Somos///

Yuri Fres/Dirección - Edición General/

Studio 3/Diseño, Fotografía y Dirección de Arte/

Ctrl+P | www.ctrlp.clProgramación Web/

Colaboradores/Gonzalo Contreras/Carolina Zuñiga/Debora ZuñigaVane Arancibia/

www.tintamagazine.clcontacto@tintamagazine.cl

Creer, transmitir y proyectar ideas vanguardistas fueron los componentes que dieron como resultado el inicio de

nuestra revista.

El intercambio de disciplinas y absorbentes que hemos logrado se ha magnificado a tal punto, que cada espacio dedicado a mostrar nuevas tendencias, este plasmado

en cada hoja de nuestra revista.

Nacer bajo el alero de la Web, crecer, y finalmente mutar, son en sí, una necesidad y una pequeña pincelada de lo que Tinta Magazine significa. Grandes esperanzas y deter-minaciones llevarán en un futuro a que lo visual también sea tangible, esperando que nuestro tercer número sea

un verdadero logro impreso, lleno de color y de arte.Tinta Magazine después de su nacimiento y en su

empeño por desarrollar lo más puro del arte, sufre su primera metamorfosis, la cual pretende transferir todos aquellos ideales, comunicar sueños, realidades ficticias y

lo mas importante nuestra expresión.

La realidad ya es un hecho. Está presente en nuestras vidas a través Tinta. Cuan lejano era el sueño de lograr lo que ambicionábamos ahora………… presentando un segundo

número y preparando ya un tercero.Gracias por el apoyo

yexito para todos.

Ilic nació en Bijeljina, y estudio en la Escuela de Artes Aplicadas de Zagreb. Publicó sus primeros trabajos en 1973, y desde entonces nos ha mostrado cómics e ilus-traciones en revistas, tales como Omladinski Tjednik, Lasta, Tina, Pitanja. se convirtió en el editor de arte y có-mics de la revista de los estudiantes Polet en 1976. Fue entonces cuando se organizó una clasifi cación informal de los creadores de comics kvadrat Novi (La Plaza Nue-va), que ha sido ampliamente conectado a la Novi Val movimiento musical en Zagreb. Esa conexión llevo a Ilic a diseñar caratulas de algunas de las bandas de Yugos-lava más destacadas de la época.

En 1991, Mirko Ilic fue director de arte de la edición in-ternacional de la revista Time. Se convirtió en el director de arte del New York Times en 1992.

Mirko ha impartido clases de diseño avanzado con Mil-ton Glaser en la Cooper Union y actualmente imparte clases de maestría en la ilustración en la Escuela de Artes Visuales.

Ha escrito varios libros con Steve Heller, incluyendo movimientos Genius: 100 iconos del diseño gráfi co, a mano, y la anatomía de diseño. También ha escrito el diseño de la disensión con Milton Glaser.

Recibió premios de varias organizaciones, incluyendo la Sociedad de Ilustradores, la Society of Publication Designers, el Art Directors Club, ID Magazine, revista impresa, COMO revista, la Sociedad de Diseño de Pe-riódicos, y mucho más.

Este gran Diseñador nos concedió una entrevista a Tinta, Mirko…

Sabemos que llevas mucho tiem-po en el diseño, la ilustración y 3d, que ha escrito libros con Steven Heller, y bueno que enseña diseño avanzado, ¿que proceso de la vie-ja escuela crees que es importan-te rescatar hoy en día?

A mi parecer lo más honesto es enfo-carse en prevenir a los estudiantes, diciéndoles la verdad tanto como sea posible, dándoles ejemplos de tu propio trabajo.

Lo más importante es enseñarles (a los estudiantes) como pensar, como hacerlos creativos. El pensar los preparará para las herramientas del futuro o para los medios. Las herra-mientas son toda tecnología, mien-tras que pensar es fundamental para todo.

Antes de vivir en los Estados Uni-dos, vivías en Europa haciendo portadas de libros, afi ches y por-tadas de discos de bandas, ¿re-cuerdas alguna de esas portadas y cuál fue la que más disfrutaste en esos momentos?

