MARCO_Joseph Beuys y Coordenadas M Rangel Faz

MARCO - Departamento de Educación 2

ÍNDICE PRESENTACIÓN 3 EL PROCESO PARALELO DE BEUYS 4 EJES TEMÁTICOS 8 BEUYS Y MÁS ALLÁ. EL ENSEÑAR COMO ARTE 11 ENTREVISTA A JOSEPH BEUYS (FRAGMENTO) 13 BIOGRAFÍAS 14 BEUYS Y MÁS ALLÁ JOSEPH BEUYS LOTHAR BAUMGARTEN JÖRG IMMENDORFF IMI KNOEBEL BLINKY PALERMO KATHARINA SIEVERDING NORBERT TADEUSZ COORDENADAS MARIO RANGEL FAZ GRUPO SUMA ATTE. LA DIRECCIÓN GLOSARIO 19

Blinky Palermo (1943 - 1977) Sin título, (detalle) 1973

de la “Carpeta de murales de Hamburger Kunstverein" Litografía sobre papel de tina Colección del Deutsche Bank


PRESENTACIÓN1 El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey presenta Beuys y más allá. El enseñar como arte; un diálogo directo entre la obra en papel proveniente de la Colección Deutsche Bank del artista Joseph Beuys (1921-1986) y la de seis de sus estudiantes: Lothar Baumgarten (1944), Imi Knoebel (1940), Jörg Immendorff (1945), Blinky Palermo (1943-1976), Katharina Sieverding (1944), y Norbert Tadeusz (1940). La exposición documenta la notable labor de Beuys como maestro y artista durante el periodo de la postguerra en Alemania y muestra las muy diferentes posturas, técnicas y medios que impulsó a sus alumnos a explorar en los 105 trabajos que la comprenden. El diálogo se extiende al arte contemporáneo latinoamericano, al vincularse con la exposición retrospectiva de la trayectoria de más de 30 años del artista y maestro mexicano Mario Rangel Faz (1956-2009). Coordenadas, Mario Rangel Faz es presentada junto al trabajo de los colectivos Grupo Suma y Atte. La Dirección, de los cuales fue miembro fundador. NOMBRE DE LA EXPOSICIÓN: Beuys y más allá. El enseñar como arte En diálogo con la muestra Coordenadas, Mario Rangel Faz. CURADURÍA: Por parte de Deutsche Bank, Friedhelm Hütte, Liz Christensen y Christina März. Por parte del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), Vicente Rojo Cama y Mariana Elizondo. SALAS: 5 / Planta baja. DURACIÓN: Del 28 de enero al 24 de abril de 2011. TÉCNICAS: Dibujo, fotografía, grabado, collage, serigrafía, acuarela, tinta, óleo, entre otras. NÚMERO DE OBRAS: Beuys y más allá, 105 piezas. Coordenadas, 136 piezas. CATÁLOGO: Incluye textos de Friedhelm Hütte, Petra Richter y Christian Viveros-Fauné. Disponible en Tienda MARCO.

1 Extracto del boletín de prensa editado por MARCO.

Atte. La Dirección / Carlos Somonte

Día de muertos (detalle), 1983 Instalación


EL PROCESO PARALELO DE BEUYS

Todo conocimiento humano procede del arte. Joseph Beuys

La obra de Joseph Beuys trae a la mente un sinnúmero de ideas y conceptos que envuelven su vida, enseñanza y piezas de arte, entrelazadas todas ellas con una carga de vivencias y significados personales. Para tener una idea de interpretación a sus piezas es importante conocer su vida. Joseph Beuys nació en Krefeld, Alemania, el 12 de mayo de 1921. Durante la Segunda Guerra Mundial fue piloto de un bombardero; en el invierno de 1943 su avión se estrelló en Crimea. Beuys relata sobre esta situación relata la forma en que los tártaros le salvaron la vida al envolverle el cuerpo con grasa y fieltro, lo que explica la aparición recurrente de estos materiales en su obra. Participó en múltiples misiones de combate y posteriormente, en 1945, fue hecho prisionero en Gran Bretaña hasta 1946. En 1947 Joseph Beuys ingresó a la Academia Estatal de Arte de Düsseldorf, Alemania, donde estudió pintura y escultura hasta 1952. A partir de 1955, aproximadamente, vivió como ermitaño y trabajó como peón en una granja. Pero su necesidad de continuar con la labor artística le llevó a regesar a Düsseldorf, en 1961, ahora como docente de escultura, aunque fue expulsado en 1972 por apoyar a estudiantes radicales. Seis años más tarde fue readmitido por la Academia de Arte y continuó con su labor de enseñanza.

