Papini Martina

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Trabajo Práctico N°2

“Album”

Neoclasicismo:

Comienza en el siglo XIX con la revolución francesa (1789), que hizo cambiar totalmente la

situación en que vivieron y trabajaron los artistas.

Desde allí el barroco y el rococó ya no se utilizaban más, y se comienza a utilizar cono eje la

antigüedad romana.

La paleta neoclásica siempre esta bajada con el ocre. A veces se usaba el claroscuro, con una

iluminación intensa de los personajes que interpretaban la escena en el centro del cuadro,

dejando en las tinieblas el resto del cuadro.Usan colores ácidos. La superficie del cuadro

aparecía lisa, con una factura impecable en la que difícilmente se apreciaban las pinceladas del

autor, lo cual contribuía a establecer la distancia entre el autor y el tema y de éste con el

espectador.

El tema principal de las obras fue la historia, reproduciendo los principales hechos de la

Revolución francesa y exaltando los mitos griegos y romanos. Los temas representados

siempre eran serios, con intención moralizante: alegorías e historias que transmitían valores

ejemplares como el sacrificio del héroe o el patriotismo. En muchos casos, las escenas no

representaban el momento álgido de la historia, sino el momento anterior o posterior.

Generalmente se pintó al óleo sobre lienzo, pero también hubo frescos. El estilo buscaba la

sencillez también en la composición. Cada cuadro se refería a un solo tema principal, sin temas

secundarios superfluos que pudieran distraer. No son cuadros de gran profundidad, sino con

una construcción frontal que recuerda a los frisos y bajorrelieves clásicos. En el marco se

pintaban, en primer plano, un número limitado de figuras humanas que componían la escena,

aislados por lo general los unos de los otros.

Estos personajes que ocupaban el primer plano mostraban perfectas musculaturas sin

defectos que recordaban a las estatuas clásicas.

En cuanto a los objetos que se incluían en las escenas, se buscaba una recreación casi

arqueológica de la antigüedad, reproduciendo en el lienzo aquellos objetos descubiertos por

los arqueólogos en las excavaciones.

Pintores destacados del neoclasicismo:

-Jacques Louis David, (1748-1825)

-Antonio Canova, escultor; trabaja en mármol

-Benjamin West

-ingres, (1780-1867), artista de transición.

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Obra: “La Muerte de Sócrates” (1787).

Autos: Jacques Louis David

Fecha: 1787

Museo: MetropolitanMuseum of Art

Estilo: Neoclasicismo Francés

Material: Óleo sobre lienzo

Análisis de la obra:

Obra:

- Colores virados al ocre, se pueden observar colores como el azul, naranjas y amarillos,

pero no llamativamente.

- Iluminación: parece como que ingresa una luz natural desde una ventana que ilumina

la escena importante, y a los personajes más llamativos.

- Equilibrio: está bien realizado ya que del extremo derecho se encuentra una pequeña

multitud de personas juntas y del extremo izquierdo están personajes más resaltados y

también se ve profundidad. Y a la vez el centro se ve puntualmente ya que ahí está

ubicado Sócrates muy iluminado y en colores que se diferencian a los otros.

- Composición: horizontal.

- Ejes y centros: el centro principal es Sócrates.

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Objetivo del autor:

El objetivo de David era plasmar algo sucedido en la historia,simplificar la escena, eliminando

algunos personajes, como la propia esposa de Sócrates, así como simbolizar en las figuras

asistentes las reacciones y consecuencias del suicidio.

Sucedido y contexto histórico:

La historia remite a la condena de Sócrates a beber veneno, por haber criticado la tiranía que

Critias ejercía sobre Atenas, y por enseñar falsos dioses en los jóvenes.

Él tenía otro punto de vista que los otros filósofos. Lo condenaron a tomar cicuta o a irse de

Atenas; pero él decide no irse y se junta con sus discípulos para dar la última charla, (dando la

vista a esto que el ciudadano debe dar todo por su ciudad).

