2016

ARTE

VISUAL

UN AIRE CONTEMPORÁNEO EN

EL AULA

Material de apoyo docente

Artes Visuales

Material de apoyo al docente

TITULO

Un Aire Contemporáneo en el Aula

SUBTITULO

Material de Apoyo Docente

AUTORES

Celia de la Luz Bustamante Solís

María Jesús Hernández Galdames

ASESOR

Mario Ibarra Catalán

UNIVERSIDAD

Universidad de Playa Ancha, Ciencias de la Educación

Valparaíso, Chile 2015

«Si las obras de arte se colocaran directamente en un

contexto humano de estimación popular, tendrían una

atracción mucho más amplia de las que obtienen bajo el

dominio de las teorías que ponen al arte en las alturas».

John Dewey (1934)

El interés social creciente en las últimas manifestaciones artísticas, ha tenido también su

eco en las nuevas tendencias educativas de las que destaca sin lugar a dudas la cultura

visual. Como su nombre indica se basa en construir un dialogo social a través del análisis

de la información visual más cercana al educando, incorporando las nuevas tecnologías,

la publicidad, los vídeo juegos, etc., al currículo y reduciendo el análisis artístico formal de

obras consagradas, asociadas generalmente a criterios elitistas.

Esta guía didáctica aborda las manifestaciones participativas del arte contemporáneo

surgidas en torno a 1970 en especial el vínculo entre los géneros del Video Arte, la

Instalación Artística, el Performance y el Arte Povera, que, por sus características

específicas, puede contribuir positivamente a la compresión del accionar pedagógico del

arte contemporáneo en el entorno social del aula.

Todas las intervenciones didácticas (actividades) propuestas se enfocan hacia la creación

de metodologías que permitan acercar y relacionar las diferentes expresiones del arte

contemporáneo los distintos ámbitos educativos para contribuir en el área de la

didáctica del arte a los planes y programas del ministerio de educación para la

enseñanza media.

Así planteamos la necesidad e idoneidad de trabajar cuestiones relativas a lo visual y

audiovisual contemporáneo en todos los niveles de la enseñanza media obligatoria, por

su capacidad para desarrollar y fomentar discursos visuales y audiovisuales que hagan al

alumnado conocer más su entorno y adaptar sus formas de comunicación a éste. Lo

visual y audiovisual es el día a día de todos los que habitamos este mundo, conocemos e

interpretamos la realidad a través de sus imágenes y sonidos, nos relacionamos con los

demás a través de estos; por lo tanto, es prioritario desarrollar en las aulas una educación

visual y audiovisual creativa, critica y plena.

PRESENTACIÓN

Explorar las cualidades del arte contemporáneo, identificando los orígenes de sus

diferentes géneros e influencias, proponiendo actividades reflexivas, proporcionando

información visual de obras claves de artistas representativos de estas disciplinas

artísticas.

Aportar metodologías didácticas específicas para el proceso de enseñanza y aprendizaje

de las artes visuales, adecuadas a las nuevas realidades visuales contemporáneas.

Desarrollar la capacidad reflexiva y creativa de los alumnos y profesores a partir de las

problemáticas de su entorno social y simbólico.

Incentivar y orientar procesos creativos personales que renueven y amplíen la mirada

sobre el entorno.

Esta propuesta de guía didáctica para el apoyo del docente de artes visuales, presenta

actividades con una visión contemporánea, basadas en los planes y programas del

ministerio de educación, no se especifica actividad por curso, ni se hace una división

sistemática por etapas educativas, estas son aplicables a cualquier unidad o curso de

enseñanza media teniendo en cuenta que debe tener relación con el contenido a realizar

con dicho curso.

OBJETIVOS DE LA GUÍA

Límites de la Guía

La presente guía podría tener un resultado importante en el campo de la educación

artística, al establecer unas pautas didácticas para la disolución del aislamiento

pedagógico y artístico que todavía se vive.

Se pueden distinguir dos niveles:

En primer lugar, el positivo efecto que generaría un arte vinculado a las necesidades

sociales.

En segundo lugar, los beneficios que, sin duda, el arte, a largo plazo recibiría al disfrutar

de una educación crítica, artística, dinámica e integrada.

Esta guía presenta las siguientes particularidades:

Es un material didáctico que relaciona el arte contemporáneo y la educación artística,

contribuyendo al enriquecimiento de esta área que se encuentra muy desatendida en la

educación artística en Chile.

Las características del tema de la guía

En lo educativo

En lo artístico

Resultan significativas las aportaciones

alemanas en cuanto a la educación

artística, con la Bauhaus y el trabajo

artístico y educativo de Joseph Beuys.

Uno de los autores más

comprometidos con los aspectos

educativos del arte, que desarrollo una

importante e innovadora producción

artística en la instalación. Su peculiar y revolucionaria concepción del arte, unida al

desarrollo social, político y humano tuvieron una importancia fundamental, influyendo

en materiales posteriores y en la creación de este estudio. Luis Camnitzer, rescatando la

dimensión educativa del arte implícita en Beuys, ha desarrollado una actividad paralela

en el campo educativo y artístico, proponiendo una contaminación de las distintas

disciplinas artísticas y situando el arte y la educación artística en el mismo nivel.

RELACIONANDO LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y EL ARTE CONTEMPORÁNEO

«El vídeo no es una forma que tenga la realidad de estar ahí, es mil maneras que tienen

las imágenes de estar en otra parte». Jean Paul Fargier (2000)

Existe un consenso general en cómo entender Videoarte: toda obra en la que total o

parcialmente se utiliza la

tecnología del vídeo, bien sea

en formato electromagnético o

digital y cuya creación

audiovisual presente una

intencionalidad claramente

artística. Entendiendo por

intención artística, toda

aquella que añada un contenido experimental, formal, poético o filosófico, extra a la

creación audiovisual en sí, mediante la utilización de recursos técnicos, narrativos,

estéticos y conceptuales, no meramente comunicativos o informativos. Del mismo modo,

se puede hablar de Video creación o creación audiovisual, subrayando el sentido creativo

de la actividad que se dirige principalmente a los sentidos de la vista y del oído,

destacando siempre el interés artístico que sustentan sus autores.

La generalización en los últimos años del término Videoarte aparece unido también al

intenso debate en torno a su autoría que desplaza la consideración tradicional del artista

como autor único e incluye nuevas formas y estructuras como: el arte colectivo,

participativo, colaborativo y educativo.

Uno de los primeros debates planteados en los años 80 se centra en torno a las

VIDEOARTE

EL VIDEOARTE: PLANTEAMIENTOS INICIALES Y CONTROVERSIAS

impugnaciones relativas del término Videoarte. ¿Cuál es el origen de la palabra vídeo?

¿Qué connotaciones trae consigo que puedan esclarecer parte de su naturaleza?

Para responder a esta pregunta básica, es interesante detenernos en la raíz etimológica

del término, ya que la palabra “vídeo” corresponde a la primera persona del presente

indicativo del verbo latino, “video”, es decir “yo veo”. Nos encontramos por lo tanto ante

la idea de dicho medio como vehículo de una visión en primera persona, al contrario que

el concepto de “televisión” cuyo significado es “visión a distancia” denominación que lo

sitúa más próximo a comprenderse como medio de masas.

Mattalia plantea su comprensión como una tecnología capaz no sólo de grabar

imágenes, sino también de tratarlas y difundirlas, al margen de la vía televisiva, como un

medio similar al cine. El término plantea el problema de sus múltiples acepciones que

designan, al mismo tiempo, desde una técnica video a un producto acabado un vídeo,

además de poder ser

utilizado para

caracterizar una forma

artística, es decir: “el

video” como

Videoarte. La autora

plantea que la

consideración de esta

amplitud de funciones

proviene del conjunto

de prácticas

domésticas, artísticas, documentales, publicitarias, de vigilancia, etc., que el medio puede

vehicular. Como ella misma apunta: «estas múltiples acepciones ponen sobre la mesa la

pregunta de sí el vídeo es un medio, un soporte, una estética, una práctica artística, etc.».

(Rodríguez Mattalia, 2008: 139)

El término Videoarte fuese acuñado en la línea de otros términos surgidos en la misma

época como body-art, land-art, conceptual-art,etc. con el fin de nombrarlas actividades

videográficas que en el campo del arte comenzaron a tomar fuerza en los años 70.

Inicialmente la expresión, vídeo-tapes, identificó este tipo de creaciones, en alusión a los

dispositivos de cintas magnéticas donde quedaban registradas las grabaciones,

ampliándose al poco tiempo por otros términos como los de vídeo-esculturas, vídeo-

performances o autorretratos videográficos, que intentaban concretar a través de estas

combinaciones, definir el conjunto de acciones o intervenciones artísticas realizadas en

soporte videográfico. Finalmente, el término anglosajón Video art resultó ser la

convención más extendida con adaptaciones en diferentes idiomas como Videoarte en

español o Art video en francés.

No es hasta la década de los 80, con la incorporación de un buen número de realizadores

y teóricos que

venían de otros

ámbitos

profesionales

distintos al de las

Bellas Artes, que se

adopta el término

Video creación o

Vídeo de creación

para referirse a

este tipo de producciones audiovisuales artísticas, abandonando el original de Video art

por lo controvertido del término, que no respondía adecuadamente –según la nueva

generación de autores– al verdadero sentido de estas construcciones artísticas

audiovisuales, abriendo con ello, un largo debate terminológico aún no concluido.

(Rodríguez Mattalia, 2008: 140).