Sus esfuerzos a favor de la democracia directa, el medio ambiente y otras causas similares incluyeron la utilización de un local de la Documenta de Kassel en 1972 como oficina, la presentación, sin éxito, de su propia candidatura para el Bundestag –cámara del Parlamento– en 1976 y la organización de una campaña para plantar árboles en Düsseldorf. Estas vivencias fueron fundamentales para el cambio más importante de sus paradigmas artísticos, el desplazamiento del centro de interés creativo. Beuys no buscaba producir objetos «obras», sino acciones. Su trabajo abarca desde performances –como Coyote: Me gusta América y a América le gusto yo (1974), en la que convivió con un coyote y un

cobertor de fieltro dentro del espacio de una galería neoyorkina– hasta esculturas como El final del siglo XX (1983) constituida por 21 piezas de roca basalto taponadas con grasa y objetos más convencionales, entre ellos dibujos y acuarelas. En el trabajo de Beuys sobresale el uso recurrente de la grasa como material de modelado, elemento que pudiera ser interpretado como el corazón de la plástica, una especie de centro emisor de calor y energía. La relevancia de la grasa radica en su naturaleza física: al ser amorfa, únicamente puede ser moldeada de manera temporal a partir de su temperatura. Es decir, el calor y el frío le restituyen sus características metamórficas y, de acuerdo a esta gama

Joseph Beuys, (1921 - 1986) Ifigenia / Tito Andrónico (detalle), 1985.

Fotografía en positivo y negativo sobre film, objeto de vidrio en marco metálico.

Colección del Deutsche Bank


de lecturas, su situación física varía. Al ser un material permeable y transformable, tiene las cualidades de movimiento –generado por la expansión– y concentración –provocado por la temperatura. Otro elemento fundamental que Beuys plantea en su trabajo como polaridad y filosofía es el concepto del nómada. Dentro de la rutina en el reino del hombre urbano sedentario, el artista buscó evocar el desplazamiento continuo, la existencia en un lugar como el origen de un camino hacia todos los lugares, el goce del movimiento y la proyección hacia el volumen completo del espacio. Esta parte conceptual va fuertemente enlazada con las polaridades de arte y vida; arte y ciencia; cultura y naturaleza, nociones con frecuencia presentes en la filosofía que Beuys procesó para su propio pensamiento, con la cual buscaba una obra de arte total y una imagen romántica del creador absoluto. Alguien podría decir que, sin duda alguna, sus obras y acciones se acercan más que ninguna otra a este concepto, en especial por ese dominio del lenguaje que lleva a emplear palabra e imagen en sus obras. De esta forma llega a designar con el término proceso paralelo la importancia del lenguaje en su trabajo: «el elemento material del arte tiene que ir acompañado de la expresión verbal de lo espiritual». Considera además a la «acción» como parte de sus medios artísticos y de expresión y no como un mero recreo o un acto de provocación y participación. Beuys consideró a la acción como una experiencia catártica, un rito de iniciación donde, desde una perspectiva antropológica, arte y ritual iban unidos de un modo dramático en operaciones chamánicas de intensa concentración y hondo alcance espiritual. Estos conceptos, entre otros, definieron su particular estilo de enseñanza dentro de la Academia Estatal de Arte (Staatliche Kunstakademie) de Düsseldorf, Alemania. Ideas de aliento a su espíritu vanguardista, el cual buscó convergir arte y vida sin dejar de lado la proclama de que todo ser humano es depositario de una fuerza creativa. Para Beuys esa «fuerza creativa universal» era «revelada en el trabajo» y, por tanto, la tarea del artista no es, en su raíz, distinta de la de los no artistas.

La creatividad no está limitada a aquellos que ejercen una de las artes tradicionales, e incluso en éstos no se limita al ejercicio de su arte. Hay en todos un potencial de creatividad que queda cubierto por medio de la agresión de la competencia y del éxito. El descubrir, investigar y desarrollar este potencial debe ser tarea de la escuela. La política es arte también en este sentido: no como el ‘arte de lo posible’ sino de la liberación de todas las fuerzas creativas.

Joseph Beuys

Joseph Beuys, (*1921 - 1986) Cisnes, 1953

Acuarela, barniz y lápiz sobre papel Colección del Deutsche Bank


Beuys concibió que «todo conocimiento humano procede del arte». Esto se podría interpretar como que toda capacidad procede en sí de la capacidad artística del ser humano, es decir, de ser activo creativamente, por lo que declaró que «el concepto de ciencia es sólo una ramificación de lo creativo en general (…) hay que fomentar una educación artística para el ser humano, pero no como una materia relegada al mero ámbito de las manualidades, sino emplazada estratégicamente en el centro del currículum académico, como el medio más eficaz en la reproducción de la inteligencia técnica y el desarrollo de nuevas miradas sobre las cosas, un campo para el ejercicio crítico de la configuración espacial». Conforme a estas convicciones, para Beuys este tipo de enseñanza académica y entrenamiento era la forma en que se debía preparar adecuadamente a los futuros ciudadanos. Su inspiración era un concepto de estética ampliado de competencias necesarias para la solución de tareas políticas del futuro (urbanísticas, energéticas y sociales), que imbricaban en su quehacer todos los medios de expresión humanos. Junto al trabajo de creación artística y transmisión de las reglas de los procesos configurativos, el objetivo de la enseñanza académica de Beuys era la formación de conocimientos sobre aspectos de su amplio concepto del arte, su «teoría plástica» y su idea de la «escultura social».