Los discípulos de Sócrates se muestran desesperados por la medida, y uno de ellos, Crito, le

propone al filósofo la huída. Sin embargo, Sócrates, en medio de la agitación, la tristeza y el

dolor, se muestra entero y con el brazo en alto explica a sus alumnos que el filósofo debe

enfrentarse con entereza a cualquier circunstancia de la vida y entre ellas, la muerte, el acto

final de todo ser humano. Esta lección de autodominio será tan sólo aprovechada por Platón,

que aparece al pie de la cama. Platón era un hombre joven cuando Sócrates murió, pero David

le ha pintado con la apariencia de un anciano que reflexiona aislado del resto de la historia,

simbolizando la madurez y capacidad intelectual que hechos como estos otorgaron al joven

filósofo griego, sucesor del sofismo de Sócrates.

- Sócrates tratando de señalar a sus amigos -antes de su propia muerte- los valores

morales a los que deben someter su conducta. L a esposa de Sócrates, llamada Jantipa,

abandona la celda escoltada por guardianes Cuadro

- Guardia que entrega la cicuta a Sócrates: Hasta los mismos guardias, que ya se habían

familiarizado con el sabio anciano sentían pesar por la suerte que deparaba a un

hombre como él. El compañero más cercano a Sócrates, Critón, sentado a su lado,

contempla a su maestro con devoción y preocupaciónestá sentado a los pies de la

cama, con pergamino y pluma a su lado, testigo silencioso de la injusticia del Estado.

- Todos los presentes en la obra muestran tristeza, y afecto hacia Sócrates.

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Romanticismo

Características generales.

La pintura romántica rechaza las convenciones neoclásicas, las reglas, supone un momento de

renovación técnica y estética de importantes consecuencias para el futuro:

Utiliza diferentes técnicas; el óleo, acuarelas grabados y litografías.

La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con

las formas mássutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad.

Desaparece la línea frente al color. Se recupera la potencia sugestiva del color, liberándose las

formas y los límites excesivamente definidos. Es el agente emocional de primer orden

La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral.

Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los gestos

dramáticos. Algunos autores como Friedrich prefieren esquemas geométricos más reposados.

Los temas son variados. Se cultiva el paisaje como recurso para transmitir los estados de

ánimo, dominado por lo infinito de la naturaleza ante la que el hombre aparece relegado y

oprimido. Otros temas son las revoluciones políticas, los desastres, religiosos, retratos, lo

exótico y fantástico.

Tipos de romanticismo europeo:

El Romanticismo francés.

El tema histórico, con la Revolución Francesa, adquiere mucho interés.

Los dos autores más representativos son Géricault y Delacroix, maestros del color, la

representación del vigor, de la voluntad y de la energía contenida. Del primero destaca su obra

La Balsa de la Medusa que se convierte en un alegato político contra la pasividad del gobierno

cuya incompetencia provoca el naufragio de la fragata Medusa. Delacroix se consagra como el

máximo exponente del romanticismo con su obra La Matanza de Quíos, donde reflejaba la

carnicería realizada por las tropas turcas contra los griegos. Pero la obra más notable es el

cuadro que conmemora la Revolución de 1830 y que lleva por título La Libertad guiando al

pueblo.

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Obra: “la libertad guiando al pueblo”

Título: La libertad guiando al pueblo

Autor: Eugene Delacroix

Técnica usada: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 2,6 m de alto por 3,25 m de ancho

Análisis de la obra:

Obra:

La obra La libertad guiando al pueblo (1830) del pintor francés Eugéne Delacroix (1798-1863)

es la que mejor representa su espíritu romántico y hace que se le reconozca como el máximo

representante del Romanticismo, a la vez que la misma es todo un ícono de los movimientos

revolucionarios en el siglo XIX.

Delacroix crea una pintura en la que representa una escena del levantamiento del pueblo de

Paris contra la monarquía del rey Carlos X, cuando éste suprime por decreto al Parlamento y

amenaza con restringir la libertad de prensa. Tras unos primeros disturbios en las calles

parisinas, ciudadanos de todas las clases sociales protestan airadamente contra las

resoluciones reales. Este espontáneo y explosivo movimiento popular fue la excusa para

plasmar una de las obras que mejor representa el espíritu pleno del Romanticismo.

Esta alegoría de una mujer representando a la Libertad, que marcha semidesnuda y portando

en su mano derecha la bandera tricolor francesa, y en la izquierda, un rifle, encabezando una

manifestación y seguida por representantes de toda la sociedad francesa, se ha convertido en

la obra más representativa del Romanticismo francés.