Yo disfrutaba todas, hasta que me aburrí de algo particular, y dejé de

hacerlo por un tiempo. En el caso de los cómics, lo dejé para siempre.Si alguien hace algo por mucho tiempo, por ejemplo las portadas de discos que son de 12” x12” e in-clusive el tamaño en si mismo se vuelve muy limitado a la forma de pensar.

Variando desde la ilustración del diseño e incluso cambiando el inte-rior del diseño desde las portadas de discos a las revistas, pósters, etc., eso te mantendrá interesado.

Cuéntenos tu experiencia con Milton Glaser, como se conocie-ron y cual es lo más importante que aprendiste de el.

Por muchos años admiré los tra-bajos de Milton Glaser , desde antes de conocerlo. El fue uno de los ejemplos brillantes que seguí en mi idea de hacer muchas co-sas diferentes dentro del diseño en respuesta a lo anterior. Cuando nos conocimos por primera vez, in-mediatamente le gustó mi trabajo, probablemente porque el también reconoció un poco de su juventud en ello.

Muy pronto comenzamos a ser amigos. Colaboramos en muchos proyectos. en algunos casos, el era

director de arte y yo el ilustrador y en otros al revés. Escribimos un libro juntos. “El diseño de Dissent” (Rock-port) Yo fui su coadjutor en la exhibi-ción en la Escuela de Artes visuales en Nueva York.

Nuestros estudios están ubicados en el mismo edifi cio. Así tengo la oportunidad de visitar su ofi cina un par de veces al día para ver qué es lo que está haciendo, escucho sus comentarios y argumentos. Esa es probablemente la mejor educación acerca del arte y el diseño que estoy dispuesto a seguir.

Cuéntanos cómo conociste a Ste-ven Heller?

En los primeros diez días de mi lle-gada a NY, golpeé la puerta de la ofi -cina de Steve Heller. En ese tiempo el era el director de Arte del espacio crítico del NYT.

El inmediatamente me dio un tra-bajo para hacer una ilustración. Yo continué golpeando a su puerta y el continuó dándome trabajos. En ese proceso nos hicimos amigos y cole-gas, hasta que me convertí en el di-rector de las págs. Op -Ed del NYT. Colaboramos en 3 libros: Movimien-tos del genio/ Iconos del diseño Grá-fi co, Manuscritos y La Anatomía del

Diseño. Ahora estamos trabajando juntos en un nuevo libro llamado “Para, Ve, Hazlo” el cual será publi-cado por Rockport.

En otro punto, realmente dis-frutamos de tus colecciones de ilustraciones Sex & Lies, ¿cuén-tanos el porqué de estas lami-nas?

Hace algunos años atrás tuve unas ofertas de tener una exhibición en Paris. Mi primera asociación de Pa-ris fue arte, comida y sexo. De al-guna manera decidí ir por la ultima.Creando cosas en el programa maya en 3D, se llama maya porque signifi ca “ilusión” decidí que quizás podría hacer series de imágenes las cuales son ilusiones del sexo.

Ya que las imágenes no son rea-les,- todo es posible en el mundo digital 3D- pero aparece de forma real. Decidí llamar a eso “Sexo y Mentiras”

Esas imágenes fueron bastante desconocidas, hasta que repenti-namente la gente comenzó a inte-resarse en ellas.

Como llevas mucho tiempo en el mundo del diseño y la ilustración ¿qué consejo le daría a todos los

diseñadores, ilustradores de hoy en día.

Creo que lo más importante es ser honesto contigo mismo y disfrutar lo que haces, porque si eres me-diocre en lo que haces el dinero no te salvará.

Violeta Hernández estudió en el Centro de Estudios Su-periores de Diseño de Monterrey CEDIM (Mty. México) y en EINA Escolla de Diseny I Art (Barcelona, España).

Su trabajo dialoga bajo una estética femenina y fantás-tica, colmada de explosiones orgánicas que a veces traspasan el elemento bidimensional para amoldarse a formatos tridimensionales, como en el caso del fenóme-no art toy.