Podemos constatar, por ejemplo, como en países donde el videoarte despuntó más tarde

–España y la mayor parte de países de Latinoamérica– el término de video creación

tuvo una mayor acogida y mantuvo su influencia hasta la actualidad, probablemente

por la coincidencia cronológica de la irrupción del género en estos países y del debate

creado en los países donde si estaba consolidado como práctica artística generando una

particularidad dentro del arte realizado en vídeo de estas áreas periféricas.

Numerosos estudios que han revisado la evolución de este género artístico han concluido

en retomar el inicial de Videoarte o Video art como el término más apropiado para

hacer alusión a esta forma de arte.

Como conclusión, debemos destacar que

el carácter inestable del territorio video

arte ha trazado un campo de estudio

que participa igualmente de esta

inestabilidad y mixtura. En este sentido,

la imagen-vídeo está en continua

metamorfosis y evolución, haciendo

compleja la construcción de un estudio

estable sobre sus límites, concreciones y

contenidos propios. Nuestra investigación

viene a adherir un nuevo punto de vista y una decidida apuesta por incorporar nuevas

posibilidades del video arte dentro del territorio de la educación.

Consideramos que parte de la distancia, en lo que se refiere al acercamiento y

comprensión desde los contextos educativos al audiovisual contemporáneo, ya ha sido

recorrida. El entorno cotidiano en el que nos movemos, nos informamos y nos

comunicamos es audiovisual y los procesos de creación de imágenes ya no son exclusivos

del mundo profesional. El acceso a las nuevas tecnologías es hoy un hecho y el universo

de productos audiovisuales con los que interaccionamos inundan nuestro entorno. Por lo

tanto, los procesos de comprensión relacionados con su creación y reconocimiento, y la

interpretación de sus imágenes y códigos, pueden plantearse como un principio “latente”

que permite pensar en un planteamiento de estas formas del audiovisual

contemporáneo en los contextos educativos. Además, estas creaciones audiovisuales

mantienen las mismas posibilidades expresivas y la capacidad de desarrollar idénticos

procesos conceptuales que cualquier otra forma de arte. Esto no quiere decir que desde

aquí planteemos una Educación Artística que valore más unas formas y medios en

detrimento de otros, tan sólo exponemos la potencialidad de estos lenguajes para

aproximarnos al arte de nuestros días, y cómo no; para releer y reconstruir los del pasado.

Es preciso realizar una puntualización acerca del tema del video arte y de la educación

artística. El contenido de la guía se acoge a las relaciones y aspectos vinculados con el

arte contemporáneo, especialmente sus géneros, incluyendo todos los elementos que lo

relacionan con otras expresiones, lenguajes y movimientos del arte contemporáneo como

la instalación artística, el

performance y el arte povera,

aunque cuenten con

intenciones didácticas. Es decir,

el presente estudio no incluye

aquellas construcciones

atmosféricas propias de

algunas exposiciones temáticas

y divulgativas, que utilizan

elementos multidisciplinares,

multimedia, audiovisuales,

virtuales, interactivos, táctiles, olfativos, etc., para captar la atención del receptor y

comunicar su información de una manera más efectiva y agradable.

Primeramente, nos encontramos con el término Videoarte que hace referencia a un

movimiento artístico, surgido en Estados Unidos y Europa hacia 1963 y que inicia su

difusión en los escenarios del arte contemporáneo durante los años sesenta y setenta,

transformando y ampliando su campo de acción durante el resto del siglo XX hasta

nuestros días. En la actualidad,

lejos de ser en un movimiento,

se ha transformado en un

lenguaje propio dentro de las

artes visuales, escapando a la

lógica de la disciplina para

mostrarse complejo y

problemático en los intentos por

definirlo y acotarlo de forma precisa en gran medida por su carácter heterogéneo en el

CONSIDERACIONES SOBRE EL VIDEO-ARTE COMO RECURSO EDUCATIVO

que dialogan la creación artística y las nuevas tecnologías, además de su carácter

permeable que lo impregna de conceptos y formas de hacer de otras disciplinas como el

cine, la performance, la danza, la escultura, la arquitectura, la poesía, la animación o la

pintura, entre otros. Además, el videoarte desde sus orígenes esta asociado a formas

críticas de contra televisión, de activismo social y a nuevas realidades artísticas que

plantean otros canales de creación y difusión, como es el caso del net art, que nos obligan

a considerar otros entornos de acción como lo colectivo, que ampliaran las habituales

referencias a los mundos subjetivos de sus creadores. En definitiva, un espacio reticular

que se muestra escurridizo a toda indagación y que nos obliga a plantear otras formas

de búsqueda y definición de sus recursos para adaptarlos a la investigación educativa.

1. Establecer puntos de conexión entre el arte contemporáneo y la educación artística a

través del videoarte.

2. uso del Videoarte como estrategia didáctica, como lenguaje expresivo dentro del

contexto del arte contemporáneo

3. Promover un acercamiento del alumnado y profesorado a las diferentes formas de

expresión del arte contemporáneo, incorporando esta experiencia en su desarrollo vital y

profesional.

Surgen nuevas cuestiones relacionadas

con las formas y contenidos de una

Educación Artística que deberá de

abordar todas aquellas cuestiones

relativas a los nuevos lenguajes

audiovisuales generados desde el arte

Objetivos Específicos referidos a los ámbitos educativos en los

que vamos a desarrollar la guía:

¿Por qué el videoarte?

contemporáneo y desde los entornos más próximos a la comunicación audiovisual y el

estudio de los mass-media.

El origen de esta guía esta motivado por el interés profesional en el videoarte, en las

nuevas narrativas audiovisuales y en generar procedimientos para abordar su

implantación en la realidad escolar.

El lenguaje videografico forma parte de la vida diaria, donde la televisión se presenta

como el medio que más ha repercutido en la globalización. Su desarrollo define una

época y un modo de vida que influye en los contenidos informativos. La historia ya no

solo se escribe; es registrada en imágenes y exhibida a través de los medios de

comunicación que convierten a los ciudadanos en audiencias y los obliga a debatirse

ante la ley de la oferta y demanda de sus productos de consumo masivo.

Las características que convierten al Videoarte en un instrumento pedagógico en la

enseñanza audiovisual. Entre otras especificaciones señalamos:

1. Su capacidad para asimilar la cultura,

amplificando la capacidad para conocer,

comprender, apreciar y valorar críticamente las

diferentes manifestaciones culturales y artísticos

del entorno más inmediato y del contexto

internacional en las que están inscritas,

utilizándolas como fuente de enriquecimiento y

disfrute, considerándolas parte de nuestro

patrimonio universal.

2. La posibilidad de aprender al mismo tiempo

que se promueve una actitud crítica en todo el proceso de realización audiovisual.

Propiedades que convierten al videoarte en un proceso pedagógico

tan necesario en los contextos educativos actuales

3. Por último, la posibilidad de hacer visible un entorno de creación que motive al

alumnado en la búsqueda de soluciones, fomentando su iniciativa y autonomía personal

en una sociedad que plantea nuevos retos y que se encuentra en continua

transformación.

Muchos de los artistas iniciadores del videoarte fueron aquellos que estuvieron también

relacionados a movimientos del Arte conceptual, Performance, y cine experimental.

Entre estos se encontraban los norteamericanos Vitto Acconci, John Baldessari, Peter

Campus, Doris Totten Chase, Norman Cowie, Dan Graham, Joan Jonas, Bruce Nauman,

Nam June Paik, Martha Rosler, William Wegman, y muchos otros. Estaban también

Steina y Woody Vasulka que estaban interesados en las cualidades formales del video y

que emplearon video sintetizadores para crear trabajos abstractos.

Nam June Paink, (Seu l, Corea

del Sur, 1932- Miami, EEUU.,

2006) es sin duda una de las

figuras claves en el videoarte.

Pertenece a su historia mítica

del género que lo convirtió en

su progenitor. Aun así, lejos de

interesarnos por su

protagonismo en aquellos primeros años –es uno de los representantes de Fluxus–,

supone un punto de partida para ciertos planteamientos relacionados con la cultura de

las nuevas tecnologías electrónicas. Su campo creativo no se limitó al estético y

problematizo sobre la percepción y la desproporción sensorial provocada por las

extensiones tecnológicas. Paik, ya adelantaba la existencia de un nuevo videoarte en

Internet en el que las diferentes formas de arte se mezclaban: video y literatura, gráficos

y música dando forma al net.art. Por todo esto, Nam June Paik, es una referencia

Precursores:

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indiscutible en nuestra guía dentro y fuera del aula. El gran maestro de los remezclas,

integrante de Fluxus, que lejos de los postulados destructivos dirigidos hacia la televisión,

abanderados entre otros por Wolf Wostel, proponía una deconstrucción de la televisión,

adelantando en muchos sentidos el escenario actual en relación al fenómeno del

videoarte.

Nam June Paik at James Cohan, NYC (April 2009)

https://www.youtube.com/watch?v=Ra-OU33n434

Nam June Paik | TateShots

https://www.youtube.com/watch?v=5RE1ueYnSVc

For Nam June Paik´s Piano

Hans Richter (Berlín, Alemania, 1888 -

Muralto, Suiza, 1976), fue un artista y

cineasta vinculado al movimiento

Dada, es una referencia importante en

nuestro estudio porque defendía el

derecho de existir del cine experimental

y explicaba algunas de sus

particularidades. Además, actuó como

bisagra entre el cine de vanguardia

europeo y el norteamericano. Se dedicó

a la experimentación de contrapuntos

rítmicos y variaciones formales abstractas pintando “rollos” de papel y realizando filmes

experimentales abstractos, denominadas: Películas Rítmicas. (1923).

