TEMA 5: EL LENGUAJE DE LAS FORMAS.

1. Representación de las formas: el contorno, la silueta y el dintornoLa forma es la apariencia exterior de los cuerpos de la naturaleza: los objetos, los

animales, los edificios, los seres humanos. Cada forma posee ciertas cualidades que la distinguen de las demás y que son: estructura, tamaño, color y textura.

Las formas pueden representarse de diferentes maneras: mediante el contorno, la silueta y el dintorno. La elección de uno u otro dependerá unas veces de nuestro propio gusto, y otras del mensaje que queramos comunicar.

a)Contorno: El contorno es la línea que bordea el perfil de una figura. Utilizamos contornos cuando queremos dibujar una forma sin detalles, logrando con ello una gran simplicidad y claridad visual.

b) Silueta: La silueta es la representación de una figura mediante un solo color. Utilizamos siluetas cuando queremos destacar lo esencial de una forma o imitar un efecto de contraluz.

• Dintorno: Llamamos dintorno a todas las líneas, colores y texturas que configuran el interior de una forma. Dibujamos una forma mediante su dintorno cuando queremos describirla detalladamente.

Nana. Niki de Saint Phalle

Ejercicios:1.- Divide una hoja del block, en tres partes. Representa en cada una de ellas el mismo animal en su contorno, en su dintorno y en su silueta.2.-Realiza una composición libre en la que predominen las figuras humanas y en la que se mezclen contornos, dintornos y siluetas. Puedes utilizar distintas técnicas: lápices de colores, rotuladores, collage…(ver ejemplos)

2. El dibujo del natural.La forma más inmediata de representar formas es mediante el dibujo. Cuando dibujamos,

podemos dibujar a partir de un dibujo ya existente, de una fotografía, realizar un proceso de abstracción, o bien dibujar a partir de un objeto o modelo que tengamos ante nuestra vista. En este último caso hablamos de dibujo del natural. Para hacer un dibujo del natural, debemos seguir las siguientes fases:

1.-Observación: Aunque parezca algo evidente, es una fase fundamental en el proceso de dibujo: debemos observar detenidamente la figura todo el tiempo que haga falta para comparar medidas, discriminar las formas, establecer proporciones…

2. El esquema o encajado: Se trata de ubicar las formas generales en el formato o superficie, en una composición correcta, y con las proporciones adecuadas. Algunos métodos recomiendan abstraer las formas reduciéndolas o encerrándolas en figuras geométricas sencillas (cuadrados, triángulos y circunferencias…), utilizando ejes que definan las diferentes direcciones de construcción. En esta fase no tenemos que dibujar los detalles de las figuras.

3. El dibujo de contornos: Una vez realizado el esquema inicial, el segundo paso es delimitar los contornos de la figura u objeto. Los contornos además de reflejar la singularidad del dibujante, contribuyen de manera especial a la configuración formal de la obra. En el trazo de los contornos podemos ver reflejados diferentes estados de ánimo y la personalidad del que los ejecuta (inseguridad, seguridad, frialdad, timidez, valentía,etc.). Es esta fase cuando hay que dibujar ya los detalles de la figura, intentando que nuestro dibujo se parezca lo más posible a la realidad.

4. La ilusión de profundidad: la perspectiva en el dibujo: Si tenemos varios objetos, debemos crear la ilusión de profundidad. Esto se consigue superponiendo los objetos, dando más detalle a los que están en primer plano y difuminando los que están detrás, aplicando conceptos de perspectiva cónica…

5. La ilusión de volumen: las luces y las sombras: Si lo que pretendemos es crear sensación de volumen (3D) en el dibujo, tendremos que recurrir al empleo de claroscuro. El claroscuro ha sido un recurso muy utilizado desde la antigüedad para dar la apariencia de tercera dimensión a los dibujos bidimensionales. Las luces y las sombras, dotan de un mayor realismo a los dibujos, cuando se aplican distintos matices de la escala de los grises que va desde el blanco más puro al negro más intenso. Si el dibujo es en color, esas luces y sombras deben conseguirse mediante escalas de colores.

Ejercicio 3: dibujar un bodegón del natural, de la forma más realista posible, bien solo con lápices grafito, o bien con colores.

3. Forma figurativa y forma abstracta.Las formas que utilizan los artistas pueden ser figurativas o abstractas, o bien puede haber diversos grados intermedios entre ambos estilos (grado de iconicidad: mientras más iconicidad tiene una imagen, más se parece a un objeto real)

Figuración: Cuando una imagen representa objetos o escenas con un parecido con algún objeto o forma real, decimos que es figurativa. Es decir, que son aquellas en las que podemos reconocer el objeto representado. Puede haber diferentes grados de iconicidad, es decir diferentes grados de semejanza con la forma real.Dentro de este estilo, las figuras se pueden representar de manera simplificada, esquematizada o deformada, pero siempre pareciéndose a algún objeto real o imaginado. Las siguientes composiciones emplean el estilo figurativo.

Obra de

Chagall

Árboles verdes.

Robert Delaunay.

