Obras NEOCLÁSICAS

La muerte de MaratLas tres Gracias

El baño turcoEl dolor y los lamentos de Andrómaca sobre el cuerpo de Héctor

Psique reanimada por el beso del amor

Anasofia Quintero Rivas C.I 20 433 572

Escuela: 82Historia del arte II

TITULO: La muerte de MaratAUTOR: Jean-Louis DavidESTILO: Pintura neoclásicaCRONOLOGÍA: 1793TÉCNICA: Óleo sobre lienzoLUGAR: Museo del Louvre

David pinta a Marat en el momento de la muerte, apenas ha sangrado aún. El brazo con el que estaba escribiendo ha caído pesadamente al suelo y la cabeza se desplaza hacia atrás. Los labios entreabiertos expiran el último suspiro mientras su rostro pasa suavemente del dolor a la paz. En la mano sostiene aún el papel con el que Charlotte se introdujo en su apartamento.

Allí se puede leer: "13 de Julio de 1793". De Marie Anne Charlotte Corday al ciudadano Marat: la terrible desgracia que tengo me da derecho a pedir vuestra amabilidad..." En oposición a este papelito traicionero, en la mesa improvisada en un cajón se puede leer el último despacho que había resuelto Marat: "dispondréis esta asignación para esa madre de cinco hijos cuyo marido murió en defensa de la patria..." La disposición de los elementos es tan sobria como la de un cuadro religioso.

Toda la estructura se basa en verticales y horizontales. En el suelo se ve el puñal caído. La mitad superior del cuadro está completamente vacía, transmite un agobiante silencio y frío. Una sombra clara asciende en diagonal evocando la huida de la vida del cuerpo agonizante.

Titulo: Las tres GraciasAutor: Peter Paul Rubens Estilo: Pintura perteneciente al arte BarrocoFecha: 1625/30LUGAR: Museo del PradoMaterial: Oleo sobre tabla

Las Tres Gracias se llamaban Eufrosine, Talía y Anglae y eran hijas de Zeus y Eurymone. Siempre aparecen desnudas ya que la belleza no necesita cubrirse. Son las representaciones de la afabilidad, la simpatía y la delicadeza.

Rubens mantiene la composición del italiano Rafael, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo.

También ha cambiado el canon de belleza, empleando el típico de sus pinturas, con mujeres entradas en carnes pero proporcionadas, elegantes. La sensación de movimiento y gracia que irradian las tres jóvenes es excelente, obteniendo el efecto de invitar al espectador a integrarse a la escena. Las flores de la guirnalda superior y el fondo de paisaje acentúan la belleza del conjunto. El fuerte foco de luz que utiliza el maestro resalta el colorido perlado de las muchachas, en cuyos rostros creen algunos reconocer las facciones de las dos esposas del pintor -Isabella Brant y Hélène Fourment- mientras otros opinan que se trata de diferentes variaciones de ésta última. La belleza femenina de la pintura de Rubens está resumida en este magnífico trío.

TITULO: Baño turcoAUTOR: J. Auguste Dominique Ingres FECHA: 1862-63MUSEO: Museo Nacional del LouvreESTILO: Neoclasicismo FrancésMATERIAL: Oleo sobre lienzo

El desnudo es el tema principal de esta obra. Al ejecutar esta obra el artista se basa en los escritos de madame Montague, esposa del embajador inglés en Constantinopla, realizados tras la estancia en el "baño más bonito de la ciudad".

Ingres representa con una gran dosis de sensualidad mujeres desnudas en distintas actitudes: estiradas, apoyadas sobre cojines, tomando café, charlando, tomando un baño, bailando, etc. El pintor coloca en esta pintura otros desnudos realizados anteriormente por él como son: La bañista de Valpinçon, La odalisca y La pequeña bañista, constituyendo un resumen de sus experiencias vividas a lo largo de su trayectoria artística.

En un principio la obra iba a ser rectangular, pero finalmente el pintor transformó la composición en tondo, otorgando una nueva y acertada dimensión a la obra y reforzando, de este modo, la cadencia de los cuerpos femeninos desnudos. Este formato compositivo produce la sensación en el espectador de estar vulnerando la intimidad de estas mujeres.

TITULO: Andromaca velando a HectorAUTOR: Jacques Louis David FECHA: 1783MUSEO: Museo Nacional del LouvreESTILO: Neoclasicismo FrancésMATERIAL: Oleo sobre lienzo

La historia que narra una vez más se remite a la antigüedad clásica, concretamente a la Ilíada, libro del que extrajo abundantes motivos para sus cuadros. Héctor era el hijo de Príamo, el rey de Troya. Había defendido la ciudad durante más de diez años. Su mujer Andrómaca era el modelo de madre amantísima y esposa fiel.