Películas Rítmicas. (1923) Hans Richter

https://www.youtube.com/watch?v=E_s2szMVAr0

Filmstudie (1926) - Hans Richter

https://www.youtube.com/watch?v=gT6x3WlxtPM&ebc=ANyPxKqFeA8YUIB2mEc

FoEm-USy-

Obras

para ver

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Obras

para ver

OFMfImI5CTiikrAYOEfaTIofR3B5vIFLgsHSBR4GYuHQIBQR5SCC8d1YfroWutDYDll

WZA

Inflation (1927)- Hans Richter

https://www.youtube.com/watch?v=lBsW6PRYyDg

La figura de Cindy Sherman (New

Jersey, EEUU, 1954) es un magnífico

ejemplo de cómo la fotografía es

hoy una de los muestrarios de

expresión artística más ricos y

críticos, ya que desde la fotografía y

sólo desde ella, esta artista es hoy

uno de los referentes más

importantes del arte actual.

La estructura pedagógica: Juegos de

Identidad (Apartado 3.3) en la que

hemos creado una metodología de

aproximación a la imagen

contemporánea a través del foto-

ensayo y su capacidad para establecer un doble rol interpretativo basado en la memoria

y la identidad. Sus trabajos a través de los arquetipos de la mujer en los conocidos film

stills y los conocidos homenajes a personajes femeninos de la Historia del Arte, justifican el

diseño de algunas de las experiencias didácticas de esta guía.

Cindy Sherman Doll Clothes (1975)

https://www.youtube.com/watch?v=HUJlYsvdV7I

Obras

para ver

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Forma que utiliza el vídeo

como componente central y que relaciona la imagen video gráfica con otros objetos y

materiales, ocupando un espacio específico. La imagen de vídeo en este caso, desborda el

reducido marco de un televisor por su tamaño y forma, y no está condicionada ni tiene

relación alguna con la televisión en cuanto medio de comunicación. La vídeo-instalación

o instalación audiovisual cambia radicalmente las relaciones entre espectador e imagen

electrónica: entre audiencia y monitor. No se trata por lo tanto de ver las imágenes ante

una pantalla, sino de recorrer el espacio integrando las imágenes en los distintos

elementos de su contexto.

Podemos incluir en esta

categoría tanto la

vídeo- instalación y la

vídeo-proyección, como

otro tipo de

proyecciones

multimedia –

diapositivas, láser o

cine– que incluyan en su exhibición un componente sonoro.

Marialina García y Meyken Barreto definen la vídeo-instalación como aquellas obras

audiovisuales que exploran el soporte del artefacto, desde un punto de vista escultórico

y/o arquitectónico. En este caso se le otorga una importancia primordial al aspecto

espacial junto a la especificidad temporal del vídeo.

Las obras de este tipo utilizan de manera muy frecuente las posibilidades de emisión

múltiple –multicanal– y el circuito cerrado de emisión sincrónica (...) Además, emplean

materiales externos, distintos al dispositivo electrónico del vídeo, convirtiéndolos en

objetos artísticos y propiciando la participación del espectador por su forma abierta y

pública de presentación»

VIDEO ARTE EN RELACIÓN A SU DESARROLLO ESPACIAL:

Vídeo-instalación Instalación audiovisual

La vídeo-poesía es un género audiovisual que atiende de forma especial a la palabra, la

tipografía, el lenguaje, el discurso, lo poético, el signo y el símbolo.

Lenguaje poético que fusiona imágenes en

movimiento y textos literarios.

Creación artística experimental que se vale de los recursos de la video-poesía.

En los vídeos de animación se

construye un movimiento

inexistente imaginario, al contrario

de lo que hace el cine con la

imagen real que descompone el

movimiento existente. La

animación concede movimiento a

las figuras bidimensionales a través

del registro de cada fase creada que posteriormente es proyectada de forma continua.

La animación requiere el dominio de técnicas avanzadas para dos y tres dimensiones en

la creación de piezas gráficas animadas, que podrán aplicarse en los entornos televisivos,

el cine o Internet.

Video-poesía Vídeo-poema

Video-poesía

Video-poema

Vídeo-animación Animación digital de video

La vídeo-pintura es un concepto relativamente nuevo creado a partir de las obras

psicológicas de Hilary Lawson, filósofo y cineasta documental que trata de escapar de las

limitaciones narrativas del vídeo tradicional. Lawson en 2001 publica su Teoría del cierre,

donde desarrollaba la idea de que el mundo está abierto y al acercarnos a esta

apertura, el pensamiento y el lenguaje se transforman convirtiéndose en una expresión

de éste. La vídeo-pintura, por lo tanto, es la creación de una visión que utiliza el medio

visual como un lienzo, cuyos requisitos son: una cámara inmóvil con un punto de vista

fijo, sin diálogo ni sonido, donde el proceso es inexistente, obligando a tomas puras, con el

único contenido de lo natural como realidad que se captura en su forma original, sin

ningún tipo de edición, construcción o manipulación de la imagen por lo que suprime los

estilos narrativos comunes de la imagen en movimiento.

El concepto de vídeo-pintura se asocia también a producciones de vídeo-ambientes o

arte generativo donde se fusionan movimiento y tecnología digital a través de

expresiones que tratan de inscribir la expresión pictórica en el tiempo. La vídeo- pintura

retoma las ideas de Rothko y Pollock que plantean el lienzo como el lugar de la acción,

aunque, en este caso, sea un marco digital. Estas obras son animaciones que pueden ser

realizadas exclusivamente por el ordenador, utilizando algoritmos personalizados que

desarrollan formas fractales a través de software específico o animaciones de tipo más

tradicional ajenas a estas tecnologías. Las vídeo-pinturas son proyectadas en bucles

infinitos, sin fisuras, cuyo resultado es un “mundo visual” sin principio ni fin; una incursión

visual que envuelve al espectador en una hiperrealidad sublime.

Algunos de los videos artistas que trabajan en este campo de experimentación son:

Hilary Lawson y Shoja Azari.

Hilary Lawson Tribute

https://www.youtube.com/watch?v=CjyNJ0hwQFw

The day of judgment.mov - Shoja Azari

https://www.youtube.com/watch?v=zhTbzUtyj5Q

Obras

para ver

Video-pintura

Shoja Azari and Shahram Karimi The Mist.flv

https://www.youtube.com/watch?v=C9DHfi9trXY

Es una animación técnica que manipula físicamente un objeto que parece moverse por sí

mismo (animar un objeto estático). El objeto se mueve en pequeños incrementos entre

cuadros fotografiados individualmente, creando la ilusión de movimiento cuando se

juega la serie de fotogramas como

una secuencia continúa. Muñecas

con articulaciones móviles o arcilla

figuras se utilizan a menudo en

stop motion por su facilidad de

reposicionamiento. Detener la

animación de movimiento

utilizando plastilina se llama

animación con plastilina o

"arcillación". No todo el

movimiento de la parada requiere figuras o modelos; muchas películas de stop motion

pueden implicar el uso de los seres humanos, electrodomésticos y otras cosas para el

efecto cómico. Detener el movimiento utilizando objetos se refiere a veces como la

animación de objetos.

Jan Svankemajer, Hermanos Quay Stephen y Timothy.

STOP MOTION

Precursores:

(Praga, 4 de septiembre de

1934) es un artista gráfico,

escultor, diseñador y poeta

surrealista checo, célebre por

sus películas de animación, que

han influido en importantes

cineastas como Tim Burton,

Terry Gilliam, los Hermanos

Quay y muchos otros.

En sus películas, Svankmajer

trabaja con muñecos,

utilizando la técnica de stop-

motion. No obstante, ha

empleado también actores

reales, máquinas, figuras de

arcilla, muñecas antiguas,

esqueletos de animales y otras muchas cosas. Consigue crear un clima de pesadilla, lo que

no impide que sus filmes sean, al menos en cierto modo, divertidos. Se ha inspirado en las

obras de autores literarios como Edgar Allan Poe, Lewis Carroll y la leyenda germánica

del Doctor Fausto (que ha servido de inspiración a muchos autores también).

4 dark and light- Jan Svankmajer –

https://www.youtube.com/watch?v=el8RUqN_4Fw

Lunch- Jan Svankmajer

https://www.youtube.com/watch?v=8_y8257S62Q

Moznosti dialogu (Dimensions of Dialogue) Jan Svankmajer 1982

https://www.youtube.com/watch?v=bGp8xiB2-sg

Collage animación

https://www.youtube.com/watch?v=BJYS1x7WXGE&index=9&list=PLlQRVw8C0KKj

N2PxjXmYnleVaN7AiSlvB

Collage Animation 2014

https://www.youtube.com/watch?v=lgdaxO313dc

Obras

para ver

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Es preciso realizar una puntualización acerca del tema de la instalación y de la

educación artística. El contenido de la guía se acoge a las relaciones y aspectos

vinculados con la instalación artística, excluyendo todos los elementos relacionados con la

instalación o desarrollo sensorial perceptivo desprovistos de intención artística, aunque

cuenten con intenciones

didácticas. Es decir, el presente

estudio no incluye aquellas

construcciones atmosféricas

propias de algunas exposiciones

temáticas y divulgativas, que

utilizan elementos

multidisciplinares, multimedia,

audio visual, virtuales,

interactivos, táctiles, olfativos,

etc., para captar la atención del receptor y comunicar su información de una manera

más efectiva y agradable.