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La pintura está cargada de elementos simbólicos: niños, jóvenes y adultos; clase obrera,

burgueses y soldados, todos defienden a la Libertad que, en este caso se identifica también

con Francia. El hombre con sobrero de copa representando a la burguesía es un autorretrato

del propio Delacroix, mientras que a su lado, un joven vistiendo ropa andrajosa, identifica a la

clase obra. A la izquierda de la Libertad, un niño portando un arma en cada mano, representa

al futuro de la sociedad francesa.

Contexto histórico:

Francia del siglo XIX, época marcada por fuertes revoluciones que alteraron diversos aspectos

sobre las estructuras sociales y políticas del entonces reino. Más precisamente, nos enfocamos

en la época de las revoluciones, comprendida entre 1824 y 1848. Esta composición fue

realizada el año 1830, en el marco de la llamada “Revolución de Julio”, o “Las tres gloriosas”.

En este proceso histórico, las masas populares y de clase media se sublevaron en contra de la

administración autocrática a cargo de Carlos X, debido a la poca probabilidad de aprobación

que tenían las reformas que exigía el país; entendiéndose derechos tan básicos como la

libertad de expresión y de prensa (y por ende, la abolición de la censura), la ampliación del

voto censitario, y la extensión de la paridad en el parlamento, que hasta aquel entonces era

hereditaria. Todos estos factores incidieron para que en Julio de 1830, el pueblo se volcase a

las calles de París, alentado por la prensa nacional, para exigir la salida del actual gobernante.

Apoyados por la Guardia Nacional, consiguieron derrotar al ejército real, consolidando así un

nuevo gobierno liderado por Luis Felipe I. Como consecuencia de esto, Carlos X se vio forzado

al exilio, y se reformó la constitución para reestructurarla y volverla más liberal.

Color: paleta de colores vibrantes. (Rojo, blanco y azul), y también gama de grises, ocres y

marrones.

Luces y sombras:resaltan la vitalidad de sus personajes y su entorno.

Objetivo del autor:en esta obra Delacroix quiso manifestar su apoyo a la revolución y su fuerte

sentimiento nacionalista impregnado en esta imagen de la libertad encabezando al pueblo

francés armado que lograría derrocar al tirano Carlos X. Este sentimiento llevaría a la corona

sucesora, Luis Felipe de Orleans, a adquirir esta obra (aunque terminó siendo sólo temporal)

como emblema de la revolución de 1830.

El Romanticismo alemán.

La figura más importante es Friedrich. La representación de la naturaleza alcanza la expresión

más elevada donde el hombre cumple el insignificante papel de espectador frente a la

magnitud del paisaje. Algunas de sus obras son Salida de la luna sobre el mar o Viajero sobre

un mar de niebla.

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Características principales: la individualidad y subjetividad del autor, hay una vinculación entre

el gótico y el bosque como concepto de lo germano, y vínculos con la naturaleza.

Obra: “la abadía en el robledal”:

Artista: Caspar David Friedrich

Tamaño: 1,10 m x 1,71 m

Fecha de creación: 1809–1810

Técnica: Pintura al aceite

Período: Romanticismo alemán

Análisis de la obra:

Este paisaje se encuentra iluminado por la luz del crepúsculo, la cual le da una profunda

espiritualidad. En medio del paisaje aparece la ruina gótica de una abadía. La Naturaleza se

encuentra jerarquizada en función de mostrar este aspecto religioso.

La presencia de una arquitectura gótica nos muestra la importancia de este estilo en época ya

muy temprana.

El cuadro se divide en dos niveles mediante una línea horizontal de niebla, el inferior oscuro y

el superior con mayor claridad. En contraposición a esta horizontalidad se disponen una serie

de árboles, en concreto robles, y las ruinas góticas de una abadía, que emergen desde la tierra

oscura elevándose hasta la claridad del cielo. La disposición de unos monjes en diagonal,

accediendo a las ruinas, dinamiza la sección inferior de la obra. Dichos monjes, tras dejar atrás

una tumba abierta en el cementerio, portan un féretro al interior de la abadía, bajo cuyo arco

se dispone un enorme crucifijo.