Héctor mató a Patroclo, Aquiles mató a Héctor y humilló el cadáver de su enemigo en el funeral. Sin embargo, Andrómaca consiguió que el griego le devolviera el cuerpo de su esposo para honrarlo a su vez. Aquí podemos ver la escena. David va depurando su estilo, que veíamos agitado y sentimental en el Funeral de Patroclo.

En esta ocasión, ha realizado una severa composición geométrica en una gama casi monócroma, lo que le da un aspecto muy frío. Andrómaca, con los ojos llenos de lágrimas, acoge su hijo e implora a los dioses acerca del destino de su esposo. El hermoso pero gélido cuerpo de Héctor yace en un lecho, coronado con laurel como un triunfador, con las armas a los pies de la cama. El mobiliario y las armas fueron copiados por David de grabados y relieves antiguos.

En los relieves de la cama podemos intuir la historia de Troya, con la escena de la muerte de Héctor al final, tras el respaldo de Andrómaca, como punto final de un ciclo iniciado mucho antes.

TITULO: Psique reanimada por el beso del amorAUTOR: Antonio Canova. AÑO:1793.LUGAR: Musée du louvre (Paris)Estilo: neoclásicoAltura: 1,55 m. Largo: 1,68 m. Ancho:1,01 m.Material: mármol.Técnica: esculpido.

  Corresponde con un grupo escultórico de bulto redondo compuesto por dos figuras semi-desnudas, que provocan gran erotismo y sensualidad en el espectador. El artista concibió la obra para ser observaba desde todos los puntos de vista; lo demuestra la previsible base móvil y el asa de hierro que embutió en el lado derecho, que invita a girar la escultura para disfrutarla 360 grados.

Esta primera versión de Eros y Psique creada por Cánova entre 1786 y 1793 fue realizada en mármol blanco en varias piezas mediante la técnica de la talla con gran virtuosismo y perfección técnica. La luz que se proyecta en ambas figuras juega un papel fundamental en la composición, ya que produce en ellas bellos efectos lumínicos de claroscuro que le dan un carácter pictoricista. A su vez, en la obra también se aprecia una gran luminosidad debido a la blancura y transparencia del mármol extraído de la Cueva del Polvaccio. 

Obras POSIMPRESIONIST

ASLa noche estrellada

¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?Vairumati

Las grandes bañistasEl café de noche

TITULO: La Noche Estrellada.AUTOR: VINCENT VAN GOGH.FECHA: 1889.UBICACIÓN: Museo de Arte Moderno de Nueva York TECNICA: Óleo sobre lienzo. – Postimpresionismo.GENERO: Paisaje.La obra se divide en dos planos diferenciados, separados por la línea de las  montañas. Más de la mitad del cuadro lo ocupa el cielo estrellado siendo el auténtico protagonista del cuadro. En la mitad inferior del cuadro se observa el pueblo cuyas casas aparecen representadas con trazos rectos y del que sobresale el campanario puntiagudo, elemento vertical que rompe la horizontalidad de la composición. En un primer plano apareces unos cipreses, tema presente en los cuadro realizados en este periodo, que adquieren formas ondulantes que les asemejan a llamas, elevándose y uniendo ambos planos.  Las líneas de las montañas del horizonte se ondulan a semejanza del cielo en una dirección ascendente de izquierda a derecha.

En el cielo observamos como dos espirales se envuelven mientras once estrellas parecen iluminar la noche como si de lámparas de gas se tratasen. A nuestra derecha, un astro de mayor tamaño de color naranja, quizás la luna, parece confundirse con el sol. La técnica usada por el pintor es el óleo, aplicado en abundancia, técnica del empaste, con pinceladas vigorosas y cortas que contribuyen a la fuerza expresiva de la obra. La gama cromática usada por Van Gogh es fría con predominio de azules, celestes, verdes y grises, aunque también como contrapunto cromático usa el naranja y amarillo de las estrellas, colores complementarios al azul dominante en la obra.

Se observa como el color, la mancha aplicada con el pincel en pequeñas pinceladas, alargadas y rectas unas veces, cortas y onduladas otras, sustituye al dibujo de manera que tan sólo algunas líneas oscuras sirven para dar forma precisamente a los elementos más físicos y materiales del cuadro, como las casas del pueblo, las montañas o los cipreses.