El éxito de su enseñanza se reflejó en el gran número de estudiantes que tuvo, al igual que en la diversidad de orientaciones artísticas de estos. A través de su heterodoxo modo de instruir y sus detalladas correcciones desarrolló, en interacción con sus alumnos, nuevas normas de enseñanza. Hacer caso omiso de un «plan de estudios fijo», le permitió dar el impulso para que «cada uno creara siguiendo su intención, pero cuestionándola para que algo se aclarase». Beuys, al renunciar a la instrucción claramente formulada y a un programa que estableciera reglas fijas, además de tareas precisas, se distanció explícitamente de la tradición académica y de su programa formalista de enseñanza. El método de Beuys no les dejaba tiempo ni espacio libre a los estudiantes, además de conducirlos con frecuencia a expresiones gráficas imitativas. El rechazo de la enseñanza académica tradicional no significó una renuncia a los elementos artísticos formales como el aprendizaje de técnicas y el apego al natural, cuya «inmediata analogía con el estudio académico del desnudo» era apoyada totalmente por Beuys. Dibujar un objeto hasta conocerlo a fondo, desarrollar la sensibilidad para las proporciones, planificar y realizar de manera concentrada un tema, también eran parte del programa de actividades en clase. Beuys simplemente eliminó el «dibujar bello y detallado» para en su lugar prestar especial atención a notas

concisas, a «esbozos de pensamientos momentáneos, a cuerpos plásticos que querían encontrar una forma». Para Beuys, dibujar era «pensar materializando» por medio del que uno podía apoderarse de todo y hacerlo perceptible, concepto que también se ve en su trabajo como artista.2

2 Extracto de texto «Joseph Beuys como maestro – desafío para el hallazgo de sí mismo» por Petra Richter, publicado dentro del catálogo Beuys y más allá. El enseñar como arte, Deutshe Bank AG, Frankurt am Main, Alemania, 2010.

Imbricar: Entrelazar o

trabar un hecho, circunstancia o idea, con otro u otros de modo

que queden unidos

estrechamente.

Joseph Beuys, (1921 - 1986) Para Blinky, sin año.

Offset sobre papel según una fotografía de D. M. Marcovicz



A Beuys el pintor, escultor, utopista, diseñador gráfico, teórico del arte, político, poeta, hombre de las cavernas, profesor, líder carismático, chamán, padre de familia, héroe de guerra (condecorado dos veces con la Cruz de Hierro), reconvertido político pacifista y militante del Partido Verde, no le interesaba exponer. Exhibir siempre fue para él una excusa para hablar de la utopía del arte ante numerosas audiencias; se resistía a que su obra quedara confinada a galerías, museos y páginas culturales de la prensa del espectáculo. Beuys fue un ácido crítico del sistema artístico. En conclusión, es posible decir que Joseph Beuys tuvo el deseo, como catedrático y como artista, de experimentar con nuevos medios de expresión artística y nuevas realidades sociales, mismas que contribuyeron a la fama y popularidad de su enseñanza y su clase, distanciada cada vez más de las otras clases. Beuys se mostró abierto ante la politización de los estudiantes a mediados de la década de 1970 y apoyó su movimiento de protesta que no solamente favorecía y activaba las posiciones antiautoritarias, sino que estimulaba a una polémica intelectual más fuerte en torno a la realidad social, así como al papel y función del arte. Una de las grandes metas que mantuvo fue la unión de arte y vida. En este sentido es posible hablar de un Beuys propiamente político, empeñado en encarnar el concepto de «escultura social», que apunta a toda manifestación que ayude al mundo a recuperar su espíritu y su solidaridad como gran motor de cambio y desarrollo de las condiciones de vida humana.

Joseph Beuys, (1921 - 1986) Ifigenia / Tito Andrónico (detalle), 1985.

Fotografía en positivo y negativo sobre film, objeto de vidrio en marco metálico. Colección del Deutsche Bank