El arte de la instalación es un término se utiliza para describir las construcciones de

técnica mixta o conjuntos generalmente diseñadas para un lugar específico y por un

período de tiempo temporales un género de arte contemporáneo en el cual el artista

utiliza, como parte de la composición, el propio medio (como paredes, piso, luces e

instalaciones) además de objetos diversos. En muchas ocasiones, los materiales escogidos,

llenan más o menos el espacio y el espectador es invitado a moverse alrededor de la

obra o interactuar con la pieza, en esos casos el espectador mismo deviene parte de esa

Instalación Artística

CONSIDERACIONES SOBRE LA INSTALACIÓN COMO RECURSO EDUCATIVO

obra en ese preciso momento y ese preciso tiempo. A veces las instalaciones son frágiles

por lo que solo pueden ser vistas desde la puerta o un extremo del espacio.

Existen varios precedentes para este tipo de arte, pero no fue hasta los años 80 que los

artistas comenzaron a especializarse en las instalaciones. Materiales de todo tipo, luces y

sonido han seguido siendo elementos fundamentales para la instalación artística.

En los inicios, las instalaciones eran usualmente creaciones temporales; eran parte del

moderno movimiento que trataba de desechar la idea del arte como objeto

coleccionable. Esta tendencia es también vista en el Arte povera y en el Arte conceptual.

De cualquier forma, en

la actualidad, muchas

instalaciones artísticas

son realizadas para

muestras permanentes y

muchas de ellas han

sido compradas y

vendidas como las obras

de arte tradicionales.

Uno de los ejemplos más

conocidos es la obra “20:50” de Richard Wilson, que consistía en una habitación llena de

aceite de cárter y que fue creada en 1987 para la Matt´sGallery de Londres pero que fue

subsecuentemente exhibida en la Royal Scottish Academy de Edimburgo y luego

comprada por la colección Saatchi de Londres.

En primer lugar, se ha elegido la instalación por su capacidad integradora de varias

disciplinas, dotándola de una gran versatilidad para resolver el problema de aislamiento

del arte contemporáneo en la educación, pero lo que realmente interesa son las

características específicas que se dan en la instalación, que pueden ser empleadas para

desarrollar estructuras de pensamiento y procesos mentales susceptibles de ser aplicados

a la educación. De esta manera nos queda una puerta abierta a esas manifestaciones

¿Por qué la Instalación?

del arte contemporáneo, recordando que la motivación inicial es el acercamiento del

arte contemporáneo al público para solucionar esa separación entre el arte y la

sociedad.

Algunos artistas representativos son: Claes Oldenburg, Larry Bell, Richard Wilson, James

Turrell, Bill Viola, Donald Judd, Christo, Lara Almarcegui, Txomin Badiola, Mirosław

Bałka, Vanessa Beecroft, Lee Bul, Daniel Buren, Daniel Canogar, Jordi Colomer y Nacho

Criado.

Nacido el 28 de

enero de 1929, es

un escultor sueco,

pionero del Pop Art. Es

conocido sobre todo por

sus instalaciones de arte

público que representan

réplicas a gran escala de

objetos cotidianos. Otro

tema en su obra son las

versiones en escultura

blanda de objetos

normalmente duros.

Claes oldenburg STORE

https://www.youtube.com/watch?v=eB91flTprsI

Claes oldenburg

https://www.youtube.com/watch?v=1d3I_juszrs

Obras

para ver

Precursores:

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Richard Wilson (nacido el

24 de mayo de 1953) es un

escultor Inglés, la instalación

del artista y músico.

Nacido en Londres, estudió

en la London College of

Printing, Hornsey College of

Art y la Universidad de

Reading. Fue el DAAD

residente en Berlín en 1992,

Maeda Visitante Artista en

la Architectural Association

en 1998 y nominado para el

Premio Turner en dos

ocasiones en 1988 y 1989.

Primera exposición individual de Wilson fue de 11 piezas, en la Galería de Prensa Coracle

en Londres en 1976. Desde entonces, ha tenido al menos 50 exposiciones individuales en

todo el mundo.

Turning the Place Over by Richard Wilson

https://www.youtube.com/watch?v=DBXwA0gcBm4

Obras

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En italiano significa “arte pobre“. El Arte Póvera surgió en Italia en 1967, se integran

actividades artísticas muy variadas, pero en general, todas ellas se caracterizan por un

común denominador, el hecho de que las obras se hallan constituidas por materiales

pobres o actualmente llamados reciclables.

El crítico y curador Germano Celant,

acuñó el término “arte povera” para

articularlo teóricamente e inscribirlo

en la cultura del mundo moderno

con regulares muestras, tanto

colectivas como individuales. Con ese

nominativo apareció por primera

vez en el catálogo escrito para la

exposición Arte Povera y Spazio (Galería La Bertesca, Génova) en septiembre de 1967.

Celant se inspiró en uno de los conceptos teatrales del dramaturgo polaco Jerzy

Grotowsky, para describir un nuevo arte libre de la mediación e imposiciones de las

construcciones lingüísticas y culturales.

El objetivo de Celant consistía, ante todo, en re lanzar de nuevo a Europa frente al poder

del arte americano que, en los años sesenta, se había impuesto de manera indiscutible.

Según el crítico italiano, el término Arte Povera poseía un carácter de "antidefinición” y

debía situarse siempre en relación al contexto sociopolítico de la etapa 1966-1968, aunque

en un momento inicial se hablara del movimiento Povera como algo específicamente

italiano, más tarde se advirtió que otros artistas europeos, como Joseph Beuys o algunos

de los representantes del Land art y del Body art, tenían puntos de contacto con la

Arte Povera

CONSIDERACIONES SOBRE ARTE POVERA COMO RECURSO EDUCATIVO

ideología del Arte Pobre en Italia. En cualquier caso, el propio Celant decidiría

abandonar el empleo del término en 1972, porque consideró que incluso los artistas más

representativos de dicha tendencia se habían alejado de las líneas de actuación inicial. Es

interesante advertir que más tarde, en los años ochenta, cuando el Arte Povera fue

atacado de manera sistemática por los artistas de la Transvanguardia italiana, dirigidos

por el crítico Achille Bonito Oliva, Germano Celant reivindicó la validez del concepto y lo

puso de nuevo en circulación.

Se trata de un arte objetual que aparece como consecuencia directa del arte minimal.

Están estrechamente ligados, pero hay una diferencia de conceptos, ya que el minimal

posee una geometría muy estricta y el arte povera rechaza esa frialdad profundizando

la energía que desprenden los materiales.

Es un arte intimista y personal muy

ligado al movimiento hippie y

underground de los años 60

italianos, de ahí la antipatía por

las nuevas tecnologías y la

modernidad excesiva. Parten de la

naturaleza para encontrar la

energía elemental.

Sus obras parten de una acción,

como modelar, estrujar, doblar,

etc. una transformación natural del material, o bien parten del propio material que con

un pequeño movimiento o acción se transforma, como por ejemplo el fuego o el hielo.

Es importante destacar que el arte povera abrió caminos radicalmente nuevos,

rompiendo con el pasado y entablando un fructífero diálogo con otras tendencias

artísticas.

¿Por qué el Arte Povera?

El arte povera es muy especial debido a la simplicidad de sus materiales, lo que lo hace

ver como una pieza única, especial e irrepetible. Y con relación a la educación artística

en chile, está vinculado con los intereses colectivos del chile de hoy, el reciclaje,

reutilización, y por sobre todo comunicar y expresar en un sentido visual etc.

Es fácil de trabajar dentro del área escolar por la facilidad de recolectar materiales, ya

que estos pueden ser de la naturaleza, industrial, pero en estado bruto, sin ningún tipo

de refinamiento, Barro, paja, madera, hojas, vidrio metal etc. Y no solo por los materiales

si no, por lo que se pueden hacer con ellos y al proceso que se pueden someter

Finalmente es importante recalcar

la importancia de tratar de

provocar una reflexión entre el

objeto y su forma a través de la

manipulación del material y la

observación e sus cualidades

específicas, su alto grado de

creatividad y espontaneidad e

implica una recuperación de la

inspiración, la energía, el placer, y

la ilusión convertida en utopía.

Alberto Burri, Piero Mazoni, Vik Muniz, Carolina Pavia, Modest Cuixart, Albert Vidal

García, Giovanni Anselmo, Carl Andre, Alighiero Boetti, Joseph Beuys, Pier Paolo

Calzolari, Rossella Cosentino, Walter De Maria, Jan Dibbets, Luciano Fabro, Hans Hacke,

Eva Hesse, Jose Maria Jujol, Jannis Kounellis, Richard Long, Mario Merz, Marisa Merz,

Robert Morris, Nam June Paik, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone,

Michelangelo Pistoletto, Wolf Vostell, Gilberto Zorio, Chantal De Rementería, Miguel

Segura, Maxi Miqueles, Sebastian von Unger, Pedro Naretto.

Precursores:

Piero Mazoni, se halla

próximo no sólo a la estética

povera, sino también al

contenido que pueda

desprenderse de la obra de

los artistas de esta tendencia.

De todas sus realizaciones, la

que más difusión tuvo fue, sin

duda, la célebre "Mierda de

artista", constituida por latas

en las que Manzoni había

colocado su propia

defecación. Una vez

rotuladas, se dedicó a enviarlas a las galerías italianas. Se trata de un acto que retoma

la ironía duchampiana, pero que, al mismo tiempo, va mucho más allá porque implica

un manifiesto rechazo del mercantilismo artístico que, en aquellos momentos, estaba

experimentando un auge extraordinario. En otras ocasiones, Manzoni trabajó con

materiales inusuales en el ámbito de la pintura, como se advierte en sus

Panecillos acromáticos,

obra en la que utilizó una

serie de panecillos,

dispuestos en franjas

perfectamente ordenadas

sobre un soporte, y que

pintó después de color blanco.