TITULO: ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?AUTOR: Paul Gauguin FECHA: 1897MUSEO: Museo de BostonESTILO: ImpresionismoMATERIAL: Oleo sobre lienzo

La desesperación llevará a Gauguin a intentar suicidarseen diciembre de 1897, no sin antes realizar su testamentopictórico. Que se trata del celebre lienzo ¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?, su obra más ambiciosa.

En la parte inferior derecha, un bebé dormido y tres mujeres en cuclillas. Dos figuras vestidas se comunican sus pensamientos; una figura enorme intencionadamente y a pesar de la perspectiva, también en cuclillas, levanta el brazo y mira extrañada, a los dos personajes que osan pensar en su destino. Una figura central coge una fruta. Un par de gatos junto a un niño. Una cabra blanca. El ídolo, con ambos brazos alzados misteriosa y rítmicamente parece indicar el más allá.

Otra figura reclinada parece escuchar al ídolo; finalmente una vieja, próxima a la muerte, parece aceptar y resignarse a lo que piensa; a sus pies, un extraño pájaro blanco, sujetando con su pata a un lagarto, representa la inutilidad de las palabras vanas. Todo transcurre junto a un riachuelo, a la sombra de los árboles. A pesar de los cambios de tonalidad, el paisaje es constantemente azul y verde Veronés. Sobre él, todas las figuras desnudas destacan por su intenso color naranja".

TITULO: VairumatiAUTOR: Paul Gauguin FECHA: 1897MUSEO: Museo de OrsayESTILO: ImpresionismoMATERIAL: Oleo sobre lienzo

La situación personal de Gauguin debió ser durante 1897 bastante complicada. El fracaso de la exposición en la Galería Durand-Ruel de París en el año 1893 marcó excesivamente al artista, que entró en una depresión acentuada por la desesperación y la soledad, aun en su querida Polinesia.

Las obras realizadas este año estarán marcadas por un simbolismo casi indescifrable. A pesar del enigma de su significado, la mujer continúa siendo protagonista de las composiciones, en esta ocasión en primer plano, ejecutada de una manera tosca y primitiva aunque no exenta de belleza.

Tras ella encontramos una escultura maorí y dos jóvenes; a la izquierda aparece un pájaro agarrando a una lagartija que, según Gauguin, representaría la inutilidad de las palabras vanas. El colorido rojo empleado provoca una extraña sensación que aumenta lo enigmático del lienzo.

TITULO: Grandes bañistasAUTOR: Paul Cézanne FECHA: 1900-05UBICACIÓN: National Gallery de Londres ESTILO: Postimpresionismo.TECNICA: Óleo sobre lienzo.

Las mujeres se muestran desnudas ante un fondo de paisaje en el que no hay nada definido y en el que abundan las tonalidades malvas. Estas figuras son macizas, casi escultóricas, en parte debido al empleo de una línea oscura que delimita sus contornos.

Sin embargo, los rostros han desaparecido, siendo sustituidos por máscaras, como también haría Picasso. El color es aplicado con violencia, mediante largas pinceladas en las que emplea espátula.

Las tonalidades claras y alegres de sus primeros años dan paso a tonos oscuros. Su proceso de recuperación de la forma a través del color ha concluido; el Impresionismo ya es algo sólido y duradero, como el arte de los museos.

TITULO: Café nocturnoAUTOR: VINCENT VAN GOGH.FECHA: 1888.UBICACIÓN: Yale Universidad Art GaleríaESTILO: Postimpresionismo.TECNICA: Óleo sobre lienzo.

La habitación está presidida por un globo de gas en el centro de la estancia acompañado de tres lámparas de aceite. El gas deja caer una luz verdosa sobre la sala, iluminando fantasmagóricamente al dueño, vestido de blanco, y a los demás clientes, que se acodan en las mesas.

Ese color verdoso de la luz y del tapete del billar contrasta claramente con el rojo de las paredes, creando un ambiente digno de un lugar de esas características. Los tonos amarillentos intensifican el contraste. Vincent emplea su típica pincelada circular en las lámparas, formando así el halo luminoso que se crea alrededor del foco de luz.

Esta pincelada caracterizará obras posteriores como Campo de trigo. Van Gogh se inspiró en los libros y estampas japonesas para crear estas pinceladas tan personales, pasando por alto los detalles pero sin olvidarlos, como hacía Goya con sus retratos.