EJES TEMÁTICOS Los ejes temáticos buscan articular los diferentes elementos y argumentos presentes en la exposición a fin de organizarlos en forma coherente para el proceso de enseñanza-aprendizaje y facilitar así que el público genere relaciones entre conocimientos previos y nuevos. En Beuys y más allá. El enseñar como arte es posible apreciar piezas en papel de la Colección Deutsche Bank que nos muestran diferentes resultados de los estudiantes de Joseph Beuys, quienes desarrollaron una amplia variedad de medios, estrategias, principios estéticos y contenidos. Al comparar los trabajos de los estudiantes con los de su mentor, resulta evidente que, a pesar de los paralelismos estilísticos o temáticos con la obra de Beuys, no se les puede considerar totalmente influenciados por ésta. Al contrario, el mismo Beuys declaró que su meta era apoyar a sus estudiantes para que encontraran su camino de manera individual: «No me he esforzado de ninguna manera en insistir sobre los demás acerca de lo que es o ha sido mi idea del arte, sino que siempre he buscado las posibilidades que cada individuo posee». No obstante, es este paralelismo de conceptos el que logra el vinculo con la exposición Coordenadas, en la que Mario Rangel Faz, en diálogo con el Grupo Suma y Atte. La Dirección, propicia esta convergencia de conceptos. Las temáticas sugeridas buscan invitarnos a interpretar las obras expuestas en Beuys y más allá. El enseñar como arte, y facilitar la divergencia, asociación y reflexión relativas a un posible vínculo entre los contextos socioculturales de Alemania y México, por medio de la imaginaria narración de estos dos maestros y sus respectivos alumnos.

Diálogo Es un intercambio de ideas por cualquier medio directo o indirecto, natural o artificial. Puede aludir a una amable conversación o incluso a una acalorada discusión entre dos o más personas o grupos entre sí. En el caso de El enseñar como arte y Coordenadas, podría considerarse un diálogo la vinculación entre las exposiciones y sus participantes. Hasta cierto punto es posible imaginar el carácter de los personajes y asumir que las obras nos revelan intenciones, estados de ánimo e incluso puntos de vista. Es en este paralelismo e intercambio de ideas donde radica la importancia de esta «charla». El diálogo se caracteriza por una búsqueda de la verdad, sin prejuicios que nos impidan contemplar las opiniones que no compartimos.

Joseph Beuys El enseñar como arte

Mario Rangel Faz Coordenadas

Diálogo Paralelismo Coordenada Enseñanza

Plástica Social Política


Paralelismo Para la escena artística de Alemania y México, el espíritu de cambio que se manifestó durante las revueltas estudiantiles en los últimos años de la década de 1970 fueron de gran importancia, ya que provocaron rebeldía social, crítica a lo convencional y la búsqueda de cambiar la forma de pensamiento artístico tradicional, según el cual se definía al arte como la forzosa creación de objetos. El resultado del trabajo de estos grupos de artistas fue el nacimiento del performance y la acción, nuevas formas de expresión y liberación de las técnicas artísticas convencionales. Coordenada El surgimiento de estos nuevos artistas propaga el novedoso concepto del abandono de la imagen, la liberación de la comprensión tradicional de la obra de arte como objeto material y la idea convencional de asociación entre idea y acción. Esta generación buscó transmitir el concepto de conexión entre arte y vida como una coordenada donde convergen los dos puntos. En el caso de Joseph Beuys, éste busca hacer conexiones entre arte y vida, arte y ciencia, cultura y naturaleza, para dar salida a toda manifestación que ayude al mundo a recuperar su espíritu y su solidaridad y se constituya como gran motor de cambio y desarrollo de las condiciones de vida humana. Mario Rangel Faz, por su parte, busca la conexión entre artistas provenientes de diversos horizontes culturales fomentando el transformar, formal o políticamente, el sentido de producir arte. Enseñanza Beuys y Rangel entendían el arte como una fuerza formadora comprometida con la sociedad y su realidad, manifestada por medio de uniones colectivas y acciones urbanas. Cada cual imprime la enseñanza en el arte o en el arte en la enseñanza, lo cual proporciona a esta última un punto de vista propio que incita a pensar sobre la realidad de la vida social actual.

La primera tarea de la educación es agitar la vida, pero dejarla libre para que se desarrolle.

María Montessori Plástica Social Una de las líneas centrales de la teoría artística de Beuys es la de que “todo hombre es un artista”. Con esta idea buscaba que cada persona, por medio de la exploración creativa individual, contribuyera en la transformación positiva de la sociedad. Éste concepto, que Beuys identificó con el nombre de Plástica social (Sociale Plaztik) debe ser comprendido en conjunto con otra de sus propuestas, el Concepto Ampliado del Arte (Erweiterter Kunstbergriff) de acuerdo al cual “arte es todo lo que modifica la consciencia”. Por tal motivo, el arte no debería restringirse a un sistema de manifestación específico (que comprendía las formas, técnicas, materiales y conceptos formales del arte académico) y debería, en cambio, formar parte de la vida cotidiana del hombre en la educación, la ciencia, la política, la economía y la actividad intelectual. En el nuevo sistema social imaginado por Beuys, la creatividad humana sería el verdadero capital de la nación.

Se afirma con frecuencia que en mi clase todo es sólo conceptual o político, sin embargo mi interés está en crear una base de amplios conocimientos teóricos, para lograr una producción de obras con un contenido sensible y de fácil captación. La base de mi enseñanza está en comenzar con el lenguaje y hacer que resulten obras con relación entre pensar y actuar. Lo más importante para mí es que el ser humano llegue a tener un criterio desde la concepción de lo que produce, de cómo puede contribuir a la coherencia de la totalidad y que no


solamente cree objetos, sino que sea escultor o arquitecto de todo organismo social. El futuro orden social se configurará según las leyes que rigen el arte.