Piero Manzoni, el Artista del Arte Póvera!

https://www.youtube.com/watch?v=uUg5lu_wRME

Piero Manzoni a Palazzo Reale - La Merda d'artista e altre "intuizioni fulminanti"

https://www.youtube.com/watch?v=cDWPH_jCjn8

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Los informalistas

italianos Alberto Burri

y Lucio Fontana

pueden considerarse

como precursores del

Arte Povera. El

primero empleaba

tela de arpillera que, a

causa del tratamiento

al que se la había

sometido, llegaba a

parecer un material de

desecho. En cuanto a

la pintura espacialista

de Fontana, aparte de ser casi siempre

monocromática, integraba el orificio como

elemento esencial de las composiciones. La

austeridad de la obra de este artista es uno de

los factores que permiten considerada como

precedente de la de ciertos artistas "pobres".

Alberto Burri: Material Realism

https://www.youtube.com/watch?v=6Ar5t7ocHY4

Alberto Burri: Sacchi

https://www.youtube.com/watch?v=Hl8hzTUjFEQ

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Muniz fue conocido en 1997 por sus retratos de

la serie Chocolate y en 2006 los retratos con

desperdicios. En 2010, el documental Waste

Land, dirigido por Lucy Walker, contó con el

trabajo de Muniz en uno de los vertederos de

basura más grandes del mundo, Jardim

Gramacho, en las afueras de Río de Janeiro.

La película fue nominada para el Oscar a la

Mejor Película Documental en los Premios de

la Academia.

Vik Muniz a menudo se apropia de las imágenes que sirven como base para sus obras de

arte con obras de otros artistas de renombre. Por ejemplo, Muniz utiliza la jalea y

mantequilla de maní en la creación de la obra Doble Mona Lisa, después de Warhol, de

1999, sobre la base de una impresión de pantalla de 1963 por el artista pop Andy Warhol

y que, a su vez, era una apropiación de la

Mona Lisa de Leonardo da Vinci. En 1982

dio por terminada sus obras realizadas

con pequeños trozos de papel creando

una ilusión óptica en el espectador.

Waste Land (Vik Muniz)

https://www.youtube.com/watch?v=sBnatR06dDk

Vik Muniz, arte con basura, azúcar, diamantes, caviar o chocolate

https://www.youtube.com/watch?v=z4Y7bn0NMYM

Obras

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El libro de artista es una obra de Arte, realizada en su mayor parte o en su totalidad por

un artista plástico.

En un recorrido por la Historia del Arte, de la Prehistoria a nuestros días, encontramos

infinidad de obras, de todas las

épocas y culturas que, aunque

creadas con muy diferentes

fines son precursoras del

concepto actual de los libros de

artista: huesos tallados,

tablillas babilónicas, papiros

egipcios, libros de oración

tibetanos, libros de la cultura

cristiana como el Codex de

Kells o el Beato de Liébana,

etc... Una sucesión de obras

hasta llegar al concepto actual del libro como obra de Arte.

Este concepto comienza a concretarse con Mallarmé (Una tirada de dados nunca podrá

suprimir el azar, 1897), Apollinar (Caligramas de 1914); El Lissitzky (Dyla Golosa, 1923. Las

cuatro funciones aritméticas, 1928); Francis Picabia (391, 1924); Dieter Rot (Kinderbuch,

1954-57; Picture Book, 1956); hasta llegar a las obras actuales de artistas como Beuys,

Brossa, Cage, Lewitt.

Desde el punto de vista del artista, el concepto del Libro de Artista se puede definir

como un soporte más, “como un lienzo para el pintor o como la piedra o el bronce para

el escultor”, pero sus especiales características hacen de él un medio con unas

posibilidades mucho más amplias: el juego con el tiempo, al poder pasar sus páginas,

retroceder, desplegarlas y leer un discurso plástico en secuencias espacio-temporales; la

posibilidad de unión entre la pintura, la escultura, la poesía experimental, las artes

LIBRO DE ARTISTA

aplicadas, el libro de edición normal, y los más diversos procedimientos artísticos y

elementos plásticos tradicionales o innovadores como el CD o el video. Todas estas

múltiples combinaciones proporcionan un sentido lúdico y participativo a la obra, ya que

el libro de artista se puede ver, tocar,

oler, hojear, manipular y sentir.

El artista puede realizar sus obras no

sólo sobre papel, cartón o cartulina (los

materiales tradicionales del libro), sino

también sobre metacrilato, madera,

latón, pizarra, broce, etc. la

combinación múltiple de varias

materias o aportar materiales

reciclados impresos o encontrados.

Puede emplear todas las técnicas

artísticas posibles desde el óleo a la

holografía, desde la acuarela a la infografía, desde el aguafuerte a la electrografía...o la

conjunción de varias de ellas.

Este carácter interdisciplinar, permite al Libro de Artista ser el medio de expresión de

cualquier movimiento del Arte Contemporáneo, convertirse en poesía visual, en

happening, en soporte subversivo, en cuento infantil, en escultura móvil o hasta en

novela de ciencia-ficción. Se consigue, en definitiva, una libertad creativa total.

Las posibilidades tipológicas, formales, conceptuales y técnicas de los libros de artista son

muy variadas; sus infinitas formas creativas hacen necesario aventurarse a un intento de

clasificación, teniendo en cuenta que cualquier propuesta quedará siempre superada por

su variedad y complejidad (muchos libros podrán situarse en varios apartados

simultáneamente).

Tipos de libro de artista

La clasificación más primaria, pero importante por su clara diferencia, sería por el

número de ejemplares realizados de cada libro, tendríamos, por tanto, dos apartados:

El libro de artista de ejemplar único y el libro de artista seriado.

Esta denominación engloba, lógicamente, toda obra de un solo ejemplar que

normalmente irá firmado por el autor. El apartado podría subdividirse en:

Libro de artista original: Manteniendo una

estructura formal semejante a algunos de los

soportes tradicionales literarios, el artista

realiza una obra plástica única por cualquier

procedimiento.

Libro Objeto: La obra se realiza con vocación

tridimensional, contemplándose como una totalidad

en su forma.

Libro-montaje: Las obras que, situadas en

un espacio, actúan sobre ese espacio o que

sus dimensiones tridimensionales

sobrepasan el formato tradicional del libro,

condicionando al espectador en su relación

con el entorno.

Libro de ejemplar único

Libro reciclado: Partiendo de un libro de edición

normalizada, el artista manipula este libro hasta

convertirlo en una obra propia.

El libro de artista seriado (con un número de ejemplares que suele ir de cinco a mil

ejemplares), está realizado en su mayor parte o en su totalidad por un artista plástico

utilizando las más diversas técnicas de reproducción, desde la repetición manual a la

serigrafía, la litografía, la linografía, el aguafuerte, la xilografía, el offset, la electrografía,

impresoras de ordenador, etc. pero siempre controladas por el propio artista.

Otras posibilidades es la edición del libro por una editorial especializada en libros de

artista; para poder denominarlos así, la edición tendría que estar pensada, diseñada,

realizadas sus planchas o sus pantallas o sus prototipos por el artista, quedando la

editorial encargada de poner los medios para su reproducción exacta, bajo la supervisión

del propio artista. La tirada tendría que estar limitada y los ejemplares deberían estar

firmados y numerados por el artista, lo mismo que una obra gráfica.

La confusión entre el Libro de artista y el libro de Bibliofília se aclararía si el libro de

artista se realizara según lo anteriormente dicho, quedando la edición de Bibliofília

totalmente a cargo del editor en cuanto a la decisión temática, formato, materiales, etc.

Libro seriado

Arte en el que el medio es el propio cuerpo del artista y la obra de arte toma forma de

acción llevada a cabo por el artista. El Performance tiene sus orígenes en el Futurismo y

en el Dadaísmo, pero deviene un fenómeno mayor en los años 60 y 70, puede ser visto

como una rama del Arte conceptual. En Alemania y Austria fue conocido como

“Actionism”.

El término “Performance Art” tuvo sus inicios

en los años 60 en Estados Unidos. Fue

originalmente utilizado para describir

cualquier evento artístico en vivo que

incluyera poetas, músicos, cineastas, etc. en

adición a las artes visuales.

Es apropiado aclarar que, aunque estamos hablando de los 60, existieron tempranos

precedentes del Performance Art. En 1908 el Movimiento Futurista liderado por Marinetti

planteaba en su Manifiesto Futurista incorporar todas las disciplinas del mundo

intelectual y una de las características del Performance es que incluye poetas, artistas

visuales, músicos y actores. Luego los dadaista, en 1916, llevaron a cabo performance en

vivo que incluían poesía y artes visuales.

La escuela alemana del Bauhaus, fundada en 1919, incluyó un taller teatral para

explorar las relaciones entre espacio, sonido y luces. El Black Mountain College (fundado

en Estados Unidos) por instructores del Bauhaus exiliados, continuaron incorporando

estudios teatrales con las artes visuales esto, 20 años antes de los 60.

Performance

CONSIDERACIONES SOBRE LA PERFORMANCE COMO RECURSO EDUCATIVO

A finales de la década del 50 tuvieron lugar las acciones de Kaprow, Robert Morris

realizó performances en 1965, Yves Klein a finales de los 50 y durante los 60, Joseph Beuys

y Yoko Ono, fueron artistas asociados a Fluxus, un movimiento muy orientado hacia el

arte del performance. Aunque el término no habia sido acuñado, todas estas acciones

constituyeron antecedentes del arte de performance.

Ya en 1970, el “Performance Art” era un término global y su definición un poco más

específica, significaba que era en vivo y era arte, no teatro. También significaba que era

un arte que no podía ser comprado, vendido o intercambiado como comodidad.

Realmente, esta última característica era la de mayor importancia. Los artistas de

Performance veían (y ven) el movimiento como un medio para expresar su arte

directamente al público.