Violeta se impone sobre la superfi cie vectorial a la que su generación se siente sometida, y alimenta la esencia emocional que la une a las superfi cies y procesos tradi-cionales del arte, su trabajo encuentra entonces espe-

cial fortaleza en el dibujo, en el papel y su textura, en la efervescencia del color, las tintas, los matices y la línea sutíl con la que dialogan sus personajes.

Violeta crea atmósferas y las alimenta una a una, cons-truye su propio universo, transita por el diseño, lo cual permea sus obras de limpieza, de equilibrio o un desor-den elegante.

Eran las 13:00 hrs. de un día frío, pase al M.A.C. a ver que había de nuevo, mi sorpresa fue grande pues había un exposición, una antología visual de jóvenes fotógra-fos que comprendía desde 2010 al 2011.

Esta antología, impulsada por fotoespacio, un portal de difusión de fotografía contemporánea, retrata lo que ha pasado en la fotografía con las nuevas generaciones en los últimos años.

Fue en esta expo donde quedé pasmado con una fotó-grafa. Se trata de Zaida González. En sus fotografías retrata imágenes con una técnica que en lo personal la encuentro muy atractiva por sus colores deslavados, por su alto contenido visual y porque en cierto modo, nece-sitamos estas imágenes de carácter polémico que des-coloquen y te hagan pensar un buen rato.

En primera instancia te agradezco por tu tiempo y buena onda Zaida

¿Cómo y cuándo empezaste con la fotografía?

-Comencé después de estudiar a medias diseño en el Itesa está contigo, ahí tenía un ramo de foto. No sabía que se podía estudiar fotografía como carrera, así que entré al Alpes a foto publicitaria, cosa que no me gustó y descubrí la foto de autor.

¿Cuál es tu cámara favorita y por qué?

-Análoga. Uso una heredada por mi hermano Marco, es una Minolta maravillosa y también utilizó una prestada por mi pairino Julio, Canon AE1 , lo que me importa es el lente, uso un 50 mm luminoso. Digital uso Nikon, tiene mejor óptica y el visor no es tan engañoso.

¿Eres más amiga de las análogas o de las digitales?

-Análoga para mis trabajos de autor y digital para documentar.

¿Que técnicas ocupas para llegar a estas imágenes tan propias?

-Tomo fotos análogas, b y n 35 mm, luego las amplío a 15X10 cm y las coloreo a mano con lápices acuare-lables. Sabemos que en tus fotos tratas temas como: doble estándar de la iglesia Católica, pedofi lia y este-reotipos de belleza, cuéntanos el por qué de estos temas y cuáles serían otros temas que te gustaría tratar.

-Porque hablan de nuestra realidad social, aquella escondida que nadie quiere ver (aunque ahora se han destapado todas las atrocidades de la iglesia). Son temas que me pre-ocupan, me causan risa de tragedia al ver tanta hipocresía en nuestro país, cada vez más ciego y en retro-ceso.

Ahora preparo una serie que se lla-ma “Maldita Perra Constipada”, re-trata los estereotipos de la mujer

Chilena, aquella que sufre por no casarse a cierta edad, o que no tie-ne una vida “ideal” antes de los 30, modelo impuesto por una falsa iden-tidad nacional. La serie es realizada con mi amiga maquilladora Ximena Villalobos, ella hace un maquillaje bacán teatral, de estigmas, sangre y heridas en las modelos.

También leímos por ahí, que algún día te gustaría trabajar en fotogra-fía forense, ¿qué te apasiona de este tipo de fotografías y qué es lo que te gustaría expresar con ellas?

-Me gustaría trabajar en ello por un desafío muy autobiográfi co, no ten-go trancas o problemas con ver san-gre o muertos, en cada cosa sinies-tra rescato algo que me inspira para realizar mi trabajo personal.

Sabemos que te gusta cocinar, aunque demoras mucho, según tú ¿cuál sería la receta y aliños para obtener las mejores imágenes?

-Jajaja cocinar basado en decorar, hacer una composición simétrica, colores saturados y frescos de textu-ra en ácido, formas fálicas, vaginales y mamarias. (fea la palabra mama-ria, verdad?) . Mucho ají y pimienta!

Sé que has leído libros de Marilyn Manson y bueno también escu-chas su música, ¿que opinas de su arte?