 

Una forma de figuración es el Realismo. Cuando una imagen representa objetos o escenas cotidianas casi con perfección fotográfica, decimos que tiene un estilo realista,

Escultura hiperrealista de Duane Hanson

Pintura hiperrealista de Antonio López

Abstracción. Hablamos de estilo abstracto cuando la imagen no guarda ninguna relación de parecido con las formas que vemos cotidianamente. El arte abstracto, por tanto, no pretende representar seres u objetos concretos, sino formas y colores a los que se pueden dar diferentes significados, construyendo así su propio universo. En la expresión abstracta podemos encontrar formas abstractas geométricas y formas abstractas orgánicas, o una combinación de ambas.

Ejercicio 4: Dividir una hoja del block en dos partes, pintar algún objeto simple, primero, de forma más o menos realista, y en segundo lugar con un cierto nivel de abstracción.

• 4.-El tamaño y la proporción• Llamamos proporción a la relación entre tamaños. La proporción interna es la

relación de tamaños que se establece entre las distintas partes de un ser o un objeto. La belleza y atractivo de un dibujo depende, en gran medida de sus proporciones. Existen determinadas proporciones, que por su equilibrio, satisfacen de manera natural la percepción. A lo largo de la historia, los artistas se han preocupado por buscar y establecer las proporciones perfectas, especialmente en la figura humana. En la antigüedad clásica, el escultor griego Policleto (s. V a. de C) propuso un modelo de proporciones internas perfectas que se llamó el canon, que establecía el ideal de belleza de su época. Otros artistas posteriores, como Durero y Leonardo Da Vinci en el Renacimiento o Le Corbusier en el s. XX, establecieron otros cánones distintos. Así, algunos cánones establecían que el cuerpo perfecto debía tener la medida de 7 cabezas, y para otro cánones debía tener 8.

Cuerpo ideal según Leonardo Da Vinci

Canon de Policleto

Mujer bella en el Barroco (s.XVII), según Rubens Canon de belleza en el siglo XXI

d) La desproporción como recurso expresivo:Es interesante conocer estas convenciones para poder aplicarlas si lo deseamos,

pero debemos ser conscientes que la desproporción puede ser utilizada deliberadamente para expresar sensaciones, sentimientos e ideas. Hay veces en que el artista no pretende representar la realidad, sino su visión particular de la misma, su mundo interno, sus emociones y sentimientos… entonces, para darle más expresividad a su obra, resalta algún rasgo de la misma, por ejemplo, aumentando algún elemento de manera desproporcionada. No sólo los artistas utilizan este recurso expresivo, sino también, por ejemplo, los dibujantes de cómic o los publicistas.

Pablo Picasso Marc Chagall Pablo Botero

Técnicas artísticas: la cuadrícula: La operación más sencilla que podemos llevar a cabo con el tamaño como elemento visual es aumentarlo o disminuirlo. La cuadrícula es uno de los métodos gráficos más utilizados para alterar el tamaño de una imagen respetando su forma. Se puede usar para reproducir la forma a un tamaño mayor o más pequeño. El procedimiento es el siguiente: Traza una cuadrícula sobre el dibujo que quieras aumentar o reducir. Mide la base de tu hoja y divídela por el número de cuadros que haya en la base del dibujo original. La cifra que obtengas será el lado de cada cuadro. Marca con esta medida los cuatro lados de tu hoja para trazar suavemente con lápiz la cuadrícula. Realiza el dibujo guiándote por los cuadros.

Ejercicio 4: Pasa a un formato A4 (block de dibujo), por medio de la cuadrícula, el siguiente cuadro (el original es de Boticelli). El tamaño debe ser el doble.

Ejercicio 5: Realiza una caricatura tuya o de tu compañero, deformando la imagen libremente, intentando exagerar los rasgos más característicos de tu cuerpo y tu cara.

Ejercicio 6.-Podemos manipular las imágenes de forma sencilla. Coge una fotografía tuya o de alguna revista y recórtala a tiras o como tú quieras, después pegas los recortes en el block de dibujo buscando una sensación de distorsión y deformación. Observa los ejemplos.

Ejercicio 6.-Si cambiamos la escala de los elementos de una composición, rompemos las relaciones naturales y habituales que los objetos suelen mostrarnos. Te proponemos que, con imágenes recortadas de revistas o de anuncios crees, con la técnica del collage, una nueva imagen de una persona y su mascota, que llame la atención, que sorprenda por la ruptura de las relaciones normales de tamaño.

Un poco de historia del arte: Expresionismo: Uno de los movimientos artísticos que se sirve de la deformación

de la realidad y la desproporción en sus obras, es el expresionismo. Aparece en Alemania a principios del siglo XX, y fue uno de los movimientos que formaron las llamadas Vanguardias Históricas. Tiene un carácter revolucionario y un compromiso político. Además de en la pintura, se desarrolló en el cine, la música o la literatura, siendo una manera de sentir el mundo mística, emocional, espiritual, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.. Angustia, terror, miseria y opresión son temas recurrentes. Entre sus representantes podemos citar a LUDWIG, KIRCHNER, ROTTLUFF y NOLDE, que formaron el grupo “El puente” y Vasily Kandinsky, Franz Marc, August Mack, componentes del grupo “El jinete azul”

NOLDEKIRCHNER

Franz Marc: Caballos azules