Joseph Beuys Política La crítica y la rebeldía se hacen presentes en las obras de los artistas de la muestra, si se toma en cuenta el material utilizado, los lugares en donde se presentaban las acciones y hasta el mensaje mismo. Cada grupo artístico, influenciado por acontecimientos sociales –como el movimiento estudiantil de 1968 en México y la posguerra alemana–, muestra desde distintos ángulos problemas recurrentes en las sociedades contemporáneas. En conjunto pueden ser interpretados como parte de un discurso que comprende cierto toque de oposición a los lineamientos políticos y las normas sociales de su época, así como a las situaciones históricas que vivieron.

Un arte social quiere decir cultivar las relaciones entre los hombres: es casi un acto de vida.

Joseph Beuys

Atte. La Dirección / Carlos Somonte Gracias a las lindas suyas, 1984

Performance, instalación y música original


BEUYS Y MÁS ALLÁ. EL ENSEÑAR COMO ARTE PRESENTACIÓN3

Ser docente es mi más importante obra de arte. Joseph Beuys

El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey presenta la exposición Beuys y más allá. El enseñar como arte; una selección de trabajos en papel proveniente de la Colección Deutsche Bank del artista alemán Joseph Beuys (1921-1986) y de seis de sus discípulos más destacados: Lothar Baumgarten, Imi Knoebel, Jörg Immendorff, Blinky Palermo, Katharina Sieverding, y Norbert Tadeusz. Joseph Beuys fue un maestro y mentor muy significativo para muchos de sus estudiantes pertenecientes a la generación de la postguerra en Alemania. Además, es reconocido como uno de los artistas más relevantes de la segunda mitad del siglo XX por su contribución a los movimientos vanguardista de las décadas de los 60 y 70 a través de su innovador trabajo. Beuys encontró en la enseñanza una plataforma para exponer sus ideas acerca de su papel como artista y sobre el arte como capital social y cultural, las cuales abogaban por un acercamiento más amplio y democrático al arte. Beuys concebía la enseñanza como parte integral su labor como artista. Él participaba, incluso, junto a sus alumnos en acciones e intervenciones públicas, las cuales eran con frecuencia controversiales. Beuys y más allá está vinculada a la retrospectiva del artista y maestro mexicano Mario Rangel Faz (1956-2009). Coordenadas, Mario Rangel Faz es presentada junto al trabajo de los colectivos Grupo Suma y Atte. La Dirección, de los cuales fue miembro fundador. A pesar de que Beuys y Faz no pertenecieron a la misma generación, existen claras similitudes en su devoción hacia el dibujo como forma de crear «ideas visibles». Ambos desafiaron el status quo y los valores institucionales tradicionales a través de sus actos y colaboraciones. Beuys y más allá. El enseñar como arte presenta 105 obras, entre dibujos, grabados y fotografías (…) Piezas en que es evidente cómo Beuys, en su faceta de mentor, animaba a sus discípulos a seguir su propio modo de trabajar. Curada por Vicente Rojo Cama y Mariana Elizondo y originada en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Coordenadas, Mario Rangel Faz presenta grabados y acrílicos de Rangel Faz; diversas obras en técnica mixta del Grupo Suma y los performances e instalaciones del colectivo Atte. La Dirección. La muestra Beuys y más allá, que permanecerá en MARCO hasta el 15 de mayo de 2011, se ha presentado ya en Santiago de Chile, Buenos Aires y en la Ciudad de México; luego viajará 3 Extracto del boletín de prensa editado por MARCO.

Blinky Palermo, (1943 1977) Zeebrügge (detalle), 1964

Acuarela y lápiz sobre papel, de dos piezas



a Bogotá, Sao Paulo y Lima. En cada sede se selecciona y vincula la obra de un artista del país anfitrión. Acerca de Deutsche Bank Deutsche Bank es un banco de inversión líder a nivel mundial con una fuerte y rentable franquicia de clientes privados. Líder en Alemania y Europa, el banco crece continuamente en América del Norte, Asia y en los principales mercados emergentes. Con 77,053 empleados en 72 países, Deutsche Bank compite por ser el principal proveedor mundial de soluciones financieras para clientes exigentes generando valor excepcional para sus accionistas y las personas. www.db.com Acerca de Deutsche Bank Americas Foundation Deutsche Bank Americas Foundation administra las actividades filantrópicas del Deutsche Bank en los Estados Unidos, América Latina y Canadá. Además de ofrecer concreta ayuda, la meta de la fundación es proveer el acceso al arte y a la cultura a las comunidades y promover un intercambio de expresión creativa. www.community.db.com