-Es mi referente en todas sus disci-plinas, como músico, pintor, modelo, escritor y como traduce el mundo as-

queroso. Es un tipo muy inteligente, subvalorado a mi parecer, tiene una forma muy honesta de representar lo que piensa.

¿Que otras bandas encontramos en el ipod, walkman o tocadiscos de Zaida?

-Mis cassettes favoritos: Slayer, Morbid Angel, Sepultura, Metallica, Danzig, Siniestro Total, Cristina Ro-senvinge, Miranda, Super Nova, Brit-ney Spears (en su periodo decaden-te), Amy Winehouse, Pánico, Gwen Stefany, No Doubt, Type o Negative, Pestilence, ABBA, Los Ángeles Ne-

gros, Sandro, Gipsy Kings, Héroes del Silencio, Misfi ts, Motörhead, Skid Row, Guns N` Roses (los dos prime-ros nada más), Laibach, Los Saicos, The Gathering, Hercules and love affair y algunos temas de Stereo 3.

hahaha, ¿que consejo le das a los nuevos fotógrafos?

-Que hagan lo que les de la gana, no miren tanto pal lao y se miren más el culo! el propio siempre es más lindo que el del compañero.

¿Unas palabras para Tinta?

Gracias por publicarme :) y mucho éxito para ustedes! aguante Tinta Magazine!!!

Las obras de este exótico Italiano dan que hablar. Oscu-ro, inquietante y bellas son algunas de las palabras que sus seguidores utilizan para describirlo. Sus autoretra-tos son unas de las galerías más visitadas y que cortés-mente nos envió para nuestra publicación número dos, denotan imágenes crudas, llenas de dramatismos, de colores oscuros y oxidados, láminas que denotan miste-rio, interés y curiosidad por parte de los que observamos su trabajo.

Quisimos conversar para saber más de él, pero nos pi-dió por favor que no quería entrevistas. quizás este her-

metismo provoca más interés en ver los trabajos de este fotógrafo y artista digital.

Sus obras no dejan indiferente a nadie que las mire y crean ese hipnotismo al verlas, esa transportación a un mundo oscuro, bizarro y apocalíptico.

Muchas gracias Francesco y esperamos ver más de esas imágenes que tanto nos gustan.

Jim Kazanjian es un artista estadounidense, de Oregon, dedicado al collage o fotomontaje de imágenes. Su es-tilo se encasilla en el surrealismo, Algunos comentan que sus fotos son perturbadoras, otros que son un caos arquitectónico. Sus imágenes son cautivadoras y fasci-nantes, muestran arquitecturas fi cticias, caóticas, ba-sándose en fotografías anónimas.

Curiosamente, las fotografías que utiliza para realizar sus montajes no son suyas, así que se dedica a rebus-car entre su archivo de fotografías rescatadas de Inter-net para darles una nueva vida, construyendo su uni-verso a retales y buscando inspiración en los relatos de Lovecraft, entre otros escritores.

Jim está interesado en una especie de “imagen entrópi-ca” una imagen que tiene la capacidad de desfamiliari-zarse. Su actual trabajo es un intento de desentrañar la fotografía y jugar con las nociones establecidas de tiem-po y espacio, a pesar de nuestra comprensión de lo que da contexto a las cosas. A través de la fragmentación y recomposición del espacio fotográfi co, la naturaleza no lineal de la lectura de la imagen se dobla sobre sí misma. La estructura de la fotografía se desenrolla y se remodela. Esta transformación es un proceso iterativo que impulsa a una generación de algo completamente diferente, algo inefable.

Manuel Di Rita (Peeta), es un joven artista italiano naci-do en un pequeño pueblo cerca de Venecia, Italia. Em-pezó a escribir “Peeta” desde el comienzo de los 90 y pronto se convirtió en un escritor bien conocido en la escena del graffi ti italiano, gracias a su colaboración con el equipo de Padua “EAD” él se ha acercado a los dife-rentes estilos, y por fi n ha elaborado una técnica perso-nal que se inspira en la escultura y el diseño industrial y consiste en una ejecución muy original de la pintura 3D.