En el cortejo fúnebre y la sepultura abierta está presente el tema de la Muerte, con la que

Friedrich llevaba conviviendo desde su infancia: en 1781 fallece su madre Sophie Dorothea; un

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año más tarde su hermana Elisabeth muere de viruela; en 1787 su hermano Johann Christoffer

se ahoga al intentar salvar a Caspar David, quien se había hundido bajo el hielo; y en 1791 su

hermana María es víctima del tifus. Incluso el propio pintor se intentó suicidar hacia 1801.

Color: gama monocromática, paleta baja-

Temas: lúgubres

Luz: aspecto tenebroso, y la única iluminación que le da el autor es el efecto de la luz del

crepúsculo.

El romanticismo inglés, (Inglaterra).

En los últimos años del siglo XVIII, Inglaterra aporta su contribución a la pintura del paisaje

romántico através de las figuras de Constable y Turner.

Constable: Los paisajes de Constable transpiran autenticidad y verdad. Están llenos de

manchas de colores y se preocupa sobre todo por captar los efectos de la luz y las cambiantes

condiciones atmosféricas a través de una técnica rápida y precisa.

Turner:Su obra expresa la preocupación por el color y la luz que utiliza de manera

revolucionaria al representar los medios por los que el color parece propagarse a través de la

atmósfera: niebla, vapor y humo.

Con su obra Lluvia, vapor y velocidad, se convierte en abanderado de la pintura moderna.

Obra: “tormenta de nieve sobre el mar”

Autor: William Turner

Tamaño: 91,5 x 122 cm

Técnica: Óleo sobre lienzo.

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Análisis de la obra:

A medida que pasan los años, en la obra de Turner van desapareciendo los motivos. Así aquí es

difícil percibir el motivo real, con una composición helicoidal que parte de un barco,

mostrándonos una tempestad. Las masas se disuelven, creando una sensación de confusión. El

color va del blanco más puro al negro y pasa por transiciones del ocre al rojo del humo, así

como una serie de plateados propia de Turner.

Para generar esta obra el autor se amarro en un mástil del barco e ingreso en el mar a una

tormenta para ver como la veía y así poder pintarla. Parece una obra abstracta, y tiene una

composición circular.

Turner trabaja el color de una forma predominante que genera perder la línea.

Color: ocres, negros y azules

Realismo:

El realismo fue un movimiento histórico que aspira a ofrecer una representación verdadera y

objetivo del mundo sensible. Basado en la observación detallada de la vida que era

contemporánea a partir del Siglo XIX, luego de la Revolución Francesa de 1848.

Es una forma de expresión en que se retienen las impresiones básicas de la realidad, además

de relatar e interpretar la realidad que se esconde debajo de la apariencia de las cosas.

Término que designa un movimiento que apareció en Francia en 1848, a raíz de la revolución

de ese año (por lo que se vincula a las ideas sociales en favor de los más pobres), y que se

extendió hasta 1880.

Contexto histórico:El realismo surge después de la revolución francesa de 1848. El desencanto

por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre

en temas sociales. La industrialización determinó la desaparición del artesanado y la formación

de una numerosa población obrera acumulada en los centros urbanos. Con ello, las

condiciones de vida económica y social sufren una alteración, que se refleja en las ideologías.

Los artistas toman conciencia de los terribles problemas sociales como el trabajo de niños y

mujeres, los horarios excesivos, las viviendas insalubres y consideran que deben denunciar

estas lacras.

Características:Reflejan la realidad cotidiana. Dirige la atención hacia el paisaje. Los artistas

dejaron a un lado los temas sobrenaturales, mágicos y se centraron en temas más corrientes.

Reproducir las imágenes al natural. Expresa el gusto por la democracia.

La meta del realismo no es la belleza, sino la verdad, y por tanto, el conocimiento de la

realidad.

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El realismo es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos,

religiosos o alegóricos. Su fidelidad al detalle lo diferencia de la glorificación idealizadora

romántica, y su concentración en los rasgos esenciales y típicos de los carácteres, situaciones y

acciones lo distingue del reflejo de la realidad en sentido naturalista o fotográfico.

Obra: “el estudio del artista”

Autor: GustaveCourbet

Fecha: 1854-55

Museo: Museo de Orsay

Características: 359 x 598 cm.