Vicente Rojo Cama Doradilla, ca. 1987

Grabado 35 x 27 cm

http://www.db.com

http://www.community.db.com


ENTREVISTA A JOSEPH BEUYS4 (FRAGMENTO) Por Elizabeth Rona en octubre de 1981. ¿Cómo prevé la evolución del arte del mañana? Ya he dicho que el propio concepto de arte se amplía y ya no atañe únicamente a la actividad de los pintores, de los escultores, de los poetas, de los músicos, de los hombres de teatro, de los arquitectos, etc., sino que concierne a todo el trabajo humano. Tal es, a mi parecer, el necesario desenvolvimiento del arte, desde el punto de vista conceptual (esta necesidad es filosófica). En la práctica, esto quiere decir que toda persona activa debería aprender igualmente una nueva disciplina artística, quiero decir la del arte social, la de la escultura social. Una disciplina dentro del arte que, respecto a lo que existe en las esferas de la música, de la arquitectura, de las Bellas Artes, no ha existido todavía. Un arte social quiere decir cultivar las relaciones entre los hombres: es casi un acto de vida. Para alcanzar esta próxima etapa urge poseer mayor energía e intensidad. Una obra de arte social plantea un problema de energía. Sólo entonces superaremos la crisis. Tales son la toma de conciencia, el saber, la intuición de la vanguardia. La vanguardia es el grupo de personas que asume esta responsabilidad y se esfuerza, mediante múltiples tentativas, por superar la crisis, elaborando múltiples modelos en las esferas de la actividad artística, de la actividad sociológica, de la problemática democrática, etc. Esta circunstancia debe aportarnos una posibilidad real de cambiar el sistema social. En razón de este concepto de arte antropológico, cada hombre es un artista. En cada hombre existe una capacidad creadora virtual. Esto no quiere decir que cada hombre sea un pintor o un escultor, sino que existe una creatividad latente en todas las esferas del trabajo humano. Una consecuencia, a mi entender, es que no se debe concebir el propio trabajo sólo para uno mismo. Cada cual debería pensar poco en sí mismo y dar lo mejor a los demás. La humanidad será entonces mucho más productiva. La cultura del «tener» ha terminado. La cultura de la cualidad del «ser» es la forma del futuro. Pero en el «ser» el hombre debe dar lo más que pueda a su prójimo. Y ha de recibir, a su vez, en la medida en que ha dado. Es un sistema de recíproca ayuda.

4 Extracto y traducción del libro Joseph Beuys: is It About a Bicycle? (Edición Francesa).

Lothar Baumgarten, (1944) Sin título (Tronco de árbol con

sombra), 1978 Litografía offset según fotografía



BIOGRAFÍAS5 BEUYS Y MÁS ALLÁ. EL ENSEÑAR COMO ARTE JOSEPH BEUYS 1921–1986, Krefeld, Alemania. Es considerado uno de los artistas más relevantes de la segunda mitad del siglo XX; tanto sus obras y acciones como su pensamiento constituyen un cuerpo creativo de gran influencia y debate en la actualidad. Beuys propuso superar el dominante pensamiento materialista, basado sobre presupuestos racionalistas y en un desarrollo tecnológico depredador, por medio de su concepción ampliada del arte, en la que cada individuo participaría en la modelación de una nueva «escultura social». Beuys generó obras innovadoras en relación al manejo del espacio, las técnicas y los materiales, aunque nunca abandonó al dibujo como forma esencial de expresión. Asimismo, produjo un volumen importante de obra gráfica, que va desde el registro de un delicado gesto lineal hasta la fotografía intervenida con plastas de color y grafismos. La generación de los alumnos de Beuys ha recurrido también asiduamente a las artes gráficas, recobrando el auge que este género experimentó antes de la Segunda Guerra Mundial en el centro y norte de Europa a partir de movimientos como el expresionismo, el dadaísmo y la escuela Bauhaus. LOTHAR BAUMGARTEN 1944, Rheinsberg, Alemania. Vive y trabaja en Düsseldorf, Alemania. Es uno de los primeros artistas que desde finales de los años sesenta introdujo los hechos de la representación de las culturas minoritarias y la ausencia de ellas en la representación cultural occidental. Baumgarten comenzó su acercamiento a diferentes grupos sociales desde pequeño, ya que siendo hijo de un antropólogo convivió algunos años con los indígenas de una tribu de la Amazonia venezolana. Estudió en Staatliche Akademie für Bildende Künste, Karlsruhe, Alemania en 1968 y en Staatliche Kunstakademie, Düsseldorf, Alemania, de 1969 a 1971. Participó junto con Joseph Beuys en Documenta V, VII, IX y X, en 1972, 1982, 1992 y 1997, respectivamente. Sus trabajos individuales incluyen objetos, imágenes y textos, que invitan a reflexionar sobre los cambios que se producen en el paisaje con el paso de la historia. Además se interesó en la etnografía a través de la lectura de Claude Lévi-Strauss, uno de cuyos principios metodológicos es la oposición entre naturaleza y cultura, tema hacia el que orientó su trabajo y se refleja en sus primeras obras.