Su éxito como graffi tero lo ha empujado a superar muy pronto la frontera italiana. Comenzó a viajar por todo los EE.UU. y Canadá, difundiendo su arte hasta llegar a una enorme popularidad a nivel internacional, especialmen-te gracias a la participación en muchos concursos de

graffi tis, reuniones de estilos, exposiciones personales y colectivas.

La elaboración de su estilo personal vino de la intención de unir las letras tradicionales con pinturas 3D. Este ex-perimento tiene por fi nalidad dar vida a un tipo único de ritmo visual, creado por las líneas de intersección entre las secciones de las superfi cies cónicas, cilíndricas y torsiones de estas.

El papel de la escultura viene a ser esencial para este propósito. De hecho, la escultura representa para el ar-tista un contacto directo con la tridimensionalidad y lo que le ayuda a encontrar buenos efectos 3D y compren-der profundamente las reglas de la luz y las sombras.

Si al comienzo de su carrera las es-culturas y lienzos fueron considera-dos sólo como medio de ejercicio técnico para pintar en las paredes, fi nalmente éstas se convirtieron en verdaderas obras de arte. De esta manera, ha sido capaz de llegar a ser conocido por un público muy grande, llegando a exponer en ga-lerías de arte en todo el mundo.

Hola Manuel, gracias por acoger la invitación de nuestra revista.

¿Cuándo y cómo empezaste a trabajar en el mundo del graffi ti? -Recuerdo que lo primero que me impresionó en ese tiempo fueron los grandes murales y paredes de la “Fama” que ví durante un viaje a Barcelona en 1991, a continuación note el tamaño del graffi ti a lo largo del tren de las líneas que van des-de Venecia a Trieste y tomé unas fotos de ellas que fi nalmente termi-naron por inspirarme para pintar mi primera pieza en una pequeña ciu-dad cerca de donde vivía en 1993.

¿Cómo surgió la idea de graffi ti en 3D?

-Mi fuente de inspiración vino de mi educación escolar. Asistí a la es-cuela del estado del arte en el que aprendí a crear esculturas y poste-riormente la forma de transportar mi conocimiento a los volúmenes

plástico en las pinturas y las pare-des. Luego los equipos de primera que conocí, es decir, LA ESCUELA DE PADUA GRAFFITI eran realmen-te la pintura sin contornos y así que seguí aprendiendo a reproducir los efectos 3D. Por último, se ha inspi-rado en las obras de dos escritores que admiro: Delta (NL) y Daim (D).

¿Trabajas en algún programa 3D para ver los dibujos antes de pin-tar? -No. El único caso en el que uso un programa 3D es antes de producir algo en cuando a una escultura.

¿Cuál es el mejor consejo que has recibido en el graffi ti? -Cuando empecé a pintar graffi ti mi estilo era más orgánico y de alguna manera, desordenado. Otro escritor, un buen amigo mío, me sugirió cam-biar mi estilo en algo más claro, más ordenado y seguir trabajando en ello para mejorar día a día y eso es lo que hice.

Describe tu trabajo en tres pala-bras.

-Escultura, aerógrafo, aerosol.

¿Cuáles son tus principales fuen-tes de inspiración?

-Puedo responder a esta pregunta de manera diferente. Desde un punto de

vista puedo afi rmar que mi primera fuente de inspiración está constituida por mis obras anteriores. Tengo que mirarlas y comprender cómo mejorar mis conocimientos de pintura antes de crear algo nuevo. Entonces mi fuente de inspiración está represen-tada por todo a mi alrededor, todas las formas y los objetos son intere-santes desde mi punto de vista y me encanta mantener en la observación de ellos y estudiar la luz y la sombra

afectada a ellos. Por último siempre me he inspirado en el diseño indus-trial y arquitectura. Una de las per-sonas que me ha inspirado más es Zaha Hadid, arquitecta iraquí que siempre me sorprende por su uso poco frecuente de formas y volú-menes.