En adición a los artistas visuales, poetas, músicos y cineastas, el arte del Performance

incluyó, en la década del 70, la danza (sin perder de vista que no se trata de teatro). En

algunas ocasiones, todas estas expresiones artísticas son incluidas en una pieza de

Performance. Otra característica es que, como el Performance es en vivo, no hay dos

performances exactamente iguales.

En los 70 se hizo también popular el “Body Art” (una vertiente de Performance Art), que

comenzó en los 60. Desde inicios de los 80 y hasta nuestros días, el Performance ha ido

crecientemente incorporando medios tecnológicos a las piezas.

El arte del performance es aquel en el que

el trabajo lo constituyen las acciones de un

individuo o un grupo, en un lugar

determinado y durante un tiempo

concreto. La Performance o acción artística

puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse

en cualquier momento y puede tener

cualquier duración. Una acción es

cualquier situación que involucre cuatro

elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre el performer

y el público. En este sentido se opone a la pintura o la escultura, por ejemplo, en las que

un objeto constituye el foco de la obra artística. La performance tiene parentesco con la

acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte

contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la

performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.

El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que

típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta

que se está ejecutando un performance. En el arte contemporáneo- que siempre busca

redefinir sus formas y maneras, se refiere a acción poética cuando se distingue un

performance de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la

cultura.

Debido a que constituye un accionar individual y grupal, en un lugar determinado y

durante un tiempo concreto. La Performance o acción artística puede ocurrir en

cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración, una

acción es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el

cuerpo del artista y una

relación entre el performer

y el público, en este caso

todos estos puntos son

perfectamente aplicables

en cualquier

establecimiento

educacional para cualquier

nivel de enseñanza media,

aportando al desarrollo

emocional, de la personalidad, convivencia entre el alumnado.

¿Por qué performance?

El Arte Performance es una forma de expresión libre y surge como una alternativa más

de manifestarse en el Arte y es así como debemos tomar este tipo de arte más

contemporáneo llegando a la realidad social, cultural de los alumnos los ayudar a

pensar, analizar, conectar idea, ya que es un movimiento antiartístico

Chris Burden, nacido en Boston en 1946, estudió artes visuales, física y arquitectura en la

Universidad de Pomona (California). Para su tesis presentó la obra Five Day

LockerPiece, una performance en la que se encerró durante cinco días en su taquilla, lo

que provocó una gran polémica. Su reputación creció en los 70 debido a una serie de

controvertidas performances en las que el peligro personal era la idea principal. Su obra

más conocida fue “Shoot” en 1971 en la que su ayudante le disparó en su brazo izquierdo

a una distancia de 5 metros.

Joseph Beuys, artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como escultura,

performance, happening, vídeo e instalación y perteneció al grupo Fluxus. De 1946 a 1951

estudió en la Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, donde más tarde fue profesor de

escultura. En 1962 comenzó sus actividades con el movimiento neodadá Fluxus, del que

llegó a ser el miembro más significativo y famoso. Su mayor logro fue la socialización que

consiguió hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de público.

Precursores:

Chris Burden, nacido en Boston en 1946,

estudió artes visuales, física y arquitectura en

la Universidad de Pomona (California). Para

su tesis presentó la obra Five Day Locker

Piece, una performance en la que se encerró

durante cinco días en su taquilla, lo que

provocó una gran polémica. Su reputación

creció en los 70 debido a una serie de

controvertidas performances en las que el

peligro personal era la idea principal. Su

obra más conocida fue “Shoot” en 1971 en la

que su ayudante le disparó en su brazo

izquierdo a una distancia de 5 metros.

Shoot 1971

https://www.youtube.com/watch?v=JE5u3ThYyl4

Bed piece

https://www.youtube.com/watch?v=KaE2erKBcKM

Artista alemán que trabajó con varios medios

y técnicas como escultura, performance,

happening, vídeo e instalación y perteneció al

grupo Fluxus. De 1946 a 1951 estudió en la

Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, donde

más tarde fue profesor de escultura. En 1962

comenzó sus actividades con el movimiento

neodadá Fluxus, del que llegó a ser el

miembro más significativo y famoso. Su mayor

logro fue la socialización que consiguió hacer

del arte, acercándolo a todos los tipos de

público.

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How to Explain Pictures to a Dead Hare 1/2

https://www.youtube.com/watch?v=Mo47lqk_QH0

I like america and america likes me 1974

https://www.youtube.com/watch?v=APyEeixk2e0

Yoko Ono estuvo presente en la década de los sesenta y

setenta −cuando todavía era minoritaria la presencia

de la mujer en la vanguardia del arte contemporáneo−

un papel protagonista y realmente influyente en la

gestación y desarrollo de las tendencias más

carismáticas del arte vanguardista de entonces: el arte

conceptual y el movimiento Fluxus., en éste, la

participación de las mujeres jugó un papel importante.

Se puede afirmar que es la primera vez en la historia en

la que la presencia activa de mujeres en el arte es tan

amplia, teniendo además en cuenta la envergadura de

sus propuestas. Sus trabajos no fueron únicamente

paralelos a los de otros miembros del grupo liderado por el artista lituano George

Maciunas, sino que en muchos casos supusieron las bases para el desarrollo posterior del

Performance Art tal y como lo entendemos hoy, y desde luego fueron las primicias, en

algunos de ellos, de lo que conocemos hoy como arte protofeminista.

“Como en el movimiento Fluxus, mis acciones las impregné de mi concepción del mundo.

Mi obra más conocida es la acción Cut Piece, o pieza para cortar, (1964), realizada por

vez primera en Kyoto, Japón, y en el Carnegie Hall de Nueva York un año después. En la

obra, yo me sentaba en el escenario, vestida, e invitaba a los espectadores a acercarse y

a cortarme la ropa con unas tijeras” (Yoko-Ono). La artista asocia a este trabajo un

lema muy importante para ella: “No quieres ser una víctima, aunque intentan

convertirte en víctima”.

Obras

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“A Hole” (2010) es otra de sus obras emblemáticas. Una frágil y, a su vez, violenta pieza,

que consiste en una instalación de cristal, en el cual quedó marcado el impacto de una

bala. Ono anima al espectador a tomar tanto la posición de agresor como de víctima,

dependiendo de qué lado del cristal se encuentra. “Con ella quiero advertir de la

violencia que hay en todo el mundo”, dijo la artista conceptual e invitó al público a

compartir su experiencia con la violencia. Quienes deseen participar de esta experiencia

artística encontrarán en el piso superior de la exposición, una habitación solamente con

sonrisas y es que las

sonrisas de los

visitantes se grabarán

en un vídeo que

podrá verse en la

muestra como

contrapartida de la

violencia. En adición,

la instalación muestra

siete abrigos utilizados

por gente en el

momento en que les dispararon a quemarropa, así como una pared en la que las

sombras de los espectadores se proyectan y se mezclan.

Someone like you by Adele (Yoko Ono cover)

https://www.youtube.com/watch?v=ZsgMbxyDmCY

Cut piece 1965

https://www.youtube.com/watch?v=lYJ3dPwa2tI

A Hole 2010

https://www.youtube.com/watch?v=cZrm8EUHbt4

Obras

para ver

Actividades

El objetivo de las siguientes actividades es ser un modelo o ayuda

para las planificaciones del profesor de artes visuales. Estas pueden

ser modificadas según la necesidad y/o característica del curso o

del contenido a desarrollar; además con la información previamente

entregada, se pueden ir mezclando actividades, ya que, como

característica principal, destaca su capacidad integradora, dando

paso a la construcción del aprendizaje y así generando mentes

críticas y reflexivas.

Actividad: Video- poema

-Cada alumno debe crear un video que refleje el

momento donde se ha sentido más en contacto con

la naturaleza, ya sea por una experiencia

importante o solo por el gusto que tiene por ese

lugar, por ejemplo, filmar el mar, la playa, el

oleaje, como la calma invade ese espacio, que para

quien hace el video representa su lugar de fuga, de

relajación, meditación, etc. Junto con las imágenes

en el video el alumno debe recitar un poema que

tenga relación con el lugar o con la experiencia

vivida allí.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de video-poema.

2.-Ejemplificar el video-poema, a través de videos, exponer precursores nacionales e

internacionales.

3.-Estar presente durante todo el tiempo de desarrollo de la actividad, aportando ideas,

y propiciando un ambiente crítico y reflexivo dando paso a la construcción del

aprendizaje.

Actividad 1 Un aire contemporáneo en el aula

Objetivo: Incentivar la

experiencia estética, fomentar

una actitud receptiva frente a

la naturaleza, despertando los

sentidos y concentrando la

atención en las sensaciones que

percibimos.

Recursos: celular,

cámara fotográfica,

video, pc, programa

para editar que posea

el alumno.

Actividad:

-Los alumnos deben formar duplas, las

cuales tendrán que realizar un stop motion,

que muestre las etapas de un objeto de su

vida cotidiana, es decir, desde que este es

útil hasta que se vuelva un elemento

contaminante para nuestro planeta. Por

ejemplo, una botella de Coca-Cola: Se

toman imágenes desde el momento en que

se obtuvo la botella, la utilización de esta

(cuando se bebe el contenido) hasta el

momento en que es desechada y se vuelve

un contaminante para nuestro ecosistema.

El profesor debe…

1.- Explicar concepto stop motion y la realización de este.

2.- Ejemplificar actividad.

3.-Aconsejar a los alumnos respecto a los materiales a utilizar y sobre todo estar presente

durante el proceso de creación artística, propiciando un ambiente crítico y reflexivo en

torno al tema y objetivo de la actividad.