5 Extracto de http://www.muac.unam.mx/

http://www.muac.unam.mx/


JÖRG IMMENDORFF 1945–2007, Düsseldorf, Alemania. Discípulo de Joseph Beuys, formado en la Academia Estatal de Arte de Düsseldorf. Fue uno de los más destacados pintores alemanes de la posguerra. Se le encuadra dentro de la escuela de los denominados nuevos fauves. En sus primeras pinturas refleja su preocupación por la política en torno al mundo del arte, agregando en sus dibujos textos con léxico referente a la crítica de arte. Cabe destacar su presencia dentro de la Colección del Museo MARCO, al ser ganador del premio MARCO 1996 con la pieza Accumulation 2, primera obra extranjera acreedora a este reconocimiento. IMI KNOEBEL 1940, Dessau, Alemania. Actualmente vive y trabaja como artista independiente en Düsseldorf, Alemania. De 1964 hasta 1971, estudió con Joseph Beuys en la Academia Estatal de Arte de Düsseldorf, siendo compañeros suyos Blinky Palermo (con quien compartió taller), Jörg Immendorff y Katharina Sieverding. Es conocido por su pintura además de su escultura minimalista y abstracta. Su obra explora la relación entre espacio, soporte pictórico y color. El estilo y las preocupaciones técnicas de su pintura y escultura han llevado a que se compare su obra con los principios de vanguardia tanto de Kazimir Malévich como la de Bauhaus. BLINKY PALERMO 1943–1976, Leipzig, Alemania. Peter Schwarze, conocido también como Blinky Palermo, recibió su extravagante apodo en 1964, durante sus estudios con Joseph Beuys en la Academia Estatal de Arte de Düsseldorf por su supuesto parecido físico con el mafioso estadounidense y promotor de boxeo, famoso en la época por «ser el propietario» de Sonny Liston. De su trabajo se pueden distinguir lienzos monocromáticos y «pinturas de tejido» hechas con simples tiras de material coloreado, cortado, cosido y estirado sobre un marco. En un momento posterior de su carrera, desarrollaría su obra in situ para grandes instalaciones arquitectónicas, a menudo incorporando dibujos murales. Sus obras tienen una relación superficial con el constructivismo y el minimalismo, pero la sensibilidad de vanguardia también resulta minada por un sofisticado sentido del humor y su insistencia en lo pictórico y expresivo, como se evidencia en sus títulos poéticos.


KATHARINA SIEVERDING 1944, Praga, Republica Checa. Actualmente vive en Berlín, Alemania. Comenzó a estudiar arte en 1967 en la Staatliche Kunstakademie en Düsseldorf. Sus inicios fueron con la escultura y después pasó a la fotografía, técnica que ha definido su carrera. Los trabajos de Sieverding consisten en su mayoría autorretratos, siendo algunos de ellos abstractos, definiendo su estilo el uso de técnicas para resaltar la silueta y el contraste. En su trabajo encontramos plasmados a menudo temas sobre la sociedad y el individuo, además de valerse de la fotografía para hacer denuncias y declaraciones políticas teniendo como base el uso de conceptos como la historia alemana y americana. NORBERT TADEUSZ 1940, Dortmund, Alemania. Actualmente vive y trabaja en Düsseldorf, Alemania y Castelnuovo d'Elsa, Italia. Es considerado el alumno de Beuys cuyo trabajo es más similar y cercano al de su maestro, siguiendo sus pasos y despertando polémica con su trabajo. Sus obras revelan, junto a su hermosura, una mirada muy personal, no obstante que es capaz de hacernos recordar la fluidez y gracia lineal de su profesor. Tadeusz se ha mantenido fiel a la llamada pintura objetiva –incluso al ser partícipe de periodos importantes de movimientos como la abstracción–, aunque su lenguaje visual pudiera considerarse de difícil percepción. Tadeusz tuvo la oportunidad de enseñar y trabajar en su obra siendo catedrático de Arte Monumental en el College of the Visual Arts en Braunschweig entre 1991 y 2003, en donde la exploración del mundo a través del arte fue su mayor motivación.