¿A quién admiras? -Admiro a Vulcano, Fase 2, Saber,

Kaws, Atome, demócratas, Seak, Delta, Daim, alegrías, Dare, pan tos-tado, Loomit, Totem y el BCE. ¿Qué proyecto personal te gusta-ría llevar a cabo? -Mi principal preocupación es por la escultura. Tengo muchas ganas de centrarme en eso y profundizar mi conocimiento de las técnicas y mate-riales, especialmente porque quiero

empezar a producir algunas de mi esculturas más grandes en lo que respecta al tamaño de mis trabajos anteriores y, en particular, para cons-truir esculturas que se pueden poner al aire libre.

¿Qué podemos encontrar en el Peeta escritorio? -Mi escritorio es realmente ¡un gran lío! Principalmente lo que puedes en-contrar en él es: aerógrafo, lienzos, bocetos, colas, cortador, lijas, cinta adhesiva y los colores.

¿En qué proyectos estás trabajan-do ahora?

-Como he dicho antes estoy centran-do en la escultura. Tengo un montón de comisiones que estoy trabajando. En los lienzos estoy próximo a conti-nuar. En un futuro cercano realmen-te quiero renovar mis técnicas pasa-das. En lo que se refi ere a esculturas estoy estudiando nuevos métodos de montaje y materiales. En tanto a la pintura estoy estudiando nuevos temas para enriquecer mis lienzos en signifi cados e ideas.

Gracias por tu material buena onda y te deseamos el mayor de los exitos, que sabemos que lo tendras.

Según lo que leímos en su propia web, este artista Gua-temalteco comenzó en la secundaria, cuando se inte-resó en el skate, el cómics y el arte. En 1990 conoció a uno de sus mejores amigos con el que iniciaron un grupo de graffi teros, incluso abandonaban las clases para graffi tear. Después de un par de años en el graffi -ti Maxx vesarrolló un estilo distinto de formas limpias y detalladas en sus letras y personajes, desde ese tiempo comenzó a hacerse conocido y terminó por ganarse el respeto por su dominio con la latas de spray en el medio del graffi ti.

Pronto todos concibieron que tenía un gran talento para las artes visuales, siguió perfeccionando sus habilida-des en el dibujo, tipografía, fotografía, el tattoo, el diseño y la pintura. Desde hace 10 años empezó a trabajar con

computadores y fue en este instante donde se consa-gró como diseñador. En estos instantes trabaja en www.famoussas.com y también de forma freelance y en pro-yectos personales.

Algunos de los planes futuros de Maxx es seguir traba-jando en el graffi ti personalizado, inspirándose en las fuentes y completar los diseños tales como zapatillas, juguetes y cubiertas de tablas de skate, también trabaja en afi ches para próximos conciertos.

Los clientes de Maxx son variados tales como Famous Stars, Tribal, Orange County Choppers, Miami Ink, Bad Religion, Sublime, Guinness, Corona, GMC y Vans en-tre varias marcas mas.

Jorge Montero es un diseñador residente en Santiago de Chile, su interés por la gráfi ca lo llevó a incursionar en el dibujo digital, pero nunca obtuvo los resultados esperados. Al conocer los programas 3D empezó a practi-carlos, esto lo hizo ver un amplio campo donde se decidió a trabajar.Actualmente trabaja en Lamano estudio y se dedica a la producción de grafi cas 3D. Cree estar en un proceso creciente donde esta en busca de su propio estilo, se dedica a hacer personajes del tipo cartoon con mate-riales y texturas realistas.

Nació en Ponce, Puerto Rico, donde ha vivido la mayor parte de su vida. Después de asistir a la Universidad de Puerto Rico en Mayagüez y la adquisición de una Licenciatura en Bellas Artes, empezó a trabajar como ilustrador científi co para el Puerto Rico de Sea Grant. Para seguir una carrera en el trabajo editorial (y otras cosas), se mudó a Atlanta, GA y obtuvo un MFA en la ilustración de la Savannah College of Art y Diseño. Hoy es independiente de Decatur, GA, enseña una clase o dos en el SCAD, y ayuda a su amigo Bill Mayer en algu-nos de sus locos proyectos. Goni concedió una entrevis-ta a Tinta Magazine:

Hola Goni, muchas gracias por acceder a esta entre-vista y querer mostrar tu arte en Tinta…¿Cuándo y cómo empezaste a trabajar como ilustrador?