Objetivo: El propósito de este

contenido y actividad es concentrar la

atención visual para reconocer y

registrar diversas formas de

contaminación y destrucción de la

naturaleza. Se trata de agudizar las

capacidades perceptivas para formar

conciencia sobre este fenómeno, para

dar cuenta de un modo más lúcido del

daño estético, ecológico y moral que

esta situación involucra.

Actividad 2

Recursos

Cámara, PC, y los elementos

que ellos crean necesario

para desarrollar su

proyecto.

Actividad:

-Ejercicio de mecánica grupal.

-Los alumnos deben escoger una pintura que

represente un paisaje natural.

-Luego, realizan un performance, sobre la pintura

escogida, haciendo uso de la interpretación, ya sea

visual, transversal, el contexto social, etc.

-Los alumnos exponen en diferentes lugares del

establecimiento.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de performance.

2.-Ejemplificar la práctica del performance, a través de videos sobre sus precursores

extranjeros y nacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y

propiciando un ambiente crítico y reflexivo ayudando a la construcción del aprendizaje.

Actividad 3

Objetivo: Conocimiento de

diferentes modos de percibir y

representar el paisaje a través

de la mirada de grandes

pintores, pertenecientes a

diversas épocas, estilos y lugares

geográficos.

Recursos:

Libros, internet,

revistas y lo que estimen

conveniente para su

interpretación.

Actividad: parejas:

- Los alumnos tendrán que escoger un tema que

refleje su experiencia personal, social o cultural, con

la intención de comunicar y crear reacción en los

demás.

-Las parejas deben crear un graffiti, utilizando

elementos naturales o reciclables para su

construcción. Lo importante es que los materiales

tengan relación con el trasfondo del mensaje.

Ejemplo: Un mensaje en contra de la deforestación,

construido con lápices de maderas encontrados,

desechados, papeles, usados, cartón, etc.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de

graffiti.

2.-Ejemplificar el graffiti a través de videos e

imágenes, dando a conocer los precursores

nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de

la actividad, aportando ideas, y propiciando

un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a

la construcción del aprendizaje.

Actividad 4

Objetivo: Conocimiento del

lenguaje del graffiti, su origen y

diversas tendencias. Reflexión

crítica sobre el fenómeno del

graffiti considerando sus

dimensiones sociales, estéticas y

expresivas.

Recursos

Materiales que tengan

relación al mensaje a

transmitir.

Actividad individual:

-Crear una línea de tiempo de las diversas

interpretaciones de la figura humana a través de la

historia del arte.

-Las imágenes deben ser construidas con materiales

que tengan relación al contexto tiempo al cual

pertenecen.

-Para finalizar, los alumnos realizarán una instalación

de la línea de tiempo en el patio del colegio.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de instalación y línea de tiempo.

2.-Ejemplificar la instalación a través de videos e imágenes.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y

propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del

aprendizaje.

Actividad 5

Objetivo: Experimentar con

diversos lenguajes técnicos y a

modo de creación artístico

visual, evaluar los procesos y

resultados en cuanto a la

capacidad de expresión

personal, originalidad,

perseverancia en la

investigación, oficio, etc.

Recursos: pc,

internet, materiales

a elección.

Actividad: grupal:

-Los alumnos deben realizar una video instalación,

donde el tema a atender será la contaminación en los

lugares de uso cotidiano, tales como, sala de clases,

casino del colegio, patio, el paradero, etc.

Por ejemplo: Un grupo de alumnos pedirá permiso a las

autoridades correspondientes para poder hacer una

instalación por un día dentro del casino, con el objetivo de

crear conciencia de la cantidad de desechos que dejamos a

diario. Los alumnos recolectarán los desechos generados en

3 días, luego deberán hacer una instalación figurativa con

los desechos obtenidos durante este tiempo, creando

conciencia ecológica. Grabaran la reacción que tienen los compañeros del

establecimiento, y recogiendo opiniones respecto a esto.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de

instalación.

2.-Ejemplificar la instalación a través de

videos e imágenes, dando a conocer los

precursores nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y

propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del

aprendizaje.

Actividad 6

Objetivo: Diseño gráfico,

audiovisual y/o afiche

publicitario: principios y

técnicas básicas. Respeto al

medio ambiente y al

entorno natural.

Recursos:

Video, cámara o

celular y desechos.

Actividad grupal:

-Los alumnos realizaran una instalación o

intervención urbana en lugares que frecuenten a

diario (plaza, paradero, asiento, árbol, etc.)

modificándolo físicamente sin que afecte de

manera negativa el lugar.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el

concepto de intervención

urbana.

2.-Ejemplificar a través de

videos e imágenes.

3.-Estar presente durante todo

el proceso de la actividad,

aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la

construcción del aprendizaje.

Actividad 7

Objetivo: Diseñar proyectos

para remodelar espacios de

recreación juvenil, que

respondan a las necesidades

expresivas, emocionales,

preferencias y gustos del

alumnado. Seleccionar estos

proyectos teniendo presente

criterios estéticos y funcionales. Recursos: Materiales

a elección de acuerdo

a lo que requiere el

proyecto.

Actividad:

-Mediante el arte povera deberán construir una

escultura con desechos, que exprese ideas,

sentimientos y emociones respecto a un suceso que

les llame la atención en su realidad cotidiana.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el

concepto de arte povera.

2.-Ejemplificar el arte

povera a través de videos e

imágenes, dando a conocer

los precursores nacionales e

internacionales.

3.-Estar presente durante

todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y

reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 8

Objetivo: Crear, inventar

libremente y, si es posible,

producir objetos con o sin una

función determinada,

empleando diversos materiales,

técnicas o procedimientos.

Recursos: Materiales a

elección de acuerdo

al proyecto del alumno.

Actividad grupal:

-Elegir un tema costumbrista (año nuevo chino, la

tirana, carnavales, etc.) y diseñar o decorar máscaras

de yeso y con estas realizar una performance frente al

resto del curso.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el

concepto de fiesta costumbrista y

performance.

2.-Ejemplificarlos a través de videos e imágenes.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y

propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del

aprendizaje.

Actividad 9

Objetivo: Trabajar con

imaginación y sensibilidad

expresando sentimientos,

emociones, ideas y actitudes.

Recursos: Internet, pc, mascara

de yeso, pinturas, tijeras (para la

máscara), para la performance

agregar vestimenta

complementaria.

Actividad individual:

-Realizar un video tipo cortometraje, intentado retratar

la personalidad de una persona a su elección, donde por

simples imágenes y pequeños actos lo represente en su

totalidad.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de

cortometraje.

2.-Ejemplificar a través de videos e

imágenes, dando a conocer los precursores

nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y

propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del

aprendizaje.

Actividad 10

Objetivo: Explorar y/o

reconocer cómo las ideas y

sentimientos pueden

expresarse a través de

imágenes, artefactos, etc.

Recursos: Celular o

cámara, pc, internet.

Data, etc.

Actividad grupal:

-Los alumnos deben escoger un objeto del colegio o

de su entorno cotidiano, Puede ser una bicicleta,

ropa, mesa, artefacto electrónico, etc.

-Deberán crear el mismo, pero con el diseño de una

época anterior, así los espectadores podrán

comparar el objeto y ver cómo ha ido

evolucionando la ergonomía en los diseños

cotidianos.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el

concepto de ergonomía e

instalación.

2.-Ejemplificar a través de

videos e imágenes.

3.-Estar presente durante todo

el proceso de la actividad,

aportando ideas, y propiciando

un ambiente crítico y reflexivo,

dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 11

Objetivos: Apreciar y comparar

objetos correspondientes a

distintas épocas que cumplen

una función similar.

Recursos

Internet, libros,

materiales a elección.

Actividad:

-Los alumnos deberán escoger un artista y una

obra contemporánea que sea de su agrado, no solo

por lo estético, sino también por sus pensamientos,

opiniones o críticas que estén afines a las de él.

-Luego tendrán que recrear la obra escogida a

través de un libro de artista, mostrando lo esencial

de la obra, el trasfondo de esta, sin dejar de lado lo

visual, el color, forma y estilo.

-Finalmente, el libro debe ser instalado en

cualquier parte del establecimiento.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el

concepto de libro de artista.

2.-Ejemplificar a través de videos

e imágenes, dando a conocer los

precursores nacionales e

internacionales.

3.-Estar presente durante todo el

proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo,

dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 12

Objetivo: Conocimiento y

selección de grandes hitos de las

artes visuales contemporáneas,

en particular de las últimas

décadas, a través de la

investigación de sus principales

precursores. Interpretación

personal de una obra, estilo o

tendencia artística por medio

de la elaboración de un

proyecto.

Recursos:

Libros, internet,

materiales a elección.

Actividad:

-El curso deberá ponerse de acuerdo y escoger una

idea o crítica social.

-Deberán hacer una instalación con elementos

reciclados en el patio del colegio, plasmar una imagen

en relación al tema que escogieron. Deberán repartirse deberes, tareas, y

juntar desechos en conjunto.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el

concepto de instalación y trabajo

en grupo.

2.-Ejemplificar a través de videos e

imágenes.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y

propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del

aprendizaje.

Actividad 13

Objetivo: Recrear imágenes

con la finalidad de expresar

ideas, sentimientos o

emociones.

Recursos:

Elementos reciclables.

Actividad: Grupal

-Los alumnos deben hacer un cortometraje o

documental. Con el fin de comunicar o transmitir

una idea, pensamiento o crítica social, luego será

expuesto a los demás compañeros y comentado en

clases.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos

el concepto de

documental y

cortometraje

2.-Ejemplificar a través de

videos e imágenes, dando

a conocer los precursores

nacionales e

internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y

propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del

aprendizaje.

