástico que desarrolla su lenguaje pictórico en relación a sus experiencias y en busca de la esencia de la realidad. Basándose en recuerdos o situaciones que le remiten a sensaciones cromáticas, parte de una forma inicial, básica y gestual que se va transformando y uniéndose a la pintura. Un trabajo pictórico siempre ligado al expresionismo abstracto en anteriores series y que en este caso ha derivado en la simplificación de la imagen en busca de una manera de destacar la impronta del gesto. La temática ha ido variando hasta el punto de ensamblar una serie de formas cercanas a elementos escultóricos tridimensionales representados en el espacio bidimensional y que encierran o contienen el potencial de la pintura expresionista (El gesto). Una obra que conjuga dos tipos de abstracción como son la abstracción geométrica y la gestual en una misma representación.

Rodrigo Martín ha realizado varias exposiciones individuales: 2017 La Fobia, El Culto, El Dogma. Galería Gema Llamazares (Gijón). Acto Abstracto. Sala Borrón. Oviedo. Acto Abstracto.

Sala Miquel Barceló. Felanitx (Mallorca) 2015 Mapas de invierno. Espacio Rufino Mendoza. Badajoz// 2013 Standing Out. Galería Bat Alberto Cornejo. Madrid. / Last Gate /. Galería Octógono. Avilés (Asturias). 2012 Gates. Galería Dasto. Oviedo; Gloria Heldmound Gallery y Galería ArteA2 de Navarra/ Nocturna. C.C. Pola de Laviana e IES David Vázquez// 2011 Nocturna. Galería Dasto. Oviedo. Noches Negras. Galería el Arte de lo Imposible (Gijón). In&Out. Galería LAI (Espacio Íntimo).Gijón/ Cerca, Trova. Pinacoteca Eduardo Úrculo de Langreo. 2010 Cerca, Trova Casa Municipal de Cultura de Avilés /Étnica. Centro Francesc Candel.L´Hospitalet de Llobregatat. Barcelona// 2009 Barcelona: vacui. Casa de Cultura “Teodoro Cuesta”. Mieres (Asturias) y Galería Graciaarts Project. Y participado en innumerables colectivas. En 2016 fue 1 Premio en el II Certamen de Arte Ciudad de Felanitx de Mallorca. En 2013 finalista del Certamen Jóvenes Creadores “Byond Arting” en Madrid y en 2012 seleccionado en la Bienal de Pintura de Noreña, Certamen Nacional de Arte de Luarca, Bienal de Pintura “Nicanor Piñole” y Premio Pintura Joven de Gijón.

Langreo, 1986Su e-mail es: [email protected]

/ RODRIGO MARTÍN

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Concurso de Proyectos de Artes Gráficas y Edición Fundanción Alvargonzalez (2017)Premio de Intervenciones Artísticas Urbanas #PlanHUCA (2017)

2015Premios Mestre a la excelencia académica [Finalista]Certamen Nacional de Arte Pancho Cossio Sección: Videocreación

2014I Certamen Nacional de Arte Joven de Gijón [Seleccionado]30º Concurso del Comic Ciudad de Cornellá [Sección Animación]Premio Asturias Joven de Artes Plásticas (2014)

2013CNAL, Certamen Nacional de Arte de Luarca (2013) [Seleccionado]Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias (2012/2013) [Seleccionado]

PUBLICACIONESPurria (Vida Disoluta) 2016/PASO (Vida Disoluta) 2016//Ruido Blanco (Vida Disoluta) 2015//Fóvea (Vida Disoluta)2014/Tres Puñales 2014/Pensamiento Ideofugitivo (Vida Disoluta) 2013-2014//Schistocerca (Vida Disoluta) 2013//SoF Zine (Vida Disoluta) 2009-2013//Cheaper than Portugal (Vida Disoluta) 2007-2014//Rompe tu círculo (DVD) 2012/Del 9 al 13 (Vida Disoluta) 2012/Rencontre (Academie Royal des Beaux Arts de la Ville de Liege) 2012//¿Quien te necesita? (Vida Disoluta) 2011/Arañas Cerebrales (Vida Disoluta) 2011/Mira, tu novio (Vida Disoluta) 2010

Técnico por la Escuela de Arte de Oviedo en Grabado, Técnicas de Estampación y Edición de Arte. El proyecto fin de estudios lo hizo en la Academie Royal de Beaux Arts de Liege (2011-2012. Su experiencia profesional se vehicula entre la ilustración, el diseño, la maquetación y la serigrafía.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES2014Sala Borrón. Oviedo.

2013Escombrera. Escuela de Arte de Oviedo.Casa Municipal de Cultura de Avilés. Rompe tu círculo. Sala Lai, Gijón.

2012 Turbulencias. Laberinto, Gijón.

EXPOSICIONES COLECTIVAS2017Tan Cerca. Galería Alfara. Oviedo.

2015FISAD 2015. Academia Albertina, Turín (Italia).Universo de Video.LABoral Centro de Arte, Gijón.Mirar en un espejo, 25 años de Arte Joven en Asturias.(Sala Sabadel-Herrero. Oviedo

2014-2016Pensamiento Ideofugitivo Hester’s, Barcelona; Sala Siroco, Madrid; La Vida Alegre, Gijón; Lata de Zinc, Oviedo. I Certamen Nacional de Artes Plásticas de Gijón (Antiguo Instituto Jovellanos). Muestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias 2014.

2013Muestra de visuales en El Arte de lo Imposible (Noches Blancas 2013)Exposiciones relacionadas con el CNAL (2013). ItineranteMuestra de Artes Plásticas del Principado de Asturias 2013. Itinerante.Cloudsville (Gloria Helmound, Gloriaheldmound.org).

2012Proyectos con l’Academie Royal de Beaux Arts (Liege) 2012

PREMIOS Y BECAS2017Becas para la pruducción artística Factoría Cultural de Avilés (Gráfica) (2017)Open Portfolio FIG Bilbao (2017) [Seleccionado]Proyecto Tan Cerca (2017)

Gijón, 1988Su e-mail es: [email protected]

/ MARIO M. MARTÍNEZ

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28 MUESTRA DE ARTES PLÁSTICAS DEL PRINCIPADO DE …/Sobre Culturaquí...Noemí Iglesias deshojando...

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