-Comencé en verano 2004 como ilustrador científi co. Luego de varios años, me mudé a Atlanta a conseguir un trabajo en editorial.

¿Cómo comenzaste a trabajar con marcas?

-Es una muy larga y pesada historia, pero tomando la ruta corta, conocí gente que conoce gente. Eventual-mente empezaron a llegar los clientes.

¿Cómo podrías resumir en una sola palabra tu trabajo y por qué?

-¡Oye pero es que esto es difícil! Su-pongo que activo. Nunca trato de ilustrar un personaje, sino la acción que éste lleva.

¿Que consejo le darías a los que comienzan en el mundo de la ilus-tración?

-Que sean responsables y amiga-bles. La cantidad de talento que se necesita para poder ser un altanero es casi irreal.

¿Cuáles son tus principales fuen-tes de inspiración?

-La verdad es que son mis libretas de dibujo. Tengo varias en el estudio, en mi ofi cina, y cargo con varias. La única manera de encontrar tu arte es trazándola. ¿Qué artistas o Ilustradores admi-ras? -Mi primera obsesión con un artista fue con el maestro Lorenzo Homar. Nunca ha perecido esta obsesión. El hombre fue un genio. Muchas otras obsesiones con artistas más con-temporáneos han pasado, pero los

permanentes siempre son Sam We-ber y Edward Kinsella III.

¿Cuál es el mayor de los desafíos que has enfrentado en tu trabajo?

-Hace un año, tuve que repentina-mente mudar mi estudio y mi apar-tamento al mismo tiempo que tenía que terminar varios proyectos. ¿Cual es tu sueño profesional-mente?

-Exactamente lo que hago ahora mismo, nada más, nada menos.

¿Cómo es una rutina de trabajo de Goñi?

-¿Rutina?...veamos...diariamente varía demasiado como para poder llamarla una rutina. Lo bueno de tra-bajar con revistas es que cada sema-na es un trabajo totalmente diferente. No hay tiempo para aburrimiento.

¿Qué podemos encontrar en la mesa de trabajo de Goñi?

-Unos monitos y un teclado enterra-dos debajo de toneladas de papel. Lápices y tintas abundan por igual.

¿En qué proyectos estás trabajan-do actualmente?

-Además de los regulares como La-

dies’ Home Journal, acabo de termi-nar de enmarcar unas piezas nuevas para una galería. También estoy tra-bajando en un álbum para una ban-da británica.

¿Qué proyecto personal te gusta-ría iniciar en el ámbito de la ilus-tración?

-Me fascinaría tener más trabajos dentro del mercado de ciencia fi c-ción. He tenido algunos y suelen ser muy entretenidos.

¿Qué palabras le dedicarías a Tin-ta Magazine?

-Gracias por promover el arte hispa-no. La mente artística latina es única e incomparable.

Cristóbal Ojeda (Jormundur). es un diseñador e ilustrador del sur de Chile, ha desarrollado un gusto por el Street Art y por todo lo que lo rodea. Está in-fl uenciado por artistas como Niark1, Jesse Hernández y Jon Burgerman entre otros. Actualmente se dedica a desarrollar proyectos de vinyl toys y plus, en conjunto con ampliar su propio estilo.

Hoy en día, como diseñador, trata de hacer realidad sus sueños y tener su propia empresa de diseño. Lo podemos chequear más en su cuenta fl ickr donde podemos ver sus trabajos bajo el nombre de “el Nuevo Amigo”.

Erwin Graham, es ilustrador y diseñador, vive en Columbus, Ohio, EE.UU. Se-gún su dominio de Internet dice que le encanta la simetría, las letras a mano alzada, y las formas planas. Casi todo su trabajo comienza con un dibujo a lápiz grafi to que lo analiza, posteriormente lo vectoriza utilizando Illustrator y PhotoS-hop lo utiliza para crear las textura de sus obras.

Erwin cuenta con un blog donde sube información actualizada y nos habla tam-bién de los procesos que utiliza para crear su trabajo.

También vende sus trabajos impresos en su tienta Etsy.

www.tintamagazine.cl / contacto@revistatinta.cl