COORDENADAS MARIO RANGEL FAZ 1956-2009, Distrito Federal, México. Pintor y grabador con pulcritud y maestría en los procesos de impresión, por lo cual es considerado uno de los grabadores más importantes de su generación. Miembro fundador de dos iniciativas colectivas: Grupo SUMA y el colectivo Atte. La Dirección, los cuales manejaron conceptos comunes y efectivos que se proyectaron en la esfera pública, integrando la experimentación de modelos para la educación artística de audiencias no necesariamente asociadas con el arte, a la vez que integraron dinámicas en función de un pulso pedagógico para su formación profesional. En su momento fue coordinador editorial y de impresión sobre diferentes carpetas de grabado, compilando el trabajo de varios artistas. Asimismo, colaboró con artistas de otras disciplinas realizando escenografías para puestas en escena de danza y teatro, además de participar como jurado en concursos de performance y acciones multidisciplinarias. GRUPO SUMA (1976–1982) Formándose para participar en la X Bienal de Paris, en el año de 1976, este colectivo no se imaginó hacer historia. Nació en la ENAP (Escuela Nacional de Artes Plásticas) y en sus inicios estaba conformado por 22 integrantes, entre ellos Oscar Águilar Olea, José Barbosa, Paloma Díaz Abreu, René Freire, Oliverio Hinojosa, Armandino Lozano, Gabriel Macotela, César Nuñez y Miriam Ramírez. Podría considerarse al Grupo Suma como precursor de los géneros artísticos que hoy predominan en el arte, siendo utilizados por primera vez en nuestro país por estos artistas no tradicionales. Ejemplo de estos géneros son la instalación, el libro de artista o el activismo artístico, que ahora son comunes. Grupo Suma impulsó a lo largo de seis años una propuesta creativa basada en la idea de llevar el arte a la calle, con el empleo de recursos gráficos de uso cotidiano y popular. Cabe resaltar que en ese entonces a las personas involucradas en tales movimientos artísticos se les consideraba vagos, una apreciación muy distinta a la actual. Hoy, al Grupo Sumo se le reconoce como uno de los colectivos que marcaron la diferencia en el área del graffiti y el street art.

Mario Rangel Faz Sin título, ca. 2000

Técnica mixta 240 x 150 cm

Colección particular

Grupo Suma / Vicente Rojo Cama Sin título, s/f

Técnica mixta 70 x 55 cm


ATTE. LA DIRECCIÓN (1982–1992) Este colectivo fue creado en 1982 por seis artistas: María Guerra (1957-1999). Fotógrafa, video artista, performer y curadora Dominique Liquois (1957). Poeta, pintora y crítica de arte Mario Rangel Faz (1956-2009). Pintor, grabador y performer Vicente Rojo Cama (1960). Compositor electroacústico, diseñador gráfico y artista visual Carlos Somonte (1956). Fotógrafo y director de video Eloy Tarcisio (1955). Pintor, artista conceptual y performer. Atte. La Dirección continuó con el camino y trabajo del Grupo Suma, en su mayoría con acciones y performances provocadores que tuvieron el propósito de dotar de nuevos significados y lecturas a hechos o situaciones sin relaciones aparentes o ajenas entre sí, usando en ocasiones galerías y museos como escenario. Sus trabajos entrelazan sin distinción la simbología popular, el absurdo cotidiano, las contradicciones de la vida, los sentimientos encontrados, la violencia sorda, la repetición rutinaria, la distorsión de objetivos y el entramado de las relaciones humanas. A partir de una cuidadosa planeación y producción previa, sus acciones se realizaban una sola vez. En orden de romper con las formas establecidas de expresión artística, experimentaron con textos, videos y sonidos, además de usar materiales efímeros como el fuego, el hielo, el vidrio y el pasto, y evidenciaron así la fugacidad y singularidad de sus trabajos.

Atte. La Direccion Paseguirasíprefierolamuerte, 1987,

Reproducción, 2010 Pasto artificial, pasto natural y neón

300 x 300 cm Colección particular


GLOSARIO Abstracción Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuando formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. Constructivismo Modelo de comportamiento que mantiene una persona, tanto en los aspectos cognitivos, sociales y afectivos, según la posición constructivista. El conocimiento no es una copia de la realidad sino una construcción del ser humano y se realiza con los esquemas que la persona ya posee (conocimientos previos), o sea con lo que ya construyó en su relación con el medio que lo rodea. Escultura abstracta Persigue los mismos fines que la pintura abstracta: aplica las formas de sus pinturas en un arte de tres dimensiones y desarrolla una iconografía de formas en la que trata de representar el principio formativo de la realidad. Escultura minimalista Su objetivo es potenciar la pureza del lenguaje dando como resultado obras y objetos lo más simple posible. Minimalismo Tendencia abstracta que surge a comienzos de los años sesenta. El minimalismo reduce el contenido y la forma de la obra de arte a un vocabulario escaso de formas, simple. Comprende esculturas que se reducen a los elementos del volumen, estructuras claras y geométricas ligadas al espacio que las circunda, libres de todo adorno decorativo, generalmente compuestas por módulos prefabricados con materiales industriales: plástico, aluminio, cobre, madera, tubos fluorescentes, ladrillos, piezas de cerámica, etc. Pintura objetiva Surge alrededor de 1840. Su finalidad es la representación objetiva, verosímil de la realidad. En cierta medida es una reacción frente a los excesos del Romanticismo, ya que rechaza el sentimentalismo y la temática histórica, extrayendo su inspiración de la realidad cotidiana.

Investigación y recursos didácticos

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MARCO_Joseph Beuys y Coordenadas M Rangel Faz

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