Actividad 14

Objetivo: Comprender las

características generales del

arte cinematográfico,

reconociéndolo como un

lenguaje que permite vincularse

con el mundo de una manera

especial y que se constituye en

un elemento cultural

fundamental de nuestro

tiempo.

Recursos:

Celular o cámara, PC,

vestimenta.

Actividad: individual

-Realizar un autorretrato mediante el arte povera,

buscando representarse a sí mismo en forma de

escultura con materiales reciclados que representen el

carácter o personalidad del alumno, de un tamaño

mínimo de 50 cm de altura, con los materiales que el

alumno requiera.

Por ejemplo, un alumno que le gusta el futbol puede

agregar pelotas.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos

el concepto de

autorretrato y arte

povera.

2.-Ejemplificar a través

de videos e imágenes,

dando a conocer los precursores nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y

propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del

aprendizaje.

Actividad 15

Objetivo: Explorar distintos

medios y técnicas para

expresarse artísticamente en

tres dimensiones.

Recursos: personales del

alumno (barro, paja,

madera, cartón, tapas,

cajas, tarros, etc.)

Actividad: Individual

-Cada alumno deberá elegir algún momento

especial o importante en su vida que esté

relacionado con la naturaleza o solo ciertos

elementos de ella, a partir de esto deberán hacer

una performance que represente este momento,

a través de la interpretación personal.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de

performance.

2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes,

dando a conocer los precursores nacionales e

internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la

actividad, aportando ideas, y propiciando un

ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la

construcción del aprendizaje.

Actividad 16

Objetivo: Facilitar la libre

expresión de los sentimientos y

emociones experimentados en

relación con algún(os) elemento(s)

natural(es), como por ejemplo los

árboles, las flores, las piedras, el

agua, la tierra, etc., a través de un

proyecto personal utilizando

diversos medios.

Recursos:

música, imágenes,

vestuario, maquillaje,

color materiales etc.

Actividad: grupal

-Los alumnos deben escoger uno de los

entornos naturales que conozcan y trasladarlo de

manera artística dentro del establecimiento.

-Los alumnos tendrán que hacer un boceto del lugar

que escogieron

-Deben elegir los materiales que utilizarán, de

manera libre según la necesidad que requieran por

el lugar que escogieron, pueden ser reciclables,

naturales, comprados etc.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el

concepto de entorno natural y

sus elementos.

2.-Ejemplificara través de

videos e imágenes.

3.-Estar presente durante todo

el proceso de la actividad,

aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la

construcción del aprendizaje.

Actividad 17

Objetivo: el objetivo de esta

actividad es que los alumnos

a través de la instalación,

trasladen su entorno natural o

cotidiano al establecimiento

educacional.

Recursos:

Papel, lápices,

materiales a elección.

Actividad en pareja:

-Recorrer el entorno cotidiano y tomar fotografías de

obras arquitectónicas que consideren importantes o

significativas (museos, plazas, hospitales, edificios, calles,

casas particulares, etc.) para realizar un stop motion.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el

concepto de stop motion.

2.-Ejemplificar a través de

videos e imágenes, dando a

conocer los precursores

nacionales e

internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y

propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del

aprendizaje.

Actividad 18

Objetivo: Seleccionar obras

relevantes del patrimonio

arquitectónico local y/o

regional de acuerdo a las

preferencias individuales

y/o grupales.

Recursos: cámara o

celular, programa

para editar y hacer

videos, pc, y data.

Actividad grupal:

-Realizar una performance donde se exprese sus

ideas o sentimientos sobre el cuerpo femenino y

masculino.

-Puede expresar los cambios físicos, psicológicos y

comportamientos

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de

performance.

2.-Ejemplificar a través de videos e

imágenes, dando a conocer los

precursores nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y

propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del

aprendizaje.

Actividad 19

Objetivo: Expresar ideas y

sentimientos sobre el cuerpo

femenino y masculino. Trabajar

de un modo personal

demostrando originalidad y

sensibilidad.

Recursos: música, celular,

reproductor, y

vestimenta, de acuerdo a

las necesidades de los

alumnos.

Actividad: grupal

- Los alumnos deben elegir una de las estaciones

del año (invierno, primavera, verano u otoño),

para así hacer una instalación dentro de la sala de

clases o en los pasillos del colegio, que represente la

estación escogida, esto se debe transmitir a través

de las texturas que hay en ellas, colores, materiales

naturales, percepción emocional que las personas

sienten o demuestras durante la estación escogida,

por ejemplo, primavera amor, verano felicidad, etc.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el

concepto de instalación.

2.-Ejemplificar las estaciones del

año y su percepción a través de

videos e imágenes, dando a

conocer los precursores

nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y

propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del

aprendizaje.

Actividad 20

Objetivo: Este contenido se

centra en la observación y

comprensión de la materialidad

del entorno natural, explorando

cualidades tales como: forma,

estructura, tamaño, textura,

temperatura, peso y otras.

Recursos:

Materiales a elección.

Actividad: arte povera trabajo

individual.

-Los alumnos deben observar su entorno, la

naturaleza, colores, formas, que comiencen a

observar y entender lo que los rodea.

-Todo el curso junto con el profesor deben

conversar lo que observaron, que les llamo la

atención, el profesor debe estimular la observación,

el análisis, expresión, etc.

-Luego de saber qué es lo que más les llamo la

atención los alumnos deben hacer un colgante que

exprese los colores observados en su entorno los cuales

llamaron más su atención. Los materiales los deben

escoger según lo que quieran realizar, pero siempre

recordand

o que deben utilizar materiales naturales,

reutilizar elementos en su estado bruto, re-

utilizar y reciclar.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos a lo que se refiere

entorno natural, colgante y arte povera

2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes.

3.-Estar presente durante todo el proceso de

la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso

a la construcción del aprendizaje.

Actividad 21

Objetivo: Enseñar a ver,

disfrutar y reconocer los colores,

desarrollando hábitos de

observación y privilegiando el

valor de la experiencia por

sobre los resultados técnicos.

Estos contenidos y actividades

deben estimular la capacidad

de asombro a partir de la

experiencia cotidiana.

Recursos:

Materiales de desecho

Actividad: grupal

-Los alumnos deben hacer instalaciones en

el colegio donde todo el cuerpo estudiantil

del establecimiento pueda interactuar con

este, estimulando el tacto, la percepción

visual, volúmenes y la apreciación de estos

elementos a través de la escultura y

materiales que contribuyan a este ejercicio.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el

concepto de instalación.

2.-Ejemplificar a través de

videos e imágenes, dando a

conocer los precursores

nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante

todo el proceso de la

actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a

la construcción del aprendizaje.

Actividad 22

Objetivo: Desarrollar hábitos de

observación y el sentido táctil hacia las

formas y los materiales que hacen

posible el lenguaje escultórico; y, por

otra, estimular la capacidad de

expresarse a través del volumen, a

partir de la experimentación y

búsqueda de soluciones plásticas que

surgen de la perseverancia en el

trabajo, una actitud imaginativa,

expresiva, y del desarrollo de

habilidades e intereses personales.

Recursos:

Materiales a elección

Actividad: individual- arte

povera

-Observar diseños y tallados artesanales:

madera, piedra, metal, de las esculturas

en la ciudad, ver la artesanía local.

-Luego según lo observado o lo que más

le gusto, deben diseñar una escultura

que represente la artesanía local con los

materiales que ellos estimen conveniente

para realizar su proyecto.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto

de artesanías los tipos que hay y el

arte povera.

2.-Ejemplificar a través de videos e

imágenes,

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y

propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del

aprendizaje.

Actividad 23

Objetivo: valorar la escultura como uno de

los medios más importantes de expresión

de las artes visuales. Con este fin se

propone conocer distintas modalidades del

lenguaje escultórico, de acuerdo a diversos

materiales y técnicas. En este sentido, se

recomienda motivar al alumnado para

que explore diferentes tipos de esculturas,

intentando reconocer las características

más significativas de cada obra en relación

con sus aspectos formales y expresivos.

Recursos:

Cuaderno y materiales a

elección de desechos.

Actividad grupal:

-Los alumnos deberán escoger épocas de la historia

del arte (renacimiento, pop art, arte dada etc.)

con el fin de hacer una instalación de un elemento

o grupo de objetos que traigan esa estética a la

época actual. En algún lugar del establecimiento.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el

concepto de todas las épocas de

la historia del arte

2.-Ejemplificar a través de videos

e imágenes, dando a conocer los

precursores nacionales e

internacionales.

3.-Estar presente durante todo el

proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo,

dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 24

Objetivo: Imaginar e

identificarse con diferentes

atmósferas (estéticas, históricas,

sociales) a partir de la

recreación de obras pictóricas y

fotográficas.

Recursos: Pc, internet, y

materiales que el grupo

requiera.

Actividad individual:

Realizar un libro de artista con diversos materiales

o técnicas, representando el cuerpo de diversas

maneras según sea su elección del diario de artista

que quieran realizar.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos ellos

diversos tipos de libros de artista

s.

2.-Ejemplificar a través de videos

e imágenes, dando a conocer los

precursores nacionales e

internacionales.

3.-Estar presente durante todo el

proceso de la actividad,

aportando ideas, y propiciando

un ambiente crítico y reflexivo,

dando paso a la construcción del

aprendizaje.

Actividad 25

Objetivos: Diseñar con diversos

medios, materiales y técnicas

para responder a las

necesidades del cuerpo.

Recursos: Libro o guía de

teléfono vieja, tijeras

pegamento, pinturas, etc.