Estilo: Realismo Francés

Material: Óleo sobre lienzo

Análisis de la obra:

El cuadro es su obra maestra y se trata de un manifiesto en el que relata sus creencias más

íntimas y arraigadas, también nos muestra igualmente su estudio.

- Vemos a un grupo de personas que representan a sus enemigos y de los que dijo que

medraban con la muerte. Relevante en ésta sección es la calavera que normalmente

representa a la muerte y que la sitúa encima de una hoja de periódico, es una clara

alusión a los críticos.

- Abajo y junto al perro podemos ver a un grupo de cosas que son, la capa, un puñal, la

guitarra y un sombrero de ala ancha con pluma que representan todos juntos al pintor

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romántico, Courbet rechazaba a los románticos porque decía que vivían en las nubes y

no en la realidad.

- En la parte de atrás del caballete con el lienzo, se aprecia una figura crucificada medio

a obscuras. Es un maniquí de madera de tamaño natural que servía de modelo a los

artistas convencionales, en este caso simboliza el arte académico rechazado

totalmente por Coubert. Además lo sitúa detrás del lienzo para dar a entender que lo

verdadero está en el paisaje realista que está pintando.

- En el fondo se intuyen las formas de dos cuadros del artista " La vuelta de la feria " y "

Las bañistas " que habían enfurecido a los críticos cuando las expuso.

- En concordancia a su manera de pensar la firma la realizó con pintura roja que

representa simbólicamente la sangre y la revolución.

- En el caballete está pintando un paisaje de su tierra natal, según lo establecido el

paisaje no era tema digno para un artista, por eso les declara la guerra y lo pinta

negándose a admitir los preceptos.

- Un niño que se sitúa al pie del lienzo con su mirada ingenua y con su inocencia, da el

mensaje que prefiere las opiniones francas del niño a las de gente cultivada o sea los

críticos.

- La mujer de pie y detrás del pintor representa la Verdad desnuda que guía el pincel del

artista deseoso de plasmar la vida fielmente.

- La luz fuerte que penetra por la ventana de la derecha es según Coubert la luz de la

vida además el estudio también está iluminado por una claraboya.

- Podemos observar igualmente que el grupo de personas que están situadas en la

derecha del cuadro son los amigos y el que está sentado en el centro es el escritor

Champfleury fundador igualmente del realismo literario, más tarde y a raíz de ver éste

cuadro se enfadó con él y se enfriaron las relaciones.

- El hombre que está sentado leyendo es el gran poeta francés Charles Baudelaire y

detrás de él apareciendo en el cuadro está la figura de Jeanne Duval su amante, se

conoce que Coubert pinto sobre ella pero como lo hizo con una pincelada suave en esa

sección de la tela su imagen

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Biografía:

- Portaldelart, “realismo”. Disponible en sitio web de:

http://www.portaldearte.cl/terminos/realismo.htm. (recuperado el: 02/09/13)

- Artehistoria, “obras”. Disponible en sitio web de:

http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/4151.htm (recuperado el 02/09/13)

- Buzondepinturaporjuanjosebarajas, “el estudio del pintos gustavecourbet”. Disponible

en sitio web de:

http://buzondepinturaporjuanjosebarajas.blogspot.com.ar/2011/01/el-estudio-del-

pintor-gustave-courbet.html (recuperado el 01/09/13)

- Slideshare.net, “arte realismo”. Disponible en sitio web de:

http://www.slideshare.net/Damian0622/arte-realismo (recuperado el 30/08/13)

- Histartgazer, “abadía en el robledal un sublime”. Disponible en página web de:

http://histartgazer.blogspot.com.ar/2012/06/abadia-en-el-robledal-un-sublime.html

(recuperado el 02/09/13)

- Telecable.es, “Friedrich”. Disponible en página web de:

http://www.telecable.es/personales/angel1/pinrom/friedrich/abadadel.html

(recuperado el =2/09/13)

- Bibliocristina.net, (s/d). disponible en página web de:

http://bibliocristiana.net/LibrosCristianos/Arte/Hitoria%20del%20Arte%20Ernst%20Go

mbrich.pdf (recuperado el 02/09/13)